La pintura en el Barroco. Sus características en Italia y los Países Bajos.

Ejemplos de Caravaggio y Vermeer de Delft.Cómo influye la Reforma y la Contrarreforma.

María Pascale – Historia del Arte II - 2016

Barroco es el término que da nombre a una corriente artística que se desarrolla tras el Renacimiento, durante el XVII y principios del XVIII. Al igual que otros términos que surgen par designar momentos de la historia del arte, está cargado de una fuerte connotación negativa, de un sentido peyorativo, puesto que barroco es una palabra de origen portugués que hace referencia a una perla de formas irregulares y un tanto deformes empleada comúnmente entre los orfebres. Existe una segunda tesis que asegura que este término fue tomado de una forma de silogismo de la filosofía escolástica que recibía este nombre, Baroco. El Barroco nace en Italia y se extiende a otros muchos países europeos como Francia, España e Inglaterra, incluso, al continente americano. Allí su límite cronológico sobre pasa el siglo XVIII, de tal modo que será frecuente encontrar edificios barrocos en torno al año 1800.

Introducción

La Reforma y la Contrarreforma

Durante el siglo XVI irrumpe en la escena religiosa la figura de Lutero, quien inicia la Reforma protestante que pretendía combatir el excesivo poder alcanzado por los papas y negar el valor de las bulas concedidas por éstos. Por otro lado, reclamaba el derecho del creyente a la libre interpretación de la Biblia y, entre otras cosas, planteaba el rechazo del culto a los santos. La reacción de la Iglesia Católica no se hizo esperar: se convocó el Concilio de Trento en el que se clarificaban los dogmas de la Iglesia y se trataba de devolver al papa el poder perdido por las afirmaciones de Lutero. El arte será, en países como Italia y España, el mecanismo de difusión de los valores religiosos perdidos. Buscará, en este sentido, ser fiel reflejo de las verdades de la doctrina cristiana por encima de otras cosas."En los países católicos y monárquicos los artistas se convierten en los instrumentos de la autoridad eclesiástica o estatal; en Holanda, por el contrario, permanecen a resguardo de toda intervención exterior" A. Hauser.

Características generales de la pintura barroca

La pintura durante el Barroco se interpreta de dos modos muy diferentes, según se trate de países católicos, en los que tendrá gran importancia la Contrarreforma, o de países como Holanda, en los que ésta apenas tuvo incidencia. La mayor parte de los temas en los países de raíz católica como Italia, España, Francia y Flandes son religiosos. En este sentido la pintura sirve de difundir a los creyentes los principales dogmas de la fe católica, que , tiempo antes, habían sido cuestionados por Lutero. Uno de los objetivos prioritarios será hacerlos lo mas verosímiles posible. Por eso abundan las escenas en las que aparece la Inmaculada, santos, los diferentes sacramentos, etc. También se ocupan de temas de índole mitológica, pero no siempre se interpretan con el rigor con el que se dio durante el Renacimiento.

En Holanda, el artista trabaja por encargo, posee una mayor independencia, es decir que no necesita un mecenas, sino que realiza encargos, generalmente procedentes de la burguesía. En este país predominan los retratos, especialmente de grupo, los bodegones, los paisajes, y las escenas cotidianas que reflejan los hogares y la vida íntima y acomodada los burgueses que encargan el cuadro. En este sentido son una fuente para conocer el entorno de la vida burguesa.

La belleza serena y equilibrada que tanto preocupó y que tanto persiguieron los artistas del Renacimiento, no es en absoluto un objetivo para la pintura barroca. El pintor barroco no rehúsa la plasmación en sus cuadros de la vejez, la fealdad, la deformidad, lo trágico, las reacciones violentas y lo dramático, de las cosas con el mayor naturalismo posible. En definitiva, a través de las emociones, el cuadro barroco trata de convencer.

La luz es uno de los elementos mas importantes del cuadro. Dirigida y concentrada se crean fuertes contrastes entre los espacios iluminados y os que permanecen en la oscuridad, al tiempo que ayuda a construir los volúmenes. Con ella se intensifica el dramatismo y se enfatiza todo aquello que se quiere resaltar de un modo especial. La luz ejerce, en muchas ocasiones, un papel selectivo.

Los cuadros barrocos están llenos de movimiento, de violentos escorzos, predominan las diagonales y lineas curvas. Se busca frecuentemente la captación de un instante, la fugacidad del momento, plasmar el punto culminante de un hecho o de una acción que muchas veces no cabe, en el lienzo: queda recortada sugiriendo que, mas allá de las dimensiones del cuadro, ésta prosigue. Se pretende que el espectador participe de la obra, se vea inmerso en ella, lo cual se consigue introduciendo un personaje dentro del cuadro que mira, mas bien que increpa, al espectador creando un intenso nexo de unión entre la obra y quien la contempla.

El color adquiere una gran importancia. Se prefieren las tonalidades intensas y dramáticamente contrastadas.

Caravaggio (1573 - 1610)

Encabeza la corriente naturalista o realista, que plasma las cosas con absoluta fidelidad. Llega a tal extremo que para pintar "La muerte de la Virgen", tomó como modelo el cadáver de una mujer ahogada en las aguas del Tíber, por lo que se puede apreciar en el cuerpo de aquella el vientre prominentemente hinchado.

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Como gran naturalista, es creador del tenebrismo, que se basa en los intensos contrastes entre luz y sombra, de tal modo que las partes que quedan iluminadas dentro del cuadro destacan especialmente sobre las que no lo están. Las luces dirigidas suelen atravesar diagonalmente el lienzo, como se aprecia en "La vocación de San Mateo", en la que la luz que entra violentamente por na ventana cayendo sobre aquellos que van a ser convertidos a la fe de Dios. Los personajes que protagonizan sus obras están sacados de la calles, son gente del puedo disfrazada de santos, personajes bíblicos o sabios.estudi-arte.blogspot.com

La muerte de la VirgenLa vocación de San Mateo

Entre sus primeras obras está "Baco", pintado en 1595, en los Uffizi de Florencia. En ella se detiene en la captación de las diferentes calidades: la transparencia de la copa que sujeta en sus manos, la piel nacarada y satinada del dios, la blancura de la tela que le cubre y la naturaleza muerta sobre la mesa. Mas tarde pintó el rostro terrorífico de "La Medusa", "Los jugadores de cartas" y "Las adivinas", estas dos últimas son escenas de género que pretenden reflejar un instante de la vida real. A partir del año 1599 la mayor parte de su producción artística es de temática religiosa, como "La conversión de san Pablo" de clara estructura circular.

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Vermeer de Delft (1632 - 1675)

Pintor holandés, maneja la luz con una maestría inusitada, sobre todo en los interiores, de los que sabe recoger la sensación de intimidad y placidez de la acomodada vida burguesa. Son escenas tratas y refinadas. Su pincelada es minuciosa y detallista, de manera casi fotográfica y absolutamente objetiva. En "El vaso de vino" refleja la sensación del tiempo que ha sido congelado. En una estancia en la que cada detalle del mobiliario ha sido captado con una fidelidad asombrosa, mientras son acariciados por la luz, un hombre sujeta una jarra de vino para rellenar la copa que está apurando una mujer. En "El estudio del artista", un pintor retrata a una mujer vestida de la musa de la Historia, Clio. Otras obras suyas son "La bordadora" y "El oficial y la muchacha riendo". Pintó bellos paisajes como "La vista de Delft", considerado por Marcel Proust como el cuadro mas bello del mundo.

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Baco

El vaso de vino

choisart.org

arte.laguia2000.com

http://www.artehistoria.com/v2/obras/3062.htmhttp://arte.laguia2000.com/pintura/vista-de-delft-de-vermeer

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Gombrich, E.H; La Historia del Arte, Ed. Diana, Mexico, 1995Gallego Raquel, La historia del Arte, Ed. Editex, Madrid, 2009

El estudio del artista

La vista de Delft

Referencias