LA MATíA

INFORME TRABAJO DE GRADO EN MODALIDAD INTERPRETACIÓN CREACIÓN

LAURA DANIELA CASTRO

LINEA DE INVESTIGACIÓN EN COMPOSICIÓN – PROFUNDIZACIÓN EN DIRECCIÓN

COREOGRÁFICA

TUTORA : DORYS ORJUELA

UNIVERSIDAD DISTRITAL FRANCISCO JOSÉ DE CALDAS

FACULTAD DE ARTES ASAB

PROYECTO CURRICULAR ARTE DANZARIO

BOGOTA

2016

La Matía

Dirección: Laura Daniela Castro

Bailarinas intérpretes:

Fernanda Montoya

Cindy Méndez

Laura Daniela Castro

Vivian Staaden

Laura Oyuela

La Matía es una pieza coreográfica que por medio del lenguaje del movimiento busca re-

interpretar el concepto de feminidad, esta obra transita por un espacio imaginario en el que

más que contar una historia se evocan imágenes y atmósferas que nos permiten tejer una

relación entre el cuerpo, la identidad, el movimiento y la estética, 5 mujeres en escena nos

recuerdan sobre una sabiduría antigua, sabiduría de hechiceras, amantes y brujas quienes

nos muestran su belleza y su poder.

Propuesta

Como artista me parece indispensable resolver inquietudes propias que surgen en procesos

de aprendizaje bien sean autónomos o colectivos, en este caso enmarcados en un proceso

de formación dentro del proyecto Arte Danzario, así que voy a referirme a una pregunta que

ha estado presente en gran parte de mi trayectoria o proceso, y más entendiendo la danza

como un campo de conocimiento que se expresa en un lenguaje propio, la inquietud es

¿Para mí que significa la feminidad?, esta pregunta puede ser bastante amplia, así que en

este proyecto, se abordara como punto de partida una investigación con características

auto reflexivas y entendida como una experiencia sensitiva basada en la imagen, la

imaginación y la exploración.

Me interesa crear a partir de la imagen e ir encontrando o indagando sobre una estética

que hile toda la pieza más que contar una historia como tal, que hable tranquilamente desde

mis propias lecturas y reflexiones sobre lo femenino, sin que eso signifique negar las otras

posibilidades de lo que puede definir esta palabra.

Objetivos

General

Crear una pieza de danza a partir de la investigación como reflexión sobre la feminidad y el

misticismo, tejiendo una relación entre ambos.

Específicos

Realizar un laboratorio de creación y movimiento a partir de la improvisación y la

observación.

Encontrar y llevar a la escena imágenes que evoquen la feminidad y el misticismo,

buscando así la creación de una estética propia de la pieza, basados en otras artes como

el cine, la pintura o la literatura

Crear un texto compartiendo la experiencia de crear y dirigir una pieza coreográfica

Metodología

La propuesta de creación no busca una metodología concreta sino más bien comprender y

transitar por otras metodologías como herramientas básicas para labrar un camino más

orgánico, que se adapte a las necesidades de la pieza coreográfica y a la investigación

misma, es por ello que tomare como referentes principales a dos grandes coreógrafas y

directoras en la danza que son Doris Humphrey y Pina Bausch, me interesa trabajar bajo

las teorías de composición que cada una propone, pues están expuestas desde

diferentes ángulos, por un lado Humphrey plantea metodologías específicas para la

composición las cuales quedaron plasmadas en su libro el arte de hacer danza,

mientras Pina, propone una investigación para la interpretación basados en la

improvisación, sin embargo tienen varios puntos de convergencia que me

interesan, durante el proceso investigativo surge una pregunta que guía esta parte del

proceso.

¿Partiendo de las Teorías de composición Coreográfica y escénica de Pina Bausch y Doris

Humphrey se puede crear un acercamiento a una metodología de composición?

Para responder este cuestionamiento es necesario hacer un acercamiento a cada

coreógrafa, así que para empezar fue necesario hacer una contextualización sobre cada

una de ellas.

Desde hace ya algunos años descubrí a Pina Bausch, una de las mayores exponentes de

la danza contemporánea en el mundo, la descubrí por medio de una película de Pedro

Almodóvar, Hable con Ella, enseguida su trabajo me cautivó, la primera obra que tuve

oportunidad de ver, fue Café Muller, a pesar de que me costó mucho entender que

significaba, recuerdo que logró conmoverme, poco a poco he ido siguiendo su trabajo como

directora, me interesa Pina, no solamente por un gusto personal hacia sus obras, sino

porque además de ser un personaje histórico y dejar un gran legado de danza en el mundo,

logra hacer que me cuestione sobre qué es lo que quiero decir a los otros con mi trabajo y

de qué manera puedo hacerlo, otra de las cosas que también resalto y me encantan dentro

de sus creaciones, es la cantidad y la calidad de imágenes estéticas que proporciona al

espectador, pues para mí de eso se trata un poco el arte escénico, que puede conectarse

al arte visual teniendo la posibilidad de crear espacios no existentes ante los ojos del

público, tomando como base la composición de imagen dentro del espacio escénico, por

último Pina me recuerda que el arte siempre tiene la tarea de tocar al otro, que tiene la

posibilidad de conmover y comunicar.

Philiphina nace en una pequeña ciudad en Alemania llamada Solingen el 27 de julio de

1940, a finales de la segunda guerra mundial, se dice que su cuerpo guardó el dolor y el

miedo que observaba en los demás, y que más adelante estos fueron temas principales en

sus obras, viaja y estudia con varios artistas reconocidos y en 1962 vuelve a Alemania,

siendo muy joven toma la dirección del Wuppertal Theater , cuando empieza sus trabajos

como coreógrafa y directora es fuertemente criticada, se hace a sí misma una pregunta

clave en su carrera, ¿para qué y cómo puedo expresar algo?, dice que para expresar lo

que realmente siente su corazón es imposible usar el material coreográfico de otras

personas, no le interesa como se mueve la gente sino que es lo que la mueve.

Durante su carrera tiene una gran influencia en cuanto al diseño escénico gracias a su

esposo y compañero Rolf Borzik, quien era el diseñador de la compañía y fue el quien

ayudo a pina a lograr recrear las imágenes de la naturaleza en la escena, pues para ella el

espacio escénico no solo era el lugar que enmarcaba la danza sino el lugar en donde

incluso podría obstaculizarla, un ejemplo de ello es CAFE MULLER en donde la

escenografía es la que le da vida y hace única a esta obra.

En 1973 crea el Tanztheather Wuppertal, al cabo de un tiempo Pina se vuelve la máxima

representante de la danza teatro en Alemania, e históricamente se convierte en una de las

pioneras de la danza contemporánea en el mundo.

Doris Humphrey nace el 17 de octubre de 1895 en Illinois, Estados Unidos, tuvo la

oportunidad de bailar desde muy niña, perteneció a la compañía Denishawn como bailarina

y profesora, en este lugar intento realizar su propia investigación y resolver sus inquietudes

sobre el movimiento, pero después de algunos intentos fallidos decide retirarse para poder

realizar su propia búsqueda, es así como funda junto a Charles Weidman su propia escuela

en 1928, Doris es considerada una de las bailarinas más importantes de la danza moderna,

una de sus pioneras, presente en su surgimiento y desarrollo, fue quien introdujo el principio

técnico de caída-recuperación, estaba interesada en que la danza siempre contara algo, su

obra tiene un alto contenido expresivo, es por ello que no se concentró totalmente en

desarrollar una técnica específica, sino que exploro para encontrar la expresión dentro del

movimiento, dentro de esta necesidad investigativa escribe varios libros, uno de los más

importantes en este campo The art of making dances publicado en 1959 poco antes de su

muerte.

Piensa que el coreógrafo debe tener una motivación consiente, el movimiento debe

emerger de un propósito para evitar una representación técnica fría y mecánica que no

transmite nada al espectador, la motivación es lo que da sentido a la técnica, sin motivación,

no hay movimiento.

Así mismo también nos cuenta que cuando aprendemos danza, la técnica siempre es

priorizada y la motivación queda de lado, ella plantea la necesidad de la existencia de una

técnica de la expresión de las emociones, ya que de estas parten las motivaciones y el

movimiento, en escena utilizamos derivados de dicha motivación, Doris los llama gestos,

los cuales son útiles en función de comunicar, pues son cercanos al espectador y puede

reconocerlos.

Ya que la propuesta inicial es indagar en cada teoría de composición me fue necesario

hacer una comparación sobre los aspectos que cada una propone a la hora de componer

o que puedo ver reflejado en su obra, así que plasme los elementos que más me interesan

o que me parecen más importantes para componer

Movimiento

El movimiento para ambas debe tener una alta carga expresiva, ninguna de las dos está de

acuerdo con que se deba primar la técnica a la intención o la interpretación, contrario a esto

se busca producir el movimiento por medio de la sensación, Pina desarrolla para sí misma

un lenguaje de movimiento propio que se relaciona mucho a la danza expresionista, está

interesada en que el mismo bailarín descubra y apropie una forma de moverse, bien sea

como su cuerpo o su sentimiento lo decida. Para Doris la danza surge a través de la

motivación y de la técnica (esta no debe estar basada en un vocabulario de movimientos

como es el caso del ballet, sino en la comprensión de los principios que rigen el

movimiento), durante su investigación surge el principio técnico caída - recuperación, este

se funda en la observación de la conducta espontánea (respirar, caminar … ), este eje dual

del movimiento domina la forma de sus composiciones, teniendo en cuenta que siempre

resalta los opuestos y el contraste dentro de las posibilidades de la creación. Doris entiende

la forma como el diseño del movimiento en la coreografía, sin embargo, considera que la

danza no es solo la forma sino el movimiento que surge al pasar de una imagen a otra.

Creación y Composición

Pina busca crear movimiento desde premisas que en su mayoría tienen que ver con los

recuerdos o premisas que lleven a acciones de movimiento concretas , por ejemplo,

pregunta a sus intérpretes, ¿qué harías con un cadáver?, ¿cómo te comportas si pierdes

algo valioso?, lleva un beso desde el punto A hasta el punto B…, en ocasiones también

provee al bailarín movimientos y este tiene que improvisar a partir de ellos pues no solo la

solución a las premisas es el movimiento, sino que puede ser el gesto, una imagen, un texto

e incluso sonidos, su interés radica en que es lo que me puede contar, solía decir que

muchas veces tuvo que sacrificar su danza para lograr la expresión es por ello su arte se

vuelve más interdisciplinar, en Pina podemos observar en el transcurso de sus obras una

serie de imágenes casi fotográficas interrumpidas por fragmentos de movimiento y danza,

para la composición general de sus obras maneja un concepto llamado collage, lo que hace

es colocar todas las escenas que creó con sus intérpretes, y posiciona una encima de otras

sin necesidad de llevar una dramaturgia lineal, recurre mucho al retorno incesante de las

repeticiones, mezcla la palabra y el movimiento y también utiliza la metáfora como un

elemento recurrente, en sus obras utiliza la repetición no solamente como una forma

coreográfica sino más bien como una forma de llegar a un estado físico o un estado

emocional.

Por su parte Doris si nos habla de un compositor quien debe pensar más en términos de

movimiento que pasos, también debe ser un gran observador, tener curiosidad por las

personas con quienes trabaja, analizar sus conductas físicas y emocionales, entender las

diferencias, las capacidades y particularidades, debe tener sentido para la estructura

dramática y el contraste, haciendo coherentes los componentes de una pieza, debe tener

un lenguaje claro para transmitir su intención, velocidad para el juicio, toma de decisiones

y búsqueda de medios y no menos importante tener algo que decir .

Doris nos expone cuatro elementos básicos del movimiento bailado que son el diseño, la

dinámica, el ritmo y la motivación.

Música

Doris fue una de las primeras en experimentar con ella de maneras no convencionales,

decía que no toda la música servía para la danza, afirmaba que la melodía, el ritmo y la

calidad dramática debían ser factores determinantes a la hora de escogerla, se puede

utilizar siempre una pieza musical pero explica que no es necesario atarse a ella, se dice

que es su obra revela una sensibilidad musical extraordinaria, por su parte Pina al tener

una obra más contemporánea habla de sonido, durante toda su trayectoria probó diferentes

formas musicales, como obras de repertorio en el caso de la Consagración, música

tradicional de otros países, música contemporánea o incluso el silencio o la palabra, esta

última es muy importante para ambas como un recurso que puede ayudar a la dramaturgia,

se introduce como un recurso que explora la Narración, el Canto, el Diálogo, los Juegos de

palabras, sus posibilidades y en fusión con la danza, Doris aclara que es importante que

esté justificada para que no sea un elemento arbitrario, ella decía que, “por ejemplo «un

niño trajo la blanca sabana a las 5 de la tarde» evocaba el ambiente a la hora de la muerte

y todas las implicaciones de la mortaja mucho mejor que cualquier efecto luminotécnico o

coreográfico”(MARKESSINIS 1995, pág. 179).

Escenografía

Para Doris la escenografía y utilería no necesariamente tenía que ser literal como en las

formas del ballet clásico, sino más bien podía ser una posibilidad para el uso de otros

planos, como el plano vertical, y de apoyar el tema central de la pieza pero de una manera

más simbólica que permitan tanto al espectador como al estudiante la interpretación, no es

considerada solo como un adorno sino como algo funcional, por su lado pina evoluciona

esta idea pues creía que todo lo que ella imaginaba en el escenario era posible, siempre

trabajo de la mano con su compañero Rolf Borsnik quien era Diseñador Gráfico y Artista

Plástico, creía que el espacio escénico tenía todo un potencial para la creación, en repetidas

ocasiones logro trasladar imágenes de la naturaleza al teatro, logro varias escenografías

memorables, por ejemplo en la consagración de la Primavera llena todo el piso de tierra,

en Café Muller recrea un lugar de su infancia lo llena de sillas, y estas se vuelven parte

indispensable en la coreografía y en la intención de la pieza.

Espacio

Para Doris el diseño puede analizarse en el espacio y desde un punto visual, sobre la

simetría y la asimetría, Doris acoge la primera como un punto de descanso sin embargo

puede llegar a ser monótona y aburrida, mientras que la asimetría por su parte puede

demostrar emoción, conflicto y fuerza, el diseño y la forma deben crearse con la intención

de representar una idea.

Pina por su parte maneja el espacio de maneras diferentes dependiendo lo que se quiera

decir, un ejemplo es, La Consagración de la Primavera, en ella retoma formas sencillas

para evocar momentos importantes en la escena, maneja el circulo como símbolo del ritual,

ella combina y contrasta el espacio con varias diagonales, cardúmenes y recorridos al azar

por los bailarines en el espacio.

Según Doris existen en el escenario convencional puntos fuertes y puntos débiles, zonas

débiles y zonas fuertes y recorridos o líneas en el espacio que el director debe conocer, las

áreas del espacio utilizadas pueden apoyar y resaltar diferentes conceptos o sensaciones,

también negarlos, aquí el coreógrafo puede dar su propio criterio, la fuerza de las áreas

escénicas puede ser modificada por la luz o la ejecución del bailarín.

Procesos para la Creación

Después de observar y analizar cada teoría de composición surgieron aún más inquietudes,

pero también varios caminos para empezar a construir obra, como primera instancia la

bitácora se convierte en una herramienta vital, cada artista la maneja de formas diferentes,

es el lugar donde se plasma cualquier cosa que se relacione con la investigación, en este

caso sobre dos conceptos específicos, feminidad y misticismo, en ella plasmo ideas,

pensamientos, propuestas coreográficas, escenas o referentes de cualquier tipo, cabe

resaltar que la investigación ligada a la creación, tiene diferentes parámetros y procesos

para llevarse a cabo, es por ello que al tomar la investigación como una experiencia

sensitiva, es decir que se permea y toma todo lo que percibe a su alrededor, permite al

director entender y sistematizar información, brindado aún más posibilidades para la

creación, la bitácora no solo funciona como herramienta inicial sino que además apoya el

proceso, cuando inicié la investigación tenía la idea de trabajar en una pieza en donde solo

yo bailara e interpretara mis propias ideas, sin embargo a la hora de la exploración empecé

a concebir la idea de un grupo de mujeres que pudiera apoyarme con sus propias

reflexiones sobre el tema, así que busque intérpretes que estuvieran dispuestas e

interesadas, como primera tarea cada una debía llevar una bitácora.

En el proceso de creación se construye casi un dialogo con el método pues varía

dependiendo de las necesidades de la creación, para dicho fin me es necesario llevar a

cabo dos procesos paralelos que se entretejen todo el tiempo y son la investigación teórica

y la exploración corporal, es por ello que de aquí en adelante ambos temas se verán

combinados o unidos.

Para comenzar realice un taller de exploración que en un principio pretendía indagar sobre

el movimiento, teniendo como premisa inicial encontrar diferencias entre lo que veíamos

como movimiento masculino y femenino, sin embargo en el transcurso del mismo se

convirtió más bien en un laboratorio sensitivo, que enseguida se conectó con el otro termino

a indagar que era el misticismo, así que allí se profundizó sobre cuál era la sensación que

teníamos de lo femenino, este laboratorio se desarrolló en torno a la improvisación sobre

premisas que fueron siguiendo en las diferentes sensaciones, muchas de ellas salían de

elementos que encontraba incluso aleatoriamente en mi bitácora, estas prácticas nos

llevaron no tanto a la creación de movimiento danzado, sino a la creación de acciones

concretas y gestos, relacionado a esto también pensé en cuál era el entrenamiento o un

calentamiento adecuado para el cuerpo, para ponerlo en disposición de crear y bailar,

guiada por Doris y Pina, decidí realizar un espacio circular en donde cada una podía

proponer lo que sentía que su cuerpo necesitara para iniciar, este momento se convierte

de nuevo en un ritual que adoptamos como grupo.

Para encontrar un hilo conductor en el laboratorio de creación y como era uno de mis

objetivos principales busque en la pintura pues somos seres visuales sumergidos en una

cultura visual, en su gran mayoría percibimos el mundo por medio de imágenes, y somos

nosotros mismos quienes les damos significado, hablamos de la imagen como una

construcción colectiva de la cultura de cada sociedad, es decir que entre todos formamos

acuerdos de una misma estética para saber que es bello y que no lo es, así mismo cada

cultura tiene un imaginario y hace una construcción de cuerpo distinta, empecé tomándola

como eje principal de la investigación, indague entonces sobre la pintura buscando lo

femenino y encontré miles de referentes, infinidad de pinturas de mujeres desnudas, musas

inmortalizadas y plasmadas, siempre me ha llamado la atención el por qué durante la

historia del arte han existido una gran cantidad de cuadros de mujeres desnudas, unas muy

reconocidas y además con un gran valor histórico, pero solamente hechas por hombres,

decido estudiar 20 pinturas que elijo por su valor histórico y sus cualidades estéticas, la

mayoría de estos cuadros me parecen bellísimos, analizo la composición de la imagen,

como los volúmenes del cuerpo se vuelven el eje principal, veo siempre, flores y frutas, que

pienso pueden relacionarse a la belleza y a la fertilidad, encuentro y puedo leer los cánones

de belleza que se dan en diferentes momentos, sin embargo cuando busco vagamente por

una mujer que pinte a otras mujeres desnudas me doy cuenta de que este arte está casi

colonizado por hombres, es por ello que empiezo a analizar sobre dichos cánones de

belleza, y reafirmo la idea de que han sido manipulados siempre, y que actualmente

concebimos la idea de feminidad como los diferentes medios la venden, con la

globalización, el internet y el constante bombardeo de la publicidad, me atrevo a decir que

hemos creado un imaginario colectivo de cuerpo ideal, sin entender el trasfondo que ello

tiene, pues es claro que transgrede la forma como nos reconocemos a nosotros mismos y

como percibimos al otro a partir de ese imaginario, el canon siempre responde a los factores

culturales e históricos, por esto mismo se van modificando a través del tiempo.

Decido entonces devolverme a los orígenes, no de la pintura, sino de la conformación de

sociedad y el papel de la mujer tal y como la conocemos hoy en día, busco a las dos mujeres

que en nuestra sociedad tiene la tarea de representar lo femenino, las dos descritas por la

iglesia católica y presentadas desde extremos ellas son Eva, la mujer que nace de la costilla

del hombre y se crea para ser compañera y poblar el mundo, y María, a quien se le anuncia

que será madre del hijo de Dios, sin ser jamás tocada y gracias a ello se le asocia a una

vida santa.

Al tener una gran cantidad de información, que incluye pensamientos, ideas, reflexiones,

referentes etc, me es indispensable realizar un proceso de categorización para analizarla

de una forma más ordenada, después de esto me dedico a la construcción de un guion

coreográfico, este no es un guion inamovible sino que es una posibilidad que le permite al

director encontrar más fácilmente herramientas creativas, este documento jamás esta

estático, sino que por el contrario está en constante cambio pues se retroalimenta del

proceso que se lleva paralelamente en los laboratorios coreográficos, pues así como

propone algo en cada laboratorio, al terminar se renueva, en un principio dicho guion no

tendrá un orden especifico sin embargo dividirá la investigación en cuadros (los llamo de

esta manera pues en esta parte del proceso no logran ser escenas concretas), cada cuadro

debe tener las siguientes especificaciones que podrán ser modificadas:

Premisa, movimiento, Imagen, Referente - Situación, Música, Color, Luz, elementos, otros,

espacio, dramaturgia

Como dije anteriormente la creación artística no es convencional y esta es una herramienta

que puede funcionar o no, en este caso puedo decir que colaboro con la mayoría de la

creación de la pieza, por ahora no existe un método claro de cómo llenar este cuadro que

propongo, con todos los ítems que mencione anteriormente, sin embargo en un principio

me fue muy útil para buscar las premisas que quería trabajar con las bailarinas, aquí tomo

como referente a pina, quien buscaba pautas que llevaran a acciones concretas por medio

de la improvisación, pues al igual que ella me interesa encontrar un movimiento genuino o

más sincero en cada intérprete.

Para explicar mejor como funciona mi versión de un guion coreográfico, colocare un ejemplo

de la obra.

Imagen: Eva siento tentada a comer la manzana

Elementos: Manzana

Premisa: Atrapar, quieres besar algo, pero no te lo permiten.

Referente: Escena de Jeux des Enfants (película)

Situación: Dos niños están en el paraíso y entre ambos comen la manzana, después dios

quien en realidad es el director de su escuela, empieza una retahíla de todo lo que conlleva

esta acción.

Movimiento: Suave pero atento

Música: Voz femenina

Color: Rojo, piel

Dramaturgia: Un grupo de mujeres jugando para obtener la manzana

Luz: Atardecer, tenue, ámbar

Espacio: Jardín en otoño

Otros: Eva esta desnuda, sin sentir vergüenza

En este caso lo primero que entro al guion fue el momento en que en la biblia, dios condena

a Eva por morder el fruto prohibido, así que esa es la imagen que rescaté, pues fue el

momento en que la religión condena a padecer por el hecho biológico de nacer como mujer,

es decir que si queremos tener hijos se está sometida a sentir dolor, y además de eso se

lleva una carga con todas las culpas que aquejan el mundo, por su rebeldía, entonces aquí

naturalmente aparece un elemento primordial que es la manzana, pensé entonces como

transformar esta imagen en una premisa, y se me ocurrió que podría ser ¨ Quieres besar

algo pero no te lo permiten ¨, sin ningún otro elemento me dirijo al espacio del laboratorio,

en la exploración, encuentro como llenar otros campos vacíos, pues la respuesta a la

premisa, fueron unas niñas jugando con la manzana, en seguida recordé una escena de

una película que vi hace algún tiempo llamada juego de niños en donde hay una escena

que se asociaba a la situación dada, coloco siempre juntos referencia y situación pues a

veces es necesario saber por qué se coloca esto allí como referente. Vuelvo al cuadro y

encuentro más formas de tejer relaciones, por ejemplo en el ítem de color imagino a Eva

desnuda, lo que me hace pensar en el color piel , en contraste con el rojo de la manzana,

en varias ocasiones he leído que en realidad es de color verde, sin embargo decido dejar

la manzana roja en el guion por la connotación que tiene ese color, pienso de nuevo en el

ejercicio de exploración, recuerdo la calidad de las intérpretes, y la describo lo más

fielmente posible, para los espacios que me quedan y que no puedo contestar empiezo a

atar cabos sueltos, Doris siempre nos aconseja hablar desde los opuestos, pues así ella

formo su propio trabajo, así que por este momento decido completar los demás elementos

haciendo uso en lo antónimos, imagino como era la luz y pienso en una mañana, así que

busco lo contrario, una luz tenue y color ámbar, en cuanto al espacio se habla de un jardín,

que cuando está en su máximo esplendor se encuentra en primavera, el antónimo seria el

otoño donde los frutos mueren, para el sonido busco paz y calma, me imagino una voz

femenina, finalmente en otros quiero resaltar la desnudes de Eva así que lo coloco allí para

tenerlo presente.

Descripción de cada uno de los resultados alcanzados

Poco a Poco este guion fue tomando una forma más clara y se logró concretar la obra,

dentro de ella es claro que se habla desde un discurso femenino, que comprende la

particularidad de cada bailarina pero que a su vez coloca en dialogo al movimiento y la

dramaturgia, cada uno de los elementos que se utilizan dentro de la obra tejen una

cuidadosa relación con la idea del ritual

Como resultado final se logró concretar una pieza de 25 minutos aproximadamente, en

donde se utiliza el lenguaje de la danza como medio principal para comunicar, la pieza todo

el tiempo recurre a movimientos que recuerdan la feminidad ligada un poco a la tristeza o

nostalgia, en su gran mayoría los movimientos tienen una calidad suave, siempre cargados

de expresión, sin embargo en busca del contraste y también haciendo caso a las

necesidades de ritmo, se utilizaron movimientos rápidos y fuertes, además la repetición y

el juego coreográfico fueron elementos indispensables para que la obra adquiriera una

identidad.

En cuanto a la música, fue uno de los elementos más contundentes, lleva casi toda la

dramaturgia y el ritmo de la obra, se utilizaron en su gran mayoría voces femeninas y música

instrumental celta, en cuanto al espacio decidí trabajar la mayoría del tiempo grandes coros

y también planimetrías asimétricas, sin embargo, se puede notar un orden y una planeación

en cada coreografía, el espacio se vuelve un lienzo en blanco para empezar a dibujar como

más convenga, así que decidí contrastar entre un espacio dinámico, es decir que las

planimetrías van cambiando constantemente a un espacio más plano.

Uno de los objetivos era trabajar sobre las imágenes que me evocaban otras disciplinas del

arte, es por ello que se traen a escena varios elementos que complementan la idea de lo

femenino, varios componentes interesantes como la insinuación de ritual que está asociado

al misticismo, utilizando elementos como pintura negra, agua, velas, pétalos de flores, que

en el marco general de la pieza circulan alrededor de la imagen del ritual femenino en

intimidad, es por ello que también se utiliza el desnudo, pues se recuerda la vulnerabilidad

del cuerpo humano y su belleza, ligada a la fortaleza de la mente y la sabiduría femenina.

Análisis de resultados, Productos, Alcances e impacto del trabajo de Grado

Como resultado se logra transitar dentro de una obra que logra hablar tranquilamente desde

un discurso femenino, haciendo una investigación o una búsqueda que pretende volver a

indagar sobre lo más básico como seres humanos y desde donde parte nuestra identidad,

en este caso cuál es nuestra identidad como mujeres o colectivamente como nos sentimos

identificadas sin tener que ser definidas, este trabajo no pretende limitar lo que significa la

feminidad sino más bien contemplar lo que durante la historia ha significado y como tal vez

replantearlo y volver a encontrarlo.

Se estrenó la obra el 5 de diciembre de 2016 en el Aula Máxima, se presentó principalmente

a amigos, familiares, maestros y a la comunidad universitaria, considero que como grupo

logramos conectarnos y expresar una misma idea en la escena, es importante reconocer la

danza como un mundo infinito de expresión y así mismo validar otras formas como las que

intentamos construir como grupo y que se ven reflejadas en la Matía.

Evaluación y cumplimiento de los objetivos

Como objetivos principales se tienen como premisas acudir a otras disciplinas del arte como

fuentes investigativas, y usar laboratorios para la creación de movimiento lo cual

ayudó drásticamente en la concepción de la pieza y su realización, este trabajo de grado

más que ser un resultado final mejor logra ser un punto de partida sobre esta gran pregunta

y cuestionamiento sobre la feminidad, que espero seguir trabajando y desarrollando en mis

trabajos artísticos como profesional.

Considero que a nivel general se cumplen todos los objetivos que se plantean desde la

propuesta inicial, pasando por el laboratorio de creación que nos brindó herramientas

coreográficas y dramatúrgicas y finalizando con la pieza coreográfica que expone el punto

de partida de esta investigación.

Conclusiones

Considero que esta pieza logra recolectar las inquietudes que surgieron en mi carrera y

logra llevarlas a la escena, además de eso al construir este texto, me llevo la grata sorpresa

de que poco a poco voy encontrando sin querer o sin ser esta la intención principal, un

método propio de construcción de obra basado en otros ya existentes, como lo dije

anteriormente sobre todo en las teorías de composición de Pina Bausch y Doris

Humphrey, logrando hacer una adaptación propia de las cosas que más me interesaban

de cada una y sumando elementos que fui construyendo y adaptando a mis propias

inquietudes y necesidades creativas.

Referentes

Markessinis, A (1995) Historia de la Danza desde sus orígenes, Madrid: librerías deportivas

Esteban Sanz Martier, S.L

Humphrey D, (1987) The Art of making Dances , Hightstown : Princeton book Company

www.pina-bausch.de

http://www.danceheritage.org/treasures/humphrey_essay_siegel.pdf

www.prelectur.stanford.edu/lecturers/bausch/

http://revistas.utadeo.edu.co/index.php/RLT/article/viewFile/317/316

LAURA DANIELA CASTRO CORDOBA

Cod Estudiante : 20112102020

Trabajo de Grado

Modalidad en Interpretación Creación