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LA FIGURA DEL ARTISTA

Por:

Camila S. Ponce de León

Fecha:

2 de Noviembre 2011

Curso:

FOBA “A” T.M.

Asignatura:

Historia del Arte

Profesor/a:

Lourdes Arim

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El artista-mago:

Autor: Desconocido

Fecha: 14.000 años

Tamaño: 18x24cm

Material: Pintura paleolítica policroma sobre el

Saliente de una roca en el techo

Lugar: Gran Sala de la Cueva de Altamira

La cueva de Altamira, descubierta por Marcelino Sanz de Sautuola en 1879, en su techo se representan casi

un centenar de animales y signos, destacando los 21 bisontes en distintas actitudes, acompañados de

caballos, jabalíes, y toros, efectuados con técnicas diversas que dan como resultado una composición de

gran movimiento y belleza, única en el arte paleolítico. Su realización data de hace 14.000 años. La pintura

está hecha con ocre natural de color sangriento y el contorno de las figuras con líneas negras de carbón

vegetal. La cueva tiene un desarrollo longitudinal de 270 metros y numerosos grabados a lo largo de su

recorrido.

Artesanos y constructores:

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Autor: Desconocido

Fecha: c.2620 a. de C.

Tamaño: Rahotep: altura 121 cm Nofret: altura 122 cm

Material: Caliza pintada

Lugar: Museo Egipcio, el Cairo.

Las estatuas de Rahotep y su esposa representan su interés por su buen estado de conservación de sus

colores.

Casi todas las estatuas del periodo antiguo estaban pintadas con colores originales (negro, gris, blanco,

rojo, marrón, verde azul y amarillo) vivos. La pareja está sentada en una pose convencional, la parte

inferior del cuerpo esta mas descuidada para que la atención recaiga sobre la parte superior y más

concretamente en los ojos expresivos hechos de cuarzo y alabastro. El artista distribuyo los volúmenes y

la opulencia de las formas para romper la estética simetría tan presente en el arte egipcio.

Artes nobles y artes manuales:

Autor: Mirón.

Fecha: Mediados del s. V a. C. (. 450 a.C.).

Tamaño: 1,5m Altura

Material: Copia romana en mármol

Lugar: el Museo Nacionales Romano de la capital italiana.

Representa en esta obra, tal vez al héroe Hyakinthos, que murió cuando arrojaba el disco, si bien podemos

encontrar en esta pieza una de las primeras obras que se esfuerza en una representación del hombre,

como ideal simbólico en sí mismo y no como representación de exvotos o divinidades. La disposición de la

figura es muy atrevida. Mirón sorprende a la atleta cuando la mano derecha impulsa el disco hacia atrás,

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para lanzarlo inmediatamente. Ello obliga a una composición arriesgada, curvilínea, en espiral,

contrapesada con las líneas quebradas de brazos y piernas. A su vez esto multiplica los puntos de vista y

además consigue transmitir una sensación de instantaneidad, que acentúa el dinamismo de la obra, a la

cual ayuda, el material original (bronce) y la acción de la luz “resbalando” sobre él.

El artista monje:

Titulo: Libro de Durrow

Fecha: siglo VII

Tamaño: 247 mm por 228, y consta de 248 hojas

Material: Pergamino

Lugar: Northumbria

El Libro de Durrow es un manuscrito iluminado del siglo VII. Pudo ser realizado en Northumbria (norte de Inglaterra), o en la abadía de Durrow cerca de Durrow, en el condado de Laois, en Irlanda. Los

investigadores tienden a decantarse por la segunda hipótesis.

El Libro de Durrow es un evangeliario, y constituye quizá el Evangelio iluminado más antiguo de Gran Bretaña e Irlanda. El texto comprende los Evangelios según Mateo, según Marcos, según Lucas y según Juan , además de bastantes textos introductorios. Los símbolos de los evangelistas aparecen según la

tradición de San Ireneo, en el que el león representa a San Juan y el águila a San Marcos, al contrario de la más moderna tradición de San Ezequiel (s. VIII), siendo el águila San Juan y el león San Marcos.

El artista renacentista:

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Autor: Lorenzo Ghiberti

Fecha: 1452

Tamaño: 80 x 80 cm

Material: Bronce

Lugar: Baptisterio. Florencia

El trabajo en estas puertas (puertas del paraíso) duró más de veinte años (de 1403 a 1424), y se

incluyeron veinte episodios de la vida de Cristo y ocho tallas de santos, de un estilo minucioso, cercano al

gótico. Su obra tuvo tanto éxito que posteriormente el gremio de comerciantes de Florencia le encomendó

el encargo de ejecutar para el mismo baptisterio una tercera doble puerta, que acabó en 1452. Está

decorada con diez bajorrelieves de bronce dorado que representan escenas del Antiguo Testamento, en un

estilo totalmente diferente al anterior, en el que se aplican consecuentemente las reglas de la perspectiva

renacentista. Miguel Angel bautizó esta puerta como «Puerta del Paraíso», nombre con que se la sigue

conociendo actualmente.

La valoración del trabajo artístico:

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Autor: rafael

Fecha: 1510

Tamaño: 79 cm × 61 cm

Material: Oleo sobre tela

Lugar: Museo del prado,Madrid

Retrato de cardenal o El Cardenal, es una de las obras más conocidas del pintor italiano Rafael Sanzio.

Fue pintado durante el papado de Julio II, cuando Rafael disfrutaba de gran éxito, realizando retratos de

los diversos miembros de la curia. El cuadro representa a un cardenal, seguramente miembro de la corte

papal de julio II.

Legado del artista nuevo:

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Autor: David de Miguel Ángel

Fecha: 1501 y 1502

Tamaño: 5,17 m de altura

Material Mármol blanco

Lugar: Galería de la Academia, Florencia

El David es una de las obras maestras del Renacimiento según la mayoría de los historiadores, y una de las

esculturas más famosas del mundo. Fue un encargo de la Opera del Duomo de la Catedral de Santa María

del de Florencia. La escultura representa al Rey David bíblico en el momento previo a enfrentarse con

Goliat y fue acogida como un símbolo de la República de Florencia frente a la hegemonía de sus

derrocados dirigentes, los Medici, y la amenaza de los estados adyacentes, especialmente los Estados

Pontificios.

Del artista nuevo al artista académico:

(el artista Barroco)

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Autor: Johannes Vermeer

Fecha: (1662-66)

Tamaño: 73,5 cm × 64,1 cm

Material: Óleo sobre tela

Lugar: Palacio de Buckingham, Londres

Gentilhombre y dama tocando la espineta, más conocido como La lección de música (en neerlandés, De

muziekles), es una obra del pintor holandés Johannes Vermeer. Se representa a una joven alumna recibiendo la

lección de música a la que alude el título. Es una obra representativa del autor: escena de interior, con pocos

personajes, iluminada desde la izquierda, procurando representar con exactitud la perspectiva, como se ve en la

mesa, la silla y la viola da gamba en el suelo. En una habitación iluminada en pleno día, una mujer de espaldas,

contra la pared del fondo, toca la espineta, mientras la escucha un hombre que se encuentra a su lado, en pie. En la

tapa del instrumento puede leerse: «La música es compañera de la alegría y medicina para los dolores». Por encima

de la mujer se ve un espejo, en la pared, que refleja su rostro. La luz natural penetra a través de las ventanas de la

parte izquierda del cuadro, incidiendo en las superficies pulidas, arrancando brillos a la seda de la alfombra o al

cobre que se refleja sobre la jarra de porcelana blanca. Vermeer transmite con su gran detallismo la calidad táctil de

las distintas superficies: el mármol, la seda o el terciopelo.

El artista académico:

(El Rococó)

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(Diana después del baño)

Autor: François Boucher

Fecha: (1742)

Tamaño: Ancho: 90 cm x Alto: 60 cm

Material: Lámina sobre tabla

Lugar: Museo del Louvre, París

(El neoclásico)

Autor: Mandado por Marco Vipsanio Agripa.

Fecha: 27 a. C., (reconstruido entre 123 y 125.)

Tamaño: 43,44 m de alto

Material: son la piedra de sillería, el ladrillo, y el mármol

Lugar: Roma

El Panteón de Agripa o Panteón de Roma (Il Pantheon en italiano) es un templo circular construido en

Roma a comienzos del Imperio romano, dedicado a todos los dioses (la palabra panteón significa templo de

todos los dioses). En la ciudad se lo conoce popularmente como La Rotonda, de ahí el nombre de la plaza en

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que se encuentra. El edificio quedó compuesto por una columnata a modo de pronaos, una amplia cella

redonda y una estructura prismática intermedia. El gran pronaos y la estructura de unión con la cella

ocuparon por completo el espacio del templo anterior, mientras que la rotonda fue construida sobre el

espacio de la plaza augustea que separaba el panteón de la basílica de Neptuno. Delante del templo se

edificó una plaza porticada en tres de sus lados y pavimentada con lajas de travertino.

(El románico)

Autor: Théodore Géricault

Fecha: 1819

Tamaño: 491 cm × 717 cm

Material: Óleo sobre lienzo

Lugar: Museo del Louvre, París Francia

La Balsa de la Medusa (en francés: Le Radeau de la Méduse) representa un momento de las

consecuencias del naufragio de la fragata de la marina francesa Méduse, que encalló frente a la costa de

Mauritania el 5 de julio de 1816. Por lo menos 147 personas quedaron a la deriva en una balsa construida

apresuradamente, y todas ellas excepto 15 murieron durante los 13 días que tardaron en ser rescatadas, y

las que sobrevivieron soportaron el hambre, la deshidratación, el canibalismo y la locura.

La Balsa de la Medusa mantiene elementos de las tradiciones de la pintura histórica, tanto la elección del

tema de la pintura como su dramática presentación, representan un rompimiento con respecto a la calma

y orden de la escuela neoclasicista entonces prevalente. El trabajo de Géricault atrajo la atención casi de

inmediato a partir de su primera muestra, y a la subsiguiente exhibición en Londres.

El artista moderno:

(Salones y exposiciones)

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Autor: Gustave Courbet

Fecha: 1855

Tamaño: 359 cm × 598 cm

Material: Óleo sobre lienzo

Lugar: Museo de Orsay

El taller del pintor (en francés, L'Atelier du peintre) se percibe como una obra principal y característica de Courbet.

Comenzado a finales de 1854, lo completó en seis semanas. El jurado de la Exposición Universal de París de

1855 aceptó once obras de Courbet (entre ellas, El encuentro), pero rechazó ésta. Por lo tanto, en un acto de

autopromoción Courbet, con la ayuda de Jacques-Louis-Alfred Bruyas, abrió su propia exposición cerca de la

oficial: El Pabellón del Realismo; este era un antecesor de los varios Salón de los Rechazados. Obtuvo pocas

alabanzas.

(El artista actual)

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Autor: Vincent van Gogh

Fecha: 1888

Tamaño: 91 × 72 cm

Material: Óleo sobre tela

Lugar: Neue Pinakothek de Múnich

Los girasoles (con doce girasoles) Van Gogh empezó a pintar a finales de verano de 1888 y continuó durante el año

siguiente. Las pinturas muestran girasoles en todas las etapas de su vida, desde plenamente en flor hasta que se

marchitan. Las pinturas fueron innovadoras en el uso de todo el espectro del color amarillo, que Van Gogh emplea en una

gama cromática conjunta con naranjas, ocres, marrones, beiges, etc. El color está aplicado con pinceladas fuertes,

agresivas, en pequeños toques salteados, destacando la plasticidad de la pintura, que crea un fino relieve en la tela, para

dar volumen a los girasoles. Para resaltar el amarillo y el naranja, emplea verde y azul cielo en los contornos, creando un

efecto de suave intensidad lumínica.