Componer una fotografía

Saber mirar, algo que resulta difícil en fotografía pero a la vez indispensable para obtener buenas fotografías. Para ello se requiere sobre todo aprender a mirar. ¿Para qué queremos hacer buenas fotos? Pues para que sean aceptadas por el público en general.

Aunque las normas en fotografía estén para saltárselas, cuando uno lo crea oportuno, existen unas reglas que ayudan a dar expresividad a una fotografía.

Componer es organizar las formas dentro del espacio visual disponible, con sentido de unidad, de forma que el resultado sea armonioso y estéticamente equilibrado.

La composición de una imagen, reglas

Entre dichas normas están las relativas a profundidad o perspectiva, detalle, punto de vista, tamaño y escala, textura, forma y situación. Factores que forman un todo en la foto. No todos tienen que estar presentes en cada fotografía, pero los que participen en cada una concreta, deben hacerlo de manera conjunta.

Lo expresivo de una foto, no son los detalles, sinó su efectismo, el cual no puede tener el mismo significado para todo el mundo, porque las personas no son todas iguales, pero si es efectiva, siempre encontrará personas que sabrán valorarla en su significado.

Otro de los factores más importantes que conforman el conjunto de la fotografía, es la composición, selección y disposición de sujetos, en el área de la imagen fotográfica, dando como resultado la capacidad para comunicar algo.

Componer es crear

Componer es igual a crear. La mayor parte de las buenas fotografías han sido creadas, por tanto, si se quieren crear fotografías hay que familiarizarse con algunos principios de la composición.

La verdadera fuerza de una buena imagen radica en la combinación de un motivo y una composición vigorosa; lo que se decide dejar fuera de la imagen es tan importante como lo que se incluye en ella.

En esencia la composición es, como se ha indicado, la selección y colocación de objetos en el área fotografiada. Pero la experiencia enseña muchas cosas al respecto, cuando mire a través del visor, procure ver la fotografía que hay realmente y no otra que haya visto antes. En cambio, intente seguir experiencias nuevas y buscar las formas más expresivas de mostrarlas a los demás.

El encuadre

Ver y fotografiar el motivo:El ojo humano observa un espacio sin límites, pero en la cámara el encuadre está limitado por cuatro lados. Por lo tanto es necesario elegir lo que se quiere incluir y lo que vamos a excluir desde nuestro marco fotográfico, es decir dentro de nuestro fotograma, y tomar la posición respecto de los demás.

Para acercar y aumentar un motivo, hay que usar un teleobjetivo. Pero si en cambio se desea ampliar el campo de visión, utilizaremos un gran angular. Este es útil al mismo tiempo cuando se necesita mucha profundidad del campo.

Encuadre simple: Podemos añadir un elemento extra en una composición, encuadrando el tema principal dentro de una forma del primer plano o del fondo. Un buen procedimiento, es disparar nuestra cámara a través de una ventana o similar, lo que aumenta la profundidad y el equilibrio de la composición, llegando a eliminar detalles innecesarios y cubrir cielos o primeros planos vacíos.

Otra forma o posibilidad, sería colocar el elemento principal en el primer plano de forma que, exponiendo para un fondo mucho más luminoso se forme una silueta. Estos encuadres, suelen exigir unos cuidados de alineación entre un primer plano y el fondo.

Encuadre compuesto: Este tipo de encuadre fotográfico, trata de ilustrar una imagen dentro de otra. Es decir, en la misma composición un elemento se encuadra con otro dentro de la misma fotografía, haciéndola destacar dentro de la misma.

El recorte del encuadre

El corte del encuadre: También el formato de la foto condiciona la imagen. Un encuadre horizontal, resalta el espacio, uno vertical, la magnificencia. Angulación del encuadre

Un motivo puede encuadrarse desde diversos ángulos, acercándose o alejándose de éstos, desde arriba o desde abajo, las proporciones y el fondo modifican la composición.Buscar un buen ángulo para la toma fotográfica consiste en acechar a nuestra presa gráfica y estar alerta de que cualquier pequeño desplazamiento de poca distancia, puede generar composiciones diferentes que serán más o menos afortunadas. En consecuencia, nos moveremos en torno a ella acercándonos y alejándonos, si es posible, hasta conseguir un punto de vista adecuado y obtener en la mayor medida posible las siguientes cuatro características:

El sujeto principal de la escena debe mostrar hacia la cámara el lado que nos interesa tomar, el cual puede ser según la intención del fotógrafo, cualquiera de los muchos frentes que el tenga.

Debemos buscar el ángulo de incidencia de la luz más pertinente para el concepto que deseamos comunicar, siendo con alguna frecuencia la iluminación más apreciada, la semi-lateral, pero pudiendo ser también cualquier otra.

Los planos anteriores al motivo que queremos destacar, deben de estar limpios de cualquier otro elemento sobrante que interfieran en su visualización, u ocupados por cuerpos que más bien suplementen o resalten a este.

Y finalmente, los planos más lejanos del encuadre, deben de ser concordantes, o por lo menos, neutros, con relación a la idea que queremos expresar.

Ahora bien, al margen de lo dicho y sin entrar en contradicción con ello, los ángulos de toma se dividen en cuatro tipos, según el nivel de altura con respecto al motivo desde el cual se realicen, teniendo cada uno de estos, su connotación particular que debe ser conocida por el fotógrafo, para su utilización consciente.

TOMA A NIVEL Y EN PICADO

Toma a Nivel

Es cuando la fotografía se realiza desde el mismo nivel del objeto tomado, ni por encima ni por debajo de él.

Sirve para mostrar o describir algo de manera "natural" u "objetiva".

Toma en Picado

Es cuando la imagen se toma desde una posición más alta que el objeto fotografiado, de arriba hacia abajo.

Debido a la perspectiva que se produce el motivo, se ve disminuido en tamaño cuando se utilice sobre personas puede connotar en algunos casos poca importancia, debilidad o humillación.

Toma contrapicado y toma en cenital

Toma en Contrapicado

Es cuando la fotografía se realiza desde un lugar más bajo que el motivo tomado, quedando este más alto que la cámara.Debido a la perspectiva que se genera, el objeto se aprecia engrandecido visualmente, puede en algunos casos connotar enaltecimiento, importancia o poder.

Toma en Cenital

Es cuando la imagen se toma en un ángulo totalmente de arriba hacia abajo, en posición perpendicular con respecto al suelo, es decir, lo más extremo posible de una toma en picado.

Produce una gráfica sin perspectiva, que puede ser muy descriptiva si se aplica a objetos pequeños, e inusual e interesante si se usa con elementos grandes.

La regla de oro y sus tres leyes

Estos principios formales de composición visual fueron utilizados de manera elemental desde la más lejana antigüedad, tanto en el Viejo Mundo como en América, como puede observarse en los murales egipcios, mesopotámicos y aztecas, entre otras culturas.

Sin embargo, las informaciones más lejanas que tenemos hoy en día sobre su teorización y sistematización se las debemos a los griegos de la edad clásica, entre los siglos V y III antes de Cristo, quienes los usaron en pintura, escultura y arquitectura.

Posteriormente, durante el Renacimiento Europeo, en los siglos XV y XVI, los grandes maestros de esa época hicieron bastante uso de estos parámetros, legándonos algunas de las más bellas imágenes que tiene el patrimonio mundial.

En los tiempos modernos han sido criticados en varias oportunidades debido al surgimiento de corrientes artísticas muy cuestionadoras, pero nunca han perdido su vigencia, siendo actualmente de uso común no solo en las artes gráficas sino también en los medios de comunicación social como la fotografía, el cine, la televisión y la publicidad.

Ley del horizonte, de la mirada y tres tercios

Pero estas leyes no son para seguirlas al pie de la letra, son normas que nos pueden ser muy útiles para comenzar a componer partiendo de ellas, y que podemos emplearlas o no según nuestro criterio y su adecuación al tema que se esta trabajando. Una buena práctica, es realizar varias versiones de una misma imagen, respetando estas leyes en unos casos y en otros no, para luego comparar los resultados. a ley del horizonte la primera regla fotográfica

La Ley del Horizonte

Se indica, que en el recuadro fotográfico deben trazarse, imaginariamente y con una afinidad, tres líneas horizontales de igual anchura, tanto si se esta trabajando en posición horizontal o vertical, y en la gran mayoría de las ocasiones, darle alrededor de dos bandas a la zona donde se encuentra el motivo principal, y más o menos una banda a la zona secundaria.

Generalmente, la amplitud de ambos espacios dependerá de la mayor o menor importancia de cada uno de estos, pudiendo ser casi iguales si la relación entre el motivo principal y el secundario no es tan desequilibrado nuestro fotograma, hasta reducirse la zona secundaria a solo un pequeño borde si el motivo principal es muy destacado.

Es importante destacar, que esta regla no solo se aplica cuando esta presente el horizonte, sino en toda imagen que tenga una línea más o menos horizontal que divida a la composición en dos espacios significativamente diferenciados.

La ley de la mirada, segunda regla fotográfica

La Ley de la Mirada

Es aquella ley en que toda persona, animal o cosa, dentro del recuadro fotográfico debe de tener más espacio libre hacia su parte frontal que lo que ocupa su parte trasera, independientemente de la amplitud de lo abarcado en el encuadre de la toma. Incluso podemos recortar el borde del recuadro fotográfico, la parte del elemento gráfico en cuestión por su parte posterior, si este se encuentra en un plano cercano a la cámara o es de dimensiones muy grandes.

Siguiendo la pauta de estas leyes, concederemos mas o menos espacio a nuestro objetivo principal, (el individuo, personaje o plano) según la importancia del campo que tengamos delante, siempre que sea directamente proporcional entre el valor de lo mostrado y el espacio que nos ocupa.

Regla de los tres tercios, tercera regla fotográficaLa denominada regla de los tercios divide la escena en tres partes, tanto horizontal como verticalmente. Las líneas que determinan estos tercios se cortan en puntos estéticamente adecuados para situar el centro de interés, con lo que evitamos que éste, al estar situado en el centro de la imagen resulte estático.

La Ley de los Tercios: Se marca, en el recuadro fotográfico deben trazarse, imaginariamente, dos líneas equidistantes verticales y dos horizontales, siendo en torno a alguno de los cuatro puntos donde se cruzan las cuatro líneas, en donde debe colocarse el motivo que deseamos resaltar dentro de la composición.

Esto ocasiona un arreglo asimétrico de la imagen, con el polo de máximo interés visual encontrándose relativamente cerca de alguna de las cuatro esquinas del recuadro, y el área central de la gráfica ocupada por elementos secundarios.

Es posible y hasta recomendable, cuando se pueda hacer, cumplir las tres leyes de La Regla de Oro en una misma fotografía, pues estas no solo son perfectamente compatibles entre sí, sino también complementarias.

Los puntos fuertes

Según la división por tercios de una escena, la confluencia de los tercios marcan unos puntos donde se hacen llamativos los objetos, llamados puntos fuertes. El centro es un punto fuerte. Es recomendable hacer coincidir los objetos con estos puntos.

El campo. Primer plano

El campo, es el espacio que abarca nuestro objetivo. El campo es largo cuando el objeto, o bien el motivo principal está muy lejos respecto al punto de toma.

Sin embargo, es medio cuando el motivo pincipal ocupa aproximadamente la mitat de la altura del fotograma y está situado cerca de la cámara.

Los planos fotográficos se dividen en profundiad en relación a la distancia del objeto o motivo principal.

Segundo plano

Desenfoque del fondoEn un segundo plano la imagen suele estar compueta de un primer plano, un segundo plano y un fondo.

La separación de diversos planos se realiza considerando las diferencias tonales.

Para atraer la atención sobre algun elemento en primer plano, sólo hay que desenfocar el fondo abriendo mucho el diafragma.

Las líneas

Las líneas dominantes deben centrar la atención, no desviarla. Se puede hallar una línea casi en cualquier cosa, como en un camino o en una sombra. Una de las normas más populares de la composición se basa en la repetición de las líneas y objetos, especialmente cuando el tema es una estructura.

Las líneas pueden ser, horizontales, verticales, curvas u oblicuas.

Las líneas horizontales, suelen expresar armonía y profundidad, paz y tranquiliadad, mientras que las verticales limitan la profundidad y actúan como barreras entre la fotografía y la vista, es dedir subrayan la grandiosidad del motivo.

Las líneas curvas y amplias dan una sensación de belleza y gracia, aportando movimiento a la composición. La vista recorre la línea de manera pausada y natural. Producen una sensación de paz y tranquilidad.

Las curvas en S, son otra forma de composición bella y armónica, y también una de las más comunes. La vista sigue suavemente la curva hasta alcanzar el principal centro de interés, centro que debemos asegurarnos que exista.

Las formas, resaltar el volumen

La imagen fotográfica, es bidimensional, pero la iluminación, el contraste tonal y cromático resaltan los volúmenes.

La luz puede aplanar o crear fuertes sombras, llegando a fundir formas entre sí. La forma viene también modificiada por el punto de la toma.

Un fondo monocromático contrastante, resalta la forma del motivo.

Los objetos que se reflejan en el agua, duplican su volumen llegando a formar imágenes espectaculares. Las formas pueden utilizarse para marcar un encuadre dentro de otro.

El mosaico

El mosaico se encuentra compuesto por la sucesión de líneas y formas.

Para evitar que nos cause monotonía, hay que incluir elementos secundarios. Debemos jugar con los tonos, luces y sombras para resaltar la composición del conjunto fotográfico.

Si el mosaico ocupa todo el encuadre, el impacto se acentúa. Los mosaicos se encuentran en todo nuestro alrededor, entre las personas, observando paisajes, sombras etc.

El pattern

El denominado efecto pattern, consiste en la repetición de elementos gráficos que a través de un conjunto y juego de volúmenes, conforman una imagen armoniosa.

Para realizar este tipo de toma, es preciso tener mucha atención y visualizar atentamente, tanto el encuadre como a la iluminación.

Las repeticiones de formas se encuentran en la propia naturaleza, animales, árboles, objetos, etc.

Donde se encuentra una repetición de elementos pattern, es en el campo de la arquitectura, en ventanas, tejados, ladrillos..

La textura

En conceptos fotográficos, la palabra textura nos define la estructura de una superfície. Áspera e irregular o suave y brillante. La textura revelada por una fotografía, nos dice lo que se sentiría si la supefície se pudiese tocar.

El motivo debe transmitir una sensación táctil y de profundidad, como por ejemplo la rugosidad de una corteza o la suavidad del terciopelo.

La luz, es la clave para fotografiar la textura. La mejor suele ser oblicua, dependiendo de la calidad de textura. Las superficies compuestas de muchos detalles se iluminan con luz direccional y difusa. La luz dura en cambio destaca las superficies irregulares.

El momento idóneo para realizar fotografías con texturas interesantes, es al amanecer o al anochecer.

Exposición y enfoque

La exposición correcta depende de la combinación del tiempo de obturación. El obturador limita el tiempo que el rayo de luz penetra en la cámara y expone la película o el sensor digital. Mediante el obturador se controla el tiempo necesario para que la imagen se exponga y quede reflejada en la película o el sensor digital) y la abertura del diafragma.

El diafragma y el tiempo son directamente proporcionales, cuanto más abierto se encuentre el diafragma, más rápido será el tiempo de obturación. Por ejemplo en valores numéricos (f22) corresponden diafragmas cerrados y con valores más bajos f4 el diagrama abierto.

Con diafragma cerrado se obtiene mayor profundiad del campo. Con el diafragma abierto se obtiene menos profundidad del campo.

Enfoque, distancia focal

El enfoque permite hacer nítido a un sujeto. En las cámaras compactas el enfoque es fijo, no hay que enfocar. En las SLR manuales, se enfoca mediante una rueda que hay en el objetivo. En las SLR con autofocus el enfoque se hace apuntando con el centro, al sujeto y pulsando el botón de disparo suavemente. Apretando más se realiza el disparo.

Cada objetivo tiene una distancia mínima entre el objetivo y el sujeto, por debajo de la cual no es capaz de enfocar.

Los zooms de largo alcance (p.ej. 70-300) tienen una distancia mínima mayor, aproximadamente 1,5 metros, que los objetivos de menor alcance (p.ej. 28-80), aproximadamente 40 cm.

La distancia mínima puede reducirse para fotografías de cerca con lentes de acercamiento.

Para evitar sorpresas, se recomienda que antes de hacer una fotografía se tenga claro cuál es el sujeto que se quiere enfocar, y que ese enfoque se encuentre apuntando directamente sobre él y posteriormente se haga el encuadre de la escena. Realmente, cuando enfocamos un sujeto lo que hacemos es enfocar una distancia. Primer punto se enfoca, después se compone la escena (encuadrando) y finalmente se dispara.

La cámara fotográfica, permite congelar motivos en movimiento, gracias a la velocidad del obturador. Para detener un movimiento es necesario tener en cuenta la velocidad con que se mueve el sujeto.

Congelar el motivo

Efecto pannig: Consiste en seguir con la cámara el motivo en movimiento durante el disparo. El fondo queda movido. Resulta esencial elegir un tiempo de obturación que permita expesar la idea del movimiento.

Tipos de perspectiva: lineal

La perspectiva es el mejor procedimiento para crear una sensación tridimensional en una fotografía.

El ojo estima la distancia en base a la disminución de tamaño de los objetos y al ángulo de convergencia de las líneas (perspectiva lineal). Del objetivo y de la distancia dependerá el que la imagen resulte con mucha o poca profundidad. La sensación de profundidad es puramente ilusoria, pero constituye una técnica de composición muy importante.

Líneas dinámicas: Las formas más dinámicas de composición, hace uso de líneas diagonales. Escogiendo un punto de toma, un objetivo que provoque líneas convergentes o radiales, se puede obtener una fuerte impresión de perspectiva.

Perspectiva aérea

Aérea, las condiciones climáticas y atmosféricas (humo, neblina) proporcionan una sensación de profundidad, ya que los colores y la tonalidad de la imagen se amortiguan según aumenta la distancia. Los diferentes cambios cromáticos facilitan a que la perspectiva aérea sobresalga y destaque.

El retrato

No pueden hacerse retratos sin tener en cuenta el carácter ni el aspecto del individuo o sujeto. Un buen retrato debe transmitir el estado de ánimo del sujeto en el momento del disparo. Es importantísimo observar a la persona que se pretende retratar.

Las imperfecciones del acercamientoAl fotografiar a personas es muy importante que se les vea bien. Hay muchas formas de resaltar la fisonomía del personaje jugando con la luz, el fondo, la perspectiva y la composición.

En el caso de la luz, es importante que el sujeto tenga sombras en la cara que resalten sus facciones, si no es así, aparecerá una cara "plana" sin relieve. Una luz lateral puede ayudar.

En el caso del fondo, es recomendable quitarle importancia haciéndolo borroso. De esta forma se resaltará al sujeto. Para ello hay que contar con una profundidad de campo pequeña. Hay dos formas de disminuir la profundidad de campo, aumentar la apertura de diafragma (número f bajo), y aumentar la distancia focal (zoom alto).

Aumentando la distacia focal con el zoom modificamos también la perspectiva, acercando el fondo y haciendo la imagen más plana. De esta forma evitamos deformar la cara del sujeto.

En cuanto a la composición, depende de si se quiere hacer un primer plano o no. En cualquier caso hay que tratar de que el sujeto ocupe buena parte de la imagen.

El objetivo perfecto para el retrato del rostro es de longitud focal igual al doble de la diagonal del formato del fotograma, (80-100mm para el formato 24x36). El objetivo focal larga, evita las distorsiones de la perspectiva ( la nariz o mentón pronunciados) provocadas por el acercamiento excesivo de la cámara fotográfica hacia el rostro.

En los primeros planos una nitidez acentuada puede poner en relieve posibles defectos de la piel del sujeto.

Para suavizar la imagen se puede colocar un filtro difusor, que aporta al retrato, un aire romántico permitiendo disimular las imperfecciones del rostro.

En los retratos la cara ocupará casi toda la escena. Es recomendable que se vean al menos los hombros de la persona.

El fondo del retrato

Es muy importante escoger y elegir con cuidado el fondo de la imagen, tanto si se trabaja en estudio, como si se hace en casa del sujeto. En el retrato no deben aparecer elementos que disturben o líneas que atraviesen el fotograma. El fondo debe ser neutro, para que no se confunda el motivo principal.

En las fotografías exteriores se recomienda, muros, el cielo o fondos monocromáticos. El individuo no debe permanecer muy cerca del fondo para evitar que se formen sombras innecesarias y violentas.

Ambiente de trabajoEl retrato ambientado

El fondo debe ser reconocible, y crear una composición armoniosa con el sujeto principal. El espacio que rodea al personaje oprime plano, debe permitir comprender el momento que está viviendo, dentro del ambiente elegido.

Los objetivos que mejor se prestan para el retrato ambientado son los normales o gran angulares. Con el gran angular quedan enfocados todos los planos y se dispone de una gran profundidad de campo.

El carácter de cerca

Hacer una fotografía

Hacer una fotografía o fotografiar a los niños, a los animales domésticos y salvajes dentro de su hábitat, el tiempo de espera, el camuflaje y la paciencia para plasmar toda su espontaneidad en el momento justo y preciso, no resulta una tarea fácil.

Captar en nuestro fotograma los diferentes efectos metereológicos, el hielo, la nieve, la subida de las olas en el mar, el movimiento de un deportista en un salto, requieren un cierto tiempo de exposición, enfoque y determinados elementos a tener en cuenta, para recoger todo aquello que tenemos en nuestro campo visual.

En esta sección, trataremos de definir cómo debemos fotografíar cada elemento, persona, animal o cosa dentro de su espacio.

Composición fotográfica

En fotografía, ya sea fija o en cine, la composición es la forma en la que se ordenan los objetos vistos dentro del encuadre, dentro de lo que efectivamente queda en cuadro.

Composición: el Encuadre

Es evidente que el efecto que pretendemos obtener al sacar una fotografía dista mucho de lo que nuestros ojos ven en ese momento. 

No olvidemos que el alcance de éstos no se puede comparar con el de un objetivo normal y, además... ¡podemos pasearlos a nuestro antojo por todo su campo de visión!. En definitiva, la cámara sólo ve una parte de todo lo que tenemos delante, por lo que debemos acertar a la hora de escoger qué incluimos en la foto y qué despreciamos. 

Pensaremos en la foto como si de un cuadro se tratase, imaginando que el marco nos la delimita. Esto es lo que se denomina encuadre, y junto con otros factores es responsable de la composición de la fotografía.

EL ENCUADRE

Por lo general, un motivo situado en el centro de la foto consigue un resultado aceptable. Pero, antes de disparar es conveniente considerar todas las opciones que están a nuestro alcance, debiendo preguntarnos cuál es el protagonista de la foto, así como qué pretendemos transmitir con ella. No cabe duda de que centrar el motivo es muy adecuado para casos en que predomina la simetría (por ej. edificios), pero a cambio, descentrarlo puede resultar interesante si nos interesa desviar la atención hacia el resto de la foto, resaltar otros elementos de la imagen o crear un efecto visual. 

También suele ser positivo descentrar el motivo cuando éste se encuentra en movimiento, ya que podemos obtener una sensación más dinámica. Por ejemplo, un saltador de longitud podría aparentar "escapársenos" de la foto si lo colocamos más cerca de un extremo.

Una forma clásica de componer una foto consiste en aplicar la regla de los tercios. Se trata de imaginar la composición dividida en tercios verticales y hacer coincidir el motivo principal sobre una de las dos líneas divisorias.

 

Puede ser de aplicación tanto para formatos horizontales como verticales, y consigue dotar a la fotografía de un cierto dinamismo, pues obliga a recorrerla con la mirada sin detenerse exclusivamente en el motivo principal. Este efecto no lo logramos si centramos el objeto, ya que la vista se fija en él y no nos sugiere ir más allá.

Aún podemos afinar más en busca del equilibrio de nuestra foto si a las dos líneas verticales imaginarias descritas en la regla de los tercios les añadimos otras dos horizontales. Las cuatro líneas se cruzan en otros tantos puntos clave (vértices de un hipotético rectángulo en el interior de la foto) que pueden definirnos aún mejor la ubicación más adecuada para el objeto principal. 

  

Podremos alcanzar un equilibrio perfecto si compensamos la presencia del motivo principal con uno secundario colocando a éste último en el punto clave diametralmente opuesto al que ocupa el tema principal. En cualquier caso, el motivo secundario no deberá nunca restar protagonismo al principal.

Es importante indicar que el descentrado del motivo puede "engañar" al autofocus de la cámara, por lo que deberemos tener la precaución de hacer un preenfoque y conservarlo mientras movemos la cámara en busca del encuadre correcto.

Composición II: el Formato

Otro aspecto muy importante a considerar a la hora de componer la fotografía es el del formato más adecuado para su presentación. En muchas ocasiones el resultado final es decepcionante, y sin embargo un movimiento tan sencillo como girar la cámara 90 grados habría conseguido un efecto inimaginable.

EL FORMATO MÁS ADECUADO

De entrada, y en parte porque la propia forma de la cámara puede inducirnos a ello, tenemos cierta tendencia a hacer las fotografías en formato horizontal.

     

Es éste el más utilizado para los paisajes (por ello se le suele llamar "apaisado") y para retratos de grupo, pero sería un error pensar que no es admisible el vertical. Siempre hay que probar los dos puntos de vista antes de hacer la foto y, ante la duda, disparar con los dos formatos. Incluso la gran ventaja que supone la pantalla de las cámaras digitales puede resultar insuficiente para hacerse a la idea.

Por su parte, el formato vertical suele resultar más adecuado para los retratos, si bien en este caso es de suma importancia el encuadre, pudiendo obtenerse mayor fuerza a base de llenar prácticamente el encuadre con el rostro del retratado.

Tampoco en el caso de los retratos deberemos olvidar la posibilidad del formato horizontal, aunque su uso habrá de ser estudiado de antemano. Si se va a retratar exclusivamente el busto de la persona, un formato horizontal dejará grandes espacios a los lados difíciles de rellenar. En cambio, determinadas poses (cabeza ladeada, por ejemplo) podrán invitar incluso a experimentar con el formato horizontal.

REENCUADRE Y CAMBIO DE FORMATO

No cabe duda que la fotografía digital aporta grandes ventajas para minimizar los errores que puedan haberse cometido en el momento de la toma de la foto. ¿En el encuadre de la foto me ha entrado un objeto no deseado?.- No hay problema, porque puedo dejarlo fuera de la foto a base de eliminar la zona en que se encuentra con el programa de edición de mi ordenador.

¿Realmente favorece el formato vertical y yo utilicé el horizontal?.- Por supuesto, puedo reconvertirlo

Sin embargo, siempre será mejor partir de fotos a las que no exista la necesidad de retocar, porque en muchos casos los reencuadres conllevan el desperdicio de parte del contenido de la fotografía, por lo que posteriormente pueden ser necesarias mayores ampliaciones que supondrán pérdida de la nitidez.

Composición: Punto de vista y Fondo

Nos ha quedado ya clara la importancia que, antes de disparar nuestra cámara, tiene ejercitar un poco la imaginación. El formato y encuadre elegidos influirán notablemente hasta el punto de convertir en atractiva una foto que, a priori, podía haber resultado anodina. Pero otros detalles también pueden aportar variaciones importantes, y a veces son pasados por alto provocando posteriormente efectos no deseados. Estamos hablando del punto de vista, así como del fondo que acompaña al motivo principal.

EL PUNTO DE VISTA

La posición de la cámara puede modificar el interés de la fotografía por lo que, al igual que ocurre con el encuadre y el formato, no deberemos precipitarnos. Lo más aconsejable será probar diferentes ángulos: más altos, más bajos, frontales, laterales, posteriores... así como distintos planos: cercanos, medios o lejanos. 

 

Para ello podremos ayudarnos no sólo de elementos exteriores, sino también de nuestro propio equipo, jugando con las posibilidades de los objetivos de que dispongamos.

Uno de los casos en los que más influye el punto de vista de cara al resultado final es en las fotografías de personas. Nuestros ojos no siempre están a la altura adecuada y, así, será aconsejable agacharse para fotografiar a un niño si éste se halla de pie, porque en caso contrario obtendremos una perspectiva en la que acentuaremos todavía más su pequeño tamaño.

 

En cambio, fotografías hechas a un nivel inferior de la persona retratada conferirán a ésta un aspecto dominador y poderoso.

FONDO DE LA FOTOGRAFÍA

Antes de decidirnos a realizar la foto es imprescindible que comprendamos que, además del motivo principal, hay un área más o menos extensa alrededor de él de la que podremos sacar provecho o, por lo menos, a la que tendremos que vigilar para evitar que altere el resultado. El fondo puede ayudarnos, por ejemplo, a que la fotografía resulte más impactante o a que por sí sola nos cuente una historia. ¿A que será mucho más ilustrativa de nuestras intenciones una foto en la que retratamos a un óptico si detrás de él aparecen estantes con decenas de gafas artísticamente dispuestas que si simplemente hay una pared?.

En otras ocasiones, sin embargo, el fondo puede jugarnos malas pasadas sin que nosotros mismos nos demos cuenta. Podemos fotografiar a una bella muchacha junto a un rosal sin apercibirnos de que una de las rosas aparenta salirle de un oído, o bien en lo que pretendemos que sea una fotografía de época dejar que se nos "cuele" en el fondo un joven con peinado punky.

Y, por último, puede que nos resulte necesario disponer del fondo como un elemento neutro, que no aporte nada para no restar importancia al motivo principal pero tampoco nos lo estropee. En tal caso, habremos de elegir adecuadamente el fondo o, si no podemos prescindir de él, hacerle perder interés intencionadamente a base de aislar el tema con un objetivo que nos lo enfoque de forma selectiva. El uso adecuado de la profundidad de campo y de los distintos objetivos nos proporcionará múltiples posibilidades en este terreno.

Composición y profundidad

Los primeros capítulos de este curso nos han dado la oportunidad de comprender que hacer una fotografía es algo más que mostrar lo que estamos viendo, ya que su composición puede resultar determinante. Hemos conocido también los elementos básicos de ésta (formato, encuadre, punto de vista, fondo) y la importancia de su correcta combinación. De hecho, dicha combinación efectuada de un modo adecuado puede proporcionar a nuestra fotografía una mayor o menor sensación de profundidad. A ello hay que añadir lo que ya hemos aprendido acerca de la relación existente entre abertura del diafragma, distancia focal y profundidad de campo, con lo que vemos que para conseguir una fotografía de calidad disponemos en nuestras manos de más armas que las que inicialmente nos podía parecer.

Las tres zonas de una fotografía

En realidad, una fotografía es la representación bidimensional de un motivo que tiene tres dimensiones. De ahí que, ya que no nos es posible reproducir esa "tridimensionalidad", por lo menos debamos tener en cuenta (siempre que ello nos interese) que podemos considerar la foto como si estuviera dividida en distintas "capas", y que cada una de ellas puede tener interés de por sí, además de su aportación al resultado final. Diremos por tanto que tenemos:

El primer término: suele ser lo que primero miramos en la foto. Su correcto uso puede lograr que la fotografía dé una mayor sensación de profundidad, siempre que no llegue a competir con las otras zonas (bien por ser demasiado importante en el contexto total de la foto, o bien por no tener una relación directa con el tema fotografiado, distrayendo en este caso la atención). Puede ser una buena idea incluir en primer término algo que dé una idea clara del tamaño real del motivo fotografiado: así, un gran edificio quedará imponentemente reflejado si en primer término aparece un grupo de minúsculas personas.

La distancia media: éste suele ser el emplazamiento habitual del motivo principal de la foto. Como sabemos, disponemos de métodos para conseguir un interés añadido (recordemos la regla de los tercios) y evitar que la foto resulte anodina, obligando a la mirada a recorrerla en busca de "algo más". Puede resultar interesante aplicar aquí lo que ya conocemos acerca de profundidad de campo, ya que seguro que destacamos más el motivo principal si provocamos un cierto desenfoque en el objeto que aparezca en primer término, máxime si éste tiene sólo la misión de rellenar esa parte de la fotografía creando ambiente (por ej., unas ramas de árbol en primer término de una foto cuyo motivo principal es un pueblecito).

El fondo: rara vez el motivo principal es situado en el tercer término. Como ya dijimos en el tercer capítulo, el fondo puede aportar riqueza a la fotografía, aunque también puede estropeárnosla si no reparamos en él.

Resumiendo, el hecho de que cada una de las tres zonas contenga algún elemento que atraiga la atención obliga a que la mirada se desplace de una a otra, obteniendo la sensación de profundidad. Si además algún otro elemento (como una línea, un camino, un tendido eléctrico...) conecta cada zona con la posterior, esa sensación se incrementará notablemente. Por otro lado, nuestros conocimientos acerca de la profundidad de campo pueden permitirnos el enfoque o desenfoque intencionado de alguna de las zonas, haciendo que la foto resulte más o menos plana.

Regla clásica sobre la composición:  

Se trazan imaginariamente dos líneas paralelas verticales y dos horizontales que dividan a la escena en partes iguales, los lugares donde se cortan las líneas dan lugar a cuatro puntos focales: A, B, C y D

Las líneas horizontales, deberán representar el horizonte. Es decir el horizonte no se pondrá en el centro del visor, sino en el tercio superior o inferior.

El centro de interés se habrá de situar siempre en A, B, C o D pero nunca en el centro.

Si su cámara es autofocus, para seguir este consejo debe emplear el sistema de bloqueo o retención del enfoque.

De todos modos recuerde que las reglas se han dictado para adaptarlas a las circunstancias.

   

Esta foto se puede mejorar.

El motivo está en el centro y el horizonte divide a la fotografía en dos partes iguales

Esta foto está más equilibrada.

Cumple las reglas de la composición

Recomendaciones para una buena composición

Pauta Geométrica:Las pautas geométricas atraen y mantienen la atención. La repetición de las siluetas y volúmenes unifica la imagen. la sorpresa de las rupturas inesperadas de la pauta resulta muy agradable a la vista.

Unidad: Cada imagen debe ser considerada como única cosa en la cual los diversos elementos que componen no pueden ser modificados sin influencia el equilibrio inicial.

Equilibrio: En cada imagen el elemento constitutivo de líneas y formas deben balancear adecuadamente en la composición.

Ley de tercios: La composición resulta más armónica cuando los centros de interés son colocados cerca de los puntos de intersección de las líneas que cortan la imagen en los tercios.

Angulo de toma: Pruebe diferentes ángulos. Una ángulo alto le dará una imagen muy distinta a un ángulo bajo, al igual que la visión frontal produce una impresión muy distinta de la lateral o la posterior.

Control de Fondo: El fondo debe servir como marco al sujeto y no apartar la atención de él. Utilice la profundidad de campo. Lo mejor suele ser un fondo liso que no llame la atención. Para conseguirlo, pruebe una abertura grande y elija cuidadosamente el ángulo de toma. Cuando quiera dar la definición también al fondo, asegúrese de que armoniza con el sujeto principal.

Detalles: Nuestra tendencia general es a mostrar el conjunto e ignorar las partes, pero muchas veces, un detalle puede ser más expresivo que la vista general. Busque detalles que definan el tema.

Interés del Contraste: El contraste es el factor que hace que el sujeto principal resalte sobre el fondo. Un sujeto iluminado por el sol, por ejemplo contrastará vivamente con el fondo de sombras. Los contrastes cromáticos pueden igualmente servir para diferenciar al sujeto del fondo.

COMPOSICIÓN Y REGLA DE LOS TERCIOS

Cualquier fotografía necesita de un sujeto o un centro de interés, pues de lo contrario, el observador recorre con su vista la foto buscando de un sitio a otro donde quedarse. Es por eso que uno debe imaginar la fotografía antes de imaginar el motivo por va a tomarla.

Así que antes de tomar la foto deténgase y responda:

¿Qué es lo que le ha atraído de la escena? ¿Ha pensado claramente en el resultado final? ¿Qué es lo que quiere trasmitir con la fotografía?

Alpaca tomada con cámara Olimpus IS100, f/. 4, V= 250, película Fuji Superia ISO 100

Cuando tenga las respuestas, puede ir pensando como realizar una composición de impacto visual y donde colocara su objeto centro de interés.

¿Colocar en el centro? ¿si o no?

Muchos fotógrafos aficionados colocan el objeto en el centro del encuadre porque por naturaleza el ojo al momento de examinar la foto se fija allí, es el lugar obvio. Además de crear una imagen bien equilibrada y reposada.

Alpaca tomada con cámara Olimpus IS100, f/. 4, V= 250, película Fuji Superia ISO 100

Es por eso que el objeto centrado resulta llamativo cuando es algo simétrico como un edificio, o un automóvil. Peor se necesita mucha experiencia para colocarlos justo en el centro, sino se echa a perder el efecto que deseamos. Sin embargo colocar los objetos al centro no es la única forma de tomar fotos. Muchas veces quedan muy estáticas. Así que colocar el centro de interés a un lado es una opción que lleva a un disciplina creativa.

Niña en feria de Chupaca, Junín, observe como se ha colocado a la niña a un lado. CámaraS100, f/. 4, V= 250, película Fuji Superia ISO 100

La Regla de los tercios

Esta regla consiste en dividir mentalmente una imagen de tercios verticales y después colocar el objeto aproximadamente sobre una de las líneas divisorias.

Esto funciona en cualquier formato, tanto horizontal como vertical. No es necesario que el sujeto este sobre una de las líneas. Así que tendrá que usar su imaginación.

Así tendrá una imagen más dinámica que una que ponga el énfasis en el centro. Es dinámica porque hace que el ojo se mueva a lo largo de la imagen cuando se la mira.

Esta regla muestra el objeto dentro de su entorno. Un sujeto colocado en el centro necesita llenar el encuadre para tener algún impacto mientras si esta descentrado revela su entorno. Incluso cuando un objeto es bastante grande sus alrededores se ven.

 

Además de las líneas verticales se puede añadir dos líneas más de forma horizontal para formar una cuadrícula imaginaria con nueve rectángulos o sectores. Donde se cruzan las líneas son los puntos clave, habrán cuatro. Ubicar el objeto con centro de interés dentro de estos cuatro puntos sería lo ideal.

Si desea crear equilibrio entre el objeto y un elemento de la fotografía menos importante, el punto clave de la diagonal es el lugar más apropiado. Sin embargo, hay que asegurarse que no domine el objeto principal.

FOTOGRAMA

Se denomina fotograma a cada una de las imágenes impresionadas químicamente en la tira de celuloide del cinematógrafo o bien en la película fotográfica; por extensión también se llama de ese modo a cada una de las imágenes individuales captadas por cámaras de video y registradas analógica o digitalmente.

Cuando una secuencia de fotogramas es visualizada de acuerdo a una determinada frecuencia de imágenes por segundo se logra generar la sensación de movimiento en el espectador.

EN FOTOGRAFÍA

Los fotogramas son cada una de las impresiones realizadas en una película mediante la entrada de luz a una cámara, regulada con un obturador. Cuando la película es revelada, los fotogramas pueden proyectarse sobre papel para obtener así una fotografía o foto. También se llama fotograma a una imagen fotográfica obtenida sin el uso de una cámara colocando objetos sobre una superficie fotosensible como una película o papel fotográfico y después exponerlos a la luz directa.

Luminograma

Sebastián Ortiz de Val

BRIEFF FOTOGRAFIA

Luminograma: Técnica de impresión de trazos luminosos sobre un material fotosensible, se consigue dando una exposición muy lenta y en sitios muy oscuros para que la luz con la que realizamos los trazos se contraste lo suficiente para realizar un efecto notable

ILUMINACIÓN EN FOTOGRAFÍA

La iluminación en fotografía consiste en dirigir y rebotar luz hacia un objeto con la intención de que ésta pueda ser registrada por una película, un sensor electrónico CCD o CMOS. La luz resulta fundamental en la fotografía ya que sin ésta no es posible plasmar una fotografía. Aparte de ser un factor físico imprescindible en el proceso fotográfico, la luz posee una función plástica de expresión y modelado que confiere un significado y un carácter tal, que muchas veces ella sola determina la calidad de una fotografía, aunque esto depende del gusto del fotógrafo y la técnica que él mismo emplee.

MISE-EN-SCÈNE

Mise-en-scène (IPA|[miz s� ɛn]) es una expresión usada en el teatro y mundo del cine para describir los aspectos de diseño de una producción. Ha sido llamado "magnífico término indeterminado" por la crítica del cine, pero es no debido a una carencia de definiciones. Mejor dicho, es porque el término tiene tantos sentidos diferentes que hay poco consenso sobre su definición.

Proviniendo del teatro, el término francés mise en scène literalmente significa Puesta en escena. Cuando es aplicado al cine, mise en scène se refiere a todo lo que aparece ante la cámara y su arreglo – sets, elementos, actores, trajes, e iluminación, es la Escenografía. Mise en scène también incluye la colocación y el movimiento de actores en el set, que es llamado "blocking" (obstruyendo). Éstos son todas las áreas supervisadas por el director, y así, en créditos de película franceses, el título del director es literalmente "mise en scène."

Esta corta definición de mise en scène no es compartida por todos los críticos. Para unos, esto se refiere a todos los elementos del estilo visual – es decir tanto elementos en el juego como los aspectos de la cámara. Para otros, como el crítico de película estadounidense Andrew Sarris, esto toma sentidos místicos relacionados con el tono emocional de una película.

FOTOMONTAJE

El fotomontaje es el proceso, y también el resultado, de hacer una ilustración compuesta de otras, se trata de una especie de collage. Esta composición puede realizarse mediante recortes de otras ilustraciones juntando un cierto número de ellas. En algunas ocasiones el compuesto de ilustraciones es fotografiado hasta que la imagen final es una simple fotografía. El fotógrafo inglés Henry Peach Robinson (1830–1901) es acreditado como el primero en realizar esta técnica del fotomontaje, lo hizo al poco de comenzar su carrera en 1857.

El Tramado

El tramado es una técnica usada para crear la ilusión de profundidad de color en imágenes con una paleta de colores limitada (reducción de color). En una imagen tramada, los colores no disponibles en la paleta se aproximan por una difusión de píxeles de color dentro de la gama de colores disponibles. El ojo humano percibe la difusión como una mezcla de los colores dentro de ésta (ver percepción del color). El tramado es análoga a la técnica denominada semitonos utilizada en impresión. Las imágenes tramadas, en particular las que tienen relativamente pocos colores, a menudo se distinguen por un grado de granulosidad característico o por un aspecto moteado.

TECNICAS DE TEXTURACION Y TRAMADO DE LA IMAGEN.

DIVISION

- GRANULOSIDAD

Acentuación del - FORZADO SENSIBILIDAD

A.- GRANO ó - RETICULACION

TEXTURACION - CONGELACION

- RAYADO. DIBUJADO

1.- Desde el

NEGATIVO

Añadidas al - PELICULA AUTOTRAMADA B.- negativo - MEDIO/TONO

TRAMADO - PREFOTOGRAFIADAS

(TRAMA) - FABRICACION PERSONAL

2.- Sobre la A.- TRAMADOS

COPIA B.- MANIPULACIONES "EN ROJO"

- CALOTIPOS

3.- Técnicas relacionadas - EMULSIONADO

- PROYECCIONES

- FOTOCOPIA

4.- Otras posibilidades de manipulación - TV/VIDEO

- ORDENADOR

EJEMPLOS Elección del objetoComposición

Iluminación

Mise en scène

Fotograma

Acto de Aislar el objeto de la naturaleza

Encuadre

Tramado regular

Sandwich

Traduccion Cromatica

Coloracion Manual

Viraje

Saturacion del Color

Filtraje

Cartelizacion

Aislamiento de la temporalidad debido al tiempo de exposición fotografica

Obturacion lenta

Barrido

Desplazamiento de Pelicula

Estelas de Movimiento

Luminograma

Obturacion rapidaInstantanea

Multidestello

Estroboscopica

Movimiento de lentesZoom

Corrimiento de foco