UAP ACTIVIDADES: APRECIACIÓN DE LAS ARTES VISUALESCLASIFICACIÓN DE LAS ARTES

Las bellas artes pueden clasificarse de diversas maneras; pero la naturaleza del medio en que se crean tal vez sea el criterio más seguro.Las artes auditivas incluyen todas las artes del sonido que, para todas las finalidades prácticas, utiliza la música. La música consta de tonos musicales -es decir, sonidos de un tono determinado- junto con silencios, presentados en un orden temporalmente sucesivo.

Las artes visuales incluyen todas aquellas artes que constan, fenomenalmente, de percepciones visuales. Su reclamo se dirige de forma primaria a la vista, aunque no exclusivamente, porque algunas pueden también estimular el sentido del tacto. Las artes visuales incluyen gran variedad de géneros: pintura, escultura, arquitectura, y virtualmente todas las artes útiles.

La literatura es mucho más difícil de clasificar. Indudablemente, no es un arte visual: de hecho, un poema no necesita ser escrito. Tampoco es un arte auditivo.Ocurre a menudo que el efecto de un poema aumenta cuando es leído en voz alta, pero su valor no disminuye cuando no es leído así, ni precisa ser leído en voz alta para actuar como poema. Si la literatura fuese un arte auditivo, pertenecería al arte de la música; y para un auditorio entendido, el placer de la poesía difícilmente puede compararse con el de las composiciones musicales.

Musicalmente, el idioma inglés, por ejemplo, es más bien pobre y quien oye los sonidos de un poema en esta lengua sin conocer el significado de las palabras, no tardaría en sentir aburrimiento. Virtualmente todo el efecto de la poesía, que a primera vista podemos atribuir a los mismos sonidos (al elemento auditivo), se debe en realidad al significado de las palabras. Si la palabra «mar» es poética, no lo es porque el sonido de este monosílabo nos resulte bello, sino porque conocemos el significado de esa palabra, que sirve para evocar pensamientos e imágenes del mar tropical, del mar tempestuoso, del mar de una puesta de sol, etc. Es el significado -tanto el literal de las palabras como el de las asociaciones que provoca en la mente de quienes están familiarizados con la lengua en que el poema se halla escrito- lo que distingue la literatura de todas las otras artes. La literatura ha sido llamada arte simbólico; el carácter distintivo de su medio se debe al hecho de que todos sus elementos son palabras, y las palabras no son meros ruidos o trazos de pluma, sino ruidos con significados que han de conocerse para poder entender o valorar el poema.

Las artes mixtas incluyen todas aquellas artes que combinan uno o más de los medios anteriores. Así, la ópera incluye música, palabras e imágenes visuales, aunque con predominio de la música. Las representaciones teatrales combinan el arte literario con la habilidad escénica y las imágenes visuales. En la danza predomina generalmente lo visual, mientras que la música sirve de acompañamiento. En el cine están presentes todos los elementos.

El tipo de trabajo que cada arte puede realizar depende primariamente de la naturaleza del medio. Así, las artes visuales en general son artes del espacio, y pueden reproducir el aspecto visual o «apariencia» de los objetos mucho mejor que cualquier descripción. Por otra parte, no pueden representar el movimiento, o la sucesión de actos en el tiempo; esto puede hacerlo la literatura, donde el orden de los elementos en el medio es temporalmente secuencial. En una obra pictórica nuestra atención es secuencial porque podemos concentrarnos ahora en una parte y después en otra. Sin embargo, el cuadro entero se halla ante nosotros todo el tiempo, y no se nos impone ningún orden para contemplarlo, como sería el ir de izquierda a derecha; en realidad, si nos fijamosen sus partes sucesivamente al principio, es sólo para poder captarlo luego en su totalidad. El efecto de la contemplación de una escultura depende a menudo de la dirección que sigamos al movernos en torno a ella; y al no poder contemplar todo el objeto tridimensional de una vez, el aspecto temporal es más importante que en la pintura. La música está inseparablemente vinculada al orden temporal de los

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UAP ACTIVIDADES: APRECIACIÓN DE LAS ARTES VISUALEStonos, como la literatura al orden temporal de las palabras; no podemos invertir el orden de dos tonos en una melodía, y tampoco el de dos palabras en una frase.Aunque las artes mixtas combinan más de un tipo de medios, poseen funciones distintivas que no se repiten en las otras artes. El cine tiene una enorme ventaja consu medio, porque puede reproducir relaciones espaciales y secuencias temporales de los hechos al mismo tiempo.

El teatro puede hacer otro tanto. Sin embargo, lo que es adecuado para el medio teatral puede no serlo para el medio cinematográfico. Una excelente representación teatral, si se traslada directamente a la pantalla, resultará de ordinario una película mediocre; la principal ventaja del teatro -su contacto vivo con actores vivos- se pierde por completo en el medio más impersonal del cine, que puede, sin embargo, subsanar esta desventaja con innumerables recursos no accesibles para el teatro.Los estudiosos del arte han sacado de estos hechos conclusiones distintas en torno a la naturaleza de los medios artísticos. Los «puristas», siguiendo la orientación del ensayo Lookoon, ven con desagrado cualquier intento de hacer que la obra de arte trascienda los límites de su propio medio distintivo. Y así, sostienen que los poemas no deberían intentar describir con exactitud las apariencias visibles de las cosas, función reservada a las artes visuales; ni las artes visuales deberían intentar reproducir el movimiento, cosa reservada a la literatura; como tampoco la música debería intentar tener un programa y contar historias, lo que corresponde también a la literatura; ni el cine debería abandonar su capacidad específica de reproducir el movimiento, en beneficio del diálogo entre sus personajes. Los adversarios de esta concepción arguyen que tales normas pueden transgredirse ventajosamente, y que, si es cierto que cada medio artístico tiene sus propias posibilidades distintivas, no hay razón alguna para que un medio no pueda echar mano de recursos que otro arte sería ciertamente capaz de utilizar mejor. En esta perspectiva, la observación de Lessing es un consejo de perfección que eliminaría muchas insignes obras de arte y negaría validez a muchos experimentos interesantes. Wagner, por ejemplo, estaba convencido (erróneamente sin duda) de que con sus dramas musicales creaba un superarte donde lo auditivo, lo visual y lo literario eran de la misma importancia.

CONCEPTOS y MEDIOS.

A causa de las diferencias entre los medios de las distintas artes, hay conceptos que se aplican de forma rigurosa a una o más artes, pero no, o en distinto sentido, a las demás. He aquí algunos de los ejemplos más importantes.

AsuntoEl asunto de una obra de arte es aquello de que trata. La persona que leyese una obra literaria sin intentar interpretarla, podría no obstante determinar su asunto: por ejemplo, la Odisea trata de las andanzas de Ulises. Toda obra de ficción tiene un asunto; puede además tener o no un tema o idea subyacente, que aparece explícitamente afirmado o que se halla implícito en la obra. Si la Odisea tiene un tema a la vez que un asunto, es susceptible de discusión; pero a menudo la respuesta es clara: por ejemplo, el asunto de la obra Pilgrim's Progress de Bunyan, es una serie de sucesos acaecidos a un sujeto llamado Christian, mientras que el tema es la salvación del hombre. Por añadidura, una obra literaria puede tener asimismo una tesis, es decir, una proposición o conjunto de proposiciones que formula, ataca o defiende.

La tesis puede hallarse tanto implícita como explícita: la tesis de Pilgrim's Progress es afirmada repetidas veces; mientras que la de muchas novelas de Hardy -a saber, que el hombre es víctima de un «hado» hostil que controla su vida y del que no puede librarse- raras veces o nunca aparece explícitamente

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UAP ACTIVIDADES: APRECIACIÓN DE LAS ARTES VISUALES formulada.No todas las obras de arte tienen asunto: los poemas, las obras dramáticas y las novelas tratan siempre de algo; pero no así las obras musicales: la Sinfonía número 5 de Beethoven no trata del destino del hombre, de su heroísmo, ni de tantas otras cosas como a veces se le han atribuido en calidad de asunto. Algunas pinturas, especialmente las no representativas compuestas de colores y figuras, no tratan de nada; pero otras tienen sin duda un asunto (por ejemplo, la Crucifixión). El término«tema» se utiliza a menudo en música; pero en este caso posee un significado completamente distinto; cuando hablamos de la «temática material» de una composición, nos referimos, no a cualquier idea subyacente, ni a ninguna otra cosa que trascienda lo representado a través del medio, sino a una serie de tonos dentro del medio mismo.

RepresentaciónLas artes visuales puede decirse que representan objetos del mundo. Rigurosamente hablando, la pintura presenta una serie de colores y figuras que luego interpretamos o elaboramos como representaciones de diversos objetos del entorno vital. No todas las pinturas, desde luego, son representativas. Pero muchas obras de pintura, escultura y otras artes visuales, representan claramente objetos de la naturaleza. Sin embargo, el sentido en que lo hacen no siempre es el mismo: existe cierta diferencia entre pintar un objeto y retratarlo. La obra pictórica podemos decir que representa a un hombre de pelo negro cubierto con una toga. Pero cabe decir también que esa misma pintura representa a Julio César, o sea, que es el retrato de Julio César. Retrato es un concepto más ambiguo: el pintor puede cambiar el título de un cuadro sin cambiar el cuadro mismo, de suerte que cambia lo que dice retratar. Lo representado -en el cuadro puede deducirse de su contemplación, junto con cierto conocimiento del mundo; lo retratado sólo puede inferirse generalmente del título. Si cambiase el título, el sujeto retratado sería distinto, pero la pintura seguiría siendo la misma.

En cuanto a la música, es dudoso que podamos hablar de representación. La naturaleza no produce sonidos musicales: éstos son producidos únicamente por instrumentos de confección humana. La naturaleza nos ofrece ciertamente sonidos, pero son primariamente ruidos, más que tonos musicales; mientras que la música secompone de estos últimos. La música, pues, nos presenta una amplia gama de sonidos musicales que, sin embargo, no representa.

Hay sin duda programas de música, es decir, música con un título que indica algún tema. Pero ¿cuál es la conexión exacta entre una obra de música y su «programa»? únicamente que en la música oímos una serie de tonos variados que, con ayuda del título (y casi nunca sin él ), puede recordarnos o evocar en nosotros la impresión de lo indicado en el título. La misma música, con un título diferente, nos recordaría otra cosa y canalizaría nuestras asociaciones mentales en una dirección completamente distinta. Tal vez la mayor semejanza entre los tonos musicales v las cosas de la naturaleza radique en ciertos ritmos: el galopar de los caballos puede imitarse mediante ciertos esquemas rítmicos en una composición musical. Pero el valor musical de la representación es muy discutible.

El caso de la literatura es distinto, porque sólo puede llamarse representativa de una manera muy indirecta. La literatura no puede presentar representaciones visuales,como la pintura y la escultura; si algo en ella puede decirse representado, ha de serIo por medio de símbolos verbales. Sin embargo, en este sentido es conveniente, y acaso no demasiado equívoco, decir que una de las novelas de Fielding representa las aventuras de su héroe, Tom Jones, y muchos otros personajes; o, más exactamente, que representa a una serie de personas de tales v tales características implicadas en estas o aquellas aventuras, y que retrata a Tom Jones ya otros muchos personajes. Pero no hay nada que nos permita distinguir entre pintura y retrato en literatura; puesto que

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UAP ACTIVIDADES: APRECIACIÓN DE LAS ARTES VISUALESla referencia a Tom Jones tiene lugar en el medio (i.e., las palabras), mientras en las artes visuales lo retratado se conoce sólo por el título, que no forma parte del mismo medio visual. En una obra literaria, lo retratado no podría cambiarse sin cambiar las palabras mismas de la novela.

Significado«¿Qué significa una obra de arte?», es una pregunta engañosa por incauta. En el estricto sentido de la referencia convencional, el único arte donde se dan significados es la literatura. Lo:o elementos que constituyen la literatura tienen significados en un sentido que no se aplica a ningún otro arte. La palabra «gato» tiene un significado, pero el tono musical del Do medio, y una línea dentada, no la tienen: pueden evocar diversas respuestas, pero carecen de punto de referencia convencional.

Pero cuando preguntamos qué significa una obra de arte en su conjunto, no estamos hablando de símbolos convencionales. Al formular esa pregunta podemos entender una de estas cosas:1) Podemos estar preguntando «De qué trata», pregunta cuya respuesta consistirá en indicar el asunto de la obra, si es que la tiene;2) podemos estar preguntando «Cuál es su tema»: por ejemplo, si la película He Who Must Die se refiere realmente a Cristo;3) podemos estar preguntando por la tesis o proposición(es) central(es) formulada(s) o implicada(s) en la obra: por ejemplo, si la tesis de un poema concreto es que la infancia constituye el período más feliz de la vida;4) podemos, finalmente, estar preguntando «Qué tipo de efecto produce (o debería producir) en el auditorio»: un sentido en el que todas las obras de arte tienen significado, pues todas ellas producen efectos, pero que no puede traducirse en palabras. Si pretendemos conocer que «significa» una sinfonía en este sentido, no nos queda otra alternativa que oírla atentamente cuando es interpretada. Sin embargo, este uso de la palabra «significado» es muy capcioso. Indudablemente, toda obra de arte produce efectos únicos e irrepetibles; pero si es esto lo que el crítico desea decir, ¿por qué no lo dice con estas palabras? Muchas personas que desean atribuir «significados» a las más abstractas composiciones musicales incluso, parecen suponer que una obra de arte no posee pleno valor ni tiene derecho a toda nuestra atención hasta que ellas la han descifrado o le han atribuido un «significado» particular.

DIALÉCTICA, CIENCIA Y CULTURA, PINTURA, ARTE Y TECNOLOGIA

Con su génesis en el surgimiento del hombre como ser social, se realizan valoraciones sobre la pintura donde se demuestra de manera escueta su evolución paralela al desarrollo científico – técnico. Aquí aparecen reflexiones de los autores acerca de la inseparable mezcla aditiva arte – tecnología tomando sólo algunos momentos de la evolución técnico – pictórica para hacer entender las soluciones que adopta este arte a partir de la Revolución Industrial en el siglo XVIII y las nuevas expresiones en el arte contemporáneo.

Para analizar la Plástica como expresión de la cultura artística, y en especial el arte de la pintura como tecnología y ciencia se debe partir de la definición de conciencia: Que es la forma superior, propia tan solo del hombre, del reflejo de la realidad objetiva, abarcadora de un conjunto de procesos psíquicos que participan activamente conduciendo al hombre a comprender el mundo objetivo y su ser personal. Surge indisolublemente ligada al lenguaje y en la esfera de la producción social. El hombre en su proceso de trabajo, en las relaciones sociales entre sí, descubre y transforma las propiedades de los objetos, acciona sobre la naturaleza y la subordina a sus necesidades.

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UAP ACTIVIDADES: APRECIACIÓN DE LAS ARTES VISUALESLa conciencia no es una cualidad innata, está determinada por la posición del hombre en la vida social, para el desarrollo de este tema se debe referir la conciencia estético artística como forma de la conciencia social.

La estética es la ciencia que trata de las leyes a que está sujeta la aprehensión estética del mundo por parte del hombre, de la esencia del arte, de las leyes de su desarrollo, del papel socialmente transformador del arte como forma especial.

El arte y la creación artística, entran en el objeto de la estética como su parte más especial. Considerando el arte como una unidad de creación según las leyes de lo bello, de la conciencia y del reflejo artístico, la estética marxista – leninista lo caracteriza como forma especial de la aprehensión del mundo.

El hombre en su conocimiento del mundo usa el arte como medio regulador de la vida en su aprehensión de la realidad. A su vez el arte no puede prescindir de la técnica. El progreso de la técnica hace posible que en el devenir histórico del hombre aparezcan nuevos tipos de arte, e influye sobre los más antiguos (sistema de imágenes, técnica, medios y procedimientos de expresión artística en relación con el desarrollo social). Existe entonces una penetración cada vez más profunda en lo estético, en la esfera de la técnica así como de lo técnico en la esfera del arte.

La pintura surge con el hombre mismo, cuando comienza a vivir en sociedad como forma de expresión ante un medio enteramente desconocido, y la necesidad de responder de una u otra manera a los fenómenos naturales. Su primer momento se encuentra en las escenas de caza y animales que aparecen en las paredes de las cuevas que habitaban. Aquí se inicia el hombre como tecnólogo del arte, creando pigmentos coloreados con arcilla, carbón y otras sustancias minerales y vegetales, utilizando los relieves que propiciaban las paredes para simular los volúmenes, su tema es la necesidad de comunicar sus sentimientos, emociones, vivencias, ritos, hábitos, de conocer su cuerpo, de decir lo bello.

Estos temas siempre han existido, comunicados en las distintas épocas de maneras diversas, pero siempre evolucionando con el conocimiento material del hombre.

La técnica pictórica evolucionó con el tiempo, el desarrollo social, los conocimientos del mundo material y acorde a las necesidades espirituales del hombre. Así se puede valorar el arte plástico en las grandes civilizaciones (Egipto, Grecia, Roma, China, por citar algunas) donde el hombre utilizó varios soportes, (telas, muros, papiros, cerámicas, madera) y para cada uno fue necesario crear pigmentos que perduraran en el tiempo y según sus necesidades.

Se hicieron incursiones químicas para lograr pigmentos que perduraran y el taller plástico o los estudios iniciaban su labor macerando sustancias para lograr colores, elaborando pinceles según su uso, imprimando soportes para evitar que los colores se fragmentaran y destruyeran. Así conoció el artista los elementos naturales que utilizaba como aglutinantes para crear sus pastas y experimentó sus resultados trasmitiéndolos a otras generaciones.

Artistas conocidos como Leonardo Da Vinci, Diego Velásquez, Rembrant, hicieron de sus talleres verdaderos laboratorios experimentales, cinc, cobalto, tierras, aceites minerales y vegetales se transformaron en sus colores.A partir de la Revolución Industrial en el siglo XVIII aparecen los pigmentos producidos por la fábrica y en la medida del transcurso de los años estos fueron evolucionando según las necesidades artísticas. Aparecen nuevos materiales como el pastel que implica la aparición de nuevas técnicas.

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UAP ACTIVIDADES: APRECIACIÓN DE LAS ARTES VISUALESCon el desarrollo científico – técnico y la aparición de los medios de difusión masiva además de crear nuevas técnicas pictóricas, el hombre evoluciona en el tratamiento formal y conceptual de su obra, aparecen nuevas corrientes y tendencias pictóricas, las sociedades exigen novedosos temas distintos a los tradicionales en su concepto, comienzan a llevarse al soporte las cosas más cotidianas y de las maneras más diversas, en ocasiones experimentos basados en las técnicas y temas antiguos pero reconciliándose con los discursos de la obra de su tiempo. El empaquetar un edificio, que al amanecer sus habitantes choquen con la novedad es una visión cotidiana, una necesidad del arte contemporáneo de ruptura con lo convencional, o por citar otro caso las acciones plásticas o el body paint que es vestir un desnudo con color y situarlo frente a todas las personas en una calle, marcan la evolución social del sentido pictórico contemporáneo.

La pintura como se ejemplifica en el párrafo anterior abandona el soporte tradicional y encuentra nuevos conceptos, nuevas relaciones contenido – forma, nuevas tendencias, pintar sobre la piel humana desnuda, exige del desarrollo tecnológico actual, pues esto requiere del uso de materiales especiales para ello (aerógrafos, tintas, acrílicos, barnices) que resistan el contenido graso de la piel, el agua, el calor o el frío.

El hombre comienza a incorporar elementos pegados al lienzo y a sacar texturas que se convierten en relieves, es el caso del arte matérico.

Otro ejemplo es el gestualismo, en el cual los artistas con necesidades de incorporar música, teatro y danza a su obra pictórica o necesariamente situar su cuadro frente a un espejo y de esa manera hacer actuar al espectador como parte de la obra pictórica o de otra manera regar pintura sobre el lienzo en plena calle.

Otros pintores crean cambiando el concepto de las cosas para convertir en arte los elementos más cotidianos de la vida y así aparece el conceptualismo y se puede apreciar como los artistas pueden imprimir presupuestos estéticos a piezas encontradas en un basurero u objetos desechos .Para concebir la obra pictórica el artista de estos tiempos utiliza medios como el cine, la fotografía, el vídeo, entre otros adelantos técnicos como la computación, epidiáscopos y retroproyectores para realizar obras de gran tamaño.

La pintura es usada además en las ciencias médicas. Para decorar locales de hospitales se deben seleccionar los cuadros a usar tanto por su temática, como por su color, pictografías donde primen las gamas azules y verdes, pues son colores que rechazan gran cantidad de microorganismos parásitos. El arte óptico es muy usado para los tratamientos psiquiátricos por sus funciones sedantes.

El arte pictórico contemporáneo está presente en el desarrollo social del hombre convirtiéndose al decir de Cabrera Salort en un “mecanismo regulador de la vida del hombre“1[1]. La pintura comienza a reflejar todos los elementos de la vida social y expresa en la actualidad los sentimientos no sólo del artista, sino que convierte al espectador en elemento activo para el disfrute de la obra.

Al valorar el impacto social de la ciencia y la tecnología en el arte pictórico contemporáneo y en su devenir histórico podemos afirmar:

1.      Las técnicas pictóricas no se pueden divorciar del desarrollo tecnológico y científico alcanzado por el hombre, pues siempre han existido interrelacionado.

2. La pintura es un medio de expresión de sentimientos, ideas, vivencias sociales y está a la par del desarrollo científico técnico de la sociedad.

CONCEPTO DE ARTESegún varias fuentes consultadas el concepto de arte proviene de la palabra "ars" originada en la lengua latín. Tradicionalmente se consideró al arte como la habilidad o maestría de una persona para

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UAP ACTIVIDADES: APRECIACIÓN DE LAS ARTES VISUALESelaborar algo, concepto que si bien no refleja fehacientemente el significado de arte, aun al día de la fecha se considera como un artista a aquella persona que realiza una tarea en forma sobresaliente. La primera vez que se diferencia entre artesano (aquella persona que produce varios objetos similares con iguales características) y artista (persona que realiza un obra única) fue durante el periodo conocido como renacimiento. Fue recién durante y posterior a la revolución industrial cuando se afirmo el concepto de arte. En ese momento fue cuando aparecieron los primeros coleccionistas, las galerías de arte, los críticos de arte, las academias y los museos de Bellas Artes. Entonces, el concepto moderno (podría denominarse como amplio) es el que entiende como arte a toda aquella manifestación de la actividad humana (no sometida a reglas concretas) que se expresa en forma subjetiva, única e irreproducible de algo real o imaginario. Otro concepto rescatable entiende al arte como la manifestación de la mente, de la inteligencia humana, por la cual se expresa la creatividad con la finalidad de establecer una comunicación entre el artista y el observador, intentando en medida de lo posible, la transmisión de sentimientos y sensaciones.HABILIDADES PARA LA PRODUCCIÓN ARTÍSTICAEl artista, cualquiera que sea el arte al que se dedique produce sus obras utilizando las facultades siguientes.

1. Los sentidos con su conjunto de conocimientos visuales o auditivos, y una cierta habilidad manual para manejar materiales y herramientas, o bien, la habilidad para los movimientos corporales.

2. La sensibilidad o gusto y el desarrollo de la preferencia personales.3. La imaginación o fantasía con sus motivaciones personales. La inteligencia y sus conocimientos,

y un desarrollo cultural o filosófico.LOS ORIGENES DE LA HISTORIA DEL ARTEEstudiar la historia del arte significa situarse frente al ilimitado panorama de los testimonios visuales que nos han dejado los hombres y los pueblos que habitan la tierra desde hace miles de años. Edificios, objetos de uso cotidiano, ornamentos, dibujos y pinturas constituyen un espectáculo continuo de signos, formas y colores a través de los cuales se expresa el pensamiento y la creatividad del género humano. La historia está marcada por acontecimientos importantes, como por modelos estéticos y estilos bien definidos, como son el Renacimiento y el Barroco, la invención de la escritura, el nacimiento de Jesucristo o el fin del Imperio Romano de Occidente. La historia del arte, por su parte, ha atravesado épocas caracterizadas Cronología de la historia del Arte de la humanidadArte Prehistórico (desde la aparición del hombre en la tierra hasta el año 5000 a .C.) Arte Antiguo (comprende desde el año 5000 a .C. hasta el año 0). Incluye el Arte Mesopotámico y el Arte Egipcio.Arte Clásico (desde el año 2000 a .C. hasta el 300 a .C.). Comprende el Arte Griego y el Arte Romano.Arte de la Edad Media (desde el año 300 al 1400). Abarca el Arte Paleocristiano, Arte Carolingio, Arte Bizantino y Arte Otomano. También Arte Románico, Arte Gótico y Arte Musulmán.Arte de la Edad Moderna (a partir del año 1400 hasta el año 1800). Engloba al Arte del Renacimiento, Arte Barroco, Arte Hispano-Americano.Arte del siglo XIX. Encuadra al Neoclasicismo, Realismo, Romanticismo, Impresionismo y Post-impresionismo.Arte del siglo XX (desde principio de siglo 20 hasta el año 1942). Se incluyen en este siglo al Modernismo, Expresionismo, Surrealismo y Arte Abstracto.Arte Contemporáneo (desde el año 1942 hasta la fecha actual). Contiene a diversas expresiones del arte entre las que se encuentran el Arte Pop, Naif, Land Art, etc. Una de las primeras preguntas que se hace el historiador del Arte es ¿cómo surge? ¿cuál era su función primaria? Sabemos que los artistas modernos crean a partir de la necesidad expresar una posición política, una emoción percibida a través de los sentidos, una crítica a la sociedad. Pero ¿por qué hacía Arte, por qué pintaba, esculpía, boceteaba el hombre prehistórico?

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UAP ACTIVIDADES: APRECIACIÓN DE LAS ARTES VISUALESLas manifestaciones artísticas más antiguas que conocemos ocurren en cuevas, refugios domésticos del hombre primitivo, y están constituidas por dibujos de animales y figuras humanas en actividades de casa. Es notable la fidelidad que estos primeros dibujos guardan a la realidad natural, al animal verdadero; existe un cuidadoso tratamiento de las proporciones, de las características del animal real.Mucho se ha discutido sobre la motivación de los paleolíticos para llevar a cabo las magníficas ilustraciones que hacían en las paredes rocosas de las cuevas. ¿Tenían acaso un fin decorativo? ¿Quien pintaba, lo hacía por placer?El esmero que los artistas paleolíticos ponían al desarrollo de sus obras sólo puede explicarse, según el historiador húngaro Arnold Hauser, a su finalidad mágica. Al representar al bisonte herido, el artista se hace dueño de ese bisonte que muere, es suyo. El arte es apenas una continuación, nítida y homogénea, del mundo real. Es precisamente porque el animal dibujado es, para el hombre prehistórico, el animal real, que la representación gráfica debe ser perfecta. El artista debe matar al animal a través de su muerte en efigie.Hauser presenta otros argumentos para dejar establecida su tesis de la finalidad mágica del arte primigenio. Uno de ellos, el hecho de que las pinturas rupestres se encontraban - en la mayoría de los casos - en los rincones más oscuros, alejados y recónditos de las cuevas. Lugares que no eran apropiados para que el ser humano permaneciera, sino más bien, que tenían el ambiente propicio para la celebración del ritual mágico.Por otro lado, ocurre en muchas de estas cuevas que las figuras se amontonan unas encima de otras, con absoluto desprecio a la dificultad para interpretar las obras que esto implica, sugieriendo probablemente que, una vez seleccionado el lugar "apropiado" para el ritual de la pintura, este quedaba "fijado" de manera permanente.LAS MANIFESTACIONES ARTÍSTICASComo su nombre lo indica, estas ,manifestaciones pertenecen al arte. El arte es uno de los bienes más preciados, que el hombre ha producido para su enriquecimiento espiritual.La palabra arte es una generalización que usamos, por costumbre, para referirnos a los oficios denominados “artes”, cuyas manifestaciones son las obras más sublimes, consagradas por la humanidad.Las artes reflejan los valores de su cultura a través del tiempo y son producidas por personas llamadas “Artistas”Las manifestaciones artísticas de la prehistoria tienen su máxima representación en los llamados artes rupestre, mobiliario y megalítico. El primero de ellos, el arte rupestre, recibe su nombre de las paredes rocosas de las cuevas y abrigos en los que se realizaban las pinturas. Estas pinturas representaban fundamentalmente animales y escenas de caza. El arte rupestre está, sobre todo, representado en España y el sur de Francia. En España destacan las pinturas rupestres de las cuevas de Altamira y en Francia las de Lascaux. En España podemos encontrar dos zonas de pintura rupestre diferenciadas: la zona cantábrica y la levantina. En la primera, la cantábrica, las escenas representadas muestran únicamente animales con un alto nivel de realismo y la utilización de policromías. En la zona levantina, las pinturas son más estilizadas y representan escenas de caza en las que aparecen figuras humanas. En esta última zona las pinturas son monocromas.  El arte mobiliario o arte mueble (también llamado arte miniatura o arte portátil) consiste en figuras y objetos decorativos tallados en hueso, cuernos de animal o piedra o modelados toscamente en arcilla. Estas figuras son pequeñas estatuillas antropomórficas y zoomorfas talladas en arcilla y piedra. Particular interés ofrecen unas características figuritas femeninas de pequeño tamaño talladas en piedra, denominadas genéricamente Venus. Estas estatuillas tienen una clara tendencia a la esquematización y un especial interés por resaltar los atributos sexuales. De entre las más de cincuenta figuras descubiertas destacan la Venus de Willendorf y la Venus de Savignano. 

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UAP ACTIVIDADES: APRECIACIÓN DE LAS ARTES VISUALESComo arte megalítico se reconoce a los monumentos formados por piedras grandes y toscamente labradas, erguidas en solitario o combinadas para formar una estructura, levantadas bien con fines religiosos o bien como lugares de enterramiento o como monumentos conmemorativos de sucesos destacados. Los de Europa occidental pertenecen al neolítico y a la edad del bronce. Los principales tipos de monumentos megalíticos son: El menhir: También llamado monolito es una gran piedra clavada verticalmente en el suelo El dolmen: Se trata de un monumento formado por varios menhires sobre los que descansan horizontalmente otras grandes piedras. Muchos de estos dólmenes servían como cámara funeraria. El crómlech: Círculos formados por varios dólmenes y menhires.   Ritos y magia en el arte prehistórico Durante mucho tiempo se tendió a considerar que las manifestaciones artísticas de los hombres primitivos debían tener un sentido práctico. Además, las pinturas rupestres se hallan en cuevas de difícil acceso, y la estatuaria que nos ha llegado pertenecen a dioses votivos. Se considera que el hombre primitivo, siempre ha tenido fuertemente arraigado en su vida un omnipotente sentido mágico, con el que ha pretendido dominar las fuerzas naturales adversas, o potenciar las favorables. La magia es la forma que tenía el hombre de enfrentarse a esas fuerzas naturales y ponerlas a su servicio. Los hombres primitivos creían, que poseyendo el símbolo o la representación de las cosas, se poseía la misma cosa. Pero la pintura prehistórica no narra, nuestra la realidad inmediata al ser humano, aquella que el hombre necesita dominar para poder subsistir. No hay nada de superfluo en la pintura, es consecuencia de la necesidad más que del disfrute. No se encontró mejor explicación que atribuir la presencia de arte a la presencia de ritos religiosos, y en la medida en que la religión prehistórica pretende el favor de los dioses a la magia. Hoy en día eso no está tan claro. El arte aparece con los hombres modernos, el cromañón, que según Juan Luis Arsuaga se diferencian de los neandertales, fundamentalmente, en su capacidad simbólica, la cual le permite crear sociedades más complejas, lo que les dará una ventaja decisiva en el mismo nicho ecológico. A la larga el neandertal se extinguiría. Esta capacidad de crear símbolos, como adornos, permiten a los cromañones reconocerse entre sí en cualquier parte y circunstancia, y ayudarse en caso de necesidad. El adorno identifica al individuo como perteneciente a la misma especie y a la misma cultura. Es de suponer que la mayor parte de este arte estuviera hecho con materiales biodegradables, por lo que han desaparecido, y sólo nos han llegado los que estaban hechos en materiales más duraderos (piedra y metal) y los más protegidos de las inclemencias del tiempo (pinturas rupestres). ARTE PREHISTORICO:DIVISIÓN DE LA PREHISTORIAÉste periodo se divide en dos edades que consisten en varios periodos los cuales sonEdad de Piedraa.-Periodo Paleolítico: Significa piedra antigua. Se subdivide :Paleolítico inferior :de la piedra exclusivamente tallada: bifaciales y lascas, Paleolítico medio : Piedras lascas y hojas Paleolítico superior: Aparece el hombre de Cro-Magnon, desaparece el reno por el aumento de la temperaturab.-Periodo Mesolítico: Es el periodo intermedio entre ambas edadesc.-Periodo Neolítico: Significa piedra nueva o pulimentada.En el paleolítico se encuentran varios objetos de supervivencia, hachas, puntas de flecha... pero también se encuentran objetos puramente artísticos como las venus prehistóricas o estatopígias.La mas famosa de estas "venus" es la de willendorf (Alemania) También cabe citar la venus de lespugne (Francia)En cuanto a pintura nos encontramos con dos escuelas fundamentales la cantábrica y la levantina.En la cantábrica tenemos como ejemplo las cuevas de Altamira y las de Lascaux. Una de las imágenes de la sala de los toros en las cueva de lascaux (Francia)  Menos conocidas son las de tito bustillo o las de la peña Candamo en Asturias.

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UAP ACTIVIDADES: APRECIACIÓN DE LAS ARTES VISUALESSe dice que las pinturas del paleolítico tenían un carácter mágico.La pintura de la escuela cantábrica se efectúa en las zonas mas profundas de las cuevas fundamentalmente en techos y paredes y datan del Paleolítico Superior (35.000-8000 a. C).La pintura de la escuela cantábrica es policroma. Predomina en ella el rojo ocre y los colores tierra además del negro procedente de carbón de madera. Los pigmentos solían mezclarse con grasa o con sangre para penetrar bien en los poros de las paredes.En el periodo magdaleniense el arte se hace mas elaborado buscando volumen tanto en la eleccion de la superficie de la roca ( que contribuyera a la sensación de volumen de la pintura) como en el degradado de la pintura para lograr tal efecto.La representación es generalmente de perfil absoluto o relativo, destacando la denominada perspectiva torcida (cuernos y patas vistos de frente y la silueta de perfil). La composición no existe, cada figura vaga en el espacio, unas contrapuestas a otras, superpuestas y en diferentes posturas, hecho por el que algunos investigadores deducen que no tiene sentido narrativo, sino ritual. La temática de estas pinturas eran principalmente animales; bisontes, caballos, javalíes, venados y algunas figuras humanas. La pintura de la escuela levantina en el periodo cuaternario se diferencia de la cantábrica que en no está tan oculta en las cuevas sino en abrigos rocosos abiertos al exterior, la escala empleada es menor y la figura humana aparece perfectamente definida y ocupa un papel mas importante dando lugar a escenas de caza o de danzas rituales, desfiles etc. Una serie de escenas que narran la vida cotidiana.La técnica levantina tiende mas a la monocromía y se hace uso particularmente del rojo y negro y el estilo es mas esquemático. Este estilo esquemático se va acentuando durante el periodo Neolítico y las formas naturales terminan casi convertidas en signos. Neolítico El Neolítico está comprendido entre los años 5000 y el 2500 a. de C. El hombre se hizo sedentario, domesticó animales y cultivó la tierra. Abandonó las cuevas y comenzó a instalarse en poblados. En esta época aparece la cultura megalítica. Normalmente estos monumentos megalíticos eran tumbas y se suelen clasificar como  Menhir: Una sola piedra clavada verticalmente en la tierra, Dolmen: Monumento formado por grandes piedras verticales que sostienen otras horizontales y Cromlech: Monumento megalítico que consiste en una serie de Menhires formando un circulo. Uno de los más famosos es el cromlech de stonehenge. Edad de los Metales.Tiene dos grandes eras:Edad del Bronce, del siglo XXV a. de J.C., al IX a. de J.C. Edad del Hierro; esta última a su vez ha sido subdividida en:La época de Hallstatt :aproximadamente comenzó en el IX a. de J.C.La época de la Tène. La última termina en el siglo V a. de J.C.

CARACTERÍSTICAS DE LA PREHISTORIALos primeros instrumentos de piedra proceden de la región francesa de Chelles y tiene exponentes en Italia, España y norte de África.El hacha se transforma, las hojas son más retocadas al escasear el vegetal, la lanza cobra mayor importancia y en vez del elefante o del rinoceronte se caza el mamut y el caballo, as¡ como el reno.Comienza el hombre a trabajar los huesos de los animales sacrificados e inventa el curtido de la piel; descubre también el fuego, la cestería, la trampa para la caza y las redes para la pesca.ARTE Y SOCIEDAD Se designa con el nombre de arte y cultura prehistóricos a los de aquellos pueblos que no tienen documentación escrita y que vivieron en los albores de la humanidad. Abarcando los dos grandes periodos del paleolítico, aparecen como dos grandes subdivisiones de una cultura única que tiene las tres etapas de iniciación, florecimiento y decadencia. Es la vida religiosa la que determina en gran parte, y juntamente con la magia, el arte prehistórico.

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UAP ACTIVIDADES: APRECIACIÓN DE LAS ARTES VISUALESLas formas religiosas como la danza demuestran un verdadero culto que ser  también una manera de manifestación artística. La prehistoria tuvo una verdadera sociedad, así había una obligación común de repartir el botín de la caza, pero cada grupo humano tenia reglas particulares e igualmente características comunes. ESCULTURA PREHISTÓRICA En éste tipo de escultura la mujer fue considerada como un ser misterioso que toma la misión de propagar la especie; este misterio de la procreación indujo al hombre a inspirarse en ella para su arte primitivo.El ciclo mujer-procreación y fertilidad de la tierra, fue el motivo por lo que aquella se identificó con el culto de la madre tierra.Las Venus prehistóricas y las exageraciones de los atributos sexuales, así como las partes primordiales que intervienen en la procreación, son motivos vitales en la elaboración de estas figuras femeninas.La divinidad de Venus no puede ser considerada solamente como diosa de la belleza, pues esa belleza engendra, asimismo, procreación; por esta razón, a las esculturas femeninas se les ha denominado Venus.De todas las venus del periodo auriñaciense la ma s extraordinaria sin duda es la que se encuentra en el Museo de Viena y que recibe el nombre de Venus de Willendorf; en ésta las características anatómicas son exageradas al máximo con un gran sentido de la realidad, el tocado es complicadísimo y el rostro desaparece como si el artista intencionalmente hubiera querido que no pudiera ser identificado con alguna mujer del grupo.El relieve adquiere importancia esencial en la piedra y a través del estudio de esta escultura puede seguirse la evolución que el arte tuvo del Paleolítico al Neolítico y deéste, a la Edad de los Metales.En el periodo magdaleniense que sigue al Solutrense la escultura adquiere grados deperfección y así en la gruta de Combarelles (Dordoña) el reno sigue siendo motivo de inspiración.Las figuras aparecen superpuestas, el hombre no se disipa en rasgos inútiles y el movimiento es altamente conseguido.Este movimiento llega a la acrobacia y parece que representa una danza ritual que es preludio de la caza.PINTURA PREHISTÓRICA PALEOLÍTICALa gran pintura prehistórica comienza desde el periodo auriñaciense en el Paleolítico y concluye en el Neolítico. Comprende las siguientes características:En la pintura realista y naturalista, realista y abstracta, usó diferentes técnicas, as¡ los dedos o técnica digital, la crin del animal o técnica de la brocha y también la técnica del esfumado, que consistía en soplar por una caña o, hueso hueco la pintura.La cueva francesa de Pech-Merle (Dordoña) presenta pinturas de singular objetividad; en ella el paisaje quiere ser ya esbozado, pero la mano es el símbolo que predomina en esta cueva, que tiene una antigüedad de unos 40 mil años. El mamut fue también motivo de inspiración del pintor de Pech-Merle; está tratado con rasgos poderosos y rápidos.También del periodo de Aurignac son las pinturas rupestres de la región francesa Cougnac; aquí¡ la pintura está basada en el perfil. Los animales predilectos son el alce, el ciervo o la cabra y la figura humana apenas toma importancia.El magdaleniense es la cumbre de la pintura paleolítica y prueba de ello es la cueva de Lascaux que algunos historiadores clasifican como perteneciente al periodo perigordiano del paleolítico superior.El tema más frecuente en Lascaux es el toro; estas cuevas fueron descubiertas en 1940 y los animales son en su mayoría de grandes proporciones.Otra cueva de gran importancia en el arte magdaleniense francés es la de Niaux (Ariége). En ella predominan los fondos blancos y los rasgos negros. Estos colores como el rojo y el amarillo, fueron logrados con las mencionadas tierras colorantes con polvo de carbón, con carbonato de calcio y ocres de varias tonalidades.

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UAP ACTIVIDADES: APRECIACIÓN DE LAS ARTES VISUALESALTAMIRALas pinturas de Altamira por su gran naturalismo son muy parecidas en cuanto a calidad artística a las pinturas francesas de Lascaux, pero la diferencia radica no sólo en la variedad del arte, sino que las de Altamira están mejor conservadas.En Altamira algunas figuras humanas tienen disfraces de hechiceros, lo que comprueba el aspecto mágico de este arte.“Características”En 1875 Don Marcelino de Sautuola comenzó la exploración de esta cueva; cinco años después publicó un folleto que causó un enorme escándalo y fue acusado de falsificador.El pintor de Altamira usó el relieve de la roca para darle volumen a la figura; han resistido el tiempo y la humedad y nos han dejado un documento de la fauna de la región.El animal típico es el bisonte, unas veces quieto y alerta, dispuesto a correr y en el cual todo es dinamismo contenido en cada línea. En otras ocasiones el bisonte embiste; el movimiento es completo y total.En Altamira el artista consiguió el claroscuro, lo que hace resaltar el volumen del animal. También el esteta se obsesiona por la forma y el volumen.Al finalizar el neolítico, la pintura rupestre toma diferentes caminos. Como ejemplo de este arte mencionaremos las cuevas de Levanzo en las islas Egates y la cueva de Addaura en Palermo. En estas regiones aparecen pinturas, grabados esgrafiados de animales y hombres donde la línea y el movimiento tienen mucho de común con la pintura del Levante español.LA ACTUALIDAD DE LA CAPILLA SIXTINA PREHISTORICAEl hombre las pintó, el hombre las descubrió y el hombre deshizo, finalmente, el frágil equilibrio que las había preservado durante siglos. Una plaga de bacterias amenaza con destruir el santuario del arte rupestre francés, al tiempo que se descubren en el país nuevos tesoros prehistóricos.Las nuevas improntas han aparecido en las Cuevas de Vilhonneur (oeste de Francia) con el símbolo iconográfico del retrato humano más antiguo del planeta. O, al menos, eso es lo que creen los arqueólogos que trabajan desde hace siete meses bajo las bóvedas naturales de una caverna repleta de connotaciones religiosas, mágicas, “protoanimistas”.Las tareas avanzan para asombro de la comunidad científica y para euforia de las autoridades culturales, aunque el estado de entusiasmo que ha engendrado el yacimiento de Vilhonneur desafina con las sensaciones exactamente opuestas que suscita desde hace varios meses Lascaux.El hombre las creó hace diecisiete mil años y el hombre puede destruirlas en el umbral del siglo XXI. He aquí la paradoja que amenaza a la capilla sixtina del Paleolítico, un santuario de la Prehistoria y un memorial de la Humanidad cuyas pinturas rupestres languidecen en estado de misteriosa convalecencia. Técnica y científicamente, la culpa la tiene un hongo que medra entre las paredes y devora los colores, pero el Fusarium solani –he aquí el nombre en latín del hambriento cáncer– no hubiera prosperado sin la mediación inestimable del hombre contemporáneo.Las Cuevas de Lascaux, descubiertas accidentalmente en 1940, se habían resentido gravemente de las visitas y de la polución a mediados de los sesenta, cuando André Malraux, ministro de Cultura, decidió clausurarlas. Pero la instalación de un nuevo sistema de acondicionamiento, en 2001, ha cambiado el equilibrio biológico del templo en beneficio de los voraces hongos. ¿Versiones? Una apunta a que el Fusarium solani se introdujo en las botas de uno de los empleados que instalaron la maquinaria. La otra, menos verosímil, afirma en que el hongo maldito permanecía en estado latente hasta que encontró la oportunidad ambiental de manifestarse.El hombre las pintó, el hombre las descubrió y el hombre deshizo, finalmente, el frágil equilibrio que las había preservado durante siglos. Una plaga de bacterias amenaza con destruir el santuario del arte rupestre francés, al tiempo que se descubren en el país nuevos tesoros prehistóricos.Las nuevas improntas han aparecido en las Cuevas de Vilhonneur (oeste de Francia) con el símbolo iconográfico del retrato humano más antiguo del planeta. O, al menos, eso es lo que creen los arqueólogos que trabajan desde hace siete meses bajo las bóvedas naturales de una caverna repleta de connotaciones religiosas, mágicas, “protoanimistas”.

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UAP ACTIVIDADES: APRECIACIÓN DE LAS ARTES VISUALESLas tareas avanzan para asombro de la comunidad científica y para euforia de las autoridades culturales, aunque el estado de entusiasmo que ha engendrado el yacimiento de Vilhonneur desafina con las sensaciones exactamente opuestas que suscita desde hace varios meses Lascaux.El hombre las creó hace diecisiete mil años y el hombre puede destruirlas en el umbral del siglo XXI. He aquí la paradoja que amenaza a la capilla sixtina del Paleolítico, un santuario de la Prehistoria y un memorial de la Humanidad cuyas pinturas rupestres languidecen en estado de misteriosa convalecencia. Técnica y científicamente, la culpa la tiene un hongo que medra entre las paredes y devora los colores, pero el Fusarium solani –he aquí el nombre en latín del hambriento cáncer– no hubiera prosperado sin la mediación inestimable del hombre contemporáneo.Las Cuevas de Lascaux, descubiertas accidentalmente en 1940, se habían resentido gravemente de las visitas y de la polución a mediados de los sesenta, cuando André Malraux, ministro de Cultura, decidió clausurarlas. Pero la instalación de un nuevo sistema de acondicionamiento, en 2001, ha cambiado el equilibrio biológico del templo en beneficio de los voraces hongos. ¿Versiones? Una apunta a que el Fusarium solani se introdujo en las botas de uno de los empleados que instalaron la maquinaria. La otra, menos verosímil, afirma en que el hongo maldito permanecía en estado latente hasta que encontró la oportunidad ambiental de manifestarse.ARTE NEOLÍTICO-ARTE Y SOCIEDAD El último periodo del paleolítico es conocido con el nombre de mesolítico y es prácticamente imposible definir cuando terminó uno y comenzó el otro.“Características”El neolítico es más breve que el paleolítico en su paso hacia la protohistoria y debemos anotar que la cronología en este aspecto tiene que ser relativa y no absoluta.El hombre del neolítico cambió radicalmente su forma de vida; de nómada se transforma en sedentario, de recolectar se hace agricultor, de mago se convierte en sacerdote, de grupo en clan y de cazador en ganadero. Desde este periodo comienzan a aparecer culturas perfectamente definidas; as¡ la cultura nórdica, la  ártica, la palaf¡tica, la del Danubio, la del Mediterráneo, etc.La familia cobra una importancia extraordinaria que llega a nuestros días y ser  la base estructural de toda sociedad.El matrimonio se convierte en compra o rapto y el parentesco abarcar  hasta segundo grado.La constitución puramente agraria de la familia determinar  por s¡ misma normas fijas de la vida comunal y de la tribu y en éste sentido, el desarrollo de la idea de pueblo.La habitación y el vestido forman una misma categoría y el hogar es para el hombre una prolongación de su escudo y de su traje.El arte se concibe desde el mesolítico en forma distinta; lo esquemático, lo idealizado, ser n rasgos típicos que culminan en lo abstracto.EL LEVANTE ESPAÑOL En esta zona de la Península r Ibérica se desarrolla un arte de gran originalidad; el cálido Mediterráneo influye notablemente. Ya no es un arte realizado en el seno de la tierra, sino en los llamados refugios de los acantilados delas rocas. La luz penetra en estos abrigos; por tanto, la concepción mágico-religiosa ha tenido un gran cambio.CaracterísticasEn la cueva de Cogul (Lérida) fue encontrada una pintura celebérrima titulada la danza ritual; representa a 9 mujeres que bailan en derredor de un hombre y que debe a los primitivos cultos fálicos.En los murales de Alpera (Albacete); el hombre se estiliza, se alarga, se deforma; no pretende el pintor copiar sino representar. Se intenta la perspectiva, pero m s bien se tratar de establecer categorías; los jefes son de gran tamaño, los enemigos son pequeñas figuras.Este arte neolítico está también impreso en el desierto del Sahara, en la llamada región del Tassili y debe tener 4 000 a. de J.C.La temática esencial es el pastoreo que ofrece una mayor seguridad económica al individuo. Se trata de poblaciones trashumantes que hasta nuestros días los pueblos beduinos practican.En Tassili el grafito y la pintura rupestre aúnan aunque la región del Sahara abarca desde Argelia hasta el Fezzan y el Hoggar.

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UAP ACTIVIDADES: APRECIACIÓN DE LAS ARTES VISUALESLos grafitos está marcados en arenisca roja, el surco es ancho y profundo y la fauna naturalista es el búfalo, el rinoceronte y el elefante.LA CERÁMICA PREHISTÓRICA La primitiva cerámica derivó de la técnica de la cestería.Posteriormente se introdujo la decoración geométrico y la diversidad de los colores.Sobresalen diferentes escuelas de cerámica como la del Danubio, que representan el entrelazado del mimbre y el color, sobre todo el negro, era puesto después de la cocción.Esta cerámica no sólo fue para vasos o recipientes, sino también para la figura humana.LA ARQUITECTURA La arquitectura de la prehistoria ha recibido el nombre de megalítica, por las grandes piedras que fueron usadas.CaracterísticasRespecto a la habitación del hombre sólo quedan los llamados palafitos, o habitaciones lacustres .Este tipo de vivienda, localizado hoy en Suiza, debió ser motivado por presiones de pueblos enemigos, sobre poblaciones establecidas al pie de los Alpes.Formaban pequeñas agrupaciones situadas en diminutas penínsulas y el elemento esencial fue la madera, cuya renovación ha sido constante.La arquitectura pétrea del neolítico y que llega hasta la edad de los metales, corresponde al sur de Europa y norte del mismo continente. El dolmen es una mesa de piedra o varias piedras verticales con una horizontal encima; parece que es una sepultura, pero n han sido encontrados restos orgánicos aun-que podría ser sepultura de cremación. El cromlech está constituido por trilitos (2 piedras verticales y una horizontal encima); están dispuestas en círculo; pueden ser santuarios y actualmente son interpretados como observatorios solares y astronómicos. Los nuragos son torreones en forma de cono truncado, que van cerrándose por medio de hileras de piedra, dando lugar al primitivo techo abovedado y que posiblemente era el recinto de algún jefe de tribu.La taula es una piedra vertical, con una horizontal encima; se cree que sirvió para exposición de cadáver o como mesa de ofrenda.El talayote es un poblado de arquitectura adintelada, como los nuragos , que servía para habitación defensiva. ARTE METALÚRGICO Los primeros metales usados por el hombre fueron el oro y el cobre y posteriormente, al conocer las propiedades del estaño, se inventó el bronce.“Características”La minería, la industria y el comercio, transformaron en gran parte la concepción del mundo de este hombre.A este periodo de la metalurgia se le llama, protohistoria.Los objetos de bronce suelen tener un carácter utilitario, pero adornados con fantasía y habilidad.En la decoración el motivo más común es la línea espiral, repetida en las empuñaduras de armas, en las hebillas y en los brazaletes. La cerámica influye notablemente en los vasos de metal.La religión ha tenido en la poca de los metales una gran transformación y en esta protohistoria ya puede hablarse de una liturgia y de un cuerpo sacerdotal.El lurer está constituido por una curva de tubo y han sido encontrados en parejas como si el metal hubiera sustituido a los cuernos del bovino. Durante la Edad del Hierro, la escritura es un hecho y en algunos pueblos, como losdel Próximo Oriente, ésta ya era practicada desde la Edad del Bronce.Los objetos que predominan son las armas, las navajas, las fíbulas y algunos objetos útiles como vasijas. Las espadas, tendrán en su empuñadura ricas joyas.

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UAP ACTIVIDADES: APRECIACIÓN DE LAS ARTES VISUALESLos escudos, de madera, serán ahora recubiertos por chapas de hierro con adornos geométricos e incluso habrán  joyas del mismo metal.La cerámica de la Edad del Hierro es típica por la decoración de surcos y meandros, e incluso el barro pretende imitar los objetos de metal.

CATEDRA: LOS CÓDIGOS VISUALES EN LAS ARTES PLÀSTICASPROFESORA: Mg. LlLIANA IVONNE ESPINOZA SALAZAR

¿Alguna vez has pensado que el conocimiento y la apreciación del arte no sólo amplían tu cultura, sino que además pueden enriquecer tus relaciones estéticas(sensibles) con la naturaleza y con tus semejantes? Para esto se requiere del conocimiento y aprendizaje de su lenguaje visual. El lenguaje visual es la base de la creación artística, existen principios, reglas, conceptos que se refieren a la organización de los códigos visuales que deben importar a toda persona culta, el conocimiento de ellos aumentará la capacidad para una mejor comprensión del arte y de su organización en el plano visual. Los códigos visuales forman la parte más importante de la composición artística y son los que realmente percibimos en una obra de arte.

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UAP ACTIVIDADES: APRECIACIÓN DE LAS ARTES VISUALESCÓDIGOS VISUALES: Los códigos como el alfabeto, por ejm. son establecidos y nos sirven para descifrar la palabra escrita. Pero los códigos de los lenguajes artísticos son otros y sirven para descifrar lo que la obra quiere decir. Según las intenciones del artista y la finalidad de la composición creativa, así será la elección de los códigos a utilizar. CODIGOS VISUALES PRIMARIOS: PUNTO: Es el elemento más simple de expresión gráfica, es un ente abstracto desde el aspecto puramente geométrico,

pero al verse concretado gráficamente se provee de expresividad y de sentido representativo. Es el punto el origen de todas las formas y se le puede definir como "el resultado del más leve contacto del instrumento sobre el soporte" pudiendo ser el instrumento un pincel(en pintura), lápiz(en dibujo), gubia(en la escultura), etc. y el soporte un lienzo, cartón, piedra, madera, pared, etc. Dada su simplicidad, el punto carece de fuerza expresiva por sí mismo y no adquiere su poder en este sentido hasta que se le sitúa en contacto o relación con otros elementos también puntuales o de diferentes naturalezas llegándose a convertir en el motivo principal y hasta único de la representación artística (Puntillismo). Un punto indica posición, no tiene largo, ni ancho, es el principio y fin de una línea, es la consecuencia de dos líneas que se encuentran o entrecruzan. Es un ente inmaterial, carece de medida .En las artes plásticas no tiene rigor geométrico, esto significa que no tiene medida, como elemento estético posee condiciones de calidad y textura.

En el arte, el punto, podrá materializarse en forma de pequeños círculos y tender a diversas formas redondeadas o angulares. No cabe duda de que el punto puede llevar prendida en su carga expresiva, la personalidad del artista. Esta fuerza de expresión y su naturaleza dependerá considerablemente del instrumento y el soporte utilizados, podemos por ejm. ver la diferencia entre la huella de un golpe de “pincel” y un toque de plumilla o de lápiz e incluso las mismas sobre papeles satinados o gruesos que pueden cambiar por completo el carácter de una obra.

LINEA: Cuando un punto se mueve su recorrido se transforma en una línea. Tiene largo pero no ancho, tiene posición y dirección, está limitada por el punto, forma los bordes de un plano. Cuando los puntos están más próximos que no pueden reconocerse individualmente aumenta la direccionalidad y la cadena de puntos se convierte en otro elemento distintivo: LINEA. En las artes visuales la línea a causa de su naturaleza tiene enorme energía, nunca es estática. La línea expresa la intencionalidad del diseñador o el artista ,sus sentimientos y emociones más personales y lo que es más importante su visión.

Lo mismo que el punto tiene por su naturaleza un carácter marcadamente estático, en el momento que por su forma o combinaciones tiende a adquirir un carácter lineal, se reviste de un dinamismo más o menos acentuado que inmediatamente sugiere situaciones de movimiento.Puede ser recta o curva y tener infinitas posiciones, pero todas ellas podemos agruparlas en tres fundamentales: vertical, horizontal, e inclinada, las demás posiciones se derivan de éstas.

La línea puede estar sometida a presiones: si éstas se dejan sentir de forma continuada en una sola dirección se produce una curva(a), si la presión es absolutamente uniforme se convertirá en un círculo.(b)

Si recordamos todas las manifestaciones históricas de las artes visuales encontramos que después del punto, la línea fue una forma común e histórica del hombre de las cavernas. El arte empieza cuando el niño siente la necesidad de trazar una línea.CLASES DE LINEAS Y SU SIGNIFICADO: LA LINEA EXPRESA SENTIMIENTOS E IMPRESIONES EMOTIVAS.

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Muchas veces estas huellas son hechas al azar mediante procedimientos más o menos mecánicos como los pulverizadores o aerógrafos. U otras veces agrupados formando manchas y planos sugiriendo formas concretas o la ilusión de volúmenes

(a) (b)

UAP ACTIVIDADES: APRECIACIÓN DE LAS ARTES VISUALES

ELEVACIÒN, ASPIRACIÓN, ESTABILIDAD,EQUILIBRIO

ASCENSIÒN, SUPERACIÒN PROGRESO

CAÌDA, DESPLOME, DERRUMBE

PAZ, SERENIDAD, TRANQUILIDAD AVANCE, PROGRESO, SUPERACIÒN RETROCESO, REGRESIÒN

INESTABILIDAD, MOVIMIENTO CAIDA, DESEQUILIBRIO.MOVIMIENTO,ASPIRACIÓN, SUPERACIÒN

ACCION GRACIA,FEMINIDAD,SUTILEZA

MOVIMIENTO, SECUENCIA,RITMO

GLORIA, EXPANSIÒN.

LUCHA, DEESORDEN, VIOLENCIA,CAOS

PLANO : El recorrido de una línea en movimiento se convierte en plano. Un plano tiene largo y ancho, pero no grosor. Tiene posición y dirección, está limitado por líneas(bidimensional) y puede tener infinidad de formas.

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LA LINEA TRANSMITE BELLEZA

DIVIDE O LIMITA UN AREA O ESPACIO

DEFINE EL CONTORNO DE LAS FORMAS

LLEVA LA VISTA A DETERMINADA DIRECCION

DA FORMA A SIGNOS Y SIMBOLOS

UAP ACTIVIDADES: APRECIACIÓN DE LAS ARTES VISUALES

Define los extremos de un volumen y la zona dentro de la cual funcionan junto los códigos visuales y los espacios que se han dejado en blanco. El plano da forma a las imágenes que constituirán el tema del cuadro, pero también estructura el espacio donde dichas imágenes viven.El plano como fondo por lo regular tiene sus límites perpendiculares y paralelos dos a dos, es decir horizontales y verticales, reposo y dinamismo, el predominio de unas sobre otras altera profundamente la construcción del plano.

VOLUMEN: El recorrido de un plano en movimiento se convierte en volumen, tiene una posición en el espacio y está limitado por planos. el volumen se caracteriza por sus tres dimensiones: altura, anchura y profundidad. Para representar el volumen es preciso que entren en juego otros elementos además de los puramente lineales, insuficientes para representar volúmenes. Los recursos que ofrece la luz y la sombra permite crear la ilusión óptica del volumen.

CODIGOS VISUALES SECUNDARIOSLos códigos visuales primarios son la base de los códigos visuales secundarios y son : forma, figura y composición.

FORMA: La forma se constituye por medio de la línea o el plano. El empleo de cada una de ellas dará origen a una imagen distinta. Lo primero que vemos cuando nos colocamos frente a un dibujo, pintura, escultura, grabado son un conjunto de formas y es que todo cuando existe es una forma, cada forma que hay en el mundo es imagen de algo y encierra una significación.

ESTRUCTURA DE LA FORMA PLANA: El punto: La forma como punto es reconocida porque es pequeña, pero la pequeñez es relativa. La forma más común es la de un círculo pequeño, carente de ángulo y dirección. Sin embargo un punto puede ser cuadrado, triangular, oval, incluso de una forma irregular. Convencionalmente reconocemos la forma de un punto porque:

- Su tamaño debe ser comparativamente pequeño- Su forma debe ser simple.

La línea: La forma como línea es reconocida por dos razones

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UAP ACTIVIDADES: APRECIACIÓN DE LAS ARTES VISUALES

PERCEPCIÓN E INTERPRETACIÓN

El cuadro representa las dos dimensiones de la existencia humana: abajo la muerte, arriba el cielo, la vida eterna. El Greco se lució plasmando en el cuadro lo que constituye el horizonte cristiano de la vida ante la muerte, iluminado por Jesucristo.

En la parte inferior, el centro lo ocupa el cadáver del señor, que va a ser depositado con toda veneración y respeto en su sepulcro. Para tan solemne ocasión han bajado los santos del cielo: el obispo san Agustín, uno de los grandes padres de la Iglesia, y el diácono san Esteban, primer mártir de Cristo.

En la tradición bíblica el cuerpo es enterrado, devuelto a la tierra de donde salió, en la espera de ser transfigurado por la resurrección final. El cuerpo humano, que el Hijo de Dios ha tomado al hacerse hombre, ya no es la cárcel del alma, sino la materia animada por el espíritu, la materia que será definitivamente transformada en la resurrección.

A este entierro, dos personajes principales, el Greco nos mira de frente, invitándonos a entrar en el misterio admirable que contemplan nuestros ojos y su hijo, señalando con su dedo al personaje central.

Entre el cielo y la tierra, el lazo de unión es el alma inmortal del señor de Orgaz, figurada como un feto que es llevado al cielo por manos de un ángel, a través de una especie de bulba materna que le dará a luz a la vida eterna del cielo. La muerte aparece así como un parto, como un alumbramiento a la luz eterna en la que viven los santos. Trance doloroso, pero lleno de esperanza.

En la parte superior, el pintor describe el cielo, la vida feliz de los bienaventurados. Aparece Jesucristo glorioso, luminoso, vestido de blanco, entronizado como juez de vivos y muertos. Es el Señor de la vida y de la historia de los hombres. A Él se le ha dado la capacidad de juzgar a los hombres, y lo hace con misericordia, como lo muestra su rostro sereno y su mano derecha que manda al apóstol Pedro, jefe de su iglesia, que abra las puertas del cielo para el alma del conde difunto.

La madre de Jesucristo, la Virgen María, acoge maternalmente el alma del señor que llega haste el cielo. En este alumbramiento a la vida eterna, Dios ha confiado a María la tarea de madre. Ella es para nosotros el rostro materno de Dios.

Los bienaventurados miran fascinados y adorantes a Jesucristo el Señor.

El conjunto del cuadro invita a la contemplación de un misterio que nos es dado, de una verdad que nos es comunicada: el hombre ha nacido para la vida. El hombre no es un ser para la muerte. E incluso cuando ha de traspasar el umbral de la muerte, no lo hace en solitario, sino que junto a él para ayudarle está Jesucristo, redentor del hombre, su Madre santísima, que es también nuestra madre, y todos los santos del cielo, nuestros hermanos mayores. Somos miembros de la familia de los santos, para que vivamos santamente nuestro camino por esta vida.

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UAP ACTIVIDADES: APRECIACIÓN DE LAS ARTES VISUALESEl Greco ha conseguido transmitirnos en esta su obra maestra un mensaje de esperanza, la esperanza que brota de la buena noticia de Jesucristo, señor de la vida y de la historia

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