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ESTRADOBOLETÍN DEL MUSEO NACIONAL DE ARTES DECORATIVAS

JULI

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2

ÍNDICEBO

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DEL

MN

AD La belleza del Urushi

EXPOSICIONES

Exposición conmemorativa XV aniversariode AFEDA (1992-2007)

06

ACTIVIDADES Y OTRAS NOVEDADES

Actividades infantilesCiclo de cine

La noche en blancoVisitas guiadas y aperturas extraordinarias

03La Semana de la Arquitectura

PRESENTACIÓN

Balance de la Semana de los MuseosRelaciones institucionales y servicios

Exposición permanente y área pública

02

NOTICIAS DEL MUSEO09

Guías voluntariosMuseo y Artes Decorativas. Una jornada de estudio celebrada en Turín (7 de marzo de 2008)

CON DETALLE30

GABINETE DE CURIOSIDADES25

NOTICIAS DEL DISEÑO29

Últimas conferencias

Piezas del mesLo que la colección esconde

AGENDA08

JULI

O-S

EPTI

EMBR

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1

2BOLETÍN M

NAD

PRES

ENTA

CIÓ

NPRESENTACIÓN

Segundo encuentro en aqueste rincón, en aqueste Estrado, espacio amable,do detenerse, do deleitarsedo conocer lo que en MNAD pasó…

y habrá pasado antes de que pasentres meses, aquellos de más calor.En julio, talleres y cuentos para losinfantes, y para otras las edades

belleza lacada y, al final del estío, otoño pleno de acontecimientos: la semana de la arquitectura, un ciclo

de cine y, como grande momento,la noche mágica, la de mayor brillo:la Noche en Blanco. ¡El museo es vuestro!

3BOLETÍN M

NAD

ACTI

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ESVERANO EN EL MUSEO

ACTIVIDADES INFANTILES

Taller infantil: Los habitantes de una casa deshabitada

Cuentacuentos: Encantamiento Oriental

CICLO DE CINE

Casas encantadas. Interiores invadidos

y transformados

SEMANA DE LA ARQUITECTURA

LA NOCHE EN BLANCO

Sonido, tiempo y silencio. Música en el Museo

Nacional de Artes Decorativas

VISITAS GUIADAS Y APERTURAS EXTRAORDINARIAS

VERANO EN EL MUSEO

Durante los meses de julio y sep-tiembre se desarrollará en el Museo

un programa extraordinario de acti-vidades.

ACTIVIDADES INFANTILES

Las actividades programadas para el verano tienen un carácter lúdico, aunque no dejan de transmitir con-tenidos relacionados con los interio-res, las artes decorativas y la vida cotidiana. Estas actividades van a tener lugar de martes a sábado por la mañana y se dirigen a niños entre los 3 y los 12 años. La participación es gratuita, pero es imprescindible realizar reserva previa.


ESTRADOBOLETÍN EXTERNO DEL MNAD

04

Este museo se ubica en una antigua casa, el palacio de verano de la Du-quesa de Santoña, que nunca llegó a ser habitado. El taller está planteado como un juego de pistas con un hilo conductor basado en las historias de misterio. A través de un recorrido por el museo los niños descubrirán diversos personajes que pudieron estar relacionados con los objetos expuestos en las salas. Está pensa-do para niños entre 7 y 12 años.

Taller infantil: Los habitantes de una casa deshabitada

Miércoles, viernes y sábados. 12.30h.

JULIO: 5, 9, 11, 16, 18, 19, 23, 25 y 30 SEPTIEMBRE: 3, 5 y 6

El museo lleva ya tres años realizan-do proyecciones de cine, enmarca-das en ciclos que tratan de mostrar la utilización del diseño de interiores por los cineastas, con fines expre-sivos y narrativos muy diversos. El cine nos sirve como refuerzo para la contextualización de las colecciones

expuestas en el museo y como ve-hículo de transmisión de contenidos sobre momentos históricos. Los jueves del mes de septiembre, a partir de las 20.00 horas, se proyec-tará una película dentro de este ciclo de temática fantástica.

4, 11, 18 y 25 de SEPTIEMBRE

Ciclo de cineCasas encantadas. Interiores invadidos y transformados

Jueves. 20.00h.

Martes, jueves y sábados. 12.30h.

JULIO: 8, 10, 12, 15, 17, 22, 24, 26, 29 Y 31 SEPTIEMBRE: 2 y 4

Cuentacuentos: Encantamiento Oriental

La casa situada junto al lago lleva muchos años abandonada, nadie se atreve a habitar en ella. Dicen que la casa está encantada y que al ano-checer se pueden oir sonidos extra-ños que ponen los pelos de punta. Así se presenta el cuento escrito por Amaia Fernández, que combina en-tretenimiento y suspense. Lo narrará en un espacio con piezas orientales realizadas con la técnica de la laca.

La Fundación COAM ha incluido las salas del museo dedicadas al diseño de vanguardia en el recorrido de ac-

tividades de la Semana de la Arqui-tectura, que tendrá lugar entre el 6 y el 12 de octubre.

Del 6 al12 de OCTUBRE

LA SEMANA DE LA ARQUITECTURA



Sonido, tiempo y silencio. Música en el Museo Nacional de Artes Decorativas

05

LA NOCHE EN BLANCO

El 13 de septiembre se celebrará la tercera edición de La noche en blan-co, evento organizado por el Ayun-tamiento de Madrid con la colabo-ración de múltiples instituciones e inscrita dentro de la Nuit Blanche, iniciativa europea para la promoción de la participación de la ciudadanía en eventos de carácter cultural. Desde la primera edición, el Museo Nacional de Artes Decorativas se ha

unido a esta iniciativa, organizando actividades extraordinarias, dando la oportunidad a los visitantes de asistir a una pequeña representación tea-tral en torno al concepto de diseño o a lecturas dramatizadas de textos en las salas. Esta vez propondremos una visita especial, haciendo que el museo sea experimentado desde la magia y la capacidad de evocación de la música.

Apertura extraordinaria: 21.00-1.00h.

Sábado 21.00h.-01.00h.

VISITAS GUIADAS Y APERTURAS EXTRAORDINARIAS

Apertura extraordinaria

Domingos 11.30h.

A partir del 21 de SEPTIEMBRE

Visitas guiadas a la colección permanente

Los grupos deben inscribirse previamente para participar en esta actividad.

SEPTIEMBRE:Jueves no festivos: 17.00-20.00h.

Apertura vespertina Museo cerradoApertura extraordinaria

Todos los lunes

9 de SEPTIEMBRE

Noche en blanco13 de SEPTIEMBRE: 21.00-01.00h.

Los guías voluntarios del MNAD ofrecen visitas gratuitas a la colec-ción permanente los domingos a las 11.30 para todos los visitantes y los martes, miércoles y jueves a grupos (previa petición de hora).

Durante los meses de verano se suspenden estas visitas y se reanu-dan a partir del 21 de septiembre.

Entrada gratuitaEntrada gratuita

Durante los meses de julio y agosto se suspende la apertura del Museo de los jueves en horario vespertino, que se retomará en septiembre, coincidiendo con la celebración del ciclo de cine. Asimismo, quedan suspendidas las visitas guiadas al museo por parte del equipo de guías voluntarios, así como las visitas te-

máticas, que volverán a celebrarse a partir de finales del mes de sep-tiembre.

Por otra parte, las plantas tercera y cuarta permanecerán cerradas du-rante el verano, por falta de climati-zación del edificio.

Aperturas de los jueves por la tarde

13 de SEPTIEMBRE.

6BOLETÍN M

NAD

EXPO

SICI

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EXPOSICIÓNLa Belleza del Urushi

El día 12 de junio se inauguró la ex-posición La Belleza del Urushi, orga-nizada por la asociación japonesa de lacadores Nihon Shikko Kyokai, con la colaboración de la asociación ca-talana Urushi 21. Estuvieron presen-tes en la inauguración Akira Yamada, ministro de la Embajada del Japón, el director de la asociación Nihon Shikko Kyokai, Takashi Maruyama y Anna y María Rosa Cervelló, repre-sentantes de la asociación Urushi 21.

La asociación Nihon Shikko Kyokai agrupa a los artesanos japoneses que aún dominan el lacado de ob-jetos y muebles según las técnicas tradicionales. “Urushi” es el nombre de un tipo de laca y, por extensión, también el que reciben la técnica y los objetos con ella producidos. Del conjunto de las lacas naturales, la laca urushi es la más apreciada por sus características, tanto técni-

cas como estéticas: adherencia, im-permeabilidad, dureza, belleza, cali-dez... Las excelentes cualidades de la laca urushi contribuyen a la buena conservación de las piezas reali-zadas con esta técnica, existiendo hallazgos arqueológicos en perfecto estado de más de tres mil años de antigüedad. Son piezas, a la vez, de gran versatilidad que se ofrecen a múltiples usos.

13 de JUNIO -27 de JULIO

Takashi Murayama presentando la exposición ante Akira Yamada, ministro de la Embajada de japón y Sofía Rodríguez Bernis

La Belleza del Urushi

Exposición conmemorativa XV aniversario de AFEDA (1992-2007)

EXPOSICIONES


07

Respecto a las técnicas decorativas de lacado, éstas van apareciendo a lo largo del tiempo, aplicándose en las capas finales o intermedias, bien mediante la técnica del lacado en oro, lacado con o sin pigmentos o lacado con incrustaciones, pudiendo algunas de éstas presentar cierto relieve. Las obras que se exponen están producidas en los últimos años, y en ellas se mezcla la influencia de la tradición con una lógica evolución de los estilos. Las piezas expues-tas fueron elegidas para la muestra anual celebrada en el mes de mar-zo en el palacio de Nihonshikkou Kyoukai, en Japón y han podido con-templarse también en Barcelona, en la sede de Artesania Catalunya, dependiente de la Generalitat.

Obras de los lacadores españoles expuestos en la exposición

Vista general de una de la salas dedicadas a La Belleza del Urushi

La Asociación para el Fomento de la Encuadernación de Arte, AFEDA, está preparando una exposición conmemorativa de su XV Aniversa-rio, que tendrá lugar en las salas del museo entre los meses de octubre y diciembre de este año.

En un primer espacio, se mostrará un breve panorama histórico de la encuadernación de arte en España, desde la Edad Media hasta la época contemporánea. Un segundo espa-cio estará dedicado a la historia de la Asociación, con una muestra de

obras realizadas en el periodo com-prendido entre 1992 y 2007, entre las que figurarán las de los más des-tacados maestros de la encuaderna-ción de arte española actual y, prác-ticamente, todos los galardonados con los más importantes premios de encuadernación artística, entre ellos, el Premio Nacional que otorga el Ministerio de Cultura. Asimismo, se expondrá una mues-tra de materiales y herramientas relativos a las artes de la encuader-nación: papeles, pieles, cordaje, hie-rros, planchas, etc.

Exposición conmemorativa XV aniversario de AFEDA (1992-2007)

AGENDAJU

LIO

▄ 05 S 12.30h. Taller infantil. LOS HABITANTES DE UNA CASA DESHABITADA ▄ 08 M 12.30h. Cuentacuentos. ENCANTAMIENTO ORIENTAL ▄ 09 X 12.30h. Taller infantil. LOS HABITANTES

DE UNA CASA DESHABITADA ▄ 10 J 12.30h. Cuentacuentos. ENCANTAMIENTO ORIENTAL ▄ 11 V12.30h. Taller infantil. LOS HABITANTES DE UNA CASA DESHABITADA ▄ 12 S 12.30h. Cuentacuen-

tos. ENCANTAMIENTO ORIENTAL ▄ 15 M 12.30h. Cuentacuentos. ENCANTAMIENTO ORIENTAL ▄

16 X 12.30h. Taller infantil. LOS HABITANTES DE UNA CASA DESHABITADA ▄ 17 J 12.30h. Cuen-

tacuentos. ENCANTAMIENTO ORIENTAL ▄ 18 V12.30h. Taller infantil. LOS HABITANTES DE UNA CASA

DESHABITADA ▄ 19 S 12.30h. Taller infantil. LOS HABITANTES DE UNA CASA DESHABITADA ▄ 22

M 12.30h. Cuentacuentos. ENCANTAMIENTO ORIENTAL ▄ 23 X 12.30h. Taller infantil. LOS HABI-

TANTES DE UNA CASA DESHABITADA ▄ 24 J 12.30h. Cuentacuentos. ENCANTAMIENTO ORIENTAL ▄

25 V12.30h. Taller infantil. LOS HABITANTES DE UNA CASA DESHABITADA ▄ 26 S 12.30h. Cuen-

tacuentos. ENCANTAMIENTO ORIENTAL ▄ 29 M 12.30h. Cuentacuentos. ENCANTAMIENTO ORIENTAL ▄ 30 X 12.30h. Taller infantil. LOS HABITANTES DE UNA CASA DESHABITADA ▄ 31 J 12.30h.

Cuentacuentos. ENCANTAMIENTO ORIENTAL

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▄ 02 M 12.30h. Cuentacuentos. ENCANTAMIENTO ORIENTAL ▄ 03 X 12.30h. Taller infan-

til. LOS HABITANTES DE UNA CASA DESHABITADA ▄ 04 J 12.30h. Cuentacuentos. ENCANTAMIENTO

ORIENTAL ▄ 04 J 20.00h. Ciclo de cine. CASAS ENCANTADAS 1 ▄ 05 V 12.30h. Taller infantil.

LOS HABITANTES DE UNA CASA DESHABITADA ▄ 06 S 12.30h. Taller infantil. LOS HABITANTES DE UNA

CASA DESHABITADA ▄ 11 J 20.00h. Ciclo de cine. CASAS ENCANTADAS 2

▄ 13 S 21.00-01.00h.

Noche en Blanco. SONIDO, TIEMPO Y SILENCIO ▄ 18 J 20.00h. Ciclo de cine. CASAS ENCANTADAS 3 ▄

25 J 20.00h. Ciclo de cine. CASAS ENCANTADAS 4

Fotografía de portada: Masú del AmoFotografías: Mª Jesús del Amo (salvo declaración expresa de autor)Dibujos y carteles: Lucía Aragón y Ana ÉcijaDiseño y maquetación: Ana ÉcijaCoordinación: Ana Gil y Fernando SáezCR

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9BOLETÍN M

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NOTICIAS DEL MUSEOBalance de la Semana de los Museos

Un año más, el MNAD se ha unido a la celebración del Día Internacional del Museo y de la Noche de los Mu-seos, iniciativas del Consejo Interna-cional de los Museos (ICOM) con el fin de acercar estas instituciones a un público más amplio.

Por primera vez desde la proclama-ción del Día Internacional de los Mu-seos en 1977, el ICOM ha invitado a participar a todos los museos del mundo, por medio de actividades reales o virtuales. El lema elegido y que se extiende también a la Noche de los Museos ha sido: “Los mu-seos, agentes del cambio social y el desarrollo”. En palabras de Alissandra Cummins, presidenta del ICOM, “la función de los museos en el plano educativo y ético consiste en hacer participar a la comunidad en la labor museística por medio de la realiza-

ción y concepción de exposiciones y talleres”.

Como en los años pasados, el MNAD ha optado por un Juego de Pistas, una actividad lúdica, para dis-frutar de forma individual o en gru-po, que permite analizar aspectos específicos de la colección y nuevos enfoques más centrados en temas transversales y de contexto. En este caso, los múltiples lazos, familiares, comerciales,circunstanciales… vin-culan a nobles, reyes, artistas, co-leccionistas, etc, protagonistas de la Historia, a través de una amplia red de cadenas enlazadas que po-dría abarcar personajes de todos los tiempos.

La teoría de los Seis grados de se-paración fue formulada en 1929 por el escritor húngaro Frigyes Karinthy

RELACIONES INSTITUCIONALES Y SERVICIOS

Visitas al Museo

Presentación de un libro de María Bolaños

Salidas y llegadas de piezas

Taller de la Central de Diseño

EXPOSICIÓN PERMANENTE Y ÁREA PÚBLICA

Laboratorio permanente de público

Vuelta de la vanguardia a las salas de la planta baja

y reapertura de la capilla

ÚLTIMAS CONFERENCIAS

Construyendo una profesión: pioneros

del diseño en España

Rietveld y De Stijl. La construcción de un mito

Balance de la Semana de los Museos

NOTICIAS DEL MUSEO


en una historia corta llamada “Ca-denas”. Plantea básicamente que cualquier persona en la Tierra puede estar conectada a otra a través de una cadena de conocidos que no tiene más de cinco intermediarios formando una cadena de sólo seis enlaces. Hoy en día es casi una le-yenda urbana, ya que, aunque no se ha conseguido comprobar científica-mente, mucha gente ha oído hablar de esta posibilidad e incluso se pro-ducen series y películas inspiradas en ella (Six Degrees of Separation, Fred Schepisi, 1993 o la serie Six Degrees, 2006). El mundo globaliza-do en el que vivimos la hace cada día más probable...

Uno de los principales intentos de comprobación de dicha teoría fue el realizado por el psicólogo estadouni-dense Stanley Milgram en 1967. Re-dujo el experimento a un “pequeño mundo”, el medio oeste estadouni-dense y eligió a varias personas para que enviaran tarjetas postales a un extraño situado a una gran distan-cia del que sólo sabían su nombre, su ocupación y la zona en la que se encontraba. Debían intentar llegar a él enviando la tarjeta a una perso-na que conocieran personalmente, intentando aproximarse al máximo. La entrega de cada paquete llevó, como promedio entre cinco y siete intermediarios… pero funcionó úni-camente en un tercio de las tarjetas enviadas.

Este juego de pistas ha intentado aplicar dicha teoría, para conectar, a través de varias piezas del museo, a diversos personajes históricos, algu-nos anónimos y otros con nombre y apellidos entre los que se crea un mapa de relaciones y casualidades. En algunos casos una ficción ideal de la Historia, sus protagonistas y vínculos y en otros, el retrato de unos lazos rigurosamente históri-cos.

El juego comenzó en la planta ter-cera y se desarrolló a través de la exposición permanente, en sentido inverso (3ª, 2ª, 1ª y Baja). Como guía, los participantes utilizaron el plano que se les facilitó en la entrada. A lo largo de la exposición permanente había una serie de piezas destaca-das. Junto a ellas existía informa-ción sobre personajes que tuvieron algún tipo de importancia en su his-

toria y pistas para vincularlos con otros personajes históricos. Existían cinco cadenas posibles. Cada ca-dena se distinguía por el uso de un color. Tres de las cadenas estaban prácticamente desveladas y los per-sonajes que había que recopilar es-taban marcados con un punto; tan sólo había que resolver algún acer-tijo para completarla. Las otras dos, requerían un poco más de esfuerzo. El objetivo del juego era completar las cinco cadenas, recopilando los nombres o cargos de los personajes elegidos y acertando los que esta-ban ocultos en jeroglíficos, juegos de palabras, acertijos, criptogramas, un crucigrama y una sopa de letras.

Durante la Noche tuvimos 434 visi-tantes, un gran éxito, teniendo en cuenta que la media de visitantes

de un día normal suele ser de 100 visitantes. Muchos de los visitan-tes venían con muchísimo interés por participar en el Juego de Pistas, sobre todo jóvenes y familias con niños. Gente más mayor se entu-siasmó ante la oferta que se les pre-sentaba, así como aquellos visitan-tes extranjeros que se manejaban o dominaban el castellano.

Al día siguiente, se celebraba el Día Internacional del Museo, que al caer este año en domingo quizá haya te-nido por ello mayor repercusión (he-mos tenido 221 visitantes, un 36 % más de visitantes que el mismo día del año pasado). Se explicaron varias piezas del museo, girando la temáti-ca escogida, “El arte de vanguardia como elemento de intervención y cambio social”, en torno al lema del Día. Esas mismas charlas se repi-tieron durante la semana siguiente, en la que hemos abierto el museo por la tarde, en un intento por atraer a nuevos públicos hacia el museo, aprovechando el tirón mediático de las celebraciones del ICOM.

El balance general ha sido muy po-sitivo, pues, aunque siempre hay aspectos que podríamos mejorar, la respuesta del público, tanto por cifras de participación como por en-tusiasmo mostrado, nos hacen sen-tir que durante experiencias como estas el lazo que nos une con los visitantes se hace más fuerte.

10

Resolviendo el Juego de Pistas

Visitantes durante la Noche de los Museos

VISITANTES ILUSTRES

En las últimas semanas, hemos re-cibido la visita de varios importantes especialistas del mundo de las artes decorativas y la museología, intere-sados en conocer tanto las colec-ciones del museo como su modelo de organización y planificación y sus proyectos y perspectivas de futuro.

En primer lugar, el pasado 20 de mayo, recibimos a Christopher Wilks, conservador del Museo Victoria y Al-berto de Londres y responsable, en ese mismo museo, de una de las propuestas museográficas más inte-resantes de las últimas décadas en el ámbito de las artes decorativas, las denominadas British Galleries, un amplio sector de la exposición permanente en el que se muestra de una forma rigurosa y atractiva la evo-lución del modo de vida de la aristo-cracia británica. Su aprovechamien-to de las estrategias y los lenguajes expositivos están siendo objeto de estudio por parte de los especialis-tas de todos los museos homólogos de Europa y esperamos que inspire en buena medida, sin mimetismos, los futuros cambios en la exposición permanente de nuestro museo. El encuentro sirvió para que intercam-biáramos opiniones y experiencias con él. Estuvo acompañado por otra conservadora del V&A, Leslie Miller, especialista en indumentaria históri-ca e hispanista, quien ya nos ha visi-tado en otras ocasiones. Ella y Ana Cabrera ejercieron de mediadoras.

Y, en segundo lugar, el pasado día 29 de mayo, nos visitó Collette Du-fresne-Tassé, profesora de museo-logía y directora del máster de la Universidad de Quebec, y presiden-ta de la CECA, el comité del ICOM especializado en la educación en museos. Estaba interesada en co-nocer nuestro plan museológico, el programa de investigación, el mode-lo de comunicación interna, el modo en que los departamentos del mu-seo trabajan conjuntamente para la elaboración de productos comunica-tivos y, en especial, el método que

vamos a seguir para la organización de nuestras exposiciones tempora-les experimentales. Estuvo acom-pañada por Luis Caballero, conser-vador que trabaja en la SGPBA. Él y Ángela García Blanco han actuado de mediadores.

NOTICIAS DEL MUSEO


Visitas al Museo

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El pasado día 8 de abril recibi-mos la visita, como es ya tradi-cional, de la última promoción de los cuerpos de conservado-res y ayudantes de museos es-tatales. Este año la “hornada” está formada por 28 nuevos técnicos (algunos no tan nue-vos como los de promoción interna). Dos de ellos (uno de cada cuerpo) se incorporaron al museo en mayo para el periodo de prácticas y, en septiembre se incorporará un conservador con carácter definitivo.

Esta visita se incluye, como tantas otras a museos, dentro del programa de formación de

tres meses que reciben los fa-cultativos y ayudantes después de aprobar la oposición. Sabe-mos que a los organizadores del curso lo que más les inte-resa de nuestro museo son el Plan Museológico, todo lo re-lativo a la organización interna y el “milagro” que en realidad representa que el MNAD sea pionero en muchas técnicas de conservación preventiva dadas las pésimas condiciones de almacenamiento que lo carac-terizan (aunque no cabe duda de que una cosa ha llevado a la otra). Y a esos asuntos dedica-mos por tanto la visita.

LOS NUEVOS CONSERVADORES Y AYUDANTES NOS VISITAN

VISITA PROFESIONALDE LA SEDIC

El pasado 29 de mayo reci-bimos la visita de la SEDIC, Sociedad Española de Do-cumentación e Información Científica. Esta Asociación, fundada en 1975, tiene en-tre sus objetivos el fomento del intercambio de expe-riencias y la formación de bibliotecarios, documenta-listas y otros profesionales de la información. A lo largo de la mañana, un total de ocho profesionales relacio-nados con el mundo de la documentación visitaron las instalaciones de la bibliote-ca para conocer su historia, sus fondos, así como los servicios que la biblioteca ofrece y los métodos y he-rramientas de trabajo. Ade-más, hicieron un interesan-te recorrido por el Museo, a cargo del departamento de difusión.

RELACIONES INSTITUCIONALES Y SERVICIOS

NOTICIAS DEL MUSEO


Presentación de un libro de María Bolaños

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El pasado día 13 de marzo, a las 13:00, tuvo lugar en la sala de tapi-ces de nuestro museo la presenta-ción de la segunda edición, revisada y aumentada, de la Historia de los Museos en España de María Bola-ños. Se trata de un texto que ha ser-vido de referencia constante para los museólogos españoles desde que se publicó la primera edición hace ya 15 años. Está publicado (en sus dos ediciones) dentro de una serie de la Editorial Trea (cuya razón social está en Gijón) que constituye, hoy por hoy, el catálogo más impor-tante de bibliografía sobre teoría de los museos a nivel nacional (y no sólo). La serie está formada por tex-tos de los más prestigiosos teóricos españoles y también por traduccio-nes de los libros más importantes del contexto internacional, lo que ha permitido que los estudiosos “indígenas” hayan podido acercarse más fácilmente en los últimos años a las cuestiones más candentes y novedosas del debate profesional “global”.

El acto fue organizado por la Sub-dirección General de Museos Esta-tales y presidido por el propio sub-director, Santiago Palomero, quien abrió el turno de tres intervenciones con una de sus particulares reflexio-nes poético-filosóficas. En segundo lugar, se dirigió a la concurrencia el director de la editorial, Álvaro Díaz Huici. Y, por último, lo hizo la auto-ra, quien explicó las razones de la reedición (fundamentalmente la mejora de la perspectiva respecto a las etapas más recientes de esa historia que otorga el tiempo) y dio unas pinceladas sobre el contenido del libro. Esta tercera intervención, en justicia la más larga e intere-sante, revistió el carácter de una pequeña conferencia, tan intensa y sugerente como suelen ser todas las de esta profesora de la Universi-dad de Valladolid que ejerce de sa-ludable conciencia “externa” de los museos españoles, recordándonos de dónde venimos y obligándonos a la reflexión antes de decidir hacia dónde vamos.

Sirvan de muestra de esa actitud al-gunas de las frases dedicadas en el libro a nuestro museo: “Este culto político del costumbrismo (…) se va a convertir en un lastre a partir de entonces, pues, en lo sucesivo, los medios universitarios y las clases ilustradas más desafectas al régi-men se van a caracterizar por una comprensible desconfianza hacia la exaltación folclórica, que asocia lo popular con lo carente del suficiente rigor científico, y la defensa de la tra

dición con las posturas políticamen-te reaccionarias. De ahí que, si bien lo característico es una ostensible falta de interés artístico por parte de los responsables del ministerio y una ausencia casi total de innovacio-nes de interés, los gestos que pue-den reseñarse son particularmente expresivos y muy abundantes en el campo de la artesanía, las artes populares y el culto a lo folclórico. El elenco se inicia con el acondicio-namiento, en 1940, en un nuevo edificio (…) del Museo Nacional de Artes Industriales, que cambió su nombre significativamente por el de Museo Nacional de Artes Decorati-vas (…), o con la fundación en 1944 de las Exposiciones Nacionales de Artes Decorativas, desglosadas de las artísticas (…), que se celebra-rían bienalmente para “fomentar el esplendor y la originalidad del arte decorativo y moderno español y de-mostrar el progreso de estas artes en nuestra Patria””.

No son muchas más las citas al MNAD en el libro: se habla de los in-tentos de fundar el Museo Industrial y de las reformas realizadas en los años 80. Esperemos que la propor-ción cambie en la tercera edición: sería un síntoma de que nuestro plan museológico habría dado sus frutos. Entre tanto, no deja de ser un buen presagio que el museo sir-va de escenario para ocasiones tan especiales como ésta.

El acto se clausuró con un cóctel servido en el hall del museo.

Movimientos externos MNAD

Como sabéis este año se conme-moran los 100 años de la Guerra de Independencia. Por este motivo, muchas de las piezas que saldrán desde ahora hasta fin de año esta-rán en exposiciones relacionadas con este aniversario.

Sirva como ejemplo la exposición en el antiguo cuartel de Conde Duque, organizada por el Ayuntamiento de Madrid, con 22 piezas entre mue-bles, objetos, etc que dan una idea del tipo de objetos que se encontra-ban en las casas en torno a 1808.

Además se han depositado en el Museo del Traje varias piezas de indumentaria: un alba, una casulla y un manto de la Orden de Carlos III con destino a las salas de exposi-ción permanente.

María Bolaños y Santiago Palomero durante la presentación

NOTICIAS DEL MUSEO


Convenios de colaboración con escuelas madrileñas

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En este tiempo se han recogido varias piezas que se encontraban restaurándose en el IPHE (un traje chino, dos libros, etc) y en la Escue-la Superior de Conservación y Res-tauración de Bienes Culturales (tres esculturas orientales). Esta última institución está ahora con otras 3 piezas de escultura oriental que se-rán restauradas en la Escuela.

Asi, las salidas y llegadas de las pie-zas se resumen como sigue:

EXPOSICIONES TEMPORALES

Salidas

• Saavedra Fajardo, Precursor de la Europa Unida, en Palacio del Almudí (Murcia), del 27 de abril al 27 de julio de 2008. 5 piezas

• Madrid 1808: ciudad y protagonis-tas, en el Cuartel de Conde Duque (Madrid), del 24 de abril al 19 de oc-tubre de 2008: 22 piezas

Llegadas:

• Talaveras de Puebla, Museo Nacio-nal de Cerámica (Valencia) y Museo de América (Madrid): 7 piezas (todas de cerámica).

DEPÓSITOS

• Museo del Traje: Nuevos depósi-tos en salas y otras dependencias del Museo: 4 piezas.

• Museo del Traje: Llegada de dos piezas que estaban expuestas en la exposición permanente.

• Llegada de la escultura de Melchor Jovellanos, que se encuentra en de-pósito en el Museo Gijón. Esta pieza estará en una exposición en otoño.

RESTAURACIÓN

IPHE

• Devolución de las piezas ya restau-radas.

Escuela Superior de Conservación y Restauración de Bienes Culturales:

• Devolución de las piezas ya restau-radas y salida de otras para su res-tauración (3 piezas)

En las últimas semanas, la direc-ción del museo ha mantenido con-versaciones con las escuelas madri-leñas de diseño gráfico, diseño de interiores y ceramología de cara a la puesta en marcha de convenios de colaboración en la tarea de forma-ción de los alumnos de esas insti-tuciones. Por ejemplo, uno de los proyectos que se pretende abordar con las escuelas de diseño consis-tiría en la realización por parte de los alumnos de último año de un pro-yecto final en el que plantearan re-lecturas de la colección del museo.

Otras iniciativas tendrían que ver con la orientación pedagógica y la celebración de encuentros, cursos y clases en el museo y en torno a sus fondos. Con la escuela de ceramolo-gía, en cambio, lo más probable es que la colaboración se traduzca en que sus alumnos realicen prácticas en relación con las colecciones de cerámica. Por otro lado, el pasado 22 de abril recibimos la visita de los representantes de una nueva fun-dación cuya vocación es el estudio de la historia del diseño y también servir de enlace entre el mundo

académico y el profesional. De mo-mento, de este primer encuentro se desprende que la fundación y el MNAD podrían trabajar juntos a la hora de realizar estudios científicos, sacar publicaciones y favorecer el incremento de las colecciones de diseño del museo. Estas relaciones externas que ahora se ponen en marcha constituyen una vía muy im-portante de conexión entre el mu-seo y la sociedad, complementaria a la que ya establece el MNAD con su público en su medio “natural”

Tintero de cerámica de Talavera

Detalle del frente de escritorio de columnillas del siglo XVII (inv. 19522)

Vestido de Elsa Schiaparelli (inv. 25145

NOTICIAS DEL MUSEO


Taller de la Central de Diseño

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Entre los días 22 a 25 de mayo se ha celebrado en la Central del Dise-ño del Matadero el taller “Diseño de sistemas interactivos para la difu-sión del patrimonio” que ha tenido al Museo Nacional de Artes Decora-tivas como protagonista.

Bajo la dirección de profesionales españoles (profesores de la Uni-versidad Europea de Madrid y di-señadores socios de la DIMAD) y profesores holandeses, doce alum-nos reunidos en diferentes grupos de trabajo han reflexionado sobre las posiblilidades que ofrecen los sistemas multimedia interactivos aplicados al patrimonio cultural, y particularmente han trabajado en propuestas innovadoras para la difu-sión de la colección del museo.

Durante el desarrollo del taller, vi-sitaron la Fundación Telefónica y el Museo Nacional de Artes Decorati-vas. Sofía Rodríguez Bernis y María Villalba, como especialistas en mo-biliario y arte contemporáneo, hicie-ron de cicerone por las salas, guián-doles con sus explicaciones por la colección de muebles de asiento del museo.

Tras la visita del jueves, 22 de mayo, los alumnos se pusieron manos a la obra con las directrices de los orga-nizadores del curso y “la materia pri-ma” obtenida de las explicaciones de los especialistas del museo.

El domingo 8 de junio se presen-taron las conclusiones y cada uno de los grupos expuso su proyecto.

Asistieron, además de los responsa-bles del curso: Alfredo Calosci, Del-fina Morán, Mari Paz Madrid, Irene Rodríguez, Lourdes González, varios representantes del Museo Nacio-nal de Artes Decorativas: Fernando Sáez, Isabel Rodríguez y Sofía Rodrí-guez.

Además de la cálida acogida de nuestros representantes por los asistentes al curso, todos quedaron gratamente sorprendidos por el inte-rés de los participantes y la calidad

de sus trabajos. Las propuestas fue-ron tan interesantes y la experiencia ha resultado tan enriquecedora para todas las partes que se ha decidi-do mostrar el trabajo realizado en el taller a través de un anexo en el próximo número de la revista. Ya es-tamos embarcados en el “especial” para mostrar esta iniciativa que nos ha dejado tan buen sabor de boca. Esperamos que esta sea la primera de otras muchas colaboraciones con la Central de Diseño y la DIMAD.

Participantes del taller recogiendo el diploma

Dick van Dijk durante durante su intervención

Responsables del taller enseñando las instalaciones del Matadero a los miembros del MNAD

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El Laboratorio Permanente de Pú-blico de Museos es fruto de la pro-puesta elaborada por el grupo de trabajo creado al efecto dentro de la Comisión de Difusión, encabezado por Ángela García Blanco (MAN), y en el que también participan Marga-rita de los Ángeles (Museo de Escul-tura) y Mara Canela (Museo del Tra-je). El asesoramiento científico está a cargo de Eloísa Pérez Santos (pro-fesora de sociología de la UCM).

El Laboratorio Permanente de Pú-blico de Museos tiene el propósito de ser un instrumento que permita

a los profesionales de los propios museos y a los gestores estatales conocer a los visitantes, su origen, su perfil sociodemográfico, sus ex-pectativas, su nivel de satisfacción, su disposición a volver, etc. organi-zando de forma estable y continua-da un programa de investigación capaz de generar conocimiento re-levante sobre el público de los mu-seos estatales útil para la gestión museística. El proyecto se inscribe en una planificación sistemática de la investigación sobre los visitantes, con la que se pueda obtener de una manera continuada datos sobre sus características, necesidades y difi-cultades en la utilización del museo, base y fundamento de su necesaria y continua renovación. Los resulta-dos que se pretenden obtener de-ben servir para tomar decisiones es-tratégicas y resolver los problemas detectados y las dificultades pues-tas de manifiesto, mejorando, así, la imagen del museo.

Durante el seminario organizado para poner en marcha el proyecto que se celebró del 1 al 4 del pasa-do mes de abril, Eloísa Pérez Santos impartió unas clases intensivas so-bre los estudios de público: su histo-

ria, metodología y utilización de los resultados. Además, todos los re-presentantes de los departamentos de difusión presentes (incluido el del MNAD con Isabel Rodríguez a la cabeza), pusieron en común aquello que creían necesario conocer sobre nuestros visitantes, con el fin de aportar la información que Eloísa Pérez Santos necesitaba para la ela-boración del cuestionario del primer estudio. Este primer estudio tratará de obtener el perfil de nuestros visi-tantes (de cada museo y del conjun-to de los museos estatales), lo que nos permitirá después realizar estu-dios comparativos con datos obteni-dos a través de estudios anteriores y realizar evaluaciones de nuestras actividades y exposiciones. La he-rramienta básica de trabajo para el diseño del estudio ha sido el Panel Delphi: a través del cual se realiza la pregunta: “¿qué desearía saber so-bre los visitantes de los museos?” a un conjunto de 63 personas, en el que seha incluido a los directores y subdirectores de museos, técnicos de los departamentos de difusión, así como a otros expertos. Con las respuestas a este panel y las con-clusiones a las que se llegaron en el seminario, se ha elaborado el cues-tionario (de alrededor de 30 pregun-tas).

La toma de datos va a repartirse a lo largo del año, en distintas es-taciones. En mayo comenzó esta toma de datos, en concreto duran-te la Semana de los museos. Las próximas tomas de datos se rea-lizarán durante los meses de junio, julio, agosto, noviembre y Navidad, con fechas concretas aún por con-firmar.

EXPOSICIÓN PERMANENTE Y ÁREA PÚBLICALaboratorio Permanente de Público

Participantes del Laboratorio de Púbico con Ángela García Blanco a la cabeza

Fabiola M. Carpio es la encargada de realizar las encuestas en el MNAD

Un momento durante la realización de las encuestas en el museo

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Vuelta de la vanguardia a las salas de la planta bajay reapertura de la capilla

La sombra de Rietveld es alargada y si por necesidades de espacio la Capilla de la planta baja se cerró temporalmente para acoger las pie-zas que habitualmente ocupan las salas de vanguardia, la esencia de la exposición del diseñador holan-dés permanecerá con nosotros, ya que el sencillo y moderno monta-je realizado para la exposición que se celebró del 13 de marzo al 7 de mayo pasado por Jesús Moreno y Asociados, se va a “reciclar” en el montaje de la exposición permanen-te de diseño en las mismas salas. A ellas han regresado las piezas que hasta ese momento se exponían, incluyendo alguna novedad, como una de las poquísimas porcelanas originales con diseño de Kandinsky, perteneciente a la colección Bröhan, que posee el museo desde el año 1999. Un plato y una taza de moca datadas entre 1921-1925, hasta aho-ra exhibidos en una vitrina instalada en el hall. También se queda unos de los dos tejidos de Morris que ocu-

paron un lugar destacado en la sala 1, con motivo de la realización de la pieza del mes por nuestra com-pañera Lucía Aragón. Se ha retirado el que no tiene marco de cristal por motivos de conservación debido a la delicadeza de los materiales textiles y su exposición a la luz.

El nuevo montaje de la exposición ha sido el resultado de un estudio reali-zado por el departamento de Conser-vación, mediante la elaboración de varias maquetas a escala de las sa-las, para probar la mejor distribución de las piezas a partir del diseño de las salas planteado por Jesús Moreno.

Personal del departamento de conservación acabando con los cambios museográficos

Maquetas construidas con ocasión del nuevo montaje Imágenes de la sala 1 dedicada a la Vanguardia histórica

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En la línea de estrecha colaboración establecida entre el MNAD y la Aso-ciación Española de Profesionales del Diseño (AEPD), se siguen suce-diendo los proyectos y actos en los que los miembros de esta asociación prestan al museo su inestimable apoyo. El pasado día 2 de abril, a las 19 horas, dentro de la programación mensual de conferencias, tuvimos el placer de escuchar en la Sala de Tapices la charla que Emilio Gil, re-putado diseñador gráfico que ha co-laborado también con el museo dan-do las pautas para la imagen gráfica de la exposición sobre Rietveld, nos ofreció sobre los “padres” españo-les de esa “rama” del diseño de la que él es continuador. Aprovechaba así además para hablarnos del libro homónimo que sobre los albores de esta profesión en España (de 1935 a 1975) ha publicado recientemente.

De hecho, la primera parte de la con-ferencia estuvo dedicada al proceso en qué se fue gestando la idea de hacer este libro, proceso paralelo al de la propia formación de Emilio Gil como profesional. Según nos confesó, fue el reconocimiento del legado dejado por estos pioneros e incluso el contacto directo con al-gunos de ellos lo que más le animó a adentrarse en una actividad para la que hasta hace poco no existían

escuelas ni títulos académicos. En pocas palabras, el estudio de esos precedentes fue su mejor escuela. Y la necesidad de reivindicarlos, el motor del libro, al que ha dedicado cinco años de trabajo e investiga-ción. Este pretende servir para fijar las aportaciones de cada uno y cons-tituirse en referencia a la hora de se-guir escribiendo páginas sobre esa historia. Emilio Gil subrayó que toda profesión, para ser tal, tiene que ser consciente de cuándo se empezó a conformar y de quiénes lo hicieron, y tiene que tener referentes históri-cos y estudios y bibliografía que los vayan dando a conocer.

Entrando ya en materia, el conferen-ciante destacó que precisamente, y como es lógico en una etapa de ges-tación, estas primeras generaciones de diseñadores gráficos no tenían consciencia de serlo, ni del valor que sus trabajos iban a adquirir en el futuro. Eso les permitió trabajar con mayor frescura, produciendo imá-genes atemporales, aún vigentes, y sobreponiéndose al aislamiento y la falta de apreciación a que se tuvo que enfrentar el diseño español tras la Guerra Civil. Una frescura que Emilio Gil contrapuso con nostalgia a cierto anquilosamiento actual, con-secuencia de la tiranía de las modas gráficas y del abuso de una herra-

mienta, el ordenador, que paradóji-camente debería haber potenciado los resultados y no al revés.

El primer síntoma de que en Espa-ña se estaba “cociendo”, por fin, un estilo propio en materia de diseño gráfico se manifestó en el número monográfico a él dedicado en 1966, cómo no, por una revista extranjera (ya sabemos: “que descubran otros” y “nadie es profeta en su tierra”). Y no una revista cualquiera, sino Gra-phis, la publicación sobre este sec-tor del diseño más importante de Europa en los años 50 y 60. Resulta interesante, cuarenta años más tar-de y con más perspectiva histórica, comprobar cuáles eran los rasgos que este reportaje destacaba como característicos del diseño español contemporáneo: el colorido austero, la expresividad y cierto surrealismo (significativamente los mismos que se habían “adueñado” de la pintura más vanguardista del panorama na-cional). Además, se definía una geo-grafía de la creación reducida a dos “escuelas”: la barcelonesa, en teo-ría más vinculada al diseño europeo, y la madrileña, supuestamente bajo el influjo del estadounidense. Emilio Gil nos explicó que esta bipolaridad –e incluso esta rivalidad–, reflejo de la situación política e industrial, debe ser considerada hoy excesivamente reduccionista, pues tanto una es-cuela como la otra no tenían influen-cias tan puras y distintas y el contac-to entre ellas era mucho mayor de lo que permitiría deducir un panorama así descrito. En este sentido, la re-vista suiza se dejaba contagiar por un cierto maniqueísmo emitido in-tencionadamente desde España.

Basta que algo tenga “éxito” en el exterior para que automáticamente llame la atención por estos pagos. Las revistas de arquitectura de por aquí empezaron en ese momento a dirigir su mirada hacia el diseño gráfico. CAU, la publicación perió-dica del Colegio de Aparejadores de Cataluña y Baleares, incluyó una sección fija y, en 1971, le dedicó un número monográfico. Las páginas

ÚLTIMAS CONFERENCIASConstruyendo una profesión: pioneros del diseño en España

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de este especial, de todas formas, venían a transmitir la sensación de que se estaba produciendo un cier-to estancamiento creativo, quizás el revés de la falta de un verdadero clima profesional que ya no podía ser compensado por el entusiasmo “naif” de los orígenes. Esta situa-ción depresiva, según Emilio Gil, se habría prolongado hasta que la “sa-crosanta” Movida de los ochenta llegara al rescate del sector.La última parte de la conferencia estuvo dedicada a hacer un repaso mediante fotografías (no podía ser de otro modo) de los principales trabajos de esos “hacedores de imágenes”, trabajos en los que se mezclaron la calidad gráfica y unas excelentes composiciones con cier-to carácter “entrañable”. Los diseños para Nestlé y, sobre todo, para Cruz Verde de Artigas, incluyendo ese ico-no de los cincuenta que es la marca de Polil. Los collages surrealistas de Cirici y sus campañas para la firma Puig. La capacidad de síntesis de

Manolo Prieto, gran rotulador y autor de otro de los iconos de la postgue-rra, aun vigente: el toro de Osborne. Ya en los sesenta, las creaciones de los grandes diseñadores de porta-das para discos y libros: Fornás, en gran medida responsable de la ima-gen colectiva de la Nova Canço, y

Daniel Gil, incuestionable aliado de la revolución del libro de bolsillo que supusieron las colecciones de Alian-za. Los trabajos de Santamaría, que inauguraron una nueva época en el diseño de logotipos e imágenes corporativas (por ejemplo, es autor de la de Campsa). Y, por último, las obras de Pla Narbona, excelente car-telista y “rey” de la publicidad de la industria farmacéutica catalana.

Y así concluyó la charla. Emilio Gil seguramente habría estado otras cinco horas desgranando en imá-genes de forma apasionada y muy “ilustrativa” esta primera crónica de las primeras etapas del diseño gráfico en España, tal es su entrega a la causa… Pero con buen criterio se interrumpió ahí, dejándonos con la miel en los labios y con ganas de más. Quizás podamos continuar si-guiendo los pasos de esta atractiva historia en una próxima conferencia o, quién sabe, tal vez en una exposi-ción ¿en nuestro museo?

El pasado 7 de mayo se celebró en el Museo Nacional de Artes Deco-rativas, la conferencia titulada “La construcción de un mito”, impartida por Ida van Zijl, directora del Centraal Museum de Utrecht (de donde pro-ceden las piezas que se han presta-

do al MNAD) como punto final a la exposción de Rietlveld en nuestro museo, que comenzó con la llegada del Mes de Diseño Holandés en Ma-drid y la conferencia de la comisaria de la exposición, Patricia Molins.

La conferenciante (que tuvo la defe-rencia de entregar la misma traduci-da al castellano) comenzó hablando de lo que todos ya conocemos y que después de esta exposición sabe-mos… que Rietveld no es sólo la si-lla Roja/Azul y la casa Schröder. Am-bas piezas son consideradas como iconos del diseño y la arquitectura del siglo XX, y como la encarnación perfecta de las ideas de De Stijl.

Pero ella quiso ir más allá e intentó esclarecer cuál fue la participación de Rietveld en el movimiento De Stijl y sus ideas cuando realizó estas dos piezas. Para ello, hizo un poco de historia, retrocediendo a los años 50 de la centuria, donde poco des-pués de la Segunda Guerra Mundial, hubo un renacimiento del interés por De Stijl, y con él la reconstrucción y mistificación de este movimiento de vanguardia. Todo ello comenzó con una iniciativa del gobierno holandés para promover la arquitectura holan-

Rietveld y De Stijl. La construcción de un mito

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desa, especialmente orientada a la reconstrucción del país en ruinas. La excelencia de la vivienda social holandesa data de este periodo, los años posteriores a la guerra, que suelen denominarse Wederopbouw (Reconstrucción).

Al declinar el Museo de Arte Moder-no (MOMA) un proyecto de exposi-ción con este tema, el jefe del De-partamento de Arquitectura, Philip Johnson, informó al agregado cultu-ral de la embajada holandesa de su interés por realizar una exposición sobre De Stijl. Desde su punto de vista De Stijl era la más importante contribución holandesa a la cultura contemporánea. Por lo que ya en este momento se pueden destacar dos aspectos con-cretos: el hecho de que la solicitud venga de alguien interesado por la arquitectura y, por tanto, el énfasis reside en esta disciplina y que De Stijl es visto como un movimiento holandés, negando de ese modo la orientación internacional del miem-bro más importante, más o menos el lider del movimiento, Theo van Doesburg.

Por el contrario, en 1947 este mito tenía todavía que acuñarse. Al prin-cipio, cuando Sandberg, director del Stedelijk Museum, invitó a Rietveld, Oud y Van Eesteren a participar jun-

tos en este proyecto, se mostraron reacios a cooperar. No obstante, al final Rietveld consintió no sólo en participar en la organización de la exposición, sino también en ser un miembro del comité de selección y diseñar el montaje de la exposición.

Existe una cantidad de material in-gente – cartas y actas de reuniones – que dan una buena idea de las intensas discusiones que tuvieron lugar durante los preparativos de la exposición, donde el tema más im-portante fue si debía ser una repre-sentación de las ideas de De Stijl, en su mayor parte incompletas, por las que todavía se estaba luchando. Rietveld estaba totalmente a favor, convirtiéndose en una perfecta de-mostración de su pensamiento su propuesta para la “Sala blanca”. Aquí Rietveld tiene la intención de sacar a la luz diversos proyectos de arqui-tectura que no habían sido ejecuta-dos. Los planos para estos edificios, en relieve y pintados en blanco cu-brirían las paredes. Las maquetas, (que como ya explicó Patricia Mo-lins, la creación de prototipos y ma-quetas, era algo que hacía habitual-mente) también pintadas de blanco, se situarían en el centro de la sala, sobre un enorme plinto.

Lo que Rietveld buscaba señalar con esta sala blanca era que todos los miembros de De Stijl lucharon

por una nueva sociedad y un nuevo estilo que encajaran en un nuevo mundo. De Stijl no era un fenómeno histórico, fijado en un tiempo y un lenguaje estilístico.

Pero una vez más Ida van Zijl, quiso llevarnos más alla y explicar que nos cuenta esta historia sobre el propio trabajo de Rietveld y su posición en De Stijl. Por lo que para responder a esta pregunta, nos llevó de vuelta al año 1918.

Un año antes, Rietveld había abier-to su propio taller en el Adriaan van Ostadelaan. Hasta ese momento había trabajado para varios patrones, incluyendo a su propio padre. Co-menzando a la edad de 12 años, se había educado como ebanista, pero también realizó diseños para plata y otros metales, pintó retratos y tomó lecciones de dibujo y arquitectura. Uno de sus profesores fue el arqui-tecto P.J. Klaarhamer. Muy probable-mente fue Klaarhamer quien le in-trodujo en los nuevos desarrollos en arte y arquitectura. No sólo era un ardiente propagandista de un nuevo estilo sobrio, sino que además era un cristiano socialista que creía fir-memente en la producción en masa como medio para mejorar las condi-ciones de vida de la clase obrera.

Los mismos ideales fueron puestos de relieve en el trabajo de Rietveld, pero por una vía que fue única y que se ejemplifica en sus muebles, como la Silla recta, bastante excep-cional, ya que supone el primer sig-no de la habilidad de Rietveld para llegar a lo esencial.

Gracias a su reputación como realiza-dor de mobiliario moderno, Rietveld obtuvo el encargo para el mobiliario de la Villa Verloop, en parte copia de las famosas sillas que Frank Lloyd Wright diseñó para la Casa Coonley. El arquitecto Robert van’t Hoff, que ya era miembro de De Stijl, recibió el consejo de fijarse en los diseños que Rietveld había hecho para sí mismo.

Van’t Hoff estaba muy impresionado por el trabajo de Rietveld y sugirió enviar fotografías a Theo van Does-burg, el padre fundador de De Stijl y editor jefe de la revista. Es tentador creer que la imagen frente al taller fue tomada para esa ocasión y que

Público en la exposición sobre Rietveld del MNAD

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podemos contemplar en la parte de la vanguardia dedicada a Rietveld en la exposición premanente del mu-seo.

Ida van Zijl quiso hacer hincapié en que Rietveld ya había dado los pa-sos más importantes de su carrera antes de llegar a ser miembro de De Stijl. Su deuda con De Stijl es gran-de, pero más en un sentido psicoló-gico que formal o estilístico.

Desde el punto de vista estilístico, dio importantes pasos en su esfuer-zo por crear espacio en diseño y ar-quitectura. Mejoró su trabajo usan-do los colores de De Stijl, rojo, azul y amarillo. También hizo uso de compo-siciones asimétricas, especialmente en casas de campo para encargos independientes. Y es muy probable que los diseños de Theo van Does-burg y Cornelis van Eesteren para

la Maison Rosenberg y la Maison Particulière le inspiraron mientras trabajaba en la Casa Schröder. El manifiesto escrito por Van Doesburg en 1924, titulado: “Tot een beelden-de architectuur” (Hacia una arquitec-tura plástica), puede considerarse como el anteproyecto teórico de la Schröderhouse. Pero hubo muchas otras fuentes de inspiración, siendo no poco importantes las ideas de la misma Truss Schröder.

En cuanto a la cuestión de las in-fluencias de De Stijl en la psicología de Rietveld, De Stijl otorgó al dise-ñador un lugar en la vanguardia in-ternacional, así como contactos con otros artistas y arquitectos, como Oud, Taut, Lissitsky, Stam, Van Doesburg, entre otros.

Esto significó que Rietveld dejara de sentirse solo y desequilibrado, algo

que él mismo reconoció en una en-trevista en 1958:

“Tenía un enorme complejo de inferioridad. Durante años no en-señé mi trabajo porque pensaba que estaba loco. Lo escondía. Me daba miedo. Francamente, no estaba orgulloso de él. Sim-plemente lo hacía porque tenía que hacerlo… Pero entré a for-mar parte de De Stijl y conocía a gente que hacía las mismas cosas. Estaba en el aire. Hasta Lissitszky, que venía desde Ru-sia, hacía el mismo trabajo”.

Por lo tanto, es comprensible que, treinta años después, Rietveld es-tuviese más interesado en dar a conocer las teorías de De Stijl y las diferentes maneras en que sus miembros intentaron ponerlas en práctica, que en una exposición que mostrara históricamente el movi-miento vanguardista reducido a un simple “estilo”.

Rietveld, ya sea intencionalmente o no, fue parte activa en la creación del mito. Su idea para la Habitación Blanca fue rechazada. En su lugar, su propia obra jugó un importante papel en la exposición.

Y con esta afirmación, terminó la conferencia, la exposición sobre Rie-tveld y el mes holandés… ¡siempre nos quedará la sala de vanguardia!

Distintas panorámicas de las salas que alojaron la exposición Rietveld, utopía y pragmatismo

Silla Berlín. Centraal Museum de Utrecht

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CON DETALLEGuías voluntarios

En este número hemos querido di-rigir la atención hacia el equipo de guías voluntarios del museo, un colectivo que quizás no se conoce bien.

En 1992, la Confederación Españo-la de Aulas de la Tercera Edad y la Fundación Caja Madrid pusieron en marcha el proyecto Guías voluntarios de la Tercera Edad para enseñar los museos de Madrid a niños, jóvenes y jubilados”. Al principio, provocó al-gunas reacciones en contra, por par-te, fundamentalmente, de los guías profesionales de turismo, como po-demos apreciar en la prensa del mo-mento. Sin embargo, el programa siguió adelante, puesto que el fin esencial, promover entre las perso-nas mayores una mejor calidad de vida, se impuso sobre los temores de aquel colectivo profesional. En España, todavía el voluntariado no había alcanzado el desarrollo que tiene en la actualidad, cuando es-

tamos mucho más acostumbrados a la promoción de la acción directa de los ciudadanos en asuntos de carácter social y cultural. De todas formas, el Estado vio necesario re-gular la actividad del voluntariado en España, a través de la Ley 6/1996, de 15 de enero, para evitar que los voluntarios acabaran sustituyendo a potenciales trabajadores y con el fin de evitar posibles abusos. Hay que recordar, también, que la iniciativa de la Confederación recibió en 1998 el premio IMSERSO del Ministerio de Trabajo y Asuntos Sociales, vién-dose así apoyada y recompensada por sus esfuerzos. En el año 1999 se firmó un convenio entre la Confede-ración Española de Aulas de la Ter-cera Edad y la Asociación Nacional de Guías Profesionales de Turismo, por el que se acordó que la labor de los voluntarios culturales se limita-ría a guiar a grupos escolares y de mayores de 65 años; de esta forma se cerraba la controversia.

En el museo, la relación con los guías voluntarios tuvo lugar desde el comienzo del programa, cuando en el Museo de América se celebró una primera reunión informativa di-rigida a los responsables de la difu-sión en los museos madrileños. Tras esa primera fase en la que se procu-ró a los voluntarios una serie de pau-tas acerca de su futura labor, desde enero de 1993 un grupo de guías se incorporó al Museo Nacional de Artes Decorativas. Los técnicos que entonces trabajaban en el museo, con Maruja Merino a la cabeza, es-tuvieron impartiendo una serie de clases a este primer “contingente” sobre materias como la cerámica y

Guías voluntarios

Museos y Artes Decorativas. Una jornada de estudio celebrada en

Turín (7 de marzo de 2008). Carta de Turín

Carlos Romero, guía voluntario, durante una de sus charlas a un grupo de estudiantes

CON DETALLE


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vidrio, arte oriental, mobiliario, aba-nicos… En 1994 ya comenzaron a realizar visitas guiadas a grupos de personas mayores y escolares. La experiencia, desde el principio, fue

muy enriquecedora para los volun-tarios. Algunos de ellos practicaban algunas técnicas como el esmalte o la pintura y todos ellos manifestaban un profundo interés por conocer me-

jor aspectos históricos y técnicos en relación con las colecciones del museo. La conjunción de sus aficio-nes personales y su inagotable afán por aprender propiciaron que abor-daran con gran entusiasmo esta labor de guiar a los visitantes con sus explicaciones. La coordinación del programa se realiza desde el Departamento de Difusión y Comu-nicación. Los guías son reconocidos como tales desde la Confederación de Aulas de la Tercera Edad, organi-zación que les proporciona una tar-jeta de identificación, un seguro de accidentes, así como el reintegro de los gastos de transporte. Cada mes celebramos una reunión en el mu-seo con el fin de comentar posibles incidencias. Reciben una formación continua a través de la explicación de la Pieza del Mes y de información complementaria que se les da por escrito, así como por charlas y visi-tas impartidas por los técnicos del museo.

El reto actual del museo es desarro-llar un programa de voluntariado ac-tualizado, a través del cual proponer formas distintas de voluntariado en el museo incluyendo, por ejemplo, la participación de jóvenes, como in-tenta promover la UNESCO. Quere-mos aquí destacar el aspecto más positivo de este programa de guías voluntarios. No sólo ayudan a reali-zar una mejor acogida del público al museo, proporcionando información sobre las piezas expuestas a grupos que difícilmente podríamos atender con la plantilla y recursos actuales. Valoramos mucho su labor porque ayudan a nuestros visitantes a es-tablecer una relación menos fría con el museo. Los guías son personas con las que los visitantes se ven más fácilmente identificados y eso les ayuda a ver las piezas desde una posición menos distante. El equipo actual está formado por trece perso-nas, con una mayoría de mujeres. Una parte de ellos formaba parte del grupo inicial que se integró en el mu-seo en 1994. Pero el grueso lo for-man nuevas incorporaciones, desde las más recientes del año pasado hasta personas que llevan unos cin-co años ejerciendo esta labor.

Isabel Rodríguez Marco

Formación ofrecida a los guías voluntarios por parte de especialistas del museo

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El director del museo fue invitado a la jornada, celebrada el pasado 7 de marzo en el Palazzo Madama de Turín –Capital Mundial del Dise-ño 2008–, para que presentara una conferencia acerca de nuestro plan museológico y, en particular, de cómo aborda éste la cuestión de la integración de las artes decorativas y el diseño. La ponencia planteó la finalidad del museo, que pretende convertirse en Museo de las Artes Decorativas y del Diseño, y los ob-jetivos derivados de esta premisa, en lo que se refiere en modificar la metodología para abordar la lectura de las colecciones.

El resto de los ponentes abundó, a través de la exposición de la histo-ria de las instituciones participantes y de su política de investigación, en el deseo generalizado de vincular las colecciones históricas con la van-guardia de la creación, para ofrecer un producto al público contemporá-neo que ser articule no sólo en torno a los valores visuales sino también a los de uso de la cultura del obje-to, expresión que menudeó en gran parte de las intervenciones.

Marta Ajmar-Wollheim inició las se-siones planteando las soluciones dadas en el Victoria & Albert Mu-seum a la presentación de sus co-lecciones para compatibilizar inves-tigación y divulgación en el mensaje a trasmitir a un público objetivo am-plio instalado en la modernidad. He-lena Koenigsmarkova expuso cómo se ha desarrollado el viaje desde las artes decorativas al diseño en

el Museo de Artes Decorativas de Praga, transformación que han em-prendido la mayoría de los museos participantes en la jornada. Susana Renner abordó las políticas de aco-pio de piezas en el Museo de Artes Aplicadas de Budapest, desde sus inicios en 1872 hasta la actualidad, incidiendo en las relaciones con la industria y en las implicaciones que este intercambio conlleva. El giro hacia el diseño industrial y de pro-ducto que asumieron algunos de los museos de principios de siglo fue abordado por Corinna Roesner a través del ejemplo de Die Neue Sammlung, pionera del compromiso de las instituciones culturales en la producción.

Otras conferencias se refirieron a las opciones expositivas enfoca-das como modalidades de lectura, que discurren entre la presentación puesta al día de colecciones de con-tenido histórico, como la Grünes Gewölbe de Dresde (Jutta Kappel), el Tesoro de la Catedral de Palermo (Maria Concetta di Natale), el Pala-zzo Venecia (Maria Selene Sconci) o el Museo de Cluny (Elisabeth Ta-buret-Delahaye), hasta la apuesta por opciones de diseño para mos-trar el diseño, como el Triennale Design Museum de Milán (Silvana Annichiarico). Pero la mayor parte se centraron en las diversas opcio-nes para construcción de discursos expositivos que aúnan fondos an-tiguos y producciones contempo-ráneas, como el Museo de Artes Decorativas de París (Béatrice Sal-mon), que se ha decantado por una

combinación renovada de recursos tradicionales como las salas temáti-cas y las “period rooms”, el Museo del Traje, o el Castelo Sforzesco de Milán (Claudio Salsi), que presenta contextos históricos en los que se da prioridad a la función original de los objetos. Otros museos, por fin, han abordado el problema de lo con-temporáneo inclinándose hacia las acciones educativas, como el Mu-seo Internazionale delle Ceramiche de Faenza (Jadranka Bentini), cuyo compromiso con la industria se tra-duce en las actividades vinculadas a su laboratorio.

Finalmente, se abordó la metodo-logía empleada por las universida-des para “enseñar la historia de la historia de las artes decorativas” a través del caso de la Universitá degli Studi de Turín (Valerio Terraroli), im-plicada en la redefinición crítica de la aproximación historiográfica al trata-miento de las artes decorativas y del diseño en exposiciones temporales, museos y revistas.

A modo de conclusión, y con el pro-pósito de dar continuidad al trabajo realizado, los ponentes redactaron la que ya se conoce como Carta de Turín, que a continuación reproduci-mos, en la que quedan enunciados los objetivos de acercamiento a la historia de los objetos de uso, al tiempo que se establece un com-promiso para desarrollar un progra-ma de encuentros auspiciado por la ciudad de Turín.

Museos y Artes Decorativas. Una jornada de estudiocelebrada en Turín (7 de marzo de 2008)

Palazzo Madama en Turín

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El 7 de marzo de 2008, por iniciati-va del Ayuntamiento de Turín, de la Fondazione CTR, de la Fondazione Torino Musei y del Palazzo Madama, se ha celebrado, en esta ciudad, un encuentro entre directores de mu-seo, conservadores, profesores y especialistas en artes decorativas. La elección de Turín no ha sido fru-to del azar, ya que ha sido nombra-da Capital Mundial del Diseño de 2008.

Los abajo firmantes se comprome-ten, en el marco de sus funciones y responsabilidades, a:

a) Buscar y promover una integra-ción cada vez más estrecha de las distintas formas del conocimiento para poner en valor la naturaleza y la historia de los objetos, y para mejo-rar nuestras capacidades para con-servarlos, restaurarlos y protegerlos, a través de actuaciones conscientes y competentes. El cumplimiento de estos objetivos comportará la pues-ta en relación de las diversas espe-cialidades del saber, y la justa valo-ración de las funciones y del papel que desempeñan los historiadores, restauradores y artesanos.

b) Dar relevancia al significado y al valor de los objetos en la colección permanente, en las exposiciones temporales, en las actividades didác-ticas, en los estudios, y en los con-gresos y conferencias, a través del análisis tanto del know how técnico y formal que les caracteriza, como de sus estrechas relaciones con la realidad en la que están inmersos.

c) Trabajar para crear más oportuni-dades de inversión por parte de las autoridades competentes en el ám-bito de las instalaciones museográ-ficas y de la didáctica, desde luego respetando la historia de cada insti-tución, pero haciendo de la relación con el público la razón fundamental de nuestro enfoque.

d) Crear sistemas de sinergias con los centros de enseñanza y de for-mación para devolver a las artes de-corativas su papel protagonista en la historia de las actuaciones humanas, y para mejorar la metodología de la formación de los que serán llama-

dos a trabajar en los museos, en las instituciones de protección, de con-servación y de restauración, y en el mundo de las empresas privadas.

e) Buscar, al mismo tiempo, cada oportunidad de cooperación con to-das las formas del aprendizaje del conocimiento, tales como institutos de arte, escuelas y academias, con el objetivo de enriquecer el desarro-llo de los profesionales de las dife-rentes manifestaciones del arte y del artesanado artístico.

f) Trabajar para enriquecer el patri-monio de los museos de artes de-corativas con objetos y materiales antiguos, pero sobre todo contem-poráneos, a fin de que se conviertan en el lugar adecuado para la forma-ción del diseñador, gracias a una ac-tiva relación con las diversas escue-las técnicas e institutos del diseño.

g) A continuación, y partiendo de los objetivos alcanzados, mejorar las oportunidades para desarrollar estudios sobre la historia del co-leccionismo, enfocándolos hacia la integración de las artes decorativas en la teoría del arte y hacia el análi-sis de los sistemas de mecenazgo, de su función social, de la invención formal y de la producción.

h) Robustecer, a través de campa-ñas territoriales de toma de datos, una idea global del patrimonio artís-tico que permita la salvaguarda, el estudio y la valoración de un copioso complejo de objetos.

i) Establecer relaciones, a través del intercambio de criterios y de trabajo común, entre la cultura del diseño y la de las artes decorativas, permi-tiendo a todos el descubrimiento, a través de un acercamiento libre y exento de prejuicios, de las claves de los comportamientos, de los in-tercambios y de las perspectivas que el hombre ha afrontado, y afron-ta, en su relación con los objetos.

Los abajo firmantes, participantes en la reunión, que se comprometen a mantener y estrechar una fuerte relacion cultural, piden a la ciudad de Turín y al resto de los patrocinado-res del encuentro que actúen como

punto de referencia organizativo de esta cooperación.

La ciudad de Turín y el resto de los patrocinadores, honrados por esta propuesta, aceptan el compromiso de convocar, en el curso de los seis próximos meses, un encuentro más restringido para organizar un progra-ma de trabajo basado tanto en las ideas vertidas en este documento como en propuestas de proyectos que tengan como referencia a la Co-munidad Europea.

Los abajo firmantes,

Luisa Ambrosio (Museo Villa Flori-diana, Nápoles), Alberto Bartolomé Arraiza (MNAD), Jadranka Bentini (Museo Internazionale delle Cere-miche, Faenza), Antonella Capita-nio (Universitá degli Studi di Pisa), Simonetta Castronovo (Museo Civi-co d’Arte Antica- Palazzo Madama, Turín), Marta Cuoghi Constantini (Instuto Beni Culturali dell’Emilia Ro-magna), Maria Concetta Di Natale (Universitá degli Studi di Palermo), Jutta Kappel (Grünes Gewoölbe, Dresde), Helena Koenigsmarova (Museo de Artes Decorativas, Pra-ga), Marielle Martiani Reber (Musée d’Art et d’Histoire, Ginebra), Bene-detta Montevechi (Soprintendenza per i Beni Storico Artistici di Pesaro e Urbino), Alexandra Mottola Molfino (ICOM Italia), Enrica Pagella (Civivi Musei d’Arte Antica- Palazzo Mada-ma, Turín), Loredana (Pessa (Musei Civivi, Genova), Carmen Pérez de Andrés (Museo del Traje, Madrid), Susana Renner (Museo de Artes Decorativas de Budapest), Corinna Roesner (Die Neue Sammlung, Mu-nich), Béatrice Salmon (Musée des Arts Décoratifs, París), Claudio Salsi (Civici Musei- Castello Sforzesco, Milán), Maria Selene Sconci (Palazzo Venecia, Roma), Gaia Salvatori (Se-conda Universitá degli Studi di Na-poli), Iolanda Silvestre (Istituti Beni Culturali dell’Emilia Romagna), Eli-sabeth Taburet-Delahaye (Musée du Moyen Age, París), Francesca Tasso (Musei Civivi- Castello Sforzesco, Milán), Valerio Terraroli (Universitá degli Studi di Torino), Analiza Zanni (Museo Poldi Pezzoli, Milán).

CARTA DE TURÍN

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PIEZAS DEL MESVicente Sánchez Pablos. Territorio interior

Exposición organizada por el MNAD junto con la AEPD (Asociación Es-pañola de Profesionales del Diseño) para revalorizar la figura de este di-señador salmantino, miembro fun-dador de la misma.

Es un hombre con formación emi-nentemente práctica. Comenzó con su padre, constructor y promotor, con el que entró en contacto con las técnicas y materiales constructivos de la época (madera, piedra y hor-migón armado). Estos materiales influyeron notablemente en su pro-ducción posterior.

Los materiales de calidad y el cono-cimiento de los mismos ha hecho que las obras de este diseñador destaquen precisamente por eso: desde la España de interior ha rea-lizado una labor artesanal de gran calidad y bajo coste.

Comenzó su carrera en el mundo del diseño con la silla Ana, creada en 1960, a partir de una estructura de varilla de hierro cubierta de bayón. La revisión de este modelo fue el punto de partida para la creación del conjunto de muebles presentados

PIEZAS DEL MES

Vicente Sánchez Pablos. Territorio interior

Juego de tocador neoclásico

LO QUE LA COLECCIÓN ESCONDE

Porcelanas procedentes del cargamento del Vung Tau

en el MNAD

Desde fines del siglo XVIII y durante al menos la primera mitad del XIX, la platería española ha venido estando directamente asociada a la implan-tación en Madrid de la Real Escuela y Fábrica de Platería de Martínez. Los cambios que se produjeron, la introducción de una nueva forma de entender la platería y sus usos, y las innovaciones técnicas que suponían la base de estas transformaciones, marcaron de forma definitiva el de-sarrollo y la posterior evolución de este arte en el panorama decimonó-nico español.

Las principales influencias asimila-das en España durante el siglo XVIII

en el arte en general llegaron de Francia. En la disciplina de la platería en particular, este influjo era espe-cialmente visible en ciertas tipolo-gías que siguieron literalmente los modelos franceses. Tras sus viajes por Europa, Antonio Martínez trajo consigo significativos proyectos para modernizar la producción de platería en la corte madrileña e importantes aportaciones de carácter estético marcadas por el gusto inglés, poco explorado hasta entonces en las producciones artísticas nacionales.

El juego de tocador que se presenta en esta ocasión, registrado en las oficinas del contraste madrileño en

1802, supone un ejemplo perfecto para hablar sobre platería neoclásica española. Su estética, bellamente interpretada, confirma la correcta asimilación del neoclasicismo en la platería nacional, que ya era una tó-nica habitual en las producciones de ciertos plateros, madurada tras más de dos décadas de tradición y oculta en sus primeros años por la pujanza y el gran desarrollo de la orfebrería rococó.

Este conjunto está compuesto por diez piezas diseñadas para atender algunas de las necesidades genera-les del tocador, quizá por su carácter decorativo y la mentalidad de la épo-ca, más adecuado para el aseo y el retoque de las damas. Labradas con maestría, de entre ellas se podría destacar un bello aguamanil de pro-porciones estilizadas y un elegante espejo de tabla ovalada y guarnición en plata cincelada.Pero, ni fue Antonio Martínez el pri-mer platero español en labrar en es-tilo neoclásico, ni fue el artífice de este singular juego de tocador. Lo que es indudable es que su autor, Juan Manuel Arán, asume en su es-casa obra documentada el modus operandi más habitual en las produc-ciones de la Real Fábrica entre los años 1790 y 1800.

GABINETE DE CURIOSIDADES


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Juego de tocador neoclásico

al concurso organizado por el Minis-terio de Vivienda y merecedores del premio EXCO en 1961. Este premio consistió en una dotación económi-ca y el amueblamiento de 50 vivien-das en el poblado dirigido de Caño Roto en Madrid.

Uno de sus primeros éxitos fue la Serie España (1963), seleccionada para el pabellón español en la Feria Internacional de Nueva York (1964-65) inspirada en el sillón frailero. Muebles fabricados con materia-les nobles que aunaban tradición y modernidad, grabados a fuego con el sello de MAS (Manufacturas Ar-

tesanales Salamanca), talleres crea-dos por el propio diseñador para dar salida a sus muebles. Uno de estos diseños logró el Delta de Oro otor-gado por ADI-FAD en 1966. Estos premios han sido el eje vertebrador del diseño español desde su crea-ción en 1961.

Durante su etapa más creativa di-seña la Serie Mediterráneo (1967) concebida para amueblar un hotel en las Islas Baleares. Son sus mue-bles más innovadores, fabricados en contrachapado lacado, modulares y versátiles. La pieza más conocida de la serie es la Mecedora David, crea-

da en principio como juguete para su hijo pequeño y merecedora en 1972 del premio Buena Forma en la IDZ de Berlín.

Esta exposición muestra la evolu-ción de Sánchez Pablos en sus pri-meros años como diseñador, siem-pre preocupado por la funcionalidad y comodidad de los mismos, crea-dos en su mayoría en base a una ergonomía “casera”. Pocos recursos bien empleados dan como resultado una serie de muebles adecuados a las necesidades reales de la familia española del momento.

Amelia López García

Javier Alonso Benito



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La primera vez que contemplé las piezas que alberga la vitrina número 4 de la sala 3, ubicada en la tercera planta del museo, surgió en mí un curioso interés hacia esos pequeños recipientes de porcelana decorados en azul y blanco que generalmente pasan desapercibidos ante la mirada del público que nos visita. En aquel entonces, no podía imaginar que un año y medio más tarde tendría la suerte de convertirlas en el objeto de estudio de mi trabajo como beca-ria de museología, descubriendo la interesante historia que las envuel-ve, anterior a su llegada a nuestro museo.

Bien, pues aprovechando esta sec-ción, me gustaría compartir la inte-resante historia de estos “tesoros ocultos” con los lectores del boletín del MNAD.

Allá por el año 1690, un junco1 chi-no surcaba las aguas del Mar de China con la esperanza de atracar en el puerto comercial de Batavia (actual Jakarta) en la isla de Java, en aquel entonces colonia holandesa destinada al intercambio de mer-cancias procedentes de diferentes zonas orientales, tales como la pre-ciada porcelana. El cargamento que transportaba la embarcación estaba formado por un elevado número de piezas de porcelana de origen chino, así como piedras de tinta, espejos de bronce, monedas, recipientes que contenían té, especias, etc.

Desgraciadamente, un incendio, po-siblemente provocado por uno de los miembros de la tripulación, fue la causa de que el carguero chino no llegara al puerto de destino. La embarcación naufragó a ocho millas naúticas de las islas Con Dao, frente a las costas de la provincia vietnami-ta Vung Tau. Desde aquel momento, la embarcación y toda la mercancía permanecieron bajo el agua hasta que 300 años más tarde, en 1990, Sverker Hallstrom (un ingeniero sueco apasionado por la arqueolo-

gía) propuso al gobierno vietnamita la extracción del navío y los objetos que transportaba, hallados de modo fortuito por un buceador unos años antes. Tras las necesarias gestiones, la excavación subacuática se inició el 23 de abril de 1991, obteniendo de ella 48.288 objetos, de los cuales, 28.000 eran porcelanas. Un 10% del “botín” fue entregado al gobierno vietnamita y el resto fue trasladado a Ámsterdam, alcanzando definiti-vamente su destino inicial tras el intento fallido de 1690.

Se descubrieron piezas de muy di-versas tipologías y tamaños, la ma-yoría de ellas destinadas a decorar las estancias de la burguesía euro-pea. Pero también recipientes de

LO QUE LA COLECCIÓN ESCONDEPorcelanas pocedentes del cargamento del Vung Tauen el MNAD

Palacete de la familia Castillo-Olivares (C/Goya,nº1)

Ruta del Vung Tau

1 Pequeña embarcación tradicional china diseña-da con cubierta techada, velas y compartimentos estancos que le permiten seguir a flote aun si se perfora el casco. Se piensa que es el velero más antiguo y su aparición se fecha hacia el año 600 d. C. En la actualidad aún es usado en algunas zonas de China y Oriente.



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uso como cuencos y platos para el consumo de té. Una vez en Europa, las piezas de porcelana azul y blan-co fueron subastadas por la casa Christie´s los días 7 y 8 de abril de 1992, obteniéndose por ellos alrede-dor de siete millones de dolares (¡el triple de la cantidad estimada por los tasadores!). Fue allí donde el Estado Español adquirió siete lotes, forma-dos por un total de 31 piezas, que hoy tenemos el placer de conservar entre los fondos que componen la importante colección oriental del Museo Nacional de Artes Decorati-vas.

Proceden de los hornos de la ciudad alfarera de Jingdezhen (provincia de Jiangxi), lugar conocido desde el siglo XVII como la “capital de la porcelana”, donde estaba situado el foco más importante de producción del material, destinado principal-mente a abastecer el mercado con Europa y otros países orientales. En estos momentos, a Jingdezhen llegaban los encargos de manos de comerciantes holandeses, quienes facilitaban dibujos o piezas occiden-tales para que fueran copiadas en el preciado material por los artífices chinos. Precisamente es ahí donde radica la importancia de este intere-sante cargamento naufragado: algu-nas de las piezas todavía conservan las formas y decoración propiamen-te chinas, aunque la mayor parte de ellas obedecen ya a modelos euro-peos.

También resulta curioso observar como en esos momentos se reali-zan “experimentos” o piezas híbri-das. Es el caso de cuatro jarrones, dentro de las 31 piezas que posee-mos del Vung Tau, en los que en una cara del recipiente se muestra una decoración a base de cartelas hexagonales que albergan los típi-cos tejados holandeses a dos aguas y canales; mientras que el otro lado del recipiente presenta motivos flo-rales propiamente chinos. Este tipo de decoración combinada no se ha dado en ningún otro grupo de porce-lanas para la exportación, siendo los del Vung Tau ejemplares únicos. Todas estas piezas, a pesar de los tres siglos que pasaron sumergidas bajo el agua, han llegado hasta no-sotros en un magnífico estado de

conservación gracias a la resisten-cia del material con que está hecho, siendo la única huella de la prolonga-da inmersión la alteración superficial sufrida por el efecto de erosión del agua salada, que ha provocado una pérdida parcial, y en algunos casos total, del vidriado. Como testigos de su pasado acuático todavía perma-necen adheridos sobre la superficie de algunas de ellas restos de molus-cos y otras especies marinas, que

nos recuerdan el largo y accidenta-do periplo que han resistido hasta llegar a nosotros. Con este relato “pasado por agua” espero haber despertado en voso-tros la curiosidad que a mí me lle-vó hasta estos tesoros escondidos, hoy a la vista en la sala de chinerías de la tercera planta.

Jarrón proveniente del Vung Tau

Piezas procedentes del Vung Tau que hasta hace poco se exponían en el interior del armario de la planta segunda

Elena Saiz

Ejemplo de jarrón con decoración híbrida: oriental y europea

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CRÓNICACuarta exposición sobre diseño en el Círculo

Comienza la penúltima de las expo-siciones del ciclo sobre “Valores del diseño” que arrancó el pasado oto-ño con la muestra titulada “Cotidia-no” a la que siguió “Comunicación social” y “Utilidad”, con el fin de dar una entidad específica a una de las salas del Círculo de BBAA y conver-tirla en un lugar de referencia para el diseño. “Diseño Visión Innovación”, cuarta muestra de este primer ciclo, trata de reflejar el profundo vínculo entre los conceptos de diseño e in-novación. Como explica Gabriel Son-gel, su comisario, el diseño permite hacer visibles, mediante elementos gráficos, “los valores de innovación de una marca, una institución o un producto”. De esta manera, el dise-ño adquiere una fuerte carga estra-tégica que permite racionalizar los procesos creativos y productivos, así como ampliar las bolsas de clien-tes, establecer una marca y difundir su imagen en los medios de comu-nicación. Se trata, por tanto, de un vínculo recíproco, pues, si bien el diseño ayuda a difundir los valores de innovación de una empresa, tam-bién contribuye intensamente a de-sarrollarlos, potenciando la actividad de aquellos agentes y elementos internos que mejoran la productivi-dad, rentabilidad y difusión de las mismas.

La innovación forma parte de nues-tra vida diaria. Convivimos con ella

en casa, en los medios de transpor-te, en los hospitales, en el trabajo o en nuestros ratos de ocio. Cada vez más, afecta a casi todos nuestros quehaceres y, aunque casi nunca pensemos ni reparemos en ella, el hecho es que utilizamos innumera-bles innovaciones, muchas de ellas desarrolladas en España. De entre las numerosas definiciones posibles, en esta exposición la innovación se aborda como la generación de ideas y desarrollo de conceptos que se concretan en un éxito de mercado. Dichas innovaciones se han mate-rializado para satisfacer nuestras demandas, para hacer nuestra vida más fácil, como es el caso de Fagor o Flex equipos de descanso y, en úl-timo término, para beneficiar al con-junto de la sociedad, con ejemplos como Caja de ahorros y pensiones de Barcelona “la Caixa” o Panda Se-curity. Convertir una idea innovadora en realidad requiere conocimiento y creatividad, además de habilidad y sensibilidad para entender y atender a los deseos y necesidades de usua-rios y consumidores, como puede ser el grupo de guarderías de Chiqui Tin. En un mundo global, con una abrumadora oferta de productos y servicios, el diseño deviene un fac-tor crucial a lo largo de todo el pro-ceso de innovación, desde el con-cepto hasta el producto terminado y puesto en el mercado. En cierto modo, es lo propio de la definición y

CRÓNICA

Cuarta exposición sobre diseño en el Círculo

“En la calle como en casa”. Una exposición

sobre el diseño holandés en la Central de Diseño

Tanto en Matadero Madrid como en la Central de Diseño se funden modernidad y tradición, una con-tradicción aparente que a menudo también se aprecia en el diseño holandés. De ahí que este lugar se coinvierta en sede perfecta para la exposición Binnen/Buiten- en la ca-

lle como en casa, organizada por la Central de Diseño, apelando a la imaginación de los visitantes.

El carácter excepcional de esta ex-posición radica, entre otras cosas, en el hecho de que ha sido ideada por expertos españoles, planteando

el reto de la mirada española al dise-ño holandés.

En primer lugar llama la atención el planteamiento práctico de la mues-tra al enseñarnos, a través de la lente de aumento que es el diseño, como viven, juegan , descansan o trabajan los holandeses. Temas reconocibles para cualquiera y que sirven de guía de la exposición, ya que lo maravillo-so de la mayoría de los diseños ho-landeses es saber combinar belleza y funcionalidad.

La razón de articular la exposición en torno al diseño destinado a los espa-cios público y privado viene dada por la cultura cívica de los holandeses, en virtud de la cual el espacio públi-co se concibe como un ámbito patri-monial común, como una prolonga-ción social del espacio privado.

Esta concepción genera un diseño en el entorno urbano que no es di-sonante con las características del espacio doméstico: es amable, ac-cesible, e integrador, destinado a favorecer la vida de los ciudadanos algo que resulta de gran interés para las urbes que, como Madrid, viven un proceso de cambio en sus facha-das urbana y social.

La expo presenta el espacio público y el privado, como un continuo. No se percibe la frontera entre ambos ámbitos en la sociología de la vida cotidiana de los holandeses. De ahí el sentido dialéctico de la exposi-ción, en el que se emparejan inten-cionadamente objetos que tiene un

NOTICIAS DEL DISEÑO


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En la calle como en casa. Una exposición sobre diseño holandés en la Central de Diseño

actividad del diseño: la necesidad de introducir algo nuevo; de hacer más eficientes los productos y los en-tornos, como ha hecho ISOFOTÓN, una compañía tecnológica líder en el desarrollo de soluciones para la ge-neración y el aprovechamiento de la energía solar, fuente energética lim-pia e inagotable , y hacerlo mediante el ejercicio de interpretar los gustos

y expectativas de las personas y de mediar en su relación con los obje-tos y lo que esperan de ellos. Con su capacidad para adelantar esce-narios futuros y para integrar en la empresa las variables de tecnología, mercado y usuario, el diseño puede funcionar como un poderoso inter-locutor, como una pieza clave de di-ferenciación. La innovación liderada

por el diseño –aquella que utiliza la metodología propia del diseño para crear nuevos productos y servicios con una fuerte orientación de mer-cado– es una forma de entender la actividad empresarial, una oportuni-dad para crecer y realidad de éxito para muchas empresas.

“Diseño de sistemas interactivos para la difusión del patrimonio”22, 23, 24 y 25 de mayoMás información >>

“Diseño participativo para una sociedad multicultural:Domesticar el espacio público para recrear la identidad colectiva”5, 6, 7 y 8 de junioMás información >>

La Central de Diseño de Matadero Madrid, el Ayuntamiento de Madrid, la Asociación de Diseñadores de Madrid (DIMAD), la Universidad Europea de Madrid (UEM) y Premsela, Dutch platform for design and fashion organizan durante el Mes del Diseño Holandés un amplio programa de actividades en torno al diseño en los Países Bajos.La exposición “Binnen/Buiten - en la calle como en casa”, ofrece una amplia panorámica del diseño de producto para el hábitat y equipamiento urbano.

Esta exposición completa su carácter didáctico con el desarrollo de conferencias* y talleres dirigidos a profesionales y estudiantes de arquitectura y diseño, y cuyo objetivo es desarrollar la capacidad crítica en el ámbito del diseño y proponer soluciones que mejoren la calidad de vida en nuestra realidad más próxima.

Los talleres estarán codirigidos por profesionales españoles (profesores de la Universidad Europea de Madrid y

diseñadores socios de DIMAD), y profesionales holandeses. El hecho de que los diseñadores de los Países Bajos trabajen en la solución de problemas de habitabilidad urbana servirá a los especialistas del diseño en Madrid para el intercambio de experiencias y la propuesta de soluciones.

El principio que guiará todos los talleres es el diseño para las personas y con las personas, contemplando como filosofía los principios de Diseño Universal.Los talleres abordan cinco temas específicos de diseño (interiores, mobiliario urbano, diseño de espacios públicos, diseño gráfico y diseño de sistemas interactivos para la difusión del patrimonio) y se celebrarán durante cinco fines de semana, entre el 27 de marzo y el 8 de junio.

*Las conferencias están abiertas al público

NOTICIAS DEL DISEÑO


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uso similar, pero que pertenecen a ambos ámbitos. El conjunto de obje-tos, en su interacción entre lo públi-co y lo privado, se agrupan en siete grandes grupos temáticos, que res-ponden a las principales actividades cotidianas del ser humano que per-miten constatar la importancia del diseño en nuestra vidas: Protege, Interactúa, Trabaja, Come, Juega, Ilumina y Descansa.

Es esta una expo pensada para el ciudadano y los diseñadores. Para ambos, porque habla de la vida co-tidiana de sillas, platos y paradas de autobús. Pero además porque lo que enseña tiene que ver con una fresca forma de unir la visión práctica con el sentido del humor y de la estética llena de sugerencias y soluciones inteligentes.

Según señala la comisaria de la ex-posición, Delfina Morán, la natura-leza poliédrica del diseño holandés confiere unos atributos extraordina-rios al objetivo didáctico y de divul-gación de esta exposición por dos razones muy relacionadas.

Por el interés intrínseco de los obje-tos que se exponen en la muestra, con diseños y soluciones que res-ponden a criterios de sostenibilidad, matices lúdicos y muchas veces con

la explosión creativa de la propuesta innovadora en las formas materia-les.

Por el marco económico, político, social y educativo en el que se des-arolla. El conjunto de características que definen al diseño holandés lo han convertido en un referente in-ternacional.

Se trata por tanto de una estrategia en la que confluyen la cultura em-presarial, que reconoce en el diseño un valor añadido determinante en la competencia comercial y de iden-tidad de sus productos, la propia percepción social del diseño como un plus de calidad de vida y confor y la orientación de las políticas de la administración que conciben el diseño como un catalizador de la innovación, dentro de una visión sis-temática que se apoya en el propio modelo de educación, con más de 15 escuelas y universidades que im-parten títulos de grado en diseño.Esta exposición completa su carác-ter didáctico con el desarrollo de conferencias y talleres dirigidos a profesionales y estudiantes de ar-quitectura y diseño, cuyo objetivo es desarrollar la capacidad crítica en el ámbito del diseño y proponer so-luciones que mejoren la calidad de vida en nuestra realidad más próxi-

ma.

Los talleres estarán codirigidos por profesionales españoles (profesores de la Universidad Europea de Madrid y diseñadores socios de DIMAD), y profesionales holandeses. El hecho de que los diseñadores de los Paí-ses Bajos trabajen en la solución de problemas de habitabilidad urbana servirá a los especialistas del dise-ño en Madrid para el intercambio de experiencias y la propuesta de solu-ciones, como ha ocurrido en nues-tro Museo, que ha servido como propuesta para uno de los talleres y del que damos buena cuenta en las Noticias del Museo de este mismo

Vista de una de las naves del Matadero de Madrid

La Central de Diseño durante los días de los talleres or-ganizados con ocasión del mes del Diseño Holandés

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