IVSA 2008 Conference PANELES La ciudad de la … · 2008-07-21 · “chinatown” porteño donde...

IVSA 2008 Conference Panels 1

IVSA 2008 Conference PANELES 1 La ciudad de la imagen Coord: Nicolás Amoroso La ciudad ofrece diversas situaciones que tornan apasionante su tránsito. Supuestos y comprobaciones, tarea de esta propuesta que se expresará por variados medios y atiende a distintas interpretaciones. Es la imagen anfitriona de la historia. Los trabajos se asientan en ámbitos diversos, en un recorrido que peregrina por Buenos Aires, Ciudad de México, París y Barcelona. Así se desplaza por el Barrio Gótico, indicando sus grietas en los Muros del catalán Antoni Tàpies. Visita un pequeño, pero significativo, “chinatown” porteño donde los inmigrantes han transformado por completo la imagen urbana del sitio con sus costumbres, creencias y lenguajes, nuevas formas, colores, sabores, olores y sonidos confiriéndole una identidad diversa. Establece una fecha precisa, como el día de muertos en la Ciudad de México, y conversa con un sujeto productor de la práctica discursiva y como usuario de ese discurso. Circula por uno de sus lugares, Azcapotzalco, para mostrar que la ciudad es un híbrido mezcla de imágenes, valores y experiencias. En el centro citadino el graffiti del láser y los diodos, resulta de la aplicación de técnicas visuales que no afectan los muros y edificios, no se trata ya de provocar una “herida” en el cuerpo urbano, sino de una experimentación, un espectáculo efímero que puede ser inscritos dentro de las artes performativas que disturba un instante de la ciudad más grande del mundo. Se interna por un recóndito parquecito de Montmartre, al escuchar los cientos de voces que escribieron una simple frase sobre el muro/escultura multiautoral. Aunque tiene mil formas de comunicarse la ciudad ha preferido narrarse a sí misma y contar sus historias de manera visual. Es, indudablemente, la ciudad de la imagen y demuestra a todas luces su predilección narrativa mediante estos recursos. Con la representación de acontecimientos, padeceres y decires.

Rose Lema Universidad Autónoma Metropolitana-Cuajimalpa, México, DF. Intersticios en muros y arte

Espacio, tiempo e imagen abren el camino hacia el proyecto en curso La ciudad de la

imagen integrado por un conjunto de investigadores nacidos en distintas ciudades de Latinoamérica, Europa, Australia. Reales, virtuales, recuerdo, añoranza, deseo, mera utopía, sueño, espejismo, las ciudades se viven, se inventan y reinventan, se narran y atraviesan. Rara vez se olvidan, aunque se entremezclan, deslavan, avivan en el recuerdo. Pueden visitarse mentalmente, vislumbrarse o simplemente llegar a verse. Primera variación: grietas en los Muros del Barrio Gótico del catalán Antoni Tàpies, traslado hacia el Mediterráneo, el olor de la sal, la Guerra, las vivencias del artista. Ocres, negros, marrones, que endurecen el lienzo. Segunda variación: al pasar cualquier día por un recóndito parquecito de Montmartre, se escuchan los cientos de voces que escribieron la simple frase sobre el muro/escultura multiautoral intitulado Le mur des Je t’aime. Se juegan lenguas del mundo entre graffiti y estela, intersticio por el que se navegaría hacia Senegal o Vietnam, hacia paraísos perdidos mas reencontrables. Llamado a la paz a la vez que recordatorio para lo que la memoria guarde. Tercera variación: muro ni de guerra ni de paz, sino hendiduras atravesadas por la mirada de Bergman que penetra los muros habitados por los Gritos y susurros de cuatro mujeres, dejándose escuchar las grietas profundas de sus vidas.La diversidad de dispositivos, lienzo, concreto, filme, así como la variación de imágenes, visuales o aurovisuales, fijas o en movimiento, y de las crisis humanas que encarnan se van anudando a través de huecos y muros de distinta concreción. Las tensiones estéticas y autosimilaridades que surgen en su enlazamiento conducen a una reinterpretación del contexto social en que emergen y a una relectura de la época en que fueron creadas. Las obras se escalonan fractalmente fundiéndose a ratos en el interior de una dimensión difusa y caótica. El arte y su significación social son considerados como catástrofes creativas debidas a un movimiento de agregación de transformaciones. En la presente comunicación exploro un método de análisis


semióticodiscursivo que se encamina por elementos derivados de las teorías del caos y de la complejidad, con el fin de sugerir dimensiones e interrelaciones individuales, sociales, epocales y culturales. El método ha sido aplicado en distintos campos de conocimiento como la termodinámica, las humanidades, las ciencias sociales y en las artes y su crítica. Quizá podría orientar a construir, analizar y conocer elementos provenientes del espacio sociológico.

Olivia Fragoso Imagen, hegemonía y poder: la fotografía periodística del culto a los muertos en la Ciudad de México

Las ciudades hablan, al hacerlo narran historias que se cruzan, se enlazan y especifican

aspectos referentes a los seres humanos que habitan en ellas. Las narraciones circulan por la

ciudad en mensajes que comunican las diferencias y discontinuidades que existen entre los

sistemas de valores, deseos, mitos, formas, lenguaje, juegos y reglas de interacción. Aunque

tiene mil formas de comunicarse la ciudad ha preferido narrarse a sí misma y contar sus

historias de manera visual. México es, indudablemente, la ciudad de la imagen y demuestra a

todas luces su predilección narrativa mediante este recurso. Con la representación de

acontecimientos, como los del día de muertos, las imágenes narran y dan sentido a la

realidad.El 1 de noviembre, cuando el sol alcanza el cenit las ánimas llegan para participar en

su festejo. Suenan las campanas de las Parroquias y los camposantos son adornados y

decorados con veladoras, flores y ornamentos coloridos. En las casas se realizan altares y

ofrendas con las que se hace a los muertos una invitación para compartir con los vivos el

espacio y el alimento. En las calles se organizan verbenas populares en donde se venden

productos relacionados con la fiesta: calaveras de cartón, papel, cerámica, dulce y pan. Se

llevan a cabo exposiciones e intervenciones en las que las personas suelen vestirse con trajes

alusivos a la muerte. En este trabajo se busca, a través de una serie de fotografías

periodísticas, descubrir qué es lo que las imágenes dicen de la fiesta de día de muertos y con

qué sentido lo dicen. Para hacerlo se considerarán tres momentos en la construcción de la

realidad a través de las imágenes: las condiciones de producción, de circulación y de

consumo. Se analizará la significación de la esfera simbólica manifiesta, subyacente e

implícita en las prácticas socioculturales. Se analizará el manejo formal, retórico y estilístico

que está vinculado con la creación de imaginarios y mitos. Se describirá la representación de

elementos articulados con el poder, las dislocaciones y antagonismos. Desde este enfoque la

fotografía periodística como discurso enlaza significados para los que la imagen entrecruza

horizontes plásticos, icónicos y simbólicos al tiempo que los enlazamientos permanecen

articulados con el modo ciudadano de ser y estar en la ciudad. Estas imágenes son

transmisoras de realidades sociales, en ellas se aprecia el tramado laberíntico de significación

en el que las formas hegemónicas no son necesariamente las que ostentan el poder

económico.

Andrea Pappier El barrio chino de Bs.As., la vitrina como imagen urbana intercultural

“La ciudad misma es vista por sus vitrinas. Las vitrinas identifican la ciudad. La ciudad toda

es una gran vitrina” Armando Silva

El fenómeno de la globalización, con el consecuente aumento de los movimientos

migratorios y de la fluidez de las comunicaciones, ha incrementado el contacto entre culturas

diferentes. Un caso particular de estudio lo constituye la diáspora china hacia los países

occidentales y la conformación de barrios con identidad propia en las metrópolis en los cuales

se insertan. Buenos Aires no es la excepción. En las dos últimas décadas, aproximadamente

20.000 inmigrantes chinos-tanto de Taiwán como de la República Popular se instalaron en la

ciudad. Si bien están dispersos en distintas zonas de la misma, en Belgrano C- en las


manzanas comprendidas entre Arribeños, Montañeses, Juramento y Olazábal –han

constituido un pequeño pero significativo “chinatown”. Conformado tanto por instituciones

sociales, culturales, educativas y religiosas como por comercios y restaurantes, los

inmigrantes han transformado por completo la imagen urbana del sitio con sus costumbres,

creencias y lenguajes. Nuevas formas, colores, sabores, olores y sonidos le confieren

identidad. En el trabajo propuesto, se tomará como eje de análisis un aspecto: el visual,

centrándonos en sus vitrinas. Se tomará como marco teórico los conceptos de Armando Silva

en su texto “Imaginarios Urbanos” para quien la vitrina es una ventana a través de la cual

miramos y a la vez nos miran y por lo tanto en la misma podemos analizar los contenidos de

una cultura, en este caso la china y su interrelacion chino-porteña:“Cada comunidad fabrica

los contenidos simbólicos de sus vitrinas. Cada ciudad concibe una estilística. Igualmente que

en cada ciudad, se harán varios tipos, varios escenarios sociales y estéticos según sus mismos

habitantes, según sus condiciones económicas, según su etnia, según su educación, la vitrina,

tan permeable como lo anunciado, se acomoda a la retórica de sus usuarios”1, en este caso

tanto chinos como argentinos. Se analizará las vidrieras en cuanto a sus temáticas, objetos,

iconografías y escrituras descubriendo los textos propios de la cultura inmigrante, es decir el

ethos y la cosmovisión del pueblo chino (tanto taiwanés como de de Rep. Popular), y los

nuevos textos que surgen de la relación intercultural al estar insertos en el contexto urbano

local.2

Blanca López Espacio y tiempo: el movimiento de lo subversivo a la institución en el graffiti

El graffiti como expresión personal y de protesta constituye un elemento gráfico recurrente en los ambientes urbanos donde se presentan frecuentes choques discursivos. Esta opción comunicativa que se manifiesta contra el deber ser y los ideales de la urbanidad, corresponde a una práctica que ha sufrido profundas modificaciones al paso del tiempo, desde su aparición en la antigüedad romana hasta sus manifestaciones más actuales. En años recientes dos de los principales elementos cuya influencia podemos observar son: en primer lugar, el uso de técnicas distintas a las tradicionales como es el caso del láser y los diodos; y en segundo, la exacerbación de estas construcciones visuales por medio de la institucionalización resultando en la aniquilación del carácter subversivo y contestatario que estas prácticas poseían originalmente. Así la aplicación de técnicas visuales que no dañan ni afectan de manera alguna los muros y edificios, corresponden a espectáculos efímeros que pueden ser inscritos dentro de las artes performativas. No se trata más de provocar una “herida” en el cuerpo urbano, sino más bien de una experimentación que abre otro tipo de senderos visuales para los estilos generados en la configuración urbana. Esta alteración provoca que la marca en el muro deje de permanecer como indeleble y se convierta en temporal.En el segundo caso, la asignación de espacios por las autoridades y la organización de actividades alrededor de las pintas, provoca la exacerbación de este tipo de marcas e imágenes dando pie a su normalización. Este proceso de institucionalización borra los rasgos de crítica social para inscribirlos en la crítica especializada del arte callejero, quebrando el sentido original. La imagen se transporta conceptualmente de la periferia al centro.En vista de lo expuesto, estas derivaciones del graffiti, dejan de ser una manifestación contracultural para dar paso a otro tipo de movimiento del pensar y actuar en las urbes.Sin embargo, de manera semejante a lo que ocurre con las ideologías corporales, el graffiti, como tatuaje urbano, se encuentra en constante movimiento y su carga simbólica a veces alterada sigue generando distintos sentidos para estas prácticas culturales.

Guillermo Acuña González Migración y ciudad: reflexión en torno a las narrativas e imágenes de los migrantes nicaragüenses sobre algunos espacios públicos del centro de la ciudad de San José, Costa rica.


En la década de los años noventas, Costa Rica experimentó un aumento considerable de población extranjera, expresado en los resultados provenientes del Censo Nacional de Población, que indicaron un 7,8% de la población total censada en el año 2000, de la cual un 6% es de origennicaragüense (INEC, 2000). La presencia de población migrante nicaragüense en Costa Rica ha tenido importantes impactos en la economía nacional se basa en sus aportes en la estructura económica, por la dinamizaciónde actividades que han contado con la fuerza de trabajo de hombres y mujeres de aquel país y el fortalecimiento de una serie de interrelaciones y prácticas de carácter social y cultural que consolidan los lazos entre importantes segmentos de ambas poblaciones. El reconocimiento del impactos sociocultural de la migración nicaragüense en Costa Rica, pasa por la valoración en torno al resultado de la relación cotidiana entre ambas poblaciones y lo que motiva a la población migrante a recrear lazos y estrategias de integración en una sociedad que no es la propia. Como resultado de estas estrategias, prácticas asociadas con el uso del espacio público han empezado a ser reconocidas como parte de la presencia migrante nicaragüense en Costa Rica. Tales prácticas se hacen más evidentes, quizá por el impacto visual que representan, en el centro de la ciudad de San José (capital costarricense). La presente ponencia relata la experiencia del migrante nicaragüense en el casco central de la ciudad de San José y toma como insumo las explicaciones propias sobre su presencia en la ciudad. Para dar cuenta de este proceso, se apeló a la fotografía como técnica que recogiera las formas de ver, percibir y concebir el casco central de la ciudad de San José por parte de algunas personas migrantes nicaragüenses que participaron voluntariamente en el proceso de investigación. El producto de lo que vieron las personas migrantes (las fotografías), así como las respectivas validaciones y entrevistas y las mismas interpretaciones del investigador, fueron conjuntadas en el proceso analítico para organizar la información en dos grandes dimensiones: las narrativas e imágenes sobre el uso de la ciudad y la constitución de imaginarios sobre ésta. El análisis de ambas dimensiones constituye el argumento central de la presente ponencia.

Claudia Higuera Meneses La ciudad de la imagen: la ciudad de México ¿la ciudad de la modernidad inconclusa? Si la imagen traspone y determina las prácticas y el uso del espacio en la ciudad, en el caso de la ciudad de México para los habitantes, de acuerdo a su imaginario urbano, es una serie de espacios dispersos en delegaciones como Coyoacán, Tlalpan, Benito Juárez y Cuauhtémoc. En este sentido, la ciudad que se plasma en los estudios urbanos sobre el tema, se refiere a estas demarcaciones; las exploraciones de la cultura urbana, prácticas, consumo y usos de la ciudad han privilegiado este territorio de la ciudad. En algunos casos, se han extendido un poco más hacia la periferia abarcando áreas como Iztapalapa, Xochimilco, Milpa Alta y Tláhuac e incluso, parte de lo que ya constituye el área metropolitana como Chalco y Nezahualcóyotl. Por ello, consideramos importante realizar un estudio que permita conocer la ciudad que se ha producido al norte del territorio del Distrito Federal: específicamente en la delegación Azcapotzalco, conocer el modo de vivir y concebir a la ciudad que se ha gestado y que son desconocidas como parte de la totalidad de la vida en la ciudad. ¿Qué imágenes han construido la ciudad en Azcapotzalco? ¿Qué imágenes determinan las prácticas de los habitantes de Azcapotzalco, su apropiación de determinados lugares y el rechazo de otros? ¿Cómo es vivida e imaginada la ciudad desde Azcapotzalco, las prácticas y significados que han conformado los lugares que la comprenden y revelan como opción para quien reside al norte de su territorio? ¿La forma como se vive y percibe a la urbe en Azcapotzalco sólo se explica a partir de la diferencia, o existen concepciones y representaciones compartidas por los habitantes? ¿Cuáles son estas? ¿Qué imágenes representan lo mejor, como lo peor de la vida en la ciudad? ¿Qué elementos han construido el mapa de la ciudad en Azcapotzalco? La ciudad formada es un híbrido mezcla de imágenes, valores y experiencias que han trazado su vida urbana, no obstante, este híbrido posee formas bien definidas, elementos precisos y trazos concretos que permiten aprehenderlo incluso en una imagen compartida de la ciudad, fundamentalmente son algunas de las cuestiones que nos proponemos responder con la

presente investigación. ---------------------------------------------------------------------------------------- 2


Metáforas visuales y la historia que encierran Coord Sandra Visokolskis

La propuesta de análisis de este panel se centra en las metáforas visuales y la historia

que cada una de ellas permite construir acerca del contenido que ellas esperan trasmitir.Las

metáforas visuales ejemplifican así la capacidad humana de construir realidades que

proyectarán las diferentes situaciones en que es posible su comprensión acerca de las

entidades que entran en juego en su constitución, sus propiedades y sus relaciones

recíprocas.A su vez, toda metáfora da lugar a una realidad social no necesariamente fija de

antemano sino que puede ser reinterpretada de muy diversas maneras, inventada, articulada y

alterada por aquellos que las utilizan.Un tratamiento social de las metáforas visuales suele

acompañarse del contexto en que las mismas son producidas y aplicadas. En este sentido, el

lenguaje se liga con la conceptualización de las realidades percibidas.Importa entonces el

papel que cumplen las metáforas visuales en la generación de estas realidades, incluyendo las

elecciones disponibles y las restricciones realizables por su intermedio. S por ello que

interesa indagar acerca de la historia de una imagen entendido esto como la búsqueda de

aquello que ella encierra en sí misma, de manera sintética y concentrada, i.e., una historia a

desentrañar, y con ello cumple entonces una función simbólica diferente de la que la retórica

tradicionalmente le asignaba.En efecto, cabe notar que la concepción retórica tradicional

identifica a las metáforas como el polo opuesto del lenguaje literal, considerado este último

como el único correcto, riguroso, exacto y preciso, mientras que el lenguaje metafórico,

según esta concepción, cae en el terreno de lo ambiguo, vago y no nítido.Esta dicotomía

arrastra tras de sí además a otra dicotomía que la funda y que consiste en el privilegio de una

realidad externa independiente del observador como árbitro último de aquello que tiene

significado real y verdadero, y con ello de lo significativo que puede decirse con propiedad, y

los modos considerados correctos en que debe decirse lo real.Frente a esta realidad externa se

opone un sujeto cuyas cualidades perceptivas suelen engañarlo y dificultar sus modos de

visualizarla. En este contexto, las metáforas y sobre todo las visuales, suelen tomarse como

elementos de segunda categoría, poco confiables y despreciables a la hora de buscar

representaciones adecuadas de la realidad.De cara con esta visión clásica y escueta de lo real,

encontramos una perspectiva más abierta que considera al lenguaje, y con ello al metafórico

visual, como un medio por el cual y en el cual los hablantes organizan e intervienen sus

experiencias, participando de interacciones interdisciplinarias productivas.Es por todo ello

que un análisis del papel de las metáforas visuales y sus innovadoras funciones simbólicas en

la construcción de lo real, resulta una temática que generaría interés a la sociología visual.

Fabian Mossello Marcela Melana Metáforas visuales y espacio publicitario

El presente trabajo intenta un análisis de un conjunto de prácticas visuales publicitarias.

Nuestro punto de vista metodológico supone la lectura de los objetos del corpus

enfatizando la búsqueda de relaciones entre las prácticas publicitarias, ciertos tipos de signos

correspondientes básicamente a la segunda tricotomía de signos: ícono, índices y símbolos

propuesta por el semiótico Charles Sanders Peirce y la producción de metáforas como figura

fundacional de todo lenguaje figurado.A tal fin nos interesa interpretar la presencia de

metáforas visuales distintas en publicidades de un mismo producto en distintas épocas, para

dar cuenta de los cambios retóricos, temáticos y enunciativos que han operado en cada

producto en la representación de lo real, y la consecuente lectura diferencial del espacio

cultural.

Pedro Klimovsky Acerca de documentar es mostrar


La tradición clásica en el cine, y particularmente en el cine documental, se ha sostenido sobre la idea de que la filmación de un hecho o un evento muestra lo que realmente ocurrió.La metáfora “documentar es mostrar” se transforma así en el soporte de las estéticas realistas en general, pero sobre todo en el principio de legitimación de los documentales y los noticieros. Se pretende mostrar que esta metáfora ha ocultado durante años los procesos de interpretación y construcción de la realidad que operan en toda representación audiovisual.

Elina Tanchini Un examen de la posibilidad de representación visual de la categorías teóricas de la sociología: El caso de los frescos del Buen Gobierno de Ambrogio Lorenzetti.

El trabajo forma parte de un proyecto más amplio que estudia la posibilidad y alcance

de la representación visual de las categorías teóricas de las ciencias sociales. Defino a la

representación visual de los procesos sociales como una cuestión histórica, cuyo estudio se

extiende a la naturaleza de la materia prima social, debiendo entonces incluir también los

aspectos formales y las tecnologías estéticas de que se dispone para la construcción de un

modelo narrativo concreto de la totalidad social. Reviso la categoría de “esfera pública” de

Jürgen Habermas, analizando un caso de esfera pública representativa estética, la

representación de la vida pública en el ciclo de frescos políticos llamados del Buen Gobierno

pintados por Ambrogio Lorenzetti en las paredes de la Sala dei Nove en el Palazzo Pubblico

de Siena, en la Toscana, Italia. Los frescos fueron estudiados por Quentin Skinner como

forma de representación de las teorías del republicanismo moderno. Fueron pintados entre

1337 y 1339, en el mismo período en que Habermas sitúa el momento de emergencia de la

“esfera pública burguesa”, cuando, según Habermas, el capitalismo mercantil se habría

extendido desde las ciudades Estado del norte de Italia hacia el resto de Europa, permitiendo

que la sociedad civil surgiera recién dos siglos más tarde como corolario de una autoridad

despersonalizada estatal. Las imágenes del pasado nos permiten conocer un mundo social

perdido y aprehender la experiencia social y la memoria de una época. Propongo que los

frescos de Lorenzetti, constituyeron una metáfora de una esfera pública visual preburguesa

que estuvo al servicio de demostrar representativamente algunas de las formas de esfera

pública ignoradas por Habermas.

Sandra Visokolskis Historias que encierra la metáfora del contenedor

Esta ponencia propone indagar acerca del papel interpretativo que cumplen las metáforas visuales al proponer historias que encierran de manera sintética y concentrada, aclarando con ello que el contenido que estas metáforas puedan acarrear no necesariamente ha de estar fijado de antemano sino que es lo suficientemente creativo y con ello plástico como para ser capaz de reinterpretarse según su usuario y el contexto en que éstas están inmersas.En esta ponencia nos concentraremos en concreto en las historias que encierra la bien difundida metáfora del contenedor. En efecto, la riqueza conceptual de la misma acompaña a la trayectoria filosófica y en particular epistemológica que ésta ha experimentado en distintos contextos.Se espera así dar cierta evidencia del nivel y valor cognitivo y no sólo heurístico alcanzado por el recurso metafórico visual, por encima de la supuesta ansiada rigurosidad literal.

Panel 3 Migrating images in a global World Coord: Francesco Lapenta


Everyday life is embedded in global flows of images: images of family, friends, workplaces and leisure activities. Known and unknown people, known and unknown places surround us in a multitude of contexts and in a variety of media forms. This full immersion into the worlds of images, with countless photos and videos used by individuals, groups and institutions to communicate with one another, all contribute to portray and construct who we are. This panel offers a number of investigations into the global and local dimensions of a mediated identity that is also formed by the flow of global and local images, of cultural specificities that blend into the personal and social dimension of the globalised individual. The image in the post-modern society is a favoured channel of exchange and a means of identity negotiation that allows us to foresee an “imagined community” and a mediated identity that is constantly swaying between local and global cultures and communities representations. Visual and cultural studies offer the theoretical framework of this panel that specifically discusses hypotheses of globalization as a “seen” and “technologically mediated” phenomenon.

Wendy Hulko, Thompson Rivers University, Kamloops, BC, Canada,

‘Abuelita, la Viejita’: The local story behind the global image Older unattached women are acknowledged to be the poorest income group in many countries across the globe – both developed and developing. This is not the face of poverty, however; photographs of hunger and homelessness feature children more prominently and frequently than older adults. In addition to making visible marginalized groups of people, such as older unattached women, we must also hear their voices and subjective experiences. When images migrate across time and space, they often become decontexualized, shedding the local story behind the global image. This paper seeks to interrupt this process and redress this loss of context. In Cuba, one older unattached woman has become highly visible on a global scale – photographs of this 84 year old woman with her white hair and gap toothed smile, smoking cigars and posing for the tourists, are some of the most recognized and well-travelled images of Cuba. This woman who is known to the English speaking world as ‘Grandma’ was a participant in my recently initiated phenomenological study on Aging in Cuba: Views of older Cubans. The data were derived through audio-taped interviews in Spanish with 12 older Cubans, supplemented by field notes and photographs. In this presentation, I will present an analysis of the images and life story of this particular research participant in an effort to contextualize her famous image and give voice to her as a subject. This older woman‘s story allows us to better understand the impact of globalization, neo-liberalism, and neo-colonialism on Cuba and Cuban people, the role of images and stories of aging, and the resilience of marginalized/colonized people. Through discussing the social processes that form the context of Abuelita’s life and the ways in which she plays against stereotypical images of aging, I hope to re-contextualize her image.

Ricardo Greene “My home, My Family (and Some Things in Between)”, La Invisible Figura de las Empleadas Domésticas en los álbumes Familiares. Las trabajadoras domésticas son una de las figuras más tradicionales de la cultura Latinoamericana. Se trata, sin ir más lejos, del sector que históricamente más ha empleado mujeres en la región, ocupando incluso hoy a cerca del 25% de la población femenina económicamente activa (Paredes and Bronfman, 2003). Sin embargo, y pese a su centralidad, se trata de un rol ampliamente obviado por organizaciones laborales (Ally, 2005), exiliado de la discusión política e ignorado por el mundo académico (Lautier, 2003). Esta invisibilidad es alimentada desde varias fuentes, siendo una de las más relevantes la llamada “narrativa de falsa familiaridad” que se construye desde y hacia las familias con las cuales trabajan, y que consiste en que hay ciertos tiempos, lugares y operaciones en los que las trabajadoras son tratadas “casi como” parte de la familia, y otros en los que ciertamente no. Este mecanismo logra nublar el componente económico y político del rol, dificultando su organización y facilitando su precariedad e invisibilidad. El trabajo audiovisual “My Home, My Family (and some things in Between)” es parte de una investigación doctoral que tiene por objetivo explorar los mecanismos bajo los cuales esta invisibilidad es producida, reproducida y resistida, a la vez que entender cómo dichos mecanismos contribuyen a construir modelos particulares de clase y género. La mirada del


video se posa específicamente sobre los álbumes familiares, entendiéndolos como artefactos culturales que, al contrario de las fotografías en singular, ofrecen no “una variedad de puntos de vista y perspectivas, sino una fuente valiosa para explorar la mirada que las familias tienen de si mismas y de los demás” (Geller, 1994). Explorando mi propia narrativa familiar a través de mis álbumes familiares y de la configuración espacial de la casa de mis padres, emprendo una búsqueda por revelar el nudo de símbolos, valores, jerarquías y subjetividades que condensan las trabajadoras domésticas en nuestra cultura. Variables como la memoria, la construcción de identidad, las fronteras de la familia y el espacio íntimo son algunas de las coordenadas utilizadas para navegar sobre esta particular relación que se tiende entre las familias chilenas y sus empleadas domésticas.

Athanasia Batziou The Construction of the Immigrant in Pictorial Media Discourse. This paper looks at the visual dimension of a crucial aspect of globalization, that of international migration. It deals with the collective identity construction of immigrants through local media imagery in receiver societies by focusing on a comparison of press photographs of immigrants during the last regularization programmes in Greece and Spain. At times when traditional receiver-countries of immigrants establish strict border controls in order to discourage further immigration, new receiver-countries are called to deal with the growing numbers of immigrants who enter their territory. Concepts such as racism and xenophobia have appeared on the agenda of societies that were used to consider themselves as friendly and hospitable. Given the fact that for the majority of the population the formulation of opinion regarding immigrants is mediated and does not come from direct contact with members of the immigrant communities, it is interesting to look at how immigrants are portrayed in the media. The pictures of immigrants provided by the media construct their image more persuasively than verbal media discourse and are useful sources where the responses to immigration can be traced. The aim of this paper is to "sketch" the identity of the immigrant as it is provided and described in and by the media with the use of various visual means and study this identity construction process from a comparative perspective by taking into account the socio-historical background of both local cultures, within the cultural studies paradigm.

Francesco Lapenta. www.visualstudies.eu GeoMedia: Living in a Mediated World. In this paper I offer my definition of what I call GeoMedia. GeoMedia are electronic media that rely on precise location systems to integrate location based data with user generated contents and activities. They are not new media per se, but platforms that merge existing technologies (Electronic Media + the Internet + Geo-Location Technologies) in a new mode of data association and generation. GeoMedia are not the collection of archived location based data (Image, Text, Sound), but an instrument that associates these existing data with a live geographical position in a personally activated and/or socially maintained data exchange (communication). Geomedia on one hand reduce the distance between the Real and the Represented, the Local and the Global, they create yet another link between the represented (the Object) and its representation (its Simulation, its Image), knotting them together at a certain time and location. On the other hand they increase their distance by rendering the former (the Real) a complementary but not necessary part of what we do with the latter (its Representation). This processes further enhances the mimic, and the independent, qualities of representations that together contribute to the construction of the Hyperreal (Baudrillard), a world of parallel images in which we live parallel lives

Jacqueline A. Gibbons Iconography, Islam and Europe Islamic presence in Europe is a cultural phenomenon which goes back to the North African conquests of Spain in the 7th century. Where this is conflated with Arab culture, the existence is more ancient. This research explores the signs and symbols of an Islamic presence today, especially in southern France, where Marseille has acted as a port and


gateway for Europe for many centuries. This ethnographic project addresses culture (as manifest, for example, in language, food, music and religion), in certain neighborhoods or quartiers of this port city. Research questions arise, such as ethnic tolerance levels in particular enclaves and areas, also degrees of assimilation. We explore how these are manifest visually and symbolically.

Thomas Perssons Sports for all: The myth of multicultural Denmark

The topic of social integration is high on the agenda in most EU member states and

politicians increasingly turn to sport for assistance. As a result, the ‘Sport for All’ discourse,

originally moulded on a population differentiated by social classes, has gradually been

replaced by a discourse targeting certain excluded or segregated groups in our societies. This

paper analyses visual displays of the multicultural Denmark in the context of sport. It takes its

starting point in the Danish Sport Confederation’s “Sport for all – regardless of level, age and

gender”-policy. The paper originates from a multi-sited ethnographic study of the production

of social capital in and through the governance of sport. The study made use of a combination

of techniques, such as: observations, semi-structured interviews and secondary analysis of

official documents. The construction of a ‘new’ inclusive Danishness in and through sport is

problemized by reading the visual documentations of ongoing social integration projects,

sport magazines and instruction manuals published by Danish sport governing bodies. The

picture of the multicultural sport arena is read through the lens of Barthes’ contribution on the

myth, Stuart Hall’s contribution on representation, ideology, and encoding and Bakhtin’s

heteroglosia, and against a political Danish climate that has attracted much attention in

connection to the Mohammad cartoons and the Danish People’s party.

Tara Milbrandt 4 Storylines. Image as narration Rochelle Woodley- Baker Narrative inquiry is the process of gathering information for the purpose of research through storytelling, and rests on the epistemological assumption that we make sense of experience, thoughts, and emotions by the use of storytelling (Chase 2005). The term narrative has developed a high level of popularity and carries a multitude of meanings, as Riessman states (2008:4) “narratives are everywhere, but not everything is narrative”. Due attention is required as to their construction. Whatever the content stories demand the consequential linking of events or ideas, that is, sequence and consequence are the building blocks of narratives in order to impose meaning. (Riessman 1993). Within the broad field of visual ethnography, there are a range of descriptors for the use of photographs in social research, these include: photo voice, photo novella and photo-narrative. Are these apt descriptors? Do the accompanying methodologies support the intersection and divergence between images and narrative research? Do images and narration enhance and reinforce each other?

Jodi Kaufman New visual technologies allow collecions of personal photographs to be shared on the web New visual technologies allow collections of personal photographs to be shared on the Web – Kodak and Snapdragon photo shows and Yahoo profiles, for instance. When images are represented collectively, they are read one through the other, producing a narrative (Bal, 1999). These photographic narratives “demand the consequential linking of events or ideas


[or photographs]…in order to impose meaning.” (proposal call). Thus, the sequencing of photographs in a narrative may be analyzed for its function in imposing meaning.

In this presentation, I will give an example of a method for analyzing the sequential structure

of photographic narratives. This analysis is grounded in the heteronarrative theory of Judith

Roof (1998). A heteronarrative analysis of photographic narratives is not an attempt to find

the “real” or “correct” meaning – the meaning inherent in the image --or authorial meaning --

the meaning intended by the one who produced the series of photographs in whatever form it

appears. It is an attempt to analyze photographic narratives for the heteronormative stories

they tell, stories which may or may not be materially evidenced or intended by the author, but

which may be generated none the less and read by analyzing the “consequential linking” of

photographs in a narrative. I will illustrate a heteronarrative analysis using a Yahoo profile,

an online space where one can represent herself to the Yahoo community. The Yahoo

profile was created by Michelle, a 23 year old male-to-female-transsexual. I found the

sequential structure of photographs in this photograph narrative functioned to conclude

Michelle’s identity within the heteronormative.

David Baker, Daryl Thomas, William Watt Maps of the mind: converting aboriginal oral traditions into visual cartographies. How new approaches to recording oral information guided by the capability approach can aid the protection of aboriginal heritage and enable negotiated development in south Australia. Aboriginal cultural heritage in South Australia is physically represented by the geographic location of sites and the stories that connect them. The existence of Aboriginal sites and what they represent are central to the future of South Australia. They are important to Aboriginal culture and there is legislation designed to protect them. Information about sites and their location is also central to negotiations about development and are recorded on Government land titles in the category of encumbrances. Thus sites are recorded both to protect their existence and because of their importance to development. Government site records, collected over decades, include thousands of site cards, reports, photographs and slides which have been recently digitised. They are represented visually by dots on maps and constitute one of many layers of information important to land use. However this form of representation is inadequate for most purposes and only a small percentage of potential Aboriginal sites are recorded and only a percentage of these are held by Government. The challenge is for two things: visual cartographies to be constructed to assist heritage information management and increased site recordings; and done through a collaborative process in which Aboriginal people participate in managing their heritage and own archives and negotiably in partnership with Government and other stakeholders. The Capability Approach provides a useful theoretical framework to underpin the processes of partnership building and activities. More visual, flexible and meaningful representation of valued information is important where images can be manipulated on maps for different purposes such as overlaying mining proposals, showing land tenure and native titled areas, showing cultural pathways, differentiating the significance of and representing responsibility for sites and stories, and to assist the documentation of stories in visual ways.

Two pilot projects, in which Aboriginal people are co researchers, will be reported about. These projects involve visual examination and manipulation of Aboriginal site records using ArcReader and GIS technologies through Power Point software: one to examine how sites can

be recorded as ‘cultural pathways’ rather than dots on maps in a way that is more consistent with cultural meaning; and another project to monitor how the spatial representation of records, from a combination of the use of reports, photographs and Google Earth, can facilitate Aboriginal people’s understanding and verification of existing and new records. This form of inquiry is also being used across South Australia to consult about heritage records. We will also report about the relevance of the Capability Approach. These projects can

contribute to the increased use of spatial technologies and the management of heritage information by Aboriginal people, and can suggest further avenues for research.


Gordon Simpson Cumbria on film: once upon a time in a land far, far away The British county of Cumbria, better known to most as the English Lake District, is a popular tourist location which exploits strongly its historical associations with C19 Romantic Movement figures such as Wordsworth and Coleridge. This legacy offers an easy ‘story’ to construct and repeat around this particular place; pastoral, visually striking, isolated, inspirational, essentially very much ‘other’ than the urban or city environments we mainly inhabit. This ideological stance was also clear in recent tourist promotions of the area in connection with location filming for the movie ‘Miss Potter’, (a loose biography of the ‘Peter Rabbit’ author and conservationist Beatrix Potter). This paper discusses work recently undertaken within the Centre for Landscape and Environmental Arts Research (CLEAR) at the University of Cumbria, examining how the wider settings of this region have actively been used as a signifying discourse by fiction and feature film makers, and the ‘story’ such visual narrative representations collectively construct about the specific geography of these spaces. Drawing on approaches from narrative studies, semiotics and ecology, this paper examines popular British cinema products (Swallows and Amazons,

Across the Lake, Withnail and I, Miss Potter etc.) as well as some less familiar titles (The

Navigator, Without a Clue, 29 Days Later, Mr. Bhatti on Chhutti), considers the limited existing precedents for such research, and offers possible case study models for similar investigations elsewhere. In doing so, it intends to squarely place commercial cinema within the ‘visual technologies’ this panel is collectively debating. (NB. Being heavily visual, this presentation also offers a tantalising glimpse of the area where

next year’s IVSA conference will be located.)

Rochelle Woodley- Baker Catching the lived experience

Young people in contemporary society, move from one social context to another, continually crossing between both adult and youth practices. This competence in moving between settings has tremendous implications for their capacity to draw on levels of social and cultural capital. In exploring these social contexts, photo-narratives provide a way to capture the cultural symbols of young people’s lives. Photo-narratives as a method of inquiry provide a uniquely relevant tool for engaging with contemporary youth; reflecting more accurately their world; and address the ethical issue of voice. In particular, they focus on the spaces that shape the student. In this presentation I will expore the methodological implications of photo-narratives, and how images and narrative enquiry

enhance and reinforce the research enterprise.

5 Imagens e narrativas no contexto latino-americano Nilda Alves O painel proposto pretende fazer uma discussão teórico-metodológica-contextual sobre as relações entre imagens e narrativas, no contexto latino-americano, a partir do sujeito-professor e suas ações e visões do mundo. Partimos da idéia de que imagem e narrativa remetem uma a outra incessantemente (Manguel), chegando à compreensão de que as imagens e narrativas que aparecem, sejam elas materiais (fotografias, desenhos etc; relatos escritos, planos de escola etc) ou mentais (idéias, representação etc; currículos imaginados, escolas idealizadas etc) ajudam a compreender o que se poderia chamar de ‘realidade das escolas’. Esse painel, para além de permitir melhor caracterizar essa relação imagem-narrativa, busca trazer para o contexto da Conferência, esse espaçotempo tão pouco compreendido que é o dos espaços educativos, em especial a escola, através o praticante docente (Certeau), nas imagens e narrativas que tece sobre suas ações, bem como sobre o pensamento pedagógico que é trançado, em imagens e narrativas que pesquisadores desenvolvem sobre esse sujeito.


Nilda Alves UERJ/Universidade do Estado do Rio de Janeiro/BR

Clementina cade voce? O texto indica como se desenvolve a pesquisa referida na nota do título, em torno da questão da riqueza das culturas africanas e de suas expressões no Brasil e as possibilidades que o trabalho em torno de artefatos culturais pode trazer de possibilidades curriculares de auto-conhecimento e conhecimento do outro como legítimo Outro (Maturana), na superação de preconceitos, pelo trabalho conjunto sobre questões histórica

Daniel Feldman UBA/Universidad de Buenos Aires/AR Imágenes en los relatos sobre la experiencia docente

En el curso de sus relatos sobre la experiencia de la clase, los profesores hilvanan diversas

imágenes en forma de metáforas, analogías o escenas. Aunque estas imágenes se apoyen en

construcciones lingüísticas su función de representación es similar y ofrecen algún grado de

“visualización”, se codifican figurativamente o, usando un viejo término de Bruner (1969),

representan icónicamente el significado. El trabajo se ocupa de la relación entre imagen y

narrativa en los relatos mediante los que maestros y profesores exponen su visión del mundo

de la clase. Propone una reflexión sobre cómo las imágenes adquieren valor en términos de

las narrativas que las contienen y analiza algunos recursos mediante los que los docentes

condensan núcleos de sentido sobre su experiencia durante el proceso de comunicarla a otros.

No es nuevo decir que el estudio de las formas de representación más figurativas que

conceptuales es una manera de entender cómo comprenden la clase sus actores. Creo que

también se las puede considerar provechosamente como alternativa viable para la

comunicación pedagógica en los procesos de formación.

Regina Leite Garcia Universidade Federal Fluminense/BR Algunas reflexoes sobre o fracasso/sucesso na alfabetizacao. Dominancia da escrita-livro, dominancia da tela-imagem a “imagem” que foi sendo criada pelos europeus colonizadores dos povos por eles dominados os apresentava como bárbaros, ignorantes, preguiçosos e até, “sem alma”. Há imagens fotográficas da época que apresentam pela primeira vez na Europa, africanos em jaulas, como se animais selvagens fossem. Hoje, há um forte movimento de intelectuais na Índia relendo esta História mal contada - Guha, Spivak, Homi Bhabha que, em seus ‘Subaltern Studies’ reescrevem esta história. Assim também, há um grupo de latino-americanos – Dussel, Quijano, Mignolo, Grosfoguel , para só citar alguns - que denunciam o processo de colonialidade, como o outro lado da modernidade, que vem desde então subalternizando os povos colonizados, num perverso processo de violência epistêmica. Estarei apresentando um vídeo, feito numa escola por professoras e alunos,em que, num primeiro momento, é mostrada uma cidade da periferia do Rio de Janeiro, a partir da ótica do poder, para em seguida apresentar a mesma cidade vista pelo olhar de quem sofre o processo de negação de direitos e de subalternização. Entendemos ser este vídeo, um momento de desconstrução da subalternidade, em que a imagem diz mais do que qualquer discurso falado ou escrito.

6 Practicas de arte contemporáneo: un mapa posible de artes visuales en las comunas de la ciudad de Buenos Aires Elda Cerrato El objetivo de la presente investigación, ha sido y es proponer un mapa artístico de la Ciudad de Buenos Aires a partir del relevamiento y procesamiento de datos, considerando a éstos como conformadores de muestras de la producción artística de cada comuna, por las posibles incidencias de la ubicación del artista en la ciudad, sobre sus producciones.El proyecto pretende poder aportar un perfil identificador de las comunas a través las características de las obras de los artistas que habitan en las mismas, que afirme lo particular a fin de no perder las identidades que se diluyen frente al fenómeno globalizador.


Desde dichos datos, poder indagar relaciones culturales tales como las derivadas del contexto de producción artístico visual, la incidencia de políticas culturales y de las instituciones de mediación, en la distribución y consiguiente significación de las obras. Para la realización del presente trabajo se está partiendo del banco de datos que los integrantes del equipo hemos iniciado y que reunirá en total las obras de un mínimo de 500 artistas vivos de la ciudad de Buenos Aires, entre los registrados y los que faltan registrar en www.registrodeartistas.com.ar. Hemos construido este sitio con la intención de disponer de un laboratorio de experimentación y de investigación para el estudio del arte contemporáneo y local. En el mismo ya hemos subido cuatro trabajos teóricos nuestros. En la selección y distribución de los artistas habrá que considerar proporcionalmente la densidad de población de cada comuna de la ciudad de Buenos Aires. Los criterios de autoregistro y autoselección de las obras y de sus modalidades correspondientes, realizados por los artistas mismos, constituyen una de nuestras propuestas de horizontalidad juntamente con el acceso libre, voluntario y gratuito implementadas en la construcción de www.registrodeartistas.com.ar como modo de mediación en arte. En el trabajo intelectual no suele haber comienzos absolutos.Los criterios teóricos que se están elaborando en el presente trabajo, son deudores en parte de las polémicas surgidas con la irrupción de los estudios culturales y tienden a significar las obras en los escenarios de su producción, circulación y recepción. Se considera la caracterización de la diversidad de los escenarios. Conceptos de Nacional y Universal. Local y Global. Glocalización, periferia, identidad, y las posibles incidencias de la ubicación del artista en la ciudad sobre sus producciones. La caracterización de las obras también se propondrá desde el cruce de componentes técnico materiales, estético formales y teórico-conceptuales con los soportes del mercado construidos como agenciamientos conformados por instrumentos mediadores tales como críticos, empresas de servicios e internet.

Elda Cerrato Condiciones contemporáneas de los escenarios

En esta etapa se abordan las características de los escenarios en los que radicamos nuestra

investigación. Como son pensables hoy, las relaciones que establecen la cultura en general y

particularmente los hechos de las artes visuales de la periferia, con los efectos de la

globalización y las respuestas de los localismos. Marcos sociales de referencia en el escenario

globalizado y escenarios culturales centrales y periféricos. Características de la diversidad de

los escenarios. Nacional y Universal. Local. Global. Internacional. Atrapado en las raíces?

Identidad: una construcción que nunca finaliza.Lucha de los márgenes llegando a la

representación. Las consecuencias de las polémicas surgidas a partir de los estudios

culturales. Como redefinir para Latinoamérica una especificidad crítica de lo artístico frente a

una nueva división entre la teoría, como la universalidad del arte, lo abstracto general del

centro, y lo particular-concreto asignado por el centro a la periferia. Territorialización de las

condiciones contemporáneas de los escenarios mundiales en nuestro medio en confrontación

con algunos ejemplos de prueba. Incidencia de modelos y criterios que regulan tales

relaciones para la elaboración de un repertorio de rasgos distintivos. Los criterios teóricos de

caracterización de las obras según los requisitos considerados como criterios relacionales de

análisis y conceptualización de los procesos y productos materiales de las artes.

Conjuntamente con las condiciones contemporáneas de los escenarios mencionados actuando

en la ciudad de Buenos Aires, la investigación está también en el proceso de establecer qué

componentes técnico-materiales, estético-formales y teóricos conceptuales se perfilan hoy,

como pertinentes, para poder diferenciar y caracterizar adecuadamente las obras satisfaciendo

los criterios seleccionados en función de la diferenciación de las mismas en los núcleos de

globalización y locales. Efectos del consumo de objetos y servicios que las imágenes del

mundo difundidas por la publicidad y por la cultura de masas nos proponen. Breve avance de

los nuevos procesos de distribución y recepción de las obras que inciden en las tipologías del

consumo. Soportes del mercado construidos como agenciamientos conformados por

instrumentos mediadores de la distribución y la recepción, tales como críticos, empresas de

servicios e internet.


Rosana Leonardi Los mapas estéticos de la ciudad. Densidad poblacional de los artistas de Buenos Aires

Sin una diferenciación geográfica clara, el barrio en Buenos Aires, se formó a partir de

alguna institución o sitio que nucleara a los vecinos: sociedad de fomento, parque, club de

fútbol, etc. Con lo cual el barrio pasó a ser los objetivos en común de un grupo determinado

de personas que estaban establecidas en un lugar físico. Una vez constituida la primera

ligazón y a la hora de precisar el origen, se crea la mitología que le dará sustento.Por eso

pertenecer a un barrio no siempre tiene que ver con un límite geográfico preciso, sino con la

filiación a alguna institución o simplemente con un sentimiento.Para constituirse entonces, el

barrio necesita generar un pasado mítico sobre el cual fundarse; el desarrollo de dicho mito es

lo que sigue funcionando hasta hoy para dar consistencia a esta pertenencia que cada porteño

desarrolla.Hasta 1968 no hay una división oficial de la Capital Federal en barrios, sí en

circunscripciones electorales que aún persisten. Recién en la Ordenanza N° 26.607 del

04/05/1972 se termina de fijar los límites geográficos de cada barrio.En la actualidad el

marco legal es la Ley orgánica de Comunas ( Nº 1777/05), que reorganiza a la Ciudad de

Buenos Aires en 15 distritos comunales de relativa autonomía.El principio de reordenamiento

se hizo por un lado con un criterio de proximidad y por otro con un concepto demográfico a

fin de dotar a cada comuna de una base poblacional numéricamente similar. En este contexto

cada zona propone aspectos a la vez distintivos y comunes al entramado propio de una gran

ciudad poblada de imágenes. En la presente investigación nos proponemos, organizar para su

estudio el conjunto de imágenes producidas por distintos artistas que residen en cada una de

las comunas.A tal fin, en esta primera etapa, se procesan los datos ingresados en el sitio y se

establecen geográficamente las locaciones de los artistas en la ciudad para luego investigar en

sus obras las influencias de la localía (el barrio, la comuna) y/o las marcas globales como un

todo que confluye en la producción de sentidos eco estéticos. Como apoyatura técnica se

utilizan los datos poblacionales obtenidos y publicados por la Dirección General de

Estadísticas y Censos, y el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. El cruce de esta

información con nuestros registros nos permite en esta etapa ir realizando comprobaciones

preliminares de hipótesis.

Monica Farkas La noción de visibilidad como categoría de aproximación al análisis de la construcción ficcional de relaciones con el barrio en el proryecto de registro de artistas www.registrodeartistas.com.ar En este trabajo se abordarán algunas de las modalidades a través de las cuales los dispositivos comprometidos en el proyecto Registro de Artistas construyen condiciones de visibilidad e invisibilidad. Con el objetivo de analizar los aspectos relacionales, estratégicos y procesuales que brinda la noción de visibilidad plantearemos por un lado, su articulación con las representaciones que los usuarios del registro construyen de su pertenencia a un determinado campo, en este caso el campo artístico y, por otro lado, problematizaremos el rol que juegan los dispositivos tecnológicos como agentes fundamentales de la producción de visibilidades. En parte mapa y en parte experimento sobre las posibilidades de generar indicadores que permitan visibilizar relaciones con el barrio, una cuestión fundamental será debatir la diversidad de roles que intenta desempeñar simultáneamente el modo de visualización de los datos elegido.

Claudia Pelera Problemáticas posibles acerca de la difusión virtual de la producción artistica de la CBA

La propuesta de la construcción de una base de datos de los artistas que viven en Buenos Aires se enmarca en el aprovechamiento de las nuevas tecnologías y algunas de las


posibilidades que le son intrínsecas: la interfase y la difusión global. La propuesta inicial, al problematizar temas como la función del museo de arte, los circuitos de consagración, las imposiciones y resistencias en relación con los centros de promoción cultural y producción teórica, ha llevado a la realización de la página web como un nuevo tipo de mediador cultural que permite, por ejemplo, que los artistas definan algunos de los contenidos y las imágenes a difundir, siendo una auto-representación con los límites del dispositivo. La difusión nos permite plantearnos si el perfil del destinatario es del consumidor virtual de la era global y en los posibles efectos de la recepción de imágenes e información –tanto de los artistas como de investigaciones futuras sobre sus obras- cuyo denominador común es haber sido producidas en una localidad que, a través de la web, se convierte en centro de difusión. Es un intento de invertir la relación centro-periferia en lo que tiene que ver con la circulación de información y producción teórica.

7 Cinema e formacao: estetica do singular e do universal Rosa Maria Fisher Bueno Fischer Este painel trata do uso do cinema na formação de crianças, jovens e educadores no Brasil, e se caracteriza como discussão teórica, com base em algumas propostas educacionais empíricas. Parte-se do pressuposto da importância da educação do olhar e da sensibilidade, na formação ético-estética, a qual inclui o domínio de técnicas audiovisuais, além do tratamento filosófico, sociológico e político das imagens. O cinema, nesse sentido, pode ser excelente fonte de formação, especialmente quanto à relação com várias formas de alteridade: a arte cinematográfica (a “outra”, em relação à educação escolar), o olhar do e para o “outro” oriental ou ocidental em filmes; a transformação de si, a partir de narrativas fílmicas que fogem aos padrões convencionais da grande indústria. Foucault, Benjamin e Badiou são algumas referências do painel, que será desenvolvido em três eixos: 1) Neste eixo, discutem-se as possibilidades de um trabalho em educação, a partir de narrativas fílmicas, com o objetivo de pensar com educadores em formação (estudantes de Pedagogia no sul do Brasil), formas de constituição de um estilo de vida, na perspectiva da ética foucaultiana; esse trabalho está relacionado à dinamização da capacidade de provocar, duvidar, dedicar-se a si mesmo com esforço e vigor, e a desaprender o que já não serve e municiar-se de discursos que incitam a agir eticamente e a transformar a si mesmo. Três filmes recentes são examinados: Pequena Miss Sunshine (Jonathan Dayton e Valerie Faris) e O Despertar de uma Paixão (John Curran) e Cidade de Deus – de Fernando Meirelles (Rosa Fischer, UFRGS). 2) Neste eixo, discute-se sobre materiais produzidos em contextos geográficos e culturais diferentes dos nossos, ocidentais, latino-americanos – mas que nos sensibilizam de modo singular. A partir de dois filmes (Onde Fica a Casa do Meu Amigo?, do iraniano Abbas Kiarostami) e Bom Dia, do japonês Yasujiro Ozu), descreve-se como certos materiais colocam em jogo a contigüidade entre uma universalidade ética e uma singularidade mobilizadora em favor de uma imagem nos convoca, numa linguagem cinematográfica que nos mobiliza, eticamente, a olhar o indiscernível (Fabiana Marcello - ULBRA). 3) Neste eixo, apresentam-se os fundamentos do projeto “Cinema para aprender e desaprender”, do Laboratório de Imaginário Social e Educação da UFRJ, o qual envolve atividades como o levantamento de filmes (preferencialmente brasileiros) que tratam da infância e adolescência; o projeto inclui a experiência com alunos do Colégio de Aplicação, como debatedores de filmes, e sua participação na condição de produtores de arte e cinema (Adriana Fresquet - UFRJ).

Fabiana de Amorim Marcello Crianza e imagen no jogo estetico do universal e do singular Como pensar acerca de materiais que falam de universos aparentemente tão diferentes dos nossos, ocidentais, latino-americanos? De que maneira certos filmes conseguem nos comover de forma tão contumaz, mesmo ao narrarem crianças a partir de pontos de vista que, seguramente, nunca nos serão absorvidos em sua totalidade? Como podemos considerar trivial o fato de que o conceito de criança oriental é radicalmente diferente do


nosso, na medida em que vemos, anos após ano, um conjunto de filmes japoneses, chineses, iranianos, nos sensibilizarem de maneira singular? Nos filmes aqui analisados – Onde Fica a Casa do Meu Amigo?, do iraniano Abbas Kiarostami e Bom Dia, do japonês Yasujiro Ozu – e baseada nas concepções clássicas do cinema de “pureza” e de “impureza” da imagem, busco discutir acerca de universalidades éticas e de singularidades

mobilizadoras que tangenciam a imagem cinematográfica. Penso que mais do que “puras” ou “impuras”, dotadas ou não de elementos que facilmente reconhecemos, passíveis ou não de serem “purificadas”, certas imagens cinematográficas, dada sua composição própria, podem ser analisadas a partir de uma perspectiva relativa a seu caráter histórico, geográfico e cultural. Ou seja, mais do que imagens “puras”, falamos aqui de imagens atravessadas por universalidades éticas e por singularidades mobilizadoras, na medida em que tratam de temas que reconhecemos facilmente não porque são caros a nós, presentes em nossas vidas, “banais”, mas porque tomados de um apelo ético a um olhar mobilizador; temas, portanto, que nos convocam em função de estarem atravessados de uma singularidade que se faz, ela também, ética, pela afirmação de uma estética cinematográfica

específica. Adriana Fresquet O cinema como possibilidade de “fazer arte” na escola

A expressão “fazer arte”, em Português, tem uma riqueza semântica que vai ao encontro do conceito da hipótese do cinema entendido como alteridade. Nada mais estrangeiro do que a arte no contexto escolar. Arte não obedece, não repete, não aceita sem questionar. Fazer arte é desconstruir, alterar a ordem estabelecida. Arte reclama, desconstrói, resiste com certa irreverência, desaprende. Tome-se o cuidado de entender arte e não ensino da arte. Conceber o cinema na escola como “um outro”, um estrangeiro, significa levar para dentro da escola algo que não é próprio do contexto escolar: a criação. Um tipo de avesso, de outra leitura do que se vem fazendo dentro da escola com as atividades ligadas às artes, em especial com o cinema. Assim, este trabalho pretende apresentar os fundamentos e algumas práticas do Projeto de Pesquisa e Extensão “CINEMA PARA APRENDER E DESAPRENDER”. O projeto, com sede no Laboratório de Imaginário Social e Educação (LISE) do Programa de Pós-Graduação em Educação da Faculdade de Educação da UFRJ, desenvolve-se em 3 modalidades: 1) Pesquisa de filmes (fundamentalmente do cinema brasileiro) que abordam a questão da infância e da adolescência, na Cinemateca do MAM-Rio; 2) pesquisa da experiência das crianças e adolescentes debatendo filmes sobre infância e adolescência com alunos do CAp/UFRJ; 3) pesquisa da experiência das crianças e adolescentes do CAP/UFRJ fazendo filmes, como atores e autores. Das diversas formas de produção audiovisual em contexto escolar, o cinema parece ser a arte mais ausente. Daí a proposta de aproximar o cinema da escola, já que o circuito comercial é menos acessível a esse público específico; também de favorecer condições para produzir espectadores críticos e criativos de filmes, a partir de visitas à cinemateca, criação de um acervo próprio, e da

experiência de produzir cinema como arte, no próprio contexto escolar. Rosa Maria Bueno Fischer Cinema e formacao etico-estetica O propósito deste trabalho é discutir o tema da formação ético-estética de jovens que se preparam para atuarem como educadores, tendo como ferramenta teórica principal os conceitos tratados por Michel Foucault no seu curso “A hermenêutica do sujeito”. Desenvolve-se o argumento de que a educação ética e estética, bem como a educação do olhar e da sensibilidade, podem constituir-se como parte fundamental da formação de jovens e de educadores. Assumo a posição de que a formação ética e estética poderia ser relacionada a um trabalho de imersão nas imagens audiovisuais, nos exercícios com os sons, movimentos, diálogos e cores das imagens do cinema, especialmente quando se trata de narrativas que fogem aos esquemas convencionais de apelo ao mero espetáculo. Com base em Michel Foucault e nos filósofos clássicos gregos e romanos por ele estudados, bem como nas obras de Alain Badiou a respeito do cinema, o trabalho discorre sobre a possibilidade do estabelecimento de relações entre filosofia e formação para a docência, trazendo para o debate três produções (duas do cinema norte-americano: Pequena Miss Sunshine – de Jonathan Dayton e Valerie Faris; e O Despertar de uma Paixão –de John Curran; e uma do cinema brasileiro: Cidade de Deus – de Fernando Meirelles). O conceito


de formação é relacionado a práticas de experimentação, de transformação de si e de indagação permanente sobre os modos pelos quais nos tornamos o que hoje somos, especialmente em sociedades como a brasileira. 8 Participatory Photography: theory, Best/Common Practices self representation, methodological issues of visual data collection, production and presentation Rochelle Woodley- Baker This session will provide a forum for an in-depth discussion and critical analysis of the burgeoning field of participant-produced photography, film and video programs. Since the early 1990s, there has been a virtual explosion in programs that teach underrepresented people around the world, particularly youth, to use cameras for self-representational purposes. The focus of the presentations will include background and history of the field, theories, methods, best/common practices, ethical concerns, program development, the use of participant-produced work for public awareness, education and community building, and its contributions to visual research. The aim of this session is to contribute to the understanding of this field, while detailing its value, limitations and current research needs. An emphasis will be on developing pedagogy for a participant-produced model that

is applicable to a variety of settings.

Analia Meo Taking photographs to make sense of the world? The advantages and limitations of the use of photographs in a qualitative study in the city of Bs. As. Photo-elicitation refers to the use of a single or sets of photographs as stimulus during a research interview. It aims to trigger responses and memories and unveil participants’ attitudes, views, beliefs, and meanings, or to investigate group dynamics. This technique has gained followers amongst sociologists and anthropologists and has been utilised across a range of academic sub-fields such as sociology of childhood, youth studies, and education. As part of a reflexive tide of analyses on visual methods in sociology, this paper critically unfolds the use of photo-elicitation interviews in one ethnographic study about social class inequalities and secondary schooling in two schools in the City of Buenos Aires (Argentina). It identifies some of its advantages and disadvantages as a means of producing qualitative data. To begin, I examine my research design, research questions, and methodological strategy in order to locate the inclusion of photo-elicitation interviewing. Secondly, I compare and contrast the structure and data produced by photo-elicitation interviews and by “traditional” interviews also carried out in the research. This exercise allows me to identify the benefits of photo-elicitation compared to traditional interviews, such as the opening up of unforeseen dimensions for analysis and the facilitation of a rapport with respondents; and some disadvantages, for example, the possibility of the “closing communication” effect between researcher and participant.

Audrey Ambrosino A Picture ADN a thousand words: using participatory photography to understand learning at the Smithsonian Folklife Festival This paper discusses ongoing research gathering visual and verbal narrative case studies of participants’ perceptions of their own intercultural learning through attendance at a folklife festival. Specifically, the ten participants in this study attended the Bhutan: Land of the

Thunder Dragon program at the Smithsonian Folklife Festival. Bhutan is a nation, unknown to many Americans, which views development and progress in ways quite different than those of the United States. Measuring "Gross National Happiness," the development agenda in Bhutan observes a deep respect for both natural and cultural resources. The festival program involves music, dance, craft and folkway demonstrations, food, narrative stages, and many opportunities to interact with tradition bearers, artists, and ordinary people from Bhutan. While visiting the festival program over several days, participants are asked to


take photos of things that interest, intrigue or inspire them. These photos are then used during in-depth interviews where participants are asked to tell the stories of their visit experiences and learning. The photos are used to assist with memory, inspire richer detail and facilitate insight. The use of participatory photography in this project serves, as Hurworth (2003, p.3) suggests, “to challenge participants, provide nuances, trigger memories, lead to new perspectives and explanations, and help to avoid researcher misinterpretations.” Hurworth further suggests that the advantages of using photography in research is that it provides a bridge between psychological and physical realities, promoting longer and more detailed interviews, and helping to build rapport and trust between researcher and researched (2003).

Jaime Joanou The good, the bad and the ugly: ethical concern in participatory photograph methods with children living and working on the streets of Lima, Perú. Visual methods are particularly well suited for getting at the ways in which children living and working on the street understand their socio-spatial environment (Young and Barret, 2001), though introducing the use of photography in research with children can create some real ethical concerns. In this study, children who live and work on the streets of Lima are asked to take photographs, documenting their lives and their socio-spatial environment. There are, however, ethical concerns related to asking participants to take pictures of the spaces that I, as researcher, cannot access. To some, methods such as these can be seen as a form of exploitation and they seriously call into question issues of authorship with methods such as photovoice (Ballerini, 1995). While this study employs traditional photovoice methods, allowing the children to take pictures of anything they deem appropriate, in the end leaving the decision up to the children and youth participants (Young and Barret, 2001), further ensuring that the voices and perspectives of the children are privileged in attempts to avoid an adult-centered perspective, it is still the researcher who chooses which images are viable for analysis, and which photographs may end up in published texts, including books or articles. Photovoice, however, can also provide a means of combating victim photography (Rosler, 1993), in which the victims of poverty also become the victims of the camera and the photographer, as it is, within the context of photovoice, the participants who choose who and what to include in their photographs and how the photographs are framed. This paper explores the various critiques of documentary photography, ethical concerns that arise when using photographic methods in research with children, and the ways in which the use of visual culture in educational research can add a sense of “communicability and empathy sorely needed in the production and distribution of scientific knowledge” (Fischman, 2001, p.31).

9 Interacción con la cultura material: entre lo intimo y lo colectivo Roberto Fernandez. Pablo Hermansen, Ecuador Canteros

Dada las características del actual proceso histórico, vemos la realidad social no como un

objeto estable, con cualidades fijas y descriptibles positivamente, sino como un flujo

continuo, un fenómeno en constante cambio. Y a la base de este vertiginoso y complejo

transcurrir, están las interacciones con que componemos nuestra realidad cotidiana, esas

innumerables modificaciones que van construyendo nuestro paisaje diario. Estas incluyen

situaciones tan diversas como el uso del mobiliario urbano, el transporte en vehículos

particulares o públicos, el rito de compras en un centro comercial o la apropiación de objetos

a través de la asignación de significados. Una vez apropiados simbólicamente, estos objetos,

que componen nuestra cultura material, se convierten en extensiones de nuestro organismo y

nuestra identidad.Quien interactúa lo hace desde la propia identidad y para modificar su

entorno, en un proceso de transformación constante y recíproca. Cada una de las

interacciones que perturba nuestra cultura material habitual es, al mismo tiempo, la

representación de un conflicto personal y de una disputa social: en la interacción de las


personas con la cultura material presenciamos la convergencia entre lo privado y lo público,

entre lo íntimo y lo colectivo.Todo lo anterior invita a revisar la perspectiva y los

instrumentos que tradicionalmente han usado los cientistas sociales para investigar e

interpretar el fenómeno social. Las tecnologías que municionan la recién mencionada

transformación social presentan, al mismo tiempo, nuevas oportunidades para investigar,

reflexionar y exponer los fenómenos sociales emergentes.Este panel, dirigido a indagaciones

empíricas de carácter visual que incorporen fuertemente el registro presencial de lo

investigado, reúne trabajos en los que se da cuenta de la interacción entre personas y su

cultura material. Esto implica tanto hacer uso de las imágenes como dato para el análisis y

comprensión del fenómeno de la interacción, como para indagar cómo las personas utilizan y

hacen propios los artefactos con que van configurando su entorno. Al asignarle un sentido

particular a la propia cultura material se impacta el paisaje social, vinculando activamente lo

íntimo y lo colectivo.

Alejandra Rasse, Rodrigo Salcedo, Marcos Chilet, Pablo Hermansen “¿Quién es el flaite? Re-construcción visual del concepto flaite y su uso por tres grupos socioeconómicos.

Las relaciones entre los habitantes de Santiago de Chile pueden ser descritas

como las de una sociedad altamente estratificada socio-económicamente, lo que

se ha traducido en escasa interacción directa y en representaciones

estereotipadas de los otros grupos sociales. Este histórico patrón cultural de

comportamiento, desde las últimas tres décadas, es impactado, entre otros

factores, por la introducción de golpe del modelo económico neoliberal –que

redefine los parámetros materiales y simbólicos de diferenciación- y la

globalización de los medios de comunicación e interacción –que hace

disponibles, para este diferenciación social, innumerables tendencias de

alcance mundial. Estas reformadas estructuras sociales visten con nuevas ropas las

distinciones con que cada uno de los grupos que componen dichos estratos construye su

propio carácter. Pero establecer el propio carácter impone, al mismo tiempo, la re-

caracterización de los otros, es decir de quienes se considera están más allá de los márgenes

del propio círculo de pertenencia. Estos otros, ya sea que se perciban como grupos más

favorecidos –y en ese sentido representen modelos a seguir- o que sean vistos como una

amenaza material o simbólica a la propia condición social –canalizando tanto el miedo a la

delincuencia como el temor a un pasado cercano de mayor vulnerabilidad-, siguen

plasmándose en estereotipos que prisman los fantasmas y pánicos sociales de los

santiaguinos.El presente trabajo se propone explicitar visualmente una de las más recientes y

polémicas tipificaciones, a saber, la de flaite. El flaite, cuyo retrato material y simbólico

depende de la posición del que describe, pertenece siempre a grupos más vulnerable que

siguen al propio inmediatamente en el orden social.Usando como datos de partida el material

que al respecto han publicado los medios de comunicación, una serie de entrevistas in situ y

fotografías en terreno, construiremos una serie de arquetipos visuales que serán confrontados,

en una experimentación de campo, con tres estratos sociales claramente diferenciados, con el

objetivo de que de cada uno de dichos grupos socioeconómicos evidencie su imagen del

flaite.Finalmente, la presentación del trabajo se hará a través de un documento audiovisual

que explicite la construcción de los arquetipos, el experimento de campo y las conclusiones

del equipo de investigación

Eduardo Canteros Lugares de disputa urbana. La exclusión

En Santiago de Chile, desde hace una década, y a nivel local, han comenzado a emerger una

serie de conflictos - entre vecinos organizados y, autoridades locales y centrales - en torno a


la planificación urbana. El eje del conflicto está puesto en el rol que le cabe a la sociedad

civil en el desarrollo urbano de su barrio.Organizaciones comunitarias plantean que sus

barrios son portadores de un patrimonio irremplazable para la ciudad, el cual se manifiesta en

aspectos materiales (trazado, edificaciones, plazas) así como en modos de vida urbano

(capital social comunitario), los cuales entran en diálogo forjando la cultura material del

barrio.Esta presentación irá – a través de fotografías - tras las huellas actuales de la cultura

material, visualizando cómo la dimensión comunitaria se materializa en el barrio.

Específicamente, cómo la identidad barrial y su principio de exclusión (nosotros/otros) se

manifiestan en la Plaza de uno de los barrios de más larga data de la ciudad de Santiago, el

barrio Yungay.Las imágenes fotográficas tendrán para esta presentación un doble carácter.

En primer lugar serán representación gráfica del discurso del habitante, y en segundo lugar,

datos cualitativos primarios. Ambos, representación y dato primario, entrarán en diálogo para

mostrar cómo la exclusión se manifiesta en el proyecto político de un barrio en disputa

Roberto Fernandez Droguenett Lugares y prácticas de la memoria en los movimientos sociales contrahegemónicos

La cultura material define de diversos modos la identidad colectiva de los grupos humanos.

Objetos, imágenes, lugares, son algunos de los referentes materiales a partir de los cuales las

personas construyen el sentido de si mismos. Algunos de estos referentes están orientados al

pasado, participando de la memoria colectiva que define a los grupos. Toda pertenencia

identitaria se funda en un cierto modo de configurar el pasado propio. En este sentido, los

movimientos sociales contemporáneos le han ido asignando cada mayor importancia al

pasado que los constituyen y en torno al cual se reconocen. Sin embargo, las memorias

colectivas de los movimientos sociales suelen ser memorias opuestas o enfrentadas a las

memorias oficiales ancladas en la definición y consolidación de una memoria nacional. Tal

como la memoria oficial / nacional suele inscribirse en el espacio público bajo la forma de

monumentos y de ceremonias oficiales, las memorias colectivas relacionadas con los

movimientos sociales se hacen presentes a través de lugares de memoria y conmemoraciones

contra-hegemónicas. En este trabajo se analizarán fotografías de lugares de memoria y

conmemoraciones contra-hegemónicas de movimientos sociales chilenos. La idea es poder

mostrar algunas dimensiones de la expresión de la cultura material relacionada con las

memorias colectivas de estos movimientos y su inscripción en el espacio público. El análisis

considerará la imagen fotográfica como un tipo de dato cualitativo que actúa como soporte de

una variedad de información que organiza de modo simultaneo aspectos relevantes del campo

en estudio. El foco del análisis está en identificar los aspectos más relevantes de la cultura

material en cuestión, de modo de dar cuenta de la articulación entre la dimensión personal y

colectiva de la memoria a través de sus lugares y prácticas conmemorativas

Vicente Sisto- Carla Fardella Objetos de la fluidez y espacios móviles: analizando redes de acción en la construcción del sujeto en tiempos de flexibilidad laboral.

El trabajo ha sido considerado como uno de los principales mecanismos de integración social a través del cual los sujetos logran una identidad (Offe, 1997), sin embargo los procesos de flexibilización laboral están desafiando esta función esencial asignada al trabajo por la sociedad moderna. Si bien se sigue confiando en él como si fuera central, “falla tanto en asignar un ‘sitio’ en la sociedad a un creciente número de personas, como en proporcionarles ingresos y protecciónadecuados” (Offe, 1997; p. 13). Efectivamente las formas de inclusión social y construcción de sí mediante el trabajo se están transformando radicalmente: nuevas subjetividades emergen, nuevas formas de articulación social se tejen. La investigación que aquí se presenta pretende contribuir a la comprensión de las complejas interacciones cotidianas entre sujetos, objetos, espacios y significados que sustentan las construcciones de identidad laboral que emergen.En el contexto de una


investigación a dos años plazos que ha incluido 32 profesionales adultos-jóvenes en condiciones de vinculación laboral flexible, se les ha solicitado fotografías de espacios y objetos que consideren fundamentales en su ser trabajador. Puestos de trabajo hechos móviles (automóviles, mochilas, hechas escritorio), artefactos de la fluidez (notebooks, teléfonos móviles), interactúan con los discursos de emprendimiento individualizado, autosuficiencia y ensalzamiento de la movilidad como nuevas formas de inclusión social. Considerando la idea de la Actor Network Theory que humanos y no humanos están activamente envueltos en la construcción del mundo social (Knorr-Cetina, 1997; Law, 2002; Latour, 2005), se profundiza en el complejo proceso a través del cual espacios y objetos se entrelazan con los significados, constituyéndose mutuamente, como partes activas de las redes a través de las cuales los sujetos se hacen a sí mismos en el contexto de la vinculación laboral flexible. Las fotografías realizadas por los propios sujetos se transforman en presentación de estas redes de interacción en las cuales se hacen a sí mismos cotidianamente.

Alvaro Sylleros, Alejandro Durán, Pablo Hermansen Juntos pero lejos: etnografía visual de la experiencia de estar en el estadio y pertenecer al colectivo CDUC

El fútbol es, en Chile, uno de los espectáculos de mayor convocatoria social y de los eventos más presentes periódicamente. El campeonato oficial es el contenido de innumerables conversaciones y objeto de difusión cotidiana de los medios de comunicación. Así, la preferencia por un equipo construye y proyecta la identidad personal y colectiva, jugando un rol estratégico en las esferas privada, laboral y social de los adeptos. De esta forma, cada equipo de fútbol no solo representa algo para quien lo sigue, sino que además entrega claves sobre el hincha, quien puede usar estratégicamente estas claves en las esferas antes mencionadas. La adhesión a un club de fútbol, lejos de ser un código unívoco, consensuado y con significado estable, tiene connotaciones contextuales y múltiples interpretaciones, creando redes entre públicos a veces antagónicos.Nuestro caso de estudio es el del Club Deportivo Universidad Católica (CDUC), percibido como el club de los estratos altos, católicos y universitarios. No obstante, es el tercero más popular del país y sus seguidores se encuentran en todos los grupos sociales. Ahora, cuando se le pregunta a hinchas, dirigentes o jugadores sobre su percepción del CDUC como colectivo, la respuesta será distinta en argumentos pero coincidente en su fondo: el CDUC no es siquiera la suma de sus partes y el otro no está solo en las barras del resto de los clubes sino que está, periódicamente, co-habitando el propio estadio y levantando al mismo equipo.¿Cómo se manifiesta esta hostilidad mutua cuando se encuentra el colectivo en el estadio? Nos proponemos contestar esta pregunta a través de una exploración de campo, cuyo foco esta en la manifestación espacial y material de la interacción simbólica entre estos grupos, a la vez antagónicos y complementarios. Usamos para esto el registro audiovisual como principal dato de investigación, incorporando metodologías cualitativas como el sombreo, la entrevista in situ y la etnografía visual.

10 Políticas y poéticas de la ocupación del espacio urbano Celia Maria Antoniacci Ramos Políticas e Poéticas da Ocupação do Espaço Urbano é um texto sobre as pesquisas e ações do grupo de pesquisa “Poéticas do Urbano”, da Universidade do Estado de Santa Catarina. Nosso objeto de investigação é a cidade - não como um grande objeto, mas como um modo de vida, de relações sociais, de exercício político e de sobrevivência diária. Interessa-nos a cidade-metrópole e suas transformações nos últimos anos. Priorizamos as novas cartografias e os espaços de globalização provenientes da chegada de novos sujeitos à cidade a partir das migrações dos anos 80. Percebemos especialmente a estrutura horizontal da sociedade, que compreende a massa populacional hoje em sua maioria itinerante, muitas vezes sem registro de trabalho, endereço fixo, inscrição política fixa e até mesmo registro de nascimento, apesar da sofisticação tecnológica da modernidade. Essa população aflora e se desloca na cidade e inscreve nela seus modos de viver e,


especialmente, de sobreviver. Criam habitações e estratégias de trabalho e lazer nas periferias ou nos vazios da cidade, nas fissuras do sistema. Criam formas aleatórias de habitar a cidade e propõem novas estéticas à cidade.

Celia Maria Antoniacci Ramos Universidade do Estado de Santa Catarina – UDESC

Políticas e poéticas da ocupacao do espaco urbano na globalizacao Políticas e Poéticas da Ocupação do Espaço Urbano é um texto sobre as pesquisas e ações do grupo de pesquisa “Poéticas do Urbano”, da Universidade do Estado de Santa Catarina. Nosso objeto de investigação é a cidade - não como um grande objeto, mas como um modo de vida, de relações sociais, de exercício político e de sobrevivência diária. Interessa-nos a cidade-metrópole e suas transformações nos últimos anos. Priorizamos as novas cartografias e os espaços de globalização provenientes da chegada de novos sujeitos à cidade a partir das migrações dos anos 80. Percebemos especialmente a estrutura horizontal da sociedade, que compreende a massa populacional hoje em sua maioria itinerante, muitas vezes sem registro de trabalho, endereço fixo, inscrição política fixa e até mesmo registro de nascimento, apesar da sofisticação tecnológica da modernidade. Essa população aflora e se desloca na cidade e inscreve nela seus modos de viver e, especialmente, de sobreviver. Criam habitações e estratégias de trabalho e lazer nas periferias ou nos vazios da cidade, nas fissuras do sistema. Criam formas aleatórias de habitar a cidade e propõem novas estéticas à cidade.

Susana Dias, Carolina Cantarino, Elenise de Andrade, Alik Wunder, Fernanda Pestana, Thiago Carvalho, Harley Toniette, Carolina Ramkrapes, Sheyla Macedo, Carlos Vogt Subvertir o dado: lances de imagens e biotecnologías nunca intervencao de rua.

Ciência, indústria, mercado e marketing. Patentes. Corrida tecnológica. Alimentos modificados, mapeamentos étnicos, vidas inventadas. Multiplicação de promessas: cura, garantia de laços familiares, fidelidade, normalidade. Bens de consumo. Utilidades práticas. Células-tronco, reprodução assistida, transgênicos, clonagem. Tecnologias que anunciam a captura do passado e futuro. Com o desejo de gerar novas sensibilidades sobre os deslocamentos que as biotecnologias produzem nas noções de humano, natureza, cultura e tempo, desenvolvemos um experimento teatral que aposta nos jogos (sem)sentidos das imagens, no inesperado das ruas, nas biotecnologias imersas na vida. Abordamos as relações entre imagens, ciências e comunicação de modo a pensar nas poéticas e políticas movimentadas pela intervenção urbana “Num dado momento: biotecnologias e culturas em jogo”, do projeto "Biotecnologias de Rua" financiado pelo CNPq. A peça reúne teatro de rua, música, jogo, literatura e poesia. Os personagens (um cientista-vidente e um dado-humano) contracenam em pequenos atos inspirados nas obras de Lewis Carroll, Luís Fernando Veríssimo e Dino Buzzati e interagem com o público e dados gigantes repletos de imagens-palavras. Imagens produzidas por artistas, para materiais didáticos/revistas, divulgação da própria indústria biotecnológica. Palavras - escolhidas a partir de pesquisas com poetas brasileiros contemporâneos - que não significam as imagens (que, como, e, entre, outro, querer, etc). Ao final de cada ato, o público jogou os dados e registrou os resultados em um grande painel-poema do futuro dos humanos "num dado momento". Desviando dos modos como imagens e biotecnologias têm sido intensamente exploradas pelas mídias (como ilustração, explicação, representação, centradas na lógica da comunicação-recognição das ciências), optamos compor com as imagens jogos de (não)sentidos. Subvertendo o dado das imagens (científicas e midiáticas), a autoridade de real-verdade, e explorando a possibilidade dos sentidos das biotecnologias não se darem nas imagens, mas com imagens, entre imagens, pelas infinitas e caóticas composições criadas a cada lance de dados.

Angelo Jose da Silva O corpo umano

O que seria da poesia sem o concreto. Das ruas de Curitiba A proposta de apresentação que aqui exponho é resultado de uma pesquisa que vem sendo desenvolvida nos últimos cinco


anos, no Departamento de Ciências Sociais da Universidade Federal do Paraná (UFPR), mais precisamente, no Grupo de Pesquisa Imagem e Conhecimento, do CNPq e no Centro de Estudos de Cultura e Imagem da América Latina, CECIAL (www.cecial.ufpr.br), ambos desse Departamento. Os aspectos relativos a esta apresentação podem ser relacionados ao traçado de um caminho metodológico para a análise do objeto da pesquisa e do registro imagético desse mesmo objeto. Além disso, avançarei algumas considerações a respeito de questões relativas à produção desses materiais (tanto o objeto quanto o seu registro).O trabalho em foco é sobre intervenções urbanas articulado à utilização dos registros fotográficos e de imagens em movimento, feitos por mim ou por outras pessoas, dessas mesmas intervenções. Chamamos de intervenção urbana aqueles desenhos, pinturas, colagens e outros meios que são inscritos em superfícies do espaço urbano de muitas cidades pelo mundo. Procuro dialogar com estas imagens para buscar um sentido, um caminho e, para tanto, utilizo-me de recursos metodológicos diversos, centrando-me mais sobre a leitura de imagens, o “fotografar para descobrir e o fotografar para contar”, além de algumas abordagens inspiradas pelas proposições da Internacional Situacionista, fundada na segunda metade do século passado. Além disso, trabalho com Walter Benjamin e o seu Livro das passagens, com Willi Bolle, em Fisiognomia da metrópole moderna: representação da História em Walter Benjamin e, por último, mas não menos importante, no que diz respeito à análise das imagens de registro, trabalho com Vilém Flusser no texto Filosofia da

caixa preta: ensaios par uma futura filosofia da fotografia.Meu objetivo, portanto, é o de apresentar uma parte dos registros visuais que possuo e expor os primeiros passos da construção de uma trama metodológica para sustentar a análise sobre esse objeto do espaço urbano

11 Cartographies 1 Caroline knwoles. Paul Halliday Goldsmiths College, London University, UK

Cartography has been prominently used in sociological thinking and writing over the last decade; much longer if we go back to the classics. Much of its use, however, is metaphorical; it is a term that is imaginatively applied to a range of social practices that do more (and sometimes less) than map. The intention behind this panel is to move beyond metaphorical uses of cartography and explore its investigative and analytic uses in understanding the social world. This panel addresses the conference themes of space and time as matrix of movement that can be traced and drawn: mapped. Cartographies are inevitably visual. They involve visual productions and representations of space that recall past movements, circulations and journeys. Because of this we simply use the term ‘cartographies’ and invite consideration by participants of the multiple forms of visuality, as well as aural and other sensory dimensions, involved in applications of this term.

David Baker, Daryl Thomas, William Watt Maps of the Mind This paper is concerned with converting Aboriginal oral traditions into visual cartographies. It shows how new approaches to recording oral information, guided by the Capability Approach, can aid the protection of Aboriginal heritage and enable negotiated development in South Australia. More visual, flexible and meaningful representation of valued information is important where images can be manipulated on maps for different purposes such as overlaying mining proposals, showing land tenure and native titled areas, showing cultural pathways, differentiating the significance of and representing responsibility for sites and stories, and to assist the documentation of stories in visual ways. Two pilot projects, in which Aboriginal people are co researchers, will be reported. These projects involve visual examination and manipulation of Aboriginal site records using ArcReader and GIS technologies through Power Point software: one to examine how sites can be recorded as ‘cultural pathways’ rather than dots on maps in a way that is more consistent with cultural meaning; and another project to monitor how the spatial representation of records, from a combination of the use of reports, photographs and Google Earth, can facilitate Aboriginal people’s understanding and verification of existing and new records. This form of


inquiry is also being used across South Australia to consult about heritage records. We will also report about the relevance of the Capability Approach.

Karen Gregory A myth is a public dream; a dream is a private myth 3 modes of theorizing the city A walk down many uptown, midtown, and downtown streets in New York City will bring one in contact with the neon glow of the storefront psychic's sign. How does the contemporary city dweller encounter these shops and their signs and how do these shops persist in the changing urban terrain? Taking these questions as its starting point, this visual presentation is part sociological exploration and part theoretical meditation on how we come to understand the role of chance, fortune, and risk in our daily environment. Using three modes of analysis—mapmaking with statistical software, walking the street with a notebook, and photographing the shops—I create original maps of the distribution of storefront psychics in the city. In addition, as these maps become walking guides to the city, I enter shops to receive various readings, the results of which are incorporated into the production of a new, slightly more mythological and sociological map.

Paul Guzzardo A walk on the digital sublime A Walk on the Digital Sublime expands an article I co-wrote with Michael Spens and Lorens Holm: ’Is There A Digital Future Landscape Terrain’. This proposed landscape terrains that establish ‘agora’-like meeting places as a basis for electronic exchange and progression. We suggested making “…the networks readable so that we can insert our stories into them, and so make them landscape stories. Let the landscape speak, let the landscape become the screen and platform for our stories.” This article evolved out of my praxis as a designer and as a lawyer. Over the last ten years I have engaged in a series of design/build projects involving “remix stages” and “narrative building”. I am interested in how we build platforms for the new “Singer of Tales”. I have repeatedly considered how mixing digital archives with contemporary urban experiences - riffs on the city - can create new urban narratives. ‘A Walk on the Digital Sublime’ will examine current projects and address the creative and legal practicalities of assembling - in public spaces - cartographic stations to map and re-mythologize terrain. The presentation will be accompanied by multimedia.

Jorge Gorostiaga, Cesar Tello y Eduardo Martiné Cartografías del discurso educativo en America Latina La cartografía social es un enfoque metodológico basado en el análisis textual y que busca la representación de fenómenos sociales a través de mapas que reinscriben y estructuran una multiplicidad de perspectivas o formas de ver estos fenómenos. Su mayor desarrollo se ha dado dentro del campo de la educación comparada. En esta ponencia se discuten tres ejemplos de su aplicación al análisis de discursos educativos en América Latina, y se argumenta a favor del valor heurístico y de creación de conocimiento de estos mapas fenomenográficos en un contexto de creciente diversidad de visiones sobre aspectos teóricos, de política y de la práctica en la educación y otras áreas sociales

12 Imagineries and the spatial/temporal spheres of memory Coord: Gonzalo Araoz

Imagery, broadly understood as “the corpus of images – concrete and allusive, stable and

changing, patterned and chaotic, mimetic and inventive – developed by individuals from

many sources in the course of their interaction” (Whitten and Whitten, 1993: 7), constitutes

an appropriate conceptual tool for the study of the multiple relations between images, time

and space. Spatial and temporal spheres make up the contexts in which imageries are formed


and transformed, while they are also incorporated in the processes through which images are

created. We propose to invite colleagues to present papers on the role of images in the

production and reproduction of individual and collective memory, with a particular focus on

spatial and temporal spheres. While vision and images are certainly important in the creation

of memories, it is also necessary to consider the mnemonic roles of other senses (audition,

smell, touch, taste) in time and space. Presenters may also wish to explore the ways in which

different senses overlap, since images can also be created and perceived through the other

senses as certain smells, for example, may bring upon concrete images, words and sounds of

the past. This is particularly relevant regarding memory, since all our senses may be used to

recollect memorable events. Memories are usually linked to specific spatial and temporal

contexts, and this reveals the importance of exploring such interactions. Moreover, images

can embody history, as they may incorporate distinctive features of the historical contexts

(i.e. spatial and temporal) in which they are observed. Colleagues from different disciplinary

and cultural backgrounds are invited to submit abstracts of papers, posters or videos based on

empirical or theoretical research (completed work or work in progress) on topics related to

the following: -The role of memory in the production of images, and the place of images in

individual and collective memory.- Spatial and/or temporal spheres of memory as perceived

through the different senses, including kinesthesia.- Images/dreams/memories.- Spatial and

temporal features of the production, dissemination, perception and interpretation of

imageries.- Further discussions on time, space images and memory.

Gonzalo Araoz Time space and memory in the imageries of the Oruro Carnival

Three myths are often identified with the origins of the Carnival of Oruro, although it is not

possible to attain any certainty about a particular origin of this festival, which is characterised

by its constant transformation and the increasing heterogeneity of its cultural ingredients. The

images incorporated in the celebration of carnival illustrate the historical complexity and

cultural dynamism of the festivity, shedding light on the particular context in which they are

enacted. Imagery, understood as “the corpus of images – concrete and allusive, stable and

changing, patterned and chaotic, mimetic and inventive – developed by individuals from

many sources in the course of their interaction” (Whitten and Whitten, 1993: 7), constitutes

an appropriate conceptual tool for the study of such an intricate phenomenon. Some concrete

images exhibited in the Carnival Parade are linked to other allusive images that have been

transformed through the development of the festivity. The figure of the Devil as currently

depicted in Oruro is, for example, inherent to a process of demonisation of a local pre-

colonial deity. The image of the Virgin may on the other hand be understood as part of the

inverse process: the “taming” of a local diva through her transformation and incorporation

into a Christian imagery. Indigenous deities are thus re-interpreted through the Catholic

doctrine, with the imposition of a fixed dichotomy between good and evil. My research

focused upon the (trans)formation of carnivalesque imageries through both, representation

(historical and mythological narratives, choreography, costume and mask design) and the

(re)creation of a popular grotesque body. The symbolic oppositions observed in the Oruro

Carnival Parade are linked to the transfigured images, which are analysed in relation to

changes in the socio-cultural composition of the participants.

Alexis Lycas Imagineries and the spatial temporal spheres of memory

The temporal framework of this presentation corresponds to the Chinese Middle Ages, that is

to say to the period starting from the end of the Han dynasty to the beginning of the Tang.

Keeping in mind the double thinking of the relationship between memory and historic-

graphical processes on the one hand (following the direct line drawn by exegesis since the


Han), and time and space on the other hand (while thinking about the pre-scientific

limitations that existed in classical China between history and geography), we would like to

define how memory – or, more accurately, the use of memory – recombines time and space in

classical China, whether it be scientific or literati, through a few significant textual examples

– the images.The corpus consists in different texts written by authors on a single place,

Mount Lu, in the centre of China, by the Changjiang. It is a rather important mountain in the

history of China, because it was at the same time a centre for the development of Buddhism

in the beginning of the Six Dynasties period (through the Pure Land movement), a

disengagement place for literati and a natural site praised for its beauties by intellectuals. We

aim at taking some paradigmatic texts that embody the written production of that era: a poem,

an ethnographic relation, and a historical-geographical text. We would also like to analyze

them through the readings and thoughts of historians (such as Pierre Nora) and philosophers

(Paul Ricoeur), who wrote extensively on the concept of memory. The goal is to define how

those literary images redefine the relationship between time and space in classical

China.Eventually we will try to launch some ideas concerning the aporetic scope of the

confrontation between the image and the scriptural representation of it, hence of the status of

history: if an author recalls an event he himself experienced, he will treat it on a narrative

mode, i.e. belonging to literature; on the other hand, in the case of an ancient historical event

he can’t have witnessed, his analysis of it will be scientific, paradoxically.

Jorge Pavez Painting of Black History: the afrocuban codex of 3A Aponte –havana 1812- 1812 José Antonio Aponte, a free black artisan, was condemned to death accused of conspiracy against the colonial regime in the island of Cuba. The main evidence against him was a book of paintings that was found in the house of the accused. Although the book has disappeared, the legal files provide a detailed description of the oeuvre, in the words of Aponte himself. Our analysis will focus on 3 aspects: 1. Its production as pictographic writing, based on a work of transliteration of historical, mythological and religious texts -which were found in European books published in the 16th and 19th centuries- to a pictorial language and narrative; 2. The critical dialogue that the author establishes with the European authors (natural scientists, such as Antonio Parra, grammaticians, such as Antonio Nebrija, historians such as those from the Church), which questions the political and epistemological framework that sustains colonial classification based on a political theology that proposes a universalistic projection of black history, suggesting an allegorical regained possession of African sovereigns, history of Christianity and cosmopolitan historicity of ‘black class’ as a universal class; 3. The socio-political use that was given to Aponte's work as a political and historical pedagogy tool for the black movement in Havana’s early 19th Century, within a context of emancipating national and anti-slavery movements.

Flavio Wittin, Vicent O`Brien Visualizing social change: digitizing and exhibiting everyday life online

Visual images are a key component of public memories. Images in books, newspapers and

magazines illustrate, reinforce and elaborate on messages contained in the text. The

development of photography, film and later on, video, provided opportunities to combine

text, images and sound to create and disseminate powerful narratives, metaphors and

representations of the human experience. New histories have emerged based blurring tangible

historical records with fictional interpretations designed to entertain, sensationalise and, at

times, to reconstruct and manipulate the public memory. Hollywood constructed the cowboy

myth of the wild west as entertainment and political metaphor while TV news coverage of

global events such as the moon landing, the assassination of John F Kennedy, famine in

Ethiopia and the attack on the World Trade Centre are at the centre of public and personal


memory. Where were you and what were you doing when …..? Visual representation of

society has, in the past, required individuals to possess special talents; to have access

expensive resources and the means to distribute their messages. In the last few years the

development of new digital technologies, such as digital photography, video, You Tube and

online social networking, have wrested the means of production and dissemination from the

grip of the privileged and the wealthy opening up the possibility for a new, more contestable

public memory. In this presentation we explain how we are making use of online social

networking and You Tube to support and extend our participatory video and photography

projects with residents of the Rocinha favela in Rio de Janeiro in an explicit attempt to

encourage community debate about social values, conditions and experiences.

13 Espacio, Tiempo e imagen a través del prisma del arte Maria Cecilia Novello Si a lo largo de la historia de la humanidad contamos con múltiples teorías, prácticas, disciplinas, técnicas, oficios, discursos e ideologías acerca del arte, es porque indudablemente en el fenómeno artístico se encarna un potencial muy poderoso de la especie humana: la expresión. Desde la prehistoria hasta la contemporaneidad, nuestro mundo está marcado con la cuña indeleble de innumerables expresiones artísticas que fueron construyendo y deconstruyendo muchos de los sentidos con los cuales hoy convivimos en nuestro habitar cotidiano. Estamos hablando de expresiones humanas y sociales, de registro de vivencias que toman la forma de la sensibilidad de época. En todas las expresiones artísticas, podemos leer perfectamente las huellas de comportamientos ricos para el análisis sociocultural... porque hay provocación, mensajes, o silencios que comunican. El hombre nunca ha cesado de expresarse, esa es una constante que siempre sigue activa, lo que sí ha ido variando con el tiempo son las disímiles maneras de su manifestación, transformaciones que emergen al compás de los cambios que se dan en el plano humano, social, cultural y político. Espacio, tiempo e imagen son tres dimensiones básicas y necesarias del idioma del arte, no es posible pensar en una expresión artística desgarrada de un espacio de desplazamiento y situación; de un tiempo de duración y acontecimiento; ni de una imagen de representación, evocación y cristalización. Aún en el plano de la verdad, la ficción o la realidad. Algo expresado, acontece en algún punto del tiempo, en algún lugar y con alguna encarnadura...cuándo, dónde y cómo son las preguntas que en la contemporaneidad se vuelven problemáticas, porque una producción artística que circula globalmente, en espacios físicos, virtuales, institucionales, de exhibición... no depende ya sólo del autor-artista (figura que desde la modernidad está bastante diluida) sino que se articula fundamentalmente con el espectador-coproductor que lo recibe, lo interpreta, lo resignifica y muchas veces lo completa. El arte ya desde sus inicios es afección entre el que expresa y recibe esa expresión. La pintura, la arquitectura, el relato, la fotografía, las producciones audiovisuales, las intervenciones urbanas...están intrincados necesariamente en esta mixtura de espacio, tiempo e imagen, porque en definitiva son esencialmente materia de comunicación. La pregunta por la comunicación (¿qué entendemos por comunicación?) está íntimamente emparentada con la pregunta por la imagen plástica, y con la pregunta por el espacio y el tiempo. ¿Qué comunican las atmósferas espaciales? ¿Cómo percibir movimiento y ritmo en las imágenes plásticas bidimensionales de la pintura? Espacio, tiempo e imagen van amalgamados, sobre todo porque son dimensiones reacias a una definición acabada, para los cuales es muy difícil encontrar gramática certera,

verdades, leyes... porque tal vez haya una esencia imposibilitada de registro sobre la cual vale la pena reflexionar. Con el desarrollo de las nuevas tecnologías multimedia todo parece posible de registro tras el lente de la cámara, y alcanza con que exista una “memoria” dispuesta a que el recuerdo se digitalice. Sin embargo, contar con todo tipo de imágenes no hace más que presentar aun de manera más manifiesta la imposibilidad de reconstruir el pasado en su totalidad. Hay artistas que en las últimas décadas del siglo XX han producido obras en Latinoamérica que recorren diferentes facetas sobre la problemática migratoria y sus connotaciones culturales, políticas e históricas; estas propuestas, susceptibles de ser leídas como metáforas de itinerarios diversos -íntimos, forzados o espontáneos- en el contexto de la globalización, honran su dimensión trópica al


poder hacer convivir aquel proyecto cultural homogeneizante con la localización, el borde y la resistencia, promoviendo flujos sociales incesantes que disgregan la tradicional noción de frontera. El arte de las intervenciones urbanas exige la apoyatura insoslayable de una narración, de un cuento que les dé sustento y les haga recobrar vida una vez que ésta les ha sido inexorablemente arrebatada, mientras que al interior del relato se instituye una espacialidad y una temporalidad sin la cual una intervención urbana no encuentra fundamento. El carácter no objetual del arte sólo es posible en tanto éste asegura su legado y permanencia a través de las imágenes. Hoy más que nunca, el arte circula principalmente como imagen mediática. El carácter efímero y no perdurable de estas expresiones artísticas encuentra su contraparte en el registro técnico visual a través de cámaras fotográficas o filmadoras. ¿Qué decir de la “reposición verbal” de los hechos artísticos urbanos?, ¿Qué nos relatan este tipo de expresiones artísticas? ¿De qué manera se narra el presente en/con estos proyectos artísticos? ¿Cómo pensar el espíritu cuestionador de estos hechos artísticos muy cercanos a una práctica política? En este panel tomaremos algunas de estas expresiones artísticas para pensar esa relación entre espacio, tiempo e imagen, alrededor de ciertas problemáticas que se abordarán desde diferentes perspectivas que van desde lo ontológico, lo psicológico, lo social y cultural. Intervenciones urbanas, imágenes plásticas, espacios arquitectónicos, fotografías y museos son los hechos artísticos que trataremos en este panel, reflexionaremos en torno a los tópicos de la comunicación, la expresión, el registro, el relato, la relación productor-receptor, la circulación de imágenes migrantes en un mundo global, cartografías visuales, espacios movedizos para las imágenes, la sensibilidad, lo privado, lo íntimo, lo urbano, lo público, el recuerdo, la memoria, el olvido, lo irrepresentable.

Maria Elena Lucero Metáforas itinerantes en la producción visual contemporánea

En las últimas décadas del siglo XX una serie de artistas que producen obra en Latinoamérica

recorren diferentes facetas sobre la problemática migratoria y sus connotaciones culturales,

políticas e históricas. Sus propuestas son leídas como metáforas de itinerarios diversos -

íntimos, forzados o espontáneos- en el contexto de la globalización, proyecto cultural

homogeneizante que convive a su vez con la localización, el borde y la resistencia,

promoviendo flujos sociales incesantes que disgregan la tradicional noción de frontera.En el

caso de Meyer Vaisman (Venezuela, 1960) los procesos de diáspora involucran

transformaciones no sólo en el sujeto desterritorializado sino en un nuevo ámbito, donde el

mecanismo suscitado por los exilios puede ser sobrellevado a partir de readaptaciones

continuas.Marc Latamie (Martinica, 1952) se inserta en el discurso de la descolonialidad al

utilizar en sus obras productos de la explotación colonial que sustentaron el crecimiento

económico del poder hegemónico a costa de la migración forzosa y esclavista. Circulación e

intercambio de elementos en un panorama humano de mestizajes y sincretismos que anticipa

el horizonte global.Francis Alÿs (Bélgica, 1959) es un artista belga que se instala en México:

desde ese particular espacio geográfico produce trabajos de carácter efímero donde no sólo el

cuerpo aparece como soporte de las acciones, sino que inducen a continuos desplazamientos

y cartografías; para Allÿs el acto de ‘caminar’ se torna un medio itinerante que incorpora

paralelamente objetos de modo accidental, interviniendo también el mismo territorio.

Travesías donde el azar y la contingencia integran el paisaje casual y efímero.Finalmente,

Eugenio Dittborn (Chile, 1943) idea y construye imágenes que por sí solas forjaron su

capacidad migratoria frente a la Dictadura militar, obras aeropostales que irónicamente,

eludieron la censura perpetuando el libre pensamiento. Sus referencias a la identidad aborigen

tanto en fotografías como en los gráficos se plasmaron en enormes paneles de entretelas

sintéticas, cruzando de Santiago de Chile a Londres, de ahí a Birmingham: soportes livianos y

frágiles que logran evadirse y volverse a construir.

Maria Cecilia Novello La comunicación del espacio y el espacio de la comunicación


Cada vez más se advierte una concepción representacional de los lugares que habitamos; por

ejemplo, hablamos de la casa y pensamos en metros cuadrados, en números, en nombres de

calle, en parcelas, en cantidad de ambientes, en precio, en taxonomías…olvidando, o

encubriendo, todas las demás instancias que entran en el acto de conocerla. No proponemos

aquí descartar a la razón como potencia de conocimiento, el hombre piensa. Pero creemos

que el hombre no existe (o habita) sólo porque piensa o negocia, y aquí se aloja nuestro

desafío: explorar la potencia de las sensaciones, las intuiciones, la imaginación como fuerzas

que nos permiten enriquecer nuestra percepción del entorno.En todo espacio que habitamos,

ya sea privado o público, hay una atmósfera que se está comunicando incesantemente, una

vibración vital que es condición de posibilidad de la comunicación. Existe una energía que

atraviesa el espacio, fuerzas de atracciones y repulsiones que nos sitúan en lugares

particulares, en imágenes y ánimos. ¿Cómo concebir esa comunicación atmosférica?La

búsqueda de esa respuesta nos conduce a tres ejes de abordaje: los atributos del que percibe

ese entorno, las marcas físicas del espacio, y el lenguaje que hace posible la comunicación

entre ellos.¿Cómo es ese receptor? ¿Qué nos dicen los espacios? ¿Qué lenguaje puede

aproximarnos a aquella comunicación que escapa al sistema estrictamente lógico del sentido?

En este intento por rozar algo de la comunicación espacial, reivindicamos a la subjetividad

del artista, no como un experto en manejo de técnicas, sino como ese receptor activo,

comprometido y sensible para con su entorno, que puede atravesar lo legible, encontrar

verdad en lo metafórico, escuchar melodías, sentir el frío o calor de los colores, perderse en

los recorridos de las perspectivas, advertir las vibraciones en los objetos que parecen no

moverse, y por supuesto quien puede transformar la materia según sus afecciones.¿Qué

idioma entonces sería el más apropiado para arribar a aquella liga entre artista y

entorno?Proponemos situarnos en el lenguaje de la expresión para pensar en la comunicación

de los espacios, rescatar la perspectiva poética que se encarna en la jerga del lenguaje

pictórico y arquitectónico; indagar cómo, tanto la imagen plástica como el espacio habitado

están hablando también de una comunicación preconcepctual que escapa al lenguaje

articulado. Muchas obras de arte lo atestiguan.Intentamos rescatar a ese costado de la

comunicación humana que excede a la mera transmisión de un mensaje o información,

aquella que emerge en los vacíos, en el silencio, en la pérdida, en la comunidad, la

ilegibilidad, el sin sentido, en los espacios, en el arte, y por qué no en el misterio.

Angélica Enz Intervenciones urbanas: relato, imágenes y política en el marco de la ciudad

Tiempo y espacio se juegan en cualquier práctica de intervención urbana como rasgos

decisivos de su definición y la dotan de una dimensión política más o menos asumida. Porque

se trata de producciones artísticas complejas que se definen por su necesario emplazamiento

en los pliegues de la urbe, lejos de los espacios institucionales y convencionalmente

aceptados para la producción-exhibición artística. Pero a la vez, por su inevitable

transitoriedad, espontaneidad y condena a la fugacidad, que las vuelve apropiables por

múltiples discursos y órdenes representacionales incluso a veces contradictorios.Son las

mismas categorías de tiempo y espacio las que estrechan la relación entre las intervenciones

urbanas y el relato, vínculo que pareciera intrínseco a su existencia. Al interior del relato se

instituye una espacialidad y una temporalidad sin la cual la acción no encuentra fundamento.

La condición no objetual de una intervención no impide asociarla a un conglomerado de

imágenes (no sólo visuales), o bien aquél que toma forma en contacto directo con la obra, o

también el que emerge del relato de lo acontecido. Tras las huellas del conceptualismo, el arte

de las intervenciones urbanas exige la apoyatura insoslayable de una narración, de un cuento

que les dé sustento y les haga recobrar vida una vez que ésta les ha sido inexorablemente

arrebatada. Es un cronista periodístico, o un testigo casual, o bien un espectador entrenado y

con su agenda artística al día, incluso el propio artista. Alguien indefectiblemente evoca la


configuración compleja de imágenes que confluyeron en el hecho artístico y es este

conocimiento, reposición detallada del hecho, la condición última de existencia de la obra, de

su recepción o tal vez, un último chispazo de perdurabilidad antes de desvanecerse

completamente. Esa reposición verbal constituye un uso que vale la pena explorar. ¿Qué nos

relatan este tipo de expresiones artísticas? ¿De qué manera se narra el presente en/con estos

proyectos artísticos? En la multiplicidad de relatos/usos de esas producciones artísticas reside

su potencial comunicacional ¿y político?La mayoría de ellas arriesgan una jugada política, la

posibilidad de cuestionar, resquebrajar el orden representacional dominante ¿Logran estas

obras hacer mella en el andamiaje representacional hegemónico? ¿Producen desviaciones de

sentido que no se reduzcan al simple gesto/ juego con la alteración de un código (sea este de

circulación urbana, de percepción, de uso de un espacio)? ¿Por qué pareciera que la ciudad es

el único escenario posible para un arte de espíritu “contrahegemónico”?

Vanina Agostini Fotografías entre la creación documental y el registro artístico

El “disparo” fotográfico -como su “toma” consiguiente- asaltan al presente para apresar un

instante ad eternum. Pero esta “captura” es siempre un resto, y en tanto tal, jamás puede ser la

simple transparencia de lo sucedido. Con el desarrollo de las nuevas tecnologías multimedia

todo parece posible de registro tras el lente de la cámara y alcanza con que exista una

“memoria” dispuesta a que el recuerdo se digitalice. Sin embargo, contar con todo tipo de

imágenes no hace más que presentar aun más manifiesta la imposibilidad de reconstruir las

situaciones en su totalidad.Registramos a través de las fotografías de la misma manera que la

radiografía graba el rastro de los cuerpo en las placas. Ni verdad absoluta, ni mero simulacro,

las imágenes se exhiben en los museos y galerías como presencias materiales de los hechos,

aun cuando “el acontecimiento actual de entonces, si alguna vez lo fue, está destinado a

olvidarse entre sus restos inertes”. (Lyotard, 1996:117-118). Sin embargo presentimos que,

aun entre vestigios, es necesario rememorar. Pero ¿Que dice esa imagen sobre aquel pasado

que se perdió irremisiblemente? ¿De que manera un objeto sobre la pared es susceptible de

despertar memoria? (Deotte). Al cuestionarnos a través de que imágenes rememorar lo

acontecido como experiencia viva, la dicotomía que opone ficción a realidad (arte a

documento) comienza a ser puesta en jaque. Aparece así, frente al registro documental, el

registro en el plano de lo artístico. Apartada por años apartada tras el lente-objetivo de la

cámara, comienza a resurgir la mirada del artista, quien plasma sucesivamente en la imagen

su visión del mundo. Lo hace en la disposición previa a la toma pero también en la pos-

producción que implica en muchos casos su armado digital. Se torna, de esta manera,

compositor de una escena, narrador de una época, exhibiendo su singular perspectiva de lo

acontecido muchas veces imposible de captar a través de la imagen “instantánea”.

Entendemos aquí que, como en la traducción, en la fotografía, ninguna representación es

completamente viable si su aspiración suprema es la reproducción del original. Y es en este

sentido que comprendemos que, en tanto el traducir es “un compromiso siempre posible,

aunque siempre imperfecto entre dos idiomas” (Derrida), el rememorar a través de la

imágenes es un compromiso siempre posible aunque siempre imperfecto entre dos tiempos.

Martha Flores Un viaje por la ciudad del cuerpo La ciudad soy yo, la ciudad es mi cuerpo, asumiendo una nueva toma de conciencia sobre la percepción corporal y su manifestación en una imagen. El viaje por la ciudad del cuerpo tiene que ver con la memoria, con los recuerdos y las sensaciones; tiene que ver con el desplazamiento, con el movimiento interno y externo del cuerpo hacia lo interior y exterior, el centro y la periferia; tiene que ver con la migración, los permisos, los límites, las consecuencias del desplazamiento voluntario o involuntario, conciente o inconsciente.


El viaje por la ciudad del cuerpo tiene que ver con la toma de conciencia del autoconocimiento. Esquema de trabajo: 1. ¿Qué es el cuerpo? La sensación de integración del cuerpo con el sujeto (sentido de la propiocepción) 2. ¿Qué es la ciudad? El imaginario de la modernidad La idea de progreso (el avance o retroceso) 3. La ciudad del cuerpo El estado del arte, el aquí y ahora de la figura la ciudad del cuerpo 4. El viaje por la ciudad del cuerpo (análisis conceptual y formal de los resultados gráficos) El desplazamiento (el recorrido, la traza, el avance o retroceso, el adentro y afuera) La migración (los límites, las fronteras, el cruzar el umbral, los riesgos). 5. La materialización La imagen (el concepto de la materialización de la imagen desde la dialéctica de la detención, figura del caos) El desarrollo Los resultados La ciudad es un elemento vivo , un continuo de movimiento y efervescencia. Tal como el cuerpo, dividido, fragmentado entre el pensamiento y la carne. Unidad que se percibe de distintas formas y distintos niveles, conscientes e inconscientes, reales e imaginarios. En este trabajo pretendo jugar con la figura de la ciudad del cuerpo para relacionarla con mi trabajo gráfico.

14 Practices in cyberspace, visual and hypermedia mythologies Jacques Ibañez Bueno Ghislaime Chabert The purpose of the panel is to debate hypermedia anthropology. Hypermedia anthropology is now recognized in the visual community. It’s the case for example in the website directed by Sarah Pink: http://www.lboro.ac.uk/departments/ss/visualising_ethnography/ Visual sociologists considere it as a new possibility to present ethnographic works. But is it only a new type of “form”? How characterize hypermedia anthropology? What is the situation of practices in cyberspace? A few visual sociologists accept own images of the cyberspace users. All images are not produced by the researchers (personal webcam). Could we accept a work in visual sociology without real face to face between people and visual sociologists? What is the status of these images?

Jose da Silvia Ribeiro, Sergio Bairon, Isabel meister Do spaco/tempo de memoria ao espaco/tempo de projecto A partir da experiência da investigação de trabalho de campo realizado ma cidade de Jequitiba, Estado de Minas Gerais, Brasil enoutros países de América Latina da representação audiovisual e hiermedia da cultura local sobre o ritual de coroação de reis Congo e da interculturalidade afro-atlântica pretendemos propor, desenvolver e reflectir sobre a hipótese de construção de modelos de representação de dinâmicas sociais e culturais de construção da identidade de resistência baseada na memória, na preservação, na comemoração, história local, comunidade local e da identidade de projecto de base hiperrealista baseada na antecipação, simulação, interacção, comunidade virtual, comunidade local aberta aos processo de inovação numa sociedade do conhecimento. Neste processo reflectiremos sobre o papel do documentário e das bases de dados visuais e sonoros na organização da memória local, e contributos deste para processos desenvolvimento de estudos sobre a cultura local e da auto estima das populações locais e das representações hipermediáticas e práticas visuais (reticularidade cultural) nos processos de procura de novas identidades e oportunidades, inclusão social e desenvolvimento do que poderíamos chamar identidade de projecto. Pretendemos ainda inserir esta reflexão no contexto de possíveis fases de desenvolvimento da antropologia ou sociologia visual.


Luis Salinas Using cyberspace as a pedagogical resource to reinforce sociological conceptions Recent developments in Cyberspace have made available a plethora of resources for the teaching of the Social Sciences and Sociology in particular. Classroom research reveals that the effectiveness of these tools has been found to be substantial. Students in classes with the visual reinforcement were able to do better on subsequent testing than those classes without it. The presentation will review samples of these visual reinforcements from cyberspace.

Ghislaine Chabert Jacques Ibañez- Bueno Hypermedia anthropology and professional bodily communication

It is relatively not frequent to see images of cyberspaces working relations and communications in visual sociology. Our aims in this panel are first to make visible practices of video-meetings in professional area, to highlight in the same time the bodily characteristics of such interactions and finally to discuss the interest of hypermedia anthropology to analyse these situations. We would specially show how these questions have been treated in 2 different practical contexts:

- -in the case of a visual anthropologic research done on uses of 2 participants of a web-meeting (with skype software and webcams) in an industrial French company;

- -in the case of another anthropologic work done on classical video-conference practices (in show room) of another industrial French company with 6 participants;

We will try to compare the results obtained in these 2 situations in order to start to identify general embodied practices in virtual realm. The resulting hypermedia will show both images of the uses of the research object and the stages of research. It can be see at this internet address: http://gsicaresearch.ning.com/. We consider this anthropologic hypermedia as a means of “image” restitution in research about images. We will take some time to explain its interests and to explore it during the oral presentation.

15 A space, a place, a time: school Coord: Eric Margolis Educational research is increasingly interested in the “visual turn.” This panel includes videos, and PowerPoint presentations examining images of the places called schools. Schools students and teachers have been photographed since the invention of photography. Historic archives are sources of millions of images of schools. School spaces are private and public; attendance may be required or voluntary; some places are seen as safe and welcoming, others as scary and dangerous. How do school spaces appear from the standpoint of students, teachers, administrators, parents or researchers? How do schools appear in our imaginations? Does our imagined “school” change with time and distance? How can drawings and photographs of schools inform sociological analysis?

Joseph Tobin The use of video in a diachronic ethnographic study of preschool

In 1989 my colleagues and I published the book and released the accompanying videotape,

Preschool in Three Cultures: Japan, China, and the United States. In this study, we used

videotapes we shot of typical days in preschools in three cultures not as a data but as cues for

ethnographic interviewing. In our study new, Continuity and Change in Preschools in Three


Cultures, we have adapted the original method to explore how approaches to education

change and stay the same over the course of a generation. In the new study we use video as a

tool for analyzing processes of educational continuity and change in three related ways. The

first is by replicating the original study a generation later in the same preschools, once again

making videotapes which we use as a cue to interview the classroom teachers in which the

videos were shot, their colleages and their counterparts in other regions of their country and

abroad. The second is by showing the videotapes we made in 1985 to current and retired staff

from each of the three original preschools and asking them to comment on what's changed,

what's stayed the same, and why. The third is by videotaping in a second preschool in each

culture, one that represents a new direction in each nation's approach to early childhood

education, and then conducting focus-group interviews about the video with cultural insiders

and outsiders. In this presentation I will show examples of videos we made in 1984 and 2002

in preschools in China, Japan, and the United States to illustrate the method we call "video

cued diachronic multivocal ethnography" (but which is more commonly called the "preschool

in three cultures method"). In addition to demonstrating the method and presenting some key

findings from the study, I will share some reflections on the importance of aesthetics and

narrative in the use of video as a social science research tool.

Ellen Garvens Making devices: images of prosthetic Lab/schools will present a Powerpoint and Flash Presentation examining a number of different prosthetic lab/schools in the United States and Southeast Asia. I began my photographic research at the University of Washington, Department of Rehabilitation Medicine, Prosthetic Orthotic Program. I extended it to schools in Lao, Cambodia, and Thailand. These Southeast Asian facilities train students from many different countries who often return to their original countries setting up national prosthetic services there. The photographs record and examine the interiors of the schools and evidence of the prosthetics process. I did not photograph the people in these places. In 2007 I arranged for Handicap International Belgium, Physical Rehabilitation Centre in Siem Reap, Cambodia to share my images with a volunteer group of patients, prothetists, students, and administrators. Their responses reveal the hidden stories behind the images. Subjective experiences of wearing, creating, and looking at the devices are shared. Themes of acceptance, change, patience, healing, and adaptation are 'embodied' in the images and the conversations generated. My approach to taking the images and gathering the voices is not about technical or clinical knowledge but about the personal learning experiences these photographs recall. The research introduces new interpretations of these places. The images and voices demystify prosthetic clinics addressing themes often overlooked by the general public regarding the discipline. It is also my interest to create awareness of the continuing need for these schools and the post-conflict legacy of war. My previous mixed media work had been firmly situated in the fine art world. This project introduced new ideas and conceptual challenges. In keeping with the subject of "schools," the research has become a catalyst to draw out deeper understandings of prosthetic/orthotic lab-based schools and a more intimate understanding of the experiences of being disabled.

Drew Chappell, Sharon Chappell, Eric Margolis School as Ritualized Performance and Ceremony

School as ritualized performance and ceremony Much of the discourse on schooling is framed as “education” and the emphasis is on content learning. Examining historical photographs of the place called “school” reveals other essential social functions of the educative space. Following the (anti) discipline of performance studies, schooling can be read as theatre, performed on a stage with teachers and students as actors. It is a series of important cultural “rituals” (McLaren 1999 [1986] p. 48) that function through embodiment. Such rituals often take the form of school ceremonies, in which power is practiced through defining who or what students are to “play as.” The actors are interpellated, inscribed into being as subjects through the functioning of the school-as-institution (Althusser 1971 p. 41). This work functions as transformation because it takes place in a liminal state, where participants exchange a constructed identity for their own,


learning through practiced actions and inscribing memory into and onto their bodies (Schechner 2002 pp. 57-8). Participation is a trained reflex (Connerton X); students take part independent of their will. Akin to “games,” school ceremonies seek to “define the society's moral or intellectual character, provide proof of its precise meaning, and contribute to its popular acceptance by accentuating the relevant qualities,” as Roger Callois (1979 pp. 82-3) observed. Photographs of these ceremonies reveal--through posture, tableau, facial expression, placement of actors, and scenic and costume elements--the nature of the narrative created and the ways students embody that narrative. Patriotic ceremonies (re)define what the school expects of its children-as-citizens. Ceremonies of competition are essential to capitalist ideologies of winners and losers. Coming of age ceremonies reflect a linear developmental model of children undergoing a series of “becomings” into adulthood (Lee 2001). These ceremonies have occurred over many generations of students; photography reveals how, over time, the cast changes while the play remains essentially the same.

16 Imagem, Cultura e Movimentos: modos de ser e producao de espacos Amanda Regina Goncalves O presente painel buscará refletir, a partir de diferentes espaços constitutivos e imagéticos (a arte, o design, os mapas, áudio visual e cinema) o outro e seus modos de ser indiciando lugares e possibilidades em que eventos se apresentam como formas de constituição da subjetividade.

Amanda Regina Goncalves Identidades deslocadas: marcas nas imagens de linhas moventes sobre o territorio Uma identificação espacial deliberada por critérios autóctones, como o de exaltação de uma tradição histórica e de seus herdeiros, que exige uma “empatia ao vencedor”, como sendo a faculdade de projetar naqueles que num dado momento dominam o fator de terem sido os herdeiros de todos os que venceram antes (Benjamin, 1994), tem sido deslocada pelas marcas com que os imigrantes deixam com seu corpo nas paisagens. A importância que se desenha nesta apresentação está em atentar à dinâmica e diversidade de espaços-tempos (e não só às relações de permanência e continuidade) que as imagens nos chamam a subjetivar, o que nos exorta a pensar como as identidades locais estão sendo afetadas pelas imagens que enunciam as linhas movediças do território, imprimidas com o corpo e não com a história do imigrante. Seu corpo marca com relampejos – e não com tradição – os espaços métricos. Por isso não são histórias, mas flashs, cenas, acontecimentos escapados do regime visual da tradição, que ameaçam as velhas identidades espaço-temporais. Um estado de identificação em que os olhos não se reconhecem mais na evidência da paisagem, da qual brotam imagens que vão de encontro aos olhos fugidios. Imagens que rompem e fragmentam as coordenadas espaço-tempo que sustentam as identidades bem localizadas. Imagens em que o imigrante imprimi linhas moventes sobre o território. O que estamos buscando nesta discussão teórico-metodológica está circunscrito às marcas que os corpos de imigrantes deixam nas imagens que também fazem parte da narrativa enunciativa da identidade espacial dos sujeitos-local. Vestígios de acontecimentos espacializados desarmônicos, nômades, desmemoriados, dissonantes dos imigrantes que quebram os sensos comuns de lealdade, comunidade, pertencimento, proteção e identidade espacial inventados pela tradição. Nos voltamos, portanto, à abrir sentidos e significação às imagens nas quais os imigrantes introduzem a testemunha das contingências nos espaços de

apresentação supostamente lineares de um espaço totalizável. Ligia Maria Brochado de Aguiar Excavacoes possiveis na superficie plana do mapa: a imagen como relato Porque e como produzir fluxos semióticos através de um recurso monossêmico que é o mapa no ensino básico? Esta é a pergunta básica proposta para o painel. A questão se coloca porque partimos de três premissas: 1) uma das formas do olho ser educado para ver a realidade das imagens nas sociedades urbanas contemporâneas são os mapas; 2) é


necessário abrir a linguagem, quebrar as significações e ir além dos limites e possibilidades da forma, do conteúdo técnico e científico do mapa; 3) a iniciação ao ato de ver na geografia consiste em ler mapas; 4) é preciso descondicionar este olhar para elevar a percepção até a dimensão da vida, da natureza, do espaço, à criação de novos territórios e suas paisagens. A hipótese geral é que no cruzamento transversal dos novos territórios com os já existentes que se processa a semiotização, além da representação e simbolização e que esta só acontece através do relato das imagens, da passagem pelas diferenças e a criação de singularidades. Esta hipótese converge para a teorização introduzida pelos Estudos Culturais, sobretudo, inspirada pelo pós-estruturalismo. Nesta perspectiva a cultura é teorizada como campo de luta entre os diferentes grupos sociais em torno da significação; a educação e o currículo são vistos como campos de conflito em torno de duas dimensões centrais da cultura: o conhecimento e a identidade. Sobretudo, a importância do painel para a sociologia, está na busca da inserção da escola ao mundo dos acontecimentos da

vida cotidiana do lugar e a leitura do mundo das imagens que aí se inscrevem. Nara Martins A transfiguracao do imaginario moderno Art Decó na imagética contemporánea. A reinvencao do estilo na era de globalizacao

o final dos anos 80 e anos 90 foi perceptiva a transfiguração do mundo imaginal moderno na comunicação visual na era da globalização e do supermodernismo. A comunicação visual apresentou neste momento a reinvenção do estilo/movimento dos anos 30. O estilo Art Déco refloresceu; intensificado pela realização poética atraiu e atrai olhares de espectadores consumistas e apreciadores de arte. Em estudo anterior A Reinvenção do Art Déco: O Design Gráfico nos Anos 90, investigação esta que emergiu a partir da vivência e da percepção de imagens nas maneiras de ser e de pensar. A imagem parece servir de suporte para as sociedades experimentais em estética do cotidiano instauradas pela globalização, neste período o mundo moderno foi revisitado. Para Maffesoli (1996) a sociedade está preocupada com sua globalidade. Os diversos elementos constitutivos da modernidade não foram ultrapassados; continuam sendo representativo, adquirindo, porém, outro timbre. O mundo globalizado sofreu uma espécie de transmutação e constituiu outra configuração. É, pois, prestando atenção aos sinais do tempo, mesmo um tanto caóticos, que se cria um novo mundo imaginal: como uma matriz, em que elementos entram em interação, ecoam em concerto ou em constante reversibilidade. A imagem apreende a hiperacionalidade deste tecido social contemporâneo.Uma reviravolta na arquitetura e no design, pois no final dos anos 80 foi perceptiva a transfiguração do mundo imaginal; configurou-se no design gráfico, a partir da reinvenção do estilo/movimento dos anos 30. Essa retomada do Art Déco está presente em diferentes partes, no design, na publicidade, nas mídias, na música, na moda e em suas diversas acepções exprimem a sinergia cada vez maior entre o objeto e a imagem. É a transfiguração pelas imagens, passagem de uma figura à outra. Em muitas imagens,neste período contemporâneo atual é possível perceber traços e formas do estilo Art Déco em muitos produtos de designers.Em especial ao produto de Oswaldo Miranda, brasileiro,diretor de arte, cartunista e editor da revista "Gráfica"- Arte Internacional. Nas obras de Miran é possível perceber tipografias, grafias, ilustrações que contribuem em conjunto para a criação da identidade e impacto visual da revista e de seu trabalho. O produto gráfico de Miran orienta-se, essencialmente pela legibilidade e comunicação; É a transposição da imagética do estilo Art Déco, imagem para um período atual, imagem revisitada que apresenta expressividade na leitura, sem perder as características artísticas do estilo marcado por cores, linhas e traços de significativa plasticidade.

Neide Marcondes – Mantel Belloto A imagem pictorica de Bernardo Belloto, pintor veneto do sec XVIII, no espaco urbano de Desden- Alemanha

A imagem tornou-se campo de fascinante interpretação na história político-social, na história da literatura, da arte e, especialmente, na história da forma arquitetônica e urbanística.Desde a variação de imagens na arte da pré-história, na expressão artística da Mesopotâmia, variação seguida nas demais culturas do Oriente e do Ocidente, nas imagens literárias de Ovídio a Shakespeare, na arte Barroca e até esta época atual, que podemos


denominar hipermodernidade, a imagem sofreu mutações simbólicas e míticas, abrangentes para o estudo iconográfico e iconoclástico dos objetos em geral. A história das imagens não nos remete apenas à dimensão do passado; permite também que projetemos o futuro deste repertório em uma memória revisitada.No século XVIII ressurge uma nova era de interesse pela natureza > o naturalismo paisagístico. O fenômeno do chamado “vedutismo”, gênero pictórico que mescla o matiz de cores, figuras, animais, pessoas e dimensão arquitetônica está presente na obra do artista vêneto Bernardo Bellotto, que trabalhou, dentre outras cidades e outros países, na cidade alemã de Desdém, de 1747 a 1758. em estudo, desenvolvido por nós (em andamento), verificamos que o ponto mais evidente do trabalho é o enunciado: as imagens “vedute´´ e gravuras do artista Bellotto foram o modelo/projeto na reconstrução de Dresden, no seu plano de urbanização e na reconstrução de seus monumentos, nos séculos XX e XXI.Em tons verde, azul acinzentado, ocre, Bellotto desenhou e pintou as paisagens, arvoredos, rios, ruas e monumentos; as vestes das pessoas estão em cores mais quentes, como vermelhos dourados, anunciando o modelo quotidiano da época. As imagens pictóricas retratam uma Dresden clássica e barroca. O artista retratou as pontes, as cidades Velha e Nova, às margens do rio Elba, seus ícones arquitetônicos, assim como personagens da corte, habitantes em sua vida de lazer e trabalho, durante seus passeios nas praças, e também as antigas fortificações, igrejas, palácios e áreas rurais.Grande parte da obra de Bellotto está na chamada Galeria de Pinturas de Dresden.A elaboração de Mundo Real, criada por Bellotto, fusão da realidade no século XVII, indicou a existência de Mundos Possíveis para a reconstrução da cidade alemã, destruída por incêndios e guerras, em especial pelos bombardeios aéreos anglo-americanos ao final da II Guerra Mundial. A interpretação das imagens pela Lógica Modal, lógica que lida com operadores do futuro, proporciona a explicação lógica dos operadores binários > necessidade/realidade e possibilidade > mundo futuro.Os Mundos Possíveis estipulados para o futuro, estão presentes no pensamento da Lógica Modal, em um neo-futuro, um futuro ontológico de mundos possíveis, em atitude pragmática, técnica e científica de um passado reciclado, como um turismo da memória em tempo presente; denota-se assim o

poder da Imagem.

17 Imagen en la investigacion sociologica en la frontera norte de México Coord: Elsa Hernandez

Lourdes R. Botello Valle Universidad Autonoma de Baja California, México. Elsa Hernandez Fuentes Universidad Autonoma de Baja California, México.

Irma Alicia Gonzalez Universidad Autonoma de Baja California, México.

Modificación de la percepción espacial-temporal de casa habitación en la frontera norte de México La presente ponencia surge de una investigación etnográfica sobre el surgimiento y desarrollo histórico de las principales ciudades fronterizas en Baja California, México y la determinación de éste, en la percepción espacio-temporal que sus habitantes tienen de “casa-habitación” siendo el escenario donde nacen y se desenvuelven las relaciones sociales que se reproducen en los diferentes ámbitos de la sociedad. Dicho estudio se construye a partir de las categorías de análisis siguientes: perfil socio-demográfico, descripción de la zona habitacional, grupo etáreo, relaciones de los miembros al interior de la casa, percepción respecto a unidades habitacionales modernas; donde las imágenes cobran un gran valor y relevancia, en este caso fotografías de las casas-habitación mostrando diversas áreas geográficas y los cambios durante los últimos 25 años. Como resultados preliminares de estudio se pudo detectar una estrecha relación entre el surgimiento de áreas urbanas determinadas y la percepción espacial determinante en la definición de casa-habitación, evidenciándose a partir de ello, diferencias importantes entre las ciudades de Baja California. Hallazgo interesante resultó la percepción diferenciada entre generaciones y/ó grupos de edad.

Adolfo Soto Universidad Autonoma de Baja California, México


Manuel Ortiz Universidad Autonoma de Baja California, México

Chicalense way of life, los usos y costumbres de los mexicalenses a través de la mirada del documental Los medios de comunicación comerciales intentan, con frecuencia, reflejar la cotidianeidad del mundo de vida, que lejos de contribuir a una cabal comprensión de la complejidad social, suelen generar mayor opacidad que dificulta la capacidad de dar sentido a la intersubjetividad de los ciudadanos.Partiendo de la preocupación antes planteada y en respuesta a dos de las tareas sustantivas de la Universidad Autónoma de Baja California: la investigación y la extensión de la cultura; Kamikaze producciones de la Facultad de Ciencias Humanas, ha realizado una serie de documentales denominada Chicalense Way of Life que refleja, a través de la mirada audiovisual, la intersujetividad de los mexicalenses1 plasmando los usos y costumbres de los habitantes de esta región de la frontera entre México y Estados Unidos de América. La forma en que los mexicalenses ordenan su realidad a partir de prácticas socioculturales es un tema de discusión constante y de interés científico, por las significativas aportaciones que tendría en la conformación y reafirmación de la identidad desde la configuración simbólica del mundo de vida de los habitantes de dicha región fronteriza. Esta serie de documentales, producto del trabajo colectivo de maestros y estudiantes de la Facultad de Ciencias Humanas, investigan y retratar los habitus como refiere Bourdieu de los mexicalenses, y con ello se escribe la

historia sincrónica de carácter audiovisual de lo que acontece en la cotidianeidad cachanilla, para pensar la frontera desde la frontera mexicana con EUA.A la fecha la serie está compuesta de los siguientes documentales: La Calavera nos pela los dientes (día de muertos en Mexicali); Vivir de Segunda (la costumbre de chachaer muy arraigada en la cotidianeidad mexicana que implica el comprar artículos usados) y Oxxo le mío (la importancia de las tiendas de compra rápida Oxxo en la vida de los mexicalenses). Y se encuentra en proceso de postproducción: No Soy Gordito de Oquis (lo que comemos los mexicalenses). De ahí que el comprender como mexicalenses las razones étnicas, religiosas, pedagógicas, estéticas, económicas para repensar los patrones de consumo de bienes materiales y culturales, es hoy ineludible para deconstruir la lógica de una sociedad en la cual el modelo de economía de mercado considera a los ciudadanos como consumidores.

Everardo Garduño Universidad Autonoma de Baja California, México Las representaciones videoetnográficas. Implicaciones epistemológicas, técnicas y éticas. En 1994, participé en un desafortunado pero ilustrador proyecto del Instituto Nacional Indigenista (INI), en la comunidad indígena de Basoalto, Veracruz 2. Este proyecto consistía en la producción de un videodocumental, que mostrara el acoso por parte de los mestizos sobre el territorio tradicional de dicha comunidad, así como las evidencias que los indígenas tenían sobre su posesión ancestral. Debido a que nuestra empresa parecía ser del todo favorable para los indígenas, los líderes de Basoalto nos recibieron con las puertas abiertas y colaboraron en todo momento con nosotros. Sin embargo, al término de una semana, entre ellos y nuestro equipo surgió un inesperado y repentino conflicto, que dio por terminado el proyecto. Sin lugar a dudas, este incidente resulta aleccionador para la antropología visual, aunque de él podemos desprender algunas reflexiones acerca de la etnografía en general. En primer lugar, este acontecimiento nos ilustra acerca de las potencialidades y limitaciones que la videografía posee como instrumento de investigación etnográfica, frente a la antropología convencional escrita. En segundo lugar, los hechos que a continuación se describen, nos conducen a problematizar aspectos epistemológicos y éticos de la etnografía. Es por ello que este trabajo expone el caso de Basoalto como ilustrativo de: 1) los usos de la videografía como instrumento de investigación; 2) su poder evidencial, interpretativo y argumentativo frente a la escritura, y 3) sus limitaciones. Por otra parte, este trabajo también ofrece una breve reflexión sobre: 4) el método de la etnografía, 5) el concepto de informante como agencia, y 6) los dilemas éticos del etnógrafo.

2 El nombre del pueblo y de cada uno de los informantes, citados en el caso que aquí se analiza, son ficticios. No así los hechos que puntualmente se

describen.


Alejandra Navarro Smith Universidad Autonoma de Baja California, México Imágenes para pensar lo social en antropología visual

Esta ponencia presenta ejemplos metodológicos del uso de imágenes durante el proceso de investigación, tales como su potencialidad para incorporar los intereses y preguntas de las personas que colaboran en estos procesos, como su rol en el acceso al campo. También se discute el uso de fotografías, video y texto en la construcción y circulación de conocimiento sobre asuntos jurídicos que motivan dos movimientos indígenas en México: la defensoría de encarcelados políticos en Chiapas, y la lucha jurídica de la pesca cucapá en Baja California.

Claudina Osuna Norzagaray Universidad Autonoma de Baja California, México Aspectos urbanos y rurales, el caso de dos familias de Mexicali DF Las formas en las que se puede expandir la ciudad de Mexicali empiezan a generar la integración del ámbito rural que antes se definía por su lejanía a ésta. ¿El crecimiento acelerado de la urbanidad en Mexicali genera una incorporación de las comunidades rurales en los aspectos cotidianos? se emprende este estudio con la intención de definir cuál es el punto de integración entre los aspectos urbanos y rurales, así como ubicar el lapso del tiempo en el que se empezó a generar a medida de que se fueron incrementando las necesidades. Se complementa primordialmente entre su carácter fronterizo y la ideología citadina aunado a los aspectos rurales, empieza a crear una nueva identidad que se ha empezado a manifestar en poco tiempo por el crecimiento acelerado de la ciudad y que empieza a destacarse por las semejanzas que existen, las características que hacen de Mexicali ciudad y lo que se define como rural. La urbanización empieza a expandirse por las necesidades de vivienda, educación, trabajos, etc. de tal forma que los ejidos cercanos a la ciudad, ya no se encuentran afuera de ésta, si no delimitándola ejerciendo su cotidianeidad de manera similar a los aspectos urbanos. A través del particular caso de dos familias, una oriunda del Ejido Puebla y otra localizada en la ciudad, en la colonia Independencia, mediante el aspecto visual y testimonios, enmarcar los aspectos cotidianos entre las dos familias para ubicar un contexto más amplio de los cambios y similitudes generadas en el esparcimiento de la ciudad y el grado de afectación en el espacio más próximo como vendría siendo uno de los ejidos más cercanos. Las problemáticas que se identifican dentro de las familias y su vivir día a día. Mediante un diario fotográfico a estas dos familias, en sus distintos estratos, se quiere plasmar las características más sobresalientes de lo que es su cotidianeidad, así como destacar los rasgos de cada una de las localidades, diferencias y similitudes que se exhiben en los ciudadanos de cada una de las zonas a tratar. Las características que destacan en similitudes económicas y necesidades inmediatas son las realidades que se emiten a lo largo del tiempo empiezan ha caracterizarse como una forma de vivir lo que genera nuevas necesidades, nuevas ideologías, nuevas formas de vivir.

18 Museos, muestras, colecciones: itinerancias entre lo real, lo imaginario y lo virtual Coord: Diana Wechsler

A partir de considerar que lo visible es una construcción, y que “sólo vemos lo que sabemos”,

este panel busca convocar trabajos que permitan reconstruir/recuperar un conjunto de

itinerarios de la visualidad moderna que atravesaron el siglo XX y que forman parte aun de

la visualidad contemporánea, a partir del recorrido de casos radicados en espacios

metropolitanos, con especial atención a la situación de las metrópolis culturales de América

latina. Se trata de itinerarios que habrían estado orientados por la idea de “catálogo”

entendido como “relación ordenada en la que se incluyen o describen de forma individual

libros, documentos, personas, objetos, obras de arte, etc., que están relacionados entre sí”. La

palabra es sinónimo de inventario, serie, memoria, relación. Estas “series” presuponen –a la

vez que promueven- operaciones de selección, reselección y negociación simbólica

permanentes realizadas por quienes las construyen (así como por sus receptores) a partir del


ejercicio de una visualidad dada, condicionada por posiciones socio históricas y económico

culturales precisas. Entre ellos se consideran los siguientes actores sociales coleccionistas

privados, operadores culturales, gestores/animadores de colecciones públicas, editores de

catálogos, libros de arte y publicaciones periódicas, artistas, diseñadores gráficos, críticos y

públicos; y una selección de espacios (colecciones públicas y privadas, catálogos y libros de

arte, revistas, obras de carácter público (murales), bibliotecas de artistas e intelectuales). La

hipótesis que está en la base de esta propuesta es que estas series o conjuntos de imágenes

habrían contribuido en la emergencia y constitución de una visualidad moderna capaz de

colaborar a su vez en la delimitación de identidades (de nación, de género, clase, etc.) a lo

largo del siglo XX y que a través de distintas apropiaciones podrían seguir operando en la

actualidad.

Maria Isabel Baldasarre Entre coleccionismo, prensa y Mercado: las colecciones de arte de Francisco Llobet y Victoria Aguirre

Esta ponencia se centra en dos colecciones privadas que, a través de diferentes dispositivos como la publicación de catálogos, la reproducción de obras en la prensa del momento y la organización de exposiciones de arte, fueron altamente visibles en la Argentina de inicios del siglo XX. Se trata de las colecciones formadas por Victoria Aguirre y Francisco Llobet las cuáles constituyeron acervos que corporizaron un momento de transición entre el coleccionismo decimonónico, eminentemente centrado en la pintura y la escultura europea, y aquel más permeable al arte nacional que comenzó a desarrollarse en los inicios del siglo XX. A su vez, fueron colecciones que surgieron en paralelo con un mercado que lentamente comenzaba a ser más receptivo al arte argentino contemporáneo. De gran circulación en la prensa de la época, estas colecciones fueron conocidas también más allá del panorama local, constituyéndose en modelos de cómo los latinoamericanos podían apropiarse del arte europeo, insertándolo en un relato que hacía dialogar sin disonancias estas obras con las expresiones locales.

Rodrigo Alonso Arte de sistemas: un contrapunto entre ideas, proyectos y visualidad

La aparición del conceptualismo a mediados de la década de 1960 supuso un ataque frontal tanto a las preocupaciones visuales de los diferentes formalismos pictóricos como a los nuevos senderos de la representación emprendidos por las corrientes neofigurativas. Con su insistencia en el predominio de la idea y la realización mental, y su desdén por la resolución material, los artistas conceptuales plantearon la posibilidad de un arte que se desarrollara más allá del reino exclusivo de lo visible.Sin embargo, en sus instancias de formalización, el conceptualismo no pudo evitar desplegarse en el terreno visual, aunque desplazara la sensualidad de los recursos plásticos por la aridez de los testimonios, los registros y los documentos. Un punto de tensión singular aparece cuando esas piezas que resisten la omnipotencia de la mirada deben articularse con dos dispositivos eminentemente visuales: la exposición y el catálogo. La propuesta de esta ponencia es analizar esa tensión en un caso de estudio paradigmático: la exhibición “Arte de Sistemas”,

realizada en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.

Talia Bermejo Ignacio Pirovano en el Museo de Arte Decorativo

En 1937 se fundó el Museo Nacional de Arte Decorativo después que el gobierno del general Agustín P. Justo adquiriera el palacio construido por Matías Errázuriz en la capital porteña. La Dirección fue adjudicada a Ignacio Pirovano, quien desempeñaría el cargo hasta 1956. Además de los antecedentes institucionales que podía acreditar el joven coleccionista y empresario (entonces tenía 28 años), sin dudas, el empeño por actuar un rol protagónico desde un espacio que le permitiera desarrollar una voluntad de gestión tenaz, hallaba en su pertenencia familiar y social el punto de apoyo principal para concretarlo.Desde la apertura de la institución, Pirovano trabajó en la catalogación del acervo, cuyos resultados fueron


volcados 10 años después en el primer catálogo. En octubre del año anterior, había aparecido el Boletín oficial del museo, editado regularmente hasta 1952. Los primeros números aparecieron a pocos meses de la asunción de Juan D. Perón a la presidencia, en un contexto poco alentador para docentes, artistas y organizadores culturales que habían manifestado oposición a la gestión entrante. Sin embargo, los objetivos expuestos en este Boletín, sumados a la permanencia del Director en el cargo, generaban un espacio de optimismo con ribetes de actualidad y apertura internacional. No sólo manifestaba la intención de establecer un puente de contacto con “el pueblo” argentino, a través de la comunicación regular de las actividades del museo y noticias sobre otras instituciones y actividades afines, también se delineaba un concepto de “museo moderno”. En esta idea se englobaba la intención de materializar intercambios culturales con otros países, así como proveer información actualizada sobre los sucesos artísticos internacionales, temas particularmente significativos para los detractores del oficialismo. Por otra parte, el Boletín también constituyó una tribuna publicitaria para el coleccionismo y el mercado artístico a través de mecanismos como la publicación de artículos ilustrados sobre diferentes acervos privados y, por otro lado, el contacto con el circuito comercial mediante secciones que difundían los resultados de ventas públicas.Este ensayo se propone analizar la actuación de Pirovano al frente del museo, a través de su principal órgano de difusión, haciendo hincapié en los ejes señalados. Asimismo, se abordará este Boletín como parte de un programa de promoción del arte moderno, desarrollado desde otros ámbitos, en particular el del coleccionismo privado de obras de arte, articulado con la gestión pública. Por último, se pretende observar los puntos de contacto, las tensiones o los diálogos que establecería el director con el peronismo, a partir de la convicción personal de que la innovación cultural en esos años, no sólo era una posibilidad, también era un hecho real, aunque la historia le

depararía algunas grandes decepciones.

Cecilia Belej Arte y Arquitectura. La colección del ACA

El edificio del Automóvil Club Argentino es uno de los íconos de la arquitectura racionalista en nuestro país. Inaugurado en 1942, es la obra de un conjunto de arquitectos formado por Antonio U. Vilar, Hector C. Morixe y Jorge Bunge junto a los estudios Sánchez, Lagos y de la Torre y Jacobs, Giménez y Falomir. Este equipo supervisó también, la gráfica y el diseño de las estaciones de servicio y las sedes del club que se edificaron a lo largo del país dándole una presencia visual y reconocible al ACA en todo el territorio nacional. El edificio incluyó una colección de obras plásticas: bajorrelieves, murales, esculturas y óleos que fueron realizados por Alberto Lagos, Emilio Centurión, Alfredo Guido, Héctor Basaldúa y José Fioravanti, entre otros. Estas obras -fundamentalmente los relieves y los murales-, entablan un diálogo con la arquitectura del edificio que nos proponemos indagar. ¿Qué temas se representaron en estas obras? ¿Cómo se eligió a estos artistas? ¿Existió una asociación entre el proyecto moderno del edificio, confección de murales y el carácter del ACA? El propósito de este trabajo es responder estas preguntas e indagar acerca de la relación de la colección de obras del ACA con un entramado más amplio de murales en otros edificios públicos y semi públicos de la ciudad.

Florencia Suarez Guerrini Opacidades y transparencias en la traducción de la visualidad artística moderna

La función del crítico como orientador se remonta a los orígenes de la historiografía argentina, pero se afianza notablemente hacia mediados de la cuarenta, momento en que además esa orientación se concentra en los elementos visuales del arte. El surgimiento de las vanguardias abstractas, en convivencia con los estilos modernos surgidos en décadas anteriores, se le presenta al crítico como un panorama heterogéneo que le exige más que nunca desplegar el rol de guía sobre sus hipotéticos lectores. Este servicio que presta al público consumidor de arte, a través de los medios gráficos especializados y no especializados, se sintetiza centralmente en las dos operaciones con las que Romero Brest denominó a su revista y a la asociación por él fundadas: Ver y Estimar. La estimación como el acto de apreciar y de evaluar una producción artística para su posterior juicio estético y como lo que se supone consecuencia directa de la observación previa y atenta de las obras.En este ensayo, que tiene carácter preliminar, se propone abordar la primera de esas


instancias, la del ver, en un conjunto de textos de crítica de la época. Intenta desmontar los marcos discursivos que modalizaron la percepción visual, puestos en evidencia en los mecanismos de traducción del lenguaje visual a la escritura. Se trata de una exploración sobre el componente constructivo de la visualidad, que la mirada experta del crítico trata de naturalizar y que desde este enfoque responde a tomas de posición en un escenario artístico en proceso de renovación y a los condicionamientos sociales de una práctica en vías de

afirmación.

19 Imagen e Educacao: imagen e processos constitutivos de modos de ser infanzia nas praticas educativas Coord: Cesar Donizetti Pereira Leite O presente painel pretende refletir a possibilidades de produção de modos de ser e de práticas educativas a partir do áudio visual, seja ele produzido pela indústria cinematográfica, seja presente nos modos de afetação da imagem pelo outro ou ainda com a câmera circulando por mãos de crianças no espaço escolar. Modos de produção de imagens e modos de ser infância nas práticas educativas.

Camila Zanfelice. Cesar Donizetti Pereira Leite Imagens producidas por crianzas em uma escola de educacao infantil evidenciando experiencias no espaco-tempo do brincar

Este trabalho busca apresentar as discussões metodológicas que norteiam e fundamentam a elaboração de uma dissertação de mestrado, cujo objetivo consiste em: evidenciar o brincar como experiência através dos processos narrativos/imagéticos produzidos pelas crianças em uma escola de educação infantil; um trabalho que propõe construir uma cartografia do brincar, movendo-se pelo campo da educação, entre imagens, brincadeiras, infâncias e linguagens.Será foco da discussão a criação de novos espaços-tempos de experimentação com base em algumas imagens do brincar produzidas por algumas crianças, em uma escola de educação infantil. Pensamos as brincadeiras, o brincar, como espaço-tempo de possibilidade para as experiências. Investimos neste pensamento, oferecendo às crianças uma câmera filmadora, para que, através das imagens produzidas

por elas, seja possível evidenciar o brincar como experiência. A pesquisa vem sendo desenvolvida em uma Escola Municipal de Educação Infantil em Rio Claro/SP, o acompanhamento sistemático de atividades em sala de aula, no parque, e outros ambientes, de uma classe de educação infantil, com crianças na faixa etária entre quatro e cinco anos. O acompanhamento envolve a observação com registro em diário de campo e

vídeo-gravação de brincadeiras. Ao escolher trabalhar na pesquisa com as crianças, e sugerir que elas próprias filmassem suas brincadeiras, naquele contexto escolar, tivemos (e ainda temos) a intenção de contribuir para a construção de novas possibilidades para se entender a criança e a infância, no campo educacional, promovendo a participação efetiva delas na realização da pesquisa: não mais espectadoras, as crianças seriam produtoras, construiriam a pesquisa junto com a pesquisadora; deixariam de ‘ser’ objetos de pesquisa e

passariam a sujeitos, atores e autores dessa pesquisa também. Percebemos durante o processo de pesquisa, e nas imagens produzidas e que colocamos em discussão neste trabalho, que as crianças, com sua abertura, e com seu desejo de aproximação nos contagiam, nos envolvem em outros processos e movimentos, antes não imaginados/experimentados. Aprendemos, com as crianças, diferentes formas de aproximação, despojamento.Em resposta à busca pela verdade, por uma razão científica, as crianças nos apresentam a possibilidade da invenção, do encontro, das sensações, que não passam necessariamente pela racionalidade (o que não significa dizer que as crianças não têm a razão), mas que têm força para nos violentar e movimentar pensamentos. Nos deslocam dos lugares e no tempo; nos obrigam a este encontro produtor. Assim, vamos construindo uma pesquisa, com algumas crianças, afastando-nos do que poderia ser uma pesquisa sobre elas.As experiências (as imagens) nos levam a criar outras novas formas de

pensar e imaginar; outros espaços e tempos.


Lia Raquel Oliveira Cinema educativo e construcao da realidade

São amplamente reconhecidas as potencialidades do cinema de intenção educativa. O

primeiro filme exibido em sala (“A saída dos operários da Fábrica Lumière”) foi, sem que

disso estivessem conscientes os autores, um documentário… de intenção educativa. O filme

“documentava o mundo”! E rapidamente alguns educadores se aperceberam do meio

poderoso para ensinar que acabava de ser inventado.A época áurea do cinema educativo

foram os anos sessenta e setenta do século XX (particularmente com a televisão educativa) e,

durante os anos oitenta, conheceu algum florescimento com as tecnologias vídeo portáteis.

Contudo, com o advento do computador pessoal, do multimédia, da Internet e do “mito” da

interactividade, entrou em declínio.Hoje, as tecnologias de rede já suportam a circulação

massiva de formatos audiovisuais e assiste-se a uma convergência significativa entre o

computador e a televisão. As pessoas realizam e produzem, cada vez mais, um cinema

doméstico que difundem a nível global (YouTube e podcasting) com as mais variadas

intenções, gerando uma nova economia da imagem na Sociedade e Economia do

Conhecimento. Tais circunstâncias justificam um ressurgimento do uso do cinema (imagem

em movimento e som) em educação quer na sua vertente mais tradicional de apresentação de

conteúdos quer, sobretudo, como forma de expressão e de aprendizagem.Fazer cinema

constitui uma forma de “construção social da realidade” (P. Berger e T. Luckmann, 1966) e

por isso nos interessa o “cinema educativo na 1ª pessoa”, ou seja, o cinema que é criado pelos

estudantes enquanto actividade de apreensão/compreensão e construção do mundo, dos

outros e de si próprios. Praticar a arte cinematográfica também desenvolve competências

fundamentais (conceptuais e instrumentais) no âmbito das novas literacias e permite,

simultaneamente, uma pedagogia crítica.Apresentamos e discutimos na nossa exposição

alguns exemplos de trabalhos realizados em contexto universitário, por estudantes de

licenciaturas em ensino e em educação.

Cesar Donizetti Pereira Leite, Camila Zanfelice, Amanda Regina Goncalves Entre imagens e experiencia: nos contornos do tempo e das prodoucoes de subjetividades

O momento do filme é tenso, será decidido ali uma sentença de morte, alguns professores perto de mim sussurram, se contorcem, lamentam em voz alta e baixa. O filme é “Dançando no

Escuro” de Lars Von Trier e a sentença de morte é dada, escuto uma ‘voz dolorida’ ao meu

lado que diz: “Ai!!!”. A cena produz dor na professora que começa chorar. (Notas de Diário de Campo da pesquisa ‘A cena que encena a educação: A construção de olhares a partir da infância, do cinema e da formação do professor’ – Leite 2008).Entre imagens, ruídos e enredos professores manifestam cada um a sua forma o que ‘passa’ enquanto assistem ao filme. As imagens parecem entrelaçar os modos de sentir e ver dos professores, que de diferentes modos manifestam suas sensações, percepções e produzem os mais plurais sentidos sobre o filme, o que parece disparar estas reações não são os enredos, mas sim cenas particulares, ruídos, músicas, gestos e olhares, a história em si muitas vezes acaba ficando em segundo plano e o que ganha os contornos da cena que vemos nas sessões de vídeos com os professores é o percurso de afetos que movimentam sentidos e produzem formas de dizer.É neste contexto que o filme se torna um ‘caminho a ser trilhado’, uma ‘rua a ser percorrida’ e que desta forma permite que os olhares para as cenas acabem sendo experiências e espaços de circulação e encontro com o outro. Este painel tem por objetivo refletir, a partir de uma pesquisa onde se entrelaçam cinema - infância e formação do professor os modos de produção de sentidos e de constituição de subjetividade no cinema. Recortaremos duas cenas de diferentes filmes (Pinóchio de Benigni e Má Educação de Almodóvar) e a partir dela procuraremos encontrar modos de afetação da cena e como que estes modos podem ser provocadores nos processos de produção de subjetividade e de modos de ser. Trilharemos este percurso a partir da noção de experiência em Benjamin e Agamben e de imagem-tempo e imagem-movimento em Deleuze.


20 Las imágenes como sostén de la investigación histórica el caso de la indumentaria de Buenos Aires siglo 19 Coord: Rosana Leonardi

Solo el hombre se viste, donde hay indumentaria hay una proyección simbólica que enmarcan

un tiempo y una imagen socio histórica. El vestir es el lugar por excelencia donde confluyen

lo privado, lo íntimo y lo público, por ello nos permitimos afirmar que desde muy temprano

en nuestro territorio se marcan desde el vestir distinciones y pertenencias. Ahora bien ante la

fragilidad del textil y su pronta desaparición física cabe la pregunta ¿Dónde leer estas

marcas sociales? , son precisamente las imágenes en sus distintos soportes y con la carga

simbólica que ellas portan, las que se convierten en auxiliares indispensables de las

investigaciones, que tiene como marco el desarrollo de la indumentaria y de los textiles en

Buenos Aires en el siglo XIX.

Rosana Leonardi Dafne Roussos Sara Vaisman Las imágenes como sostén de la investigación histórica el caso de la indumentaria de Buenos Aires siglo 19

En el mundo pre hispánico sólo bastaba con mirar la vestimenta de cada quien para entender a que pueblo pertenecía esa persona o bien en que estamento social estaba ubicada. Con la llegada del español nuevas marcas se imponen, de la mano de indumentaria, en las culturas americanas.Una vez más con los movimientos independentistas el vestir se vuelve decisivo: no sólo hay que ser revolucionario sino también parecerlo. En una simple prenda se advierten los cruces y contradicciones que subyacen en la Revolución de Mayo. Hay que terminar con la apariencia española, se impone el talle Imperio para las mujeres y el traje tipo inglés para los varones. Lo público invade los espacios privados de los porteños tras la revolución, las casa con sus usos y costumbres se vuelven ámbitos de lo político. Aún cuando el mandato revolucionario es parecerse, la procedencia de los textiles con los cuales se confeccionan las prendas del siglo XIX marca las diferencias sociales más allá del discurso libertario y de hermandad criolla. Los textiles del Norte lentamente serán usados sólo en la campaña y por los sectores de más bajos ingresos. No sólo las texturas y la procedencia de los textiles será relevante en nuestro territorio sino también el color: basta con recordar el período rosista con el rojo punzó como marca identitaria de los federales y el azul celeste de los unitarios. Ahora bien ante la fragilidad del textil y su pronta desaparición física cabe la pregunta ¿Dónde leer estas marcas sociales? , son precisamente las imágenes en sus distintos soportes y con la carga simbólica que ellas portan, las que se convierten en auxiliares indispensables de esta investigación, que tiene como marco el trabajo de campo que desde el año 2007 estamos realizando en el complejo Museográfico Enrique Udaondo de Luján, donde colaboramos con la digitalización e investigación del Patrimonio Textil. Una vez mas lo que perdurará ante el inevitable deterioro del textil serán las huellas fotográficas tomadas en este trabajo de

relevamiento. El círculo se cierra para abrirse a nuevas miradas.

Agustina Padula La influencia de los vascos en la indumentaria rioplatense del siglo 19. La imagen como fuente de la investigación histórica La imagen puede ser representación, símbolo, ícono, convención, denuncia, manifiesto, recorte, explicación, prueba, parodia, precepto, herramienta. Más allá de las distintas funcionalidades que puedan adjudicarse a las imágenes y de las diferentes formas de leerlas, existe una realidad irrefutable toda imagen tiene la cualidad de ser representante de un contexto y, simultáneamente, productora de este. El presente trabajo pretende indagar en la influencia de los vascos en la indumentaria rioplatense del siglo XIX Las oleadas inmigratorias provocaron la llegada a nuestras tierras de habitantes de diversas


naciones que repercutieron en el indumento local. Nuestra atención está centrada, en esta ocasión, en los inmigrantes vascos y los aportes de ellos recibidos. Las imágenes serán utilizadas aquí como instrumentos para la investigación histórica. A partir del relevamiento de fuentes primarias y secundarias, vislumbraremos cómo ellas son pasibles de ser implementadas en la construcción de discursos. Sabemos de la contundencia y verosimilitud que conlleva toda manifestación percibida a través de la vista. Es por eso que nuestra investigación, aún en proceso, se vale de las imágenes como fuente y recurso, sobre la base de la idea de que todas ellas permiten la articulación de un discurso acerca de un determinado contexto. Lorena Krawczuk Las imágenes discursivas y el discurso de la imagen de la moda 1837 y la moda hispanoamericana 1874

Para el siguiente trabajo se han elegido dos fuentes primarias distintas que serán comparadas entre sí, tomando como punto de partida las descripciones de indumentaria y de peinados, tanto en su manera textual como en la gráfica o icónica.Las dos fuentes en cuestión son: La Moda. Gacetín semanal de música, de poesía, de literatura, de costumbres. 1837, Buenos Aires, Argentina y La Moda Hispanoamericana. Periódico ilustrado de las

familias. 1874, Sevilla, España.La Moda se inspira en un semanario francés llamado La Mode. Durante los seis primeros números se encarga de poner al corriente a la joven e inquieta población criolla de las novedades y acciones de buen tono en la sociedad. En este semanario, se describen tanto la indumentaria de moda (prendas, colores, géneros, etc.) como la actitud que debe tomar quién las porta, pero, lamentablemente, no tiene imágenes gráficas. La Moda Hispanoamericana no se detiene en prescribir textualmente costumbres ni acciones. Muestra cómo avanzó la tecnología en materia gráfica, desplegando con gran delicadeza una cantidad importante de ilustraciones a partir de grabados que ayudarán a las damas a confeccionar hermosos y ricos vestidos para todas las edades y las ocasiones. El texto y la moldería, en este semanario, explican cómo se deben confeccionar las prendas; las imágenes, acerca de la situación en la que se espera que se lleven esas prendas. Estas publicaciones, con treinta y siete años de diferencia, permiten analizar diacrónicamente el tratamiento de los temas relacionados con la moda y las buenas costumbres, que siguen teniendo un modelo marcadamente francés y, lo más importante, señalan las prescripciones (con imágenes o sin ellas) acerca de las conductas y las pautas de comportamiento de las elites en la sociedad. Es decir, qué construcción de imagen se pretende que muestre cada persona para cada rol convenido socialmente.

Karina Balde Las imágenes: su relación con la indumentaria y el trabajo femenino en el siglo 19

A lo largo del siglo XIX el cambio producido en el trabajo, en Argentina, fue notablemente significativo, producto de las transformaciones económicas, sociales, políticas y culturales. Las fábricas y los talleres se extendieron en ciudades como Buenos Aires y Rosario, se modificaron los campos y crecieron las actividades comerciales y los servicios. Las mujeres, no fueron ajenas a ellos y se incorporaron rápidamente al mundo del trabajo asalariado empujadas por la necesidad o los deseos de autonomía.Según Zulma Recchini de Lattes1, las tasas de participación femenina llegan a importantes niveles en 1869, el 58,8 % del total, pero comienzan a disminuir a lo largo de una década llegando al 41,9 % en 1895. Estas transformaciones en el mundo del trabajo llevan consigo cambios en la indumentaria, para poder relacionarlos es necesario valerse de imágenes, dado que es casi imposible valerse de las prendas que permitan establecer dicha vinculación. Es imperioso acudir a las imágenes, las cuales nos permiten establecer si existe ó relación entre las mujeres integradas al campo del trabajo y su ámbito laboral. Estas imágenes nos permitirán perpetuar, a lo largo del tiempo, los rastros que, por el deterioro de indumentaria dada por la debilidad que sus componentes poseen, sería imposible de ser llevado a cabo.

Verónica Piera Joly Miradas en torno a la moda y el devenir de la individualidad moderna


El poder de las imágenes (Marin, 1993), su capacidad de indicar la densidad simbólica de una formación sociocultural (Williams, 1980) en el tiempo, invita aquí a pensar el lugar del indumento en la sociedad moderna. Si el vestido habla (Squicciarino, 1990), indagaremos en este espacio el modo en que se da a la mirada (Debray, 1994) para connotar su función social. En este sentido, resulta ineludible la consideración del fenómeno de la moda al momento de observar cómo se presentan los cuerpos en la escena pública (Sennett, 1979; Entwistle, 2002), cómo se expresa la pertenencia a un colectivo y la inscripción en la jerarquía social. El análisis sociológico (Simmel, 1988; Veblen, 1987, Bourdieu; 1990), la lectura semiótica (Eco, 1976; Barthes, 1978) o el relato de la historiografía (Laver, 1992), han constituido anclajes que oportunamente acogieron al vestido para poner de relieve su significación. Este trabajo no se aparta de dichas explicaciones y se ubica en el ámbito del análisis cultural. Recortando tres momentos en la mirada del individuo a través de la moda en la sociedad moderna, se observará el modo en que el vestido sintetiza visualmente los signos de una sociedad humanista (S. XIV), de una sociedad moderna e industrial (S. XIX) o de una sociedad tardo capitalista y postdisciplinaria (S. XXI). De este modo, la moda emerge en el Quattrocento para delinear los contornos de una individualidad que se resignifica a sí misma en la estética aristocrática. Son los ropajes del rey y su corte (Elías, 1987) eficaz símbolo de legitimidad de la monarquía absoluta. El cuerpo individual se desdibuja bajo un traje complejo cargado de ornamentos y detalles (Entwistle, 2002). Un segundo momento ilustra la transformación de la moda en el devenir del capitalismo caracterizado por la profunda revolución de las fuerzas productivas. Revolución industrial, revolución textil (Hobsbawm, 1997). La moda es el signo de una modernidad secular, cuyos principales valores se afirman en la racionalización (Weber, 1995), el progreso y la industria. La dinámica sociedad de clases construye una individualidad moldeada por las instituciones disciplinarias (Foucault, 2002) y la burocratización creciente (Weber, 1995). El vestido de moda se vuelve mercancía, el cambio se institucionaliza (Lipovetsky, 1990) y los valores de elegancia, buen gusto y distinción de clase enhebran el universo burgués de la alta costura (Bourdieu, 1990).Contemporáneamente, los grandes nodos valorativos que articulaban la dinámica social moderna – el Estado, la nación y la industria – dejan paso a la hegemonía del mercado, la economía globalizada y la centralidad del capitalismo de servicios y de la información. La individualidad se configura al calor de la personalización de la vida (Lipovetsky, 1990), la práctica del consumo (Baudrillard, 1989), la crisis de las instituciones y de la sociabilidad del mundo del trabajo (Castell, 1997). Un individuo flexible y veloz. Una trama social que incrementa sutil pero eficazmente el control en la esfera del mundo privado (Deleuze, 1995). El campo de la moda se fragmenta, la alta costura ubica sus piezas en el dominio del arte (Lipovetsky, 1990), y emerge el vocabulario del diseño, el estilo de vida, la creatividad, la funcionalidad y la diversificación (Saulquin, 1999). Al igual que en otras prácticas propias de la modernidad tardía, la capacidad de formular un planteo para la acción se ha excluido de las instituciones y centrado en el yo (Giddens, 1997).

21 Cartographies Caroline Knowles & Paul Halliday

Paul Halliday The point of Departure This paper will focus on my twenty-year photographic project about London’s streets and public places. The project initially started as a series of informal walks around London with a small camera, without any sense, on the part of the photographer, of what shape or form would materialise as a result of the perambulations, encounters and subsequent editing processes. The paper will also focus on the possibilities of a cultural cartography within street photography, and the processes that constitute a notion of urban cognitive mapping within such visual practice. Implicit within this discussion is a re-examination of some of the core assumptions and ideologies within the sociological imagination, combined with possibilities for a widening definition of what might constitute a theoretically and practice-engaged disciplinary habitus. Central to this critique will be an engagement with the problematics of what, at a disciplinary level, constitute meaningful notions of ‘success’ and ‘failure’ within visual ethnography.


Ana Maria Muñoz Boudet Images of power, geographies of power

The ideal of the public space –both in physical and abstract terms- as a timeless, motionless, fixed space is at an evident jeopardy in today’s cities. The public and all what it entails is now played at a moving stage following city dwellers journeys across the city. One of the main features of our life in the city is circulation, to be ‘out and about’ in the street, commuting, or going into town; citizenship is in permanent motion. Given this dynamic character, it is possible to map not only the individual movement in the city, but also the experience of the city landscape and different encounters individuals have while in motion with others, with things, with messages, images, and representations. Challenging the idea that everyday commuting is a process that happens to our bodies only –as if while in the bus or tube we are a void, unconscious piece of flesh- my research focuses on the different encounters people can account for while in motion. Specifically, I try to ‘see’ what is seen. What does power looks like? What does power feels like? And how is power placed in the public spaces of circulation in the city; through the eyes of a regular city dweller in his/her everyday life. By means of making the subjects become tourists of their own life; providing them with cameras and journals, and asking them to be our tour guides of their commute, power representations can be seen, mapped and traced. The images, voices, eyes and journey maps of a group of students from Santiago, Chile are used to trace the representations of power in this city.

Rosario Palacios Exploring the rhythm of everyday practices: a cartographic approach

The practices of passers-by, their paths, voices, sounds and smells make up the ordinary scene in Plaza de Armas, the main square in Santiago de Chile. The background to their activity is the everyday, the terrain of the known and of the unknown. This might make the ordinary scene appear amorphous, boring and empty of meaning, but the attentive eye and ear situated on the street may begin to separate out and distinguish different rhythms among the users of the place. This paper focuses on the rhythm of the practices of walking and playing in Plaza de Armas. I argue that rhythm is a major element that opens the door to understanding of how meaning is embodied in those practices, thus, how people’s rhythm is related to their understanding of the world. Drawing on Cooper and Meyer’s work on rhythmic structures of music (1960) I take a concrete approach to rhythm in my analysis of everyday practices, by following users and mapping their trajectories in the Plaza together with conducting participant observation of their practices in place. Drawing on a six month field work in the site I describe through maps, diagrams and photographs, individuals’ understandings of the world as dynamic constellations organised by accents and unaccents that respond to different stimuli. By analysing the rhythm of practices I aim to ground some of the dimensions through which people experience difference, tension, fragmentation and exclusion in post-dictatorship Chile. A systematic observation and visual representation of practices’ rhythms allow us to go beyond the metaphorical use of the term and support in better way possible interpretations.

Santiago Escobar Citadels in conflict 'Citadels in Conflict' examines the spatial perceptions of Colombia's Ayacucho regiment and the Manizales male prison. Interpreted through the artistic expression of photography, a view of social and urban conflict is portrayed. Both sites are understood as citadels because they include all the social and physical variables of cities. These micro-cities house inhabitants who are directly related to social conflict. They also contain spatial conditions (architectonic and urban) that vary in their similarities and contradictions.


The first stage of this study was to show architecture as an interpreter of the dialogue between territory, space and conflict, and apply theoretical and conceptual references. The study was then structured in four main components: ‘The Structural System’, ‘The Social Environment’, ‘Architecture’ and ‘Urban as a Representation’, and finally, Themes’. Nine themes were developed which supported the composition and understanding of the pictures: context (morphology and public space), topography, security, form (symbology and density), mobility, permeability, activity, order and landscape. ‘Ciudadelas en Conflicto’ estudia las percepciones espaciales del Batallón Ayacucho y la Cárcel de Varones de Manizales, bajo la mirada del conflicto social y urbano, interpretada a través de la fotografía como expresión artística. Se leen ambos escenarios como ciudadelas, por contener todas las determinantes y variables físicas y sociales que posee la Ciudad. Estas micro ciudades albergan en su interior habitantes con afecciones directas sobre el conflicto social (militar, político, familiar, sexual, etc.), y condiciones espaciales (arquitectónicas y urbanísticas) variantes en similitudes y contradicciones. En primera instancia, se muestra la Arquitectura como intérprete en la construcción del territorio, el espacio y el conflicto, apoyado en referencias teóricas y conceptuales. Luego se estructura el estudio en cuatro componentes: el Sistema Estructurante, el Ámbito Social, la Representación de la Arquitectura y el Urbanismo y finalmente, el Producto o Caracterizaciones. Se proponen nueve caracterizaciones o propuestas de posibles intervenciones arquitectónicas, urbanísticas y paisajísticas a los conflictos sociales y urbanos estudiados. Estos fueron: Contexto, Topografía, Seguridad, Forma, Movilidad, Permeabilidad, Actividad, Orden y Paisaje; y se divide por el Batallón de Infantería No. 22 “Ayacucho” y la Cárcel de Varones de Manizales en la lectura del Contexto (entorno) y el Contenido (interior).

Caroline Knowles, Michael Tan A synergized disturbance: an artist and sociologist dialogue of lifeworks and journeys of a pair of flip-flop sandals "Is there an affinity between the activity of an artist and a sociologist? Artists create with images and sociologists with words: the world is their common muse. What began as a personal inquiry to understand the implication of sociological thoughts in Michael Tan’s artwork has evolved into an interdisciplinary practice – a synergised disturbance. Discussions aim to examine intersections between visual art and sociological inquiry; focusing particularly on their intent to ‘map’ the world through the biography of an everyday object – the flip-flop sandal. Our dialogue follows the trail established in the production, circulation and use of a pair of flip-flops beginning in the factories in China, to one of their most significant emerging markets, in Ethiopia. Here, flip flops, as the world’s cheapest shoe, are a step up from walking barefoot for millions of people who lack alternative footwear. We follow them on the feet of an elderly woman as she walks about her daily business in shanty town in Addis Ababa. Lives, landscapes, social relationships, material culture, divergent speeds of mobility and the Chinese footprint in Africa are revealed through the world’s simplest and cheapest shoe.

22 Images and advocacy Coord: Cynthia Miller

image-based projects are being employed with increasing frequency among communities of people to empower, create awareness, and advocate for change. From film and video, to digital storytelling, to disposable camera projects, these efforts are linking lives, narratives, and social action in order to render the unseen visible, create space for the marginalized, and reconsider the taken-for-granted, as people are asked to tell the stories of their lives through images. Utilizing new technologies, (web-based galleries, photo-sharing, U-Tube, etc.) these projects have the capability to create awareness, solidarity, and support across borders and boundaries in ways that are continually expanding. Notable examples of such projects are Photovoice, Shooting for Peace, Unseen America, and Against the Tide of History, among many others.


This panel will explore a range of community-based projects which utilize images for

advocacy and social change. It will be practical and methodological in nature, exploring the

hands-on processes of the projects, the images generated, and their objectives and outcomes -

- both for the individuals involved in image-creation and for the wider communities in which

they were carried out. Depending upon submissions, papers will be chosen to represent a

range of methodologies and media (both moving and still) and a cross-section of social,

economic, labor, and health issues address

Gavan Bright Queensland University of Technology

Digital Stories from the gay and lesbian histories project The 1990's ushered in greater acceptance of alternative lifestyles in mainstream western culture. With television shows such as Will and Grace and Queer Eye for the Straight Guy portraying leading openly gay men as acculturated, approachable and successful is a far cry from the demands of equality, human rights and difficulty imposed on safe sex preventioncampaigns for Gay and Lesbian Queenslanders during the Sir John Bjelke-Petersen (1968-1987) years as Premier of Queensland. Sadly, few opportunities exist for the early AIDS Epidemic survivors to tell their stories in their own words and for these voices to be heard more enthusiastically. The 'Digital Stories Project' fills this gap by connecting survivors and witnesses of the early days of the AIDS epidemic with their creativity and making their voices the centre piece of current AIDS prevention and social justice efforts. Providing survivors, witnesses and prevention educators with the multimedia pieces of hope, in a time when HIV treatments have made the illness invisible.

Jamie Joanou Arizona State University

Street children and cityscapes: the use of photovoice as collaborative method with children living and working on the streets of Perú How can pictures and the act of taking photographs benefit children who are living and working on the streets of Lima, Peru? The use of photovoice plays a significant role in this study, as visual methods are particularly well suited for getting at the ways in which children living and working on the street understand their socio-spatial environment. Concerned with reciprocal nature between the urban landscape and the presence of children living and working in the public spaces within it, this study privileges child-centered visual methods, like photovoice, as these methods allow for research with children rather than research about children. The children and youth participants in this study take their own photographs and document their lives, allowing them the opportunity to decide which spaces, places and events they deem important and providing them access to technology that they would otherwise never had access to. This paper outlines the ways in which, through their participation in this study, the children involved can begin to evaluate how they relate to the urban landscape and can collaboratively search for ways to improve their situations.

Ozlem Ogun Cirli (Middle East Technical Univesity).

Seeing work through an activist video film: From Hakkari to Ankara: SCAVENGERS This presentation analyses the activist video film From Hakkari to Ankara: SCAVENGERS (May 2007, Ankara) shot by an alternative media organisation in Turkey, Karahaber. The video is about scavengers collecting garbage in the centre of Ankara, the capital city of Turkey; and bringing them to warehouses in Türközü, a suburb of the city. Scavengers are forced migrants from villages in Hakkari (in south-east Turkey) who have come to Ankara; and child labour is marked amongst them. The video uniquely captures temporal and spatial dynamics of scavengers’ work. Besides scavengers’ perspectives, other people’s and the state’s perception of their work is visualized. The attitudes of politicians and representation of scavengers’ conflicts with the state in the mass media are criticized. In addition to these, the form and content of this video, and the intention and viewpoint of these video-activists provide insights for opportunities/ limits of visual approaches to sociological research on sensitive work issues. There is a collective, participatory and


reflexive approach. Scavengers become respondents, interviewers, cameramen; and the person shooting the video may become a respondent. Furthermore, different people such as children and adult scavengers express different relations with images, the camera and/ or video-activists. Regarding these, visual sociologists’ relation to the object/ subject of the study, to the gaze and to power, and to possible outcomes of an orientation towards an active “I see” approach rather than an approach of “I will show” is explored. Video also reflects emotions, ironies, metaphors (especially that of “false” world and “alien”) of scavengers through images, music and silence. For instance, symbolic meanings of several images from the garbage of daily life such as bank advertisements are ironically recycled into new meanings in the context of their workplaces. For theoretical elaboration, the analysis makes use of Ulus Baker’s viewpoint on video, and theories of Foucault, Derrida, and Bourdieu.

Cynthia Miller Emerson College

Linking Community and Classroom through Images for Advocacy Image-based projects, such as digital stories, public service videos, and photovoice, can provide a vital link between college classrooms and the communities that surround them, by asking students to identify urgent social issues, consider the people, places, organizations, and events with which they are intricately interwoven, and create visual awareness-raising projects in response. Here, we will look at a number of images-for-advocacy projects created by undergraduate students across the disciplines, and examine the ways in which Advocacy Across the Disciplines can become a reality, using image-based methods. Homelessness, immigration and refugee issues, and the correction system are among the areas addressd through these projects, as students attempt to create a space where the faces and voices of individuals affected by or working in these areas may be seen and heard from the margins of the wider community.

23

Imagenes de nuestro tiempo: otras miradas, nuevos sentidos Coord: Daniela Lucena, Moira Rubio Brennan, Miriam Priotti

La siguiente propuesta surge a partir de la experiencia de trabajo de la Fundación ph15

(www.ph15.org.ar), una organización que genera espacios de expresión y creación para

chicos y adolescentes en situación de marginalidad a través de uso de la fotografía. Desde el

año 2000 los integrantes de ph15 trabajan con jóvenes de comunidades precarias utilizando la

práctica fotográfica como un instrumento de comunicación e integración social. La

metodología implementada en los talleres de la Fundación se basa fundamentalmente en el

uso de las imágenes como herramientas cruciales para la reflexión sobre la propia

subjetividad y para la expresión de ideas y percepciones sobre el espacio social actual. La

tarea de los docentes de ph15 parte de la certeza de que “lo visible”, en tanto fuente de

conocimiento y acción sobre el mundo, es una construcción que implica una batalla estética y

política a partir de la cual se priorizan ciertos relatos, se ocultan otros y se configura un modo

sesgado de visualizar el mundo y los fenómenos que nos rodean. Haciendo uso de la cámara

fotográfica los alumnos de ph15 ponen en evidencia con sus imágenes otras formas posibles

de relación con lo real, instalando nuevos y heterogéneos modos de mirar nuestro tiempo en

sus múltiples dimensiones. A su vez, la utilización de la imagen como un modo reflexión y

conciencia favorece la reconfiguración de las subjetividades individuales y colectivas,

generando nuevos significados y relaciones con la realidad.Partiendo de estas

consideraciones se busca tanto intercambiar experiencias de trabajo con proyectos similares

como acceder a abordajes y reflexiones teóricas sobre los reposicionamientos y

reconfiguraciones que pueden generarse a partir de los usos creativos de la imagen. En este

sentido, se convoca a la presentación de trabajos que aborden teórica o empíricamente

preguntas y problemas vinculados con el uso de las imágenes para el favorecimiento de la

integración social y la configuración de nuevas visiones y sentidos sobre el complejo mundo

actual.


Valeria Dabenigno Analía Meo Soledad Vázquez Masculinidades en foco: relatos visuales y orales de varones adolescentes de la Ciudad de Buenos Aires. Nuestra investigación explora algunas de las identidades sociales de un grupo de adolescentes en situación de vulnerabilidad social que asisten a dos escuelas de un mismo barrio de la Ciudad de Buenos Aires. En particular, esta ponencia indaga las masculinidades emergentes en las fotografías tomadas por un grupo de varones adolescentes y en los relatos provenientes de posteriores entrevistas de fotoelucidación con estos mismos adolescentes. En tanto la masculinidad es vista como un proceso dinámico de producción y negociación de identidades de género, las fotografías de este grupo de varones constituyen soportes visuales y simbólicos para proyectar una imagen favorable de sí mismos en la situación de interacción social con las investigadoras. Con una alternancia entre análisis basados en imágenes y en relatos de entrevistas se reconstruyen las maneras de presentarse como varones, con un enfoque que contempla el carácter plural de la masculinidad y reconoce sus formas distintas, cambiantes y jerárquicas. Los relatos visuales y orales de los adolescentes permiten identificar masculinidades contrastantes y a veces antagónicas. Algunos de los aspectos analizados han sido: las actividades realizadas –que los distinguen de las mujeres y de otros varones de su misma generación-, las posturas y gestos que aparecen en las fotografías con varones, las chances de vida que dilucidan para si y creen disponibles para varones en situaciones objetivas semejantes, el tipo de vínculos y relaciones sociales que mantienen con mujeres y su forma de concebir las diferencias de género. Ilze Gabriela Petroni Producción de imágenes e inclusión social

Este trabajo propone reflexionar acerca de la posibilidad de generar estrategias de inclusión social a partir de la producción fotográfica. Asimismo examinar las prácticas torno a la intervención en el terreno de la cultura con sectores vulnerables en lo socio-económico; en este caso, sectores semi-rurales. Este proyecto de extensión universitaria –desarrollado durante 2004/2005- tuvo como objetivo la producción de discursos críticos “desde” los propios sujetos involucrados. Discursos visuales que permitieran repensar nuestras condiciones de existencia cotidiana, reconocer las pluralidades y diferencias, enfrentar los temores e incertidumbres, poner en cuestión lo naturalizado y, consecuentemente, proyectarnos hacia un futuro mejor y más digno. Pero además, cuestionar el orden hegemónico en el campo artístico. Retornar al supuesto de la vanguardia histórica de devolver al arte a la praxis vital. Pero no ya desde una crítica a la ideología y racionalidad burguesas (por lo menos no directamente) sino desde la toma de la palabra –desde la producción artística- por sectores que son excluidos de esta lógica. Un retorno del arte hacia la vida que supone reconocer que el proceso creativo crítico permite poner en cuestión los valores y sentidos dominantes y, concomitantemente, generar “otros” sentidos acerca del mundo para que éste vuelva a tener una función social y política vinculada a la democratización de los medios de producción de sentido.

Alejandra Rodríguez El poder de representar: nuestro barrio, sueños y realidades

En el Comedor “La Candela” todos los días un grupo de vecinos organizados se reúnen y llevan adelante las tareas del día a día: hacer el pan, preparar el merendero, las jornadas de limpieza solidarias, poner a funcionar la textil, organizar los distintos talleres de educación y cultura, entre otras actividades que desarrollan con mucho esfuerzo y compromiso con el propósito de mejorar la vida de los vecinos de Villa Cildañez. En el marco de estas actividades se realizó un taller de fotografía con los jóvenes del barrio.Al comienzo se trabajó a partir de distintas imágenes fotográficas de diarios y revistas que sirvieron como disparadores para pensar la historia personal, las realidades y los sueños en su relación con los otros.Luego, con la consigna “Nuestro barrio, sueños y realidades” los jóvenes recorrieron el barrio registrando con una cámara fotográfica digital aquellas imágenes que expresaban la consigna. Por último, se seleccionaron en forma conjunta quince fotografías,


a partir de las cuales los jóvenes escribieron los textos y pensaron los nombres de cada una.Una vez concluida esta parte del trabajo se decidió armar una Muestra con todo el material, la misma ha sido recientemente inaugurada en el Centro Cultural Caras y Caretas.El objetivo de la propuesta fue generar un espacio de reflexión, de expresión, habilitar una manera diferente de representar y narrar la vida cotidiana del barrio. Mostrar creativamente a través de imágenes y palabras el lugar en el que los vecinos organizados trabajan día a día intentando transformar la realidad. La propuesta se enmarcó en la lógica de una organización social en la cual lo urgente corresponde generalmente a la resolución de dificultades vinculadas a las necesidades básicas: alimentación, salud, trabajo, etc. En esta urgencia, la creatividad y la expresión se ubican en un plano distante de la experiencia cotidiana, achicar esa distancia fue un desafío de la propuesta. Generar condiciones para que sean posibles nuevas formas de representar, pensar, mirar, narrar en tanto gesto estético y político que permitió repensar el modo de construir organización social y poder. Pensar el poder a partir del desarrollo de la subjetividad, el pensamiento propio y la posibilidad de configurar nueva representaciones.

Verónica Devalle Diseño, política e imagen (privatizada)

Resulta llamativo comprobar que, aunque en términos generales se suele caracterizar a esta

época en función del reemplazo de lo verbal por lo visual, poco o casi nada se ha

reflexionado sobre la incidencia del Diseño en la era de la imagen. La imagen aparece como

un dato, un a priori desde donde se analizan las transformaciones en el imaginario social o

cultural. Efectivamente, en el escenario de los estudios sobre las transformaciones culturales

de las últimas décadas, se ha enfatizado la hegemonía de lo visual pero se ha descuidado la

modalidad de producción de lo visible, donde el Diseño desempeña un rol protagónico. Este

déficit es simultáneamente compartido tanto por las disciplinas sociales como incluso –y

llamativamente- por las llamadas “proyectuales” (Arquitectura, Diseño de Imagen y Sonido,

Diseño Gráfico, Diseño Industrial, Diseño de Indumentaria, Diseño Textil, Diseño Sonoro).

Si las primeras insisten en enfatizar la importancia de lo visual a partir de categorías propias

de las ciencias sociales clásicas (particularmente las categorías y conceptos de la sociología

de la cultura), las segundas recuperan la especificidad técnico morfológica de lo visible,

desatendiendo la interacción entre, en palabras de Foucault, “poder y discurso”. Este divorcio

conlleva consecuencias a nivel teórico (particularmente a la hora de trazar un panorama

donde dialogue lo visible y lo argumentable) como también a la hora de analizar casos

concretos con serias consecuencias en la vida cotidiana. La ponencia intentará reflexionar

sobre este problema teórico a partir del análisis del desempeño del Diseño Gráfico en la

ciudad de Buenos Aires, en los años ´90 teniendo en cuenta su rol protagónico en el

reposicionamiento de la imagen de las empresas públicas al momento de su privatización.

Maria Lidia Saguier El museo Guggenheim Bilbao: imagen icónica y texto sociológico

El presente trabajo aborda las imágenes del Guggenheim Bilbao como elemento paradigmático para ensayar una lectura sociológica que permita aportar a una construcción social de sentido de dichos elementos visuales, es decir, atribuir sentido y significación a los mismos en el marco de nuestras post-modernas sociedades occidentales. La hipótesis que formulamos es que dichas imágenes ofrecen, ciertamente, mucha y muy rica información acerca de lo social, acerca del momento histórico que atravesamos, acerca del tipo de transformaciones que las sociedades occidentales experimentan en nuestros días. Postulamos una lectura sociológica que intenta decodificar esas imágenes, traducir en palabras lo que ellas “dicen”, develar lo que “está allí”. Si desde la perspectiva de la sociología visual toda imagen puede ser -para quien sabe leerla- un relato de honda expresividad y significación social, de lo que se trata en el presente trabajo es de construir un relato en torno a la imagen icónica del Guggenheim Bilbao, de postular al Guggenheim Bilbao como relato de época en un post-moderno mundo global. Sin duda existen ya


considerables evidencias de que este nuevo museo se ha constituido en una imagen emblemática de la ciudad de Bilbao; nuestro trabajo postula que su valor emblemático se extiende más allá de eso, para perfilarse como icono que expresa fuertemente algunas de las características centrales de la época histórica que nos toca vivir: la de la “modernidad

líquida”.

24 Los dilemas de la imagen en las sociedades contemporáneas: una discusión desde la educación y la formación Coord: Inés Dussel

El panel se propone abordar los dilemas de la imagen en las sociedades contemporáneas. Entendidas como modo natural de relación con el mundo, las imágenes se multiplican y se difunden por doquier, también portando una (sobre)carga semiótica y política. ¿Qué imágenes circulan, y cómo? ¿Qué discurso visual sobre el mundo se produce en esta profusión de imágenes, muchas veces marcadas por la violencia y el sensacionalismo? ¿Cómo se configura la percepción estética, cognitiva y ética a partir de esas imágenes? ¿Cómo se forma la opinión? ¿Qué procesos educativos tienen lugar, y qué otros podríamos imaginar o promover? El panel busca propiciar una reflexión abierta sobre los regímenes de visibilidad y su relación con procesos políticos y pedagógicos.

Inés Dussel Leonor Arfuch Sandra Carli Javier Trímboli

25 Narrativas dibujadas: historietas y humor gráfico Coord: Laura Vazquez

La historieta y el humor gráfico siguen siendo un campo de investigación desatendido en la

historia de los medios en la Argentina. Con casi un siglo de existencia en nuestro país ha

formado parte de los procesos históricos que tuvieron lugar durante ese período. Su inserción

en la actividad editorial, cultural y económica es de una referencia insoslayable. De allí que el

conocimiento de la historia de estas literaturas de la imagen amerite el desarrollo de un

campo disciplinar específico (y al mismo tiempo interdisciplinar) que forme parte de la

historia de los medios de comunicación. Del mismo modo, cobran importancia los estudios

sobre los archivos de historieta, la conservación, la accesibilidad y los potenciales usos de sus

registros como fuentes de la historia, las metodologías de análisis pertinentes, por lo que se

considera de interés para esta mesa reunir los aportes, en buena medida dispersos, que se

realizan sobre estos temas. Las literaturas de la imagen se ubican en un cruce singular entre

masividad y marginalidad, entre visibilidad e invisibilidad y entre legitimidad e ilegitimidad,

lo que constituye en la industria cultural y masiva una particularidad ineludible. Las tensiones

entre lo público y lo privado, entre el arte y el género, entre la cultura de masas y la cultura

popular suponen un rasgo paradigmático y paradojal en términos de la producción y el

consumo de narrativas dibujadas.

Roberto von Sprecher Discurso montonero en las historietas de HG Oesterheld Las historietas de Héctor Germán Oesterheld son unos relatos excepcionales para aproximarnos a la comprensión de la radicalización de amplios sectores de la población


argentina a fines de los sesenta y comienzos de los setenta, como también para visualizar algunos aspectos del discurso de Montoneros y de su relación con Perón. En las historietas que Oesterheld escribió para las revistas de Montoneros explicitaba las diferencias con Perón que en otros lugares eran planteadas sinuosamente. Oesterheld, el guionista más importante en la historia de la historieta de Argentina y uno de los más destacados a nivel mundial, militó en sus últimos años de vida en la organización armada Montoneros. En esta ponencia, desde un marco teórico inspirado en Las Reglas del Arte de Pierre Bourdieu, rastreamos la relación del discurso de Oesterheld con el discurso de de Montoneros. Nuestro corpus incluyó las historietas El Eternauta primera parte (1957/59), El Eternauta segunda parte (1976/7), América Latina, 450 años de guerra (1973/4), La Guerra de los Antartes

(1974), Camote (1975). Las tres últimas fueron guionadas para publicaciones relacionadas

cercanamente, o pertenecientes, a Montoneros Federico Reggiani De la transparencia a la exhibición: construcción de secuencias, regímenes enunciativos y estados del campo en el desarrollo de la historieta argentina

En este trabajo, se propone examinar, entre las posibles marcas de

enunciación de una historieta, las que surgen del análisis de modos

diversos de construir secuencias, modos estabilizados o desviados de

articular viñetas entre sí.Se propone el examen de diversos regímenes de enunciación como

una herramienta útil para distinguir estilos de época o variantes de

género. En tal sentido, se analizan los mecanismos de construcción de

secuencias de historietas policiales argentinas en momentos diversos

del campo.

Florencia Levin La construcción iconográfica de la violencia y del imaginario de comunidad política a través del humor gráfico. El caso de Clarín entre 1973 y 1983 En marzo de 1973 el diario Clarín, uno de los principales diarios argentinos y por ese entonces el de mayor circulación nacional, decidió dejar de publicar tiras de humor de autores extranjeros y convocar a los humoristas locales más reconocidos del momento para integrar la página de humor. Esta decisión tomada por Clarín implicó no solamente “nacionalizar” a los humoristas de la página sino también al contenido del humor que, a partir de entonces, comenzó a estar directamente vinculado con los avatares cotidianos del país. En esta presentación me propongo reconstruir y analizar los principales rasgos de las representaciones que los distintos humoristas del diario construyeron sobre la llamada “escalada de violencia” y la acción represiva clandestina así como también los imaginarios sobre la comunidad política que se desprenden de sus obras. En la exposición se considerará el contexto discursivo en el cual los “chistes” fueron insertos, haciendo una contraposición los mismos y la editorial del diario. En este sentido, se intentará demostrar que existe un juego de tijeras con respecto a la visibilidad e invisibilidad de la violencia política entre el humor gráfico por un lado y la publicación de noticias y la línea editorial por el otro. Asimismo, se intentará demostrar que la construcción iconográfica de la comunidad política emerge en contextos de transición, crisis o descomposición de los gobiernos acompañando la preocupación expresada por Clarín en sus editoriales. El trabajo se sustenta a partir de la hipótesis de que el lenguaje del humor gráfico se constituyó en una vía privilegiada para tematizar, problematizar y simbolizar aspectos conflictivos de la cultura política con un grado relativamente amplio de autonomía en relación con la voz oficial del diario, expresada en los editoriales. Sin embargo, se afirma que más allá de esta relativa autonomía, el lenguaje humorístico no escapó a ciertos imaginarios políticos del

momento e incluso contribuye a reforzarlos. Diego Agrimbau Paradojas en el canon de la historieta


Durante su existencia la historieta argentina ha intentado desarrollar sus propios medios de generación de un canon propio. Tales intentos siempre han sido arrastrados por los vaivenes en la tensión propia del campo, entre el orden establecido siempre débil y escasamente legitimado, y los movimientos heterodoxos incapaces de encontrar un espejo ante el cual poder devolver una mirada crítica. El canon de la historieta argentina se ha construido de todos modos, a partir de fracciones, como un golem constituido por diversos monumentos partidos. La falta de una oficialidad, de una doxa, más fuerte y determinante, anclada en su permanente falta de institucionalización, ha repercutido en una debilidad equivalente de los movimientos que intentaron modificarla o discutirla. El canon de la historieta argentina, entonces, se ha basado, ya no en la racionalidad de un campo crítico heterogéneo, legitimante y dinámico, sino en una operación de fundamento mítico y disciplinante. El canon de la historieta argentina encuentra su fundamento (en términos casi literales) en la canonización de Oesterheld, en tanto autor y editor, como mártir iniciático. Lucas Berone El discurso sobre la historia en Argentina intertextualidad, conciencia y mercado

Hacia 1974/1975, en nuestro país, las principales líneas de teorización y crítica en el campo de las ciencias de la comunicación y los estudios sobre cultura popular se han consolidado y, respecto de la historieta como género y como lenguaje de la comunicación de masas, han establecido sus áreas de interés y los modos institucionales de su acceso al objeto. Si hubiera que marcar una periodización en el desarrollo de los discursos teóricos y críticos acerca de la historieta, en nuestro país, sería necesario afirmar que la segunda mitad de la década del setenta constituye un momento de dispersión de esa discursividad; donde los textos, las publicaciones y los autores que antes parecían haberse convocado polémicamente en torno de los mismos objetos, acontecimientos y categorías, dejan de repente de señalarse entre sí y se recluyen en las dinámicas discursivas de diferentes discusiones y agendas, diferentes tradiciones, distintos desarrollos disciplinares, diversos circuitos de producción y circulación de saberes y opiniones. La línea semiológica, representada por los análisis de Oscar Steimberg, reunidos en libro en 1977 (Leyendo

historietas, Nueva Visión, Buenos Aires), ha comenzado a pensar su acceso a la historieta desde las formas de la intertextualidad, instalando constantemente su objeto de estudio en los cruces y en los juegos entre determinaciones siempre diferentes: entre la palabra y la imagen, por supuesto; pero también, entre los discursos sobre la actualidad y la ficción, entre el entramado de las iteraciones y los estallidos de la novedad, entre los protocolos de la literatura y los de la pintura, entre la lógica del mito y la ilógica de los sueños. Un poco más allá, casi en el otro extremo del campo, y sacudidas por el traumático cierre de la experiencia socialista en Chile, las reflexiones y los trabajos de sesgo marxista (los de Ariel Dorfman, por ejemplo) aparecen encerrados, enfrentados al problema de la conciencia

burguesa y de las relaciones con sus “fantasmas”: la ideología como “falsa conciencia”, la “moralización” de las relaciones sociales de explotación, la “naturalización” de los procesos

históricos. 26 La construcción fotográfica de la nación. Prácticas, archivos y desclasificaciones Carlos Massotta Mariano Gallego El panel se propone abordar la problemática de la nación y su construcción a partir de las imágenes fotográficas que recorren el imaginario social y nacional de la misma, teniendo en cuenta estas últimas como una práctica social propia del campo de la política y los discursos del pasado de la nación. Se toma en cuenta que el mensaje fotográfico no se resuelve exclusivamente en la construcción semiótica de la imagen sino que, tanto las políticas de guarda, clasificación, acceso y circulación, como los usos específicos y/o prácticas de resemantización, constituyen un aspecto relevante del proceso de actualización


de ese mensaje. Así, se busca que fotografía, memoria y archivos sean abordados como partes integrantes de una tecnología de política evocativa sensible a la manifestación de los conflictos que la ponen en funcionamiento

Lizbeth Arenas Fernandez La culpa de la mirada. La representación de las víctimas en las fotografías de la comisión de la verdad y reconciliación en Perú

l año 2001 se conforma en el Perú la Comisión de la Verdad y Reconciliación (CVR) con el

objetivo de esclarecer los hechos y responsabilidades del denominado proceso de violencia

vivido en el país durante las dos últimas décadas (1980-2000). El accionar de las

agrupaciones Sendero Luminoso, MRTA (Movimiento Revolucionario Túpac Amaru),

paramilitares y las Fuerzas Armadas y Policiales como aparatos del Estado, causaron la

muerte y desaparición de 69.280 personas, en su mayoría pobladores de los andes peruanos y

quechuahablantes.Con ese mandato y adicionalmente a su Informe Final, la CVR arma un

archivo fotográfico con unas 1700 imágenes provenientes de más de 80 archivos públicos y

privados, de las cuales extrajo unas 200 para exposiciones y 102 para la publicación del libro

Yuyanapaq: Para Recordar, incluido también como documento en el anexo del Informe

entregado el año 2003. Es entonces a partir de estas imágenes, que nos interesa analizar la

construcción político-ideológica de una otredad victimizada visualmente, en particular bajo

las nociones de verdad y reconciliación, respecto al papel del Estado, sus fuerzas armadas y

paramilitares, y a las agrupaciones armadas. Intentaremos explicar y profundizar cómo estas

representaciones inmersas en el campo de lo simbólico, de la comunicación y la cultura, se

constituyen, según nuestra mirada, en un material relevante para fijar los aspectos de

formación de un imaginario social del peruano acerca de este proceso.

Jorge Pavez Ojeda La misión anglicana y el nacionalismo mapuche: archivo colonial, fotografía y desclasificación

A fines del año pasado (2007), publicamos un libro que reproducía más de 200 fotografías inéditas conservadas en un álbum hasta entonces desconocido:, Mapuche y Anglicanos.

Vestigios fotográficos de la Misión Araucana de Kepe (1896-1908), Santiago de Chile: OchoLibros, 2007 (André Menard y Jorge Pavez -eds.). Se trata de las fotografías que documentan la instalación y desarrollo de la Misión Araucana de Kepe (sur de Temuko, Región de la Araucanía, Chile), llevada a cabo por un grupo de anglicanos anglosajones, chilenos y mapuche, bajo el liderazgo del pastor canadiense, “superintendente” Charles Sadleir. Este álbum y sus comentarios manuscritos permiten iluminar uno de los tantos puntos ciegos de la historia mapuche, aquel que dice relación con el proceso de arreduccionamiento que vive esta sociedad a la vuelta de los siglos XIX y XX. En esta ponencia, queremos destacar el contraste que significa la aparición de este álbum, donde los retratados mapuche son todos identificados con su nombre propio, en relación a la fotografía de “tipo étnico” que circula masivamente hoy en día, con sus efectos de folklorización y homogeneización de las poblaciones colonizadas, por dispositivos y montajes para la anonimación y tipificación racial. La identificación de los nombres propios mapuche, asociados a rostros y cuerpos obliga a una nueva lectura de la constitución del sujeto fotográfico: de la fotografía étnica pasamos a la fotografía de clase. Al investigar la historia de las familias mapuche asociadas a la implementación de la misión, observamos que se trata de personajes que conforman la elite mapuche pre-reduccional y que conservarán esta posición una vez consumada la colonización. Esto nos permite afirmar la existencia de una continuidad entre el liderazgo político pre-reduccional y pos-reduccional. Esta continuidad se verá favorecida por la política anglicana respecto a las formas de “conversión” de los sujetos colonizados. Aquí, al igual que en las diversas colonias del imperio británico (Nueva Zelandia, Nigeria, India, por ejemplo), los anglicanos desarrollan un mismo método: formar a las elites locales con el fin de hacer de ellas el relevo de la administración colonial (la política del “gobierno indirecto”), fomentar las uniones matrimoniales entre personas de una misma “raza” (endogamia racial), fomentar la conservación y uso del idioma del colonizado por medio de la traducción de textos religiosos


y su publicación, desarrollar nuevas formas económico-productivas en base a la tecnificación de las labores agrícolas. Todas estas propuestas se erigen en contradicción con los proyectos del nacionalismo chileno, que se propone el mestizaje racial por uniones matrimoniales mixtas, la desaparición del idioma mapuche para asimilar lingüísticamente estas poblaciones, y la desaparición de las elites políticas mapuche para la chilenización de la representación política. Las fotografías del álbum de la Misión permiten observar estos aspectos de la intervención anglicana, pero también sugieren la toma de posición de los mapuche en relación a este modelo de intervención. En particular una serie de fotografías que documentan las reuniones políticas mapuche, permite documentar la continuidad de una lógica política, en que la Misión debe insertarse para lograr su aceptación. En las décadas que siguen a esta etapa, gran parte de la dirigencia del movimiento nacionalista mapuche será formada al alero de las dos Misiones anglicanas, evidenciando así el impacto de la política anglicana, completamente invisibilizado en términos historiográficos por la hegemonía católica y su asociación con el estado chileno para la implementación de una política de asimilación y mestizaje. Podemos así ver cómo el archivo mapuche se erige como resto irreducible a esta política nacionalista chilena.

Gastón Carreño Fotografías de cuerpos indígenas y la mirada erótica: reflexiones sobre algunos casos del confin austral

En esta ponencia, se realizará una aproximación a la fotografía de cuerpos indígenas, un

especial tipo de representaciones (con usos y lecturas diversas), ya que detrás de esas

imágenes -aparentemente etnológicas o antropológicas- se esconde una lectura erótica, en un

periodo (1880-1920) marcadamente represor de las manifestaciones sexuales. En particular,

se analizará como en esa práctica global de producción de fotografías, es posible encontrar

algunos casos amerindios, específicamente de indígenas de lo que hoy es Chile (Mapuche y

Yámana). Por otro lado, es importante destacar que esta producción fotográfica revela

aspectos esenciales de la estrategia de representación eurocéntrica hacia el indígena

americano y como los contenidos dominantes de las fotografías son aquellos que el productor

de la imagen impone sobre el retratado, estableciendo una asimétrica relación entre el

fotógrafo (europeo generalmente) y el indígena, en donde el primero se apropia visualmente

del segundo.

Ana Clara Fabaron Usos sociales de los símbolos nacionales en los cuerpos. Análisis a partir de un registro fotográfico

Este trabajo se propone describir y analizar usos sociales de los símbolos nacionales en los cuerpos de distintos actores, en la Argentina actual.Entendiendo la corporeidad en tanto estructura simbólica, utilizaré la idea de performance como recurso metodológico para hacer foco en determinadas escenificaciones que permiten identificar ciertos sentidos particulares y modos de vincularse con lo nacional.El análisis -que toma como base observaciones y un registro fotográfico realizados en 2006 y 2007, en días cotidianos, en determinadas fechas clave del calendario de conmemoraciones nacionales (24 de Marzo, 2 de Abril, 25 de Mayo, 20 de Junio, 9 de Julio) y en una celebración como el “Carnaval del País”, en la ciudad de Gualeguaychú- apunta a dar cuenta de una multiplicidad de motivaciones e identificaciones, así como sentimientos y emociones vivenciados en torno a la Nación. Las imágenes seleccionadas condensan sentidos que permiten destacar algunas cuestiones particulares: diferentes temporalidades; una distinción entre usos oficiales y usos populares; la espectacularización de la nación; identificaciones sectoriales.Diferentes contextos permiten distintos usos de los símbolos nacionales, habilitan o inhiben determinadas expresiones. Dentro de esa multiplicidad de escenificaciones en torno a la nación, las representaciones parecieran moverse, sin embargo, dentro de ciertos límites y condicionamientos. Aún así, hay algunos indicios de que la matriz histórica nacional se estaría modificando, al menos en el plano de las representaciones, dando lugar a que

algunas categorías identitarias antes invisibilizadas vuelvan a escenificarse.


Beatriz Sznaider Los discursos de mayo: avisos multinacionales y de gobierno del Centenario al Bicentenario. Nos proponemos describir y analizar el desarrollo y la expansión de la comunicación institucional y de gobierno en su cruce con un evento histórico central en la vida nacional: la Revolución de Mayo. Sostenemos la pertinencia del tema en un doble anclaje: por un lado, el lugar articulador de todo género como espacio discursivo en el que se procesan diferentes registros de la totalidad espacio-temporal donde el género transcurre, muchas veces en forma desplazada respecto a su funcionalidad. Por el otro, la posibilidad de dar cuenta de la palabra de las instituciones en una serie diacrónica a partir de la cuál se puede reconstruir un cierto tipo de racionalidad: hablamos de una forma de autoafirmación política del Estado y de las instituciones y de un modo por el cual toda intervención comunicacional refiere siempre a una forma de vida en común. Por lo que entre los procesos de decisión institucional, las modelizaciones que imponen los dispositivos tecnológicos y los automatismos del discurso, surge una forma de visibilidad históricamente fundada que se expresa en las diversas maneras de constituir lo público.Los avisos institucionales recogieron y procesaron, desde sus propias condiciones productivas, el tratamiento de las imágenes y temas sobre nuestros eventos históricos y nuestros próceres. Sostenemos, a modo de hipótesis, que la comunicación institucional impone a través de sus juegos materiales de figuración, argumentación y construcción enunciativa, un cierto tipo de racionalidad respecto a lo que la institución es, lo que dice que es y sus modos de intervenir funcionalmente y simbólicamente respecto a lo público. Lo hace a través de estrategias concientes, deliberadas y políticas cuyo límite productivo está puesto en los mecanismos automáticos del discurso que se ponen en juego a través de los estilos, esos modos de hacer que en su compleja imbricación de rasgos del pasado, del presente y de prefiguración del futuro actúan no sólo como emergentes de un contexto de época, sino como lugares donde desplazadamente la sociedad procesos sus conflictos. En ese sentido, los avisos son el lugar de la costumbre y la repetición, pero también el del síntoma o la distracción. En esta incipiente entrada al problema de los discursos de Mayo en sus avisos institucionales asoma el carácter fuertemente construido de la iconografía que los ilustra; de las maneras de circunscribir el hecho histórico; de tradiciones que remiten a un pasado de héroes más o menos lejanos y más o menos propios; que apela a registros más racionales o más emotivos; que articula espacios sociales supuestamente diferenciados como el del consumo y el del rito festivo. Creemos que en el final del recorrido asomará la fuerza narrativa que encarnó el sueño del inicio de la Argentina como proyecto nacional.

Ruben Alcolea Catálogo virtual de la arquitectura moderna en España

El libro Arquitectura española contemporánea, de Carlos Flores, se publicó en 1961 con la pretensión de convertirse en el primer gran compendio de la arquitectura moderna en España. La magnitud de esta obra impresiona aún hoy, no sólo por la dificultad de iniciar una labor de semejante envergadura sino por la voluntad de convertirse, además, en un catálogo visual absoluto de la arquitectura en la península. Sus más de seiscientas fotografías desvelan el universo de la arquitectura española durante la primera mitad del siglo XX y se convierten, en muchos casos, en verdaderos iconos de la modernidad en España. La propuesta analiza la publicación de Flores a través, no del contenido histórico, sino principalmente por medio de las imágenes publicadas, buceando en la memoria visual española. Del estudio de las fotografías es posible extraer algunas conclusiones anecdóticas pero no por ello menos representativas: el volcado y catalogación de los proyectos ilustrados fotográficamente establece un ranking de popularidad descubriendo, no sólo los edificios con mayor impacto mediático, sino también los fotógrafos que han consolidado la cultura visual de nuestra historia. En la obra de algunos de estos fotógrafos, consagrados casi en exclusiva a la fotografía de arquitectura, se descubre además la influencia directa tanto del neorrealismo italiano como de las corrientes derivadas de los modelos constructivistas centroeuropeos de entreguerras, convirtiéndose así en interesantes puntos de contacto


entre ambas posturas. Conviene destacar, por ejemplo, el impacto visual con el que Català-Roca presenta la obra de Coderch, estableciendo referencias directas con las fotografías de arquitectura moderna llegadas desde el otro lado del Atlántico; la gran conciencia social con la que Kindel retrató los poblados de colonización de Luis Fernández del Amo; el monopolio con que Chivite ejercía de fotógrafo de arquitectura en Zaragoza; o la utilización de imágenes ya consagradas por otras Historias de Arquitectura para consolidar la hegemonía de algunos de ámbito internacional, como las que los hermanos Chevojon realizaron en la Galerie des Machines o en el edificio de viviendas de la Rue Franklin de Perret. Por todo ello, el análisis de esta obra enciclopédica a partir, únicamente, de sus imágenes configura un panorama visual bastante completo de esos años, consolidando, al igual que los proyectos a los que retratan, el cuerpo más importante de nuestra historia, sirviendo, lógicamente, como clara referencia para abordar el estudio de la visualidad moderna en su relación con la arquitectura.

27 When photography operates in other media Coord: Arild Fetveit This panel explores how photographic pictures operate in other media (in feature films, documentaries and music videos for example) and what such operations contributes to our understanding of the medium of photography. More precisely, we may ask, how does photography appear as seen from another medium? Aesthetic, rhetoric and social aspects, as well as aspects relating to time and space, may be relevant to such an exploration.

Milla Jung A construção do imaginário latino-americano através da fotografia No século XX a fotografia latino-americana preocupou-se em retratar as geografias e a formação das identidades nacionais. Em cada país, fotógrafos, num árduo e não remunerado trabalho, retrataram infinitamente as histórias de seus países, suas conquistas, paisagens e bens perdidos. Através de uma aproximação documentarista clássica como a da Escola Mexicana, de um mapeamento social como a do peruano Martín Chambi, de um aprofundamento psicológico como o do chileno Sergio Larrain ou das imagens diretas do fotojornalismo brasileiro na ditadura militar; a ordem do olhar esteve submetida ao que está fora, na realidade cotidiana e palpável. No século XXI a experiência é outra, os desafios deixam de ser onzas intermináveis extensões de fronteiras físicas e passam a ser de orden subjetiva. As figurações coletivas dão lugar ao individual. Com a globalização, nosso espelho muda de lugar e a fotografia continua sendo o reflexo onde buscamos onde está fixada nossa face. Os trabalhos de Miguel Rio Branco, Claudia Andujar, Lucila Quieto e Marcos Lopez nos ajudarão a elaborar, senão as respostas, as perguntas apropriadas para entender o papel da fotografia no imaginário latino americano.

28 Methodological Issues of visual data collections, production and presentation Coord: Luc Pauwels This session seeks to provide a forum for the in-depth discussion of a variety of critical aspects with respect to the methodological underpinning of visual research in the social sciences. The focus of the presentations should lie on methodological, typological, or technological aspects in a more generic sense. This does not rule out papers that also have an ‘applied’ focus but it does mean that the presentation and discussion of visual methodology and related issues and their potential for applying them to different themes and fields should be highlighted. The aim of this session is to contribute to the construction of a more solid and explicit theoretical and methodological basis for the use of


visuals in social scientific research. These efforts may help to solidify visual research as a viable and credible alternative or complement to other types of social and cultural research.

Luc Pauwels Modelling visual sociology: an integrated approach to visual methods in social and cultural research While many indicators testify of a heightened interest in making use of the visual in social scientific research as well as in many other scholarly strands, there is little integration with respect to its findings and practices. Visual methods seem to be reinvented over and over again without gaining much methodological depth and often with a lack of knowledge of - or at least a neglect to acknowledge – long existing classics of the field. Often more effort is put in trying to ‘appropriate’ a field (through renaming it and by relabeling its techniques, as well as by imposing particular theoretical frameworks and themes) than in taking a more cumulative and integrative stance.

In this presentation I will propose and discuss elements of a more encompassing and refined theoretical and methodological framework for visual methods that tries to account for the great variety that exists within each of the currently discerned types or methods (e.g. with respect to assumptions, types of outcomes, validity, ontological status of the visual). In doing so I will move beyond the more or less arbitrary and often very hybridly defined modes and techniques and clearly focus on the aspects that connect or transcend these modes and applications. This more analytical and integrated stance may help to pave the way to a better methodological grounding of visual practices (including data gathering, analysis and reporting) in sociology and would also help these hitherto unconventional approaches to acquire broader acceptance within the mainstream social sciences.

This presentation rests on the idea that a more refined multidimensional approach of the many issues and aspects of visual research may contribute significantly to the further theoretical and methodological grounding of a more visual social science. The proposed framework aims to offer better insight in current possibilities and approaches and, stimulate new and more refined combinations rather than shrink or put a limit to possibilities of enquiry.

Darren Newbury Birmingham Institute of Art and Design, Birmingham City University

Whose images are they? Visual research, publishing and the copyright problem

This paper was prompted by discussions I have had, as editor of Visual Studies, with numerous colleagues and authors involved in publishing visual research papers, as well as my own recent experience of researching and negotiating copyright permissions for photographs to be used in a book. Many researchers take visual culture, both contemporary and historical, as a central subject of study; I am one of them. Indeed, the ubiquity of visual images in contemporary culture and the increasing ease, through the last century and into this one, with which images can be circulated and reproduced seems like a free gift to the visual research community. No longer is it necessary to search out visual material in remote locations or dusty archives, it is all there ready and available for us to use. Except, that is, until it comes to publishing our research. At this point our abandonment in the playground of visual culture suddenly turns sour, to be replaced by concerns about who owns the images we are looking at, and how much they might charge us to use them to illustrate a book or paper, if they allow us to use them at all. One predominant response to this dilemma is for authors to turn to the notion of fair use as both a legal and moral defence of their desire to use visual material without further regard for its ownership and conditions of production or circulation. Whilst there are many sound aspects to this argument when it is well made, I think too often it is used as a reason not to engage with the dynamics of what is in fact a complex economy of images. There is a vast difference between a young African photographer and the Reuters media empire, and visual researchers are not always powerless players in this world, despite what they might claim. The neglect of these issues on the part of visual scholars seems curious; it is hard to believe that researchers would take a similar attitude to the provenance of textual or numeric data. I also believe there will be missed opportunities where visual researchers use images in their research without engaging with those who are responsible for their creation and dissemination. With reference to examples from my own and others’ experiences, I want in


this paper to explore issues of image ownership, practical and ethical dilemmas surrounding copyright permission, and the benefits as well as the problems involved in engaging with the world that lies behind the images we see

Cynthia Srnec Universidad de Buenos Aires, Argentina

Pablo S. García Universidad de Buenos Aires, Argentina

Imagen, subjetividad e identidad: un análisis del lenguaje de imágenes desde la etnografía virtual

Dado el extraordinario desarrollo de Internet en la última década, para la investigación social este ámbito es tanto un objeto de estudio como una herramienta de investigación. Esta ponencia pretende comunicar algunas reflexiones teóricas a partir de nuestra experiencia de trabajo de campo bajo el método de la etnografía virtual. Nuestro proyecto tuvo como objeto las representaciones sociales de la new age de los jóvenes de la Ciudad de Buenos Aires del siglo XXI, y en particular de grupos afines a fenómenos paranormales. Siendo difícil el acceso personal al grupo de estudio, se encontró en Internet un medio adecuado de aproximación y estudio. El análisis de la interfaz gráfica de Internet, con sus distintos tipos de imágenes (texto, fotos, dibujos, etc.), encontramos un lenguaje complejo, elástico, en continuo cambio y desarrollo. El investigador debe considerar que el ámbito virtual tiene características particulares como la incorporeidad de la imagen, la diferente temporalidad, la ausencia de distancias, el anonimato de millones de interlocutores, entre otras. Los mensajes, los significados, se transmiten a través de signos visuales, ya sean desde la forma texto o fotografía o video. A su vez, el internauta no es un simple consumidor de imágenes, sino un practicante1, es un consumidor cultural que fabrica, construye, modifica, no es mero receptor. Los usos que hacen los internautas de las imágenes disponibles en Internet son diversos, implican distintas maneras de circulación, almacenamiento, transformación, cambios en las funciones y en los significados. Asimismo, el practicante realiza un “bricolage” de imágenes, con diversas herramientas, es decir, innova. No debemos olvidar que en este ámbito siempre está presente un destinatario, aunque sea anónimo y plural; nunca se deja de apelar al otro: las redes sociales son más extensas que las de los grandes servidores. La etnografía virtual es una herramienta que posibilita estudiar los cambios en las apropiaciones que hacen los individuos en el campo de un orden, por ejemplo, el lenguaje escrito en los foros; además de permitir indagar la interesante tensión y articulación entre lo público y lo privado en el ámbito virtual. Esta metodología se sitúa en un espacio que es diferente al real, pero no por ello totalmente independiente, lo virtual es una continuación de lo real. Este trabajo pretende contribuir al debate sobre cómo estudiar la imagen en Internet y sobre los nuevos métodos de investigación en dicho ámbito.

Tracy Xavia Karner University of Houston Performing the role of Photographer in the Fine Art Photography Portfolio Review Process Becoming a Fine Art Photographer does not have a clear career trajectory. There are no set training requirements, employment steps, or pathways to success. Fine art portfolio review events offer one avenue for emerging photographers to network, show work, and attempt to advance their career. Ongoing ethnographic participant-observation of the portfolio review process at international photography festivals form the basis for this investigation. To date, observations of portfolio reviews were conducted at two international photography festivals (N=150), and observations will continue at two more during the summer of 2008. Preliminary findings suggest that photographers and reviewers may not have similar expectations when sitting across the review table from each other. Photographers often have higher expectations of a particular reviewer’s power and abilities to advance their career than a reviewer may actually have. Photographers’ presentation and performance are key in promoting their work in the setting, though the symbolic markers of “preparedness” or “professionalism” are specific to the fine art photography review process. Some well prepared photographers (those with prints of high quality, promotional materials, and clear goals in seeking specific reviewers) do find career opportunities through the review process, though this is less likely for first time attendees.


29 MEDIASURFACE: Exploring Cultural and Spatial Frontiers Coord: Peter Lang, Architect, Ph.D.Assistant Professor, Department of Architecture, Texas A&M University Pelin Tan, Sociologist, Ph.D cand. / research assistant at Institute of Social Sciences - ITU Architecture Faculty

Historical modern avant-garde art and design movements have sought to transcend established cultural frontiers through experimentation in new forms of communications: mixing media, jumping conceptual boundaries, borrowing from the humanities and sciences to construct alternative systems of expression. Particularly in the sixties and early seventies (see the International Situationists, Fluxus, Gruppo "T", Gordon Matta Clark, Archigram, Ant Farm…), audio, video, performance, and installation succeeded in fusing with pop- culture and semiotic studies to create groundbreaking platforms for critical content and creative production. In the current age of global society, threatened by political, urban and ecological instabilities, post-modern theory is giving way to something approaching more of a post-western theory (post-colonial, globalization). In this panel session: The relation between space and image will be in focus by researching through new media applications and interventions.

Jean-François Lejeune Lina Bo Bardi: Vernacular, Popular Culture and Cinema novo in 1950-60 Bahia. "That which is generally defined as 'popular art', 'folklore', 'primitive art' or 'spontaneous art' implies, albeit tacitly, a classification of art that, excluding man, considers art itself to be something individual, an abstract activity, a privilege. Where does art begin and where does it end? What are its boundaries?" (Lina Bo Bardi & Martim Gonçalves, Bahia in Ibirapuera, 1959). On the margin of industrialized Brazil Lina Bo Bardi's corpus—the most important female architect of Latin America—reflects the contradictions of a process of brutal transformation that shakes the economic and social situation of the country and that makes almost impossible the development of a genuine and indigenous modern culture. Involved with all artistic disciplines—architecture, urbanism, painting, scenic art, exhibition design, cinema—her best-known works are the Museum of Contemporary Art and the Civic Center Sesc-Pompeia in Saõ Paulo. Her exhibition of 1965 "Poor Objects, Rich Design" (whose opening in Milan was eventually canceled by the Brazilian government) had, in the words of Bruno Zevi, the courage "to present to the world, along with the cultural values of poverty, an irreversible act of rupture and liberation." The paper will outline discuss Bo Bardi's intersection between architecture and popular cultures and focus the presentation through the prism of her involvement with "cinema novo", born in Bahia at the end of the 1950s and best known through the works of Glauber Rocha.

Saverio Giovacchini Where the Streets (and the Characters) Have No Name: The Geographical Politics of the Spaghetti Western My paper interrogates the estethics and the politics of cinematic space that connects Pier Paolo Pasolini's seminal 1961 and 1962 films Accattone and Mamma Roma to the Italian spaghetti Westerns of the second half of the 1960s. Pasolini's early films and the premier film genre of the Italian economic boom are often seen as inhabiting parallel universes: the former living on the planet of engaged intelligentsia, the latter shooting it out in the flatlands of entertainment. Look closely, however, and these films are more entangled than you think – spaghetti being often visited by Italian highbrow directors (Florestano Vancini, Bernardo Bertolucci, for ex.) and even by Pasolini himself who lent his face and iconic persona to the spaghetti priest/pistolero Don Juan in Carlo Lizzani's Requiescant (1967). I am arguing that spaghetti created a visuality and a politics of space and its uses that -- just like Pasolini did in his 1963 La Rabbia -- connected the Roman borgate of Pasolini's films to the urban spaces of Third World countries which, I contend, the fictive Mexican


borderlands of spaghetti reimagined.

Jennifer Flores Sternad De entradas y saladas: Eduardo Molinari, Julián D'Angiolillo, and the Wandering Archive

This presentation will feature the work of Buenos Aires-based artists Eduardo Molinari and Julián D'Angiolillo. Molinari will lead a walking performance in Buenos Aires in which he will discuss his past work and current research in situ and en route. This osservatorio nomade will embody both artists' peripatetic research practice, while traversing some of the places and displacements that figure centrally in their work. Eduardo Molinari’s Archivo

Caminante [Wandering Archive] has been the focus of his artistic work since 2001. The archive is the manifestation of wanderings in space as well as in form, as it is an inventory under constant transformation. It constellates Molinari's graphic work, paintings, public performances, theoretical publications, historical research, and historiographic interventions that take as their point of departure two entwined investigations: a study of Argentina's history and identity and an exploration of the mechanisms that produce the times and spaces of collective memory as well as utopian ideals in their historical, social and economic contexts. There will be a screening of D´Angiolillo's Tu parte salada. This video explores the largest informal (and largely nocturnal) flea market in Latin America, which known as ‘la Salada’ [the Salted]. Located just outside of Buenos Aires in the ruins of what was once a river bathing area, la Salada is the point of confluence of vast informal economies and migratory communities that extend through Argentina, Bolivia, Peru and Paraguay. Tu parte salada examines la Salada not only a site of commerce, but also as a strategic field where assemblies are organized, celebrations are realized, and demands are made.

Pelin Tan y Peter Lang Camouflage: “subversion” of image and political space

30 Space, Place and Representations of the Urban – Imagined, Ideal and Utopian Visions – I. Richard Huggins School of Social Sciences and Law, Oxford Brookes University,

Stuart Connor University of Birmingham

Notions of the “urban” are intricate sets of visual and discursive constructions across time and space. These notions are often complex and contested terrains that spill over into all visual media, processes of urban governance, policy making arenas, techniques of everyday spatial management and the regulation of the urban citizen. This panel aims to explore the ways in which urban spaces – and those who occupy them – are visually constructed, narrated and represented with a particular emphasis on the management and control of the citizen (the ordered and disordered, the civil and the uncivil, the ‘productive’ and the ‘unproductive’, the valued and the unvalued) through processes of spatial control. This panel focuses on the interest in the presentation and representation of ‘imagined’ ideal, utopian and dystopian places/spaces in the urban present and near future and implicit and explicit narratives of spatial ownership, entitlement and preferred notions of citizenship contained within representations. In considering these themes the panel will also consider the role and purpose of these imagined spaces and the means by which these imagined spaces are to be achieved.

Maria Moreno Carranco, Universidad Autónoma Metropolitana,

Selling the Ideal Living Environment: housing and life style in Mexico City.


The creation of global cities increasingly relies on the integration of economic activity around the production and consumption of goods and services. The production and consumption of architecture intended for the most affluent and cosmopolitan clientele is no exception. This, along with the emergence of entrepreneurial governance in the city, in which the most important task of city officials is to facilitate the conditions that would enable the city to become a hub of flexible production and consumption, are having important consequences in the visual narratives creating the contemporary city. The pursuit of a global city image and the increased liberalization of Mexico’s economy, which promoted the presence of international professional services and capital, have led to the building of a new kind of architecture (corporate, commercial, residential) which is transforming the pre-existing city. This paper will examine how the internationalization of real estate markets and of the production of the built environment are having an impact not only on urbanism and architecture, but also on how people conceptualize space and its uses. By looking into housing’s marketing discourses (in words and images) we will see how the new developments sell more than square meters. What is for sale is a particular lifestyle in utopian places promoting segregation and neglecting the city’s space. These campaigns present security as the excuse to monitor and control those who “do not belong”. More importantly, what is being reproduced at the level of architecture and planning is separation and intolerance; these places are sold using attractive images resembling luxurious spas with exuberant vegetation and blond people.

Mary Kosut State University of New York

Living on the Edge: A Hipster Utopia Grows in Brooklyn Live Here or Die,” declares the Facebook page advertising a new waterfront development called “The Edge” in Williamsburg, Brooklyn. The Edge promises “rock-n-roll countertops,” the “hippest dress code,” and the “coolest zip code.” Phase one of the project will include 575 units starting at $450,000—the hipster lifestyle has its price. But this new condo project is not the only building complex that local and long-time neighborhood residents describe as “fingers,” referring to out of scale, out of price range, and ultimately, out of reach housing. The Edge is one of approximately 84 new architectural sites that have ushered in extreme gentrification in a historically working class and industrial New York City neighborhood. Drawing from interviews, media analysis, and documentary photography, I explore how hipster culture is being employed to sell a new and improved utopian community that is aesthetically, visually and economically differentiated from its recent and historical past. Additionally, I juxtapose the dwellings and cultural symbols of indigenous residents to emphasize the disjuncture between real and idealized urban spaces/places.

Cynthia Schneider (Re)creating Curitiba: three versions of urban aesthetics of a Brazilian city in the cinema. Curitiba is a southern Brazilian capital considered a model city due to its urban planning. In the point of view of architects and urbanists, the city already has a common image designed, in relation to its competence in public urban solutions. But outside advertising films and local journalism, rarely a fiction film is located in Curitiba, a main reason justifying the absence of typical imagery of the city in the cinema. This study analyses three movies from brasilian directors and the image of the city (re)created on screen in these films. The method chosen was film analysis as proposed in CASETTI's theories of communication in films. The objects analyzed were the feature films Estômago (2007); Oriundi (1999) and the short film Pedras e Rubis (2003). These study’s objectives are: to compare the aesthetics’ proposals of the city presented in such films; to identify the main options that materialize a possible stereotype of city's identity; to analyze the manner how the city image is manipulated in order to reinforce or contradict the official image and the creative conceptions’ social references. Theoretical support refers to BAUMAN(1998), BOLLE (2000) and SCHULTZ(2008).


Judith Pernin Digital Memories: A Chinese case

Among the tremendous changes that China is currently experiencing, the transformation of the cities and of the lifestyle linked to the urban and social organization is probably the most appealing. While traditional areas are being destroyed or restored and skyscrapers built on their ruins, an entire generation of Chinese citizens is moving away from a community based lifestyle to a more anonymous and globalised one. Yet, if stones are nowadays easy to destroy, some people are resisting against the disappearance of their neighbourhood and the memory it encloses. One of the ways of keeping this memory alive is to inscribe it in moving images – through testimony, long shots and sound recording. As the use of DV cameras mushroomed from the mid 90’s on, Chinese filmmakers have been able to break free from their employers’ will and have decided to produce personal works. Since then, they have taken the city landscape and its inhabitants as the main actors of their films and have tried to reflect the urgency of the situation through images. Will digital collective memory replace the collective mode of living? How can images – film, photographs and video art gather these bits of memory and be the passers by of history? What is this aesthetic of disappearance telling us about contemporary china and most of all about images in an era of loss and mutation?

31 Space, Place and Representations of the Urban – Imagined, Ideal and Utopian Visions – II. Notions of the “urban” are intricate sets of visual and discursive constructions across time and space. These notions are often complex and contested terrains that spill over into all visual media, processes of urban governance, policy making arenas, techniques of everyday spatial management and the regulation of the urban citizen. This panel aims to explore the ways in which urban spaces – and those who occupy them – are visually constructed, narrated and represented with a particular emphasis on the management and control of the citizen (the ordered and disordered, the civil and the uncivil, the ‘productive’ and the ‘unproductive’, the valued and the unvalued) through processes of spatial control. This panel focuses on the interest in the presentation and representation of ‘imagined’ ideal, utopian and dystopian places/spaces in the urban present and near future and implicit and explicit narratives of spatial ownership, entitlement and preferred notions of citizenship contained within representations. In considering these themes the panel will also consider the role and purpose of these imagined spaces and the means by which these imagined spaces are to be achieved.

Coord: Richard Huggins, Oxford Brookes University

Stuart Connor, University of Birmingham

Lily Woodruff André Cadere's Critical Peregrinations The Romanian artist André Cadere moved to Paris in 1967, just months before the student and worker strikes that would have long lasting effects on political and social climates around the world. During this period Cadere developed his "Space and Politics" and "Establishing Disorder" projects. From 1970 until his premature death in 1978, Cadere could be seen distributing manifestoes at major art fairs, spray painting walls, engaging the public in debate, and always carrying a conspicuous polychromatic bar composed of segments of painted wood—an art object which refused the display conventions of the white cube, and whose handiness made it easily portable. Indeed, the peripatetic possibilities of Cadere's work were essential, as blurring the physical boundaries between private and public, aesthetic and prosaic spaces, was the foundation of his strategy for undermining the privileged access that official art institutions claimed to have over the display of works of art. While Cadere insisted that his only goal was to display his work, photographs and films of the artist "showing" at locations as diverse as the steps of the Louvre, an Andy Warhol opening, and a pile of trash on a lower-Manhattan sidewalk create a psychogeographically decentralized map of the heterogeneous urban spaces that overflow the confines of the art


world. While Thomas More presented a Utopia that was unsustainable in its unrelenting perfectability, Cadere's vision of artistic utopia embraced error and contingency such as erupted in the breakdown of sociological categories in 1968. While violent events of the late 1960s have caused some to characterize the 1970s as a post-utopian moment, Cadere's work, I argue, is emblematic of a process of redefinition of public spaces in an era that was developing a sophisticated understanding of pluralism and democratic participation as essential to negotiating the power relationship between individuals and institutions.

Sarah Pickering

Public Order

Riots and scenes of civil unrest are a daily occurrence in a small town called Denton. Despite the heavy police presence the violence is only ever temporarily suppressed. Another day brings more trouble: an incident at the underground station; barricaded streets; an injured civilian to bring to safety. Although remnants of broken glass are strewn across the pavement and debris and smoke stains the walls, Denton is not a place troubled by graffiti or litter; on closer inspection this place seems unfamiliar. The Indian Takeaway and Antiques shop share the same blank windows usually occupied by shop display. Door handles, letterboxes and curtains are missing, and there are no signs of habitation. Denton is a set used by the police, designed to provide a realistic backdrop for a riot. The violent aggressor is defined here by the estate he could inhabit. Although absent from the photographs, his identity can be pieced together from the elements of social stereotyping in this purpose-built environment. My Public Order series of photographs documents the attention to detail and simultaneous lack of realism within this artificial environment. This is a living invention, a fantasy placed within the real world - an attempt to make violence tangible and knowable. My photographic practice for the last 6 years has centred on representing the training environments used by the emergency services and the military for contingency planning. I will present the Public Order series as documentation of an alternative or dystopian form of town planning, and will look at the significance and resonance of these spaces as a reflection of institutional perception and social dynamics in the UK. My discussion will centre on the separation of the real from the imagined, and the complexities in negotiating and representing this as an artist.

Paul Guzzardo The Green Flaneur The Green Flaneur will survey four St. Louis Missouri urban-build projects. The programs involved shifting storytelling into the street. The projects start in 1992 and end in 2006. This is when culture shifted into digital networks – at a fast track. Common to all the projects was the attempt “to map the site” and “to re-mythologize a contested public terrain”. PROJECTS: Sheldon Concert Hall Expansion: 1992 – Not Built – Litigation The proposed public plaza was described by Columbia’s James Polshek as a singularly important for the 21st century. MediaArts Media Lab: 1999-2002 Built Virtual Ambient Jockeys – VAJs (aka digital artists) worked in a windowed street front media lab. Night after night the VAJs used digital mapping tools to steer through tangled intersections of information networks and street corners. Media Prototype for the Metro Light Rail Expansion: 2003 Not Built The project was an insertion into light rail system. The client requested an alternative to static art installations. The prototype was a digital media-saturated runway. Media Box - 2004-2006 – Unresolved This was to be the third part of an art/entertainment district puzzle. Planned was a public stage where stories were to be told, saved and sent on to be retold. Already in place were Ando’s Pulitzer Foundation and Cloepfil’s Contemporary Art Museum. The presenter held “various and shifting capacities” in assembling these projects/ mapping stations; sometimes as a designer, and at other times as a lawyer, an administrator and developer.


Jonnabelle Asis College of Social Sciences and Philosophy, University of the Philippines-Diliman Metro Manila Development Authority (MMDA)’s Metro Gwapo Campaign and the Discourse of “Urbanidad” (Urbanity) Metropolitan Manila has been experiencing a “face lift” under MMDA Chair Bayani Fernando’s Metro Gwapo Program under the Arroyo administration. Under this plan, Fernando aims at renewing the urban physical landscape along with urban dwellers’ culture. Some of the components of the program are as follows: promotion of “urbanidad”, beautification of the “Investor’s Corridor”, MMDA Art, Sidewalk Clearing Operations, Wet Rag Operations, Pink Flag Operations, and Watch the Pink Line. This study locates Metro Gwapo at the intersection of the Arroyo administration’s efforts at integrating national economy into the existing neoliberal globalization, and MMDA’s mandate in providing the physical structure in realizing this agenda. It intends to transform Metro Manila into a super highway for the unprecedented and unhampered flow of capital into the country for tourism, trade and investment. The underlying principle of the program is that “Physical change leads to social re-orientation, which leads to change in social behavior.” This in turn seeks to discipline the body of public transport drivers, commuters, sidewalk vendors, “barkers,” and other occupants of urban space. This paper will tackle MMDA’s visual construction of the utopian metropolis and the ideal public. It will also attempt to unpack issues of gender and class that necessarily interweave in the discourses that MMDA mobilizes in order to promote vision of the metro. This study further argues, through an offering of oppositional visuality, that what is being missed in the materialization of Arroyo and Fernando’s utopian vision of Metro Manila as a “humane world-class metropolis renowned for its livability, economic vitality and socio-cultural exuberance” is the state violence that is inherent in the program’s implementation. Over the years, MMDA became notorious for its inflexibility and aggressive clearing operations to rid the metro of the ‘unsightful’ and ‘undesirable.’ The violence it employs ranges from the physical to the symbolic and entails the further displacement of the urban poor, criminalization of the unemployed’s economic coping mechanism, and the use of the

feminine to pursue anti-people ends.

32 Fotografiando memoria(s): reflexiones sobre imagen, memoria y juventud Coord: Daniela Zampieri Lic Sociología, fotógrafa profesional y coodinadora de

Fotografiando Memoria(s)

Sebastian Russo, Lic en Sociología, Maestrando en Comunicación y

Cultura (UBA) fotógrafo profesional y coodinador de Fotografiando Memoria(s) Exhibición y disertación acerca de ensayos fotográficos sobre la representación de la memoria elaborados por jóvenes, en el marco del proyecto Fotografiando Memoria(s) . Fotografiando Memoria(s) surge a partir de un concurso fotográfico sobre la representación de la memoria, realizado en escuelas secundarias públicas de la Ciudad de Buenos Aires, durante el año 2006. Del material presentado por los estudiantes, se seleccionaron quince ensayos fotográficos. Fueron convocados intelectuales para que reflexionaran a partir de las imágenes creadas por los jóvenes sobre los conceptos de Imagen, Memoria y Juventud. Participaron: Leonor Arfuch, Elizabeth Jelín, Lucas Rubinich, Claudia Feld, Alicia Entel, Silvia Pérez Fernández, Osvaldo Bayer, Estela de Carlotto, Horacio González y Sandra Raggio, entre otros.Estas reflexiones escritas, junto a las imágenes, formarán parte de un libro con el apoyo del Centro Cultural de España en Buenos Aires (AECID) y el auspicio del Instituto Espacio para la Memoria. Fotografiando Memoria(s) busca replicar la experiencia en distintas ciudades latinoamericanas, tratando de construir una suerte de cartografía visual sobre la memoria. Actualmente se está desarrollando la adaptación de la propuesta para jóvenes de Asunción (Paraguay) en conjunto con el Centro Cultural de España “Juan de Salazar”.

Claudia Feld, Dra. en Cs. de la comunicación de la Univ. de Paris VIII, Investigadora del núcleo de Memoria del IDES, especialista en Memoria y Medios de Comunicación.


Sandra Raggio, Coordinadora del Programa “Jóvenes y Memoria”, del Área de Investigación y Enseñanza de la Comisión Provincial por la Memoria.

Daniela Zampieri

Sebastián Russo

33 Imágenes de lo íntimo Coord: Daniela Gutiérrez Francielly Rocha Dossin PPGAV/CEART/UDESC Notas sobre a camera afetiva: a auto-imagem como relato do eu A presente pesquisa visa refletir sobre um determinado uso da câmera que se caracteriza pela relação de intimidade (afetiva) e que produz uma espécie de vídeo marcado pela exploração da auto-imagem, tornando-se local privilegiado para explorar identidades e subjetividades. Essa “relação afetiva” concomitante a “sujetividade reflexiva” têm sido bastante utilizado desde o surgimento do vídeo, principalmente por artistas, mas têm se exacerbado com o advento do YouTube e as novas câmeras de vídeo e celulares que dispõe de tecnologia digital.

Gaby David EHESS, París Francia

Representación de la intimidad puesta en escena, a través del análisis del pocket film: “Porte de Choisy” de Antonin Terrier A través del anàlisis del film “Porte de Choisy”, primer premio del Pocket Film Festival parisino de 2007, este trabajo es un estudio visual de las representaciones de la intimidad, sus maneras de exponerse espontàneamente o de su mise en scène. El compartir visualmente a través de Internet tubo su primer auge con las Web-cams y luego con los blogs. Hoy en dia con la Web 2.0, las plataformas colectivas tales como You.tube y Flickr, nos habilitan a compartir y comentar de una manera mucho màs visual nuestras vidas privadas. Observando una escena doméstica, este trabajo analiza el hoy tan mentado y candente tema de las “maneras pùblicas de ver lo privado” (Chalfen: 2007), ya que el film “Porte de Choisy” nos devela qué es lo que hace una joven pareja francesa, en su dormitorio, probablemente luego de un reporte sexual. La cotidianeidad y familiaridad que tenemos para con el teléfono portable, nos facilita nuevas practicas visuales, promoviendo y animàndonos a innovar en nuestras experiencias expresivas. La gente filma su intimidad màs espontaneamente, paradójicamente sin intimidarse tanto. Otra premisa de este anàlisis es que la baja calidad de la imàgen de los “pocket films”(films de bolsillo), influencia cuasi subliminalmente la manera en que percibimos esas íntimas imagenes. Es de mi interés entender cómo estos films de bolsillo que todos podemos hacer, pueden ampliar los límites entre lo publico y lo privado. Mostrar y compartir se tranforman en una dupla de verbos vulnerable, que se entreteje cada dia màs y màs. Ya no se tratarà de una reinterpretación de la privacidad, si no una reinterpretación de nuestra intimidad. ¿Intruducirà así el teléfono portable un cambio fundamental en la manera de filmar nuestra intimidad?

34 Imágenes de la historia. Historia de las imágenes Robin Kavanagh National University of Ireland Pictures of piety and penury: Irish illustrated press of the 1830s Tithes War This paper examines some of the most striking images from the Irish illustrated press and considers their impact upon contemporary public opinion and events. Did they create public opinion, reflect it, or was there a combination of both? The illustrated press exploited the highly charged atmosphere on both sides of the titihe issue by disseminating images that, on one side fostered feelings of hostility towards the established church in Catholics,


and on the other fed into the fears of Protestants encouraging bigotry and intolerance. The end result of the tithes war resulted in a progressively heightened state of religious and political polarization in Ireland, and parliament’s enacting moderate reforms of the established church and their tithes system.

Gabriela Popa European University Institute

Challenging the Sacred: several considerationson the symbolic metamorphoses of the Second World War monuments in post-soviet Moldava

The paper focuses on the symbolic changes of the Soviet monuments dedicated to Second World War (Great Patriotic War) by using the concept of appropriation. After the collapse of the Soviet Union, the newly independent Moldovan state has mobilized both the Soviet legacy and the emerging national iconography to strengthen the political legitimacy at a time of risky identity, as well as economic and social uncertainties. This symbolic mobilization is significantly reflected in the way the Second World War memorials were appropriated by the public authorities and the ordinary people during public holidays and yearly performances in the post-Soviet period. During the Soviet period, the Second World War monuments represented the “sacred” spaces around which the main public and private rituals where centered, starting form celebrating the Victory Day with military parades and ending with family celebrations such as weddings. Subsequently in the post-Soviet period, memorials dedicated to the Second World War became contested terrains reflecting the whole range of metamorphoses of this period. In the case of the rebuilt monuments the symbolism attributed to these sites was challenged by introducing new elements, such as religious symbols, in an attempt to appropriate them to the nationalist discourses and to allow the mobilization of a national sentiment.

Patricia Reinheimer Da nação ao indivíduo: a transformação dos discursos artísticos brasileiros após a Segunda Guerra. Após a Segunda Guerra mundial as artes plásticas no Brasil passaram por um processo de revisão de valores. Esse processo foi tributário das transformações ocorridas no campo artístico internacional, relacionadas também às trocas internacionais, ao contexto geopolítico e às ideologias que vigoravam durante a Guerra Fria. As artes no segundo pós-guerra podem ser pensadas como uma linguagem a mais na política de trocas internacionais que então se estabeleceu (tanto privadas como entre sistemas administrativos nacionais). Entretanto, a configuração de um campo internacional de trocas artísticas ocorreu no mesmo momento em que o discurso de autonomia da forma passava por uma revisão a partir da negação da temporalidade e territorialidade do fenômeno plástico, isto é, com a negação das próprias delimitações nacionais. A reafirmação da autonomia da apreensão estética foi, portanto permeada por ambigüidades, algumas das quais gostaríamos de investigar. A defesa de uma produção artística nacional versus uma linguagem artística internacional e as diferentes formas de conceber a relação entre arte e política instituíram as condições para o estabelecimento de uma tensão entre valores antagônicos. Na dimensão institucional a tensão entre nacionalismo e internacionalismo foi uma das características de organizações de tipo transnacional que visavam ultrapassar as fronteiras nacionais, ainda que se organizassem em torno das nacionalidades. Na dimensão propriamente artística percebemos as tensões relacionadas a uma visão universalista do fenômeno artístico que se institucionalizou em grande medida se organizando em torno da idéia de totalidades nacionais. Essas tensões podem ser percebidas nas relações entre as noções de internacionalismo e de universalismo, mas também entre uma categorização segundo o indivíduo, o gênero artístico, o estilo ou a nação.

Alicia Rubio

La historia en imágenes: el Panteón de los guerreros del Paraguay” “No debiéramos permitirnos que nuestros/héroes mueran dos veces: una, por la muerte en sí/misma; y otra, por el olvido y el desinterés.”


El siglo XIX registra la aparición de una nueva forma de culto a los muertos, la de la arquitectura de los panteones y cementerios. Defensa contra el olvido o tributo a quienes dieron su vida por la patria, los cenotafios se convirtieron no solamente en la última morada sino también en manifestación de agradecimiento cincelada con todo el esplendor artístico. Así como para los romanos la inmortalidad personal era un privilegio exclusivo de los grandes personajes, de aquellos que ayudaron a crear, mantener y salvar la patria, debido a lo cual conseguían un lugar en el cielo, la inmortalidad de los héroes era nacionales era garantizada a través de la construcción de edificios conmemorativos en torno a los cuales se realizaban los ritos laicos de la nación. Ofrenda a los héroes o invención de la patria, el mausoleo es una emulación en tierra de la construcción del panteón de los héroes nacionales que debía instituirse en el imaginario colectivo. En esta estrategia para la formación de las almas también fue respetada en lo atinente a la guerra del Paraguay. El Panteón de los combatientes de dicha guerra, cito en el Cementerio de la Recoleta en Buenos Aires, reúne en su edificio una simbología profusa y la belleza de vitraux que incluyen la reproducción de pinturas de Cándido López. Pese a estas características ¿por qué nunca concitó el interés de otros cenotafios? Tal vez, ante esta singular lucha entre la anamnesia y el olvido, respondió la Asociación Argentina de Descendientes de Guerreros del Paraguay fundada en 1938 con el propósito de conservar vivo el recuerdo de quienes participaron en dicho conflicto bélico. A las muertes provocadas por las “campañas de pacificación” se sumaron las de la guerra del Paraguay, todas estas muertes pueden ser interpretadas como distintas facetas de la violencia originaria en la que se funda el estado argentino, el que en su condición de tal, se constituye en una nueva forma de sacralidad que caracteriza a los tiempos profanos. Leer la historia a contrapelo, como proponía Walter Benjamin, permite descubrir que las construcciones nacionales son en gran parte, resultado de la violencia. Las imágenes proporcionan indicios para tratar de entender los

hechos aparentemente contradictorios de la historia.

ROUND TABLE:

Envisioning Theory: Image, Text, Sound and Multi-Media Based Scolarly Work. Chair: Francesco Lapenta Videos: Roderick Coover, Jennifer Adair, Ramona Y. Beal, Francesco Lapenta Partecipants: Daniel Nevin, Panizza Allmark, Cristián Gómez Moya, María Inés Dahn, Vicente Rozados Sauser, Valeria Dabenigno, Analía Meo. Special Guests: Roderick Coover, Eric Margolis, Darren Newbury It is now common place to recognise that we live in a massively mediated society, and to agree that we live in a world where new digital communication technologies and their conveyed contents (Image, Audio, Text) are of tremendous social significance. For many decades these forms of communication have been dissected by an assortment of theoretical banners with specialised practitioners and associated scholars each exploring separate issues within otherwise contiguous fields (Media Studies, Communication Studies, Journalism, Media Sociology, Visual Sociology and Visual Anthropology, the Arts). Digital convergence is now leading the move towards the necessary integration of these once separated fields. The common use of the same platform, the computer, has brought together the video makers, the journalists, the artists, the photographers, the scholars, the scientists, who are all now differently engaging with the same digital medium, the computer, and its dominant mode of communication, the Internet. These processes have created a diversification of content and audiences, often independent from the established, institutionalised, and controlled community systems of old. All areas of cultural and commodity production have been taken by storm by these changes, and all groups, with a different pace and with different levels of success are attempting to re-accommodate their practices. If some groups have immediately adopted the new production and communications systems others still struggle to adopt them. Among these there is the least


likely suspect: the academia. Universities around the world still struggle to acknowledge the changing modes of cultural production and remain a text based endeavour. With the exception of few specialised faculties multi-media are still largely not accepted as academic work. They are excluded by peer to peer review processes, and have no venues for scholarly publication. This round table will offer an opportunity for the discussion of the attempts of the scholars that are trying to integrate multi-media materials among their scholarly productions. It will also offer the opportunity to discuss the steps the IVSA might take to try to establish a practice for the inclusion of multi-media material among its pubblications.

Posters Abstracts: Daniel Nevin

Trace and photograph My current work is an investigation of the trace nature of photographs. I work with alternative photographic processes such as tintypes, daguerreotypes and pinhole cameras using these techniques to explore what a photograph is. I am interested in the photographic process, its almost magical nature, and the way photographs are used and give meaning. A trace is a marking that is evidence of an action or an event. This can take the form of a footprint, a fingerprint, a wear mark or stain. In the case of a photograph it is the recording of the action of reflected light onto a receiving medium, be it a silver plate, film, paper or charged coupled device. The trace serves as evidence that an event happened “in reality”. While the accuracy or connection of photographs with “reality” is open to debate, for many people the value and use of photographs is based on their perception of a connection. The pinhole photographs explore the idea that photographs make a copy of our world. By folding a piece of photographic paper into an icosahedron I formed an enclosed space onto which a pinhole produced the image. The image covers all sides of the form. By its nature, the form affects the image. To be viewed the image is folded flat which once again changes the image. This displays the distortion inherent in the image making process. An impression is taken of the world, but its connection and capacity to convey reality is uncertain. In addition to producing pinhole photographs, I am interested in polaroid photographs which I consider have a several features that emphasise their trace nature. For example, in producing a polaroid the image is formed directly on the finished print, rather than through an intermediate film. It is the light bouncing off the subject that has left a direct impression on the polaroid film surface. In this way the technology mimics several early forms of photography that did not use intermediate negatives. The scanned polaroid image below has been made with the discarded part of the peel apart film. It is an unstable, ephemeral object as the image darkens over a few days and is lost – a process that has been interrupted by the scanning that has converted it to a digital image. The photograph is an image that (as Bazin would say) has been snatched from the flow of time.

Dr Panizza Allmark, School of Communications and Contemporary Arts Edith Cowan University

Sublime Spaces My visual work is an exploration of sublime spaces of transition that evoke the concepts of time and memory. The photographic collection taken in various cities, such as Dubai, Istanbul, Hong Kong and New York, is a comment about globalisation in which similar architectural forms grandly form the background for the threshold of human movement. It draws upon the dialectics of seeing and Walter Benjamin s ŒArcade Project , in which the mythic immediacy of the present was constructed with a historical reference to the past. The study of urban landscapes focus on the structures of space and how it is experienced. It attempts to stimulate visual memory of something familiar, yet strange. As places of transition, and relics of the past, ghostly figures inhabit the spaces. The photographs produced present an ambiguity. There is an abstract spatial expression with attention to the geometric form, shapes, movement and, at times, ironic juxtapositions placed within the built environment. The images are a description of space and place, but allude to a surrealist encounter, which forms the platform for the sublime, uncanny, experience of identification and dis/identification, in a strange weave of space and time.


Cristián Gómez Moya Profesor de la Universidad de Chile.

Poster I Rostros desaparecidos Poster II Electoral Geography (they have both spanish, english version)

María Inés Dahn Univ. Del Salvador, Vicente Rozados Sauser UBA Hibridación cultural: su correlato visual en el caso de las máscaras Chané de Campo Durán, Salta. La producción de artesanías en la comunidad aborigen Chané de Campo Durán se ha visto transformada en las últimas décadas, más específicamente a partir de la inserción en el mercado de sus máscaras de origen ritual, que anteriormente eran destruidas y arrojadas al río luego de la celebración del carnaval. Esto es resultado de un proceso de hibridación cultural (García Canlini), en el cual los agentes actuantes (Bourdieu) transforman, reproducen y producen prácticas y significados a partir de exigencias ajenas, en este caso pertenecientes al proyecto modernizador. Esto traerá aparejado un cambio en el régimen de producción visual y por consecuencia las máscaras reflejarán la yuxtaposición de códigos visuales (Stuart Hall) de orígenes dispares. Para poder analizar este proceso, hemos realizado entrevistas en profundidad a distintos artesanos, y hemos elaborado un análisis composicional de un conjunto de máscaras, dividiéndolas en distintas secuencias temporales (principios de siglo y distintas clases de producciones actuales según generaciones). Así, vimos cómo la organización del espacio, la utilización del color, la concepción de textura y el contenido expresivo, entre otras categorías, reflejan una tensión constante entre estrategias de conservación –que apelan a valores asociados a la pureza o lo originario- y estrategias de subversión, que recurren a la novedad e implican la herejía en la fisonomía de las máscaras. Creemos que este estudio puede contribuir a nuevas investigaciones sobre los modos de inserción de nuevos códigos visuales, de apariencia desinteresados, en la producción artesanal de otras comunidades.

María Inés Dahn (Sociologist, USAL),

Vicente Rozados Sauser (Image and sound designer, UBA)

Cultural hybridization: its visual correlate in the chané masks of Campo Durán, Salta

Handcraft production in the Chané aborigine community located in Salta, Argentina has been profoundly transformed over the last decades. Their ritual masks -originally torn and thrown away to the river after the carnival was over- are now in the market for sale. This is the result of a hybridization cultural process (García Canclini), in which the acting agents (Bourdieu) transform, reproduce and produce different practices and meanings based on foreign demands. In this case, those related to the modernization project. This will bring along a change in the visual production regime. As a consequence, these masks will reflect a juxtaposition between visual codes (Stuart Hall) of diverse sources. In order to analyze this process, we have made in depth interviews to different kinds of artisans, and we have elaborated a compositional analysis of a number of masks, divided into various temporal sequences (beginning of the century, and different kinds of current productions according to generations). As a result, we have found that colour, spatial organization and expressive content, among others, reflect a continuous tension between conservation strategies –using values related to what is pure- and subversion strategies, that resort to novelty and imply heresy in the way a mask is made. We believe that this study can contribute to future research about the way in which new visual codes –apparently innocent- are introduced in the handcraft production of other communities

Mg. Valeria Dabenigno, Dra. Analía Meo y Lic. Soledad Vázquez Masculinidades en foco: relatos visuales y orales de varones adolescentes de la Ciudad de Buenos Aires


Miembros del equipo de investigación “Nivel medio: culturas institucionales e identidades sociales de jóvenes en situación de pobreza”, desarrollada con subsidio de la Universidad de Buenos Aires y sede en el Instituto de Investigaciones Gino Germani de la Facultad de Ciencias Sociales de la Universidad de Buenos Aires. Nuestra investigación explora algunas de las identidades sociales de un grupo de adolescentes en situación de vulnerabilidad social que asisten a dos escuelas de un mismo barrio de la Ciudad de Buenos Aires. En particular, esta ponencia indaga las masculinidades emergentes en las fotografías tomadas por un grupo de varones adolescentes y en los relatos provenientes de posteriores entrevistas de fotoelucidación con estos mismos adolescentes. En tanto la masculinidad es vista como un proceso dinámico de producción y negociación de identidades de género, las fotografías de este grupo de varones constituyen soportes visuales y simbólicos para proyectar una imagen favorable de sí mismos en la situación de interacción social con las investigadoras. Con una alternancia entre análisis basados en imágenes y en relatos de entrevistas se reconstruyen las maneras de presentarse como varones, con un enfoque que contempla el carácter plural de la masculinidad y reconoce sus formas distintas, cambiantes y jerárquicas. Los relatos visuales y orales de los adolescentes permiten identificar masculinidades contrastantes y a veces antagónicas. Algunos de los aspectos analizados han sido: las actividades realizadas –que los distinguen de las mujeres y de otros varones de su misma generación-, las posturas y gestos que aparecen en las fotografías con varones, las chances de vida que dilucidan para si y creen disponibles para varones en situaciones objetivas semejantes, el tipo de vínculos y relaciones sociales que mantienen con mujeres y su forma de concebir las diferencias de género.

VIDEOS (will be shown before the Round Table Panel):

Dr. Ramona Y. Beal LOVE Movement Vieques, PR

Lovin' and Losin' Sugar Bear: Re-Remembering lost souls This video documentary chronicles the imagery shaping the sensibilities, and reflecting the history, of a Black Southern Renaissance man in search of cultural grounding. Performing in diametrically opposite spatial zones (the duplicitous roles of fiery pulpit Preacher and Alterboy, Rhodes Scholar and Black Panther), Sugar Bear’s life exemplified the temporality of American’s racial consciousness during the civil right struggle and the subsequent relational cultural changes that traverse the global landscape. A temporal sphere of memory, bound up in 1960’s racist imagery of Blackness, captivated the southern mindset. Shifting realities in changing times, surviving a turbulent era of riots and musing as a journalist about revolutionary thoughts arepolitical memories juxtaposed against the personal experiences of this supposed ‘archetypical black man’. The allusive persona thrust upon him preceded his true nature, created controversy, stifled creativity, opened and slammed shut doors and limiting) his potential and a sphere of humanity starting in infancy and continuing through their senior years. Pieced together memories obscured his hidden origins. Ever searching for home pervaded his exuberant, yet distant consciousness. A boyhood usurped by forced early manhood was recollected mnemonically through perfume, song and soothing sweet caresses, especially on rainy days. Unique architectural images pierced his unconscious so vividly he knew those places must be real. Remembrances, evoked by dreams, a found twin and an exacerbating mother-in-law, unearthed and soothed the suppressed history of his mysterious ancestry. Difficult memories, teased by a sweet taste never replicated and flashed in images both horrid and loving of a shattered youth. Finding the mythic haven of his mother's family rushed in a flood of recollections that brought clarity to decades of pain yet others shrouded in a deeper dimension of fear, darkness and love. Would the world ever know the real Sugar Bear or project from his rugged exterior a gruff, dangerous menace?

Francesco Lapenta, Assistant Professor in Visual Culture, Roskilde University, Denmark.

CyberRomanticism


Trough the observation of a number of Internet Dating Web Sites this Visual Essay describes the social practices involved in the virtualisation of the self. Internet dating web sites users create profiles that represent their identity, personality, world views. These virtual profiles however rather then be free, personal and unconstrained prove to be informed by community based social roles and patterns. Patterns emerge that prove the strong influence on the community of users of established forms of virtualisation of the self characteristic of each specific Internet Dating Web Site. This Visual Essay is part of a ongoing project of education that encourages students to produce multi-media material for the publication of research results.

Jennifer Adair PhD Candidate, Anthropology and Education, College of Education, Arizona State University.

Beginning a New Life: Caring for Infants in an Orphanage Setting. Beginning a New Life: Caring for Infants in an Orphanage Setting centers on how infants are cared for in a well-regarded south Indian orphanage. Footage was taken over 4 weeks time, capturing everyday care for the infants in the orphanage ranging form 2 days to 8 months. Usually the public, even regular volunteers, are not allowed near the infants’ room. However, the staff felt it was important to document the feeding, changing diapers, bathing, washing clothes, and preparing bottles as examples of how they care for infants in such a unique setting. This film should be of special interest to anthropologists interested in the impact of cultural and national contexts on education and/or childrearing.

Kaoru Miyazawa, Doctoral Student, Teachers College, Columbia University

Nostalgia. Nostalgia is one?s desire for returning home. In a state of displacement, one maintains continuity of self by keeping one?s memories of home and longing to return home in the future. For many, whose home has already been lost, home simply signifies their past; home exists only in one?s memory. Therefore, returning home in the future in fact, means returning to the past in the future. This desire is unrealistic and contradictory ; nostalgia, in essence, is an experience of paradoxical temporalities. Drawn by the past (i.e. memories of home), as one moves toward the future, one can be taken back to the past. In this video, I represented such tensions of temporality in the form of circulation (looping), repetition, progress/regress, and shifts of the very images themselves, indicative of the past , present, and future. Another, paradoxical temporality that I intended to represent in this video is an co-existance of past and present in one?s experience. I achieved this through the projection of photographic images which were representative of my memories of home (past) juxtaposed with images of landscapes and women?s bodies . This video was originally developed as a part of the course material in "immigration and curriculum," which I taught at Teachers college, Columbia University. One of the assignments that we used in the course was to represent one of the salient themes that are relevant to immigration and immigrants using visual images and sounds. I found visual representation of various topics to be useful in making sense of complex and abstract issues such as space , time, and identities and how they intersect together. Additionally, visual images works greatly in eliciting multiple interpretations of the topic.

Mónica Charry Universidad de Antoquìa. Medellín, Colombia

Corto-documental sobre el Arquitecto Rogelio Saltona Las inteligentes soluciones espaciales que hace de los lugares que ocupan sus obras; la relevancia que adquieren los demás sentidos la hora de expresar la experiencia que genera habitar en esos lugares construidos; y su postura política ala hora de transmitir su forma de leer el mundo. El hecho de apostar por una arquitectura que permita planear y plasmar soluciones sobre las cuales se puedan aligerar los traumas generados por los problemas sociales tantas veces tan incomprensibles. Propicia en el arquitecto la entrega a la comunidad de edificaciones no simplemente metafóricas sino con los pies sobre la metamorfosis de lo social, que ha dado sentido y origen a cada una de nuestras ciudades. Lo importante en la


obra de R. Salmona es que hace pública su negación frente a posturas urbanas ligeras y efímeras que contradigan su perduración en el tiempo, su funcionalidad, y su referente estético para la ciudad y quienes la habitan.

Colectivo Tu Parte Salada Bitácora comunitaria en la feria La Salada En una zona históricamente de bajos recursos del gran Buenos Aires conviven y trabajan inmigrantes de países limítrofes y del interior del país. Argentinos provenientes de áreas rurales del país comparten territorialidades con bolivianos, paraguayos, peruanos e incluso senegaleses. Si bien La Salada es considerada una de las ferias informales más grande de Latinoamérica, en ella no solo se comercia, también se festeja, se reclama, se hacen celebraciones religiosas y se organizan asambleas: a través de ella se reafirma la identidad de los inmigrantes y trabajadores. El colectivo “Tu Parte Salada”, reunió en un video documental material heterogéneo de archivo y registro actual en audio, video, texto, noticias e imágenes que combina las distintas voces actuantes en la feria: políticos oficiales, feriantes, caudillos, compradores, expertos juristas y también la opinión de los medios. Intentar representar la feria a través de una forma contradictoria y plural puede ser el camino para descubrir la importancia de estos agentes transnacionales de urbanidad, sin poder “formal”, pero que a través de sus prácticas informales cotidianas construyen una pequeña ciudad que contesta a la ciudad “legal”.

La red “Tu Parte Salada” està formada por los siguientes colectivos: “El Nuevo Municipio” (Julián D´Angiolillo)“Rallyconurbano” (Martín Di Peco) Natalia Muñoa “Maquila” (Paola Salaberri) “M7red” (Pío Torroja) “Set Urbano” (Adriana Vázquez) “El Club de

Arquitectura” (Marina Zuccon) . [email protected]

Vincent O’Brien University of Cumbria

Adapting to cultural and environmental change in rural Kyrgyzstan: The contribution of Participatory Video. In April 2006 I travelled to Kyrgyzstan, a former Soviet republic in Central Asia to lead a participatory video project one everyday life, health and well being with villagers living in the remote mountain communities of Kok-Jar and Tolok. Duyring tat5 project the villagers completed In the Soviet period overgrazing of land was commonplace and in the post Soviet years the collapse of collective farming methods, privatisation, climate change and an arcane system of land rights has left rural communities facing a crisis. Overgrazing of pastures, the breakdown of social networks, geographic isolation, economic, social and physical infrastructure collapse, have all contributed to worsening conditions in rural areas. In May–June 2008, at the invitation of Kyrgyz NGO Ak Terek, I returned to the Kyrgyzstan to train Ak Terek staff and to work with villagers on issues related to cultural and environmental change. During the workshops participants devised, filmed and produced video documentaries on topics of their own choice, ostensibly related to cultural and environmental issues in the village. Completed films were viewed by the wider community and providing a stimulus for community discussion around the issues raised by the village filmmakers. Using short extracts from the films made during the 2006 and 2008 projects this paper describes aspects of everyday life in the village and reflects upon the use of participatory video to support research and community development in remote locations.

Daniela Lucena

PH15 Proyección de fotografías realizadas por los alumnos de los talleres brindados por la Fundación PH15.

IVSA 2008 Conference PANELES La ciudad de la … · 2008-07-21 · “chinatown” porteño donde...

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