Capitulo II: La Fotografía.

2.1Definicion

"Fotografiamos para afirmar lo que nos complace, para cubrir ausencias, para detener el tiempo y, ilusoriamente, posponer la inelegibilidad de la muerte"Joan Fontcuberta

El término fotografía proviene de la unión de dos palabras del griego, foto, que se traduce al español como “luz”, y grafía, que significa “escritura”. Por lo tanto, la palabra fotografía significa algo así como “escribiendo con la luz”. Debido que este es el proceso de capturar imágenes y fijarlas en un medio o material sensible a la luz. Que permite fijar por medio de reacciones químicas, en superficies convenientemente preparadas, las imágenes recogidas en el fondo de una cámara.

La fotografía es un lenguaje una técnica y un arte. Es un modo de captar y exponer gráficamente la realidad visual. Cada foto es un fragmento, un recorte de realidad interpretada con nuestra mirada a través de la cámara.

Desde el punto de vista técnico, la fotografía consiste en la afectación del material fotosensible (película y papel) por la luz, (exposición), y en poner de manifiesto esta afectación mediante el revelado y hacer permanente esta imagen con el fijado.

2.2 Historia.-

Fotografiar es dibujar con la luz

Historia de la fotografía,

Los inicios de la fotografía se dieron 300ac con el gran filosofo griego Aristóteles quien afirmaba que si se practicaba un pequeño orificio sobre la pared de una habitación oscura, un haz luminoso dibujaría sobre la pared opuesta la imagen invertida del exterior utiliza la cámara oscura para estudiar los eclipses de sol.

Pero no fue si no hasta la segunda mitad de siglo XV cuando se volvió a escuchar noticias de la cámara oscura fue Leonardo Da Vinci quien redescubrió su funcionamiento y le adjudico una utilidad practica “la pintura” por lo que se le otorgo su descubrimiento

.

El mismo Da Vinci y el alemán Alberto Durero emplearon la cámara oscura para dibujar objetos que ella se reflejaba. A partir de ese momento se utilizo como herramienta auxiliar del dibujo y la pintura extendiéndose rápidamente por toda Europa, el invento de la habitación oscura era muy útil pero tenía un gran inconveniente, eran muy poco manejables por lo que casi a mitad de siglo XVII se invento una mesa de dibujo portátil con los principios de la cámara oscura.

La sensibilidad a la luz de ciertos compuestos de plata, particularmente el nitrato y el cloruro de plata, era ya conocida antes de que los científicos británicos Thomas Wedgwood y Humphry Davy comenzaran sus experimentos a finales del siglo XVIII para obtener imágenes fotográficas. Consiguieron producir imágenes de cuadros, siluetas de hojas y perfiles humanos utilizando papel recubierto de cloruro de plata. Estas fotos no eran permanentes, ya que después de exponerlas a la luz, toda la superficie del papel se ennegrecía, con lo cual nunca pudieron llegar a conseguir el fijado de las imágenes."Toda invención está condicionada, en parte por una serie de experiencias y conocimientos anteriores y en parte por las necesidades de la sociedad. Añadamos la parte de genialidad personal y, a menudo, de acierto fortuito. Así fue como, en 1824, Nicéphore Niépce inventó la fotografía. “Las primeras imagines `positivas directas las consiguió utilizando placas de peltre (aleación de zinc, estaño y plomo) cubriéndolas de betún de Judea y fijadas con aceite de lavanda. Nicéphore utilizo una cámara oscura modificada e impresiono en 1827 la primera fotografía permanente de la historia, a este procedimiento lo bautizo ¨heliografía¨.

Punto de vista desde la ventana de Gras, datada en el año 1826, es la primera fotografía conocida y se conserva en la actualidad en la Universidad de Texas.

Niépce pasó años buscando socios que aportaran fondos. A los comerciantes no les importaba y las personas que si les interesaba no querían arriesgar su dinero en algo que todavía no era muy concreto. Niépce murió en 1833 en plena miseria y desconocido.

Quien se quedo con el merito fue Louis-Jacques-Mandé Daguerre, un pintor y hombre de negocios. Daguerre lo que hizo fue perfeccionar a través del diorama, el procedimiento de Niépce. Él hizo un contrato con el hijo de Niépce, Isidore, que había recibido de su padre la propiedad del invento.

Daguerre continuó investigando. Más tarde, en 1835, hizo un descubrimiento importante por accidente. Puso una placa expuesta en su armario químico y encontró después de unos días, que se había convertido en una imagen latente. Daguerre perfeccionó el daguerrotipo hasta 1838. Hay que decir que no se podían sacar copias de las pruebas, sólo repitiendo el daguerrotipo. Además, los tiempos de exposición eran largos y el vapor de mercurio tenía efectos tóxicos para la salud y las imágenes desaparecían después de un tiempo.

Publico sus primeros resultados del proceso que llamó daguerrotipo, consiste en láminas de cobre plateadas y tratadas con vapores de yodo y yoduro de plata durante 1 hora. Redujo los tiempos de exposición a 15 o 30 minutos, consiguiendo una imagen apenas visible, que posteriormente revelaba con vapores caliente con sal, aunque el verdadera fijado no lo consiguió si no hasta dos años mas tarde (1837) con sulfito de sodio.

En las primeras fotografías permanentes conseguidas por Daguerre, la plancha de revelado se recubría con una disolución concentrada de sal común. Este proceso de fijado, descubierto por el inventor británico William Henry Fox Talbot,

Daguerrotipo.

Casi al mismo tiempo que los franceses Niepce y Daguerre, el ingles William Henry Fox Talbot, de familia aristocrática y amplia formación científica, reclamo para si la paternidad del invento al mostrar negativos obtenidos exponiendo objetos como encajes y objetos sobre el papel recubierto con cloruro de plata. Posteriormente este negativo lo revelaba con nitrato de plata y lo exponía por contacto sobre otro hasta lograr el positivo. A este proceso lo denomino “Calotipo”.

En 1851 se inventó una nueva técnica que libero de los procesos patentados de fox Talbot y Daguerre, la Técnica del colodión húmedo o ambrotipo, de Frederick Scott Archer este método consistía en un soporte de cristal que, momentos antes de hacer la foto, se la recubría con una sustancia espesa y húmeda a base de algodón en polvo, alcohol y éter junto con sales de bromuro de plata y yodo.

Richard Meaddox sustituye el colodión húmedo por la gelatina de bromuro, originando una placa seca o colodión seco, desde entonces es la emulsión que se usa.

El reto de la fotografía ahora estariá en la evolución de los soportes: vidrio materiales flexibles, película en rollo etc. Para este momento el número de fotógrafos había pasado de algunos cientos a miles.

Años mas tarde en 1884 el inventor estadounidense George Eastman patentó una película que consistía en una larga tira de papel recubierta con una emulsión sensible, en 1889 realizo la primera película flexible y transparente en forma de tiras de nitrato de celulosa. El invento de la película en rollo marcó el final de la era fotográfica primitiva y el principio de un periodo durante el cual miles de fotógrafos se interesarían por el nuevo sistema. George Eastman inventó la famosa cámara Kodak. Tenía todas las cualidades para la producción masiva y el atractivo popular: era ligera, compacta y el fotógrafo no tenía que revelar las fotos. Por primera vez una cámara podía cargarse con película de rollo y con una capacidad de 100 exposiciones.

 

Siglo XX

A comienzos de este siglo la fotografía comercial creció con rapidez y las mejoras del blanco y negro abrieron camino a todos aquellos que carecían del tiempo y la habilidad para los tan complicados procedimientos del siglo anterior. En 1907 se pusieron a disposición del público en general los primeros materiales comerciales de película en color, unas placas de cristal llamadas Autochromes Lumière en honor a sus creadores, los franceses Auguste y Louis Lumière. En esta época las fotografías en color se tomaban con cámaras de tres exposiciones.

En la década siguiente, el perfeccionamiento de los sistemas fotomecánicos utilizados en la imprenta generó una gran demanda de fotógrafos para ilustrar textos en periódicos y revistas. Esta demanda creó un nuevo campo comercial para la fotografía, el publicitario. Los avances tecnológicos, que simplificaban materiales y aparatos fotográficos, contribuyeron a la proliferación de la fotografía como un entretenimiento o dedicación profesional para un gran número de personas.

 

Esta es la denominada cámara Mamut, la cámara fotográfica más grande del mundo. Se construyo en los Estados Unidos en el año 1900,y su peso era aproximadamente de unos 450 kilos. Él tamaño de las placas de cristal eran de 130 X 240 cm.

 

La cámara de 35 mm, que requería película pequeña y que estaba, en un principio, diseñada para el cine, se introdujo en Alemania en 1925. Gracias a su pequeño tamaño y a su bajo coste se hizo popular entre los fotógrafos profesionales y los aficionados. Durante este periodo, los primeros utilizaban polvos finos de magnesio como fuente de luz artificial. Pulverizados sobre un soporte que se prendía con un detonador, producían un destello de luz brillante y una nube de humo cáustico. A partir de 1930, la lámpara de flash sustituyó al polvo de magnesio como fuente de

luz.

Con la aparición de la película de color Kodachrome en 1935 y la de Agfacolor en 1936, con las que se conseguían trasparencias o diapositivas en color, se generalizó el uso de la película en color. La película Kodacolor, introducida en 1941, contribuyó a dar impulso a su popularización.

Muchas innovaciones fotográficas, que aparecieron para su empleo en el campo militar durante la II Guerra Mundial, fueron puestas a disposición del público en general al final de la guerra. Entre éstas figuran nuevos productos químicos para el revelado y fijado de la película. El perfeccionamiento de los ordenadores facilitó, en gran medida, la resolución de problemas matemáticos en el diseño de las lentes. Aparecieron en el mercado muchas nuevas lentes que incluían las de tipo intercambiable para las cámaras de aquella época. En 1947, la cámara Polaroid Land, basada en el sistema fotográfico descubierto por el físico estadounidense Edwin Herbert Land, añadió a la fotografía de aficionados el atractivo de conseguir fotos totalmente reveladas pocos minutos después de haberlas tomado.

En el decenio siguiente los nuevos procedimientos industriales permitieron incrementar enormemente la velocidad y la sensibilidad a la luz de las películas en color y en blanco y negro. La velocidad de estas últimas se elevó desde un máximo de 100 ISO hasta otro teórico de 5.000 ISO, mientras que en las de color se multiplicó por diez. Esta década quedó también marcada por la introducción de dispositivos electrónicos, llamados amplificadores de luz, que intensificaban la luz débil y hacían posible registrar incluso la tenue luz procedente de estrellas muy lejanas. Dichos avances en los dispositivos mecánicos consiguieron elevar sistemáticamente el nivel técnico de la fotografía para aficionados y profesionales.

En la década de 1960 se introdujo la película Itek RS, que permitía utilizar productos químicos más baratos, como el zinc, el sulfuro de cadmio y el óxido de titanio, en lugar de los caros compuestos de plata. La nueva técnica llamada fotopolimerización hizo posible la producción de copias por contacto sobre papel normal no sensibilizado.

En 1960 se dividieron: los que seguían utilizando su cámara para captar imágenes sin ninguna intención y los que decidieron que la fotografía era una nueva forma de arte visual. La fotografía combina el uso de la imagen como documento y como testimonio; subgénero que se conoce con el nombre de fotografía social.

En 1962 Leith y Upernicks de la universidad de Michigan lograron un holograma perfecto utilizando un rayo láser.

En 1963 último avance fue con la cámara Land Polaroid, que producía automáticamente copies en color.

En 1981 primera aparición práctica con la invención de una cámara en color hecha por Frederick Ives.

En 1994 primera cámara integral de vídeo y fotografía de 35 mm.

Bibliografía:

www.sildeshare.com

www.wikipedia.com

www.historiadelafotografia.com

2.3 LA CAMARA

¨Las cámaras son un puente, ellas inmortalizan el pasado.¨

Definición:

Una cámara fotográfica o cámara de fotos es un dispositivo utilizado para capturar imágenes o fotografías. Es un mecanismo antiguo para proyectar imágenes en el objeto, en el que una habitación entera desempeñaba las mismas funciones que una cámara fotográfica actual por dentro, con la diferencia que en aquella época no había posibilidad de guardar la imagen a menos que ésta se trazara manualmente. Las cámaras actuales pueden ser sensibles al espectro visible o a otras porciones del espectro electromagnético y su uso principal es capturar la imagen que se encuentra en el campo visual.

2.3.1 CRONOLOGIA

Las cámaras que han dejado huellas en la historia del mundo son las siguientes:

Seguramente, la cámara oscura tuvo su primer inventor en Bagdad. Fue el matemático árabe Alhacén, nacido en 965, pues en su libro "Tratado Óptico" echa por tierra las teorías griegas predominantes en aquella época de que los rayos luminosos se emiten desde el ojo hacia los objetos visualizados. La cámara oscura es un instrumento óptico que permite obtener una proyección plana de una imagen externa sobre la zona interior de su superficie. Constituyó uno de los dispositivos ancestrales que condujeron al desarrollo de la fotografía. Los aparatos fotográficos actuales heredaron la palabra cámara de las antiguas cámaras oscuras. Consiste en una caja cerrada con papel fotográfico y un pequeño agujero.

Originalmente, consistía en una sala cerrada cuya única fuente de luz era un pequeño orificio practicado en uno de los muros, por donde entraban los rayos luminosos reflejando los objetos del exterior en una de sus paredes. El orificio funciona como una lente convergente y proyecta, en la pared opuesta, la imagen del exterior invertida tanto vertical como horizontalmente.

*La primera cámara que fue lo suficientemente pequeña como para considerarse portátil fue construida por Johann Zahn en 1685. Las primeras cámaras fotográficas eran similares en esencia al modelo de Zahn, aunque generalmente con una mejora en el enfoque. Antes de cada exposición una placa sensibilizada era insertada.

*La heliografía es un procedimiento fotográfico creado por Joseph-Nicéphore Niépce, quien distinguía entre las imágenes que habiendo sido obtenidas con este método suponían reproducciones de grabados ya existentes, llamadas «heliograbados», y las imágenes captadas directamente del natural por la cámara, a las que llamaba «puntos de vista».

El procedimiento suponía la utilización de la cámara oscura y el empleo de diferentes materiales como soporte sensibilizado, entre ellos el papel, el cristal o diversos metales como el estaño, el cobre, el peltre, entre otros. Para la obtención de las imágenes se precisaba un tiempo de exposición de la placa a la luz durante ocho horas.

Cámara heliográfica

*El daguerrotipo, también conocido como "daguerrotipó", fue el primer procedimiento fotográfico anunciado y difundido oficialmente en el año 1839. Fue desarrollado y perfeccionado por Louis Daguerre a partir de las experiencias previas inéditas de Joseph-Nicéphore Niépce, y dado a conocer en París, en la Academia de las Ciencias francesa.

Los daguerrotipos se distinguen de otros procedimientos porque la imagen se forma sobre una superficie de plata pulida como un espejo. Para economizar, normalmente las placas eran de cobre plateado, pues sólo era necesario disponer de una cara plateada.

La imagen revelada está formada por partículas microscópicas de aleación de mercurio y plata, ya que el revelado con vapores de mercurio produce amalgamas en la cara plateada de la placa. Previamente esa misma placa era expuesta a vapores de yodo para que fuera fotosensible.

Daguerrotipa

*El calotipo es un método fotográfico, creado por William Fox Talbot, basado en un papel sensibilizado con nitrato de plata y ácido gálico que tras ser expuesto a la luz era posteriormente revelado con ambas sustancias químicas y fijado con hiposulfito sódico.1 Este procedimiento resulta ser muy cercano al de la fotografía de hoy en día, ya que producía una imagen en negativo que podía ser posteriormente positivada tantas veces como se deseara. Para ello se baña el papel negativo en cera derretida para que se vuelva transparente y así, tras someterlo a un foco de luz o por contacto sobre otro papel idéntico, se obtiene una imagen en positivo.

Aunque se utilizaba al menos desde 1835 y Talbot ya presentó una comunicación en 1839, el procedimiento fue patentado en el año 1841 en Inglaterra lo cual limitó sensiblemente su internacionalización, a diferencia de otros procedimientos.

También conocido con el nombre de «Talbotipo» o «impresión al papel salado» (Salt print en inglés),3 fue el proceso fotográfico más utilizado entre los que empleaban papel antes del descubrimiento de la copia a la albúmina y se estuvo utilizando aproximadamente hasta 1860.

*1885 - Más tarde, se lanzó al mercado la película Eastman American, que en contraste con el papel negativo era una película despegable, que utilizaba el papel únicamente como soporte provisional para la emulsión. El papel se despegaba después del revelado, dejando una película negativa delgada que se colocaba sobre cristal o gelatina espesa para hacer las copias. La Compañía abrió en Londres una oficina de venta al por mayor. Esto señaló el comienzo de uno de los principios comerciales básicos de Eastman: la distribución a escala internacional.*1886 - George Eastman fue uno de los primeros industriales norteamericanos que contrató los servicios de un químico para que dedicara todo su tiempo a la investigación científica y le ayudara en el perfeccionamiento de un soporte de película transparente y flexible.

*1888 - En este año nació la palabra KODAK. Eastman deseaba encontrar una marca definitiva para patentarla. Quería un nombre corto que pudiese ser pronunciado y deletreado con facilidad en cualquier idioma. La letra "K" era una de sus favoritas. Tras considerar un gran número de combinaciones con palabras que empezaban y terminaban con esa letra, Eastman eligió la palabra "Kodak". También este año se lanzó al mercado la cámara Kodak. Debidamente cargada con película Eastman American para 100 exposiciones, se vendía al precio de 25 dólares. Este fue el principio del "sistema completo de fotografía". Una amplia campaña de publicidad extendió por todo Estados Unidos el eslogan que Eastman había adoptado para este nuevo sistema: "Usted aprieta el botón, Kodak hace el resto". Uno de los primeros anuncios, demostrando la facilidad de uso de la fotografía

*1889 - Se puso a la venta el primer rollo de fotografía con soporte transparente perfeccionado por Eastman y su investigador químico. La película era emulsionada sobre mesas de superficie de cristal de 60 metros de largo con un soporte flexible de nitrato de celulosa. Gracias a la disponibilidad de esta película flexible, poco tiempo después, Thomas Edison realizó la primera cámara de cine y proyector. Se fundó una nueva sociedad, la Eastman Company, con un capital de un millón de dólares. Esta nueva sociedad absorbió los servicios y volumen de negocios de la Eastman Dry Plate and Film Company. Mientras tanto, se establecía en Londres la Eastman Photographic Materials Company Ltd., para llevar a cabo las ventas fuera del hemisferio occidental. Gracias a la colaboración entre Eastman y Edison, se hizo posible la realización de cine.

1890 - Se presentó la primera cámara Kodak plegable, Tenía una capacidad para 48 fotografías de 10x12, 5 cm. La publicidad de las cámaras Kodak utilizaba entonces el eslogan "Siete estilos y medidas".

La fotografía en color fue experimentada durante el siglo XIX, pero no tuvo aplicaciones comerciales, por su dificultad e imperfección. Los experimentos iniciales no fueron capaces de conseguir que los colores se quedaran fijados en la fotografía. Una primera fotografía en color fue obtenida por el físico James Clerk Maxwell en 1861, realizando tres fotografías sucesivas, con la lente con un filtro diferente: rojo, verde y azul. Cada una de las tres imágenes se proyectaba sobre la misma pantalla con la luz del color del filtro que se había empleado para tomarla.

A lo largo del siglo XIX, y principios del XX, algunas fotografías se coloreasen a mano, con acuarelas, óleo, anilinas, u otros pigmentos. Pero este coloreado manual era artístico y no técnicamente fotográfico. Ya en la época del daguerrotipo se empezaron a colorear los retratos, pagando un suplemento. En algunos países, como Japón, se coloreaban muchas copias a la albúmina, especialmente en los retratos de tipos populares y en las vistas de paisajes y ciudades.

La verdadera primera placa fotográfica en color -Autochrome Lumière- no llegó a los mercados hasta 1907. Esas placas autocromas eran transparencias de vidrio. La primera película fotográfica en color moderna, KodaChrome, fue utilizada por primera vez en 1935. Las más modernas, a excepción de ésta, han sido basadas en la tecnología desarrollada por Agfacolor en 1936.

*los avances en las prestaciones de los objetivos, llegaron a partir del año 1903 con los objetivos fabricados por Zeiss. Otros progresos fueron aportados por el sistema réflex en 1828. La primera cámara réflex binocular con un objetivo para la toma, otro para el encuadre y el enfoque, fue construida por H.Cook en 1865

Polaroid Land, por Edwin Herbert LandAlgunos investigadores se dedicaron a experimentar el método de fotografía instantánea, es decir, especularon con la posibilidad de revelar la película en el interior de la cámara fotográfica, en lugar de la cámara oscura (laboratorio).

La fotografía instantánea se hizo realidad en 1947, con la cámara Polaroid Land, basada en el sistema fotográfico descubierto por el físico estadounidense Edwin Herbert Land. Este revolucionario invento añadió a la fotografía de aficionados el atractivo de conseguir fotos totalmente reveladas pocos minutos después de haberlas tomado.

*La primera cámara digital de fotos fue creada por Steve Sasson un trabajado de la compañía Kodak que en 1975 tras innumerables horas de trabajo creo lo que hoy en día conocemos como la primer cámara de fotos digital de la historia, el prototipo en cuestión pesaba mas de 3 kg sin baterías y tenia un tamaño cercano al de una tostadora con una capacidad de 0.01 megapíxeles.

Era la primera cámara digital capaz de tomar hasta dos fotografías ¨en blanco y negro¨ por minuto grabadas en un casete incorporado.

* Primer Pantalla LCD En Una Cámara1995

Finalmente, salió la cámara con una pantalla LCD en la parte trasera. Fue inventada por Casio y se llamaba QV-10. Esto era demasiado útil porque, en el momento que se tomaba la foto, podías ver como salió. Ya no tenias que esperar a revelar tus fotos o tener que conectar lo a otro aparato para ver como salieron. Las fotos salían en color y la cámara grababa hasta 96 fotos en su memoria interna.

Bibliografía: www.wikipedia.com

www.fotografia.com

2.3.3 tendencias actuales

Pongámonos el gorro de Nostradamus una vez más y especulemos un poco acerca del futuro de nuestro hobbie. Ya lo hemos hecho una vez, hablando sobre la forma de compartir imágenes en el futuro, así que miremos un poco al futuro y proyectemos que será de él. Obviamente la naturaleza de este artículo es altamente subjetiva y puede estar absolutamente errada. Tómenla como una charla de café con este editor.

Si pensamos en dispositivos para capturar imágenes, existen dos grandes grupos: en una esquina están las cámaras de fotos de toda la vida, analógicas en decadencia y digitales en pleno auge. Permiten tomar fotografías horribles, con sensores pequeños y lentes de plástico, como así también espectaculares, con lentes y sensores de primera calidad. Su fuerte es la imagen estática, de la mano de grandes cantidades de megapíxeles que permiten hacer ampliaciones gigantes, a costa de unos archivos algo grandes.

En la otra esquina están las relativamente nuevas cámaras de vídeo. No tienen la misma edad que las cámaras fotográficas, pero han logrado hacer su nicho en el mercado y ganarse el corazón de los usuarios. Su gran ventaja, claramente, es la imagen móvil, a distintos cuadros por segundo, con la gran desventaja de tener una resolución baja, por cuestiones de tamaño, transmisión y retro compatibilidad. No por nada las cámaras de vídeo estuvieron atadas hasta hace pocos años al formato 480p, saltando progresivamente a unos agradables 1080p, que aun así, son menos de 2 megapíxeles.

Ambos gigantes tienen su propio grupo de usuarios y es raro que existan personas que pertenezcan a ambos. Suele sucede que quien se dedica a la fotografía, se queda en el grupo de la fotografía y lo mismo con el grupo de vídeo. Cada dispositivo de cada grupo tiene sus ventajas y desventajas, pero fue diseñado específicamente para cumplir una tarea determinada. Así como las cámaras de fotografía tienen un control más preciso de la velocidad de obturación y apertura de diafragma, las cámaras de vídeo apuntan a la sencillez y compatibilidad del formato, grabando en cintas o tarjetas SD listas para ser vistas en cualquier televisor.

Lo interesante de que ambos grupos se han ido invadiendo en los últimos años. Las cámaras fotográficas desde hace tiempo graban vídeos a distintas calidades y las últimas réflex han comenzado a competir con las videocámaras profesionales con su excelente calidad de imagen. De todas maneras esta implementación es parcial, ya que la mayoría carece de funciones de autoenfoque y las que lo poseen es bastante impreciso y ruidoso. Del lado del vídeo hay una tendencia constante de

incluir un botón de fotografía en estas cámaras que, debido al tamaño del sensor, toman fotografías sencillamente horribles, pero fotografías al fin. Su calidad es bastante baja y sus controles de exposición casi nulos, pero la funcionalidad de grabar imágenes estáticas en el formato correcto está ahí, funcional y disponible.

Esta invasión entre ambos partidos hace notar una tendencia, un deseo de unificar funciones y ofrecer todas las posibilidades en un mismo dispositivo. Tomemos el ejemplo de los teléfonos móviles: 20 años atrás eran máquinas que sólo recibían llamadas. Poco a poco fueron incluyendo funciones de texto, reproductor de música, de vídeos, radio y un largo etcétera. Quién les habla está escribiendo este texto en un teléfono móvil, viajando en un medio de transporte público, utilizando una tecnología que una década atrás apenas hacia llegar tú voz algo más lejos. Esta tendencia a unificar y cumplir varias funciones que antes se pensaban separadas y exclusivas de cada área es bastante clara. No veo porque la fotografía no deba subirse a este tren.

Ahora sí metiéndonos de lleno en el terreno de la especulación se puede decir que el futuro es la unión del grupo del vídeo con el de la fotografía, creando foto videocámaras que tomen excelentes fotografías, excelentes vídeos y sus funciones de autoenfoque no apesten. Probablemente en menos de 10 años el estándar será un híbrido entre una réflex y una videocámara, con lo mejor de cada segmento. La guerra de los megapíxeles ha sido probada cómo inútil y a partir de cierto número al usuario común deja de importarle este valor. El futuro depara mejores sensores, más inteligentes y más versátiles donde los problemas de cada grupo actual son fácilmente solucionados. Las cámaras de fotos aprenderán de sus hermanos móviles a enfocar automáticamente de manera precisa y las de vídeo recibirán sensores más grandes, más sensibles y lentes más luminosas.

Claro que las cámaras exclusivamente de fotos o vídeo seguirán existiendo, pero relegadas a un segmento más profesional. Las cámaras de fotografías de varios megapíxeles y lentes de gran apertura y longitud focal seguirán existiendo, junto a las cámaras de vídeo específicamente optimizadas para está función, tal cómo los reproductores de MP3 o los teléfonos sólo llamadas siguen con vida y público activo. Pero el público masivo y general dejará de tener un dispositivo para cada función y recibirá con los brazos abiertos estos, por ahora, cámaras imaginarias, absolutamente versátiles y de excelente desempeño en cada área.

Bibliografía : www.futurologia.com

2.3.4 elementos de la cámara fotográfica actual

Los elementos que componen una cámara fotográfica.

Objetivo: Es un conjunto de lentes que concentran los rayos de luz emanados por el objeto en la cámara. En su forma más simple lo definimos como un trozo de vidrio pulido. El objetivo es alcanzado por la luz que se dispersa a partir del individuo y le hace converger de nuevo formando una imagen.

Sujeto y la fuente luminosa: Cualquier plano o elemento que queramos fotografiar debe encontrarse iluminado por alguna fuente luminosa, una lámpara eléctrica, el sol, debemos tener presente que fotografiar significa "dibujar con la luz". La luz que alcanza al sujeto es reflejada en todas direcciones, parte de estos rayos atravesarán el objetivo para formar la imagen. Si el objeto es coloreado, también lo serán los rayos que refleje

Obturador: Dispositivo mecánico por el que se controla el tiempo de exposición de la película a la luz. Es decir es el que permite decidir en el momento exacto en el que se hará la fotografía y el tiempo que estará expuesta a la luz.

Diafragma: Es el disco que controla la cantidad de luz que llega a la película. El diafragma o abertura siempre está situado cerca del objetivo y actúa como el iris del ojo humano, variando su diámetro podemos controlar la luz que entra en la cámara.

Visor: Elemento a través del cual se puede ver anticipadamente la perspectiva y el campo visual que abarca la fotografía. Todas las cámaras portátiles, precisan de algún tipo de visor que permita encuadrar y componer una imagen.

Plano focal: Definimos el plano focal cómo la superficie sobre la que se forma una imagen nítida del sujeto. Mientras se realiza una fotografía, la película está extendida a través del plano focal. Cuanto más cerca está la cámara del sujeto, más lejos está el plano focal del objetivo.

Bibliografía: www.digitalfotored.com

2.3.5 Funcionamiento.

La cámara digital: funcionamiento

Con la cámara digital se puede fotografiar una imagen y crear de inmediato un documento en formatos estandarizados para el ordenador. La cámara utiliza como plano de enfoque un sensor CCD (Charge coupled device), es un chip sensible a la luz, electrónico y con una superficie fotosensible que reacciona a la luz. Este chip es como el ojo de la cámara digital y uno de los elementos más importantes

Una vez realizada la toma fotográfica, ésta se almacena en la tarjeta de memoria de la cámara.

Características de la cámara digitalTal y como hemos explicado con anterioridad, la cámara digital tiene una serie características en sus dispositivos de funcionamiento, que la hacen incomparable con la fotografía tradicional.

Entre sus características, destacamos:

- El sensor de imagen- El monitor LCD.- La tarjeta de memoria para comunicarse con el PC.- Memoria y software.

Funcionamiento de la cámara analógica

En esencia, la cámara es un cajón oscuro con un agujero por el que entra la luz reflejada por el objeto que fotografiamos para plasmarse sobre un negativo produciendo un proceso químico casi instantáneo. Los haluros de plata del negativo reaccionan a la luz formando diminutos puntitos. Las zonas que reciben más luz aparecen más oscuras pues se ha formado un mayor número de cristales, mientras que las más blancas son las menos impresionadas.

Este proceso da como resultado una imagen negativa, es decir, con los colores invertidos. Debe ser positivada mediante el revelado para obtener la copia final con los colores originales.

Las cámaras tienen tres mecanismos de control básicos para regular este proceso y obtener una foto nítida y correctamente expuesta:

Partes de una cámara fotográfica

1.- El anillo de enfoque: Está situado en el objetivo. Al girarlo modificamos la distancia entre la lente y el plano de la película. De esta forma logramos poner a foco el objeto fotografiado, que de otra manera podría salir desenfocado al formarse su imagen en un plano anterior o posterior al de la película.

2.- El diafragma: Es el agujero por el cual entra la luz. En las cámaras réflex es un anillo formado por unas laminillas metálicas que permiten variar el diámetro de la abertura y regular de esta manera la cantidad de luz que entra. Se maneja girando otro anillo situado en el objetivo.

3.- El obturador: Cuando pulsamos el botón de disparo estamos accionando el obturador. Suelen ser dos cortinillas situadas delante del negativo que se abren y se cierran durante unas fracciones de segundo. El obturador controla el tiempo durante el cual se impresionara en la película.

Enfoque El ajuste que sitúa el punto más nítido de la imagen donde se desee. En las cámaras modernas, existirán puntos de autoenfoque sobre los que el sistema de autoenfoque de la cámara tratará de enfocar. Apertura El ajuste del diafragma de la lente, medible mediante el número f, el cual controla la cantidad de luz que pasa a través del objetivo. La apertura tiene efecto en dos elementos: la profundidad de campo y la difracción: cuánto más alto sea el número-f, más pequeña será la apertura, menor la cantidad de luz que entre por el objetivo, mayor la profundidad de campo y también mayor el efecto difuminador de la difracción. La longitud focal dividida por el número-f es lo que da el diámetro efectivo de la apertura. Velocidad de disparo El ajuste de la velocidad de disparo para controlar la cantidad de tiempo durante la cual el captor o la película son expuestos a la luz por cada exposición. Velocidades de disparo rápidas, o sea, de corta duración, decrementan

tanto la cantidad de luz como la trepidación debida al uso de la cámara a pulso, sin trípode. Balance de blancos En equipos digitales, la compensación electrónica de la temperatura de color asociada a unas determinadas condiciones lumínicas, asegurándose que la luz blanca es registrada como tal en el captor de imagen y, por lo tanto, los colores en la imagen parecerán naturales. En las cámaras de carrete, esta función se ejerce mediante la elección de determinados tipos de película fotográfica o con filtros correctores de color. Además de usar el balance de blancos para registrar la coloración natural de la imagen, los fotógrafos la pueden emplear con fines estéticos, por ejemplo, para obtener temperaturas de color más cálidas. Medición Cálculo de la exposición, de tal forma que tanto las luces altas como las sombras estén expuestas según las intenciones del fotógrafo. Antes de haber exposición automática en las cámaras, ésta era calculada mediante el uso de un dispositivo medidor de luz llamado exposímetro o mediante el conocimiento y la experiencia del fotógrafo a la hora de tomar las medidas. Para convertir una determinada cantidad de luz en un determinado tiempo de exposición y apertura usables, el medidor necesita que es ajuste la sensibilidad ASA de la película o ISO del captor a la luz. Escala de sensibilidad fotográfica ASA/ISO del captor. Tradicionalmente ha sido usada para indicar a la cámara la velocidad ASA de la película utilizada en cámaras de película. Hoy en día las velocidades ISO son empleadas en las cámaras modernas para indicar la ganancia de luz del sistema en formato numérico y para controlar el sistema de exposición automático. Cuanto mayor sea el número ISO, mayor será la sensibilidad de la película o del captor a la luz, mientras que con un número ISO menor, la película es menos sensible a la luz. Con una correcta combinación de velocidad ISO, apertura, y velocidad de disparo se consigue una imagen que no es ni demasiado oscura ni demasiado clara, y por lo tanto 'correctamente expuesta'.

Bibliografía: www.desarrollomultimedia.eswww.digitalfotored.com

.4 Exponentes de la fotografía.

El genio y la habilidad de ciertas personas, han conseguido elevar la fotografía a algo más que arte. Los fotógrafos famosos actuales son un claro ejemplo de ello; ya que además de ser capaces de captar imágenes de la realidad,  también consiguen transmitir sentimientos a través de ellas y conmovernos con sus obras. Gracias a ellos,  han quedado inmortalizados momentos únicos e irrepetibles, así como también los mejores paisajes del mundo de nuestro querido planeta Tierra.

Steve Winter

Lo que más llama la atención de este fotógrafo son sus increíbles fotografías de animales. Ha ganado múltiples premios, entre ellos el de la BBC: mejor fotógrafo del año dedicado a  la vida salvaje. Se requiere una enorme paciencia para encontrar el momento adecuado para poder fotografiar de forma correcta a estos animales. Winter  lleva este estilo a un escalón por encima, captando incluso expresiones y momentos poco habituales en este tipo de fotografía.

Declan McCullagh

Sus fotos han aparecido en publicaciones como: The New York Times, Los Ángeles Times, GQ, Científica American, la revista Business 2.0, la revista Gear, la revista Premiere, y otras decenas.

También han sido elegidas para informes anuales, carátulas de CD, portadas de libros, y se han mostrado en la televisión.

Trey Ratcliff

La especialidad de Trey son las fotos en HDR, de alto rango dinámico (High Dynamic Range). Aunque este tipo de arte no es muy realista, es fascinante de una manera completamente diferente.

Trey combina varias fotos con diferentes tiempos de exposición, para poder resaltar todas las luces y sombras, ampliando el rango dinámico. Su obra es muy singular y ha viajado por todo el mundo (Nueva York, Italia, Canadá, Islandia, Rusia, Ucrania, etc.)

Damon Winter

Este fotógrafo, que trabaja para el New York Times, ha ganado el premio al mejor fotógrafo de prensa 2011 y un premio Pulitzer en 2009.

Scott Stulberg

Scott tiene una página web de fotografía digna de ser vista. No es habitual criticar el diseño del sitio en concreto, pero diría que este es uno de los mejores ejemplos de lo que debería ser una buena galería de imágenes. El único problema es que esta web no está muy optimizada para los motores de búsqueda, con lo cual no es muy fácil de encontrar.

 

Toby Keller

Keller se ha especializado en fotos nocturnas, de larga exposición. Son especialmente notorias sus fotografías marinas, debido a que consigue reproducir colores muy ricos y vibrantes. Toby es un artista increíblemente creativo y su cuaderno de fotos de viajes es impresionante.

David Pullum

David Pullum es uno de los mejores fotógrafos de bodas. Fue nominado al premio: los 10 mejores fotógrafos de bodas de Reino Unido. Sus fotos no se limitan a reflejar cómo se ven las cosas, sino que son capaces de captar sentimientos, emociones que gracias a él perdurarán más allá del recuerdo.

Sus fotografías cuentan una historia más allá de lo visible, consiguen transmitir una explosión de magia y felicidad.  Si lo que buscas es una versión diferente a los convencionalismos típicos de este tipo de fotos, este es tu fotógrafo.  Su página web es indudablemente una de las mejores en cuanto a la calidad de sus galerías de fotos.

Mike Murphy

Una de las especialidades de Mike es la fotografía de alta velocidad en el agua y la macro fotografía. También es un artista digital.

G.M.B Akas

G.M.B Akash es un fotógrafo famoso de Bangladesh que ha recibido más de 35 premios internacionales. Centra su atención en la gente viviendo dentro de sus sociedades: refleja sus expresiones, sus vidas y su entorno. Tiene una forma de comunicar las experiencias de forma que cambia nuestra propia realidad, lo que convierte a sus imágenes en obras de arte que te llegan al alma.

Dijo en una ocasión: “Hoy, me siento orgulloso de ser fotógrafo. Ser capaz de articular las experiencias de aquellos que no tienen voz, para darles identidad, le da un significado y un propósito a mi vida”

Nick Brand

Este increíble fotógrafo de vida salvaje en blanco y negro utiliza sobre todo teleobjetivo y lentes de gran angular. Podríamos describir sus fotografías como: misteriosas, poderosas, íntimas, épicas y emocionantes.

Pedro Meyer

Es un fotógrafo español, nacido en Madrid en 1935, inmigrado a México.1 Es uno de los pioneros y exponentes reconocidos internacionalmente de la fotografía mexicana contemporánea. Fue fundador y presidente del Consejo Mexicano de Fotografía y organizador de los tres primeros Coloquios Latinoamericanos de Fotografía. Aparte de su labor artística como fotógrafo, Pedro Meyer ha sido maestro, curador, editor, fundador y director del reconocido sitio ZoneZero, el cual alberga el trabajo de más de mil fotógrafos de todo el mundo y es visitado por alrededor de 500,000 personas al mes. En el último año se han consultado más de 5.5 millones de páginas, convirtiendo a ZoneZero en uno de los portales de fotografía más visitados en la red.

Bibliografía:

www.wikipedia.com

www.mejoresdelmundo.com

3.1 estilos de las fotografías.

Las fotografías sin duda nos sirven para captar un instante, para contar una historia, transmitir un mensaje, dibujar un recuerdo. Una fotografía es un disparador a la imaginación.

Existen muchos estilos de la fotografían de los cuales se pueden separar dos grandes grupos que son las fotografías que son realizadas en momentos espontáneos, situaciones en que los elementos que van a ser

captados no han sido ordenados para ser fotografiadas es realizada sobre momentos espontáneo, situaciones reales en donde las personas si es que las hay no están pensando en que van a ser fotografiadas y el segundo grupo es cuando es la fotografía producida es la que tiene una escenografía o la que es ordenada de algún manera u otra antes de ser captada.

Los estilos de la fotografía mas comunes son:

Retratos

Fotografía: Alberto Oviedo

Un retrato en fotografía, es la toma que incluye el rostro de una persona, es la captación de la expresividad de un rostro; el mismo puede estar ubicado de frente, perfil o semi perfil. Hay distintos tipos de retratos y tienen que ver con el encuadre; plano general, que es cuando se toma el cuerpo entero de una persona; plano americano o tres cuartos, el cual corta a la persona aproximadamente a la altura de las rodillas; el plano medio que va hasta la cintura; plano medio corto, que es el plano que toma hasta el busto de la persona; primer plano el que toma hasta los hombros; primerísimo primer plano, que va desde el comienzo de la frente hasta el mentón y por último el plano detalle, el cuál hace un acercamiento de un detalle como puede ser un ojo, la boca, etc.En un retrato, hay cosas importantes a tomar en cuenta, la zona de mayor expresividad de una persona está en la mirada, por tanto, tenemos que enfocar ahí, en la mirada; también es importante la profundidad de campo y el entorno, si queremos captar la expresividad de un rostro, una buena forma de eliminar la interferencia es desenfocar el entorno y/o reducir la mayor cantidad de elementos posibles, ubicando a la persona con un fondo neutro o un paisaje limpio.El tipo de lente más recomendable para este tipo de fotografía es el 50 milímetros fijo, ya que es un lente muy luminoso con una muy amplia apertura del diafragma; al tener una óptica fija, el encuadre lo tendremos que hacer nosotros moviéndonos.

Barridos

Fotografía: The Big Picture

Un barrido es una toma en la cual se capta a un elemento en movimiento. Este elemento será el que aparezca enfocado y el resto del entorno estático se mostrará barrido. Para este tipo de fotos se utiliza una propiedad de enfoque de las cámaras que se llama “Al Servo”, la cual hace un tracking del elemento en movimiento, permitiendo que si hacemos un seguimiento del cuadro con la cámara, haya una compensación del movimiento del foco, para que el elemento enfocado pueda mantener la nitidez.

El desafío del fotógrafo será el encuadre, lograr que la toma quede correctamente compuesta. Este tipo de fotografía se puede practicar en eventos deportivos, carreras de autos, bicicletas andando, personas corriendo, etc.

Nocturnas

Fotografía: Anthony James

La fotografía nocturna está llena de magia, principalmente por la cromática de las luces y lo parcial de la iluminación de los elementos; más aún si entran en juego los reflejos en el agua. Esta fotografía se caracteriza por un elevado tiempo de exposición y una reducida apertura del diafragma; de esta manera se logra obtener un encuadre muy nítido y llegar a percibir una correcta iluminación de la escena. Debido a los largos tiempos de exposición, también es recomendable el uso de un trípode para evitar la trepidación. Un ejemplo asombroso de fotografía nocturna se da cuando aparecen elementos iluminados en movimiento, luces de coches, juegos de parques de diversiones, luz reflejada sobre agua en movimento, etc.

La hora ideal para hacer una toma nocturna es la llamada “hora azul”, la cual va desde 30 minutos antes de ocultarse el sol, hasta pasados 30 minutos del ocaso. Esto es debido a que en esa hora, todavía queda algo de luz reflejada para componer la escena; de lo contrario las luces quedarán muy brillantes y las zonas con poca luz se verán negras.

Macros

Fotografía: Juza

Asombrosa por naturaleza es la fotografía macro, ¿Porqué? porque se pueden apreciar cosas que a simple vista es muy difícil, por ejemplo el rostro de una mosca. Para poder llevar a cabo esta fotografía se necesita tener lentes que puedan enfocar a muy corta distancia, muy luminosos con una amplia apertura del

diafragma pero a su vez se necesita tener un entorno correctamente iluminado, con luz lo suficientemente difusa que permita que los pequeños elementos en cuestión no generen sombras molestas que hagan perder a otros, dígase la antena de una abeja arrojando sombra sobre su rostro.

Paisajes

Fotografía: Dmitry

Los paisajes captados en una foto pueden hacernos volar la imaginación, ayudarnos a completar la escena con una continuación del paisaje creada por nosotros, se pueden llegar a captar una infinidad de tonalidades, texturas, temperaturas, sonidos, etc; sólo con la contemplación de una imagen. Los paisajes requieren una muy buena composición y un diafragma bastante cerrado, el objetivo es lograr una foto nítida en todo el campo. Una práctica interesante para la composición de paisajes es el uso de HDR; los HDR, High dynamic rang o fotografía de alto rango dinámico es una mezcla de la misma toma realizada a distintos tiempos de exposición, esto permite realizar un balance para lograr la mejor exposición en cada una de las zonas de la fotografía, llegándose a captar tonalidades que ni el propio ojo humano puede llegar a hacerlo.

Publicitaria

Fotografía: Alberto Oviedo

La fotografía publicitaria fiel a su objetivo es aquella que logra destacar lo mejor del producto y minimizar lo menos favorable, de aquí que para muchos es tomada como fotografía engañosa. Modelos que no tienen rastros de celulitis ni marcas en la cara, platos de comida perfectos y coloridos, hamburguesas maravillosas, iguales a las que nunca vamos a poder degustar en un comercio del ramo, etc.¿Esto está mal?… para nada, una correcta fotografía publicitaria es aquella que cumple con su objetivo, dejar al producto o a la persona publicitada en lo más alto.

Por estas razones, es que en este estilo de fotos aparece sin la más mínima piedad el retoque de imagen; aunque antes del retoque digamos que encontramos la presencia de la creación de la la escena, escenarios iluminados, cajones de luz, producciones de vestimenta y maquillaje, fijadores, spray para crear texturas con gotitas de agua, espejos para generar luz reflejada, etc, etc, etc. Créanme que

llegar a lograr esas fotografías maravillosas que se hacen presente en esos carteles que vemos en la ruta, en shoppings o en cines; es UN VERDADERO ARTE!!!

Arquitectónica

Fotografía: Albert Massar

Fugacidad, tensión, abstracción, profundidad, equilibrio, monumentalidad, son todos adjetivos que se me vienen a la mente cuando observo fotografía arquitectónica. Cada construcción tiene determinadas características que la hacen destacarse de las demás o elementos que tienen una determinada fuerza que necesita ser captada y expuesta por la fotografía; por ejemplo, un rasca cielos, puede transmitirnos su altura a partir de una foto tomada desde la base con un gran angular, logrando captar la fuga hasta el cielo de sus aristas; algo de esto es lo que les quiero transmitir sobre la fotografía arquitectónica.

Muchas veces es difícil poder encuadrar una fachada de un edificio, por ejemplo una iglesia; por esta razón es que en arquitectura es muy común el uso de los gran angulares, estos nos permiten abarcar ángulos de visión muchas veces superiores a los de la visión humana.

Los gran angulares se dividen en tres tipos, gran angular estándar, el cuál va de 18 a 35 milímetros de distancia focal; el súper gran angular, con distancias focales menores a 28 milímetros y un ángulo superior a los 80º y por último los llamados ojo de pez, el cuál abarca desde los 180º en adelante, llegando a lograr imágenes circulares.

Conceptual

Fotografía: Santiago Álvarez

Este es un muy interesante estilo de fotografía y es usada con el objetivo de abstraer o comunicar un mensaje en particular. Está dada cuando la fotografía nos dice algo concreto. Puede ser utilizada a nivel corporativo para identificar un ítem, por ejemplo “contáctanos”, “negocios”, “entrega rápida”, o también para contarnos una idea de forma gráfica. En este estilo de fotos aparece la figura retórica “Metonimia”, dónde sustituimos un objeto en lugar de otro. Un ejemplo ya conocido es la representación de la tentación a partir de una manzana mordida.

Aquí también puede entrar en juego el retoque con el objetivo de reforzar la idea, o generar imágenes surrealistas propias de la imaginación pero que representadas a

partir de una fotografía juegan con la realidad. Por otra parte es una fotografía de detalle, en la cual adquiere importancia aislar a los objetos protagonistas del resto del entorno, ya sea utilizando profundidad de campo, contrastes de color o bien un buen retoque.