Autorretrato

Pintura. 1904.

Iluminismo.

Composición depurada, sin apenas referencias espaciales concretas y que toma como referencia el retrato velazqueño.

El pintor se autorretrata de busto prolongado y mira al espectador con gesto inquisitivo y penetrante. Los lienzos en las paredes configuran y llenan el espacio y, con ellos, el artista se reivindica como pintor.

La presencia de un lienzo vacío a la derecha de la composición constituye, probablemente, un homenaje a “Las Meninas” de Velázquez y al oficio de pintor. Siguiendo esta línea, Sorolla recupera la tradición del Siglo de Oro de la paleta cromática oscura, sobria pero brillante en determinados puntos, como la cabeza o el cuello de la camisa.

El formato apaisado es innovador. Sorolla recurre a él en muchos de los retratos dedicados a personajes por los que siente especial admiración intelectual o que forman parte de su intimidad.

La tela conmemora el nacimiento de su hija menor Elena, que nace en el mes de junio de 1895 en Valencia. Sobre un escenario sucinto a base de grises sitúa los rostros de su mujer, azulada por el esfuerzo del parto, y de su hija, rojizo por la misma razón. El volumen de la tela lo consigue utilizando barnices coloreados, corladuras, que son una excepción en la obra del artista.

Madre. 1985

Sorolla. Castilla o La fiesta del pan. (Sección izquierda) Muralla y fuente de El Pradillo.Joaquín Sorolla. 1910-1913. Oleo S/ lienzo. 3,50 x 14 mts. Serie Las Regiones de España.Sala de lectura de la Hispanic Society of América, Nueva York.

___________ "LAS REGIONES DE ESPAÑA"

Este cuadro, conocido también como «La fiesta del pan», es la mayor obra que pintó Joaquín Sorolla. Se encuentra en Nueva York, en la Hispanic Society of America. La gigantesca pieza fue traída en 2009 para una exposición itinerante del conjunto de "Las Regiones de España", y pudo ser vista en el Museo del Prado junto a la mayor colección de obras del pintor, algunas nunca expuestas antes en nuestro país.

Esta sección izquierda, que muestra una inusual vista de Ávila, es apenas la mitad de la composición. La sección derecha corresponde a una vista en la que aparecen a lo lejos el Acueducto y la Catedral de Segovia, el Alcázar de Toledo y el Castillo de San Servando. Una escenografía visionaria y monumental, sobre la que Sorolla coloca más cien figuras a tamaño natural.

En 1910 Sorolla fue elegido por unanimidad por una comisión para realizar el conjunto, que se instalaría en la gran sala de lectura de la Hispanic. Coincidió con su traslado a una nueva casa en la Cuesta de las Perdices de Madrid, donde buscaba aires sanos para su hija María, que sufría una nueva recaída de salud. En el garaje de la nueva casa improvisó un estudio donde esperaba pintar más tranquilamente "bajo la luz del sol"

Su propósito era "crear una unidad formada por las dos Castillas", pero la envergadura de la obra, que fue creciendo desde su inicio, le llevó a dividir el cuadro de

casi 14 metros en cuatro lienzos. El motivo de partida representaría la romería de San Isidro, patrón de los labradores y las gentes del campo. La composición está dividida en dos partes o secciones. A la derecha (ver enlace) se representa un mercado de trigo, con figuras más estáticas, este grupo de personajes, contempla este desfile más festivo de la izquierda, que celebra una imaginaria «Fiesta del Pan», bajo las murallas de Ávila. Ambos grupos, todos con sus trajes típicos más vistosos, representan las dos antiguas Castillas, la Vieja y la Nueva, consideradas por entonces graneros del país y núcleos de la identidad española.

El cuadro forma parte de una serie de escenas que representan lo más característico de las «Regiones Españolas». Dispuestas unas junto a otras, como si de enormes ventanales se tratase, el conjunto rodea la sala de lectura del museo neoyorquino, ocupando en total más de doscientos cincuenta metros cuadrados de pinturas al óleo. Las medidas no son, sin embargo, la mejor referencia para describir lo que allí se ve. Cada cuadro es distinto en composición y colorido.

Ayamonte, la pesca del atún

óleo sobre lienzo 349x 485 cm

Museo Sorolla de Madrid

Esta pintura de Sorolla es una genialidad .La escena principal describe el

almacenamiento de atunes recién pescados en la almadraba el momento elegido muestra

tres hombres en el centro que arrastran un atún gigante para colocarlo ordenadamente

junto a otros trece que ya reposan alineados en el suelo; en una plataforma inferior que

es el muelle al que accede la barcaza hay nuevos atunes de los que se ocupan un grupo

de hombres ,amarradas a puertos están varias barcazas más, mientras otra, un vapor y

dos veleros circulan por el río.

Las diecisiete figuras humanas que aparecen en el cuadro se mueven en una

superficie que está protagonizada también por un " fondo "que se niega a comportarse

como tal y adquiere un protagonismo semejante al de las personas; el marco general de

la escena , constituido por la almadraba , con toldo amarillo, vibrante banda coloreada

iluminada por el sol que se filtra a su través, aunque muy matizada y llena de sombras y

el suelo repleto de atunes , entre el toldo y el suelo tres palos definen espacios cercados

y se acompasan rítmicamente con los mástiles inclinados de la barcaza.

El río Guadiana en toda su amplitud de su desembocadura se extiende

plácidamente, con azul luminoso matizado de blanco brillante en representación de los

reflejos plateados del sol sobre la superficie, encima del río, apenas separadas por la

delgada línea del horizonte que se extiende transversalmente a lo largo de todo el lienzo

y que representa Portugal , aparece el cielo , aquí ampliamente tocado de amarillo como

reflejo visual de todo. De nuevo una intima imbricación de paisajes y figuras.

Otra vez también -pero con mayor fuerza que en las ocasiones anteriores -el

acorde sorollesco del blanco y azul organizan cromáticamente la composición , cierto,

aquí acompañada de la potencia fulgurante del toldo amarillo , cuyos reflejos se

extienden a través de todos los elementos : Azul blanco, amarillo como estructura

principal , pero el rojo de la sangre de los pescados extendida por el suelo de la

almadraba de manera que entre ambos- suelo y pescados- conforman una masa de

pinceladas unificadas por criterios semejantes y el conjunto de brochazos grandes , entre

los que vuelve a resalta el brillo del blanco, da lugar al sector menos dibujado y más

deshecho del cuadro-

LAS GRUPASóleo sobre lienzo 351x 301 cm

Museo Sorolla Madrid

Sorolla quería hacer de Valencia un cuadro agrícola, cuyo protagonista principal

fuesen los naranjos, probablemente con huertanos y huertanas ataviadas con sus trajes

típicos; pero le hizo cambiar de idea la visión de una procesión festiva en la que vio

elementos adecuados para un pintura diferente.

Este cuadro se llamaría Las Grupas y mantuvo en secreto su realización para que

no interviniesen los críticos Este cuadro fue pintado al " aire libre". De nuevo

encontramos a un cuadro simbólico , no tanto por cada uno de los elementos , que

podrían pasar por tomas del natural , cuanto por la situación : un desfile que parece que

acaba de cruzar el puente del Mar- del que se observa el templete de la Virgen de los

Desamparados - y , encaminarse por la Alameda ; pero en realidad no hay puente ,

puesto que tampoco se divisa el río , que ha sido sustituido por una vista de huertos,

naranjas y barracas y el cortejo parece discurrir por un camino de campo.

Como símbolo de la valencianidad, Sorolla elige trajes tradicionales de

labradores, las banderas de la ciudad, el templete de la patrona, las palmeras, la huerta y

un cielo azul lechoso. En efecto, el " acorde Sorolla " de blanco y un cielo azul lechoso

organiza también este cuadro, pero aquí se trata de un azul menos intenso que los que

encontramos en el mar Mediterráneo.

Hay que resaltar que el el aire el que da tono a lo valenciano. El aire da vida a

los grises, hace resaltarlos montes desnudos, nos permite ver la lejanía remota y presta

ligereza a la figura humana.

Sevilla: los nazarenosóleo sobre lienzo 351x 300,5 cm

Nueva York, The Hispanic Society of America

Esta pintura fue la primera que realizó Sorolla tras terminar Castilla a finales de otoño de 1913. Durante una estancia en Sevilla en la Semana Santa de 1914 ( marzo-abril ) , recogió motivos visuales en bocetos al óleo y gouaches, e inmediatamente después ejecutó el panel. Como ha señalado Diez, entre los primeros apuntes para el ciclo mural existe una imagen de la Semana Santa, una parte del énfasis en Sevilla que parece haber estado en el propósito de Sorolla desde el primer momento.

Como en casi todas las pinturas de Visión de España, en Sevilla. Los nazarenos se logra una imagen vehemente y verosímil combinando elementos representativos que han sido tomados de distintos contextos. El paso al que acompañan los penitentes es la Virgen del Valle, objeto de dos estudios al óleo particularmente bellos que se pueden fechar entre el 4 y el 11 de abril de 1914. Anderson sugiere que el hábito negro bordado con la cruz roja de Santiago fuera el de otra cofradía distinta de la que salía con la Virgen del Valle, concretamente la del Prendimiento, vulgarmente conocida como los Panaderos. Estudios ulteriores han puesto de relieve que al parecer Sorolla sólo utilizó la túnica negra de los Panaderos, no su capa roja o púrpura , tal vez por considerar que la Cruz de Santiago encerraba una significación especial para la cultura española y el color negro era más emblemático de la Semana Santa.

No menos representativa es la presencia, al fondo, de la Giralda recortada contra el cielo. Florencio de Santa Ana hablando de los estudios al óleo, señaló perspicazmente que la torre parece estar tomada desde el barrio de la Santa Cruz.

La comparación de la imagen de Sorolla con vistas reales de la Giralda induce a pensar que Sorolla la añadió a su escena callejera de una forma arbitraria, como había combinado los Panaderos con la Virgen del Valle. Nada de ello debería eclipsar las tremendas dificultades técnicas de vivificar las túnicas negras de los penitentes o dar profundidad al grupo de figuras, los espectadores que bordean la calle y el paso en el término medio. Tomás y Garín han comentado un aspecto interesante de la composición que, a primera vista, parece dividida en una mitad superior clara y una mitad inferior oscura, siendo así que las figuras de hábito oscuro de la parte inferior están circundadas por una media luz que cae de arriba.

Mis hijos

Firmada en 1904, y contemporánea de su autorretrato, nos presenta en este retrato a sus tres hijos posando en el estudio. Las concomitancias con Velázquez son innegables, nos recuerda de nuevo la composición de Las meninas pero invirtiendo ciento ochenta grados su composición. No es ajena a esta obra la influencia del pintor norteamericano Sargent.

Niños en la playa es una conocida obra del pintor postimpresionista español Joaquín Sorolla. Data del año 1910,1 está ejecutado al óleo sobre lienzo y mide 118 centímetros de alto por 127 cm de ancho. Pertenece al Museo del Prado de Madrid, a donde llegó procedente del Museo de Arte Moderno, al cual lo donó el propio pintor en 1919.

El cuadro representa una playa de aguas cristalinas, con tres niños sobre ella. Los niños se hallan completamente desnudos (así nadaban en el pasado los niños) y tendidos boca abajo sobre el barro mientras el agua les lame la piel, teniendo distintas posiciones y atributos: Uno de ellos, rubio y de piel clara, así como aparentemente de menor edad, se apoya sobre un codo mirando hacia otros dos niños, morenos y de piel más oscura, cuyos cuerpos yacen en otra dirección. Uno de ellos se halla mirando hacia el primero con una sonrisa en la cara, mientras que el otro está ajeno a la escena.

El niño rubio está menos hundido en la arena que los otros dos, así como perfilado con mayor detalle; las plantas y los dedos de los pies, así como los músculos de las piernas, los glúteos y la espalda, poseen mayor definición que los morenos. Estos se hallan semienterrados en la húmeda arena, siendo mucho más difusos sus cuerpos.