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IES Vicente Aleixandre. Departamento de Música

Curso 2011-12 Apuntes y actividades de Música: cuaderno II 2º E.S.O. no bilingüe

Alumno: Curso y grupo:

IES Vicente Aleixandre. Departamento de Música. 2º ESO no bilingüe

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ÍNDICE

Unidad 10.- La música en la Edad Media � La monodia religiosa: el canto gregoriano � La monodia profana � La polifonía medieval

Unidad 11.- La música en el Renacimiento

� Concepto de Renacimiento y contexto histórico � Características de la música renacentista � Géneros y Formas

Unidad 12.- La música en el Barroco

� Concepto y contexto histórico � Características de la música barroca � Géneros y formas � Estilos nacionales y principales representantes

Unidad 13.- El Clasicismo musical

� Características del Clasicismo musical � Las formas musicales del Clasicismo � Principales compositores: Haydn, Mozart y Beethoven

Unidad 14.- El Romanticismo musical

� La concepción romántica de la música � Características de la música romántica � Principales formas y compositores románticos

Unidad 15.- La música de finales del siglo XIX y principios del XX

� La música de finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX. � El nacionalismo. Chaikovski, Dvorak y Grieg. � El impresionismo. Debussy y Ravel. � El Postromanticismo. Bruckner, Mahler y Richard Strauss.

Unidad 16.- La música culta del siglo XX

� Música culta del siglo XX: dodecafonismo, neoclasicismo y nacionalismo � Música culta después de la II Guerra Mundial: las vanguardias � Desde el fin de las vanguardias hasta finales del siglo


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UNIDAD 10.- LA MÚSICA EN LA EDAD MEDIA

Tras la caída del Imperio Romano de Occidente surge la Edad Media, que transcurre

aproximadamente a lo largo de mil años, entre los siglos V y XV. La influencia de la Iglesia como

poder político y cultural fue decisiva durante toda la Edad Media. La Iglesia acogió con agrado la

música en templos y monasterios, mezclando en sus cantos la herencia musical griega con la

judía.

La monodia religiosa: el canto gregoriano.

La principal manifestación musical de la Edad Media la constituye el canto gregoriano (también

llamado canto llano), un amplísimo repertorio de música vocal religiosa de alto nivel artístico. Su

importancia para la Historia de la Música radica además en el hecho de que es la música más

antigua que se ha conservado escrita (en un sistema de notación que podemos interpretar) y que

va a ser la base sobre la que se estructure toda la música polifónica posterior.

Origen del canto gregoriano. Con la intención de crear un repertorio único de canto para toda la Iglesia, el papa Gregorio I

(590-604) mandó recopilar los cantos existentes, seleccionando los más adecuados y creando

algunos nuevos. De esta reforma nace el primer núcleo de lo que años más tarde se llamaría

canto gregoriano, repertorio que fue ampliándose con el tiempo. A lo largo del siglo VIII se

difunde por toda Europa, pasando a convertirse en el canto oficial de la Iglesia y sustituyendo a

las diversas liturgias que existían en las distintas áreas culturales de Europa.

Características. • Es una música monódica, es decir, a una sola voz.

• Se canta a capella (sin instrumentos). Puede estar interpretada por un coro, por un

solista, de forma antifonal (alternancia de dos coros) o de forma responsorial (alternancia

de coro y solista).

• Tiene un texto litúrgico en latín, unido estrechamente a la música. El texto puede cantarse

en estilo silábico (una nota por sílaba), neumático (dos o tres notas por sílaba) o

melismático (muchas notas por sílaba).

• El ritmo es flexible y viene determinado por el texto, dando una sensación de calma y de

serenidad.

• La melodía se distribuye en frases separadas por cadencias, dependientes de las frases

del texto. Es una melodía que tiende a moverse con naturalidad por todos los grados de

la escala, dentro de un ámbito pequeño, casi siempre por grados conjuntos o próximos.

Es una melodía diatónica (no admite las alteraciones cromáticas), basada en las escalas

modales.

• Es una música equilibrada, impersonal, objetiva, contenida y de serena grandeza.

En la red:

http://mcarmenfer.wordpress.com/2011/09/05/la-monodia-religiosa/


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El canto gregoriano fue el punto de partida de la evolución posterior de la música. La necesidad

de conservar y difundir el canto gregoriano favoreció la invención de la escritura musical. Por

otra parte, el deseo de enriquecer la melodía gregoriana dio lugar a la polifonía, que es la

combinación de dos o más melodías, de modo que al cantarlas juntas suenen bien.

La escritura musical El primer sistema de escritura musical, desarrollado entre los siglos V al VII, se conoce como

neumático, porque se utilizaban unos signos llamados neumas (del griego pneuma, «soplo,

aliento»). Los neumas se escribían sobre las líneas del texto y suponían un recurso para ayudar

al cantante cuando le fallaba la memoria y no un verdadero sistema de notación. Fue alrededor

del siglo IX cuando apareció la pauta. Comenzó siendo simplemente una línea horizontal de

color que servía de referencia para señalar la altura de los sonidos con la ayuda de los neumas.

La monodia profana. Aunque rechazada por la Iglesia, existió siempre una música profana de carácter popular,

representada por los juglares, individuos de baja condición social que iban de un lugar a otro

interpretando piezas de tradición oral, además de bailar o hacer pantomimas y acrobacias. Pero

a finales del siglo IX, el desarrollo de las lenguas romances y la difusión de la cultura en los

sectores aristocráticos favorecen la aparición de una música profana culta, centrada en

cuestiones distintas de las religiosas y más cercanas al hombre. Esta corriente culta va a estar

representada principalmente por los trovadores.

Los trovadores y su música. Surgen en el sur de Francia, en la zona de Provenza. Se trata de poetas-músicos instruidos

(generalmente de origen noble). Cantaban en lengua vernácula (no en latín), acompañándose

ellos mismos o por medio de ministriles (músicos a sueldo) con instrumentos. El tema principal

de sus canciones es el amor cortés (un amor idealizado en el que se ensalza a la mujer amada),

pero también el espíritu caballeresco, los héroes de las Cruzadas, etc. Su música es monódica,

al igual que el canto gregoriano, aunque se diferencia de éste en que el ritmo es regular y por

tanto más marcado, con una gran influencia de la danza. El texto suele cantarse de forma

silábica, con ocasionales figuras melismáticas.

El movimiento trovadoresco se extendió pronto por otras partes de Europa, con características

similares: norte de Francia (llamados allí troveros), Alemania (en donde reciben el nombre de

Minnesinger), Italia y España.

Las Cantigas de Alfonso X el Sabio. En España hubo también destacados trovadores en las cortes de Aragón, León y Castilla. En

esta última sobresale la figura del rey Alfonso X el Sabio, al cual se deben las Cantigas de Santa

María, una amplia e importante recopilación de canciones escritas en galaico-portugués (que en

aquel momento tenía más prestigio cultural que el castellano). A pesar de su contenido religioso

(alabanzas a la Virgen), se trata de música cortesana. Junto a influencias trovadorescas, las

Cantigas recogen muchas influencias de la España cristiana, árabe y judía.

En la Península Ibérica destaca también la figura de Martín Codax, un trovador de Vigo, autor

de una serie de Cantigas de Amigo.

En cuanto a los instrumentos medievales, su función principal era la de interpretar música de

danza (estampidas, danzas reales, saltarelos...) y como acompañamiento en la canción profana.


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Los instrumentos más utilizados eran la viola o fídula, el rabel, el laúd, el arpa, el salterio, la

zanfoña, la flauta, la chirimía, la gaita o cornamusa, la trompeta y el órgano portativo.

La polifonía medieval. En el siglo IX surge la polifonía, que consiste en la combinación simultánea de varias voces o

líneas melódicas distintas. Etimológicamente deriva del griego: poli (varias) y fonos (voces). La

polifonía aparece como una evolución del canto gregoriano, impulsada por el deseo de

enriquecer las melodías de su repertorio. Dentro de la música polifónica medieval se distinguen

tres periodos:

Nacimiento de la polifonía (s. IX-XI) La primera manifestación polifónica es el organum, que consiste en añadir a una melodía

principal gregoriana, llamada cantus firmus o vox principalis, una segunda voz a distancia de 4ª o

de 5ª (generalmente por debajo y en sus orígenes improvisada), llamada vox organalis, nota

contra nota (punctus contra punctum, de aquí surge el término contrapunto). Otra técnica

polifónica es el discantus, en el que las dos voces van por movimiento contrario.

Ars Antiqua (s. XII-XIII) Tiene su principal foco en la escuela de la Catedral de Notre-Dame, en París, cuyos máximos

representantes son Leonin (1150-1180) y Perotin (1183-1238). La música abandona el ritmo libre

gregoriano y comienza a medirse, con lo que se produce una evolución en la notación musical.

La forma musical más importante surgida en este periodo es el motete, composición polifónica a

dos o tres voces en la que cada una de ellas canta un texto distinto y tienen un ritmo igualmente

distinto. Otras formas cultivadas por esta escuela son el organum (en el que aumenta el número

de voces, que también van haciéndose más independientes) y el conductus (composición

polifónica de nueva creación, no basada en el gregoriano).

Ars Nova (s. XIV) Supone la máxima complejidad y perfección de la polifonía medieval. Los músicos se liberan de

las antiguas formas de hacer polifonía, y practican armonías y ritmos nuevos. El motete alcanza

su máximo desarrollo. Surge el canon, forma polifónica en la que las voces van entrando

sucesivamente imitando la misma melodía. La música profana gana en importancia, dando lugar

al desarrollo de la canción polifónica: chanson, balada, rondeau, virelai, etc. Los compositor

más importante de esta época es Guillermo de Machaut (1300-1377), autor de la Misa de Notre-

Dame y de numerosas chansons.

⇒ ACTIVIDADES

1) Escribe en tu cuaderno la respuesta a las siguientes preguntas:

http://www.juntadeandalucia.es/averroes/~41009019/musica/documentos/3eso/ejercicios.index.ht

m


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UNIDAD 11.- LA MÚSICA EN EL RENACIMIENTO

Concepto de Renacimiento y contexto histórico El Renacimiento es un periodo de la cultura europea que abarca desde 1450 hasta 1600

aproximadamente y que afectó a todas las actividades humanas (Ciencias, Filosofía, Artes

plásticas, Música, etc). Se desarrolló primero y con mayor importancia en Italia, desde donde se

extendió al resto de Europa. Su inicio viene marcado por una serie de hechos históricos de gran

importancia, como la caída de Constantinopla (1453), el descubrimiento de América (1492), la

invención de la imprenta (1445) o la Reforma luterana (1517). El Renacimiento supone un intento

de resucitar la antigua cultura grecolatina, bajo el impulso del movimiento humanista, lo que trae

consigo una serie de consecuencias:

• Tras una época como la medieval, dominada por la idea de Dios (teocentrismo), se sitúa

ahora al hombre como centro de todas las cosas (antropocentrismo).

• En el campo de la Filosofía y de las Artes se estudian las fuentes clásicas y se busca

inspiración en los ideales clásicos de belleza ideal, razón, proporción y equilibrio.

• Se da una mayor libertad de pensamiento y sentido crítico ante la vida.

En esta época de gran creatividad artística en general y de auge del mecenazgo, la música

alcanzó también una gran importancia, siendo muy valorada por reyes, nobles y humanistas

como elemento imprescindible en la formación de la persona culta y como fuente de prestigio.

Esto explica la creación de un gran número de nuevas capillas musicales, agrupaciones de

músicos, tanto cantores como instrumentistas (ministriles), que están al servicio de un señor o de

una institución. Su empleo se difunde en el Renacimiento entre la nobleza, que sigue la

costumbre ya existente en las catedrales. Están dirigidas por el maestro de capilla que, además

de componer obras para ésta y dirigir sus actuaciones, se encarga de instruir a los músicos que

la integran. En este contexto, la figura del compositor adquiere mayor relevancia. La música vio

también favorecida su difusión gracias a la invención de la imprenta.

Características de la música renacentista. • Es una música polifónica en todas sus manifestaciones, normalmente a cuatro voces

(soprano o superius, contratenor o altus, tenor y bajo). Dentro de esta textura polifónica se dan tres técnicas compositivas distintas:

1) Técnica del cantus firmus.- Una de las voces canta una melodía (a menudo procedente del canto gregoriano), que se convierte en elemento unificador alrededor del cual las demás voces tejen una trama polifónica). Esta técnica es característica de la polifonía medieval, y aunque se sigue utilizando, pasa ahora a un segundo plano.

2) Contrapunto imitativo.- Es la técnica más empleada y característica de la polifonía renacentista. Una voz expone un pequeño fragmento melódico y las restantes voces entran de forma escalonada imitando esa melodía (a la misma o distinta altura). Esto implica que las distintas voces tienen la misma importancia, por cuanto que todas presentan los temas o motivos melódicos, fundiéndose en un todo homogéneo. Dada la independencia rítmica de las voces, el texto resulta de difícil comprensión.

3) Homofonía.- Las distintas voces cantan su línea melódica con el mismo ritmo, formando acordes. El texto así se entiende mejor, al cantarse las mismas sílabas a la vez.

• Se usa el mismo estilo, la polifonía, tanto para la música religiosa como para la profana (en la cual es más frecuente encontrar una textura homofónica).


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• No existe aún una música específicamente instrumental, por lo que las voces e instrumentos son intercambiables. A pesar de la menor importancia de la música instrumental respecto a la vocal, se desarrollan formas instrumentales autónomas y técnicas de composición específicas como la variación.

• La melodía emplea usualmente fórmulas diatónicas y está distribuida en frases que buscan la naturalidad y la simplicidad.

• El ritmo es regular, viniendo determinado por el tactus, sistema de pulsaciones uniformes.

• Se aspira a destacar el contenido del texto a través de la música, considerando tanto el significado como la acentuación.

Géneros y Formas.

Música vocal religiosa. La música religiosa en los países católicos llevó a su máximo esplendor la tradición de la polifonía vocal desarrollada durante la Edad Media. Destacaron en el siglo XVI los nombres de Josquin des Prez y Orlando di Lasso en la escuela flamenca, Palestrina (1525-1594) en Italia, y, en España, Tomás Luis de Victoria (1550-1611), para muchos el más grande compositor español hasta Manuel de Falla, ya en el siglo XX. Las dos formas más cultivadas son:

Motete.- Pieza vocal a cuatro, cinco o seis voces, con texto en latín y de finalidad litúrgica. Está

basado por completo en el contrapunto imitativo: a cada frase o fragmento de frase con sentido

completo le corresponde un motivo melódico, que las distintas voces cantan entrando

sucesivamente e imitándose unas a otras. De esto resultan una serie de episodios que van

encadenándose o superponiéndose: en la cadencia final de cada episodio se introduce ya el

motivo que va a dirigir el siguiente episodio. Junto a estas partes contrapuntísticas se intercalan

partes homofónicas (para resaltar el texto).

Misa.- Sólo se elabora polifónicamente el Ordinario de la Misa (Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus,

Agnus Dei). Aunque se sigue practicando el “cantus firmus”, destaca ahora la composición

basada en el contrapunto imitativo, siendo similar al motete. Un tema único (tomado del

gregoriano, de una canción popular o de un motete) alimenta el conjunto de la obra,

correspondiendo a cada frase un dibujo melódico extraído del tema. El plan de la obra está

determinado por el texto (al igual que el motete).

Principales escuelas y representantes:

− Escuela flamenca: Dufay, Ockeghem, Josquin des Pres

− Escuela romana: Palestrina, Orlando di Lasso

− Escuela española: Tomás Luis de Victoria (1548-1611), Francisco Guerrero, Cristóbal de

Morales

En los países del norte de Europa, tras la Reforma protestante, la Iglesia luterana no sólo permitió la música en sus servicios religiosos, sino que la promovió por todos los medios a su alcance, lo que dio lugar a un desarrollo musical magnífico en siglos posteriores. La Iglesia luterana abandonó el latín y adoptó la lengua nacional, el alemán, y sustituyó el canto gregoriano por el coral, un himno de melodía sencilla (a menudo basada en melodías populares), textura homofónica a cuatro voces, fácil de recordar y capaz de ser entonado por todos los fieles en los oficios religiosos.


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Música vocal profana. Para el hombre renacentista, la música es un signo de distinción y refinamiento; por eso, se

destina al entretenimiento y recreo de las minorías cultas y se interpreta en las cámaras o

habitaciones de sus palacios. De ahí que a partir de este período la música profana irá cobrando

cada vez mayor importancia frente a la religiosa.

La música profana de este periodo se basa, al igual que la religiosa, en la polifonía vocal. Sin

embargo, las voces solistas, y no el coro, son aquí el modo normal de ejecución. Las principales

formas que se cultivan son:

Madrigal.- Se cultiva en Italia, siendo la más importante y refinada forma musical vocal profana

del Renacimiento. Se trata de una composición polifónica, en lengua italiana, a 4 ó 5 voces, “a

capella” o con instrumentos (sustituyendo a algunas de las voces). Su estructura es muy libre,

viniendo determinada por el texto poético. Dominan los elementos descriptivos y expresivos,

pretendiendo a través de una integración de letra y música expresar los sentimientos y

preocupaciones del hombre, todo ello con un lenguaje muy selecto. Los compositores más

destacados fueron Luca Marenzio (1554-1599), Carlo Gesualdo (1560-1630) y Claudio

Monteverdi (1557-1648).

Chanson.- Canción polifónica en francés, a 4 ó 5 voces, generalmente de menor complejidad

que el madrigal. También suele incluir elementos descriptivos (son frecuentes las onomatopeyas

musicales) y su forma es frecuentemente ternaria (A-B-A). El compositor más representativo fue

Clément Janequin (1485-1558), famoso por sus chansons descriptivas.

Villancico.- Canción polifónica en castellano, de estilo predominantemente vertical u

homofónico, normalmente a 4 voces, con una fuerte influencia de la música popular (su origen

parece estar en las tonadas cantadas por los villanos). Su estructura suele estar compuesta por

un estribillo inicial, seguido de una o varias estrofas (llamadas coplas), sobre la misma música,

que mediante unos versos de enlace y vuelta enlazan con el estribillo inicial. El compositor más

destacado es Juan del Enzina (1469-1529).

Música instrumental. La aparición de la música instrumental, en un segundo plano de importancia respecto a la música vocal, es otro fenómeno destacado de este período. Los primeros instrumentos para los que se componen piezas musicales son los de tecla (órgano, clave) y el laúd (el instrumento favorito en Europa). El Renacimiento fue una época dorada para la música española. El húrgales Antonio de Cabezón, organista en la corte de Felipe II, fue el mejor de su época, y las colecciones de música para vihuela (un instrumento antecesor de la guitarra) se cuentan entre lo mejor de la música instrumental europea del Renacimiento.

Principales instrumentos:

� De viento- madera: flautas, chirimía, bombarda, cromornos, cornetto

� De viento-metal: sacabuche, trompeta, serpentón.

� De cuerda frotada: violas.

� De cuerda punteada: laúd, vihuela.

� De tecla: órgano, espineta o virginal, clavecín, clavicordio.


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Las formas instrumentales del Renacimiento pueden clasificarse en:

Formas derivadas de modelos vocales.- Son principalmente la canzona (procedente de la

“chanson”, de la que conserva su estilo vivaz) y el ricercare (basado en el estilo solemne del

motete). Ambas están compuestas por varios episodios o secciones de tipo generalmente

contrapuntístico, que se encadenan unas a otras.

Música de danza.- Derivada de danzas populares. Se suelen combinar en pares, como la

pavana y la gallarda o el “pasamezzo” y el “saltarello” (la primera de la pareja lenta y de ritmo

binario y la segunda rápida y ternaria).

Formas improvisatorias.- Basadas en la práctica de la improvisación, bien basándose en una

melodía dada o bien inventándose toda la música. Destacan la fantasía y la toccata.

Variaciones.- Tras exponer un tema, se suceden variaciones del mismo (contrapuntísticas,

rítmicas, melódicas,etc). Como ejemplo podemos citar las diferencias.

⇒ ACTIVIDADES

1. Cuestionario:

� ¿Quiénes eran los principales protectores de los músicos en el Renacimiento? � ¿En qué consistía el cargo de maestro de capilla? ¿Por qué era importante?


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� ¿A qué se llama voz o parte dentro de la música polifónica? 2. Señala si es verdadero o falso:

� El madrigal es la forma vocal profana más importante del Renacimiento. � Los ministriles formaban parte de las capillas musicales como cantores.

3. Señalar los principales compositores del Renacimiento y en qué campos de la música sobresalieron.


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UNIDAD 12.- LA MÚSICA EN EL BARROCO

El Barroco es el periodo que sucede al Renacimiento en la historia de la cultura europea,

aplicándose no sólo a la música, sino también a las artes plásticas y a la literatura. El Barroco en

música abarca desde 1600 hasta 1750, aproximadamente. Iniciado en Italia, el Barroco se

difundió muy pronto por toda Europa, alcanzando su plenitud en los países del área germánica,

que serán los que pasen a ostentar la hegemonía musical durante los siglos siguientes.

El arte barroco ya no persigue la expresión ideal de belleza como en el Renacimiento, sino que

busca la expresión de los sentimientos, el sentido del movimiento y los contrastes, el gusto por la

ornamentación y lo ampuloso.

En el Barroco se dan importantísimas novedades musicales. Nace la orquesta y con ella, las

grandes formas instrumentales y vocales. Por primera vez se consideró la música instrumental al

mismo nivel que la vocal en cuanto a interés y belleza, llegando incluso al final de este periodo a

imponerse la música instrumental sobre la vocal. Sin embargo, es también en esta época cuando

surge una forma musical nueva y revolucionaria que une lo vocal y lo instrumental, la ópera, un

espectáculo teatral en el que se combina teatro y música. Esta forma tendrá un desarrollo propio,

paralelo y casi independiente del resto de las manifestaciones musicales a lo largo de la Historia

de la Música. Con el éxito de la ópera, la música dejaba de ser privilegio de la Iglesia y la

nobleza para extenderse también entre la burguesía.

La música está al servicio de las grandes monarquías europeas, la aristocracia y la iglesia, que

la utilizarán como una manifestación más de su poder. El papel del músico se reduce al de un

sirviente de su protector.

Características de la música barroca • Se sustituye la polifonía renacentista por una nueva textura, la melodía acompañada, en la

que la importancia se concentra en la voz superior, que lleva la melodía, y el bajo, quedando

las demás voces reducidas al acompañamiento armónico. A este acompañamiento se le

denomina bajo continuo, que consiste en una línea de bajo (tocado por un instrumento

melódico de tesitura grave, como el cello, el contrabajo o el fagot) y un relleno de acordes

(tocado por un instrumento armónico, como el clave o el órgano).

• Frecuente uso del contraste entre: melodía y bajo, planos sonoros (solista/tutti), timbres,

intensidades (forte/piano), movimientos (rápido/lento), etc.

• Surge el “estilo concertato”, en el que alternan “solos” a cargo de un solista o “concertino”

(grupo de solistas) con secciones orquestales (“tutti”), contraponiendo planos sonoros.

• Las melodías dibujan líneas largas y fluidas, desarrollando y encadenando breves motivos.

Como además suelen ornamentarse, dan la sensación de un hilo sin fin que se enreda sobre

sí mismo.

• Se emplea un ritmo muy marcado y de gran vitalidad, llamado “ritmo mecánico”, que se

caracteriza por una pulsación regular y unos patrones rítmicos repetitivos.

• El contrapunto, integrado en el lenguaje armónico, se hace más complejo y recibe un

tratamiento específico en la fuga. La homofonía también se integra en dicho lenguaje.

• La armonía se desprende del bajo, que impone un rápido cambio de acordes.


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• Aunque en la armonía predomina la consonancia, comienza a utilizarse la disonancia dentro

de los acordes, incluso en las partes fuertes del compás, como medio para expresar

dramatismo e inquietud.

• Se consolida la tonalidad (mayor y menor) y el uso de la modulación, en un sistema de

afinación temperada.

• Búsqueda del dramatismo, la espectacularidad y la grandiosidad, todo ello con la intención de

conmover al oyente.

• En la música vocal, se acentúa la unión entre música y texto, intensificando así su contenido

emocional y su expresividad dramática.

Géneros y formas musicales.

A1) Formas vocales profanas.

La música profana experimentó un gran desarrollo, llegando a ejercer un dominio sobre la religiosa. Destaca sobre todo la ópera, que surge en Florencia (Italia) a comienzos del Barroco, convirtiéndose pronto en la forma vocal más importante (las restantes formas adoptarán incluso el mismo estilo dramático de la ópera). Consiste en la representación de una acción en un escenario teatral con la participación de orquesta, coros y personajes que cantan dentro de las formas de recitativo, arioso y aria. Consta además de piezas instrumentales, como la obertura o sinfonía (al comienzo de la ópera) y los interludios (intercalados a lo largo de ella).

El recitativo es una pieza para solista en la que el texto (de contenido narrativo) es declamado semicantándolo, con el acompañamiento del bajo continuo. El aria es también una pieza para solista con acompañamiento instrumental en la que se canta un determinado pasaje o sentimiento de la situación dramática, que en ese momento se detiene, y tiene musicalmente un carácter muy melódico. Si se trata de dos solistas se denomina dueto o dúo. El arioso es una forma de cantar más adornada que el recitativo y cercana a la del aria.

Los dos tipos de ópera principales son:

a) Ópera seria: con argumentos basados en temas mitológicos y heroicos, será el tipo de ópera preferido por la aristocracia. A este tipo pertenecen las primeras óperas (como el Orfeo de Claudio Monteverdi, de 1607) y adquirirá un gran desarrollo en Italia.

b) Ópera bufa: de carácter popular, las protagonistas no son dioses, sino personas del pueblo. La ópera La serva padrona, de Pergolesi, es el modelo del género.

La ópera se convertirá en uno de los géneros más importantes del Barroco, que irá adoptando características peculiares en cada nación. En Francia la llamada “tragédie lyrique” tendrá su máximo exponente en la obra de Jean Baptiste Lully (1632-1687). En Inglaterra la ópera sienta sus bases con la obra de Henry Purcell Dido y Eneas. En Alemania la adaptación de la ópera bufa dará lugar al “Singspiel”. En España la ópera se llamará zarzuela, debido a que comenzó a representarse en el actual Palacio de la Zarzuela, y consistirá en la sucesión de partes habladas y cantadas.

A2) Formas vocales religiosas.

La Iglesia, tanto católica como protestante, irá incorporando inmediatamente las novedades de la música profana para procurar atraerse a los fieles. Las principales formas son:

• Oratorio.- Sólo se diferencia de la ópera en su temática, basada en el Antiguo o Nuevo Testamento (generalmente el nacimiento de Cristo), y en que no hay representación escénica


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(los personajes se limitan a cantar). No suele ser litúrgica. Los compositores más destacados de oratorios serán Giacomo Carissimi (1605-1674) y Georg Friedrich Händel (1685-1750), cuyo oratorio más famoso es El Mesías.

• Cantata.- El origen del término es el de “composición para ser cantada”. Adopta también las formas operísticas (recitativos, arias, duetos, coros y partes instrumentales), aunque es de menos extensión y no cuenta una historia, sino que sólo se trata de un comentario musical sobre un texto de carácter lírico, de tema religioso o profano. Entre los compositores más representativos de esta forma destacan Juan Sebastián Bach (1685-1750) y Georg Philipp Telemann (1681-1767).

• Pasión.- Similar al oratorio, pero centrando su temática en la pasión y muerte de Cristo. Al igual que la cantata y el oratorio, se alternan los recitativos, arias, coros y orquesta. La figura del narrador es el evangelista que relata los acontecimientos en estilo recitativo, los personajes del evangelio son interpretados por solistas y las partes de los discípulos y el pueblo las interpreta el coro. El compositor más destacado de este género es Juan Sebastián Bach, con sus dos obras fundamentales: La Pasión según San Mateo y La Pasión según San Juan.

B) Formas instrumentales.

La música instrumental se desarrolló notablemente, y al final de este periodo llegará a superar en importancia a la música vocal. Esto se vio favorecido por el perfeccionamiento de los instrumentos musicales, especialmente los de la familia del violín, los cuales van a ser la base de la naciente orquesta, junto con el bajo continuo (el resto de instrumentos es adicional). Además de los de cuerda frotada, otros instrumentos importantes del Barroco son el órgano, el clave, la flauta de pico y travesera, el oboe, el fagot, la trompa y la trompeta.

Las principales formas instrumentales del Barroco son:

• Suite.- Agrupación de danzas en una misma tonalidad, pero de ritmos y caracteres contrastados. Solían comenzar con un preludio u obertura. Las danzas básicas de la suite eran la allemanda, la courante, la zarabanda y la giga, a las que se le podían añadir otras danzas adicionales como la gavota, el minueto, la bourrée, etc. Todas las danzas tienen forma binaria (AABB), basada en la modulación a partir de un único tema. La suite puede estar escrita para orquesta, conjunto de cámara o incluso instrumento solista. Son de especial importancia las cuatro suites para orquesta de Juan Sebastián Bach.

• Sonata.- El significado de la palabra sonata es el de "pieza para ser sonada", es decir, música tocada o interpretada por instrumentos. Su estructura fue establecida por Arcangelo Corelli (1653-1713). Consiste en la contraposición de movimientos (generalmente cuatro o cinco) de tiempos contrastantes y con diferentes texturas y ritmos. La sonata puede ser para un solo instrumento (sonata a solo) o para una pequeña agrupación, generalmente dos solistas más el continuo (sonata a trio).

• Concerto.- El término concierto deriva probablemente de la palabra "concertare", que expresa la idea de ordenar y juntar cosas distintas. Se trata de una forma instrumental para orquesta, que consta generalmente de tres movimientos (rápido, lento y rápido), y en la que se produce la contraposición o diálogo entre toda la orquesta y uno o varios solistas. Según el número de solistas, distinguimos dos tipos de conciertos: - Concerto grosso: contraste entre un grupo de solistas (concertino) y el resto de la orquesta (tutti), que van alternándose en la interpretación de partes nuevas y ritornello. Corelli fijará las características de este tipo con sus Doce Concerti Grossi (1714). También destacan los Seis Concerti Grossi de Haendel y los llamados Conciertos de Brandeburgo de J. S. Bach.

- Concerto a solo: compuesto por un solo instrumento solista que contrasta con lo orquesta. El compositor más destacado de esta forma musical es Antonio Vivaldi (1678-1741), al que se le


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atribuyen más de trescientos conciertos para solista, la mayoría para violín, también para fagot, violonchelo y flauta.

La estructura de los tres movimientos del concierto es la siguiente:

� 1° movimiento (rápido).- Tiene forma de “ritornello”: el material temático que toca el tutti, llamado “ritornello”, alterna con los solos, que son mucho más libres y virtuosísticos (generalmente rápidas escalas y arpegios). El ritornello se toca al principio y al final en el tono principal y en las partes centrales en tonos vecinos y generalmente de forma abreviada.

� 2º movimiento (lento).- Tiene una forma similar a la del aria o el arioso de la ópera. El solista lleva en todo momento la melodía, acompañado por el bajo continuo y con una discreta intervención de la cuerda en el acompañamiento.

� 3º movimiento (rápido).- Tiene forma de“ritornello” o de un simple rondó.

• Fuga.- Este término procede del latín y significa “huida”. Se trata de una composición en un solo movimiento, generalmente para instrumento de tecla, basada en el uso sistemático del contrapunto imitativo. A partir de un único tema, llamado sujeto, se producen imitaciones en las distintas voces, alternando con temas secundarios o "contrasujetos" y con partes de imitación más libre llamadas "episodios". Suele estar precedida por un preludio. La estructura de la fuga se trasladará con frecuencia a la música vocal y a secciones instrumentales de obras mayores. J. S. Bach llevó a la máxima perfección la fuga con su obra El clave bien temperado, colección de 24 preludios y fugas.

Estilos nacionales y principales representantes.

Italia. Cuna del Barroco, va a ostentar la supremacía musical durante la mayor parte de este periodo.

Allí se originan la mayor parte de los géneros y formas musicales barrocas. El estilo italiano es

apasionado, desbordante, de un brillante melodismo y con gusto por los contrastes. Los autores

más destacados son Claudio Monteverdi (1567-1643), en el campo de la ópera; Arcangelo Corelli (1653-1713) en el concerto y la sonata; Antonio Vivaldi (1678-1741) en el concerto; y

Domenico Scarlatti (1685-1757) en la sonata.

Francia. El estilo francés está dominado por la vida cortesana. Tiende a la elegancia y al refinamiento,

evitando los excesos pasionales del estilo italiano. La melodía es natural y delicada; se busca la

variedad y la claridad en las obras. Destaca la figura de Lully (1632-1672), quien destacó por

sus óperas. El barroco francés hacia el llamado Rococó, que supone una transición hacia el

Clasicismo por su simplificación de la estructura musical, basada en una melodía muy decorada

y de pequeñas dimensiones sobre un sencillo esquema armónico. Destacan en este periodo

Rameau (1683-1764), con sus óperas y su influyente Tratado de Armonía, y François Couperin

(1668-1733), con sus piezas para clave.

Inglaterra. Tras la decadencia motivada por el puritanismo de Cromwell, se produce un resurgimiento. El

principal representante es Henry Purcell (1659-1695), que escribió sobre todo música religiosa,

óperas y música de cámara. Junto a él, podemos situar la figura de Haendel, quien, aunque

alemán, pasó gran parte de su vida en Inglaterra.

Alemania.


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Asimila y armoniza las características de los anteriores, añadiendo como peculiaridad un gusto

por la especulación contrapuntística y armónica, que enriquece y complica la textura, y una

inclinación hacia la expresión de sentimientos profundos. Los dos máximos exponentes del

Barroco musical alemán, y aun de todo el Barroco europeo, vivieron ya en la primera mitad del

siglo XVIII; son Johann Sebastian Bach (1685-1750) y Georg Friedrich Haendel (1685-1759).

Bach cultivó todos los géneros musicales de su época, menos la ópera, llevándolos a su máxima

perfección. Es el compositor más importante de este período, pero, cronológicamente, uno de los

últimos, componiendo su música en un estilo que moriría con él (su obra es más reconocida hoy

que en su tiempo. Por su parte, Haendel, que desarrolló la mayor parte de su actividad en Gran

Bretaña, destacó en la ópera (más de 40), el oratorio (una narración musical sobre textos de la

historia sagrada) y la música instrumental. Sus obras más famosas son el oratorio El Mesías y la

suite Música acuática, además de sus óperas.

España. Surgen la zarzuela y la tonadilla. La primera es una obra de teatro cantada en castellano, en la

que alternan las escenas habladas con las cantadas. La tonadilla es una obra escénica cantada

y hablada, corta, divertida y satírica, que pinta las costumbres españolas. Los compositores más

destacados son Juan Hidalgo, Antonio Literes y Sebastián Durón, en el género de la música

vocal, y el padre Antonio Soler, como autor de sonatas para teclado.


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UNIDAD 13.- EL CLASICISMO MUSICAL

Tras el barroco, el estilo clásico triunfó plenamente en la segunda mitad del siglo XVIII,

desarrollando una música muy cercana a la mentalidad de la época, dominada por la Ilustración,

el movimiento cultural que pretendía instaurar la razón como guía y criterio de toda la actividad

humana, levantando la bandera de la libertad y el progreso. La música del Clasicismo es un

modelo de equilibrio, proporción y elegancia (no dramatismo), con formas claras y lógicas, una

música capaz de ser disfrutada tanto por los entendidos como por los no entendidos en música.

Destaca sobre todo en esta época la música instrumental, estableciéndose las primeras

agrupaciones sinfónicas.

Características del Clasicismo musical.

• La textura es más transparente y ligera que en el Barroco, centrada en una melodía como elemento principal, destacando claramente sobre un acompañamiento armónico sencillo que trata en todo momento de apoyar y hacer resaltar esa melodía. Debido a esta sencillez en la armonía, se abandona el bajo continuo.

• La melodía tiene tendencia a la regularidad en su estructura, articulándose en frases o periodos cuadrados o simétricos (de 2, 4, 8 ó 16 compases) que se subdividen en mitades iguales, fácilmente reconocibles y equilibradas una contra otra como pregunta-respuesta musical. Surge la contraposición de temas o motivos melódicos dentro de una pieza.

• Se pierde el ritmo mecánico del barroco a favor de un ritmo más flexible, variado y natural, que se desprende por lo general de la propia melodía. Por ello aparecen puntos de reposo en el discurso musical que se perciben con claridad.

• Gran variedad de elementos dentro de la obra: contraposición de temas o motivos melódicos, sucesión de ritmos, cambios y relevos tímbricos, riqueza dinámica... todo ello con flexibilidad y elegancia, y buscando siempre el equilibrio y la proporción en la construcción formal.

• Predominio de las tonalidades mayores sobre las menores, con lo que la música suele tener un carácter alegre y luminoso.

Las formas musicales del Clasicismo.

La música instrumental.

Se impone definitivamente la música instrumental sobre la vocal, destacando la ampliación y perfeccionamiento de la orquesta y la aparición del piano. Surge así la llamada orquesta sinfónica, destinada a las grandes salas de conciertos públicos que empiezan a aparecer y a las que asiste la burguesía ilustrada.

Todas las formas instrumentales del Clasicismo suelen seguir el llamado plan general de la sonata clásica, que consta de cuatro movimientos, de los que el primero es el más característico y cuya forma recibe a su vez el nombre de tipo sonata clásica. La estructura de la sonata clásica es:

1° movimiento

Suele ser un allegro, y tiene un carácter enérgico y dramático. Es la forma de sonata

propiamente dicha. Está en la tonalidad principal de la obra. Tiene tres secciones:

• Exposición.- Se presentan los temas principales en dos secciones:


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Sección A, enérgica y de gran fuerza rítmica, en el tono principal.

Puente modulante.

Sección B) que siempre comienza con un tema suave, melódico y femenino, pero que suele

concluir de manera más enérgica. Siempre aparece en la exposición en una tonalidad diferente a

la de la sección A.

La exposición se suele repetir. • Desarrollo.- Es la parte más libre. Se juega con los temas de la exposición, según la fantasía

del compositor, sometiéndolos a fragmentación, tratamiento contrapuntístico, secuenciación,

cambios tímbricos, etc. Se producen numerosas modulaciones, incluso a tonos lejanos, que

buscan el efecto de sorpresa.

• Reexposición.- Donde vuelven a aparecer los temas de la exposición, pero siempre con

algunas variantes, la principal de las cuales es la aparición del tema B en la tonalidad del tema A.

Al final de este primer movimiento suele haber una coda, fragmento añadido que sirve como

remate final.

También puede tener a veces una introducción inicial, lenta y severa.

2a movimiento

Su tempo es más tranquilo que el del primero, frecuentemente andante o adagio. Suele tener un

carácter lírico, cantabile. Está en un tono vecino. Puede tener diversas estructuras; entre ellas

citaremos el tema con variaciones (A-A'-A"-A"' ...+Coda) y el lied ternario (A-B-A+Coda).

3° movimiento

Es un minueto, danza aristocrática en compás temario, de carácter elegante y ligero, que consta

de tres secciones con un tema cada una y la tercera igual a la primera (A-B-A). La segunda

sección, llamada trío, es más suave y con menos personalidad musical. Mientras el minueto en

sí está en el tono principal, el trio está en un tono vecino. Beethoven implantó la costumbre de

sustituir el minueto por el scherzo, que es más rápido y dramático y puede repetir el trío dos

veces. También suele llevar coda, que no se emplea en el minueto.

4° movimiento

Es de tempo rápido, normalmente más vivo que el del primer movimiento (vivace o presto) y con

carácter jubiloso o jocoso. Suele tener, igual que éste, una estructura tipo sonata, o también

forma de rondó, que es una estructura basada en la alternancia de un estribillo con unos temas

nuevos que se le intercalan, llamados coplas (A-B-A-C-A...+ Coda). Está en el tono principal.

La forma sonata clásica adquirió diversos nombres, según el conjunto instrumental que la ejecutara:

• Sinfonía, si era para orquesta sinfónica. Su origen está en la obertura de ópera, de la que se separó para convertirse en forma musical independiente y que adoptó con Haydn (“el padre de la sinfonía”) la estructura de sonata con cuatro movimientos.

• Sonata, para uno o dos instrumentos, y con solo tres movimientos.

• Trío, Cuarteto, Quinteto ...etc., para un grupo de cámara.


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El Concierto también se adaptó a la sonata clásica, pero suprimiendo el minueto o scherzo, con lo que se mantenía el esquema básico barroco en tres movimientos: rápido-lento-rápido.

La estructura tipo sonata clásica, se utilizó también en otras composiciones, de las que resaltaremos las oberturas de ópera.

La música vocal: la ópera. La ópera, nacida en el Barroco al amparo de los círculos aristocráticos, experimentará durante el

Clasicismo un cambio (común al resto de las formas musicales) tendente a la naturalidad,

eliminando los excesos barrocos y acercando los rgumentos y personajes al nuevo público

burgués.

En la ópera seria, el iniciador de esta reforma será Christoph Willibald Gluck (1714-1787), que

sentará las bases de la nueva ópera con su obra Orfeo y Eurídice (1762), en la que utiliza una

música sencilla y evita los contrastes del aria y el recitativo haciendo las arias más simples y los

recitativos más expresivos. El argumento es también más sencillo y verosímil, desechando los

elementos fantásticos y artificiales del Barroco.

La ópera bufa, que tomará el modelo de La serva padrona de Pergolesi, se convertirá en el

género operístico preferido del Clasicismo. Los argumentos recogen temas de la vida cotidiana

dándoles un carácter cómico y a veces sentimental. Utiliza el idioma propio de cada país y

sustituye los recitativos por diálogos hablados. La ópera bufa culminará con Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), que escribirá tanto óperas bufas en italiano (Las bodas de Fígaro) como

óperas bufas en alemán, llamadas “Singpiel”, cuyo ejemplo más destacado será La flauta

mágica, estrenada en 1791.

Principales compositores: Haydn, Mozart y Beethoven. En el estilo clásico destacaron tres nombres esenciales: Franz Joseph Haydn, Wolgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven. Los tres vivieron en Viena, la capital de Austria.

Franz Joseph Haydn (1732-1809) experimentó con la música instrumental, fijando el esquema

de la sonata clásica, una fórmula compleja de composición musical que aplicada a la música de

cámara (dos violines, viola y violonchelo) produce el cuarteto, y aplicada a la orquesta, produce

la sinfonía. Así, una sinfonía es una obra para orquesta, en varios movimientos o secciones

diferentes pero estrechamente relacionados entre sí, que sigue el esquema de la sonata clásica.

A Haydn se debe la introducción de estas formas musicales. Fue amigo de Mozart y maestro de

Beethoven. Gozó de gran fama por toda Europa. Destaca sobre todo por sus sinfonías (más de

100).

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) comenzó su carrera como niño prodigio. Aceptó las

innovaciones de Haydn, y compuso también cuartetos y sinfonías, pero además fue un genial

renovador de la ópera. Escribió obras de todos los géneros musicales: ópera (buffa y seria),

música religiosa, música de cámara, etc., y destaca sobre todo por su prodigiosa inspiración.

Entre sus principales obras citaremos las óperas Don Juan (basada en la figura de Don Juan,

que ya no presenta un héroe de farsa, sino un rebelde contra la autoridad y la moralidad vulgar,

es decir, un héroe romántico) y La Flauta Mágica (donde se expresan los ideales de igualdad,

libertad y fraternidad, que fueron el grito de la inminente Revolución Francesa). Tambíen entre

sus principales obras están sus conciertos para piano y orquesta, y sus 41 sinfonías.

Ludwig van Beethoven (1770-1827) manifiesta en su música una característica muy marcada

que lo diferencia de los demás, la energía, en ocasiones de una intensidad extrema. Con sus


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nueve sinfonías, en particular la novena, llamada «Coral», por la introducción del coro en el

último movimiento entonando el «Himno a la alegría» del poeta alemán Schiller (1759-1805), sus

cuartetos y sus sonatas para piano, fue el último clasicista y el primer romántico, sirviendo como

puente entre los dos estilos. Para muchos, sigue siendo el compositor más profundo que haya

existido jamás. Como probablemente ya sabes, se quedó sordo siendo todavía joven.

Su obra se suele dividir en tres etapas que reflejan la evolución de su estilo:

1a) Es todavía clásica, con gran influencia de Haydn.

2a) Supone la búsqueda de un estilo más personal. En ella se mezclan rasgos clásicos con

otros que se anticipan al Romanticismo. A esta etapa pertenecen, por ejemplo, sus sinfonías

Pastoral y Heroica, y la sonata Claro de Luna.

3a) Es plenamente romántica. A ella pertenecen sus últimas sonatas para piano y su 9a

sinfonía, en la que manifiesta sus ideas de fraternidad universal, influidas por el espíritu de la

Revolución Francesa.


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UNIDAD 14.- EL ROMANTICISMO MUSICAL (1820-1900)

En la Historia de la Música se puede decir que el Romanticismo abarca casi todo el siglo XIX,

apareciendo a partir de la segunda mitad nuevas tendencias íntimamente relacionadas con las

características románticas, tendencias que conviven con el llamado Romanticismo pero que no

lo sustituyen.

A principios del siglo XIX, y tras la Revolución Francesa y las Guerras Napoleónicas, Europa

sufre una serie de cambios que van a afectar también al arte. Asistimos a la ascensión de la

burguesía, que triunfa con la Revolución Industrial.

La música romántica es el reflejo de los gustos burgueses: se preferían los sentimientos a la

razón, y la fantasía al plan o a la fórmula. Ser romántico no era sólo una opción estética, sino un

modo de vida. En música, se abandonaron las fórmulas clásicas, consideradas frías, en favor de

un concepto de música como arte para la expresión de sentimientos. En esta época la música es

la más preciada de todas las artes. La música romántica refleja apasionamiento, variedad de

contrastes (rítmicos, tímbricos, dinámicos, etc.), virtuosismo, exploración de nuevas sonoridades

(desarrollo de la orquestación), etc. Asimismo, en el Romanticismo se desarrollan el espíritu

nacionalista (los artistas intentan reflejar las esencias de la nación a la que pertenecen) y el

gusto por lo exótico y lejano (por ejemplo, la Edad Media).

El compositor se convirtió en un artista, una figura social preeminente que escribía no la música

que su patrón consideraba adecuada para una ocasión concreta, sino la música que deseaba

escribir, la que mejor se identificaba con su forma de ser y sentir, y con la que pretendía

transmitir su mundo interior.

Características de la música romántica Frente a los períodos anteriores, las principales características de la música del Romanticismo

son las siguientes:

• Menor preocupación por la forma externa y mayor por la inspiración y la fuerza expresiva.

• Melodía sugerente, apasionada e intensa. Esto se traduce en frases melódicas menos

regulares y simétricas que en el Clasicismo.

• Ritmos y patrones de acompañamiento más libres y complejos.

• Enriquecimiento armónico, basado en el uso de nuevos acordes y en nuevos recursos para la

modulación, con el fin de crear un ambiente de mayor expresividad.

• Búsqueda de contrastes musicales capaces de sugerir sentimientos a través de matices

dinámicos (forte, piano, crescendo...).

• Atención especial al folklore y las melodías populares como fuente de inspiración.

• Nuevos efectos de orquestación en la música sinfónica gracias a las innovaciones y mejoras

técnicas de los instrumentos de la orquesta. Mayor empleo de instrumentos de madera, metal

y percusión. Desarrollo y ampliación de la orquesta.

• El piano se convierte en el instrumento favorito. Su técnica de construcción se perfecciona

enormemente y su aprendizaje se populariza entre la burguesía.


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Principales formas y compositores románticos

Música vocal Durante el Romanticismo, la forma más característica en música vocal es el Lied (se pronuncia

«lid», plural Lieder, pronunciado «líder»), que se puede definir como una canción para una sola

voz, acompañada al piano, cuya letra se basa en un texto poético de gran calidad. El maestro de

este género fue el compositor austriaco Franz Schubert (1797-1828). Destacan sus tres ciclos

de lieder: La bella molinera, Viaje de invierno y El canto del cisne.

En el desarrollo de la ópera romántica destacaron los italianos Gioacchino Rossini (1792-

1868), autor de la conocidísima ópera El barbero de Sevilla, y Giuseppe Verdi (1813-1901), que

creó, entre otras, La Traviata y Rigoletto, y, ya entrando en el siglo XX, Giacomo Puccini (1858-

1924), autor de La Bohème y Tosca. El alemán Richard Wagner (1813-1883), uno de los

compositores más influyentes de todos los tiempos, cerró el ciclo de la ópera romántica de un

modo imposible de superar. Entre sus numerosas obras se puede destacar su ópera Tristán e

Isolda y la trilogía El anillo de los nibelungos. Wagner consideraba que sus óperas, a las que él

llamó «dramas musicales», habían conseguido la síntesis de todas las artes (poesía, artes

plásticas, teatro, música), expresando así lo que a cada una de ellas, por separado, le sería

imposible.

Música instrumental El siglo XIX fue el gran siglo del piano, instrumento inventado por Cristofori a principios del siglo

XVIII, y que a finales del mismo siglo termina sustituyendo al clave. La sensibilidad del lied la

encontramos también en formas pianísticas breves, de forma musical libre y títulos como

romanza, impromptu, preludio, balada o fantasía. El polaco-francés Frédéric Chopin (1810-

1849), el alemán Robert Schumann (1810-1856) y el húngaro Franz Liszt (1811-1886) fueron

maestros en este tipo de obras.

En el terreno de la música orquestal se desarrollaron al máximo la sinfonía y el concierto.

Destacan en la primera mitad del siglo el judío-alemán Felix Mendelssohn (1809-1847), además

de los ya citados Schubert y Schumann. En la segunda mitad del siglo destacaron el francés

Hector Berloz (1803-1869) y Franz Liszt, creadores de un estilo de composición, llamado

música programática, que pretende expresar musicalmente una idea, historia, etc., que se

comunica al oyente por medio de un título o programa, que sirve de argumento. La Sinfonía

fantástica de Berlioz, subtitulada «Episodios de la vida de un artista», es el primer ejemplo. La

música programática de Liszt dio lugar al nacimiento de una nueva forma musical, el poema

sinfónico. Se trata éste de una forma instrumental escrita para orquesta sinfónica, cuya

estructura es libre y consta de un solo movimiento.

El alemán Johannes Brahms (1833-1897) siguió una línea diferente, más cercana a la música

pura, es decir, sin referencia a ningún tipo de idea o argumento, destacando, además de en la

música sinfónica (son célebres sus cuatro sinfonías), en la música de cámara, destinada a

pequeños conjuntos instrumentales, terreno en el que aportó varias obras maestras.


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UNIDAD 15.- LA MÚSICA DE FINALES DEL SIGLO XIX Y PRINCIPIOS DEL XX

Los principales compositores del Romanticismo surgieron en el área germánica (Alemania y

Austria) y dominaron la música europea durante la mayor parte del siglo XIX. Pero, a finales de

este siglo, comenzaron a observarse cambios que, ya en el siglo XX, desembocarían en una

ruptura con la tradición musical del Romanticismo. A partir de esta época, la música dejó de ser

una, y se diversificó en distintos “ismos” o escuelas diferentes.

A comienzos del siglo XX los artistas encontraron que para su época no servían las ideas del

pasado. Muchos pintores, por ejemplo, dejaron de interesarse por la imitación de la realidad, y

abandonaron la representación de objetos reconocibles en sus cuadros. Algo similar ocurrió en la

música de concierto: las ideas sobre ritmo, melodía y armonía sufrieron una transformación

radical a comienzos de siglo y la música protagonizó la más vertiginosa serie de cambios

estéticos y técnicos de su historia.

Nacionalismo La segunda mitad del siglo XIX contempló el ascenso del nacionalismo musical, con el que los

compositores de los países hasta entonces secundarios en la evolución musical pasaron a

primera fila, aportando una música diferente, basada en las características de su música

nacional. Se puede decir que el nacionalismo surge como consecuencia de una de las

características del Romanticismo como es la recuperación de los valores propios y típicos de

cada nación, país, pueblo, etc., especialmente de aquellos que sufrieron una dominación cultural

y política. Así, la música nacionalista se abastece de melodías, ritmos, etc., extraídos de los

distintos folklores autóctonos.

La aparición de los distintos nacionalismos va a depender de la situación de cada país. Rusia,

Dinamarca, Noruega, Checoslovaquia, Finlandia, Hungría y España fueron los principales países

que -más o menos en ese orden- siguieron la línea nacionalista. Destacan dentro del

nacionalismo los siguientes nombres:

a) de Rusia, Rimsky-Korsakov, por su aportación al enriquecimiento orquestal.

b) de Checoslovaquia Dvorak por ser muy popular parte de su obra.

c) de Noruega Grieg, por las mismas razones.

d) de España (nacionalismo tardío situado entre finales del XIX y primera mitad del XX, aunque

època de gran vitalidad para nuestra música) destacan Manuel de Falla (1876-1946),

Isaac Albéniz (1860-1909), Enrique Granados (1867-1916) y Joaquín Turina (1882-1949),

Impresionismo Originado en el arte pictórico, cuyas características se traspasan al arte musical posteriormente,

este estilo no surge como consecuencia de las características románticas sino más bien como

rechazo a ellas. La música impresionista, como su nombre indica, pretende crear impresiones,

En la red:

Interesante Wix con audiciones sobre el nacionalismo musical:

http://www.wix.com/anabel41/nalismo


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sensaciones sonoras, pretende sugerir más que describir. Los principales representantes de este

estilo son Claude Debussy y Maurice Ravel.

Postromanticismo Derivado del romanticismo, aunque más grandilocuente. Destacaron dentro de este estilo

Gustav Mahler, Anton Buckner y Richard Strauss.


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UNIDAD 16.- LA MÚSICA CULTA DEL SIGLO XX

A comienzos del siglo XX las salas de concierto de las capitales europeas programaban la

música de los grandes talentos del siglo XVIII, como Bach, Haydn y Mozart, y la de Beethoven,

Schumann, Brahms, Wagner y el numeroso grupo de grandes maestros del siglo XIX. Los

compositores en activo se vieron en la situación de tener que competir con todos estos genios

que les habían precedido.

Por otra parte, las escuelas impresionista y postromántica habían puesto en práctica una serie

de atrevidas ideas musicales, tales como el uso de modulaciones constantes, de nuevas

escalas, de acordes cada vez más complejos utilizados de un modo distinto al tradicional. Todas

estas peculiaridades habían puesto en peligro el lenguaje musical aceptado desde el Barroco, la

tonalidad. Era un fenómeno muy parecido al que estaban experimentando la pintura y la poesía,

que empezaban a utilizar nuevas formas de expresión muy distintas a las tradicionales.

La música culta de la primera mitad del siglo: dodecafonismo, neoclasicismo y nacionalismo Durante el período de entreguerras (1914-1945) se pueden distinguir tres corrientes musicales

destacadas: neoclasicismo, dodecafonismo y nacionalismo.

Neoclasicismo. Fue la corriente dominante durante este período. Sus principales características

fueron:

− El antirromanticismo. El neoclasicismo propuso una vuelta a los ideales estéticos del

Barroco y del siglo XVIII: una música más abstracta y objetiva, desvinculada de ideas

filosóficas y complejidades excesivas, sin pretensiones de expresar o significar nada más

allá de sí misma.

− El uso intensivo de la tonalidad ampliada.

París fue la capital europea en la que trabajaron los principales compositores del neoclasicismo.

El compositor ruso Igor Stravinski fue el principal representante de esta tendencia. A partir del

escándalo producido por el estreno de su obra La Consagración de la Primavera (1913), a

Stravinsky se le considera uno de los principales compositores de nuestro siglo. También

estuvieron incluidos dentro de la corriente neoclasicista, al menos en algún momento de sus

carreras, la mayoría de los compositores de la época, como el francés Maurice Ravel o el ruso

Sergei Prokofiev.

Dodecafonismo. Fue Arnold Schönberg quien ideó el sistema dodecafónico como alternativa

para la composición. El método de composición dodecafónico era una técnica tan compleja y

precisa como la tonalidad clásica. Sus principales características eran:

− Cada obra dodecafónica partía de una ordenación de las doce notas de la escala

cromática, llamada serie, que fijaba el compositor. De ahí el término dodecafónico (doce

notas) o serial, como también es conocido.

− Las melodías y los acordes se formaban con las notas que ofrecía esa serie, respetando

el orden de aparición fijado y sin evitar las disonancias.

El método de Arnold Schönberg fue seguido por sus discípulos Alban Berg y Anton von Webern. Los tres formaron un grupo conocido como Escuela de Viena.


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Nacionalismo. Esta corriente musical presentaba características diferentes a las del

nacionalismo romántico del siglo XIX.

El nuevo nacionalismo estudiaba con detalle la música popular de cada país para apropiarse de

sus características más esenciales, como escalas, ritmos, etc. y los usaba en combinación con

las nuevas técnicas de composición, para conseguir una música radicalmente moderna, alejada

de toda estampa folclorista.

El húngaro Béla Bartók fue el principal representante de esta corriente. El último período creativo

del español Manuel de Falla también se correspondió plenamente con esta tendencia. Además

de éste, en España destacaron también Federico Mompou, Roberto Gerhard (que fue alumno

de Schoenberg) y Joaquín Rodrigo, autor del célebre Concierto de Aranjuez.

Música culta después de la II Guerra Mundial: las vanguardias Después de la Segunda Guerra Mundial (1945), los compositores jóvenes se inclinaron por la

experimentación sonora y el desarrollo de las nuevas ideas musicales. La tonalidad y sus

conceptos asociados, tales como «ritmo», «melodía» o «armonía», pasaron a ser considerados

como anacronismos. En medio de la incomprensión general del público casi cada compositor

tenía su propia idea sobre lo que debería ser la música. Las tendencias se sucedieron a gran

velocidad, destacando hasta finales de los años 60 tres principales:

• El serialismo integral, que se declaraba heredero de la Escuela de Viena, pero que ordenaba

en series no sólo las notas de la escala, sino todos los componentes del sonido, llegando más

tarde, y con ayuda de ordenadores, a componer música basada en relaciones numéricas.

Citaremos como representantes de esta tendencia a los franceses Olivier Messiaen (1908-

1992) y Pierre Boulez (1925).

• La música concreta, en la que cualquier sonido o ruido tiene validez musical (máquinas,

sonidos de la naturaleza, palabras, risas...). En laboratorios sonoros las grabaciones se

manipulaban para configurar nuevos mundos sonoros. Los compositores más importantes son

Pierre Schaeffer y Pierre Henry.

• La música electrónica (una derivación de la música concreta), utilizaba solo sonidos

producidos electrónicamente y se elaboraba también en laboratorios. El compositor más

destacado fue el alemán Karlheinz Stockhausen.

• La música electroacústica utilizaba sonidos concretos y electrónicos, mezclando ambos

procedimientos. Inicialmente, estas tendencias prescindían de la figura del intérprete aunque

pronto fue más habitual la combinación con instrumentos tradicionales. Algunos de los más

destacados son Luciano Berio y Bruno Maderna.

• La música aleatoria supuso la oposición al serialismo integral porque creaba obras abiertas,

es decir, con múltiples posibilidades de interpretación. El compositor pide al intérprete que

improvise o decida entre varias opciones de interpretación, sin excluir la intervención del azar,

produciendo así obras en las que cada audición es siempre completamente diferente de

cualquier otra posible, como sucede en las obras del norteamericano John Cage (1912-1992).

El gran público no aceptó estas tendencias, que entraron en crisis en torno a 1970, pero sus

ideas y hallazgos siguen marcando una parte considerable de la evolución musical hasta

nuestros días. De la misma época, pero al margen de estas corrientes musicales y mucho más

aceptados por el público general al escribir en un lenguaje que no supone una ruptura radical


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con la tradición tonal, pero plenamente moderno y de excelente calidad, citaremos al ruso Dimitri Shostakovich (1906-1975) y al británico Benjamín Brillen (1913-1976), sin duda dos de

los grandes compositores de este siglo.

En España, y aunque adscritos a tendencias y estéticas diferentes, los principales nombres de la

época fueron Cristóbal Halffter, Antón García Abril, Carmelo Bernaola, Luis de Pablo, Josep Ma

Mestres-Quadreny, Ramón Barce, Tomás Marco y Josep Soler.

Desde el fin de las vanguardias hasta finales de siglo. Las vanguardias entraron en crisis en torno a 1970, pero sus ideas y hallazgos siguen marcando

una parte considerable de la evolución musical hasta nuestros días. A partir de entonces la

tendencia general fue la búsqueda de un lenguaje propio, personal, y una cierta recuperación de

la tonalidad como un recurso más a disposición del compositor. Podemos citar como figuras

destacadas al húngaro Gyórgy Ligeti (1923), los polacos Witold Lutoslawski (1913) y Krysztof Penderecki (1933).

Una de estas tendencias más importantes fue el minimalismo, nacido en los años 60. La música

minimalista o repetitiva es un estilo tonal, que utiliza como procedimientos la repetición

prolongada de frases y la reducción extrema de los recursos musicales, buscando la simplicidad.

Entre sus principales representantes se cuentan los estadounidenses Steve Reich (1936) y Philip Glass (1937).

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