HISTORIA DEL ARTE

TIZIANO

Sergio Hidalgo Torres1R2-B2Escuela Superior de Diseño de las Islas Baleares

31/01/2013

INDÍCE

1. BIOGRAFIA2. CONTEXTO ARTÍSTICO3. EVOLUCIÓN TÉCNICA DE TIZIANO4. TRAYECTORIA ARTÍSTICA5. INFLUENCIAS EN LA HISTORIA DEL ARTE6. COMENTARIO DE OBRA: RETRATO ECUESTRE DE CARLOS V7. OPINIÓN PERSONAL 8. BIBLIOGRAFÍA Y WEBGRAFÍA

1.BIOGRAFÍA

Tiziano Vecellio di Gregorio vio la luz en Pieve del Cadore en los Alpes Vénetos. Tiziano es pues, un montañés que baja a la ciudad de los canales para aprender su oficio y dar gloria a a la escuela veneciana. La fecha de nacimiento del pintor es una cuestión importante para determinar si fue alumno de Giorgione (nace en 1477) o un compañero de generación (nace en 1490). Aunque se sabe que murió muy viejo, también es cierto que exageraba su edad en sus últimos años por motivos a veces de interés.Por lo tanto la primera teoría es más dudosa, ya que habría vivido 99 años, y no habría comenzado su obra hasta los 30 años.

Bajó a Venecia con tan solo 10 años y fue enviado, junto a su hermano Francesco, al taller del mosaísta Sebastiano Zucato; más tarde pasó al de Gentile bellini, después al de su hermano Giovani, para acabar en el de Giorgione, donde colaboró junto a él la elaboración de los frescos (perdidos) del Fondaco dei Tedeschi en 1508 y permaneció en su taller hasta la muerte de Giorgione el 1510.

Tiziano marchó a Padua, donde demostró su talento para la técnica del fresco en sus trabajos en esta ciudad en 1511, tanto en la iglesia de los carmelitas como en la Escuela de San Antonio.

En 1512 abrió su propio taller, y en 1513 recibió una invitación del papa León X para instalarse en Roma, pero permaneció en Venecia donde la competencia artística era menos intensa

A partir de1516 se liberó de los cánones aprendidos durante su juventud y abarcó un mayor número de temas. Fue nombrado pintor del Consejo de Venecia, además gracias a sus retratos se introdujo en las cortes más prestigiosas siendo buscado por los burgueses adinerados, por la Iglesia y por los nobles.

En 1530, pudo pintar a Carlos I de España, que se había desplazado a Bolonia con motivo de su coronación imperial como Carlos V.

Tres años mas tarde pintó por segunda vez al emperador Carlos V en Bolonia, recibiendo esta vez un pago auténticamente regio e iniciando una de las relaciones más sólidas entre un artista y un comitente, que duraría más de un cuarto de siglo. El rey nombró a Tiziano "pintor primero" de la corona de España, "conde del Palacio Lateranense, del Consejo Áulico y del Consistorio", al tiempo que fue designado caballero de la Espuela de Oro, con espada, cadena y espuela de oro. Sus hijos, asimismo, fueron elevados a la dignidad de Nobles del Imperio.

Desde octubre de 1545 hasta 1548, en que fue llamado a Aubsburgo, Tiziano se instaló en Roma bajo el mecenazgo del papa Pablo III, a quien retrató en varias ocasiones

Los honores y el prestigio lo convirtieron en un ''príncipe de la pintura'', el primero de la historia del arte mucho antes que Rubens. Tiziano no solo superó a todos sus maestros, sino que también superó las barreras sociales de una manera hasta entonces nunca vista.Continuó aceptando encargos hasta el fin de sus días, y a fin de asegurar la continuidad del taller tras su muerte, encomendó a Cornelis Cort la difusión de varias de sus composiciones en grabados.Tiziano rondaba los noventa años cuando la peste negra asoló Venecia. Murió a consecuencia de la epidemia el 27 de agosto de 1576.

2.CONTEXTO ARTÍSTICO

No podemos entender el Renacimiento, sin antes comprender el concepto humanista que fue de la mano de este movimiento.El humanismo es la manifestación ideológica y literaria del Renacimiento. Los hombres del Renacimiento trabajaron con mucho entusiasmo en estudiar metódicamente las obras de la antigüedad, explorando ruinas, exhumando manuscritos y salvando de su destrucción valiosos documentos. Para ello recibieron la protección de príncipes y Pontífices, que les estimularon en sus investigaciones.

Así se desarrollo una mentalidad erudita, critica y apasionada por las ciencias y las artes, que se centro en el hombre y sobrestimo los valores humanos, de ahí el nombre de Humanismo.

La sobrestimación de estos valores y los descubrimientos geográficos y técnicos, crearon el orgullo y el individualismo del hombre renacentista.

Se conoce al Renacimiento como el movimiento cultural que surge en Europa el siglo XIV, y que se muestra como característica esencial su admiración por la antigüedad grecorromana. Este entusiasmo, que considera las culturas clásicas como la realización suprema de un ideal de perfección, se propone la limitación en todos los ordenes, lo que explica el calificativo de Renacimiento, pues en verdad, se trataba de un renacer, de un volver a dar vida a los ideales que habían inspirado aquellos pueblos.

El Renacimiento, desde luego no fue una simple exhumación de las artes antiguas. El interés por el arte grecorromano fue una consecuencia. En principio, se aspiro a una renovación en todas las parcelas de la cultura humana, filosofía, ética, moral, ciencia, etc... encaminada a la hechura de un hombre que fuera comprendido y resumen de todas las perfecciones físicas e intelectuales. El hombre integral, el genio múltiple, en el que se concilian todas las ramas del saber en una actitud fecunda, fue la gran creación del Renacimiento que cristalizo en figuras que mantienen viva la admiración a través de los tiempos, como un Leonardo da Vinci, un Miguel Angel, un Rafael.

El siglo XVI, señala el apogeo de la pintura renacentista italiana y constituye una de las épocas más brillantes del arte universal. No podía ser de otra manera con la coincidencia en el tiempo y en el espacio de maestros de la talla de Leonardo da Vinci, Miguel Angel, i Rafael . Sin embargo, no podemos olvidar la concepción artística de la Escuela Veneciana:

Nos situamos ante el desarrollo artístico de Venecia, una de las ciudades más prósperas de la época. Gozaba de un enclave comercial estratégico, con una supremacía absoluta en los intercambios comerciales entre Oriente y Occidente, y con una burguesía adinerada que jugó un papel muy importante en cuanto a la producción artística de la ciudad de los canales.

Solamente Venecia mantuvo un estilo original. Hasta cierto punto esta ciudad permaneció al margen de la creación artística de los grandes maestros romanos.Primero, el abandonando paulatino de la tabla como soporte para pintar , y su sustitución por el lienzo, encontrándonos desde mediados de siglo XV con el óleo aplicado sobre el lienzo ya prácticamente generalizado.Segundo, la búsqueda del espacio tridimensional en el cuadro mediante la perspectiva lineal en el siglo XV, que se ira sustituyendo por la perspectiva aérea a lo largo del XVI.Por ultimo, la característica más destacada de los pintores del renacimiento veneciano es, sin duda, la importancia que dan al color, que suele aplicarse con pincelada gruesa y pastosa y preferentemente con tonos luminosos, muy cálidos, acordes con la peculiar luz de la ciudad, “ luz veneciana”.

3.EVOLUCIÓN TÉCNICA DE TIZIANO

En cuanto a la técnica de Tiziano podemos decir que, a diferencia de Giorgione, no se preocupó de la concepción espacial, ni de los efectos causados por una atmosfera de misterio y produndo significado. Aunque si utilizó su mismo lenguaje expresivo e incluso despues de la muerte de Giorgione terminó las obras que el difunto pintor tenia empezadas.

En sus comienzos podemos observar en algunas de sus obras como ejecuta sus obras con un dibujo más cuidado. Las líneas están mejor trazadas y el dibujo es puro y sobrio, dando mayor importancia a las figuras. El pintor realizaba ya desde un principio bocetos o dibujos preparatorios de manera poco frecuente. Un ejemplo de ello es ''Noli me tangere''(National Gallery de Londres) situada a la izquierda.

A pesar de ello Tiziano se aferró a la exaltación del color y fue desarrollando una técnica própia en la que aplicaba los colores en estado pastoso uno a lo largo del otro y luego los iba tratando progresivamente hasta formar una capa más delgada, donde la materia pictórica aparece con grumos no alisados, anticipando algo que se verá en Velázquez y en Rembrandt, además de considerarse una clara influencia para los impresionistas.

En obras como su ''autorretrato'', la ''coronación de espinas'' el efecto que se produce es precisamente la indefinición de contornos, ya que no se puede identificar ninguna línea que se pueda interpretar como una delimitación precisa de las formas. Y lo que Leonardo había conseguido en su ''Gioconda'' mediante la técnica del sfumato, Tiziano lo realiza mediante la ligereza de transiciones cromáticas, que hacen resplandecer la luz y el color por igual y simultáneamente. Además experimentó con infinidad de mezclas y tintes, elaboró nuevos pigmentos y llegó a ser un verdadero maestro del color, incluso hoy en día se conocen matices distinguidos con el adjetivo Tiziano, como por ejemplo el Azul Tiziano.

4.TRAYECTORIA ARTÍSTICA

Después del belliniano pero elegante San Pedro con el donante (Amberes, Musée Royal des Beaux-Arts), cuya ejecución se remonta probablemente a 1503, el primer trabajo fechado pertenece a 1511 y está constituido por tres frescos de los Milagros de san Andrés (Padua, Scuola del Santo). Estas obras revelan ya unas figuras de movimientos libres seguros e insertas en una armósfera fresca y airosa.

Más significativo es el grupo de telas estilisticamente muy próximas a Giorgione. Éstas comprenden el llamado retrato de Ariosto (Londres, National Gallery), la Gitanilla (Viena, Kunsthistorisches Museum), el Retablo de San Marcos (Venecia, Santa Maria della Salute), la Salomé (Roma, Galleria Doria Pamphili), la Muchacha en el baño (París, Louvre), el Concierto (Floréncia, Palazzo Pitti) y otros retratos y Vírgenes. El artista, aun sirviéndose plenamente de la innovación técnica de Giorgione que consiste en lograr la unidad espacial a través del color, en vez de obtener pequeñas figuras difuminadas, produce formas enérgicas y fuertes que todavía aparecen perfectamente situadas en el espacio creado por la luz. En torno a 1515-20 esta primera fase culmina con obras grandiosas, como las famosas Tres edades del Hombre (Edimburgo, National Gallery). Amor sacro y Amor profano (Roma, Galleria Borghese) y el gran Retablo de la Asunción (1516-18; Venecia,

iglesia dei Frari). En este último trabajo el estudio del movimiento muscular recuerda claramente a Miguel Angel

Amor Sacro y Amor profano

En 1516 Tiziano había empezado a trabajar para el duque de Ferrara, ejecutando para éste aquellas pinturas mitológicas que a menudo se consideran su género más connatural. El mito aparece como el medio más adecuado para la realización de estas pinturas sensuales, a veces eróticas, en las que las figuras se mueven con lentitud en una atmósfera cálida y luminosa.El primer grupo comprende la Fiesta de Venus y la Bacanal (Madrid, Prado), seguida del gran Baco y Ariadna ( 1523; Londres, National Gallery). Otras obras religiosas importantes de la éòca son el Retablo de Ancona, en el que Mária contempla, a través de las nubes, vigorosas figuras de santos; el fresco de San Cristóbal (Venecia, Palazzo Ducale); la Sepultura, admirable juego de claroscuro (París, Louvre); y finalmente la perdida Muerte de san Pedro Mártit (1528)La producción de 1530-40 está dominada por colores llenos de luminosidad en escenas con menor movimiento. Cabe recordar La Bella (Floréncia, Palazzo Pitti), la famosa Venus de Urbino y la gran y procesional Presentación de la Virgen en el Templo (1534-38; Venecia, Gallerie dell' Accademia).La delicada Anunciación (Venecia, Scuola di San Rocco), la episódixca Venus del Prado (París, Louvre), el gran Ecce Homo (1543; Viena, Kunsthistorisches Museum) y la Coronación de espinas con un original desarrollo compositivo en espiral (París, Louvre), constituyen un anuncio de las escenas de Caín y Abel, Abraham e Isaac, David y Goliat del techo de Santa Maria della Salute, cuya virtuosa tensión ha hecho que, con razón, esta obra fuese descrita como manierista.

Por primera vez, sin embargo, como ocurrirá con muchos artistas posteriores, los retratos adquieren una sencillez casi banal, como por ejemplo el Francisco I (París , Louvre), el Inglés (Floréncia, Palazzo Pitti), al estilo de Giorgione, y la llamada Caterina Conaro (Floréncia, Uffizi), mientras que el insólito Pablo III y sus sobrinos (1545; Nápoles, Capodimonte) recupera la involuntaria movilidad de este período suyo. De esta movilidad la primera Danae (Nápoles, Capodimonte) representa una variante sensual en la composición caprichosa y la superficie ricamente adornada. Otras novedades estilísticas se pueden apreciar en el gran retrato de Carlos Quinto en Mühlberg (Madrid, Prado); en un retrato de Carlos sentado en una poltrona con un fondo paisajista (1548; Munich, Alte Pinakothek), en el Felipe II con armadura (1550; Madrid, Prado) y en la vivaz Familia Vendramin arrodillada (Londres, National Gallery). El estilo de los años 1550-60 aparece más completo que en las obras del Prado.

Felipe II con armadura

A la composición libre y enérgica de las figuras excepcionalmente móviles, se une ahora una pincelada fuerte y densa de color, inesperadamente móviles, se une ahora una pincelada fuerte y densa de color, inesperadamente reducido y vibrante. Son representativos de ello, el Sísifo y Ticio, con su mórbido manierismo, la Santa Margarita, como una flecha en la luz crepuscular, la segunda Danae, que resplandece envuelta en rayos dorados, y la Gloria de la Trinidad, con las figuras suspendidas en el aire. Otras obras maestras de esta fase serían en el nocturno Martirio de san Lorenzo (Venecia, iglesia dei Gesuiti) Perseo y Andrómeda (Londres, Wallace Collection) y el Rapto de Europa (Boston, Gardner Museum).

Danae

Las obras religiosas presentan colores grises y una superficie más plana, particularmente el Pentecostés(Santa Maria della Salute), la Transfiguración y la Anunciación (ambas en Venecia, San Salvatore), mientras que la elegancia cromática reaparece en toda su intensidad a partir de 1560 en la Adoración de los Magos (Madrid, Prado), en la Educación para el amor (Roma, Galleria Borghese) y el segundo Martirio de san Lorenzo (El Escorial), obra muy impregnada de un excepcional dramatismo estilisticamente revolucionario. La tendencia anterior originaba obras populares de figuras ampulosas y sencillas, plasmadas en posturas normales, mientras que ahora una superficie de colores abigarrados infunde vida al San Sebastián (Leningrado, Ermitage) o Adán y Eva del Prado, y la segunda Coronación de espinas (Munich, Alte Pinakothek), animada por manchas de color reluciente. La Alegoría de la batalla de Lepanto (Madrid, Prado) es un símbolo estilístico de la desproporción no resuelta en las partes, mientras que los elementos de España ayudando a la Religión (Madrid, Prado) aparecen libremente fundidos entre sí. Las fases artísticas no se agotan aquí: reunidas en un filón único llevarán hasta la técnica del ''no acabado'' que, a través de Rubens, llegará a las generaciones futuras.

Alegoría a la batalla de Lepanto

5.INFLUENCIAS EN LA HISTORIA DEL ARTE.

Tiziano influyó en bastantes artistas posteriores, como por ejemplo en Rubens y Velázquez, ya que las temáticas que abarcó el pintor veneciano eran de gran variedad. Un ejemplo de ello son las venus, la Venus del espejo, (obra que comparten los tres artistas siendo las de Tiziano y Rubens difíciles de diferenciar, mientras que la de Velázquez solo mantiene la misma temática.

Tiziano Rubens

Velázquez

Podemos relacionar también la Venus de Urbino de Tiziano, con la Venus dormida de Giorgione, siendo en esta ocasión dos pintores contemporáneos.

Entre estas dos venus de Giorgione y Tiziano podemos percibir con mayor rapidez las coincidencias que las diferencias entre ambas, independientemente de que el reposado e intacto paisaje de Giorgione se ha convertido en un aposento íntimo en la obra de Tiziano. La postura yacente coincide en ambas figuras juveniles: la pierna izquierda reposa sobre la derecha doblada hacia atrás, el brazo del mismo lado sigue el contorno del cuerpo formando un arco suave, también en el fondo más oscuro que enmarca la cabeza como protegiéndola; y , finalmente, encontramos al fondo a la derecha algo que se corresponde entre ambas pinturas, es imperceptible y sólo se hace notorio cuando miramos por segunda vez: Giorgione ha colocado en su paisaje un árbol de mayor tamaño, a la izquierda del mismo otro más pequeño y, entre ambos, ligeramente desplazado hacia delante un tocón.

Venus de UrbinoTiziano.Florencia. Galería de los Uffizi.

Tiziano repite en su pintura esta idea compositiva, pero sustituye esos elementos -desplazándolos algo más a la derecha- por una mujer en pie, una muchacha arrodillada y un perrito acostado . Pero las diferencias le dan a un mismo motivo el aspecto de ser un tema diferente. La Venus de Urbino tiene la mirada puesta en el observador, no se apoya directamente en el gran edredón sino en un cojín más cómodo, tiene el cabello suelto y con el subraya la sensual mirada de sus ojos. De esta manera queda remarcada la sensualidad de la Venus de Urbino de Tiziano.Mientras que la Venus dormida de Giorgione, que ha sido concebida casi como una luna nueva flotando den el espacio, ha de interpretarse alegóricamente y parece como inalcanzable.

Venus DormidaGiorgione.Gemäldegalerie,Dresde

Un año después de la muerte de Tiziano, nacía Pedro Pablo Rubens, pintor flamenco del barroco que en su estilo enfatizaba el movimiento, el color, y la sensualidad. Tiziano Vecellio fue una de las fuentes inspiradoras más importantes que, a lo largo de toda su vida, dibujó y copió buena parte de las obras del maestro italiano.Podemos poner como ejemplo, a las dos versiones de Adán y Eva, Dos obras que ocasiones, se han expuesto juntas.

Igualmente posee la copia de Rubens de El rapto de Europa y dos obras capitales de Tiziano, procedentes de la colección de Felipe IV, que fueron copiadas por Rubens en uno de sus viajes a Roma: ''La bacanal de los andrios'' y ''Ofrenda a Venus''.

Tiziano (las de la izquierda) Rubens (las de la derecha)

Más que ante copias nos encontramos ante versiones de obras maestras de un genio del renacimiento realizadas por otro genio del barroco.

6.COMENTARIO DE OBRA: RETRATO ECUESTRE DE CARLOS V

El Retrato ecuestre de Carlos V, ejecutado por Tiziano en 1548, por encargo de la Reina María de Hungría, hermana del emperador, es uno de los más célebres de la historia y el único retrato a caballo pintado por el artista. El emperador escogió a su pintor favorito para que perpetuara con su arte el gran triunfo conseguido sobre los protestantes. Tiziano, con la negación de venir a España, pintó al monarca en Augsburgo, en conmemoración de su victoria sobre la Liga de Smalkalda, acaecida en Mühlberg, el 24 de abril de 1547. Precisamente, el pintor veneciano lo retrata momentos antes de la victoria, cuando Carlos V detiene su caballo frente al río Elba, tras el cual los protestantes se han hecho fuertes. Después de un momento de reflexión, reflejado en e rostro envejecido del monarca, éste decide atravesar el río y vencer.

Tiziano usa la técnica colorista propia de la pintura veneciana.Esto se aprecia en la armadura (que se conserva en el Museo de la Armería del Real Palacio de Madrid), en la que los brillos metálicos y las sombras están dados con total precisión, incluso con gran detalle, como se ve cuando nos detenemos en esa zona del cuadro, o en el arnés del caballo. Pero sobre todo se nota en la iluminación y sentido atmosférico del paisaje en el que ha situado al personaje. Un paisaje que está iluminado por las luces del crepúsculo, con lo que se crea un ambiente de serenidad y silencio.En la parte derecha se observan las brumas, una pequeña construcción y las ciénagas y estanques que hoy día se siguen dando en la ribera del Elba, donde se libró la batalla.El sabio manejo del color se constata claramente en el uso del rojo, en sus distintas gamas, en la banda de general y en el penacho que remata el morrión de triple cresta del emperador, en el penacho que adorna la cabeza del caballo y en los reflejos dorados de la gualdrapa del caballo.La calidad del cromatismo se sigue observando en los colores castaños de los árboles y en los magníficos celajes grises y anaranjados de las nubes del fondo. Tiziano, que en este momento tiene 70 años, está dando los primeros pasos de lo que será su última etapa en la que hay una acentuación mayor de los valores pictóricos y cromáticos.

La ausencia de expresión en el rostro de Carlos nos remite a su idea de un emperador estoico y a la imagen propagandística que en ese momento interesaba desarrollar, que no era otra que la de un personaje pacífico. Sin embargo, el uso del morrión de triple cresta, la lanza corta de combate, la pistola de arzón y la ya mencionada media armadura, proporcionan un tono «real» a la pintura, prodigiosa construcción, por tanto, de una imagen a la vez que mitificadora y simbólica, directa y realista.el emperador lucha por una Europa cristiana que ha sido rota por la reforma protestante de Lutero.

Esta imagen se relaciona con el retrato ecuestre del emperador romano Marco Aurelio,única obra conservada de la antigüedad clásica y modelo indudable de Tiziano.

Carlos V pretendía fundamentar no solo su poder político, sino incluso el de la dinastía de los habsburgos. El emperador es representado no como un campeón del catolicismo o un arrogante vencedor de sus propios súbditos, sino como un reconciliador capaz de gobernar un heterogéneo conjunto de estados y religiones. Debido a todo ello, el cuadro presenta al emperador como figura aislada y no hay ninguna alusión directa a la batalla.

La creación de este prototipo de retrato ecuestre abre el camino, por su influencia, a los retratos ecuestres del barroco (Rubens, Velázquez) o de Goya.

A pesar que el cuadro sufrió el incendio del Alcázar de Madrid en 1734, por fortuna pudo restaurarse, pasando en el siglo xix, con el resto de la colección real española, al Museo del Prado. Es en esta institución donde sigue albergado este óleo sobre lienzo, de 332 x 279 cm de altura.

7.OPINIÓN PERSONAL

Desde mi punto de vista, Tiziano es uno de los grandes pintores del Renacimiento y de la historia del arte en general ya que supo utilizar los colores de la ciudad de los canales de manera muy personal y expresiva aportando una amplia variedad de sensaciones al espectador, rompió las reglas establecidas de la linea sobre el color sin llegar a ser considerado como maniersita, y lo más importante: supo desarrollar un estilo propio e innovador que influyó en generaciones posteriores durante años, incluso a los impresionistas que se inspiraron en el efecto causado por sus ágiles y alegres colores y en la manera directa de aplicar pigmento buscando la forma y dejando al dibujo en un segundo plano y sin contornos aparentes.

Por lo tanto, he aprendido bastantes cosas de este maestro del color, no solo por su obra, sino por su manera de romper las barreras entre las clases sociales de la época abriéndose paso entre la burguesía y los nobles trabajando el retrato como nadie antes lo había hecho.Y es digno de admiración que haya sido seguido e incluso imitado por autores de tanto nombre como Rubens y Velazquez como he dicho en el apartado de influencias.Así pues, Tiziano Vecellio es para mí un pintor completísimo que ha aportado mucho al mundo de la pintura y seria un error no nombrarlo junto a los maestros del Renacimiento como Miguel Angel, Rafel, Leonardo Da Vinci, y Donatello.

8.BIBLIOGRAFÍA Y WEBGRAFÍA.

Bibliografía:

VV.AA. ENCICLOPEDIA DEL ARTE (8 TOMOS)2002, EDICIONES RUEDA J.M, S.AI.S.B.N. 84-8447-136-5

Juan José junquera, Jose Luis Morales y Maran.HISTORIA UNIVERSAL DE LA PINTURA1996, EDITORIAL ESPASAI.S.B.N. 84-239-8068-5 Obra completaI.S.B.N. 84-239-8071-5 Tomo 3

Michael Baxandall. PINTURA Y VIDA COTIDIANA EN EL RENACIMIENTO (4ª ED.)2000, GUSTAVO GILII.S.B.N. 9788425218231

Webgrafía:

http://www.museodelprado.es/enciclopedia/enciclopedia-on-line/voz/rubens-copista-de-tiziano/

http://www.historiadelarte.us/renacimiento/cinquecento/retrato-de-carlos-v.html

http://arteaula23.blogspot.com.es/2011/03/la-pintura-veneciana.html

http://contemplalaobra.blogspot.com.es/2011/10/carlos-v-en-muhlberg.html