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FOTOGRAFÍA DIGITAL Lic. Carlos Ñaupari Belupú

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Guía Didáctica

3

Página

1.- DATOS INFORMATIVOS .............................................................................. 3

2. PRESENTACIÓN DE LA GUÍA DIDÁCTICA......................................................... 9

3.- PRESENTACIÓN DEL DOCENTE......................................................... 10

5.- MEDIOS ..................................................................................................... 11

6.- CONTENIDOS..................................................................................................... 12

7.- ORIENTACIONES BIBLIOGRÁFICAS................................................................ 119

8.- ACTIVIDADES............................................................................................................ 120

9.- ORIENTACIONES PARA EL ESTUDIO DE CADA UNIDAD O TEMA............ 121

10.- ORIENTACIONES PARA LAS TUTORÍAS………............................................ 122

índice

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I. ASGINATURA : FOTOGRAFÍA DIGITAL

II. JUSTIFICACION

El taller de fotografía digital intermedio es un curso teórica-práctico diseñado

para brindar al usuario común los conocimientos fundamentales relacionados

con el manejo de su cámara fotográfica digital y la digitalización de

imágenes; así como las habilidades necesarias para crear resultados de un

nivel semi-profesional, en producciones impresas o en pantalla.

Al término del curso, cada participante será capaz de usar su cámara digital

en un nivel profesional, editar sus fotografías, con la finalidad de mejorar su

calidad y corregir errores. Por otro lado será importante manejar los criterios

fundamentales de la composición fotográfica artística; publicitaria y

periodística teniendo en cuenta la resolución y peso de las fotografías

dependiendo del motivo por el cual está tomando la foto.

III. OBJETIVO

Conocer, entender y aplicar las principales reglas de la composición y a

analizar sus propias imágenes para lograr así fotos más impactantes.

IV. OBJETIVOS ESPECIFICOS

Aprender el uso correcto de su cámara

Comprender y manejar los conceptos básicos de la fotografía y de la

imagen digital.

Capturar fotografías de calidad, siguiendo las reglas de los elementos

visuales de la composición fotográfica.

Aplicar imágenes digitales en software.

V. PREREQUISITOS Y PERFIL, DE LOS PARTICIPANTES

Tener conocimiento básico en fotografía digital.

1. Datos Informativos

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Cada participante deberá tener:

Cámara fotográfica digital.

Tarjeta de memoria adecuada.

Cable para descarga de imágenes.

Baterías / Pilas recargables.

Los participantes son personal administrativo de la DISA V- LIMA.

Para inscribirse en el curso deben presentar lo siguiente:

1. Carta de presentación de la DISA v-LIMA donde se nomina al personal

beneficiario de la capacitación,

2. Registro en el formulario electrónico identificando los datos del personal

beneficiario de la DISA V-LIMA (formulario electrónico)

Este requisito registrará electrónicamente en la web

VI . PARTICIPANTES

Equipo de la Oficina de Comunicaciones de la DISA V LC.

VII. COMPETENCIAS A FORTALECER

Manejo de la cámara digital en exteriores y en estudio

Edición y digitalización de imágenes

Manejo de los criterios fundamentales de la composición fotográfica

artística y publicitaria

VIII. DETALLES DEL EVENTO

Lugar: Ambientes de la DUED (Laboratorio)

Fecha de Inicio: 18 de octubre

Fecha de Término: 18 de Noviembre

Hora: 9-12 m

Duración: (4 semanas)

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IX. PERSONAL DOCENTE

Docentes de la carrera académica profesional de Ciencias de la

comunicación de la Universidad Alas Peruanas, capacitados en la modalidad

a distancia.

X. MODALIDAD EDUCATIVA

Presencial / virtual

La modalidad empleada será Curso-Taller,

XI. METODOLOGIA (ESTRATEGIAS Y PROCEDIMIENTOS DIDÁCTICOS)

Exposiciones con participación de los asistentes (preguntas y comentarios)

Sesiones fotográficas.

Presentación de material, sistematización de las presentaciones y material

producido para cada sesión, en el campus virtual.

Cada participante tendrá acceso al Campus virtual, el cual estará

implementado con material digital, que permitirá reforzar el aprendizaje de

los estudiantes.

XII. VALOR CURRICULAR

12 horas de asesoría presencial (semana 1 y 2)

6 horas de asesoría virtual (semana 3 y 4)

24 horas de estudio independiente. (con materiales digitales, guías

de prácticas y de elaboración actividades académicas, en el campus

virtual)

Total de horas = 42

XIII. RECURSOS

1. Recursos Humanos.- Personal docente de la UAP

Un coordinador

25 participantes

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2. Recursos Materiales.-

Material Didáctico: 01 carpeta por participante conteniendo la

separata con los tema a desarrollar.

Equipos: Proyector, Computadora, Multimedia, Ecran,

CD, con material de exposición. (25)

XIV. CONTENIDO TEMATICO

Unidad Didáctica

Semana Contenidos Aprendizaje esperado

LOS GENEROS

FOTOGRAFICOS

Y

FUNCIONES

BASICAS

1

( Del 18

al 24 de

oct)

Conceptos digitales relacionados al

campo de la fotografía.

Conceptos básicos de fotografía.

Los géneros fotográficos.

El encuadre, el plano.

Conocer el desarrollo de la fotografía digital

y los diversos tipos de géneros fotográficos

existentes.

Clasificar los diversos tipos de encuadre y

reconocer su carácter expresivo.

Práctica fotográfica en clase. Práctica sobre encuadre y planos.

Funciones de la cámara digital. Partes.

Proceso de registro.

Controles pre programado. Balance de

blancos y sensibilidad (ISO)

Controles y métodos de exposición.

Controles manuales.

Identificar las diversas funciones de las

cámaras fotográficas digitales, en cuanto al

registro, balance de blancos, sensibilidad y

exposición.

Práctica fotográfica en clase.

Práctica sobre calibración y manipulación de

las funciones de las cámaras fotográficas

digitales.

COMPOSICION

FOTOGRAFICA

Y FUNCIONES

AVANZADAS

2

( del 25

al 31 de

octubre)

La composición. Reglas. Elementos

visuales.

La profundidad de campo en cámaras

digitales.

Conocer y combinar las técnicas de

composición fotográfica.

Identificar las variables necesarias para

manipular la profundidad de campo.

Práctica fotográfica en clase. Práctica sobre composición, utilizada

funcional y expresivamente en la fotografía.

El flash básico.

Flash integrado a la cámara / Flash de

zapata.

Conocer el correcto funcionamiento,

calibración y uso del flash.

Funciones avanzadas de la cámara:

zoom, macro, movimiento, flash

avanzado, luz tenue, etc.

Conocer y combinar las funciones

avanzadas de la cámara fotográfica.

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XV. EVALUACIÓN

Examen práctico: 40%

Presentación de trabajo final: 60%.

XVI. CERTIFICACIÓN

Brindada por la Universidad aquellos participantes que han cumplido

asistencia y la presentación del 100% de los trabajos de aplicación.

Nota mínima para la certificación: 13 (Trece).

TEMA

FOTOGRAFICO

3

( del 01

al 07

Nov)

El tema fotográfico. Identificar y reconocer los puntos para

desarrollar un tema fotográfico.

Práctica fotográfica en lìnea. Práctica sobre desarrollo de un tema

fotográfico.

EDICION

FOTOGRÁFICA

4

( Del 08

al 14

Nov)

Software para edición de imágenes.

Photoshop básico / Picassa/Lightroom

3.0

Conocer las herramientas básicas de edición

fotográfica.

Establecer criterios de edición según la

finalidad del trabajo fotográfico.

Práctica de retoque fotográfico en clase. Práctica sobre edición de fotografías.

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Estimado participante, reciba la más cordial bienvenida al curso de Fotografía Digital.

Esta guía lo orientará durante el desarrollo del curso y en su proceso de aprendizaje.

El curso tiene por finalidad brindarle un acercamiento teórico y práctico del proceso

fotográfico, abarcando el estudio de la cámara, la luz, los colores, y las técnicas utilizadas para

el registro fotográfico.

La presente guía busca, sobretodo, comprender la fotografía como proceso de

comunicación y convertirla en una aliada de la imaginación. El fotógrafo alemán Michael

Gnade nos dice que es la práctica la que nos enseña lo que importa y lo que no importa en la

fotografía. Recordemos que, más allá de la técnica o del uso comercial o informativo que tenga

una foto, lo que prima es su carácter testimonial. Nos convertimos en testigos y cómplices de lo

que dice. Allí radica su poder como instrumento de comunicación.

La forma de desarrollo del curso se encuentra en esta guía, por lo que le recomendamos

leerla antes de empezar a revisar el texto del curso.

Tenga presente que la fotografía requiere una constante y tenaz práctica para desarrollar

una agudeza visual que nos permita explorar cualquier entorno y sus posibilidades fotográficas.

Usted debe tener esta disposición para complementar los contenidos teóricos de cada unidad. El

dominio del lenguaje de la fotografía, así como las destrezas y actitudes que demuestre, serán

vitales para los criterios de evaluación tanto teórica como práctica.

Le recomendamos entonces:

- Destinar un tiempo mínimo de 4 horas a la semana para la práctica de la fotografía.

- Conseguir una cámara fotográfica digital compacta.

- Tener conocimientos de Windows en nivel intemerdio.

2. Presentación de la Guía Didáctica

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Lic. Carlos Ñaupari Belupú

El Lic. Carlos Ñaupari Belupú, estudió la carrera de

Ciencias de la Comunicación en la Universidad Nacional Federico

Villarreal, con especialización en el área de audiovisuales. Se ha

desempeñado en diversos cargos en múltiples medios de

comunicación televisiva, gráfica y escrita, como por ejemplo,

productor del reconocido programa “Conversando con Antonio

Cisneros”, transmitido por CCN durante tres años, así como

guionista y director de fotografía de los documentales: “Esquizofrenia, entre luces y sombras” y

“Cuzco: The City of Inkas”.

Desde hace varios años se ha especializado en el campo de la fotografía periodística y

publicitaria como free lance y ha podido exponer su trabajo con importantes ONG’s como Save

the Children o Ayuda en Acción. En relación a la fotografía publicitaria, ha sido fotógrafo

oficial de Miss Perú 2006 y desarrolló conceptos fotográficos para institutos, universidades y

empresas diversas. El último trabajo que ha realizado en fotografía ha sido con el grupo de rock

fusión “La Sarita”, para el tercer CD de la banda.

Con respecto a la labor académica, ejerce desde hace más de seis años la docencia en la

Universidad Villarreal (Escuela de Ciencias de la Comunicación) y ha trabajado durante tres

años en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos (Escuela de Comunicación Social), así

como en institutos de reconocido prestigio, como ORVAL (Escuela Superior de Diseño), o

ESUTEL (Escuela Superior de Telecomunicaciones). Ha concluido la Maestría en

Comunicación Social, con mención en Investigación en Comunicaciones, en la Universidad

Nacional Mayor de San Marcos, desarrollando la tesis Historia de la Historieta en el Perú

durante el Siglo XX.

Para cualquier consulta escribir a:

e-mail : carlosnau@gmail.com

Correo Postal: Dirección de Educación a Distancia

Calle Lirios 144. San Isidro. Lima 27.

3. Presentación del docente - tutor

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Durante el desarrollo del curso, los alumnos dispondrán de los siguientes medios:

• GUÍA DIDÁCTICA, es el documento que tiene entre sus manos (reales o virtuales) y

que está leyendo, el cual contiene la información necesaria y útil que le permitirá

conducir su aprendizaje y enfocarse en los temas claves capaz de cumplir con las

competencias esperadas.

• UNIDADES DIDÁCTICAS, impartidas por el equipo académico de la DUED, así

como la bibliografía que debe ser consultada por el alumno.

• CAMPUS VIRTUAL

Es el espacio virtual a través de la Internet, Usted va a ingresar con un usuario y clave

que le van a ser asignadas en el momento de su matrícula en la Coordinación de la

Unidad Descentralizada donde se matriculó. En el Campus Virtual encontrará las Aulas

Virtuales (una por cada curso matriculado).

• CORREO ELECTRÓNICO, Herramienta fundamental para el estudiante a distancia,

por medio del cual podrá enviar sus archivos de las actividades obligatorias, recibir

ayudas escritas, y mantener una constante comunicación con l docente, entre otros.

• SALA DE CONFERENCIA, permite una comunicación en tiempo real con el docente

tutor, a efectos de clarificar ciertos contenidos del texto de difícil comprensión y/o

ampliar conceptos.

• AYUDAS.- es el espacio que se encuentra en el Aula Virtual dentro de “materiales del

curso” en el que usted podrá descargar las ayudas que el docente colocará cada semana de

estudio para que usted pueda reforzar o complementar sus conocimientos; ellos son parte de

las evaluaciones del presente curso.

• TRABAJOS APLICATIVOS, INDIVIDUAL O GRUPAL.- Es el espacio en el Aula

Virtual en el que usted podrá descargar lo que necesita desarrollar y entregar en el plazo que

figure en el Calendario de evaluación. No olvide descargarlo para que pueda elaborarlo.

5. Los medios

12

PRIMERA UNIDAD – PARTE I

A. Llamamos soporte fotográfico al material donde el haz de luz “dibuja” una

imagen. El soporte es tanto la película fotográfica o el chip (CCD o CMOS)

donde se encuentran alojados los pixeles en las cámaras digitales. La

versatilidad y las características de los soportes se han ampliado en estos

últimos años pero se mantiene en cuanto a concepto, a pesar que diversas

fábricas han dejado de producir película fotográfica. La foto en blanco y negro

colgada en una exposición, la reproducción a color en un libro o el gráfico que

aparece en la pantalla de la computadora son de hecho ejemplos de una misma

realidad. La fotografía, sea cual sea el soporte en el que se muestra, es a los

ojos del observador un continuo de tonos de color y niveles de brillo.

CONCEPTOS DIGITALES RELACIONADOS AL CAMPO DE LA FOTOGRAFÍA.

Antes de organizar los soportes fotográficos de acuerdo a sus

características, conviene remarcar la diferencia entre los componentes que los

constituyen.

LA PELÍCULA Y EL GRANO Si nos aproximamos lo suficiente a una fotografía hecha con película,

comprobaremos cómo la imagen está compuesta por un tapiz de puntos. Estos

corresponden a los granos de las sales de plata que han sido, o no,

ennegrecidos por la acción de la luz. Cuando estas sales son expuestas a la luz,

se convierten en plata metálica. A través de la sucesión de granos expuestos, la

imagen se irá delineando en la superficie de la emulsión, que es la parte de la

película que se encuentra revestida de las sales de plata. Las gradaciones de

grises en la fotografía en blanco y negro, por ejemplo, se obtienen a partir de la

mayor o menor concentración de granos. Si ampliamos suficientemente el

negativo, o la copia positivada, los granos de plata de la emulsión se hacen

visibles. La composición de la película en color es más compleja, pero sigue el

mismo principio.

Los componentes, la forma y el tamaño de los granos o cristales de plata

son los que le dan las características principales a la película. Existen distintas

formas de granos: cúbicos, cúbicos octaédricos, octaédricos, tabulares, y

también existen distintos tamaños de granos, graduados de forma sistemática.

Esto también se controla durante la fabricación de la película.

6. Contenido

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Cuantos más chicos sean los granos, mayor será la resolución de una imagen.

Una película de granos grandes es más sensible a la luz.

Una fotografía está compuesta por granos (sales de plata). La ampliación nos muestra estos granos repartidos en toda la superficie. El tamaño de los granos influye en la calidad y en la sensibilidad, puesto que a mayor cantidad de granos hay mayor detalle. Pero una película que esté compuesta por granos pequeños y que tiene mayor cantidad de estos, tardará más en reaccionar a la luz, convirtiéndose en una película lenta. Así, empezamos a pensar en la fotografía en función de lo que queremos o de lo necesitamos lograr.

14

EL SOPORTE DIGITAL En la fotografía digital nos encontramos con una imagen que reproduce con

tonos continuos la realidad. Pero esta imagen está formada por millones de

elementos que cumplen la misma función que los granos de plata en las

emulsiones clásicas. Solo que aquí no se trata de granos sino de píxeles. Y

estos no derivan de la sensibilización de sales de plata sino de un análisis

numérico de la luz.

Píxel es un término que se origina de la contracción de los vocablos picture

y element, imagen y elemento en inglés. Los píxeles son las unidades mínimas

que forman una imagen informática. Los dos medios básicos de los que

disponemos para obtener fotos digitales son el escáner y la cámara digital.

Ambos parten de una realidad analógica para interpretarla numéricamente, es

decir, para digitalizarla. El escáner parte de una imagen analógica, ya sea ésta

en papel o en película. La cámara digital en cambio, parte directamente de la

realidad, de la luz, que siempre es analógica. Pero en ambos casos el resultado

es el mismo, un archivo digital.

El tono de color de un píxel se consigue combinando los tres colores básicos (rojo,

verde y azul) en distintas proporciones. Un píxel tiene tres características distinguibles:

a. Forma cuadrada.

b. Posición relativa al resto de píxeles de un mapa de bits. (Una imagen

bitmap o mapa de bits, está compuesta por pequeños puntos o

pixeles con unos valores de color y luminancia propios. El

conjunto de esos pixeles componen la imagen total).

c. Profundidad de color (capacidad para almacenar color), que se expresa

en bits.

Gracias a la digitalización podemos combinar fácilmente archivos de

diversos orígenes. Todos contienen un mismo tipo de información, imágenes

procesadas y almacenadas a través de un código binario, descritas mediante

ceros y unos, que es propio del lenguaje informático.

La imagen digital se compone de una matriz de píxeles que puede

observarse en el monitor, almacenarse en la memoria de la computadora,

interpretarse como minúsculos puntos de tinta sobre una superficie de papel o

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enviarse por internet. Como ya mencionamos al hablar de los soportes clásicos,

la reproducción de una fotografía se basa en la percepción de infinidad de

partículas que reproducen intensidades de luz o describen intensidades tonales.

Los píxeles de la fotografía digital son similares a los granos de cloruro de plata

de la fotografía tradicional o los puntos de tinta de la imagen impresa.

Los píxeles conforman las unidades elementales de la imagen digital. Determinan la resolución

por cantidad y profundidad. Y su forma básica es el cuadrado.

La cámara analógica y la digital presentan similitudes pues ambas conducen

la luz a su interior a través de una óptica determinada. Pero también tienen

importantes diferencias. Mientras la cámara analógica concentra los rayos de

luz sobre la película, la cámara digital lo hace sobre un elemento capaz de

analizar la luz e interpretarla en forma numérica: el sensor electrónico.

Actualmente este sensor es mayoritariamente un CCD (Dispositivo de

Acoplamiento de Carga). Estas siglas son con frecuencia sinónimo de “sensor”

entre muchos usuarios. Pero debemos resaltar que existen otros tipos de

sensores como los CMOS y los X3, que difieren en calidad y versatilidad. En una cámara tradicional la óptica concentra los rayos de luz sobre un

plano para obtener una imagen enfocada. Se denomina plano de la imagen y es

el punto donde se sitúa la película. En una cámara digital la tarjeta de memoria

puede ocupar cualquier posición espacial dentro del cuerpo de la cámara. Ello

16

posibilita innumerables diseños y así encontramos unos modelos con una

estética similar a las cámaras clásicas y otros con formas difícilmente parecidas

a las tradicionales. En una cámara analógica el negativo tiene tanto la función

de captar la luz como de guardar la información. En una cámara digital el mismo

proceso tiene tres partes: a. Captación y análisis de la luz - CCD, CMOS, X3.

b. Interpretar la luz de forma numérica o digitalización de la imagen -

DAC (Convertidor análogo - digital).

c. Almacenamiento de la información - Memory Stick.

Entre el sensor electrónico y la tarjeta de almacenamiento existe un

tercer elemento que procesa la información generada antes de guardarla. Se

trata del DAC, el convertidor analógico-digital (Digital Analog Converter). Aplica

los algoritmos de compresión a la información en bruto que proviene del sensor

y la convierte en un formato concreto de archivo de imagen. El dispositivo de

almacenamiento de la información varía de unos modelos a otros.

Habitualmente se trata de una tarjeta de memoria que tiene diferentes

capacidades estandarizadas (512 MB, 1Gb, 2 Gb, 4Gb, etc.).

Es necesario especificar los formatos usados para guardar archivos

fotográficos digitales porque en las cámaras profesionales se puede escoger

uno o más formatos para el registro fotográfico. De esto depende en buena

medida el tamaño y la calidad de una fotografía. Veamos brevemente sus

características:

i. JPEG (Joints Photographic Experts Group). Formato de compresión por

síntesis. Se usa para las imágenes digitales y web que contienen muchas

tonalidades, como por ejemplo fotografías con degradados. Se considera

el mejor formato de compresión para las imágenes fotográficas, ya que,

debido a su algoritmo de compresión, no da buenos resultados con

imágenes planas o de peso muy bajo. Básicamente, lo que hace el

algoritmo del formato JPEG es guardar la imagen separando la

información del brillo de los matices de color, eliminando las diferencias

de color muy sutiles que no se pueden apreciar en situaciones estándar.

Por ello, se trata de un formato de compresión que genera un proceso de

pérdidas. Esto significa que siempre se pierde información. El formato

JPEG dispone de una profundidad de color de 24 bits, es decir, de

17

millones de colores. Es capaz, por lo tanto, de soportar y representar

imágenes con calidad fotográfica.

ii. BMP (Windows Bitmap Format). Formato creado por Microsoft que

permite tanta calidad como las imágenes TIFF, pero que se diferencia de

éstas por el hecho de que no aporta información alguna para su

impresión, lo que supone que las imágenes ocupen menos espacio de

memoria. Se utiliza para imágenes que se imprimen con calidad normal,

o bien para las imágenes de calidad que sólo tienen que aparecer en

pantalla.

iii. GIF (Graphics Interchange Format). El formato GIF es uno de los más

utilizados en la Web por el bajo peso que conlleva generalmente. Su

fórmula de compresión es secreta y pertenece a la compañía que lo creó,

Unisys. Se suele emplear para imágenes con una profundidad de color

de hasta 8 bits (256 colores), y utiliza un algoritmo de compresión

llamado LZW. La principal característica de este algoritmo es que no

pierde información, es decir, que, una vez descomprimida la imagen,

conserva la misma información que cuando fue comprimida.

iv. TIFF (Tagges Image File Format). Creado por la compañía Aldus, aunque

en la actualidad pertenece a Adobe, es un formato de compresión por

áreas que permite guardar las imágenes con la máxima calidad, además

de especificar parámetros propios para la impresión. Es uno de los

formatos que más espacio ocupan, pero también es el mejor formato para

imprimir.

v. PICT (Macintosh Picture Format). Formato gráfico de compresión, sin

pérdida de calidad, característico de los entornos Macintosh (aunque

también puede ser utilizado en otras plataformas). Tiene las mismas

características que el formato BMP.

vi. RAW. Es un tipo de formato que, al estar tan relacionado con el

funcionamiento del sensor, no podemos decir que es de tipo universal,

como lo que hemos mencionado, sino que cada marca (Nikon, Canon,

etc.), ha denominado RAW a su forma particular de disponer los datos de

toma previos al proceso automático. Por tanto, se requiere un software

específico para cada formato. La principal característica del formato RAW

está en la flexibilidad con la que guarda la toma, ya que permite corregir

valores muy precisos después de esta, como diafragma, temperatura de

color, enfoque, niveles de brillo, etc., y no antes de hacerla.

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19

B.

CONCEPTOS BÁSICOS DE FOTOGRAFÍA. LOS GÉNEROS FOTOGRÁFICOS

La fotografía se ha desarrollado, en la actualidad, principalmente en tres

sectores, al margen de las consideraciones científicas o tecnológicas. Por un lado se

encuentran los dominios del reportaje gráfico, cuyo objetivo principal es captar el

mundo exterior tal y como aparece ante nuestros ojos; en un segundo nivel se

encuentra la publicidad. Y por otro tenemos la fotografía como manifestación

plenamente artística, con fines expresivos e interpretativos.

El reportaje gráfico comprende la fotografía de prensa, la documental y el

ensayo, y por lo general no se suele manipular. Lo conveniente es que el reportero

gráfico emplee las técnicas y los procesos necesarios para captar una imagen bajo las

condiciones existentes. Aunque este tipo de fotografía suele calificarse de objetiva,

siempre hay una persona detrás de la cámara, que inevitablemente selecciona lo que

va a captara través de un punto de vista. Respecto a la objetividad, hay que tener en

consideración también la finalidad y el uso del reportaje fotográfico, que tiene que ver

con las fotos más “realistas” e “imparciales para el medio y no necesariamente del

propio fotógrafo.

La fotografía artística, en cambio, es totalmente subjetiva, sea manipulada o

no. En el primer caso, el enfoque, el ángulo de la cámara y sobre todo la luz, pueden

manejarse para alterar la apariencia de la imagen y los procesos de edición modifican

en ocasiones el registro para lograr los resultados deseados; así, la fotografía es

susceptible de combinarse con otros elementos para conseguir una forma de

composición artística, o para la experimentación estética.

Conozcamos con mayor precisión las especializaciones en las que la fotografía

se desarrolla en la actualidad. Revisaremos algunos alcances históricos con respecto

a estos campos. Esto debe servirnos para orientar nuestro criterio y para dilucidar el

tipo de fotografía que queremos realizar o analizar. Recordemos que muchas veces

aprendemos no solo de mirar la realidad, sino de reconocer cómo otros la han visto.

La fotografía documental

Las primeras fotografías que mostraron con crudeza la guerra de Crimea al

público británico fueron obra del fotógrafo británico Roger Fenton. En otra época y

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lugar, Mathew Brady, Alexander Gardner y Timothy O’ Sullivan documentaron la

inconsolable realidad de la guerra de Secesión. Por otro lado, México se convirtió en el

punto de mira de fotógrafos franceses y estadounidenses, debido al redescubrimiento

de las civilizaciones azteca y maya. El francés Désiré Charnay realizó interesantes

fotografías de las ruinas mayas en 1857, además de dejar un detallado relato de sus

descubrimientos arqueológicos y experiencias.

El trabajo fotográfico de los británicos del siglo XIX encierra registros de otros

lugares y tierras exóticas. Cubrieron distancias sorprendentes cargados con el pesado

equipo del momento para captar escenas y personas. En 1860, por ejemplo, Francis

Bedford fotografió el Oriente Próximo. Su compatriota Samuel Bourne tomó unas 900

fotos del Himalaya en tres viajes realizados entre 1863 y 1866, y en 1860 Francis Frith

realizó trabajos fotográficos en Egipto. Las fotos de este último sobre lugares y

monumentos, muchos de los cuales están hoy destruidos o dispersos, constituyen un

testimonio útil todavía para los arqueólogos.

Algunos fotógrafos del siglo XIX, en lugar de captar la vida en otras partes del

mundo, se limitaron a documentar las condiciones de su propio entorno. De esta

forma, el fotógrafo británico John Thomson registró la vida cotidiana de la clase

trabajadora londinense alrededor de 1870 en un volumen de fotos titulado Vida en las

calles de Londres (1877). El reportero estadounidense de origen danés Jacob August

Riis realizó de 1887 a 1892 una serie de fotografías de los barrios bajos de Nueva

York recogidas en dos volúmenes fotográficos cuyos nombres fueron: Cómo vive la

otra mitad (1890) e Hijos de la pobreza (1892). Entre 1905 y 1910 Lewis Wickes Hine,

captó también en sus fotos a los oprimidos de Estados Unidos: trabajadores de las

industrias metalúrgicas, mineros, inmigrantes europeos y, en especial, trabajadores

infantiles. En Brasil, Marc Ferrez plasmó en sus fotografías la vida rural y las pequeñas

comunidades indias. Y en el Perú, el fotógrafo arequipeño Martín Chambi recogió en

su obra un retrato de la sociedad de su país y en especial de los pueblos indígenas.

En años recientes se ha reanudado el interés por estas fotografías y han sido el tema

de varias exposiciones y libros.

21

El periodismo gráfico

El propósito del periodismo gráfico es contar una historia específica en

términos visuales. Los periodistas gráficos trabajan para medios impresos o virtuales

(periódicos, páginas web, revistas, agencias de noticias y otras publicaciones) que

cubren sucesos en áreas que abarcan desde los deportes, las artes y la política. Uno

de los primeros periodistas gráficos fue el francés Henri Cartier-Bresson, quien

desde 1930 se dedicó a documentar lo que llamó el “instante decisivo”, que es el

punto álgido de cualquier situación, instante que corresponde con la imagen más

significativa. Muchas de las imágenes de Cartier-Bresson tienen una enorme fuerza

en su concepción como en lo que transmiten y son consideradas a la vez trabajo

artístico, documental y periodismo gráfico.

Lewis W. Hine - Breaker Boys (1910). Trabajo infantil en las minas.

Henri Cartier-Bresson ha sido uno de los fotógrafos de prensa más influyentes en el mundo

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El fotógrafo estadounidense Robert Capa comenzó su carrera como

corresponsal de la Guerra Civil Española; al igual que Cartier-Bresson, plasmó tanto

escenas bélicas como la situación de la población civil. Su fotografía de un miliciano

que cae herido dio la vuelta al mundo como testimonio del horror de la guerra, aunque

fuera denunciada como un fraude tiempo después. Capa también cubrió el

desembarco de las tropas estadounidenses en Europa el día D durante la II Guerra

Mundial y la guerra de Indochina, donde murió en 1954.

Foto realizada por Robert Capa en la Guerra Civil Española, 1936.

A fines de la década del 30 aparecieron en Estados Unidos dos publicaciones:

Life y Look; y en Gran Bretaña Picture Post. Estas revistas contenían trabajos

fotográficos y textos relacionados con ellos. Este modo de presentación de la noticia,

sin duda muy popular, se asoció a los nombres de grandes fotógrafos que cubrían

diversos sucesos. Estas revistas continuaron proporcionando una gran cobertura

gráfica sobre la II Guerra Mundial y la de Corea con fotos tomadas por Bourke-White,

Capa, Smith, David Duncan y varios otros reporteros gráficos estadounidenses. Más

adelante se utilizó la fotografía para reflejar cambios sociales. Smith documentó los

devastadores efectos del envenenamiento por mercurio en Minamata, una aldea

pesquera japonesa contaminada por una fuga de este mineral en una industria local.

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El periodismo gráfico consolidó géneros como noticia local, corresponsalía

extranjera, entrevista y reportaje gráfico. Toda fotografía es, de cierta forma, noticiosa,

puesto que capta la imagen, que perciben el objetivo de la cámara y el ojo humano, de

de una realidad. Los primeros fotógrafos eran investigadores, pues se limitaron a

registrar lo que veían, pero con el desarrollo del periodismo se empezaron a delimitar

los márgenes para reconocer un hecho noticioso, cuyo valor tenga el interés de la

opinión pública y que incluso incida sobre ella. La fotografía combina el uso de la

imagen como documento y como testimonio; subgénero que se conoce ahora con el

nombre de fotografía social.

Gannaway ganó el premio Pullitzer en el 2008 en la categoría de fotografía de artículo, donde presentó la historia de una familia en la cual uno de los integrantes tiene una enfermedad terminal. La fotografía comercial y publicitaria

Desde la década del 20 se ha hecho uso de la fotografía ella para impulsar y

dirigir el consumismo, como un componente más de la publicidad. Los fotógrafos

comerciales realizan fotos que se usan en anuncios o como ilustraciones en libros,

revistas y otras publicaciones. Y con el fin de que sus imágenes resulten más

atractivas utilizan una amplia gama de sofisticadas técnicas. El impacto de este tipo de

imágenes ha producido una fuerte influencia cultural. La foto comercial y publicitaria ha

representado asimismo un gran impulso en la industria gráfica, junto con los avances

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en las técnicas de reproducción fotográfica de gran calidad. Destacaron en este

campo, por citar a algunos fotógrafos importantes, Irving Penn y Cecil Beaton, quienes

la alta sociedad; Richard Avedon, quien consiguió fama como fotógrafo de moda, y

Helmut Newton, controvertido fotógrafo de moda y retratista cuyos trabajos poseen

con frecuencia un gran contenido erótico. En la actualidad, el fotógrafo peruano Mario

Testino es considerado uno de los mejores fotógrafos comerciales y de glamur en el

mundo entero.

Testino ha fotografiado a grandes personajes del cine, la música y la alta sociedad de diversos países. En la foto, la actriz Natalie Portman.

La fotografía publicitaria es uno de los pilares comerciales de la sociedad del

consumo. Genera simpatías, antipatías, influye en la formación de la identidad de las

personas gracias a un cuidado meticuloso del mensaje que transmiten, asociados, eso

sí, al concepto publicitario del departamento creativo de una agencia de publicidad.

Debemos resaltar en este punto, que esta especialización fotográfica va de la

mano con los adelantos tecnológicos pues necesitan una gran calidad, producción y

solvencia imaginativa. Presentamos uno de los trabajos del italiano Oliveiro Toscani,

quien desarrolló los conceptos (y las fotografías) para la casa Benetton durante

muchos años. Toscani siempre fue un irreverente y supo dotar de mucha personalidad

cada uno de sus trabajos.

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Oliveiro Toscani desarrolló el concepto de igualdad que utilizó durante muchos años la marca Benetton.

Fotografía artística Los trabajos fotográficos de los pioneros Daguerre y Talbot condujeron a dos

tipos distintos de fotografía. El daguerrotipo, apreciado por su claridad y detalle, fue

utilizado en especial para retratos familiares como sustituto del mucho más caro

retrato pintado. Más tarde, el daguerrotipo fue sustituido en popularidad por la carte de

visite, que utilizaba placas de cristal en lugar de láminas de hierro. Por otro lado,

calotipo de Talbot era menos preciso en los detalles, aunque tenía la ventaja de que

producía un negativo del cual se podían obtener el número de copias deseadas. A

pesar que el calotipo se asoció básicamente a la fotografía paisajista y de bodegón,

desde 1843 hasta 1848 esta técnica fue utilizada por el pintor escocés David Octavius

Hill y su colaborador fotográfico Robert Adamson para hacer retratos.

Desde 1860 aproximadamente, hasta 1890, la fotografía fue concebida como

una alternativa al dibujo y a la pintura. Las primeras normas de crítica aplicadas a ella

fueron, por tanto, aquellas que se empleaban para juzgar el arte, y se aceptó la idea

de que la cámara podía ser utilizada por artistas, ya que ésta podía captar los detalles

con mayor rapidez y fidelidad que el ojo y la mano. Dicho de otro modo, la fotografía

se contempló como una ayuda para el arte, como lo hicieron Hill y Adamson. Alrededor

de 1870, por ejemplo, se aceptó la práctica de hacer posar a los sujetos en el estudio,

para después retocar y matizar las fotos con la finalidad de que pareciesen pinturas.

26

Los trabajos de la fotógrafa sueca Julia Margaret Cameron representaban

escenas semejantes a obras pictóricas de la época, sin embargo sus estudios

retratistas plasmaban a sus amigos, miembros de los círculos científicos y literarios

británicos. Consistían en registrar primeros planos con iluminación intensa, para

revelar toda la fuerza del carácter de los personajes. Otro ejemplo de ese tipo de

fotografía es el trabajo del caricaturista francés Gaspard Félix Tournachon, que se

convirtió en fotógrafo bajo el nombre profesional de Nadar. Sus cartes de visite (fotos

montadas del tamaño de tarjetas de visita) son una serie de retratos simples y

mordaces de la intelectualidad de París. Muestran el poder de observación de Nadar

cuando disparaba su cámara con luz difusa contra fondos lisos para realzar los

detalles.

A fines del siglo XIX, el fotógrafo aficionado británico Peter Henry Emerson

cuestionó el uso de la fotografía como sustituto de las artes visuales, incitando a otros

colegas hacia la naturaleza como fuente de inspiración y limitando las manipulaciones

de los propios procesos fotográficos. Su libro Fotografía naturalista para estudiantes

de arte (1899) se basaba en su creencia de que la fotografía es un arte en sí mismo e

independiente de la pintura. Modificó después esta declaración y defendió que la mera

reproducción de la naturaleza no es un arte. Otros escritos de Emerson, que

diferenciaban la fotografía artística de la que se hace sin propósitos estéticos,

terminaron de definir después el aspecto artístico de la fotografía.

Julia Cameron dotó al retrato de una fuerza expresiva a través de la luz.

27

C.

EL ENCUADRE / EL PLANO

1.

EL ENCUADRE

El encuadre es la porción de la realidad que está limitada por un área

geométrica. En fotografía, esta área se establece en función del tamaño visor-

soporte, pues están directamente relacionados. Existen encuadres cuadrados,

rectangulares, panorámicos, cuyas obvias diferencias influyen sobre la elección

de los elementos que vamos a considerar para la toma.

El encuadre supone tener un motivo. No en el sentido del impulso, sino

en razón de que vamos a privilegiar una porción del mundo real. La finalidad de

fotografiar puede obedecer a diversas razones: el periodista priorizará el valor

testimonial, el publicista pretenderá destacar un producto o servicio bajo una

propuesta estética adecuada, el artista buscará expresar emociones, estados de

ánimo o ideas apelando a su sensibilidad y su técnica. Y el fotógrafo que

simplemente sale de “caza”, buscará cosas que llamen su atención y que se

den, casi siempre, de forma natural.

Nosotros observamos un espacio sin límites, pero en la cámara el

encuadre está limitado por cuatro lados. Por lo tanto es necesario pensar en lo

que elegimos y lo que vamos a excluir desde nuestro marco fotográfico. Para

acercar y aumentar un motivo, hay que usar un teleobjetivo. Pero si en cambio

se desea ampliar el campo de visión, utilizaremos un lente llamado gran

angular. De ahí la importancia de los lentes al encuadrar, pues nos ayudan a

tener más opciones para destacar algo.

En el encuadre es importante introducir aquel o aquellos elementos que

resulten realmente importantes para el tema de nuestra foto y excluir aquellos

que resultan intrascendentes y que pueden distraer. El objeto (u objetos) que

deseamos destacar se denomina motivo. Cualquier motivo está rodeado por una

serie de elementos que los sitúan dentro del contexto. Estos elementos pueden

aparecer tanto en el primer plano como en el fondo. Antes de tomar una foto es

necesario observar todo lo que aparece en el visor y decidir de antemano qué

es lo que vamos a incluir en la foto. Cuál es el motivo y qué fondo o primer

plano podría ser interesante para resaltarlo. Generalmente cuando uno

28

empieza, las fotos tienen muchos detalles que suelen despistar al observador y

hacen que no tenga muy claro qué es lo que hemos querido decir con la foto.

Por lo tanto, una foto con pocos detalles suele ser mostrar más fácilmente el

tema.

Es importante destacar unos pocos detalles, pero, al mismo tiempo,

llenar el encuadre con los mismos. No resulta demasiado adecuado, salvo casos

especiales, dejar primeros planos o fondos vacíos, tales como un cielo

inexpresivo demasiado grande. A pesar de ello, hay que tener en cuenta que el

fondo o primer plano no debe asfixiar al motivo. Entre este y lo que le rodea

debe existir un espacio prudencial. Para encuadrar aquello que es realmente

importante podemos optar por alguno de estos recursos:

a. Llenar el encuadre. Las personas con poca experiencia

fotográfica suelen encuadrar los personajes o los objetos en su totalidad,

lo cual tampoco es absolutamente necesario. En muchas ocasiones llenar

el encuadre con una parte del motivo es lo más adecuado. Para llenar el

encuadre podemos considerar las siguientes técnicas:

i. Acercarnos al objeto que queramos fotografiar, siempre que se

pueda, y estudiarlo de varios ángulos, reconociendo además cómo le da

la luz si es que estamos en exteriores.

ii. Acercar el objeto hacia nosotros mediante el uso de un lente

zoom, pues es un dispositivo estándar en las cámaras digitales

compactas.

b. Enmarcar el objeto. A veces para destacar el tema principal

podemos observar si existe una especie de “marco” natural dentro del

cual se incluye este elemento. Por ejemplo, cuando fotografiamos un

monumento desde detrás de un arco o una ventana y creamos un marco

negro dentro del cual destaca el monumento. Podemos utilizar las ramas

de un árbol, o unas plantas para enmarcar el tema principal. Otras veces

las sombras constituyen una buena manera de aislar el motivo,

disimulando o cubriendo aquellos objetos que podrían distraer la

atención. A pesar de todo ello, debemos ser cuidadosos en que el marco

no destaque por encima del tema principal.

c. Descentrar el motivo. Otro de los errores muy habituales es

situar el motivo en el centro. Esto puede resultar adecuado en ciertas

ocasiones, especialmente cuando el fondo es capaz de aportar

información interesante. En otras ocasiones, se hace demasiado

29

repetitivo. Las fotografías resultan monótonas y en general están llenas

de zonas con información vacía. Descentrar el motivo es una buena manera

de atraer la atención sobre el mismo.

Llenar el encuadre o enmarcar el motivo pueden ser recursos de mucha ayuda al momento de destacar un objeto, arquitectura o personaje.

Es de vital importancia observar el entorno, reconocer los elementos que podemos destacar. Luego, en la edición de las tomas, podremos incluso alterar el encuadre, cambiar el color, y descubrir así nuevas posibilidades expresivas.

30

Variaciones básicas en el encuadre

El encuadre fotográfico puede tener variaciones básicas que alterarán en

mayor o menor medida la elección del motivo. Es la forma que en que se

presenta la foto respecto a las dos dimensiones que posee. Existen las

siguientes variaciones de acuerdo a la posición de la cámara:

a. Horizontal: Es el más habitual, y equilibrado, el que proporciona

más tranquilidad y naturalidad, puesto que es el que más se

adecúa a la visión humana. Las cámaras réflex de 35 mm. y su

equivalente en digital, son construidas para optar por un encuadre

horizontal. Dado que la mayoría de las cámaras presentan la

posición optima par fotografiar en este formato, es por el que se

tiene tendencia a utilizar. Este encuadre es el que generalmente

se utiliza para fotografiar paisajes, de ahí que se le conozca

también como formato apaisado. No debemos olvidar también, que

hoy en día hay una clara tendencia a presentar la imagen en

monitores en formato horizontal. Esto puede llevar a utilizarlo sin

tener en cuenta que otras formas de encuadre pueden ser más

adecuadas en ciertas ocasiones.

b. Vertical: Esta variación se obtiene al girar la cámara en 90º. Se

conoce como "encuadre de retrato" por ser el más utilizado en

este tipo de fotografía. A diferencia del horizontal, y dependiendo

del tema, la posición vertical resulta mucho más contundente y

fuerte que el horizontal pues acentúa la líneas verticales y

diagonales del motivo. Utilizaremos el formato vertical si queremos

realizar un retrato de una persona, tanto en primer plano como de

cuerpo entero. En este caso debemos tener en cuenta que el

motivo llene el encuadre. Un error muy habitual en los retratos es

dejar demasiado espacio por encima de la cabeza, al costado de

los hombros y brazos o distanciarnos demasiado de la persona

para incluir demasiado fondo. En los primeros planos, se debería

llenar el encuadre con la imagen de la cara de la persona

retratada, sin que sea necesario incluir la cabeza entera.

También podemos utilizar este encuadre en otras ocasiones como,

por ejemplo, fotografías de edificios o montañas, cascadas,

31

árboles, etc., para acentuar su tamaño respecto al fondo. El uso

del formato horizontal en retrato resulta más difícil de utilizar dado

que es más difícil llenar el encuadre con el rostro. No obstante, no

resulta inadecuado experimentar este tipo de fotografía con esta

variación, cuando tomamos parte del rostro, o descentramos al

personaje.

c. Inclinado: Es el que resulta de girar la cámara a un ángulo menor

de 90º, hacia la izquierda o derecha del eje horizontal de la

cámara. Se le conoce también como encuadre aberrante y muchas

veces es considerado dentro de la clasificación de “angulaciones”.

Es un tipo de encuadre muy expresivo, que se utiliza

esporádicamente para crear algunos efectos o sensaciones

dramáticas (por inestabilidad) o dinámicas.

Esta formación rocosa es ideal como tema y resalta de forma natural gracias al encuadre horizontal. Destaca además el cielo, muy característico en algunas provincias de nuestro país. En la imagen de la izquierda, vemos la posición que debemos adoptar para hacer una fotografía horizontal. La mano izquierda debe servir de base y manipular además el objetivo. La derecha debe prensar bien la cámara y manipular los controles de disparo y de ajustes para la exposición.

32

El encuadre horizontal también puede servirnos para acercarnos a un personaje, su realidad y su entorno.

Incorrecto

Correcto

A la izquierda, una toma vertical es usada para combinar un elemento y su hábitat natural. Arriba, la posición incorrecta y incorrecta para sostener la cámara en tomas verticales. La mano izquierda debe servir como base y la derecha opera.

33

El encuadre vertical puede enmarcar un motivo y hacerlo destacar. Por otro lado es idóneo para los rostros de personajes.

El encuadre inclinado acentúa las diagonales y pude generar dinamismo pero también desequilibrio.

34

Otros encuadres

La alteración de los encuadres no depende en forma exclusiva de los

formatos de películas. A pesar que existen cámaras especiales para trabajar

con formatos diferentes al estándar en fotografía de 35 mm (aproximadamente

de una relación de 4:3), la facilidad con la que ahora, gracias a diversos

programas de edición de fotos, podemos cambiar el encuadre, es muy amplia.

Como otros encuadres consideraremos dos de los más utilizados: el cuadrado y

el panorámico. El encuadre oval o el circular están supeditados a la edición de

páginas interiores de una publicación, o a una forma especial de enmarcar una

foto. Así, definimos entonces los siguientes:

a. Encuadre cuadrado: Es aquel tipo de encuadre en que la

fotografía presenta las mismas medidas en ambas dimensiones.

Para realizar este tipo de foto debemos tener una cámara

analógica de formato 6x6 (que hemos visto en tipos de cámaras) o

realizar un recorte con un programa de edición sobre una

fotografía tomada con cámara digital. Puede ser un formato

interesante debido a que trabaja con un área menor a nuestro

campo visual, y esto a su vez puede incrementar la dificultad de

componer.

b. Encuadre panorámico: Es aquel tipo de encuadre horizontal que,

partiendo de una visión central, nos ofrece un área muy ancha

hacia los lados. Este tipo de formato fue muy utilizado en la

pintura y se está poniendo de moda con las cámaras digitales,

muchas de las cuales presentan dispositivos que permiten tomar

diferentes fotografías para ser procesados posteriormente con un

software en el ordenador creando una panorámica con todas ellas.

El cine usa este formato debido a que nuestra visión abarca casi

180º. También disponemos de objetivos especiales, llamados ojos

de buey, que pueden tomar directamente este tipo de formato. El

encuadre panorámico es adecuado para presentar paisajes,

aunque es bastante difícil conseguir una buena foto por la

dificultad de llenar el encuadre con detalles importantes.

35

Los encuadres panorámicos son enteramente descriptivos. Su belleza y expresividad radica en el gran campo visual que abarcan, pero es difícil destacar a un personaje.

El encuadre cuadrado ofrece posibilidades expresivas, pero limita nuestro campo de visión.

36

2.

ELEMENTOS DEL ENCUADRE

Los elementos del encuadre están relacionados al espacio, el tamaño, la

iluminación y el orden en que se presenta el motivo:

• El plano: es una referencia visual que se utiliza para determinar el

espacio en el cual se encuentran los objetos dentro del encuadre. Se

clasifican por una escala de distancias que tienen como punto de partida

el cuerpo humano. Existen dos tipos:

- Descriptivos

i. Gran plano general. Se utiliza para dar una visión

panorámica de un paisaje, o para contrastar elementos de

muy distinto tamaño.

: se utilizan para ubicar al observador (espectador)

en un lugar, un entorno. Agrupa los siguientes planos:

ii. Plano general. Equivale a una imagen en la que se

combinan el personaje y el ambiente que le rodea. Hay una

relación significativa entre entorno y personaje.

Los planos generales son usados para describir lugares y destacar elementos como la arquitectura, el clima o un número enorme de personajes.

37

Los planos generales hacen que reconozcamos más directamente la arquitectura, el ambiente que rodea a un grupo de personajes y lo que hacen.

Dependiendo de su contenido, los planos generales también destacan elementos tan dispersos como la gente en muchedumbre. Describe una situación amplia, general.

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- Narrativos

i. Plano entero. Se utiliza para dar describir la figura humana,

privilegiando la acción (o posición) que uno o más

personajes realizan.

: En este caso, el nombre deriva del audiovisual, pues

son planos que “narran” acciones, ya que están referidos al ser

humano totalmente. Agrupa los siguientes planos:

ii. Plano americano. Es el plano que “corta” la figura humana

desde las rodillas hasta la cabeza. Favorece la observación

de las conductas de los personajes y la interacción con

otros.

iii. Plano medio. Hace referencia a la imagen de la figura

humana a la altura de la cadera. Este plano establece la

interrelaciones directas entre dos o más personaje o entre

estos y los objetos del ambiente.

Un plano entero no significa aislar al personaje en el encuadre. También podemos enriquecerlo a través de la relación que éste tiene con su entorno.

39

Los planos enteros enmarcan al ser humano en distintas posiciones, pero manteniendo la idea de unidad física, abarcado el cuerpo entero y su disposición.

El plano americano puede ser utilizado como un recurso para concentrar la atención en personajes y sus relaciones.

40

El plano medio enfatiza la acción y la relación de los personajes, con otros o con el entorno.

El plano medio puede usarse creativamente para decir algo más sobre los personajes sin perder el acercamiento que nos proporciona.

41

Los planos medios nos vinculan a los personajes y sus acciones, nos acercan a sus quehaceres y cotidianidad.

- Expresivos

i. Plano busto. Nos acerca a los personajes y nos da la

posibilidad de ofrecer información sobre parte de su

atuendo o de alguna acción que realizan de manera muy

cercana a ellos.

. se llaman así porque privilegian y destacan la

gestualidad de las personas, sus expresiones. Interiorizan a los

personajes, nos acerca a ellos. Son muy poderosos visualmente.

Agrupa los siguientes planos:

ii. Primer plano. Convoca la interioridad del personaje,

permite auscultar la intimidad a través del gesto, la mirada.

- Plano de detalle. Se concentra en detalles diminutos o fracciones

del cuerpo humano. Magnifica los trazos dándoles un significado

muchas veces surrealista, pues nuestra mirada, de forma natural,

siempre va a tener un ángulo de visión grande, los detalles

siempre los vamos a ver en proporción de nosotros mismos. El

plano de detalle, en cambio restringe y exagera esta proporción.

42

Los planos busto se pueden aprovechar como una forma de acercarnos a los personajes y a algunas acciones muy precisas que éstos realizan.

Los planos busto acercan pero también describen, comparten más información sobre el motivo fotográfico y sus actitudes.

43

Un primer plano puede mostrar indirectamente a un personaje y aún así acercarnos a él y a sus sentimientos o estados de ánimo.

Los primeros planos son poderosas herramientas de expresión. Desnudan la intimidad de los personajes, intensifican la mirada, el gesto.

44

Un detalle puede ser un objeto pequeño o parte de él. Destaca color, imperfecciones, formas, texturas, como la foto de la derecha, que pertenece a un pavo real.

Los detalles también pueden estar relacionados con un personaje directamente. Nos pueden dar información sobre ellos sin explorar sus gestos.

45

• La composición: es otro elemento del encuadre y quizás el más

esencial, pues está relacionado con la forma en que colocamos el motivo

dentro del encuadre. Supone no solo el conocimiento técnico para

resaltar el motivo, sino un alto grado de sensibilidad para distribuir el

espacio, la luz, los objetos, ya sea en estudio (donde está la mayor

libertad para mover o dirigir estos aspectos) o en fotografía documental

(en la que solo podemos agudizar los sentidos, componer y disparar).

Desarrollaremos el estudio y análisis de la composición durante la tercera

unidad por la importancia que representa.

4.

LOS ÁNGULOS DE TOMA

Un motivo fotográfico puede encuadrarse desde diversos ángulos, y

exagerar o minimizar su fuerza acercándose o alejándose de éstos. Las

proporciones y el fondo modifican la composición. La búsqueda de un buen

ángulo para la toma o registro es laboriosa. Nos fuerza a desplazarnos,

desplazar la cámara, cambiar los lentes, y estar alerta porque estos

desplazamientos pueden generar composiciones diferentes que serán más o

menos afortunadas. Los ángulos de toma se dividen en cuatro tipos, según el

nivel de altura con respecto al motivo desde el cual se realicen. Cada uno de

estos, posee características expresivas diferentes y deben ser conocidas por el

fotógrafo, para su uso consecuente.

a) Toma a Nivel. Es cuando realizamos la fotografía manteniendo el

horizonte de forma normal, independientemente de la altura a la que

podamos sujetar la cámara. Sirve para mostrar o describir algo de

manera "natural" u "objetiva", como generalmente es nuestra visión

normal.

Al utilizar este ángulo de toma, el motivo se

verá como si el espectador de la foto estuviera

delante de él, con la vista hacia el frente.

Recordemos que podemos tener desde un gran

plano general hasta un plano de detalle

manteniendo el ángulo normal.

180º

46

La toma a nivel nos muestra las cosas de forma natural. Aportan una sensación natural, pero pueden no destacar un elemento importante.

Las tomas a nivel también significan adoptar la altura del motivo fotográfico, acompañándolo para que no pierda su naturalidad. Su fortaleza radica en su fácil lectura.

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b) Toma en Picado. En este caso, la toma se realiza desde una posición

más alta que el motivo, de arriba hacia abajo. El horizonte queda por

debajo de nuestra línea de visión. El uso de este ángulo puede forzar la

perspectiva y lograr que el motivo se vea disminuido en tamaño. Esto se

puede usar de forma funcional, cuando queremos ver más del campo

visual normal (una mesa por ejemplo, en la cual vemos objetos en su

superficie). También se puede utilizar expresivamente, pues en las

personas, por ejemplo, dependiendo del entorno y del plano, el picado

puede parecer “aplastarlas”, y por ende sugerir debilidad o humillación.

Sin embargo esto puede servirnos para buscar resaltar volúmenes, llenar

el encuadre con las formas, etc. Todo dependerá de cómo ampliemos

nuestro criterio en la práctica.

El picado puede minimizar al personaje o puede dejar atrás detalles significativos por la alteración de la perspectiva.

180º

Cámara con el punto de vista debajo

de la línea horizontal normal.

48

Las tomas en picado, cuando usa planos abiertos sobre un personaje, minimizan su presencia pero describen acción. Por otro lado, simplemente nos da más detalles de una escena.

El niño no está minimizado por el ángulo picado. Podemos aprovechar sus características para resaltar los volúmenes y explorar cuestiones estéticas.

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c) Toma en Contrapicado. La toma se realiza desde una posición más baja

que el motivo, de abajo hacia arriba. El horizonte queda por encima de

nuestra línea de visión. El uso de este ángulo está condicionado por el

tamaño de los objetos. Los edificios, y todas aquellas cosas que estén

por encima del tamaño promedio del ser humano, hacen que levantemos

la cámara y la mirada. Esto significa que también forzamos la

perspectiva, por lo que el motivo se ve acentuado en tamaño. A pesar de

esta aberración de la imagen, la naturalidad no se pierde, pues es

nuestra referencia inmediata de los objetos grandes. Sin embargo, en

posiciones que destaquen un motivo “normal” o “natural” a través del

contrapicado, el uso expresivo también tiene que ver con los volúmenes,

las superficies. En las personas, por ejemplo, dependiendo nuevamente

del entorno y del plano, el contrapicado puede “agrandarlas”, y por ende

sugerir poder, grandeza, realce.

El contrapicado resalta, por naturaleza, los elementos más próximos a la cámara. Puede destacar acciones, detalles que desde el ángulo normal no podemos ver.

180º Cámara con el punto de vista por

encima de la línea horizontal normal.

50

Los contrapicados son naturales cuando guardan proporción con la realidad. Edificios, esculturas grandes, pueden tener elementos a destacar y enfatizar con este ángulo.

Una toma en contrapicado nos puede unir a la actitud o estado de ánimo de un personaje. O puede darnos información que adquiere una importancia superior e inmediata.

51

d) Toma en Cenital. La toma se realiza desde una posición perpendicular al

suelo, de arriba hacia abajo, como si fuera el extremo total de un picado.

Este ángulo produce que veamos imágenes sin perspectiva, que puede

ser muy descriptiva si se aplica a objetos pequeños, y muy inusual si

hacemos fotos con objetos grandes. También se le conoce como “vista

de pájaro” por la similitud que tiene la posición de la cámara.

Las tomas cenitales son descriptivas y nos proveen de un punto de vista inusual. También alimenta la originalidad para presentar un lugar que puede pasar desapercibido.

A pesar de aplanar la superficie, los cenitales tienen mucha fortaleza compositiva. Los elementos destacan por su interacción o por la participación con el fotógrafo.

52

5.

LA ELECCIÓN DEL PUNTO DE VISTA

El punto de vista se refiere a la capacidad del fotógrafo de usar las

formas del encuadre y sus elementos de manera que el motivo se reconozca

totalmente, capte la atención del espectador e influya en su sensibilidad. Ahora

bien, el punto de vista se establecerá de acuerdo al tipo de fotografía que

estemos realizando, ya sea esta de tipo comercial, informativa o documental; en

otras palabras, dependerá del tema y lo que el fotógrafo quiera transmitir. En

esta unidad propondremos con ejemplos cómo el establecimiento del punto de

vista en fotografía de tipo libre aumenta la capacidad de expresión del motivo.

En la tercera unidad reconoceremos y estudiaremos más detalladamente los

temas fotográficos.

En su forma más simple, el punto de vista dependerá de la agudeza

visual que el fotógrafo tenga para aprovechar un momento fotográfico. Es decir,

dependerá de cómo abarque su motivo y qué destaque de él. Al principio es

difícil estar en el lugar donde vamos a fotografiar y detenernos a pensar, pero

es lo más recomendable. Nos conviene entonces tener en cuenta lo siguiente:

i. Reconocer el entorno y sus elementos. Explorar con cuidado y

paciencia el campo visual. Seleccionar posibles motivos

fotográficos.

ii. Determinar el motivo. Descubrir por qué nos parece atrayente, qué

nos llama la atención de él. Empecemos con cosas fijas y no en

movimiento (piletas, estatuas, árboles, detalles). El motivo

principal debe mostrar hacia la cámara el lado que nos interesa

registrar, así que debemos tener en cuenta cualquiera de los

muchos frentes que tenga.

iii. Examinar la iluminación. Debemos percatarnos qué tipo de

iluminación es la que se encuentra sobre el motivo. Imaginemos

que estamos en la calle, en verano, con el sol tapado por las

nubes. La iluminación será suave y pareja en los rostros, y

podremos fotografiar fácilmente. Ahora imaginemos el interior de

una iglesia antigua, con luces muy puntuales y tenues. Entonces

nuestro motivo será más difícil de fotografiar. La luz, quizás,

53

proyecte sombras pronunciadas en su superficie o lo cubra

parcialmente con sombras duras, definidas.

iv. Fotografiar desde diversos planos y ángulos. Hemos visto cómo la

posición de la cámara en cuanto a su distancia y la elección del

ángulo de toma influyen en la proporción y forma del motivo.

Tratemos de variar, en lo posible, nuestra posición para probar

diversas formas de fotografiar el motivo.

v. Tener presente el tiempo en fotografías en exteriores. El sol nos

proporciona diversas tonalidades de color. Exploremos, en lo

posible, sus cualidades al momento de iluminar nuestro motivo.

Tomemos como ejemplo la fuente de la Plaza Mayor. Un punto de vista convencional puede ser interesante, pero quizás no destaca algo en particular.

54

Uno de las primeras formas de establecer un punto de vista es cuidar los fondos y elegir el mejor ángulo para complementarlo.

55

Los cambios que perceptivamente sufre el motivo pueden ser significativos por los horarios y la iluminación.

56

¿Puede un silueteado ser más significativo que una toma convencional?

Explorar con los puntos de vista es aprender a mirar y reconocer el entorno. Ser paciente, dominar la técnica y probar.

57

Un contraluz puede crearnos distintas sensaciones; el movimiento puede exagerarse al congelar el motivo o difuminarlo.

El contraste de color es significativo, pero quizás no hay una fuerza compositiva. No destaca un elemento en particular.

58

Nuevamente un contraluz nos da posibilidades creativas para abordar un detalle.

Los detalles son significativos cuando tienen riqueza de acción, de color, de composición.

59

La fotografía nocturna puede enriquecer nuestro punto de vista. Nos provee de material original y tenemos más elementos para destacar.

Probemos abordar el tema jugando con los ángulos, los encuadres y los planos.

60

Debemos reconocer que el punto de vista también se puede ampliar gracias un buen equipo fotográfico (en lo referente a lentes), pues nos permitirá tener más recursos visuales.

No olvidemos lo significativo que puede ser un fondo. Complementa, destaca, resalta, describe. Aprendamos a mirar y a forzar la vista de ser necesario.

61

PRIMERA UNIDAD – PARTE II

A. FUNCIONES DE LA CÁMARA DIGITAL. PARTES. PROCESO DE REGISTRO.

62

63

Cámaras Compactas

Estas cámaras, en su versión para película, tienen un objetivo con una sola

longitud focal y pueden enfocar sujetos a distintas distancias de la cámara. La

calidad de las cámaras de esta categoría es variable, desde modelos muy

económicos con tres o cuatro zonas de enfoque prefijadas y lentes de plástico y

sensores DX para películas de 100-400 ISO hasta modelos con lentes que

pueden competir con las mejores que tiene otros formatos y sensores DX

capaces de manejar películas hasta 5000 ISO. Algunas son totalmente

automáticas y poseen flash incorporado.

Tanto en la cámara compacta de película como en la digital, no existe la

posibilidad de intercambiar los objetivos. Son las más abundantes en el

mercado y se caracterizan por su pequeño tamaño, lo que las hace muy

transportables. Son más económicas que el resto de cámaras. La mayoría de

ellas en la actualidad cuentan con opciones de macro lo que les facilita la

posibilidad de tomar fotografías de aproximación a las flores (detalles).

El formato de película pudo haber sido la base de las cámaras digitales

compactas, por su envergadura y maniobrabilidad. El sistema de visor en las

cámaras compactas de película o digitales varía en que las últimas tienen sistema de

visor directo y no presentan el error de no ver lo que se está encuadrando, ya que en

las cámaras compactas de película el visor no tiene ninguna conexión con el objetivo y

es solo un aproximado del encuadre real. Además, debido a los avances tecnológicos,

el lente de las cámaras digitales es zoom y no fijo, lo que mejora sus posibilidades.

Las cámaras compactas de película y digital. Ambas han logrado la “democratización” de la fotografía en tiempos diferentes.

Por último, debemos precisar que las cámaras compactas de película usan el

formato 35 mm., es decir, aquel que se convirtió en el más versátil y que ha servido de

64

base para el formato de la fotografía digital convencional y semi profesional. Este

formato de película es el perforado en chasis de 35 mm., también llamado 135 o

de paso universal. El formato de fotograma más corriente es de 24 x 36 mm.,

aunque unas pocas pueden registrar en 18 x 24 mm. y por tanto consiguen el

doble de fotogramas. Existen también algunas que utilizan película en cartuchos

"pack" de código 126, que proporcionan 12 ó 20 copias cuadradas de 28x28

mm., aunque actualmente son difíciles de conseguir.

Cámaras compactas digitales Prosumer

Son cámaras compactas en las que no se pueden intercambiar los objetivos

aunque cuentan con funciones más avanzadas que las compactas digitales ya

mencionadas. Son de tamaño mayor y recuerdan por su forma a las réflex

aunque funcionan con técnica diferente. Su calidad se acerca más a estas

últimas.

Entre las principales ventajas con respecto a las compactas pequeñas están

su mayor longitud focal, lo que permite controlar mejor la profundidad de campo

(es decir el enfoque selectivo), la posibilidad de añadir un flash externo, la

mayor disponibilidad de accesorios que pueden montarse frente a la lente fija y,

sobre todo, la capacidad de grabar en formato TIFF o RAW, además del habitual

JPEG. El formato TIFF tiene más calidad que el JPEG y el formato RAW, como

veremos más adelante, puede manipularse en la computadora para obtener

fotos de mayor calidad.

Las cámaras compactas Prosumer son las mejores para los amateurs debido a su gran

versatilidad y a la mejora en la óptica que emplean.

65

B.

CONTROLES PRE PROGRAMADOS. BALANCE DE BLANCOS Y SENSIBILIDAD

El sol, una vela y un carbón incandescente producen todos ellos varios tipos de

luz al irradiar calor. Sin embargo, el color de la luz que cada uno desprende no es

idéntico, ya que la temperatura a la que cada uno llega al estado de ignición varía

enormemente. Como resultado, cada fuente irradia una mezcla distinta de longitudes

de onda, lo que produce sustanciales efectos sobre los colores de los objetos

iluminados. Estos efectos se notan sobre todo en las fotografías en color, pues las

películas están equilibradas para dar precisión en los colores con una luz formada por

una determinada mezcla de longitudes de onda (generalmente amarillo y blanco).

No se puede confiar en nuestros ojos para detectar pequeños cambios en la

iluminación. Nuestros ojos tienen una gran sensibilidad para reconocer los colores

independientemente del color de la fuente. Vemos lo que esperamos ver, ignorando

las sutiles variaciones de color. Una camisa blanca será siempre blanca para nosotros

vista a la luz del sol o con luz artificial. Sin embargo, la película o el soporte digital registran materialmente el color predominante de la iluminación. La película

normal para luz de día está equilibrada para una luz media de mediodía, cuando la

iluminación proviene sobre todo de la luz predominantemente blanca del sol directo. A

menos que se corrija con un filtro, una iluminación con un equilibrio muy diferente

cambiará inevitablemente el color de las fotografías realizadas con esta misma

película. A esto se le llama dominante de color.

El color de una fuente luminosa no depende sólo de su temperatura. Por

ejemplo, los factores atmosféricos entran en escena cuando consideramos en qué

forma la luz diurna o de mediodía aparece neutra, la mezcla de longitudes de onda

que llega hasta nosotros varía a la salida o la puesta del sol. Igualmente, las nubes o

la niebla filtran algunas longitudes de onda por absorción, o dispersan otras de tal

forma que predominan en la luz reflejada por el cielo. En un día despejado, por

ejemplo, el cielo aparece intensamente azul debido a la dispersión de longitudes de

onda azules por las moléculas atmosféricas. Las fuentes luminosas pueden codificarse

según su denominada “temperatura de color”, dada en grados Kelvin (K). Se toma

como medida la coloración que adquiere un objeto calentado –por ejemplo, una barra

de hierro- que cambiará de color al elevar la temperatura calorífica. Los colores irán

cambiando desde el rojo intenso al azul. Esta coloración es la que se reconoce y se

mide como “temperatura de color”. A mediodía, la media de luz diurna (fotográfica)

tiene una temperatura de color de aproximadamente 5.500 K.

66

Grados de temperatura de color de acuerdo a la coloración de la luz.

67

La reproducción subjetiva del color

Aunque hay una gran cantidad de equipo para medir de con precisión el

color (colorímetro o kelvinómetro), este, como una percepción humana, sigue

siendo bastante subjetivo. De hecho, al juzgar el color, el ojo humano puede ser

fácilmente engañado. Para explicar este problema, nosotros necesitamos

estudiar los dos tipos principales de iluminación: la luz del sol y la luz

incandescente, que han sido los tipos de luz sobre el que se ha trabajado en el

campo fotográfico. La luz del sol contiene una severa mezcla de todos los

colores de luz por igual. Recordemos que el color de la luz se mide en grados

Kelvin (K). Sobre la escala de Kelvin la más baja temperatura de color es la luz

roja, y la más alta, es el color azul.

Comparada a la luz del sol, que tiene una temperatura de color de sobre

5,500° K, la luz de un foco normal de 100w tiene una temperatura de color de

2,800° K. Las luces de cuarzo o halógenas tienen una temperatura de 3,200° K

(luz de color amarillo) y también se le conoce como luces de espectro continuo.

Mediante un proceso de consistencia aproximada de color, el ojo humano puede

ajustarse automáticamente a los cambios de temperatura de color en un rango

de 2,800° a 5,500° K, por lo que no se va a notar una diferencia muy amplia

bajo esas condiciones de coloración de la luz.

Por ejemplo, si se observa un pedazo de papel blanco en la luz del sol,

no se tiene ningún problema en verificar que eso es blanco. Igualmente, cuando

se toma el mismo pedazo de papel blanco bajo la iluminación de una luz

incandescente normal, se seguirá viendo blanco. Pero, por una razón científica,

el papel ahora refleja mucha más luz amarilla. Una luz amarilla (3,200°K) que

cae sobre un objeto blanco crea un objeto amarillo. Pero, como se sabe que el

papel es blanco, la mente nos dice: " el papel es blanco." Y de esta manera

(mediante la consistencia aproximada de color mencionada), usted mental e

inconscientemente ajusta su balance interno de color para hacer que el papel

parezca blanco.

De este modo somos capaces de ajustar mentalmente todos los otros

colores para percibirlos en una perspectiva apropiada. Aunque hacemos tales

correcciones de color para tener alrededor "escenas del mundo real", no

tendemos a hacer lo mismo cuando vemos televisión o fotos a color. En este

68

caso generalmente tenemos un estándar de color en nuestra visión (luz del sol,

una fuente de iluminación artificial, o cualquier otra) que nos dice incluso que

algo está mal si vemos una foto con una coloración verdosa.

Ya que reconocemos que la percepción humana del color es bastante

subjetiva, es crucial que confiemos en alguna medida científica objetiva o las

normas estándar para que nuestra cámara digital pueda balancearse (corregirse

o ajustarse) de manera precisa y consistente bajo una coloración de luz

dominante.

Variaciones del color en la luz solar

El color de la luz solar puede variar mucho, de acuerdo a la hora, la

bruma o el smog en el aire y la latitud y longitud geográfica del lugar. Debido al

ángulo que tiene ya sea temprano en la mañana o al final del día, los rayos

solares deben atravesar una porción mayor de la atmósfera. Fíjese en las

diferentes longitudes de la línea roja. La línea más larga representa el ángulo

del sol al amanecer y atardecer. La mayor travesía resulta en que se absorbe

más luz azul que roja (las longitudes más cortas de onda se absorben más

fácilmente). En consecuencia, la temperatura de color del sol vira hacia el rojo,

lo que determina el tono rojizo del atardecer y el amanecer.

A mediodía, en cambio, la luz del sol debe recorrer una menor distancia

(el sol cenital está representado en la ilustración) y la temperatura de la luz

directa del sol es cercana a 5.500°K (lo que se conoce como luz blanca). Entre

estos dos extremos hay variantes de tonalidades más sutiles de acuerdo a la

posición del sol en el cielo. Y si las nubes lo tapan y lo descubren, la

temperatura de color (y la cualidad de la luz) variará dramáticamente.

La temperatura de color varía también como consecuencia de la bruma o

de un cielo nublado. Si la cámara no se balancea (o filtra) bajo esas mismas

condiciones, o no utilizamos un tipo de película adecuada, la luz resultante

creará un efecto frío y azulado, no precisamente agradable. En las cámaras

digitales el ajuste de la luz se llama balance de blancos y nos ayuda a calibrar

la cámara para que reconozca una dominante de luz.

69

La temperatura de color es la coloración que adquiere la luz por una determinada hora del día. Se mide en grados Kelvin, a partir de la incandescencia de algunos objetos. En las cámaras digitales se regula con el Balance de Blanco o White balance (WB). Su mala calibración nos dará una equivocada lectura del color, que a veces es muy difícil de corregir.

5.

TIPOS DE SENSIBILIDAD Y SOPORTES FOTOGRÁFICOS

En la unidad anterior, hemos visto que los soportes fotográficos son dos:

la película y el sensor electrónico (CCD, CMOS, X3). Ambos soportes deben

tener un tipo de sensibilidad hacia luz, pues son ellos quienes reciben el haz

luminoso y lo transforman en imagen. El sensor electrónico ha basado sus

características de sensibilidad directamente de la película, de la cual ha tomado

incluso nomenclaturas relacionadas directamente con el grano fotográfico.

Básicamente, la sensibilidad está relacionada al grado de reacción a la luz. A

mayor o menor sensibilidad del soporte, mayor o menor será su rapidez para

reaccionar con la luz.

Al escoger el tipo de película para cargar la cámara las opciones son:

película en color para ampliaciones, para diapositivas, o película para

ampliaciones en blanco y negro. Y dentro de estas categorías existen muchos

70

tipos distintos de películas. Es más fácil conseguir buenas fotografías si la

película escogida se ajusta al máximo al tema y a las condiciones lumínicas.

La cualidad más importante de la película es su sensibilidad a la luz (la

velocidad de la película). Para formar imágenes correctas, las películas lentas

necesitan mayor cantidad de luz que las rápidas, que son mucho más sensibles.

Es decir, le será más fácil hacer fotografías con poca luz utilizando película

rápida. Con más luz, la película rápida le permite seleccionar una velocidad alta

de obturación (tiempo de exposición) o, si es necesario, una abertura de

diafragma pequeña. Sin embargo, las películas rápidas tienen un inconveniente:

los granos que forman la imagen deben ser grandes a fin de poder reaccionar

rápidamente frente a una cantidad limitada de luz, y al ampliar la imagen

producen una textura arenosa. Las películas lentas tienen granos más

pequeños, y pueden dar más detalle y ampliaciones más grandes, pero a menos

que la luz sea fuerte, obligan al fotógrafo a usar velocidades de obturación muy

lentas o a abrir demasiado el diafragma. Con luz diurna normal, las películas de

sensibilidad media o media-alta proporcionan buenos resultados.

Hace varios años la velocidad de la película se indicaba en ASA

(American Standard Asociation) o en DIN (Deutsche Industrie Norm). La

indicación en ASA se trasladó al nuevo sistema ISO (International Standard

Organization) para designar la sensibilidad. Por tanto, los valores de ASA son

los mismos en ISO, sistema que actualmente clasifica las películas por su

sensibilidad a la luz. Al doblar o reducir a la mitad el número ISO se reduce o

dobla la sensibilidad. Un cambio de sensibilidad requiere ajustar el diafragma o

la velocidad de obturación.

En el soporte digital, los valores de ISO indican también la “sensibilidad”

con la que va a trabajar el sensor, dependiendo de la luz dominante en un lugar.

Esto es sólo una referencia, pero el principio es el mismo, pues una mayor

cantidad de píxeles serán más sensibles que una menor cantidad. La

clasificación de películas, de acuerdo a la sensibilidad, según los valores de

ISO es:

- Películas lentas: 8, 10, 12, 16, 20, 25, 32, 40, 50, 64, 80, 100.

- Películas de velocidad media: 125, 160, 200, 250, 320.

- Películas rápidas: 400, 500, 640, 800, 1000, 1250, 1600, 2000, 2500,

3200, 4000, 5000, 6400.

71

La selección de una determinada sensibilidad está en función del tema

fotográfico que desarrollemos y de las características que la delimiten. Si

tenemos que hacer un reportaje gráfico sobre una manifestación en las calles,

nos convendría utilizar una película rápida. Pero si tenemos que hacer fotos con

el máximo de calidad (como en la publicidad o en ciertos reportajes de turismo),

lo mejor sería elegir una sensibilidad lenta, puesto que habrá más detalle y la

posibilidad de ampliación será mayor.

Bajo estos principios, señalaremos tres tipos de sensibilidad que Actúan

de igual manera en los soportes fotográficos:

a. Películas lentas o de grano fino. Ideales para fotos que requieren

gran calidad o ampliación. Necesitan una fuente de luz grande, o bien un tiempo

de exposición prolongado por lo que, dependiendo de la luz y el motivo, se

puede requerir el uso de trípode. En el campo digital, la sensibilidad lenta aún

no ha podido alcanzar velocidades menores de 100 ISO.

Para obtener detalle lo mejor es una película lenta. En la foto, se ha utilizado película Kodachrome 25 para diapositivas de grano fino (ver detalle ampliado al microscopio). Es una película utilizada en alta publicidad.

72

b. Películas de velocidad media o de grano mediano. Se utilizan en

condiciones lumínicas normales. Dan buenos resultados porque no exigen abrir

el diafragma totalmente y el grano permite ampliaciones medianas. Las digitales

también presentan valores de sensibilidad media, que pueden utilizarse con los

mismos resultados.

Esta imagen del interior de un globo se hizo con película Kodak Ektachrome 125.

c. Películas rápidas o de grano grueso. Se utilizan en condiciones de

poca luz o para temas de acción, como los deportes, ya que pueden congelar el

movimiento al utilizar una velocidad rápida de exposición o porque están

diseñadas para trabajar con flashes incorporados a la cámara o externos de

tamaño mediano. Las películas lentas también pueden trabajar con flashes, pero

generalmente las fotografías deben realizarse en estudio y con una buena

potencia lumínica.

En el caso de las cámaras digitales, los valores de sensibilidad rápida

producen pixeleado a partir de 600 ISO. Solo los modelos más avanzados (y por

ende más costosos) pueden hacer fotos a velocidades altas (1600 o 3200 ISO)

sin que haya una presencia molesta de los pixeles. Incluso se puede forzar el

sensor para simular velocidades de 6400 ISO, pero el pixeleado es notorio.

73

Este edificio tenía luz suficiente para ser fotografiado sin trípode y con película Kodak Ektachrome de 400 ISO. Nótese la presencia de los granos en la parte inferior derecha.

Recordemos que, además de ser el fotógrafo quien selecciona el tipo de

sensibilidad para cubrir un determinado tema, en el reportaje fotográfico primará

el carácter testimonial de la foto, quedando el valor estético relegado a un

segundo plano. Hay que ser prudentes con respecto a este punto, pues, por un

lado, un tipo de sensibilidad puede hacer que una foto se convierta en una

prueba real sobre un hecho, mientras que otro hará posible que una foto se

aprecie por su detalle, su nitidez, su riqueza en color.

74

C.

CONTROLES Y MÉTODOS DE EXPOSICIÓN. CONTROLES MANUALES

Los principios básicos de la exposición correcta se refieren al control del

diafragma y el tiempo de exposición. La cámara digital dispone (o puede disponer en

función del nivel de prestaciones de cada modelo) de diversos modos de exposición

que permiten automatismos o preseteados diversos. Veamos los más habituales.

En el modo de programas predeterminados se presentan diversas situaciones

en las que la cámara lleva a cabo los ajustes considerados idóneos para cada

situación, e incluso presenta ayudas en pantalla en los casos, por ejemplo, de hacer

registros panorámicos o de las tomas macro. Habitualmente se encuentran diversos

programas mediante los cuales se hace trabajar a la cámara en base a las

necesidades de cada tema. Así, por ejemplo, en el programa de retrato se prioriza el

enfoque sobre el motivo más cercano, en el de deportes se da prioridad a las

velocidades de obturación altas y en el de panorámicas se presenta una digitalización

parcial de la imagen que se acaba de captar, para ayudar a situar el encuadre

correspondiente.

El modo “P” (Programmed Auto)

En este modo la cámara programa automáticamente la combinación de

velocidad de obturación y abertura de diafragma que considera favorable para cada

situación lumínica. En función de la luz disponible se ajustan los controles para lograr

una exposición correcta, y en la mayoría de los casos el resultado es el correcto.

Sin embargo, en este modo de exposición es posible modificar las

combinaciones de velocidad / abertura que ofrece la cámara de modo predeterminado.

En función del modelo que estemos utilizando normalmente, existe algún tipo de

control que permite variar estas combinaciones mediante la compensación de la

exposición o bien mediante el horquillado automático. Pero esto no influye en la

profundidad de campo ni asegura que no exista una posible trepidación de la imagen

cuando se emplean velocidades largas.

La fotografía de viajes es una de las muestras del uso de los automatismos de

la cámara. La idea generalizada es la de llegar y disparar. No obstante es importante

señalar dos cosas. En primer lugar la medición de la luz. Por más automatismos o

preseteados que funcionen en la cámara es el fotógrafo quien observa la escena y

decide el lugar hacia el que apunta la cámara para medir la luz. En segundo lugar la

75

composición. Recordemos que de la escena típica a la toma creativa simplemente

media la capacidad de ver.

El modo “S” (Shutter Priority)

La cámara se coloca en el modo de exposición de prioridad a la velocidad de

obturación. Esto significa que el fotógrafo selecciona manualmente la velocidad de

obturación, y la cámara ajusta por correspondencia el valor de diafragma adecuado

para lograr la exposición correcta.

Habitualmente, la cámara dispone de un sistema de aviso en el caso de que el

fotógrafo seleccione unos valores de obturación que provoquen una exposición

incorrecta. Es el caso de escoger, por ejemplo, una velocidad de obturación muy alta

cuando existe poca luz ambiental. Como el diafragma no puede abrirse

indefinidamente a partir de un valor la fotografía quedará subexpuesta, salvo que

contemos con un lente luminoso o hayamos seleccionado una sensibilidad alta, para lo

cual, además necesitaríamos una cámara profesional que nos permita trabajar con

esta opción sin el correspondiente pixeleado (o granulación) al momento de ampliar.

Esta modalidad de exposición resulta adecuada cuando trabajamos con

motivos en movimiento que precisamos reproducir nítidamente. Como el congelado del

movimiento de las olas. La fotografía de deportes es la referencia de uso de este tipo

de programas. En ella se utilizan velocidades de obturación altas para congelar

situaciones que habitualmente tienen lugar de forma acelerada y rápida.

El modo A (Apertura Priority)

Esta modalidad es inversa a la anterior y significa que la cámara se coloca en

el modo de exposición de prioridad a la abertura. El fotógrafo selecciona un valor

concreto de diafragma, y la cámara ajusta el valor necesario de obturación para lograr

la exposición adecuada.

Como en el caso anterior, es preciso estar alerta para no escoger un valor que

motive una sub o sobreexposición. En este modo de funcionamiento es preciso estar

alerta para que un valor de diafragma excesivamente cerrado (para una situación de

luz concreta), no obligue a utilizar una velocidad de obturación demasiado lenta. Una

combinación de diafragma 16 y obturación 2, por ejemplo, puede corresponder a una

76

exposición correcta, pero a no ser que dispongamos de trípode, y de que nuestro

motivo no esté en movimiento, difícilmente la imagen no saldrá movida.

Este modo de exposición resulta adecuado cuando precisamos controlar la

profundidad de campo. Así, por ejemplo es útil en la fotografía de paisajes o en el

retrato. En ambas situaciones normalmente pretenderemos disponer respectivamente

de poca y mucha profundidad de campo. Trabajar en este modo de exposición nos

permite controlar con mayor precisión el diafragma utilizado, y por tanto inferir las

características de enfoque o desenfoque de nuestra fotografía.

El modo M (Manual)

El fotógrafo tiene la libertad total de decidir los valores de diafragma y velocidad

que coloca en la cámara. Es la técnica sobre la que vamos a incidir en la guía. Así,

podemos subexponer o sobreexponer para aplicar técnicas creativas. También nos

permite exponer voluntariamente para las sombras o las altas luces.

En este modo es factible realizar exposiciones de varios minutos dejando el

obturador abierto. En las situaciones que acabamos de analizar, el control de la

exposición o bien es asumido de forma automática por la cámara (modos AUTO, P, S,

o A) o bien recae completamente en la voluntad del fotógrafo (modo M).

La mayoría de cámaras digitales tiene un dial para la elección del MODO de disparo. Para los principiantes, es recomendable empezar utilizando el modo “P”, o PROGRAM, para que la cámara realice la exposición automáticamente.

77

FUNCIONAMIENTO DEL EXPOSÍMETRO

Este sencillo mecanismo nos indicará si con los parámetros elegidos la exposición

será correcta, si la foto resultará sobreexpuesta o si por el contrario estará oscura y

como resultado obtendremos una imagen subexpuesta. Además nos informa en qué

medida está sobre o subexpuesta. Lo que trataremos de lograr en condiciones

normales siempre va a ser una exposición correcta. Por tanto, que el indicador se

encuentre situado bajo el 0.

Sabemos que una foto bien expuesta se logra si la cantidad de luz que llega al

sensor de nuestra cámara es la adecuada. Que esto sea así depende de cómo

configuremos la abertura del diafragma y el tiempo de exposición. Variar cualquiera de

estos dos parámetros incide directamente en la cantidad de luz que va a entrar en

nuestra cámara y, por tanto, en el resultado de nuestra foto.

Valores de diafragmas altos aumentan la nitidez y la profundidad de campo. Valores

de diafragmas cerrados disminuyen la nitidez y disminuyen la profundidad de campo.

La apertura nos puede dar muchas opciones para las fotos.

Algunas cámaras tienen un exposímetro visible para controlar la exposición. En otras, el resultado se verá al momento de jugar con los valores de diafragma o tiempo, pues la imagen se verá muy clara (sobre exposición) o muy oscura (sub exposición)

78

SEGUNDA UNIDAD – PARTE I

1.

LA COMPOSICIÓN FOTOGRÁFICA

En fotografía, componer es sinónimo de expresión. Al igual que en el

lenguaje literario el escritor utiliza las palabras para transmitir algo, el fotógrafo

utiliza las imágenes (y con ella el encuadre, el plano, la composición, la luz, la

técnica) para transmitir un mensaje. Este mensaje puede ser completamente

armado por el fotógrafo, o puede haber sido solamente capturado por él en un

instante preciso y, en la mayoría de ocasiones, irrepetible. En cualquier caso, la

composición se basa en ciertos principios que conviene reconocer. Primero,

para poder saber qué podemos decir, y luego, para decir lo que queremos. La

fotografía periodística, en este caso, es la que más necesita de una técnica bien

aprendida para componer con sencillez y rapidez, puesto que el fotógrafo no

tiene poder sobre los elementos que se suceden delante de su lente. Por eso es

que los principios de composición están, de alguna manera, más convenidos

para los fotógrafos que pueden alterar cada elemento del encuadre y

disponerlos de una manera única y armónica. Así, reconoceremos que en este

grupo se encuentran los fotógrafos publicitarios, los documentalistas, los

ensayistas y los artistas.

La fuerza de una imagen radica en la elección de un buen motivo y una

composición atrayente; y esto depende de la colocación de los elementos en el

encuadre. Pero, ¿cómo reconoceremos que los principios de la composición

funcionan? La única manera es estudiando lo que han hecho otros fotógrafos,

tratando de entender cuál ha sido su propuesta visual, cómo han presentado el

motivo fotográfico. Composición tiene que ver con la forma, con el cómo se

presentan las cosas. El “qué” obviamente es importante, pero la originalidad

está más asociada con la composición. Debemos, entonces, ampliar nuestros

referentes fotográficos, debatirlos, cuestionarlos, entenderlos. Luego será la

propia experiencia la que nos ayude al momento de mirar a través del visor, y la

que nos encamine a experimentar con nuevas formas expresivas.

Reconozcamos, para empezar algunos conceptos asociados a la composición y

la estética.

79

2.

LA COMPOSICIÓN Y LO ESTÉTICO

Como medio de expresión, la fotografía puede contribuir a desarrollar

plenamente la sensibilidad estética, potenciar la creatividad y permitir manejar

los aspectos visuales subjetivamente. La composición no necesariamente se

basa en cualidades técnicas, aunque éstas pueden contribuir dándonos más

recursos. La composición tiene que ver más con intuición. Lo estético se refiere

al reconocimiento de los elementos y estilos expresivos.

- La forma. Es el primer aspecto del carácter físico de los objetos, y

quizás el más importante, ya que muchas veces determina el motivo

fotográfico. Existen formas universales como los contornos (cuadrado,

triángulo, círculo) y hay una carga connotativa diferente para cada

uno de ellos. Están presentes de manera directa en nuestro entorno, y

nos proporcionan los sentidos direccionales básicos: las líneas

horizontales, verticales, diagonales y curvas. Recordemos que para

reconocer un objeto nos basta su contorno en silueta.

- El ritmo. Los motivos rítmicos se establecen a partir de los sentidos

direccionales. De arriba hacia abajo en diagonal, sinuoso en

horizontal, rígido y vertical. Pero el ritmo también puede establecerse

en profundidad, a través de la perspectiva. El ritmo nos hace pensar

en un punto de inicio y uno final; es decir, en que el motivo se

proyecte desde un primer término o que nos encontremos con él en

un último término.

- El volumen. Es el aspecto sólido y proporcional que tienen los

objetos, y que aparecen gracias al modelado que se logra con la

exploración de de luces y sombras. La dirección de la luz y su calidad,

son determinantes para conseguirlo. Los volúmenes también se

pueden presentar de varias maneras: unidos, formando un conjunto, o

separados, creando una línea de tensión. Además, podemos acentuar

los volúmenes dependiendo de sus características; hay volúmenes

rígidos, blandos, suaves, angulosos.

- La textura. La se refiere a la superficie de los objetos y que puede

representarse de tal manera que produzca una sensación de realismo

que juegue con nuestra memoria táctil. La obtención de texturas está

sometida a la disposición de las luces, su intensidad y su color. Una

80

tabla de madera, una pared de adobe, la cáscara de una naranja, por

ejemplo, pueden resaltarse de esta forma.

- La distribución. Es el primer factor del lenguaje visual. Recordemos

que el encuadre privilegia parte de la realidad. Y es una parte

escogida, en la que distribuimos los elementos hasta que sintamos

que hay armonía, equilibrio, ya sea por la forma, el ritmo, el volumen.

Explorar en el orden de los elementos requiere disciplina y paciencia.

Sobre todo porque debemos probar con los puntos de vista, con el

enfoque selectivo o con la iluminación, para que los detalles que no

nos interesan pasen desapercibidos y el motivo resalte.

- La profundidad. En fotografía, es una sensación recreada, ya que

trabajamos en un espacio bidimensional. El uso de la perspectiva

lineal puede lograr esta sensación, pero también la alteración de la

profundidad de campo para desenfocar el fondo o los primeros

términos producen un efecto parecido. Es el juego de lo próximo y lo

lejano.

- La perspectiva. Se forma a gracias a la proyección de una línea, que

puede tener principio y fin en el encuadre, o que puede culminar fuera

de este. Las líneas pueden acercarnos o alejarnos del motivo, o nos

pueden ayudar a dirigir la mirada hacia un punto en particular. Su

función principal, como ya se mencionó, es la de crear profundidad.

- El color. La presencia de los colores, además de reforzar el realismo

de una escena, deben provocar una respuesta emocional por su

relación con el motivo al que pertenecen. Las combinaciones de color

está estipuladas en la teoría del color, donde se describen qué

colores combinan, se complementan o contrastan con otros, o qué

colores intensifican la frialdad o calidez de una atmósfera. No

olvidemos que la fotografía nos da la posibilidad de utilizar también el

blanco y negro, que tiene su principal fortaleza en la combinación de

grises y el contraste que existe entre el blanco y el negro. Los

ambientes, las formas, los volúmenes, cambian con la ausencia de

color, pero se privilegian otras cosas.

- La iluminación. Existen códigos lumínicos que nos permitirán enfatizar

sensaciones de acuerdo a la disposición y la calidad de la luz.

Podemos crear sombras o atenuarlas, sugerir una actitud o afirmarla,

“llenar” un ambiente de luz o explorar con el claroscuro. La luz,

requiere en este caso, de un amplio dominio técnico.

81

3.

REGLAS DE COMPOSICIÓN

Para muchos fotógrafos, la decisión de cómo se debe encuadrar el motivo

fotográfico, es cuestión de instinto e intuición. Sin embargo, el legado que la pintura

nos ha dejado a través del tiempo, ha servido para que se establezcan importantes

sugerencias que tienen como objetivo resaltar el motivo en el encuadre. Sería

acertado tomar estas reglas como sugerencia, pero no desatender al propio instinto y

no sentirse inhibido por normas.

Empezaremos afirmando que el centro del encuadre es el lugar más común

donde situar el motivo. Estamos acostumbrados a mirar las cosas centralmente, pero

esto no funciona al tener un área específica sobre la cual trabajar. Un tratamiento

central del tema resulta poco interesante, y se obtiene como resultado,

frecuentemente, que el objeto fotografiado se vea demasiado insignificante,

minimizado por un fondo que aporta poco a la composición. A pesar de esto, un

tratamiento central del tema puede resultar particularmente idóneo cuando la

composición es de carácter altamente geométrica y lineal, o cuando se busca simetría

y el fotógrafo quiere subrayar este carácter. Tratemos de desplazar el objeto del centro

geométrico a otras zonas y consideremos lo que resulta más efectivo para cada tema

en particular. Revisaremos las tres reglas de mayor importancia en composición:

A. Los puntos áureos o la intersección de los tercios.

La forma más habitual de conseguir una composición satisfactoria y

equilibrada es usar “la intersección de los tercios”. Durante siglos los pintores

han hecho uso de esta fórmula. Sin embargo, debemos tratar de no aplicar esta

regla de manera rígida a toda composición, ya que debe estar a disposición del

motivo y no al revés. Por ejemplo, si tenemos como tema un árbol, empezaremos

por colocarlo en uno de los dos tercios de las líneas verticales. Esta posición puede

dar más satisfacción artística que la composición central.

Los puntos áureos se consiguen dividiendo el encuadre en tercios, tanto

horizontal como verticalmente. La intersección de los tercios produce cuatro

puntos ideales en los que emplazar o situar el tema. Podemos utilizar uno de los

puntos, o más, pero se debe sentir esa presencia compositiva. Es muy

importante no descuidar el fondo y la iluminación en cada encuadre.

82

Los puntos áureos ayudan a destacar uno o más elementos en el encuadre. La premisa es dejar de utilizar el centro como lugar de destaque en el encuadre. El rostro del personaje se encuentra en punto áureo. Además, hay una relación directa y de complemento con los dibujos de la derecha.

83

Un solo elemento puede destacar en un fondo parejo gracias a los puntos áureos. A la derecha, las personas pueden destacarse en vertical y usando 2 puntos para componer. Los niños destacan por su posición en un solo punto de composición. El entorno complementa. A la derecha, el rostro en punto áureo y el pastel en el correspondiente.

84

Alternativas más expresivas

El hecho de colocar el tema descentrado en cualquier dirección es uno de los

muchos caminos para reforzar la expresividad de una fotografía, y “obliga” al ojo a ir

directamente al tema. Pero, ¿qué sucede respecto al espacio creado cuando

desplazamos un tema fuera del centro? Pues que en numerosos casos, como los

expuestos en las fotografías anteriores, el espacio se convierte en un factor de

equilibrio compositivo. También puede el fotógrafo hacer uso del espacio en sentido de

dar mayor información en cuanto al tema. Es pertinente dejar mucho espacio en torno

al objeto cuando deseamos reforzar la impresión de soledad o aislamiento. En este

caso el espacio en torno al objeto es tan vital como el propio objeto.

Lo propuesto no significa que todo objeto debe ser colocado fuera del centro de

la composición. No debemos dejar de probar alternativas diversas antes de efectuar la

toma fotográfica. ¿Y si no podemos desplazar el objeto? Pues desplacemos la

cámara, y efectuemos varias tomas cambiando los puntos de vista, para variar el

emplazamiento del objeto. En el supuesto de que no podamos desplazarnos ni

nosotros ni el objeto, siempre podremos cambiar de objetivo, lo que implica un cambio

de ángulo de visión y la posibilidad de ensayar el uso de diferentes focales.

B. El horizonte.

Decidir dónde situar el horizonte es una forma importante de dar énfasis al

sujeto y de equilibrar la foto en su conjunto. El horizonte también da un sentido de

proporción a un paisaje, aunque sea una alta sierra, o un mar, o una mesa de billar. La

forma en que se equilibra la composición contribuye a dar impacto visual a lo que se

trata de comunicar.

La mayoría de las cámaras toman fotografías con formato rectangular. Esto nos

brinda la posibilidad de componer fotografías horizontal o verticalmente, como hemos

visto en los tipos de encuadre. Las fotografías horizontales, con el horizonte

atravesando la fotografía, tienden a dar énfasis al espacio de izquierda a derecha. La

vista sigue la línea del horizonte de forma parecida a como se sigue una línea de

escritura cuando se lee. La utilización de este formato da a las fotografías una

impresión de “espacios abiertos”, pero existe la posibilidad de incluir algún objeto en

primer término para dar un sentido de proporción y de perspectiva a la imagen.

85

Las fotografías verticales pueden proporcionar un marcado sentido de la

profundidad según como se maneje el horizonte. El ojo tiende a “leer” la escena desde

el primer término hacia atrás y hacia arriba. Con un punto de vista alto se pueden

incluir muchos detalles de forma natural en este tipo de composición, pues el paisaje

se extiende desde los pies del espectador hasta el horizonte y hasta el cielo. Cuando

el tema sea un paisaje, se debe empezar tratando de componer horizontalmente y

luego verticalmente a través del visor o de un marco.

La posición del horizonte no debe ser al medio del encuadre, pues se divide en

dos partes iguales y puede darse una sensación de inestabilidad. Si se quiere crear un

efecto más dramático probemos poner la línea del horizonte más arriba o abajo. Una

de las fórmulas que impusieron los pintores del Renacimiento se basó en un tercio de

cielo y dos de tierra, y sigue siendo válido para componer en fotografía. Al parecer, al

ojo humano esta proporción le resulta armoniosa, le da un equilibrio satisfactorio.

Veamos algunos ejemplos.

El horizonte puede ayudarnos a realzar un motivo fotográfico. La regla nos propone no “partir”

el encuadre en dos mitades iguales.

86

El horizonte sirve de marco para resaltar al personaje en la playa. Combinemos reglas. El personaje también destaca por puntos áureos.

Los 2/3 hacia abajo pueden dar una sensación de equilibrio, ya que es la relación natural entre

un ser humano y el horizonte.

87

C. Los términos.

Al momento de encuadrar y disponer los objetos de manera que se

combinen armónicamente, debemos tener en cuenta que podemos crear una

sensación de profundidad al utilizar los términos, es decir, los elementos que se

encuentran cercanos o lejanos a nuestra posición, para distribuirlos utilizando

la profundidad de campo. Las fotos siguientes, nos muestran cómo podemos usar los términos para

destacar un elemento en el encuadre. Podemos combinar varias reglas de

composición para crear una foto más impactante y armónica.

Alterando la profundidad de campo podemos usar el enfoque selectivo para resaltar términos

por desenfoque.

Hemos visto que la profundidad de campo se ve alterada por la distancia

focal. Probemos con utilizar el máximo focal de nuestras cámaras para forzar el

desenfoque. También podemos utilizar el macro para enfocar un objeto pequeño

cercano a la cámara, pero con un plano abierto para que hayan objetos detrás

que se puedan desenfocar. Más adelante vernos cómo forzar la profundidad de

campo utilizando el diafragma.

88

Términos desenfocados en primera fila. La línea y el punto áureo hacen el resto para reforzar la

composición.

4.

DISPOSICIÓN BÁSICA DE LAS FUENTES DE LUZ

Si bien la intensidad de la fuente de luz es, probablemente, el factor que en

mayor medida afecta a la calidad de la iluminación, su posición no deja, obviamente,

de tener importancia. Los cambios de posición pueden alterar la iluminación, cuando la

fuente de luz es pequeña o cuando los motivos reflejan luz, pero en la mayoría de los

casos no se produce ningún efecto de consideración si se desplaza la luz hacia arriba

o hacia abajo. Por tanto, es más práctico, generalmente, reducir las posiciones básicas

de iluminación a cinco o seis: frontal, desde arriba, lateral, de medio lado, posterior y,

quizá también, desde abajo.

Elección del ángulo La posición de la luz produce dos efectos muy diferenciados. Uno es subjetivo:

el ángulo de iluminación puede estar asociado con diferentes situaciones y puede

tener determinadas connotaciones emocionales. Por ejemplo, la iluminación de una

cara desde bajo puede producir un efecto muy siniestro, mientras que la iluminación

desde arriba crearía una atmósfera reverencial, o dura.

89

El otro efecto de la posición de la luz es objetivo: tiene que ver con la clase y

cantidad de información que puede aportar respecto al tema. En otras palabras,

desplazando la luz alrededor de un sujeto, el observador puede apreciar más o menos

sombra, mayor o menor área iluminada, zonas que destacan más o menos. La

elección de ángulo dependerá, entonces, de lo que se quiere destacar, de cuál parte

se desea iluminada y cuál en sombra y de la información que quiere dar acerca del

sujeto. Tratándose, por ejemplo, de objetos pequeños y reflectantes, lo que revela su

textura y configuración es la forma y lugar en que se quiebra la línea de reflejo. Así,

pues, una superficie lisa y brillante, tal como el suelo mojado, no mostrará mucho

detalle.

Disposición del área iluminada

El área iluminada es la que comunica el color del motivo; por tanto, al ser la

iluminación frontal o medio frontal la que consigue una mayor zona iluminada, es

también la que muestra la mayor extensión de color. Como ejemplo, las naranjas

sirven de ilustración a lo que ocurre cuando un objeto semi-mate recibe la luz de una

fuente de iluminación pequeña desde cinco ángulos diferentes.

i. Iluminación desde arriba y lateral

: la mitad del objeto queda en sombra.

Buena para mostrar la textura y el modelado. Debemos tener en cuenta que el fondo

que elijamos tendrá también una característica expresiva en este tipo de fotos.

Iluminación desde arriba. Iluminación lateral.

90

ii. Iluminación posterior

: Produce una sombra muy amplia y una zona de

contraste pequeña, pero muy destacada. La línea que separa la zona iluminada

de la de sombra muestra claramente la forma y textura del motivo. Usaremos

esta luz para destacar la forma del fondo y dar sensación de profundidad. La luz

resalta el borde e insinúa parte del objeto.

Iluminación posterior.

iii. Iluminación frontal

: Produce buen color, pero poco modelado o textura. Con

esta iluminación no hay prácticamente ningún área de sombra y el borde queda

casi fuera de visión. Nos da también bastante saturación de color, ya que el

área iluminada está hacia el frente. Las imperfecciones de la textura

desaparecen. El reflejo se produce prácticamente en el centro de cada objeto y

esto puede resultar molesto, especialmente en los retratos, en los que aparece

en los ojos.

Iluminación frontal.

91

iv. Iluminación de medio lado

: muestra el equilibrio entre la iluminación de lado

y la frontal. La iluminación de medio lado hace que el borde de sombra destaque

a la vista, al tiempo que presenta algo más de zona iluminada y menos sombra

que con iluminación lateral. Es un ángulo práctico para trabajar con él y,

probablemente, se hacen más fotografías con esta iluminación que con ninguna

otra.

Iluminación de medio lado.

Disposición de los reflejos

La luz hará destacar unas zonas u otras según de donde provenga. Un

objeto redondo siempre mostrará reflejos. Un objeto plano puede que los

muestre en los bordes. Pero la mayoría de los objetos son una combinación de

superficies planas y redondeadas y, por tanto, en ellos puede lograrse que los

reflejos estén allí donde se desea. Por ejemplo, se puede conseguir por medio

de reflejos que destaquen los surcos de la frente o las arrugas de los ojos.

Los perfiles de objetos fotografiados sobre un fondo oscuro pueden

reforzarse modificando el ángulo de incidencia de la luz de manera que brille un

reflejo a todo lo largo. Sin embargo, esta técnica sólo puede dar resultado

cuando el reflejo es suficientemente vivo, es decir, cuando el objeto tiene una

superficie pulida o semi pulida.

Disposición de la sombra

Tratándose de objetos mate, y en cierta manera también en los semi

mate, la distribución de la sombra realza el modelado de su forma y su textura,

92

o, mejor aún, el área donde la zona iluminada se funde con la sombra. El borde

de la zona de sombra puede emplearse de modo exactamente igual a como se

utiliza la línea de reflejo a lo largo de una superficie pulida.

Por ejemplo, al fotografiar el frente de un edificio, el fotógrafo

normalmente esperará hasta que el Sol esté en aquella posición en que su luz

incida sobre la superficie, de manera que destaquen todos los detalles

artísticos. Unos pocos minutos antes, la fachada habría estado en sombra y la

única luz que la habría iluminado habría sido la reflejada por una zona amplia,

como los alrededores y el cielo. Unos minutos más tarde estaría totalmente en

el área iluminada (situación buena para captar el color, pero desfavorable

probablemente para que los detalles artísticos, la forma y la textura destacaran).

Pero durante unos minutos toda la fachada está en límite sol/sombra. De igual

modo, el fotógrafo de naturaleza muerta o en reposo gira la rebanada de pan

hasta que su superficie queda al filo de la sombra o el retratista hace que el

borde de sombra señale las arrugas de su modelo. Tengamos en cuenta esta

característica y recomendaciones para las fotos en las que empecemos a jugar

con la luz.

93

SEGUNDA UNIDAD – PARTE II

A.

EL FLASH. CARACTERÍSTICAS. TIPOS.

El flash es un dispositivo electrónico que emite un destello regulado de

luz en el momento de tomar una fotografía. Este destello es de muy corta

duración y relativamente de gran potencia. La finalidad de este dispositivo es la

de añadir iluminación a nuestra fotografía, a veces por condiciones adversas de

luz o para rellenar una escena o motivo. Todas las cámaras fotográficas

compactas y semi profesionales de hoy en día están dotadas con este

dispositivo, e incluso ya muchos teléfonos móviles que incorporan cámara, pero

no siempre hacemos un uso apropiado del mismo, lo que perjudica

notablemente la calidad de nuestras fotografías.

La potencia de un flash, es decir la máxima distancia a la que se

conseguirá una exposición correcta, está definida por su NUMERO GUÍA (NG) y

figura en las instrucciones y hojas técnicas de todos los flashes. El número guía

(NG) es la unidad de medida de la potencia del destello que emite el flash,

establecida a su vez por el fabricante para 100 ISO.

Características

- Su temperatura de color es similar a la del sol 5.500ºK, y permanece

siempre constante.

- A la larga resultan más baratos que las bombillas, puesto que pueden

usarse por tiempo indefinido.

- Producen una iluminación más intensa sin desprender apenas calor.

- La extremada rapidez de destello de un flash normal - de 1/500 a

1/30.000 de segundo permite congelar cualquier movimiento por rápido

que sea.

Un flash, al ser un foco de luz directo, cumple estrictamente la ley del

cuadrado inverso y emite siempre la misma intensidad de luz, por lo tanto nos

están permitidas tres formas de control:

1. Variar la distancia entre el flash y el sujeto, teniendo en cuenta que

cuando la distancia se reduce a la mitad la iluminación lo hace siempre a

la cuarta parte.

94

2. Cerrando o abriendo el diafragma podemos controlar también el nivel de

iluminación. Recordemos que al cerrar dos puntos el diafragma, la

iluminación se reduce a la cuarta parte.

3. Acortando el brevísimo tiempo de destello del flash, puede controlarse

también la exposición. Esto, aunque resulta imposible de realizar por el

fotógrafo, lo consiguen perfectamente la mayor parte de los nuevos los

flashes automáticos TTL. Con estos flashes, y dentro de ciertos límites,

no hace falta tener en cuenta la distancia flash-sujeto, y en algunos ni

siquiera el diafragma.

Tipos de flash

El flash automático o integrado

Es un dispositivo integrado a la estructura de la cámara réflex, aunque

las cámaras réflex profesionales no lo presentan de esta forma, pues tiene solo

una zapata para conectar un flash manual externo. El funcionamiento del flash

automático está basado en un sensor situado en el mismo flash que regula la

potencia del destello según la luz reflejada por el objeto.

Se considera un sistema muy rápido, pero en condiciones un tanto

especiales de luz, puede provocar una exposición errónea. Para tener un

correcto funcionamiento, en primer lugar se debe ajustar la sensibilidad del

sensor (en el caso de las digitales), y el diafragma en función de la distancia del

tipo de flash automático que estemos utilizando.

Los flashes integrados emiten un destello entre 30 y 50 w de potencia, dependiendo del modelo de fabricante, seleccionado en modo normal.

95

La mayoría de cámaras compactas y semi pro tienen una serie de

opciones para controlar el flash integrado. Algunas de estas son:

- Modo automático (AUTO): en éste modo es la cámara la que

decide si debe usar el flash o no. La decisión se hace dependiendo de la

cantidad de luz ambiente. La cámara esta dotada con un sensor de

iluminación conocido como LDR que en función de si hay más luz

desactiva el flash, o si hay poca luz lo activa. Es la opción por defecto y la

más adecuada para los principiantes.

- Modo desactivado: el flash queda desactivado y no emite destello

aunque no haya luz.

- Modo activado: el flash emite destello siempre.

- Modo de sincronización lenta (SL): el flash se emite cuando la

velocidad de obturación es más lenta, mientras se mantiene abierto el

obturador, pues de ésta forma se consigue coger más luz ambiente (de

fondo) y luz iluminada por el flash es para objetos próximos.

96

B.

FUNCIONES AVANZADAS DE LAS CÁMARAS DIGITALES

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98

99

TERCERA UNIDAD

A. EL TEMA FOTOGRÁFICO

Un tema fotográfico puede estar definido por varios motivos. Puede ser una

búsqueda expresiva o estar delimitada por un sentido periodístico si se trabaja para un

medio de comunicación.

Actualmente la fotografía tiene tres líneas principales de acción. Por un

lado está el campo del reportaje gráfico, cuya finalidad es registrar el mundo

exterior tal y como se muestra ante nosotros, convirtiendo las imágenes en

testimonios reales, fidedignos. Por otro lado, está la publicidad, que utiliza una

amplia gama de sofisticadas técnicas, y que marcado patrones culturales en

todos los niveles. Por último, tenemos la fotografía como manifestación artística,

cuya finalidad es enteramente expresiva e interpretativa. A pesar de todo, no

debemos dejar de lado la fotografía como búsqueda personal y que se ha

convertido en aliada de millones de fotógrafos aficionados que están a la caza

de imágenes que después compartirán a través de diversos mecanismos.

Cada uno de los temas mencionados requiere de una propuesta sólida y

diferente. Abordaremos aquella que se refiere al reportaje gráfico, por el interés

social que genera y porque como comunicadores debemos tener una actitud

frente a lo que pasa en el mundo real.

A continuación detallamos un proceso metodológico para abordar un

tema periodístico:

a) Independientemente de si se trabaja de un medio de comunicación, debemos

reconocer un tema. Recuerde que hay temas que conllevan ciertos riesgos y el

desarrollo del mismo debe estar sujeto a su capacidad y a las posibilidades

reales de abordarlo. Por ejemplo, la prostitución es un tema clásico en el

reportaje gráfico pero conlleva un riesgo por los personajes que pertenecen a

ese mundo, generalmente lumpen y delictivo. Podemos pensar tentativamente

en contaminación ambiental, el barrio chino, iglesias de Lima, iconografía

religiosa, etc. Escojamos un tema que no tenga un apremio de realización y

cuyo riesgo sea moderado.

100

b) Logística. Debemos tratar de acercarnos al tema antes de afrontarlo

periodísticamente. Tratemos de establecer contacto con los responsables del

tema que quiero desarrollar, averiguar si necesito permisos e investigar si se

ha realizado algún trabajo sobre el tema elegido. Conviene también hacer un

presupuesto en cuanto a movilidad, asistencia y equipo a utilizar.

c) Locación. En la medida de lo posible es recomendable visitar el espacio en el

cual desarrollaremos nuestro trabajo. Por ejemplo, si el tema fuera el

cementerio Presbítero Maestro, tendría que recorrerlo, conocer cuál es su

potencial fotográfico, las vías para llegar, los horarios, etc.

d) Determinar un punto de vista. Debemos pensar en qué queremos transmitir con

las fotos y cómo las posibilidades del encuadre (planos, ángulos, iluminación),

pueden ser favorables en el momento. Podemos incluso definir si abordaremos

el tema desde el blanco y negro o con encuadres cercanos, poderosos. Por

ejemplo, si tuviéramos como tema la iconografía religiosa de las iglesias

antiguas de Lima, la riqueza de los primeros planos de las esculturas y

estatuas sería un punto a destacar. Pero conviene también pensar en el equipo

que va a respaldar mi trabajo.

e) Preparar el equipo. La cámara, loa accesorios y todo aquello que pudiéramos

necesitar debe estar concienzudamente preparado mucho antes del día de

realización de las fotos.

f) Dejar espacio para la creatividad. A pesar de tener las cosas bien dispuestas,

el día de realización de las tomas debemos tener una predisposición a ver algo

más, a probar nuevos encuadres e incluso a descubrir un nuevo tema. Dispare

lo necesario, no todo lo que pueda.

g) Selección y edición. No dejemos que pase mucho tiempo para seleccionar y

editar las fotos. En el trabajo periodístico podemos cambiar solo niveles

básicos de brillo, color, pero difícilmente el encuadre puede ser alterado, ya

que debe primar un sentido de exposición de la verdad. El concepto de

objetividad es relativo, es cierto, pues las fotos son enteramente subjetivas,

mas no por eso carecen de veracidad.

A continuación presentamos un trabajo de reportaje fotográfico sobre niñez y

pobreza en el distrito de Ventanilla, Lima, Perú.

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CUARTA UNIDAD

A.

SOFTWARE PARA EDICIÓN DE FOTOGRAFÍAS

Manual de Picasa Picasa es el software de gestión fotográfica gratuito de Google que te ayudará a

encontrar, editar y compartir tus fotos en cuestión de segundos. Te recomendamos

que imprimas esta breve descripción de las funciones principales de Picasa y la

consultes cuando utilices el programa por primera vez, para aprender a utilizar las

nuevas funciones más rápidamente.

Picasa te ayudará a encontrar y organizar todas tus fotos Cuando inicies Picasa, el programa explorará tu disco duro para buscar y organizar

automáticamente todas las fotos. Picasa buscará los siguientes tipos de archivos de

fotos y de película:

· Tipos de archivos de foto: JPG, GIF, TIF, PSD, PNG, BMP, RAW (incluidos NEF y

CRW). Los archivos GIF y PNG no se exploran de forma predeterminada, pero puedes

habilitarlos en el cuadro de diálogo Herramientas > Opciones.

· Tipos de archivos de película: MPG, AVI, ASF, WMV, MOV.

Si realizas la actualización desde una versión anterior de Picasa, es probable que

desees conservar la base de datos existente, que contendrá todos los cambios de

organización y ediciones de fotos que hayas realizado. Para transferir toda esta

información, basta con instalar Picasa sin desinstalar la versión anterior que se

encuentra en el equipo. Al iniciar Picasa por primera vez, el programa te preguntará si

deseas transferir la base de datos existente. Cuando el proceso haya finalizado,

podrás desinstalar Picasa.

Vista "Biblioteca" Picasa organiza automáticamente todos los archivos de fotos y de película en

colecciones de carpetas dentro de la vista principal "Biblioteca".

Distribución de la pantalla principal "Biblioteca":

1. Lista de carpetas

La lista de la izquierda de la vista "Biblioteca" de Picasa muestra todas las carpetas del

equipo que contienen fotos y todos los álbumes que has creado en Picasa. Estas

carpetas y álbumes están agrupados en colecciones, que se describen en la siguiente

sección. De forma predeterminada, la lista de carpetas se ordena por fecha de

creación. Para cambiar el modo en el que se clasifica la lista, ve a “Vista” > “Vista de

carpetas”.

108

2. Bandeja de fotos y opciones de impresión

La “bandeja de fotos” se utiliza para recopilar fotos y películas de una o varias

carpetas o álbumes para que sea posible trabajar con ellas como grupo. El botón

“Añadir a” y todos los botones de opciones de impresión (“Imprimir,” “Correo

electrónico,” “Collage,” “Hello,” “BlogThis!,” “Encargar ” y “Exportar”) llevan a cabo sus

acciones respectivas utilizando las fotos que están en la “bandeja de fotos”. De forma

predeterminada, la selección actual se coloca en la “bandeja de fotos”. Para mantener

estos elementos en la “bandeja de fotos” mientras seleccionas más, haz clic en el

botón “Retener”. También puedes arrastrar y soltar elementos en la “bandeja de fotos”

y se retendrán automáticamente Para eliminar un elemento retenido, selecciónalo en

la “bandeja de fotos” y haz clic en “Borrar”. Cuando estés satisfecho con el contenido

de la “bandeja de fotos”, puedes hacer clic en cualquiera de los botones de opciones

de impresión o en el botón “Añadir a” para llevar a cabo la acción correspondiente en

todos los elementos de la “bandeja de fotos” al mismo tiempo.

3. Cuadro de selección La parte derecha de la vista "Biblioteca" muestra miniaturas visuales de las fotos (y

películas) correspondientes a las carpetas y álbumes de la lista de carpetas.

Para modificar el tamaño de las miniaturas, utiliza el deslizador de la esquina inferior

derecha del cuadro de selección o utiliza el menú “Vista” para seleccionar un tamaño

de miniatura común. Haz doble clic en cualquier carpeta o encabezado de álbum para

editar el título, la fecha, el lugar de realización o la descripción. En el caso de las

carpetas, puedes hacer clic en el icono de carpeta de gran tamaño del encabezado

para abrir la carpeta correspondiente en el Explorador de Windows. Pulsa las teclas de

flecha arriba y abajo del teclado o utiliza la barra de desplazamiento del extremo

derecho para desplazarte por el cuadro de selección.

NOTA: Sólo las carpetas y álbumes visibles en la lista de carpetas aparecerán en el

cuadro de selección. Las carpetas de las colecciones cerradas no se mostrarán.

Colecciones Carpetas Esta colección muestra las carpetas del equipo que contienen fotos o películas,

ordenadas por fechas, con los nombres de carpeta originales, tal y como aparecen en

el disco duro del equipo. Los cambios realizados en las carpetas de la colección

afectarán a las carpetas correspondientes en el disco duro del equipo. Al cambiar el

nombre de una carpeta en Picasa, también se modificará en el Explorador de

Windows.

· Establece las fotos y las carpetas que deben aparecer. Sólo las carpetas que

hayas definido para que Picasa incluya en sus búsquedas aparecerán en esta

109

colección. Para modificar las carpetas del disco en las que Picasa debe buscar fotos,

selecciona “Administrador de carpetas” en el menú “Herramientas”. Utiliza los valores

de este cuadro de diálogo para seleccionar o anular la selección de las carpetas que

Picasa debe incluir en la búsqueda, escogiendo una de entre las siguientes opciones:

“Explorar una vez,” “Eliminar de Picasa” y “Explorar siempre”.

· Mueve fotos entre carpetas. Selecciona una foto. Utiliza el ratón para arrastrar la

foto hasta su carpeta nueva y soltarla. Para seleccionar más de una foto, mantén

pulsada la tecla Mayús del teclado mientras seleccionas las fotos. Si mueves una foto

a una carpeta diferente del disco, Picasa te recordará que estás a punto de mover el

archivo real en el disco duro del equipo. Haz clic en el botón “Aceptar” para mover la

foto a la nueva ubicación. Nota: Mover fotos entre carpetas en la colección “Carpetas”

afectará a la ubicación física en el disco duro.

· Edita las descripciones de las carpetas. Haz doble clic en el título de cualquier

carpeta para abrir el cuadro de propiedades de dicha carpeta. Introduce una

descripción. También puedes modificar la fecha, el lugar de realización o la

descripción de la foto. Cualquier información descriptiva que añadas podrá incluirse en

las búsquedas realizadas en Picasa. Pulsa el botón “Aceptar”. Al modificar el nombre

de una carpeta en Picasa, se modificará el nombre de la carpeta real en el disco duro

del equipo.

· Eliminar una foto de una carpeta. Selecciona una foto, accede a “Archivo” >

“Eliminar del álbum”, o, sencillamente, pulsa la tecla Supr del teclado. Picasa te

recordará que vas a enviar el archivo a la papelera de reciclaje del equipo. Haz clic en

“Aceptar” para eliminar la foto.

Álbumes Esta colección contiene los álbumes creados en Picasa. Puedes utilizar los álbumes

para agrupar y organizar las fotos según tus propios criterios e identificarlas con una

palabra sencilla o un título. Por ejemplo, puedes crear el álbum “Flores” para agrupar

todas tus fotos de flores o el álbum “Viaje a Portugal” para organizar las fotos de tus

últimas vacaciones. A diferencia de la colección “Carpetas”, que coincide de forma

exacta con las ubicaciones de carpetas del equipo, los álbumes no se corresponden

con carpetas físicas del disco duro. Los álbumes sólo existen en Picasa y son una

especie de "lista de reproducción virtual" de las fotos que has agrupado. Si eliminas o

mueves fotos dentro de la colección "Álbumes", los archivos originales seguirán en sus

ubicaciones originales en el disco duro. Puedes añadir la misma foto a varios álbumes

sin necesidad de crear varias copias de la misma foto en el disco. Cualquier edición

que realices en una foto de un álbum se aplicará a todas las versiones de la foto en

Picasa, incluida la original de la colección "Carpetas".

110

· Crea un álbum nuevo. En primer lugar, selecciona una o varias fotos (no se puede

crear un álbum vacío). Selecciona “Archivo” > “Nuevo álbum” para crear un álbum

nuevo en Picasa con las fotos seleccionadas. Puedes lograr el mismo resultado

seleccionando una foto, haciendo clic en el botón “Añadir a” en la parte derecha de la

bandeja de fotos y seleccionando “Nuevo álbum” en la lista emergente.

· Añade una foto a un álbum existente. La misma foto se puede asignar a varios

álbumes en Picasa. Selecciona una foto, haz clic en el botón “Añadir a” situado a la

derecha de la bandeja de fotos y selecciona un álbum existente en la lista emergente.

· Edita las descripciones de los álbumes. Haz doble clic en el título de cualquier

álbum para abrir el cuadro “Propiedades del álbum”. Introduce una nueva descripción

para el álbum. También puedes modificar la fecha, el lugar de realización o la

descripción del álbum. Cualquier información descriptiva que añadas podrá incluirse

en las búsquedas realizadas en Picasa. Cuando hayas terminado, haz clic en el botón

“Aceptar”.

· Elimina una foto de un álbum. Selecciona una foto. Haz clic con el botón

secundario del ratón y selecciona “Eliminar del álbum” en el menú contextual o pulsa la

tecla Supr del teclado. Nota: Al eliminar una foto de un álbum no se elimina el archivo

original del disco duro del equipo.

· Reorganiza las fotos de un álbum o entre varios álbumes. Haz clic y arrastra una

foto para cambiar su orden dentro de un álbum o arrástrala a otro álbum para añadirla

a este último. Esto no afecta al orden en que se almacenan los archivos originales en

el equipo. · Nota: Un álbum de Picasa no es lo mismo que un álbum web de Picasa. La

colección de álbumes no muestra las fotos que hayas subido a la web.

De Hello Esta colección contiene las fotos recibidas de tus amigos a través del programa para

compartir fotos de forma instantánea Hello, un programa de software gratuito

complementario creado para interactuar con Picasa (para descargar el software Hello,

accede a www.hello.com). Esta colección ordena las fotos recibidas de Hello

alfabéticamente por nombres de usuarios de Hello.

Herramientas de biblioteca: En la parte superior de la pantalla de la biblioteca principal de Picasa encontrarás

varios botones que te permitirán añadir fotos a la biblioteca, ver y buscar fotos de

distintas formas y guardar fotos en un CD.

Importar Para importar fotos desde una cámara digital, conecta el hardware al equipo mediante

el dispositivo de conexión habitual, como un cable USB o la base de la cámara. Abre

Picasa. Haz clic en el botón “Importar” y selecciona el dispositivo o la carpeta

111

correspondiente en el menú desplegable (la cámara debería detectarse

automáticamente). Las fotos empezarán a aparecer automáticamente en la “Bandeja

de importación”. Cuando las fotos hayan terminado de cargarse, haz clic en el botón

“Finalizar”. Picasa guardará las carpetas en el equipo (en la carpeta que decidas crear

dentro del directorio "Mis imágenes") y las mostrará en la colección “Carpetas”.

Presentación de diapositivas Selecciona una carpeta o un álbum y haz clic en el botón “Presentación de

diapositivas”.

De este modo, se abrirá el reproductor de diapositivas. Haz clic en el botón de

reproducción de la pantalla para iniciar la presentación y para que los controles del

reproductor desaparezcan. Puedes pulsar la barra espaciadora en el teclado o mover

el ratón para que los controles de la presentación vuelvan a aparecer en cualquier

momento mientras se están mostrando las diapositivas. En el modo de presentación

de diapositivas puedes girar las fotos, añadir una valoración de estrellas y modificar el

tiempo que se muestra cada diapositiva. También puedes decidir si deben mostrarse

los títulos durante la presentación marcando la casilla de verificación de títulos. Pulsa

la tecla Esc del teclado para detener la presentación y volver a la pantalla principal de

biblioteca de Picasa.

Orden crono.

La vista de orden cronológico de Picasa es otro modo de ver las fotos de las

colecciones. Haz clic en el botón “Orden crono.” y utiliza el ratón para desplazarte

hacia delante y hacia atrás por las fotos.

Grabar CD regalo Introduce un CD en blanco en la unidad con capacidad de escritura del equipo,

selecciona las fotos o un álbum y haz clic en el botón “Grabar CD regalo”. En la

pantalla “Crea un CD de regalo”, las fotos con una marca de verificación se incluirán

en el CD de regalo. Anula la selección de las fotos que no desees incluir. En el paso 1,

haz clic en el botón “Añadir más” si deseas añadir fotos al CD. Si deseas que las fotos

se muestren en el CD en forma de presentación de diapositivas, marca la casilla

correspondiente. Por último, selecciona un tamaño para las fotos. En el paso 2, asigna

un nombre al CD. (Nota: En el CD se incluirá una copia del software Picasa de forma

predeterminada). Haz clic en el botón “Grabar disco” para crear el CD.

Buscar Si escribes cualquier texto en el cuadro de búsqueda de la esquina superior derecha

de la pantalla principal de biblioteca de Picasa, Picasa buscará en los datos EXIF o de

cámara, palabras clave, álbumes y cualquier propiedad o título adicional de las fotos

que hayas introducido dentro del programa.

112

· Botón "Destacadas". Utiliza este botón para buscar sólo las fotos que has marcado

con una valoración de estrella.

· Botón "Películas". Utiliza este botón para buscar sólo los tipos de archivos de

película en la biblioteca.

· Deslizador de fecha. Mueve este deslizador hacia la izquierda o hacia la derecha

para reducir rápidamente el número de resultados de búsqueda basados en la fecha

de la foto.

· Botón "Subido". Utiliza este botón para encontrar sólo las fotos que has subido a los

álbumes web de Picasa.

Edición de fotos mediante Picasa

La edición avanzada de fotografías de Picasa te permite realizar arreglos básicos con

un solo clic para mejorar casi cualquier foto, ajustar la iluminación y el color y elegir

entre doce efectos distintos.

Algunas sugerencias generales de edición:

· Haz doble clic en una miniatura de la biblioteca para abrir la pantalla “Editar foto”. En

ella se mostrará la foto que se va a editar. A la izquierda de la foto encontrarás tres

fichas – “Arreg. básic.” “Perfecc. y ”Efectos.”

· En la pantalla “Editar foto”, utiliza las flechas de la miniatura situadas a ambos lados

de la tira de película de la parte superior de la foto para desplazarte por el resto de las

fotos del álbum. · Para deshacer cualquier edición realizada, haz clic en el botón

“Deshacer” en cualquier paso del proceso.

· Las ediciones realizadas en las fotos de Picasa no se guardan en el archivo original

del disco hasta que haces clic en el botón "Guardar cambios" del encabezado del

álbum. Al guardar los cambios de este modo, se sobrescribe el archivo original,

aunque se conserva una copia de seguridad en una carpeta nueva llamada

"Originales". Haz clic en el botón "Deshacer guardar" para devolver un archivo a la

versión de la copia de seguridad.

· Para obtener información adicional acerca de las pantallas de edición, consulta el

menú de ayuda de Picasa en el propio software.

Ficha "Arreg. básic." Recortar Utiliza el botón “Recortar” para cortar partes de una foto que no desees ver. En la vista

“Recortar foto” puedes seleccionar un tamaño de foto predeterminado (por ejemplo, 4

x 6) o seleccionar manualmente la parte de la foto que desees conservar. Para

recortar una foto, arrastra y coloca el cuadro directamente sobre la foto. Haz clic y

arrastra las esquinas del cuadro para modificar la selección cortada manteniendo las

113

mismas proporciones. Haz clic en “Aplicar” para guardar los cambios en Picasa o en

“Cancelar” para volver a la ficha “Arreg. básic.”.

Enderezar Utiliza esta función para arreglar fotos realizadas con una cámara defectuosa.

Selecciona una foto y haz clic en el botón “Enderezar”. En la vista “Enderezar foto”,

utiliza el deslizador de la parte inferior de la pantalla para alinear la foto con respecto al

cuadro de rejilla. Haz clic en “Aplicar” para guardar los cambios en Picasa o en

“Cancelar” para volver a la ficha “Arreg. básic.”.

Ojos rojos Utiliza esta función para eliminar los ojos rojos de cualquier foto. En primer lugar, haz

clic en el botón “Ojos rojos”. En la vista “Ojos rojos”, haz clic y arrastra el ratón

alrededor de cada ojo por separado para seleccionarlos. A medida que lo hagas,

aparecerá un cuadro de selección sobre el área. Suelta el botón del ratón para

completar la selección. La foto se mostrará automáticamente con los ojos rojos

corregidos. Haz clic en “Aplicar” para guardar los cambios en Picasa o en “Cancelar”

para volver a la ficha “Arreg. básic.”.

Voy a Tener Suerte Haz clic en el botón “Voy a Tener Suerte” y Picasa modificará el color y el contraste de

la foto para producir la foto ideal. Sólo observarás cambios si el equilibrio de color de

la foto no era correcto. Haz clic en el botón “Deshacer Voy a Tener Suerte” de abajo

para eliminar el cambio.

Contraste automático Haz clic en “Contraste automático” para ajustar el contraste en la foto de Picasa. Haz

clic en el botón “Deshacer Contraste automático” para eliminar el cambio.

Color automático Haz clic en “Color automático” para ajustar automáticamente el color en la foto de

Picasa. Haz clic en el botón “Deshacer Color automático” para eliminar el cambio.

Aumentar brillo

Utiliza el deslizador para añadir luz al primer plano de las fotos con fondos demasiado

oscuros para que estén más equilibradas. Haz clic en el botón “Deshacer Ajustes” para

eliminar el cambio.

Ficha "Perfecc." Deslizador "Luz de relleno" Utiliza el deslizador “Luz de relleno” para añadir luz al primer plano de las fotos con

fondos demasiado luminosos para que estén más equilibradas. Haz clic en el botón

“Deshacer Ajustes” para eliminar el cambio.

114

Deslizador "Puntos destacados"

Utiliza el deslizador “Puntos destacados” para añadir o reducir los puntos brillantes o

destacados en la foto. Haz clic en el botón “Deshacer Ajustes” para eliminar el cambio.

Deslizador "Sombras" Utiliza el deslizador “Sombras” para añadir más sombras a la foto. Haz clic en el botón

“Deshacer Ajustes” para eliminar el cambio. Consejo: Puedes utilizar el botón de un

clic a la derecha de los deslizadores “Luz de relleno”, “Puntos destacados” y “Sombras’

para realizar arreglos en la iluminación de la foto sin utilizar los deslizadores.

Deslizador "Temperatura de color" Utiliza el deslizador “Temperatura de color” para que la foto sea más cálida (hacia la

derecha) o más fría (hacia la izquierda).

Sel. de color neutro Utiliza el selector “Seleccionar color” para indicar a Picasa la parte de la foto que debe

considerar gris o blanca. Picasa equilibrará los colores que rodean a la selección

según el color seleccionado.

Ficha Efectos La ficha “Efectos” contiene doce efectos que puedes aplicar a cualquier foto. Los

efectos se añaden en capas progresivas y puedes deshacer o rehacer el último efecto

aplicado en cualquier momento. A continuación describiremos los efectos que puedes

utilizar para mejorar tus fotos en Picasa:

Mejorar nitidez – haz que los bordes de los objetos de las fotos sean más nítidos y

menos difusos.

Sepia – aplica un estilo “retro” modificando la foto con un tono marrón rojizo.

Blanco y Negro – convierte cualquier foto en una imagen en blanco y negro.

Más calidez – aumenta la calidez de las fotos frías para mejorar los tonos de piel.

Grano de película – añade un aspecto “granulado” de película a cualquier foto –

Tendrá un aspecto genial cuando la imprimas.

Tono – utiliza el selector para elegir un color y aplicar el tono o tono dual a toda la foto.

Saturación – aumenta la saturación del color.

Desenfocar – desenfoca la imagen alrededor de un punto central que puedes

seleccionar.

Halo – proporciona a las fotos un brillo nebuloso.

Filtrado ByN – crea una foto que parece haber sido realizada con película en blanco y

negro y un filtro de color.

ByN parcial – reduce la saturación del color alrededor de un punto central de tamaño

ajustable y con deslizadores de nitidez.

115

Tono graduado – añade un filtro graduado con el color que selecciones. Resulta útil

para transformar los cielos grises en azules.

Títulos En la pantalla “Editar foto” puedes añadir títulos a las fotos. Haz clic en el texto “Crear

un título” situado bajo cada foto. Escribe el título. Puedes mostrar u ocultar el título de

la foto mediante el botón de la izquierda de la barra de título. Para eliminar un título,

haz clic en el icono de papelera de la derecha.

Los títulos se almacenan en Picasa en forma de datos EXIF en cada foto individual, de

modo que permanecen con las fotos en todo momento. Esto significa que si subes

fotos a un álbum web de Picasa, los títulos también aparecerán en el sitio web. Picasa

también permite realizar búsquedas por título.

Compartir, imprimir y otras formas de disfrutar de tus fotos fuera de Picasa La bandeja de fotos y sus controles Cualquier foto que selecciones en la lista de carpetas aparecerá como la selección

activa en la bandeja de fotos en la esquina inferior izquierda de la pantalla principal de

biblioteca. Los botones de la derecha de la “bandeja de fotos” ejercen su acción sobre

las fotos de la "bandeja de fotos".

Retener

Utiliza el botón “Retener” para mantener una foto en la bandeja mientras añades más

fotos. Puedes añadir varias fotos a la bandeja manteniendo pulsada la tecla Mayús a

medida que seleccionas fotos.

Borrar Haz clic en el botón “Borrar” para vaciar la “bandeja de fotos” de todas las fotos

retenidas.

Añadir a Haz clic en el botón “Añadir a” para añadir las fotos de la bandeja a un álbum nuevo o

a uno existente.

Estrella El botón de estrella añade una pequeña estrella dorada a la foto que se encuentre en

la bandeja. Estas estrellas son valoraciones que se pueden buscar y que te permiten

encontrar tus fotos favoritas rápidamente. Podrás acceder fácilmente a cualquier foto a

la que añadas una estrella al realizar búsquedas en Picasa.

Girar a la izquierda y a la derecha Los dos botones de giro permiten girar la foto seleccionada en el sentido de las agujas

del reloj o en el sentido contrario dentro de Picasa.

116

Álbum web (requiere acceso a Internet)

La función más reciente de Picasa, los álbumes web de Picasa, permite publicar y

compartir fotos online de forma sencilla. Basta con seleccionar fotos (aparecerán en la

"bandeja de fotos") y hacer clic en el botón "Álbum web" para subirlas al álbum.

Cuando la subida haya finalizado, haz clic en el botón "Ver online" para ver y gestionar

las fotos de tu cuenta de álbumes web. Si no tienes un álbum web de Picasa, se te

preguntará si deseas crear uno la primera vez que utilices el botón "Álbum web".

Imprimir El botón “Imprimir” permite imprimir las fotos de la bandeja de fotos mediante una

impresora local o de red. Haz clic en “Imprimir” para abrir la pantalla de impresión y

seleccionar un tamaño de diseño de impresión. Picasa aplicará automáticamente las

proporciones adecuadas a las fotos de la bandeja. Estos botones hacen que resulte

más sencillo imprimir varias fotos en una página. Por ejemplo: si tienes cuatro fotos en

la bandeja y seleccionas 3,5 x 5, Picasa ajustará las cuatro fotos de modo que quepan

en una página estándar 8,5 x 11.

El botón “Revisión” de la esquina inferior derecha de la pantalla de impresión permite

revisar la configuración antes de imprimir. Haz clic en “Imprimir” para enviar las fotos a

la impresora.

Correo electrónico (requiere acceso a Internet)

El botón “Correo electrónico” de Picasa permite enviar por correo electrónico las fotos

de la “bandeja de fotos” de varias formas:

Programa de correo electrónico predeterminado Selecciona esta opción para enviar las fotos mediante el cliente de correo electrónico

predeterminado del equipo.

Gmail Funciona con una cuenta Gmail de Google existente (no incluida con el software

Picasa). Permite enviar hasta 10 MB de fotos (incluido el mensaje), comprimidas a la

perfección con un tamaño que tus amigos puedan abrir.

Correo de Picasa Si no dispones de Gmail ni Outlook, puedes utilizar esta opción para enviar fotos

mediante otra dirección de correo electrónico o tu nombre de usuarios de Hello.

Deberás registrarte para obtener una cuenta gratuita de Hello utilizando una dirección

de correo electrónico existente y una contraseña de tu elección.

Collage Haz clic en el botón “Collage” para crear rápidamente collages fotográficos

personalizados a partir de una gran variedad de plantillas que incluyen pila de

117

imágenes, cuadrícula de imágenes y hojas de contactos. También puedes crear un

efecto de

exposición múltiple de estilo de película. Para guardar tu nueva creación, selecciona

un

fondo para el collage (utiliza una foto o los colores blanco, negro o gris) y especifica

cómo quieres que se cree (como salvapantallas, como fondo de escritorio o como

carpeta seleccionada).

Hello (requiere acceso a Internet) Haz clic en el botón “Hello” para compartir de forma instantánea tus fotos con amigos

que estén online al mismo tiempo y hablar sobre tus fotos mientras las observáis

juntos.

Para utilizar Hello deberás tener instalado en tu equipo el software Hello (disponible de

forma gratuita desde www.hello.com). Si aún no dispones de Hello, basta con hacer

clic en el botón “Hello” y seguir las instrucciones de la página de inscripción online. Lo

único que necesitarás para registrar una nueva cuenta es una dirección de correo

electrónico existente y una contraseña de tu elección. (Nota: Tu cuenta de Hello será

la misma que tu cuenta de Correo de Picasa). Puedes invitar a tus amigos a que se

unan a Hello enviándoles mensajes de correo electrónico. Las fotos que recibas de tus

amigos que utilizan Hello aparecerán en tu colección "De Hello" dentro de Picasa,

ordenadas por nombres de usuario de Hello.

Blogger (requiere acceso a Internet) Un blog es un diario online. Puedes publicar fotos en la web de forma gratuita

mediante Picasa y en un blog creado en Blogger.com. Selecciona hasta cuatro fotos

(aparecerán en la “bandeja de fotos”) y haz clic en el botón “BlogThis!” Las fotos se

subirán al blog como la publicación más reciente. Si no dispones de un blog, haz clic

en el botón “BlogThis!” en Picasa y sigue las instrucciones para obtener una cuenta

gratuita (sólo tardarás unos minutos). Cuando dispongas de una cuenta, podrás hacer

clic en el botón “BlogThis!” de Picasa en cualquier momento para publicar fotos en tu

blog en un solo paso.

Encargar impres. (requiere acceso a Internet) Haz clic en el botón “Encargar impres.” para solicitar copias impresas a uno de los

proveedores de impresión online de Picasa. Selecciona un proveedor haciendo clic en

su logotipo o en el vínculo. El programa te preguntará si deseas acceder mediante el

nombre de usuario y la contraseña que utilizas normalmente para acceder al sitio web

del proveedor. Cuando hayas accedido, Picasa subirá automáticamente todas las fotos

de la “bandeja de fotos” al sitio web del proveedor de impresión. (Nota: Las fotos que

encargues mediante Picasa se procesarán a través del sitio web del proveedor de

118

impresión y estarán cubiertas por las políticas de privacidad y envíos de la empresa

correspondiente). Picasa no revelará ninguna información sobre ti a los comerciantes

que aparecen en la página “Encargos”. Para obtener más información acerca de la

información que Picasa comparte con estos sitios web, haz clic en el vínculo “Política

de privacidad” de la parte inferior de este sitio web.

Exportar Haz clic en el botón “Exportar” para guardar las fotos de la “bandeja de fotos” como

archivos JPG nuevos. La función de exportación es similar a la opción "Guardar como"

de otros programas. Por ejemplo, si creas un álbum con fotos de tu perro de varias

carpetas y luego las editas para que todas sean en blanco y negro, puedes exportar

ese álbum para crear nuevos archivos en el disco duro que reflejen las ediciones.

Durante el proceso puedes elegir la calidad JPG y el tamaño de las fotos guardadas.

Nota: Picasa nunca sobrescribe el archivo original en el disco, todas las ediciones

realizadas en una foto sólo se guardan en Picasa. Puedes decidir si deseas exportar

las fotos o hacer clic en el botón "Guardar cambios" en la parte superior del

encabezado del álbum.

119

7.1.- Bibliografía Básica:

• ANG, TOM. Manual de Fotografía Digital: Equipo, técnicas, efectos, proyectos.

Ediciones Omega. 2003

• SCHAUB, GEORGE. Guía práctica de fotografía digital. Ediciones Tutor. 2008.

• BUSCH, DAVID. Fotografía Digital réflex. 2003

• PARKEL, DAVID. Composición. Editorial Naturat. 2007

7.2.- Bibliografía Complementaria

• Michael Langford. La fotografía paso a paso.

• Hunter, Fil y Biver, Steven. La iluminación en la fotografía. Editorial Naturat.

2008

• RUIZ, JOSÉ. El fotógrafo en la naturaleza. Guía completa para la era digital. J

de J Editores. 2008

• ESCUELA DE ARTE NUMERO 10. Apuntes de Fotografía.

• ENCICLOPEDIA KODAK. Fotografía profesional.

7. Orientaciones bibliográficas

120

Estimado participante a continuación se señalarán las actividades que usted debe desarrollar,

para lograr el objetivo propuesto.

PRIMERA UNIDAD:

1. ACTIVIDAD INDIVIDUAL – Primera Actividad:

El trabajo consiste en: REGISTRO FOTOGRÁFICO EN EL CUAL TENGAMOS COMO

PRIORIDAD EJERCITARNOS EN EL USO DE ENCUADRES Y PLANOS.

2. ACTIVIDAD INDIVIDUAL– Segunda Actividad:

El trabajo consiste en: RECONOCIMIENTO DE FUNCIONES BÁSICAS Y DE

ELEMENTOS CONSTITUTIVOS DE LA CÁMARA FOTOGRÁFICA DIGITAL.

SEGUNDA UNIDAD:

1. ACTIVIDAD INDIVIDUAL:

El trabajo consiste en: REGISTRO FOTOGRÁFICO EN EL CUAL TENGAMOS COMO

PRIORIDAD EJERCITARNOS EN EL USO DE LAS REGLAS DE COMPOSICIÓN

FOTOGRÁFICA.

TERCERA UNIDAD:

1. ACTIVIDAD INDIVIDUAL EN LÍNEA:

El trabajo consiste en: ESTABLECER PUNTOS PARA EL DESARROLLO DE UN TEMA

FOTOGRÁFICO DE SU INTERÉS. RECOMENDACIONES Y EJEMPLOS SOBRE TEMAS

RELACIONADOS A LOS QUE USTED PROPONGA.

CUARTA UNIDAD:

1. ACTIVIDAD INDIVIDUAL:

El trabajo consiste en: REALIZAR EDICIÓN FOTOGRÁFICA EN EL SOFTWARE

INDICADO, UTILIZANDO LOS CRITERIOS APRENDIDOS EN CLASE.

8. Actividades

121

Destinar un espacio de tiempo al día o semana para el estudio de este manual.

Para los momentos de estudio, ubicarse en un lugar ventilado y con ruido reducido

o ausente, sentarse en un asiento un tanto incómodo de tal suerte que no lo invite al

sueño

Al iniciar la lectura analice las competencias de cada unidad y relaciónelos con cada

uno de los temas que comprende.

Lea el contenido de cada sección, efectúe un resumen de la misma, grafique lo que

crea necesario, haga un análisis crítico y comente lo comprendido de la lectura.

Efectúe un auto-análisis del porcentaje del contenido que Ud. ha aprendido por cada

lección, y fíjese como meta llegar al 100 por ciento.

Las dudas, producto de su lectura, anótelas y aclárelas con su tutor respectivo. La

inmediata verificación de sus errores o avances le permitirá aprender de sus propios

errores y profundizar su comprensión conceptual, procedimental y actitudinal.

Dedique un tiempo diario al estudio.

Promueva, en su localidad o centro de trabajo, la matrícula de otras personas; de

esta manera, podrá discutir los temas con mayor amplitud.

El alumno es el único responsable de su aprendizaje. Las lecturas son guía para la

enseñanza, y el profesor tutor un orientador.

Estas sencillas recomendaciones lo ayudarán a lograr su objetivo personal.

9. ORIENTACIONES PARA EL ESTUDIO DE CADA UNIDAD

122

Algunas recomendaciones sobre lo que debe hacer en una ASESORÍA VIRTUAL:

• ASESORIA VIRTUAL

En este curso usted tendrá asesoría virtual.

El horario aparecerá en el Aula virtual desde el inicio del módulo. Usted debe acceder en ese

horario a la sala de conversación desde el aula virtual.

12. Orientaciones para las tutorías Virtuales

Para facilitar la comunicación entre usted, la tutora y los demás participantes, se dirigirá de la

siguiente forma:

• Si la comunicación es escrita y usted desea hacer uso de la palabra debe enviar el signo

de interrogante (?). Este signo, enviado en la sala de conversación, le indica al docente

que usted quiere hacer uso de la palabra. Recuerde que el docente le debe autorizar la

palabra para que usted formule su pregunta, de lo contrario se puede generar una

confusión similar a la que se daría en un aula presencial si todos preguntaran al mismo

tiempo.

• Si usted está escribiendo un mensaje muy largo y la sala de conversación no le permite

escribir más, escriba al final tres puntos suspensivos (…) Esto le indicará a todos los

que están en la sala de conversación que usted seguirá escribiendo y todos esperarán el

siguiente mensaje.

• Lleve las preguntas preparadas si las lleva escritas mejor aún, así usted no solo las

formulará, sino que además podrá ver si su pregunta abarca totalmente o cubre en su

totalidad las dudas que tiene.

• Por favor, primero estudie cuidadosamente y con seriedad, luego pregunte. Haga usted

primero el esfuerzo.

• Mientras lea o repase la unidad didáctica, tome nota en una hoja aparte las áreas que no

le quedan claras.

10. ORIENTACIONES PARA LAS TUTORÍAS VIRTUALES

123

• Si no entendió nada es que no fue el momento adecuado para estudiar o sencillamente

no se concentró en su lectura, relájese y dispóngase a aprender, siéntase feliz y

motívese.

• Si encuentra que hay algo que puede compartir hágalo, quizás esté en lo correcto y otros

alumnos se podrían beneficiar con su aporte, además demostrará que ya comienza a

dominar el tema. Para ello, use el foro y las salas de conversación.