CARACTERISTICAS DE LA FOTOGRAFIA

FERNANDO RODRIGUEZ BORDA

Trabajo presentado como requisito para la materia de Fotografía Digital.

Docente:

MARIA TERESA VARGAS

UNIVERSIDAD MINUTO DE DIOS

LICENCIATURA EN INFORMATICA

BOGOTA D.C.

GENEROS FOTOGRAFICOS

ARQUITECTURA

La fotografía y la arquitectura van muy ligados, y cada vez más. Para empezar ambas utilizan la misma metería prima: "la luz". Pero la cámara también construye, ya que le da presencia en los medios a la arquitectura. Es la mejor agencia de publicidad de los arquitectos.

Por un lado la fotografía influye mucho en la percepción del edificio, y puede hacer que un determinado edificio sea una éxito o un fracaso, según la calidad de las fotografías que lo representen y difundan. Por otro lado porque es la manera de lleva la arquitectura a todas partes, al gran número de personas que no tienen la oportunidad de acceder al edificio.

Un buen ejemplo es el Pabellón Alemán de Mies Van der Rohe para la exposición de Barcelona, construido en 1929 y derribado en 1930, y que tanta influencia ha tenido en la arquitectura gracias a un número escaso de fotografías que han llegado a nuestros días.

Por ello muchas veces habría que ver quién le corresponden los premios y reconocimientos si al arquitecto, o al fotógrafo, que ha plasmado y difundido la obra. No es la primera vez que al visitar una obra nos hemos llevado una desilusión al tener retenido en nuestra memoria la imágenes que hemos contemplado anteriormente.

La fotografía arquitectónica pertenece al momento ausente (a diferencia del fortuito o decisivo, que ya vimos en la introducción). Por ello hay que ser muy minuciosos en la composición, en seleccionar el encuadre y en el trato de la luz. La fotografía arquitectónica no puede ser fruto de una casualidad.

Pero la fotografía no es la realidad. La fotografía es una presentación de la realidad, de la realidad que fue, para ser más exactos. La fotografía no recoge todas los aspectos de la arquitectura. La fotografía dispone de dos dimensiones físicas, mientras que la arquitectura dispone de tres, no podemos representar el espacio, como la sensación de pertenecer la continente del edificio, no estamos en él, y por lo tanto no podemos sentirlo. Tampoco disponemos de la secuencia, de las diferentes experiencias al pasear por el interior de un espacio. Pero podemos plasmar en la fotografía sentimientos que nos trasmita el edificio, como frialdad, espacio acogedor, sentimiento de vacío, o de saturación. Hay que enlazar conceptos arquitectónicos con las emociones de quién contempla una fotografía.

Debemos de contar un proyecto, desde el entorno, su integración, personalidad, a los detalles y texturas.

Por último no olvidemos que el objetivo capta todo lo que entre en su encuadre, pero que el observador suele ver menos, ya que se fija en determinados detalles y desecha otros. Por ello debemos de eliminar del encuadre lo que no queramos que distraiga al observador, o aplicar técnicas de enfoque selectivo, o iluminación selectiva. En determinadas ocasiones puede que el observador llegue a ver lo que no existe en la fotografía, ya sea por el recuerdo, o el aprendizaje anterior, que le hace creer haber visto algo que pare él es común en ese espacio.

La fotografía de edificios, o arquitectónica, es una de las más complejas, se trate de tomas exteriores como interiores. La arquitectura es un arte, que al igual que la fotografía se sustenta en la luz. Un edificio es algo más que tres dimensiones, es un espacio que interactúa y dialoga con el que los ocupa o contempla. Por ello es necesario tratar de captar estas sensaciones. Se nos plantean varias dificultades, desde la convergencia de líneas, en la realidad paralelas, a la falta de espacio en calles estrechas, o la amplitud de campo de visión humano frente al reducido de un objetivo fotográfico. Todo ello puede suplirse con la luz, la expresión de las texturas, los montajes fotográficos, o simplemente centrarse en detalles o puntos de vista determinados, que resulte sorprendentes al observador, frente a las vistas globales.

En el paisaje urbano debemos de cuidar el aspecto de la dirección de la luz. Por ejemplo, la luz matutina (en general de gran calidad), al incidir de forma oblicua mantendrá en sombra cierta calles. Observar que la luz cenital en una fachada es rasante. En el paisaje urbano es más recomendada la luz cenital.

RETRATO

El retrato es uno de los temas más desarrollados en la fotografía. La fotografía de las personas tiene una magia especial, ya que tienen una mayor contenido que el simple objeto. Los sentimientos, y la empatia entran en juego.

No solo mostramos las características físicas de una persona, sino además, su personalidad y su estado del animo.

La iluminación cenital (la que se produce al mediodía en un día soleado) es la menos adecuada ya que provoca sombras en los ojos, labios y cuello. Puede intentar corregirse con el flash.

La iluminación lateral es muy útil para tomas en las que se quiera encontrar texturas, contrastes y dar volumen. Muy adecuada para fotos con mucha personalidad.

La luz frontal es la más agradecida para el fotógrafo pero muy molesto para la persona que posa, ya que le molesta en los ojos dando unas expresiones constreñidas. La luz frontal aplana el rostro y contribuye a disimular pequeños defectos en la piel.La luz posterior es la más cómoda para el modelo, pero se produce la sobrexposición del entrono y la subexposición del modelo. Puede corregirse con el flash, o modificando el valor de EV, mejorando la exposición del modelo, con agravio de sobreexponer aún más el entorno.

La luz cenital da lugar a sombras en los ojos, nariz y labios. Debemos de evitar este tipo de luz para un retrato. Autor www.caballano.com La luz suave y lateral, nos muestra la personalidad y los volumenes. Autor www.caballano.com

Los días nublados son una excelente opción para la toma de retratos. También se puede encontrar luz difusa en una sombra.

ESTÉTICA DEL RETRATO

La espontaneidad es algo muy valioso. Se puede conseguir tirando varias fotografías, de forma que el modelo relaje su actitud ante al cámara. De igual modo es importante captar la expresión del modelo que refleje la información que queremos plasmar. La sonrisa forzada para la foto no expresa nada. Si el modelo esta en posición vertical refleja tensión. Un recurso muy valioso es recortar al modelo la parte superior de la cabeza. La mirada y la expresión ganan fuerza y protagonismo.

Capturar un momento fugaz, para inmortalizarlo eternamente es la misión del fotógrafo que gusta de imágenes espontáneas.

La posición del modelo es muy importante. Si se encuentra recostado nos trasmite tranquilidad, pero a la vez distancia y lejanía. Por el contrario si el modelo se encuentra inclinado hacia la cámara podemos obtener proximidad y calidez.

En un primer plano, la fotografía con el cuerpo frontal resulta monótona y pesada. Es una fotografía muy plana. En estos casos debemos pedir al modelo que adelante un hombro hacia la cámara. La iluminación en el retrato es fundamental. Podemos aprovechar cualquier entrada de luz extraordinaria, incluso la cenital. De igual modo, colocar al modelo en un lugar sombreado, ante un exceso de luz exterior, da muy buenos resultados.

No olvidemos dos aspectos. Fondos simples que no distraiga al observador, y pidamos a nuestros modelos que estén maquillados para evitar reflejos.

Pero no olvidemos que el ser humano no sólo se puede representar por su expresión, o por su rostro, también puede expresarse con el cuerpo, incluso de espaldas.

PAISAJE

El paisaje es el genero más antiguo y socorrido. Para los principiantes es el único genero utilizado, ya que prácticamente todas las fotos abarcan una gran espacio. Tiene gran importancia ya que es el protagonista en nuestras salidas, excursiones, y viajes. Dentro del paisaje podemos diferenciar entre paisajes naturales y paisajes urbanos.

LA ILUMINACIÓN

En el paisaje natural cobra especial importancia la luz a lo largo de las distintas estaciones del año. Elegiremos la hora del día que más favorezca la fotografía.

Las luces más apreciadas en el paisaje son las que se produce entre el alba y el amanecer, con los primeros minutos de sol directo, y las horas del atardecer al crepúsculo. Al alba y al crepúsculo la luz es difusa y tiene un cierto grado de misterio. A primera y última hora, con luz directa con incidencia oblicua, hace que el paisaje gane volumen y las texturas sean más evidentes.

Luces calidas en el crepúsculo, en un bello contra luz.

La temperatura del color también varia con la hora. Al amanecer la luz es más calida que al medio día (luz neutra), siendo la temperatura más calida al atardecer.

Otro aspecto es la fotografía nocturna. Debemos de tener en cuenta que la cámara utilizará diafragma abierto y velocidades extremadamente lentas. Por ello debemos de asegurarnos la estabilidad de la cámara mediante trípode, utilizar un disparador o disparo retardado, y no debemos utilizar ni el flash, ni el zoom.

Es importante destacar la importancia de asegurarse que los nivel de iluminación sean lo más uniforme posible, para evitar zonas sobreexpuestas frente a otras subexpuestas. Una técnica es aprovechar la iluminación del crepúsculo, disminuyendo el valor de EV para que aumente la sensación de nocturnidad.

Además en el encuadre debemos de tener una iluminación lo más uniforme posible. Hay que tener en cuenta que las cámaras introduce "ruido" apreciable en este tipo de fotografías.

Auque, a veces, es imposible poder lograr una gran uniformidad de luz en la imagen, pero su belleza bien vale el intento.

El disparo a contra luz puede ser muy interesante. En el se consigue fuertes contrastes. No debemos de tener miedo en perder detalles del objeto principal. Su silueta y los efectos de luz pueden crear una nueva representación del paisaje.

BODEGON

El bodegón, o naturaleza muerta, en Inglés Still Life, son fotografías de objetos, es decir, elementos inanimados en los que predomina la composición de la imagen. Son típicos los conjuntos florales, frutas, animales de caza, o utensilios de una determinada profesión.

En el bodegón es fundamental la profundidad de campo, con el fin de destacar los elementos principales sobre el fondo. Para ello utilizaremos aperturas de diafragma altas.

La disposición de los elementos en el bodegón, su composición, es el principal asunto que debemos de tener en cuenta. El bodegón es otro ejemplo de "momento ausente", donde el fotógrafo puede tomarse todo el tiempo que sea necesario para captar la toma.

En los bodegones podemos encontrarnos con dos situaciones, en la que seamos nosotros los que organicemos el bodegón, formando la composición del mismo, o el caso en el que la disposición de los elementos ya se encuentren formados, y el ese caso nos limitemos a tomar la fotografía.

Dentro de los bodegones, personalmente, incluyo los conjuntos florales. No podemos decir que se trate de naturaleza muerta, pero las condiciones de la toma son más parecidas al bodegón que al retrato o al paisaje.

Como en cualquier campo de la fotografía, es fundamental el aspecto de la luz. Para ello nos podemos ayudar de la luz natural, reflectores, así como la utilización de uno o más flashes. Para dar un toque personal a nuestro trabajo podemos separar el flash de la cámara mediante un cable o un elemento de control remoto.

EL EQUILIBRIO SIMÉTRICO

En una composición se puede conseguir el equilibrio a través del uso de líneas y formas. Todos los pesos deberán estar compensados para obtener el equilibrio ideal.

Como medición del peso de las formas y líneas que utilizamos en una composición, se observa la importancia que tienen los objetos dentro del diseño o creación que queremos representar, intentando equilibrar los elementos de mayor importancia, con los de menor importancia, y los de mayor peso con los de menor.

Clasificamos el equilibrio en dos tipos: simétrico y asimétrico

Equilibro simétrico: es cuando al dividir una composición en dos partes iguales, existe igualdad de peso en ambos lados. No se encuentran elementos que sobresalgan más que el resto en importancia y peso.

Un ejemplo más inmediato de simetría en el mundo orgánico, es la mariposa, cuyas alas poseen un simetría axial bilateral, en la que el eje, es el cuerpo del insecto. Sus dibujos están dispuestos simétricamente respecto al eje. Esta regularidad constituye, a nivel de percepción, un factor estético de armonía.

La creación de un diseño simétrico, nos transmite una sensación de orden.

EL EQUILIBRIO ASIMÉTRICO

Un equilibrio es asimétrico, cuando al dividir una composición en dos partes iguales no existen las mismas dimensiones en tamaño, color y peso, pero existe un equilibrio entre los elementos.

En el equilibrio asimétrico al ser desiguales los pesos a un lado y otro del eje, el efecto es variado.

La asimetría nos transmite agitación, tensión, dinamismo, alegría y vitalidad; en este tipo de equilibrio una masa grande cerca del centro se equilibra por otra pequeña alejada del aquel.

PROPORCION ÁUREA

Es la división armónica de una recta en media y extrema razón. Esto hace referencia, a que el segmento menor, es al segmento mayor, como este es a la totalidad de la recta. O cortar una línea en dos partes desiguales de manera que el segmento mayor sea a toda la línea, como el menor es al mayor. De esta forma se establece una relación de tamaños con la misma proporcionalidad entre el todo dividido en mayor y menor, esto es un resultado similar a la media y extrema razón. Esta proporción o forma de seleccionar proporcionalmente una línea se llama proporción áurea, se adopta como símbolo de la sección áurea (Æ), y la representación en números de esta relación de tamaños se llama número de oro = 1,618.

A lo largo de la historia de las artes visuales, han surgido diferentes teorías sobre la composición.

Platón decía: es imposible combinar bien dos cosas sin una tercera, hace falta una relación entre ellas que los ensamble, la mejor ligazón para esta relación es el todo. La suma de las partes como todo es la más perfecta relación de proporción.

Vitruvio, importante arquitecto romano, acepta el mismo principio pero dice que la simetría consiste en el acuerdo de medidas entre los diversos elementos de la obra y estos con el conjunto. Inventó una fórmula matemática, para la división del espacio dentro de un dibujo, conocida como la sección áurea, y se basaba en una proporción dada entre los lados más largos y los más cortos de un rectángulo. Dicha simetría está regida por un modulo común: que es el número. Definido de otra forma, bisecando un cuadro y usando la diagonal de una de sus mitades como radio para ampliar las dimensiones del cuadrado hasta convertirlo en "rectángulo áureo". Se llega a la proporción a: b = c: a.

Dicho esto, y según Vitruvio, se analiza que al crear una composición, si colocamos los elementos principales del diseño en una de las líneas que dividen la sección áurea, se consigue el equilibrio entre estos elementos y el resto del diseño.

ELEMENTOS DE LA COMPOSICION FOTOGRAFICA

VOLUMENLo que da a los objetos fotográficos su aspecto sólido, su modelado es sobre todo el juego de luces y sombras. La calidad y dirección de la luz son determinantes para lograrlo. La yuxtaposición acentúa los volúmenes: rígido y blando; suave y anguloso, son cualidades que adquieren mayor relevancia si se presentan juntas.

La luz posterior y lateral ha moldeado la redondez de la columna. (FOTO: Instituto Nuestra Señora de la Asunción, Cali)

TEXTURALa fotografía puede reproducir la textura de una superficie con una fidelidad tal que es fácil presentir la sensación que produciría tocarla. El resultado dependerá siempre de la iluminación. Cuando la luz oblicua resalta una textura, muchas superficies sin aparente interés quedan transformadas en temas muy decorativos. Explorar nuevos aspectos en objetos cotidianos es tratarlos como texturas: un tablón de madera, la raíz de un árbol, una hoja que muestre sus nervaduras pronunciadas, etc.

En el paisaje hay texturas que son más aparentes por la mañana y al atardecer, cuando la luz alcanza oblicuamente las superficies. Conviene que la luz sea directa; la de un día nublado aplanaría la imagen y uniformizaría las irregularidades del terreno. (FOTO: John Hedgecoe)

RITMO

Los motivos rítmicos se encuentran en cualquier parte, siendo las formas naturales fuentes particularmente abundantes de ellos. Por ejemplo motivos geométricos regulares como, la disposición de las hojas de ciertas plantas, están incluidos en formas más complejas que a su vez se repiten a mayor tamaño.

Para fotografiar motivos rítmicos, con formas repetidas en una forma

LINEA

Las líneas son un potente elemento dentro de una fotografía, tanto así que aprendiendo a utilizarlas correctamente puedes agregar un efecto dinámico a tu imagen como también te sirven de guía focal a la hora de dirigir la mirada de tu espectador hacia el elemento principal de tu captura.

Pueden clasificarse en tres grupos principales: líneas horizontales, verticales y diagonales.

Cada una de ellas tendrá un impacto diferente en tu fotografía y siempre debes utilizarla en función del diseño compositivo que tengas en mente para tu escena.

Aprender a utilizarlas no es algo que simplemente sucederá leyendo una guía o tutorial, se necesitan tiempo y práctica para alcanzar un buen manejo de este recurso. Lo importante es entender y conocer de qué forma usarlas para luego buscar las líneas adecuadas antes de tomar una fotografía.

Veamos cada una de las opciones que podemos utilizar para dar un mejor enfoque a nuestras fotos.

Líneas Horizontales

Estas son las más tradicionales y fáciles de hallar, hay algo en ellas que transmite una sensación de estabilidad e incluso de serenidad. Frecuentemente se utilizan para dividir una escena, pero nunca deberían ser ubicadas en la mitad de una imagen ya que esto genera una composición inestable; es mucho más eficaz respetar la regla del horizonte y posicionar esta línea en la parte superior o inferior, a una altura

aproximada al tercio respectivo de la fotografía.

Siempre que desees acentuar la sensación de placidez y calma en una captura utiliza el formato horizontal para realizar la toma. Aunque, cabe destacar, que también se logra este efecto en un disparo con encuadre vertical en el que se utilizan líneas horizontales.

La reiteración de líneas horizontales puede crear patrones de ritmo muy interesantes o pueden convertirse en el motivo de una imagen en sí mismas.

Finalmente, una recomendación básica que nunca está demás reiterar, no descuides jamás la horizontalidad de tus líneas, ya que no hay nada más frustrante que ver una imagen cuyas líneas horizontales están ligeramente caídas o inclinadas.

Líneas Verticales

Estas líneas tienen la capacidad de transmitir una inmensa variedad de sensaciones que van desde el poder y la fuerza (como es el caso de los grandes edificios) hasta el crecimiento o surgimiento (como sucede con los árboles o monumentos).

Al igual que las líneas horizontales, éstas pueden acentuarse aún más cuando disparamos en el formato que

le corresponde, o sea líneas verticales tomadas en formato vertical. Este tipo de tomas le confieren un poder de alargar y brindar una sensación de mayor altura.

La otra opción es romper la regla y tomar en un marco horizontal una imagen de fuertes líneas verticales.En este tipo de líneas es fundamental estar atento a los patrones de repetición, ya que esto puede ser usado como un excelente efecto de impacto, especialmente si se contrasta con otras formas y líneas.

Y, al igual que en el caso anterior, hay dos temas que no debemos perder de vista:

-    mantener la verticalidad de nuestras líneas en consonancia con los lados de la imagen, ya que una inclinación por leve que sea se vería como un error fatal.

-    tener en cuenta la regla de los tercios, sobre todo cuando se tienen fuertes líneas verticales; colocar una línea en medio de una escena corta la imagen por la mitad y, a menos que sea utilizado de forma premeditada para crear un efecto dramático, esto generaría una imagen segmentada y también sería un gran fallo.

Líneas Diagonales

Estas líneas funcionan excelentemente bien para guiar el ojo del espectador a través de la fotografía. Como así también para crear puntos de interés, ya que se entrecruzan con otras líneas y, a menudo, nos guían hacia las imágenes de fondo sugiriendo de esta forma la perspectiva.

Además tienen la virtud de añadir una sensación de dinamismo y acción a la escena, quitando totalmente el sentido estático de una composición.

Siempre que tengas la posibilidad de jugar y crear composiciones con líneas diagonales, considera cómo podrías utilizarlas para dirigir los ojos de los espectadores hacia el tema principal o punto de interés de tu captura.

Está legítimamente comprobado, por medio de diversos estudios, que la forma en que la gente ve las imágenes instintivamente es viajando a través de ella de izquierda a derecha; por lo tanto, una línea diagonal que cruce una imagen desde la parte inferior izquierda hasta la superior derecha puede resultar una guía muy útil y natural.

También es bueno destacar en cuanto a estas líneas que, si bien el uso de numerosas diagonales que se cruzan en diferentes direcciones puede añadir una sensación de dinamismo a nuestra fotografía, el excesivo uso de estas puede resultar caótico y confuso.

Y, retomando los dos ejemplos anteriores, también en este tipo de líneas es válido tener en cuenta que una dura diagonal que corte la imagen de esquina a esquina, justo por el centro de la fotografía, podría ser sumamente agobiante. Para mejores resultados intente ubicar estas líneas diagonales fuera del centro de la escena; así como también es una interesante opción el uso de patrones curvos u ondeados que atraviesen diagonalmente la foto y logren los mismos efectos pero de una manera mucho más natural y agradable.