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Corrientes de las artes visuales en elChile del siglo XX

NM4 (4º medio)Artes Visuales

Corrientes de las artes visuales en Chile contemporáneo

Corrientes de las artes visuales en Chile NM4 (4º medio) Artes Visuales

Generación del 13

La Generación del 13, llamada también del Centenario, se caracteriza por el resurgimiento de una nueva problemática. Aparecen dos corrientes: una neo-realista y la otra subjetivista.

Con esta generación, la pintura chilena comienza a reflejar el interior del ser humano, las costumbres del pueblo, la bohemia y la vida marginal. Así, la evolución de la pintura en su búsqueda de identidad, va navegando por el expresionismo, deformando los rostros y la realidad.

Son pintores destacados de esta generación:•Arturo Gordon (1886 – 1944)•Enrique Bertrix (1895 – 1915)•Exequiel Plaza (1892 – 1944)•Pedro Luna (1896 – 1956)•Fernando Álvarez Sotomayor

(1865 – 1960)•Carlos Alegría (1882 – 1954)•Laureano Guevara (1889 –

1968)•José Backhause (1884 – 1922)•entre otros.


Arturo Gordon (1883 – 1944)

Arturo Gordon es uno de los pintores más destacados de la Generación del 13. Esencialmente temático, captó la fuerza expresiva de hombres y mujeres de extrema pobreza y el reflejo en ellos de las costumbres chilenas. Influenciado por el impresionismo, fragmentó el color y pobló sus pinturas de variedad de matices, producto de una paleta rica que imprimió a su obra una dimensionalidad y atmósfera peculiares.

Al abordar la temática popular, Gordon deja de lado la picardía y el provincialismo del siglo XIX, convirtiéndose en un antecedente importante de la pintura social de los 60. La Zamacueca, es una obra que pertenece al mundo campesino, donde el artista logra la penetración en la representación con vigorosas pinceladas empastadas.

Título: Zamacueca; Autor: Arturo Gordon; Técnica: óleo sobre


Enrique Bertrix (1895 – 1915)

Enrique Bertrix, hijo de franceses, encontró la muerte a los 20 años en un campo de combate de la 1ª Guerra Mundial. Realizó alrededor de 20 cuadros durante los seis años que estudió en la Escuela de Bellas Artes en Chile.

Sus obras no denotan un academicismo puro, sino más bien una original interpretación donde los betunes intensos corren por las telas con gran fluidez, obteniendo una luz fantasmal que toca sendas distintas a las de sus compañeros de la Generación del 13. En su trabajos destacan los retratos que, bajo un halo introspectivo, desprenden siempre un aire de indecible nostalgia y emociones que radican en aquella luz de tono fantasmal que se ubica en los centros de los cuadros. Un mismo fulgor evanescente se hace presente en casi todos sus lienzos.

Título: Retrato de Luis Mori;

Autor: Enrique Bertrix;

Técnica: óleo sobre tela


Exequiel Plaza (1892 – 1944)

Los fundamentos de la obra de Exequiel Plaza se encuentran en el realismo académico. Su temática se inspira en reproducciones de la naturaleza de manera robusta y recia; es considerado el pintor de la bohemia, que une la pintura chilena a la plástica europea. El dibujo es firme y seguro y, pese a su falta de disciplina, logra efectos acertados en el paisaje.

A diferencia de sus compañeros de generación, Plaza tenía una descarnada visión de la realidad, lo que demostró con un naturalismo áspero, influenciado sin duda por los franceses del siglo XIX, sobre todo por la etapa mundana de Delacroix. El pintor bohemio es considerado un símbolo generacional de común acuerdo con pintores que frecuentaban las tabernas a principios del siglo XX, y nos sitúa en una época que generó por primera vez artistas lejanos a las clases altas.

Título: El pintor bohemio Autor: Exequiel PlazaTécnica: óleo sobre tela.


Pedro Luna (1896 - 1956)

Después de la histórica muestra de 1913 en los salones de El Mercurio, Pedro Luna rápidamente ganó figuración, premios en los Salones Oficiales y la consagración de la crítica. En muchas ocasiones se ha comparado la figura de Luna con la del célebre Van Gogh, por su pasión y temperamento. Fue un verdadero vanguardista en la pintura chilena y para muchos, un hito singular dentro del panorama plástico del siglo XX.

En El baile de las enanas o cabaret de Magallanes, Luna se apega a la representación que había logrado después de un trabajo sostenido. La aplicación libre del color es el resultado desencadenado de la experimentación con la materia, en este caso la pintura. El pintor es más libre de acuerdo a los avances en materia técnica y con la espontaneidad adquirida en la utilización del color.

Título: El baile de las enanas o Cabaret de Magallanes; Técnica: óleo sobre tela.


Grupo Montparnasse

El grupo como tal surge del viaje a Europa que realizaron sus miembros con motivo del Salón de Otoño, en el que conocieron a Juan Gris y las vanguardias de esa época, como el cubismo, el fauvismo y el expresionismo. Tomando la estética del postimpresionismo, y a Cézanne como bandera de lucha, el grupo Montparnasse realizó su primera exposición en la sala "Rivas y Calvo" de Santiago, en el año 1923. A este grupo se uniría el escritor Juan Emar (Álvaro Yáñez), quien publicaba en el diario La Nación artículos sobre el grupo y artistas internacionales, como Picasso y Braque, generando polémica con sus comentarios de arte, demasiado modernos para el ambiente chileno.

Este grupo se conformó en 1922 y toma el nombre de un barrio parisino que en esos años era considerado el “centro del mundo”, donde artistas de todas las nacionalidades experimentaban con las nuevas formas de expresión, como símbolo de rebeldía y renovación. Casi todos sus integrantes vivieron en París y a su regreso a Santiago lanzaron manifiestos y se revelaron contra el academismo existente.

En un esquema formado por Emar, podemos ver cuáles son los postulados estéticos del grupo:

•Antiacademicismo, antinaturalismo y antirrealismo.

•Ausencia de un estricto estilo plástico.

•Arte vigoroso. Libertad y espíritu lírico para crear.

•Leyes propias de espacio y tiempo en el arte.

•No repetir ni copiar a los maestros.


Camilo Mori (1896 – 1973)

Camilo Mori participó de la formación del Grupo Montparnasse en 1923 junto a Luis Vargas Rosas, José Perotti, Enriqueta Petit y Julio Ortiz de Zárate, quienes renovaron el medio cultural chileno, difundiendo la autonomía de los medios plásticos y una pintura más vanguardista, cercana a los postimpresionistas y fauvistas.

En su larga vida artística, Mori evolucionó de la tendencia realista de Fernando Álvarez de Sotomayor a telas no objetivas y al "pop", que realizó en los años sesenta. Recibió destacados premios durante su vida y ha sido merecedor de varios homenajes después de su muerte. Dentro de los estilos cultivados por Mori, el expresionismo figurativo pasa por ser el más persistente en su obra. Las formas son artificiosas y la iluminación dramatiza la escena. Mujer en azul es un retrato al que se puede aplicar lo anterior, junto al dominio maduro de la composición que le permitía el retrato a cuerpo completo. La iluminación en claroscuro y el halo misterioso de la pose acentúan el ya mencionado expresionismo.

“Mujer en azul” óleo sobre tela.


Isaías Cabezón (1891 - 1963)

En la obra Retrato se juntan las escuelas a las que el artista adhirió: primero un profundo estudio del natural con el dibujo y luego la simplificación pictórica contemporánea a su tiempo.

Isaías Cabezón fraternizó tanto con los artistas de la Generación del 13 como con los del Grupo Montparnasse y se destacó, dentro de las tendencias postimpresionistas que cultivaba el grupo, por su vigor constructivo, por la alegre vitalidad del color y la simplificación de la formas a la manera del Fauvismo.

Título: Retrato; Técnica: óleo sobre tela


La obra de Vargas Rosas se centró

principalmente en naturalezas

muertas, bodegones y algunos

paisajes. Fue el alma y líder del

Grupo Montparnasse, mantuvo el

espíritu de lucha e hizo crecer el

número de artistas amantes de la

renovación, especialmente con el

Salón de Junio de 1925 que reunió

un conjunto considerable de

pintores.

Luis Vargas Rosas (1897 – 1977)

Huesos pertenece a una etapa posterior dentro de la obra de Vargas Rosas, donde los referentes naturales se pierden dentro de formas sugerentes en las que el color va tomando el protagonismo. Sin embargo, aún se puede apreciar una división en el plano que se asemeja a una línea horizonte. Vargas Rosas deriva del cubismo que caracterizó su primer periodo hacia una tendencia abstraccionista

Título: Huesos; Técnica: óleo sobre tela


Inés Puyó (1906 – 1996)

Los temas preferidos de la artista fueron retratos, naturalezas muertas, flores, interiores, imágenes religiosas y marinas de Puerto Montt. Su paleta estuvo presidida por una fina gama de azulinos, grises plateados y de personales colores neutros. Ganó importantes certámenes.

En un principio la obra de Inés Puyó estaba dominada por un lirismo y armonías tonales suaves. La evolución posterior muestra un cambio en la manera de ejecutar la pintura, cercana al informalismo y sin salirse de las armonías cromáticas, pero definitivamente usando otro patrón estético. Parque Forestal está en la segunda etapa creativa de la artista, donde traspasa los límites de la pintura académica y decorativa, con altos grados de expresividad en las pinceladas. Título: Parque Forestal; Técnica: óleo sobre tela.


Henriette Petit (1894 – 1983)

Los temas preferidos de Enriqueta Petit fueron la figura humana, especialmente desnudos y retratos, aunque también realizó naturalezas muertas. La artista se transformó en una de las figuras femeninas más importantes de la vanguardia artística local durante su desarrollo artístico en el Grupo Montparnasse, e integró una promoción de destacadas pintoras, en su mayoría alumnas de Juan Francisco González. Resignación muestra la influencia de pintores como Rembrandt , por la utilización de altas luces con tonos terrosos en un particular claroscuro. También por el empastamiento en casi toda la obra. Petit muestra además una sorprendente sensibilidad para captar temáticas de género, así como las emociones y angustias humanas.

Título: Resignación; Técnica: óleo sobre tela


Los pintores de la Generación del 28 alentaron la modernidad desde las escuelas artísticas, haciendo que los jóvenes se formaran respetando los valores de la investigación pictórica, asumiendo una total libertad de expresión. Coherentes con la misma línea, decidieron incorporar las artes aplicadas, como el esmalte, a sus trabajos.

Generación del 28

Denominación que abarca a los artistas que expusieron en el Salón Oficial de 1928, que contó con la curaduría de Camilo Mori, y obras de Tótila Albert, Isaías Cabezón, Luis Vargas Rosas, Inés Puyó, Augusto Eguiluz y Humeres.

Influenciados por el grupo Montparnasse, los miembros de esta generación se interesaron en postular la autonomía de la pintura. Se dieron a la tarea de analizar el significado del cuadro, reconstruyeron su concepto y, desde ahí, establecieron relaciones formales al interior de la obra para posicionar la pintura como un tema en sí mismo.


Ana Cortés (1895 – 1998)

Ana Cortés formó parte de la Generación del 28, cuyos integrantes, inspirados en maestros europeos, afianzaron la independencia del quehacer pictórico introducido por el Grupo Montparnasse. La artista consagró su vida al arte y a difundir la experiencia de sus tempranas vivencias en el medio artístico y cultural francés.

Andamios de ensueño da cuenta del periodo histórico en que se desarrolla la vida de la pintora Ana Cortés, donde existió una apertura de la plástica nacional acompañada de cambios en todo orden. Las pinceladas armónicas de los comienzos se vuelven agresivas atacando el modelo hasta hacerlo imperceptible. La obra de Cortés fue un importante antecedente de las vanguardias que vendrían en los 60. Título: Andamios de ensueño; Técnica: óleo sobre tela


Gregorio de la Fuente (1910 – 1999)

Gregorio de la Fuente mostró la versatilidad como pintor en la ejecución de varios frescos como el del mural de la Estación de Ferrocarriles de Concepción, ciudad donde se concentran los murales de mayor relevancia, producto de las visitas de muralistas mexicanos a mediados de siglo. Sensible a estas influencias, De la Fuente hace una pausa en su desarrollo como pintor de caballete para ejecutar las monumentales vistas que envuelven un espacio. Se narran parceladamente historias de la vida de los trabajadores donde es resaltada la fraternidad y el trabajo. El realismo social fue una escuela que empezó en la Unión Soviética y que influyó por largo tiempo al continente americano.

Título: Mural Estación de F.F.C.C. de Concepción; Técnica: Pintura mural (fresco)


Augusto Eguiluz (1894 – 1967)

Augusto Eguiluz, pintor de una profunda sinceridad profesional, confesó su admiración por Cézzane y su postura estética contraria al impresionismo, al que opone la solidez como carácter esencial. El tratamiento de los elementos en su obra está dado por su concepción de estructura, privilegiándola por sobre la visión o percepción.

En La lectura, las masas pictóricas se organizan en ensamble. Esto quiere decir que el manejo de la luminosidad y las sombras funciona de acuerdo a las posiciones de los objetos y no del observador o puntos de vista.

Título: La lectura; Técnica: óleo sobre tela.


Generación del 40

Parte de la Generación del 40 se formará con un compromiso favorable a los cambios políticos contingentes (derivados del triunfo del Frente Popular en las elecciones presidenciales en 1938, que llevaba como candidato a Pedro Aguirre Cerda), la sensibilización social de la época y a la Facultad de Bellas Artes. Compartieron la aproximación subjetiva y afectiva a la realidad, con la que van a rescatar la fuerza íntima del paisaje chileno, los interiores y los objetos cotidianos a la vez que proclaman su libertad e independencia pictórica.

El Salón Oficial de 1941, llamado entonces Latinoamericano, hace resaltar a profesores, maestros (Grupo Montparnasse) y discípulos (Generación del 40). Es un momento culminante donde se mide la calidad y profesionalismo de la generación del 40, en la cual sobresalen artistas como: Israel Roa, Fernando Morales, Carlos Pedraza, Manuel Quevedo, Alfredo Aliaga, Raúl Santelices, Aída Poblete, Ximena Cristi, entre otros.

pablo burchard es el líder y

maestro de esta generación quien,

junto a camilo mori y luis oyarzún,

entregaron sus postulados

pedagógicos y principios

artísticos y estéticos a los jóvenes

pintores emergentes.


Marta Colvin (1917 – 1995)

Marta Colvin, escultora, manejaba con gran destreza las técnicas de la talla en piedra, el vaciado en bronce y el desbaste en madera, siendo esta última una característica en su producción. Se le otorgó el Premio Nacional de Arte (1970) por el "carácter americanista de su obra".

En un principio sus obras fueron representaciones de figura humana, luego, salvo algunas excepciones de semifiguración (como Pachamama o Monumento a los templarios) el lenguaje escultórico será la abstracción. Muy pronto abandonó la representación figurativa y las formas se inclinan hacia el simbolismo, con el que pretendió expresar lo grandioso de América superando lo anecdótico. Su interés principal fue expresar “profundidad espiritual” mediante formas abstractas. Para ello consideró necesario encontrar siempre lo expresivo del material que trabajó -por lo general la piedra- la que dispuesta en bruto era para la artista como una tela en blanco, y al trabajarla lograba mezclar la vida propia con el material, obteniendo luego la escultura deseada.

Horizonte Andino, 1986, piedra, 21 cm. de alto


Ximena Cristi (1920)

El repertorio plástico de la artista está formado por interiores, rincones del jardín, trozos de paisaje, naturalezas muertas y figuras humanas. Especial atracción siente por asuntos modestos y temas humildes.

La obra de Cristi está dominada por un apasionamiento hacia la pintura. Siendo muy precoz en abordar una pintura completamente personal, se le asocia a la generación que tuvo por maestro a Augusto Eguiluz en la Escuela de Bellas Artes, entre otros. El temprano conocimiento de las transformaciones sufridas por la pintura dio paso a una postura temprana marcada por una paleta violenta, que abarcó temas de mujer. Interior es un testimonio de las influencias de su maestro.

Título: Interior; Técnica: óleo sobre tela


Lily Garafulic, en sus comienzos estuvo apegada a la representación natural del modelo trabajando en terracota, piedra, mármol y bronce. Luego empieza a explorar nuevas formas de representación para encontrar en los orígenes de los pueblos americanos la referencia que ella combinaría con la de las nacientes vanguardias. Luego de un proceso de depuración, la artista llega a formas abstractas que buscan más lo estructural que la anécdota de la temática. Se puede decir que Lily Garafulic trabaja paralelamente una línea de ensamblaje, con la superficie en bruto de maderas con metal y otra, a la cual pertenece la presente obra, en donde, en un trabajo más académico, trabaja superficies pulidas y formas depuradas.

Lily Garafulic (1914)

Título: Signo I; Técnica: escultura en bronce


Israel Roa (1909 - 2002)

Pintor de fiestas populares, paisajes, naturalezas muertas y retratos, Roa ha sido considerado como expresionista por su fuerte exaltación cromática y formal. Roa ha sido considerado como uno de los principales exponentes de la acuarela en Chile, junto a Hardy Wistuba, Ricardo Anwandter y Fernando Morales Jordán. Fue galardonado en numerosos certámenes nacionales y extranjeros.

Roa no fue un artista preocupado de los detalles de la representación tradicional, más bien en su obra se encuentra una síntesis de las formas, especialmente de las figuras. Su tránsito por la acuarela, donde fue uno de los más valorados, es significativo para un desarrollo sintético de su pintura. En la obra La pampilla de Coquimbo las figuras se encuentran en la síntesis antes expresada junto al motivo predilecto del pintor: la representación de la escena popular.


Nuevas tendencias

Esta generación tiene un despertar tardío debido a la guerra de 1939. Este despertar puede fijarse alrededor de 1948. Es un movimiento que marcha al unísono con las tendencias surrealistas abstractas de Europa. El pintor más destacado de estas nuevas tendencias es Roberto Matta.

Pertenecen a esta corriente:• Carlos Faz (1931 - 1953)• José Venturelli (1924)• Pedro Lobos (1918)• Nemesio Antúnez (1918 - 1993)• Carmen Silva (1930)• Ivan Lambert (1930),• José de Rokha (1927),• Pablo Burchard, hijo (1919), • Ernesto Barreda (1927),• Fernando Marco (1926)• Julio Escámez (1926)

Una corriente que se desprende de estas nuevas tendencias, destaca por su abstraccionismo y su visión anímica de la configuración plástica. Entre sus representantes se encuentran:

•Enrique Zañartu (1921)

•Rodolfo Opazo (1935)

•Paz Subercaseaux.


Roberto Matta (1911 – 2002)

La obra de este connotado artista se extiende desde los años treinta. Fue partícipe y renovador del surrealismo y personaje decisivo en el grupo de artistas del expresionismo abstracto de los años 40. En los inicios de su labor artística, sus obras reflejaron sus preocupaciones metafísicas, la importancia de las creaciones religiosas. Dibujos figurativos que con el tiempo fueron evolucionando hacia una abstracción, con referencia de artistas de la época como Dalí y Picasso y la influencia de El Greco. Elementos como el humor, el erotismo, la reflexión, el pensamiento estuvieron presentes en estos inicios. Roberto Matta ha realizado un valioso aporte en las artes plásticas universales del presente siglo, ubicándose como uno de los artistas más importantes del Movimiento Surrealista.

Título: Con la guerrilla interior unámonos para ser un hombre nuevo; Técnica: óleo sobre tela


Nemesio Antúnez

Nemesio Antúnez participó del desarrollo artístico nacional trascendiendo a su labor como pintor. La dirección del Museo Nacional de Bellas Artes y su incursión en el campo de las comunicaciones son aportes significativos al momento de destacar su tarea plástica. Su obra desarrolla un imaginario que estuvo en directa relación con las influencias presentes en su creación. La experiencia de Roberto Matta fue determinante a la hora de enfrentar los cambios estéticos que se hacían presentes en el terreno internacional. Antúnez realizó una pintura relacionada con el interior y la sensibilidad humana, con los sueños y fracasos del individuo y su colectivización, de paisajes oníricos y de una fantasía desbordante. Una pintura que se acerca por el uso del color y la simpleza de las temáticas al arte naif. Cordillera Adentro tiene además una atmósfera muy surrealista, que se combina con una fuerte presencia del paisaje chileno, uno de los elementos del pintor.

Título: Cordillera adentro

Técnica: óleo sobre tela


Rodolfo Opazo (1935)

La pintura de Rodolfo Opazo ha estado siempre muy ligada a su experiencia personal, a las cosas que le ocurrieron en su infancia y a la reflexión en torno a ciertos temas como la muerte y el hombre: su maravilla y su miseria.

Ha conseguido implantar un estilo dentro de la figuración. Son figuras delineadas, especies de fantasmas que eluden la identificación o la identidad con referente inmediatamente real. Cercano al surrealismo el mundo de Opazo es onírico y despierta asociaciones imprevistas. Usando tonos suaves y difuminados rompe los límites entre las figuras y su entorno, a la vez que como elemento que articula el mensaje coloca, como en este caso, volcanes en erupción. Título: La llegada de los dioses; Técnica: óleo

sobre tela


Últimos decenios (1950 – 1980)

Dos grupos se destacan en este período de la pintura chilena: el grupo Forma y Espacio, formado de la mano de Ramón Vergara Grez en 1953, misma agrupación que en 1961 toma el nombre de grupo Rectángulo, y que se caracteriza por enfatizar la forma y el color, expresando una realidad óptica, alejada de cualquier representatividad objetiva del mundo. En este constructivismo de primacía intelectual destacan artistas como:•Elsa Bolívar (1930)•Carlos Alarcón (1900)•Kurt Herdan (1923)•Carmen Piemonte (1932)•Matilde Pérez (1920)•Robinson Mora (1947)•Ernesto Muñoz (1945)

Como el estilo de Rectángulo había derivado en un naturalismo geométrico, Forma y Espacio se propuso encarar con más fuerza la creación artística, para lograr un universo propio independiente de la realidad, y alcanzar así la esencia de "la realidad como idea". En el catálogo de una exposición realizada en 1971, se explican los nuevos objetivos:

1.- Realizar un arte eminentemente conceptual como reacción a la actitud emotiva y sentimental constante en las artes de nuestro país.

2.- Profundizar la imagen de la realidad chilena a través de medios visuales directos (líneas, planos, colores) no para representar sino para simbolizar la imagen del humano y la imagen de Chile.

3.- Una sociedad en que a los programas de promoción social se integren al arte. Pintura, escultura, arquitectura y urbanismo convertidos en un todo funcional. Nueva realidad ambiental para un hombre nuevo.


Como fundador de los grupos "Rectángulo" y "Forma y espacio", Vergara Grez fue el más activo defensor del Neoplasticismo en Chile, corriente que buscaba un arte rigurosamente racional, ajeno a toda intervención del sentimiento y lo figurativo. Alejado de la tradición pictórica que lo rodeaba, comenzó a sentir interés por un arte de mayor reflexión intelectual, de estudio de las formas y del orden del universo que se manifestó en creaciones de gran fuerza testimonial y simbólica de sus raíces.

Ramón Vergara Grez (1923)

Geometría Andina, emplazada en la estación de metro Los leones, es una de las importantes contribuciones de Grez a la plástica nacional. El artista hace de la obra una intervención del espacio público, saliéndose del formato habitual del cuadro; exige al extremo sus condiciones al encontrarse con superficies curvas y de elevado tamaño. La solución de Grez es parcelar las formas tal como lo hacían los estructuralistas.

Título: Geometría Andina; Técnica: Mural (placas de cerámica esmaltadas)


Matilde Pérez (1920)

Pintora y escultora, Matilde Pérez ha sido la principal exponente del arte cinético en Chile. Si bien comenzó como pintora figurativa, el impacto que le produjo conocer la obra de Vasarely en Francia, modificó fuertemente su pintura, que pasó a centrarse en los efectos visuales de las formas abstractas coloreadas. Esta destacada artista ha sido merecedora de numerosos premios y distinciones. En Vertical II Matilde Pérez trabaja dentro de su temática, pero rozando el arte óptico. El op art tiende a crear perturbaciones visuales por sus juegos con líneas y figuras geométricas. Sin aplicar completamente estas características, la obra aborda tangencialmente juegos ópticos pero sin perder la estructura interna. Título: Vertical II; Técnica: óleo sobre tela


La década de los '80 estuvo marcada por la simultaneidad y el antagonismo de discursos y propuestas visuales. Por un lado, aparece el denominado Arte Conceptual, que da cuenta de un quiebre de las posturas tradicionales imperantes en la década del 60, para dar paso a la supremacía de las ideas y a la experimentación. Por otra parte, se configura una escena de artistas que, a través de distintas estrategias plásticas, persistió en la reivindicación del autor como ser humano expresivo, poético y creador.

Generación del 80

Los representantes de la Generación del 80 son:

•Carlos Maturana “Bororo”, (1953)

•Ismael Frigerio, (1955)•Samy Benmayor, (1956)•Matías Pinto D’Aguiar, (1956)•Omar Gatica, (1956)•Jorge Tacla, (1958)•entre otros

Todos ellos intentaron recuperar la pintura, el lenguaje y oficio propio de esta, elementos que se habían perdido con la tendencia conceptual de las décadas precedentes.


Carlos Maturana, “Bororo”, (1953)

Bororo pertenece a la llamada Escena de Avanzada o Generación de los 80. Ellos se han caracterizado por su intención de recuperar la pintura, el gesto y el carácter lúdico del arte, perdido en años anteriores.

Carlos Maturana realiza una obra que con el tiempo crece en formato, aumentan los tipos de perspectiva y se complejizan las temáticas. Las referencias íntimas se vuelven cada vez más importantes y son traducidas a la tela en color y visualidad. La comunicación que Bororo establece con el espectador es fruto de la sensorialidad, de hacer coincidir experiencias por medio de pequeños recursos visuales como la presencia de la cordillera o un automóvil en medio de la mancha. Bororo apela al conocimiento previo o sensitivo por sobre el intelectual.

Título: El farol; técnica: óleo sobre tela


Samy Benmayor (1956)

Benmayor y sus compañeros de generación intentaron recuperar la pintura, el lenguaje y oficio propio de su ejercicio, en definitiva, todo cuanto se había perdido o por lo menos extraviado con la tendencia conceptual anterior.

La obra de Samy Benmayor representó en un momento crítico de la pintura chilena, la revaloración de la pintura tradicional, esto quiere decir el regreso a la evolución natural del pintor y su oficio. Pese al informalismo presente en casi toda la obra de Benmayor, la esencia de esta se mantuvo en las vías del cuadro y el caballete. “Aparato digestivo de la vaca" es una obra donde está presente el mundo del pintor: la infancia, el color, la ingenuidad y la libertad.

Aparato digestivo de la vaca; Técnica: óleo y acrílico sobre tela


Ismael Frigerio (1955)

El trabajo de Ismael Frigerio siempre ha estado ligado a América y sus ancestros, a la cultura, historia y ecología del continente americano. Es un hecho recurrente la incursión de artistas que practican pintura tradicional en los nuevos medios tecnológicos, como una extensión de su obra pictórica. Es así como se emplea para hacer especies de pintura en movimiento. Una solución interesante es la de realizar obras colaborativas y en el caso de Ismael Frigerio y Felipe Zabala, es un hecho. La obra multimedia presenta una serie de cambios en la relación con el espectador y en la propia obra como su exhibición. En el caso de "Anatomía Monumental" el medio tecnológico se hace presente en una función representativa.

Título: Anatomía monumentalTécnica: multimedia, Ismael Frigerio (director) – Felipe Zabala (productor).


Generación emergente de los 90

Los artistas emergentes de los ’90, nacidos entre 1960 y 1975,

se caracterizan por usar elementos constitutivos de lo

cotidiano: sus obras están cargadas de recuerdos y de

objetos comunes. Es el grupo que comprende a los artistas

contemporáneos más jóvenes, quienes interpretan el sentir colectivo, incluyéndose ellos

mismos dentro de lo cotidiano. Así, se presentan como creadores visuales muy atractivos, cercanos al

espectador, con obras abiertas que permiten diversidad de

interpretaciones.

Con un reconocimiento que varía

entre uno y otro, algunos de los

nuevos artistas visuales son:

• Bruna Truffa (1963)

• Pablo Langlois (1964)

• Ciro Beltrán (1965)

• Natalia Babarovic (1966)

• Consuelo Lewin (1970)

• Voluspa Jarpa (1971)

• María Paz García (1972)

• Judith Jorquera (1974)


Voluspa Jarpa (1971)

Con el óleo sobre tela y ocupando parte de los academicismos, Voluspa pinta en grandes formatos, de tres, seis o más metros, con el fin de que su obra sea de lenta asimilación y no se ajuste al mero marco que sitúa la pintura como objeto decorativo.

En las obras de Voluspa Jarpa están presentes el procedimiento académico de hacer pintura, que se presenta bajo sistemas figurativos de representación y una analítica de las formas y visiones de los modelos y tópicos. Esta analítica no excluye otras formas pictóricas como es el caso de la obra Sin título, donde el informalismo, presente en una mancha, agrega connotaciones que serían imprevistas en la pintura tradicional.

Sin título


En esta pintura, Judith Jorquera trabaja con la condición arruinada de las citas históricas. Su trabajo es una cita-réplica de la Balsa de la Medusa (1818-19),pintura francesa del Romanticismo, en la que Théodore Géricault quiso representar un escandaloso acontecimiento político de la época: el naufragio de colonos franceses en las costas africanas que, por negligencia de su marina nacional, estuvieron a la deriva durante 15 agonizantes días, luego de los cuales unos pocos sobrevivientes lograron salvar sus vidas a bordo de una improvisada balsa.

Judith Jorquera (1974)

La artista chilena, llevando al extremo de la literalidad el tema de la obra original, sumerge por 4 días su reproducción en las costas de Valparaíso, para luego exhibir este espacio museal atacado por la ruina y el propio naufragio de la pintura a través de las marcas de su corrosión y sobrevivencia.

La balsa de la medusa naufraga en costas chilenas; óleo sobre tela.


Pablo Langlois (1964)

Pablo Langlois participa dentro de la llamada Generación Emergente de la pintura nacional. En su obra se ve claramente una oposición de visiones pictóricas (dialéctica). En El campo y la Ciudad no sólo entran en escena dos mundos en aparente contradicción, sino que conviven también diferentes modos de hacer pintura. Son superposiciones de telas que van cosidas manifestando la dificultad de la convivencia y de la síntesis entre el motivo bucólico y el mundo actual. En una observación aguda, Langlois se adentra en la vida que existe alrededor de las obras, capturando impresiones disímiles, pero que actúan poderosamente en conjunto.

El Campo y la Ciudad; óleo y costura sobre tela


Fuentes utilizadas en esta presentación

• http://www.portaldearte.cl/

• http://www.mavi.cl/MAVI/biografias/colvin.htm

• http://www.mac.uchile.cl/exposiciones/cambiodeaceite/museografias.html

• http://sunsite.dcc.uchile.cl/arte/murales/Historia.htm

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