Formación Estética Visual

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UNIVERSIDAD DE LOS ANDES FACULTA DE HUMANIDADES Y EDUCACIÓN ESCUELA DE EDUCACIÓN EDUCACIÓN ESTÉTICA Br.Yulymar Urbina Fernández C.I 22.987.305 Formac ión Estéti

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UNIVERSIDAD DE LOS ANDES

FACULTA DE HUMANIDADES Y EDUCACIÓN

ESCUELA DE EDUCACIÓN

EDUCACIÓN ESTÉTICA

Br.Yulymar Urbina FernándezC.I 22.987.305

Prof(a) Betty Osorio

Formación

Estétic

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Introducción

La Formación estética visual para la educación tiene como finalidad abordar

diversos contenidos presentados por el grupo Expositor nº 5, es por ello que

para complementar toda la información presentada, investigue un poco más

para obtener un desarrollo de búsqueda más completo y lograr utilizarla para

mi formación docente, asimismo iniciar las actividades relacionadas con la

formación estética visual, la prehistoria, la pedagogía y el tratamiento curricular

actual. A continuación presento información de contenidos antes mencionados

de una manera más amplia y explicativa.

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Formación Estética Visual

Las Formas y expresiones de arte que se encuentran enfocadas

preeminentemente a la creación de trabajos que son visuales por naturaleza

como pueden ser: la Pintura, la Fotografía, el Grabado, la Escultura, la

Arquitectura, el diseño.

Las artes visuales son una manifestación artística, expresiva, de percepción

visual en la cual el individuo crea y recrea mundos naturales o fantásticos

mediante elementos materiales utilizando diversas técnicas que le permiten

expresar sus sentimientos, emociones y percepciones del mundo que lo rodea.

Las Artes Visuales son formas de arte cuyas obras son principalmente visuales

en naturaleza.

 El Dibujo

Es la técnica primordial y básica de

todas las manifestaciones de las

artes plásticas. Detrás de cada

manifestación artística (pintura,

escultura, cerámica, entre otros) se

vislumbra la ejecución, real o mental,

de un dibujo previo. Gracias al dibujo

es posible resolver determinados

problemas planteado, por ejemplo, a

la hora de realizar un cuadro, la

valoración de tonos, la composición de

forma o la perspectiva, no se podrían

solucionar fácilmente si no se tuvieran los conocimientos y la práctica del

dibujo.

 Dibujar  es una representar gráficamente  bajo un color exclusivo,

generalmente, el negro, los dos aspectos que toda imagen presenta: la forma y

el volumen, ya sea  sobre una superficie, generalmente plana, por medio de

Figura 1 El dibujo en la prehistoria

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líneas o sombras, de objetos reales o imaginarios o de formas puramente

abstracta.

Para comprender en toda su magnitud el concepto global del dibujo, será

preciso que el lector reflexione sobre un hecho simple, pero muy importante: el

ser humano ve los objetos en relieve, y estos objetos tienen un volumen. He

aquí donde radica la dificultad a la hora de dibujar, puesto que se tiene que

expresar en dos dimensiones (en el papel de trabajo) aquello que se ve en tres

dimensiones (forma y volumen) sin el

apoyo del color, el dibujo deberá recurrir

fundamentalmente al estudio de las

proporciones y al análisis de las sombras.

Por su necesidad de representar todo lo

que le rodea, el hombre encuentra en el

dibujo el medio más eficaz para satisfacer

ese deseo.

La Escultura

La escultura es el arte de

modelar, tallar y esculpir un

material, con el fin de

representar figuras u objetos

en tres dimensiones. Esto

quiere decir que, a diferencia

de la pintura, que es

bidimensional y plana, las

esculturas tienen volumen y

pueden ser apreciadas no

sólo de frente sino desde

distintos puntos.

Figura 2 Dibujos realizados en cavernas

Figura 3 La Venus de Willendorf

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La escultura prehistórica es realizada principalmente en piedra y hueso. Como

primeras manifestaciones de escultura prehistórica encontramos utensilios y

plaquetas de marfil, y hueso grabados, además de ser un arte mobiliar,

realizado principalmente con piedra y hueso, materiales empleados por el

hombre primitivo.

Los Murales

Con origen etimológico en el latín

murālis, mural es un adjetivo que se

utiliza para referirse a lo vinculado

con un muro. El término también

puede emplearse como sustantivo

para nombrar a la pintura que se

desarrolla sobre una pared.

A lo largo de la historia, el ser

humano siempre ha elegido a los muros para desarrollar manifestaciones

artísticas. La pintura rupestre, de hecho, se desarrollaba sobre las paredes de

las cavernas. La pintura mural es una forma de arte muy antigua. Se

encuentra en las paredes de las cuevas prehistóricas, como en las de

Altamira, en España, y las de Lascaux, al suroeste de Francia, y

constituye un aspecto importante del arte paleolítico.

Arte en la prehistoria

Arte Rupestre

Se denomina Arte Rupestre a

manifestaciones las gráficas realizadas

sobre soportes rocosos de diverso tipo.

Dichas expresiones se pueden encontrar

en cuevas, aleros, afloramientos rocosos

o rocas sueltas dispersas al aire libre.

Según su técnica de confección se

Figura 4 Mural de Altamira

Figura 5 pictografías

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presentan como grabados, pinturas y geoglifos. Estos últimos diseños han sido

realizados en grandes superficies de terreno con distintas técnicas, como la

remoción de tierra o acumulación de rocas.

Las imágenes simbolizan seres humano, animales y el medio ambiente.

Por lo general se usaban dos colores como: el rojo, amarillo, ocre.

Sus instrumentos eran las ramas quemadas de los árboles o pintaban directamente con los dedos y el pelo de los animales

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Arte mobiliario o arte de mueble

También llamado arte miniatura o arte portátil consiste en figuras y objetos

decorativos tallados en hueso, cuernos de animal o piedra o modelados

toscamente en arcilla.

Estas figuras son pequeñas estatuillas antropomórficas (todo aquello que tiene

o recuerda la figura humana) y zoomorfas (figura

animal) talladas en arcilla y piedra. Particular

interés ofrecen unas características figuritas

femeninas de pequeño tamaño talladas en piedra,

denominadas genéricamente Venus. Estas

estatuillas tienen una clara tendencia a la

esquematización y un especial interés por resaltar

los atributos sexuales. De entre las más de

cincuenta figuras descubiertas destacan la Venus

de Willendorf y la Venus de Savignano. 

Arte Megalítico

Figura 6 Escenas de caza

Figura 7 La venus de Savignano - Museo

Prehistórico Pigorini (Roma - Italia)

Figura 8 Venus de Willendorf - Museo de Historia Natural (Viena -

Austria)

Figura 9 Caballo - Museo de las Antigüedades Nacionales (St. Germain-

en-Laye - Francia)

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Se reconoce a los monumentos formados por piedras grandes y toscamente

labradas, erguida en solitario o combinadas para formar una estructura,

levantadas bien con fines religiosos o bien como lugares de enterramiento o

como monumentos conmemorativos de sucesos destacados. Los de Europa

occidental pertenecen al neolítico y a la edad del bronce.

Los

principales tipos de monumentos megalíticos son:

El menhir: También llamado monolito

es una gran piedra clavada

verticalmente en el suelo

Figura 10 Mapa representativo de la civilizacion magalítica

Figura 11 Menhir de Filitosa (Córcega -

Francia)

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El dolmen: Se trata de un monumento

formado por varios menhires sobre los

que descansan horizontalmente otras

grandes piedras. Muchos de estos

dólmenes servían como cámara

funeraria.

El crómlech: Círculos

formados por varios

dólmenes y menhires.

 

Etapas de la Prehistoria

Abarca el período desde que apareció el

ser humano, hasta que comenzó a dejar escrita su historia. Abarca la parte

inicial del pasado humano y del cual los hombres no dejaron memoria escrita;

siendo esta una de sus principales características. Se cree que la duración de

la prehistoria fue de aproximadamente 95 000 años.

Edad de Piedra

Se calcula que la Edad de Piedra tuvo una duración de unos Cuarenta mil años

(40 000 años). Se divide, a su vez, en Paleolítico y Neolítico.

Figura 12 Vista interior del dolmen de la Menga - Antequera (Málaga -

España)

Figura 13 Crómlech de Stonehenge (Wiltshire - Gran Bretaña)

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1) Paleolítico: Este período es el más largo de la Prehistoria que

comprende desde la aparición del primer hombre hace 2.5 millones de

años hasta el año 10.000 a. C. Se subdivide en tres períodos:

El Paleolítico Inferior: desde la aparición del hombre, hace 2.5

millones de años hasta el 125.000 a. C. En esta etapa desarrollaron su

actividad el Homo hábilis y el Homo erectus. Fabricaron hachas de

mano y piedra tallada. Vivían de la caza, en campamentos al aire libre y

conservaron el fuego.

El Paleolítico Medio: comprende desde el 125.000 a. C. al 40.000 a. C.

y en él vivió en Europa el hombre de Neanderthal. Utilizaron hachas de

mano de forma triangular.

El Paleolítico Superior: se inicia hacia el 40.000 a. C. y llega hasta el

10.000 a. C. Se corresponde con las culturas creadas por el hombre de

Cro-Magnón y por el Homo sapiens sapiens. Este último inventó el arco

y la flecha y fue un artista genial en la pintura rupestre.

2) Neolítico: Entre los años 8.000 y

6.000 a. C. hubo un cambio climático

favorable con aumento de las

temperaturas. Esto motivó nuevos

modos de alimentarse: descubrió la

agricultura, la ganadería y la

cerámica.  Figura 14 civilizaciones neoliticas

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Parte de la humanidad se hizo

sedentaria y se agrupó en aldeas y

ciudades. Surgieron los primeros

oficios artesanos que construían

azadas  para cavar la tierra, hoces 

de piedra para segar el trigo y

molinos para moler el grano.

    Al inventar la rueda pudieron

hacer el carro y el torno del alfarero.

Otro invento importante fue el arado, que tirado por bueyes o asnos permitía

labrar la tierra.

Edad de los metales

 Edad de cobre: Es un período de la Prehistoria ubicado entre el Neolítico

(Nueva Edad de la Piedra) y la Edad del Bronce. En esta etapa el hombre

descubre la utilidad del oro, la plata y el cobre. Logra el dominio de la técnica

para el fundido de los metales. Aparecen las primeras joyas, elaboradas en oro

y plata, así como los primeros utensilios de cobre (5 000 años).

Figura 15 instrumentos parala recoleccion de alimentos

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Edad de Bronce: Es el período de la Prehistoria en el que se desarrolló la

metalurgia de este metal, resultado de la aleación de cobre con estaño. Este

metal fue descubierto de manera fortuita en el Antiguo Egipto, al mezclar los

pobladores cobre con estaño. Este descubrimiento hizo posible la metalurgia

en los pueblos del Cercano

Oriente y permitió a estas

comunidades la fabricación de

diversos objetos y armas más

sólidas para su defensa (1 700

años).

 Edad de hierro : Es el período en el cual se descubre y populariza el uso del

hierro como material para fabricar armas y herramientas. En algunas

sociedades antiguas, las tecnologías metalúrgicas necesarias para poder

trabajar el hierro aparecieron en forma simultánea con otros cambios

tecnológicos y culturales, incluyendo muchas veces cambios en la agricultura,

las creencias religiosas y los estilos artísticos, aunque este no ha sido siempre

el caso.

Su descubrimiento fue de

mucha importancia para el

hombre, pues mediante la

fundición de este metal obtuvo

la elaboración de diversos

objetos, haciendo menos dura

la realización de sus labores

diarias (900 años).

Pensadores Filosóficos

Figura 18 Intrumentos hechos con estaño.

Figura 19 Arte Metalurgico

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Immanuel Kant (1724-1804)

Fue profesor de filosofía en la universidad de

Königsberg, en Alemania. Su obra más

famosa “La crítica de la razón pura” apareció

en 1781. Kant permaneció soltero y llevo una

vida metódica y sin sobresaltos. Un autor muy

preocupado por el pensamiento humano y por

como conocemos la realidad sostuvo que

existe un conocimiento a priori sobre la

realidad de las cosas y luego nuestra mente

añade su propio orden a las sensaciones (conocimiento a posterior), no

tenemos una mente pasiva. Dijo además, que debe establecerse una distinción

entre un fenómeno y un nóumeno. El primero se refiere a una idea o

percepción, es la manera en que las cosas se nos aparecen en la mente. El

nóumeno, por el contrario, se refiere a la “cosa-en-si”, la existencia efectiva de

un objeto. Esta diferenciación nos sugiere que nunca podemos conocer la

realidad directamente, somos prisioneros de nuestros órganos sensoriales y de

las percepciones de nuestra mente.

¿Qué es lo bello para Kant? Para resolverlo, Kant se refiere a la

representación, no tratando de entender al objeto para conocerlo, sino

utilizando la imaginación respecto al sentimiento de placer o dolor. Su juicio

pues, no es lógico, es estético, entendiendo que su base determinante no

puede ser más que subjetiva. Es decir, se debe tener conciencia de la

representación del objeto, y unirla a la sensación de satisfacción, para lo cual,

no hace falta el conocimiento del tal objeto. Cuando se quiere determinar si

algo es bello, no se requiere darle importancia a su existencia, sino a la

contemplación que le damos y la satisfacción que nos causa tal contemplación.

Por tanto, para determinar si algo es bello debe bastar con saber si la mera

representación del objeto va acompañada en quien contempla de satisfacción,

aun si le es completamente indiferente la existencia del objeto representado.

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Esto, según Kant, porque cuando se mezcla el interés, el juicio es parcial y no

un juicio del gusto. Distingue lo bello de lo sublime, el cual, al igual que lo bello,

genera satisfacción desinteresada en quien lo contempla, y ambas son,

placeres originados por el juicio del gusto que pronuncia Kant. Lo sublime suele

representar cosas grandiosas, impresionantes o conmovedoras de la

naturaleza, en casos unidas al terror, a lo noble o a la magnificencia. Es decir,

lo sublime place, pero tal placer lo transmite infestado de asombro y respeto.

Ejemplos de representaciones sublimes son: La muerte, la noche, el tártaro,

entre otros. Lo sublime puede acompañar al placer de cierto terror o

melancolía; en algunos casos, meramente de un asombro tranquilo, y en otros,

un sentimiento de belleza extendido sobre una disposición general sublime.

ARTHUR SCHOPENHAUER (1788-1860)

Para Schopenhauer nuestro mundo está hecho del mismo material que el

de los sueños, el "Velo de maya" de los hindúes. Sólo existe una fuerza

cósmica: la voluntad; que tanto hace nacer estrellas como crecer las plantas o

generar y liquidar nuevos seres humanos sin cesar. Éstos se ven atrapados en

una dolorosa paradoja: no pueden resistirse al impulso de la voluntad ciega e

irracional de su propia naturaleza que muchas veces les acarrea el sufrimiento,

y a la vez aspiran a estar libres de él. Sólo hay dos formas al parecer de

liberarnos o de al menos reducir este sufrimiento. La primera es con la muerte,

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pero esto es algo de carácter completamente ilusorio y engañoso. Un trance en

el que la naturaleza, una vez acabada su función en nosotros, pondrá otro

nuevo individuo en nuestro lugar para continuar su tarea sin fin, y el sufrimiento

no terminará, haciendo que actos como el del suicidio sean totalmente inútiles.

La segunda es la tarea que llevan a cabo místicos y ascetas, que mediante la

aniquilación de su voluntad y su victoria sobre la naturaleza consiguen rasgar el

velo de maya, ver "más allá". Ésta es la única salida y victoria posible.

En lo que respecta a la estética y la función del arte, muchas son las

formas de arte que pueden dar acceso al reino de lo que Schopenhauer

designó como "lo bello". Menor es el número de formas de arte que pueden

conducir al individuo más allá, dándole acceso al reino de lo que dicho autor

llamó "sublime", caracterizado por el arrobamiento y, según lo dicho por el

autor, superior al de lo bello. Finalmente, el arte visionario en el cual "todo es

símbolo" puede dar acceso a la epoché estética y, en el caso de individuos

familiarizados con las instrucciones de las supremas tradiciones universales de

sabiduría, es incluso posible que este tipo de arte pueda emplearse como

medio de acceso al supremo reino de lo que Schopenhauer denominó "lo

santo". El acceso a este último reino implica una metodología distinta de la

señalada por el filósofo alemán que tanto apreció el budismo mahayana y los

Upanishads, y el reino al que se tiene acceso por medio de dicha metodología

no es exactamente el nirvana en los términos en que él lo describió.

Friedrich Nietzche (1844-1900)

Friedrich Nietzsche es uno de los autores más

reconocidos y admirados. Sobre todo por aquellos

que no le han leído. Autor complejo, enigmático,

fragmentario e incendiario. Sus textos son

provocadores, sumamente estimulantes para el

lector, pero es fácil permanecer bajo el embrujo

de la forma sin reparar en el contenido. “(...) sólo

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como fenómeno estético aparecen justificados la existencia y el mundo”.

Con esta contundente frase y todas las consecuencias que de ella se derivan

podría resumirse la primera etapa del pensamiento nietzscheano. Su obra

central, El nacimiento de la tragedia, está inspirada en la filosofía de

Schopenhauer y Nietzsche esperaba que sus tesis sobre el arte fueran

aplicadas por Wagner en sus óperas. Esta obra es, entre otras cosas, un

profundo estudio filológico, artístico y filosófico centrado en el nacimiento y

evolución de la tragedia griega. Dos fuerzas esenciales están presentes en

estas obras teatrales: por un lado Apolo, el dios griego del sol y la luz, y, por

otro lado, Dionisio, el dios del vino y la embriaguez. Ambos dioses son

utilizados por Nietzsche de un modo metafórico y simbólico, relacionándose

con estos significados: Dionisio es la voluntad (objeto central de la filosofía de

Schopenhauer), lo irracional, la noche, lo instintivo, y en la tragedia se

correspondería con los momentos musicales y de danza, y aquellos en los que

participa el coro. En cuanto a Apolo, representaría la luz de la razón, la

armonía, la alegría, la luminosidad del día, y se corresponde con las palabras

(lógos, palabra-razón) y los personajes. Evidentemente, sus valores son

opuestos: Dionisio es lo común (aquella parte de la tragedia en la que todos

participan, fundiendo su conciencia en una fiesta colectiva) y Apolo es lo

individual (el personaje con unas ideas, pensamientos o principios morales

propios, que no se identifica con lo colectivo).

La propuesta nietzscheana consiste precisamente en recuperar el sentido

originario de la tragedia griega: en desenmascarar a Apolo, para que Dionisio

retome el protagonismo que le corresponde. Eso es lo que Nieztsche

personifica en Schopenhauer y en Wagner. En la medida en que la voluntad (y

no el pensamiento o la verdad, como en la mayoría de los filósofos anteriores)

es uno de los conceptos clave de Schopenhauer, Nietzsche espera que su

pensamiento sea un punto de inflexión que permita volver a los valores

dionisíacos. Igualmente, proyecta sobre Wagner todos los presupuestos

artísticos que se derivan de El nacimiento de la tragedia, esperando que la

ópera de Wagner, concebida como un arte total en el que se conjugan todas

las demás, asuma la misión de volver a Dionisio. Los desencuentros

personales con Wagner unidos a su negativa de realizar este proyecto artístico,

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provocarán un distanciamiento progresivo, que terminará con una ruptura

definitiva entre ambos autores. Sin embargo, el protagonismo de Dionisio y

todos los valores que éste simboliza, reaparecerán una y otra vez en toda la

filosofía nietzscheana. La propuesta dionisíaca vendría a ser como el ave fénix

filosófico: muerto Dionisio, todas sus ideas vuelven a la vida encarnadas en

una nueva figura simbólica: Zaratustra.

Friedrich Von Schiller (1759-1805)

¿El arte hace humano al hombre? Algo

que también se preguntó el poeta,

dramaturgo y filósofo mejor conocido por

ser el “poeta de la libertad y de los

ideales nobles y abstractos” una

etiqueta que nos presenta a un hombre de

altos principios de humanidad el alemán

Friedrich Von Schiller. Para este autor así

parece ser. De hecho Schiller escribió, entre sus tantas obras, una en especial

titulada “Cartas sobre la educación estética del hombre”. El hombre llega a

ser humano, se convierte en hombre porque el arte lo hace hombre.

Es una de las ideas que se desarrolla en éste texto donde encontramos que

la belleza es el eje, el centro de las páginas. De allí que haya continuado una

penetrante búsqueda del significado de lo bello, de la libertad, de la creación

artística pero esta vez pensada como el “instinto” del juego. Siempre se dice

que es importante educar la mente, esto obviamente implica los estudios en

cualquier área, lo que genera que la persona sepa cosas, se cultive para él

mismo y la sociedad. Esto como reconocemos se desarrolla en un estadio por

lo general netamente racional.

Un rasgo que encontramos en las ideas de Schiller es que propone además

de educación mental una que se dirigiera a las emociones, que las limpiara de

tal modo que se volviesen más sensibles. Esto último porque es una cualidad

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inherente al ser humano que, al parecer, anda dormida. Si esto se logra

(educar la emoción) parafraseando al autor resultaría que “la capacidad del

hombre para lo bello aumenta”. Vemos entonces un punto que forma parte de

aquellas diferencias que lo separaba de otro pensador importante como

Immanuel Kant, porque Schiller señala que la razón no debe hacerse enemiga

de la sensibilidad, más bien su aliada. “El enemigo que no cambia puede aún

revelarse: pero el enemigo que se reconcilia es verdaderamente vencido”

(Schiller, 1990, carta V p. 141)

Esa fragmentación o separación razón-sensibilidad hace que el hombre

camine incompleto. Y es en este punto donde el arte juega el papel decisivo,

pues, es sólo por este medio que el hombre vence esa desfragmentación, se

reúne y funda el verdadero hombre. Este fenómeno de la llegada del arte a la

vida de las personas sucede —usando la misma imagen del autor- como el

niño cuando aún tiene cierta ingenuidad, pero una tremenda capacidad para el

entusiasmo, por la alegría del descubrimiento, el hombre —de igual forma-

reacciona a la belleza en la naturaleza, y la recrea en el arte. Crea en él, el

potencial de la razón. Como poeta nos dice el valor que le colocaba a la belleza

“Lo que recibimos aquí como belleza/Se nos presentara un día como verdad”

(Schiller, 1994, p.49)

Karl Marx (1818-1883)

Karl Marx nació en Prusia en 1818 y

murió en Londres en 1883. Se le

considera junto a Friedrich Engels el

padre del “socialismo científico” 4 y del

comunismo. Dos grandes influencias en

la teoría marxista son por un lado, la

visión materialista de la historia de

Feuerbach, y por otro lado, la dialéctica

hegeliana. Se conoce que para Marx el

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capitalismo con sus características o preceptos básicos (la propiedad privada,

separación del trabajo y del salario, plusvalía, etc.) produce una alienación del

trabajador que se convierte en una mercancía más. De hecho, se produce un

extrañamiento del trabajador hacia el producto de su trabajo, y por extensión se

produce también un extrañamiento de su interior:

"Todas estas consecuencias están determinadas por el hecho de que el

trabajador se relaciona con el producto de su trabajo como un objeto extraño.

Partiendo de este supuesto, es evidente que cuánto más se vuelca el

trabajador en su trabajo, tanto más poderoso es el mundo extraño, objetivo que

crea frente a sí y tanto más pobres son él mismo y su mundo interior, tanto

menos dueño de sí mismo es”. Por tanto, el capitalismo enajena al trabajador

de sí mismo y de su mundo interior, por lo que la belleza o el placer que no sea

la mera satisfacción de una necesidad básica no tienen cabida. De hecho, el

trabajo produce belleza para el rico, o lo que él llama “deformidades” para el

trabajador. Éste se ve abocado a sus necesidades más básicas, las de la

subsistencia, y es obligado a dejar de lado las necesidades más espirituales

(no referidas a la religión, a la que Marx ve como elemento enajenador al igual

que al capitalismo). Por tanto, hay funciones humanas entre las que estaría el

arte, tanto la creación como el disfrute del mismo, que quedan en manos de

unos pocos.

Hay una cierta similitud entre arte y trabajo desde esa perspectiva de

esencia humana. Marx habla de “fuerzas esenciales”, la capacidad de producir

objetos materiales por parte del hombre que expresan su esencia, como

pueden ser las obras de arte, que se elevan a un grado superior. Arte y trabajo

es entonces, actividad creadora por la que el ser humano produce objetos que

hablan de él y por él. A pesar de este comienzo en común, Marx hace una

importante división entre trabajo y arte, ya que los productos del primero

satisfacen una necesidad humana, y son útiles en cuánto satisfacen esa

necesidad precisamente. El arte sería más bien un suplemento, una necesidad

no básica, aunque sí necesaria.

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Estética, Arte y Pedagogía

Jusualdo Sosa

Maestro y escritor, se dedicó a las letras

para demostrar la posibilidad de una

educación “nueva” y manifestar su

"rebelión  como hombre" y su "escondida

venganza contra la despersonalización

de la escuela hacia el individuo". Su

primera experiencia docente la realizó en

la Escuela Experimental Nº 1 de

Montevideo. En su tarea chocaba a

menudo con directores e inspectores

que  consideraban que su clase "paseaba

demasiado".

Relata su experiencia en la escuela rural de Canteras del Riachuelo, a la que

describe con las siguientes palabras:

“...escuelita de un rincón de la tierra, simple barracón de cinc y madera,

descascarado; podridas sus puertas; raídos sus pisos; con latas y cartones por

vidrios; con un grupito de maestros salidos de la entraña de la realidad más

que de cartapacios pedagógicos, como sostenedores e inquietadores...”

Se apoyó en el método de Decroly colocando como principales pilares:

1. La observación

2. La organización

3. La asociación.

El accionar del maestro: se ve como objetivo para llevar a cabo todos los

aprendizajes por medio de experiencias, además de formas de expresividad

como el lenguaje, la música, la danza, entre otros, las cuales serían las

principales para el proceso de enseñanza-aprendizaje del niño(a).

Page 21: Formación Estética Visual

Lograr extender el aula escolar a su entorno, trasladar a los niños a salidas de

campo y conseguir la capacidad crítica con experiencias que en el futuro

pueden ser mucha ayuda para toda una sociedad.

Su propuesta se vinculaba a esta concepción ya que estructuraba el trabajo

partiendo de la realidad concreta de lo que ocurría en el medio,  de la relación

con los hogares, de la situación social y económica de sus habitantes, de la

peripecia de cada uno de los niños, lo que implicaba el análisis con ellos del

programa a desarrollar para atender a sus inquietudes y valorar sus iniciativas.

También se discutían y planificaban en conjunto con los niños las normas de

responsabilidad y disciplina colectiva, así como la publicación del periódico

escolar realizado por los niños y los maestros, llamado “El marrón”, nombre

inspirado en la herramienta utilizada por los trabajadores de la cantera para 

romper la piedra, emblema que también se encontraba en la bandera del

equipo deportivo de la escuela.

Animación Pedagógica

La animación representa la modalidad más típica de la educación. La

animación es el estilo con que se educa y abarca todos sus contenidos,

proceso y metodología. Educar desde la animación supone entender que el

verdadero cambio brota del interior de la persona, según ella se oriente en

libertad hacia un proyecto de vida. El educador puede incidir en el ambiente,

proponer un modelo de vida y un cuadro de valores, pero es el joven, sujeto y

protagonista de su desarrollo, quien ha de interiorizarlo. El estilo y el método de

la animación lo hacen posible.

La animación, pues, no se reduce a una técnica, a una metodología, a una

actividad o a un momento determinado, sino que es una mentalidad con la que

actúa el educador (PASTORAL JUVENIL 1985,41). Esa mentalidad se

fundamenta en:

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· Una antropología, una manera de entender a la persona, sus dinamismos y

procesos, en los que entra en juego su maduración. Gracias a sus recursos

interiores, la persona es capaz de hacerse cargo de los procesos que la

afectan.

· Un método, que sabe escoger los recursos y los momentos educativos y que

los organiza de modo que tiendan a liberar y promocionar, y no a restringir y

controlar.

· Un estilo de caminar con los jóvenes, de sugerir, de ayudar a crecer y de

saber captar los estímulos que de ellos proceden y descubrir sus posibilidades

reales y sus aspiraciones.

· Un objetivo y finalidad última de devolver a cada persona la alegría de vivir

plenamente y el valor de esperar y proyectar con ilusión y creatividad.

· Una función, que asume el rostro concreto de una persona, el animador, que

acompaña y discierne la validez del proceso formativo.

· Una estrategia educativa unitaria, que prefiere la calidad de las actuaciones

educativas a la cantidad, y ordena, por tanto, los tiempos, lugares y agentes

diversos en torno a procesos convergentes y unificados.

Page 23: Formación Estética Visual

Conclusión

De acuerdo a la búsqueda de información realizada y complementada es

importante destacar que en la lectura correspondiente al trabajo se propicio una

enriquecida respuesta a todas las preguntas que me realice durante la

exposición de los contenidos, los cuales abordaron distintos ámbitos que

emergieron desde hace muchos años y que hoy en día son utilizados como

formación y educación que contempla una belleza estética a partir de las

creaciones del hombre, con formas de expresividad a través de distintos

instrumentos, logrando utilizar su propio cuerpo para el desarrollo de una

sociedad. Las cuales tuvieron como principal objetivo la comunicación entre

ellos.

Page 24: Formación Estética Visual

Referencias Bibliográficas

http://el-dibujo.webnode.com.ve/el-dibujo-/

http://www.ecured.cu/index.php/Artes_Visuales

http://www.icarito.cl/enciclopedia/articulo/primer-ciclo-basico/educacion-

artistica/artes-visuales/2010/05/29-9088-9-la-escultura.shtml

http://thales.cica.es/rd/Recursos/rd98/HisArtLit/01/artepreh.htm

http://www.mercaba.org/ARTICULOS/L/

la_animacion_una_opcion_pedagogi.htm