Espacio Cultura Página 1


Imagen de Portada: Pepe González Arenas

Imagen de Contraportada: Pepe Mingol

Prólogo de esta Edición Francisco Arroyo Ceballos

Director de Arte Francisco Arroyo Ceballos

Director José Manuel Rosario

Es una edición Espacio Cultura

Agosto 2021

Índice

4 Pepe González Arenas6 Rosario Troncoso12 Antonio Fernández Sánchez14 Ana Karina Guevara16 Pepe Puntas20 Serra Sanabra22 Leo Millares24 Begoña Zamora28 Curro Sujar30 Eva Raboso32 Jorge Solana36 José Dominguez38 María José Sánchez Perea40 Piramidismo Cromático42 Tendencia Mundial46 Colectivo Cero50 Raquel Toledo Bernal52 Pepe Mingol


“Cultureando”

A veces detengo este constante ajetreo en el que vivo y me paro a pensar sobre mi devenir en el universo de la cultu-ra, ya desde hace tantos años inmerso, en su significado y sentido de futuro.

“Cultureando” voy por la vida como básica necesidad exis-tencial considerando que ello rige cada ser, que cada indi-viduo tiene una línea de vida y que ésta es la mía al igual que la de otros muchos.

A estas alturas no hace falta explicar la importancia que el hacer cultural tiene para el completo desarrollo social por cuanto está clara la relación entre educabilidad, cultura y una sociedad pulcra, repleta de respeto y tolerancia.

He tenido por suerte el haber pasado por bastantes disci-plinas artísticas y conocer de cerca otras muchas, siendo el nexo común el trabajo diario, la constancia en la creen-cia en lo que se hace, el amor y orgullo que el creador o ser que desarrolla algún tipo de faceta relacionada con la cultura siente al exponer su labor, al transmitir al público lo más profundo de su ser, lo íntimo que le hace deambular por el mundo.

El sentimiento y la emoción que producen la inspiración son sin lugar a dudas sustantivos primordiales para todo caminante cultural, a lo que podemos sumar la clara inten-ción ya expresada por lo educativo, formativo, pedagógico o didáctico.

Es por ello que abogamos por un mundo atestado de “cultureantes” que trabajando sin descanso en la música, danza, literatura, artes plásticas, etc.., den sentido a cada proceso social que acaece, reflejando el sentido y sensibi-lidad de cada época y procurando ese sueño por alcanzar que supone un mundo mejor.

Francisco Arroyo Ceballos

Artista plástico / De la Asoc. Internacional de Críticos de Arte AICA


Pepe vamos a presentarte, aunque ya eres bastante conocido, y hasta puede leerse tu biografía en la Wikipedia, pero quien le dirías a los lectores de ESPACIO CULTURA, que es Pepe González Arenas.

Mira, Pepe González Arenas es un hombre, na-cido en Córdoba (España), muy activo, con una curiosidad muy grande y que trata de ha-cer con amor, todo lo que realiza.

Bueno, tu eres un fotógrafo, especiali-zado en la calle y en el retrato, con una intensa producción artística y con una importante repercusión tanto en tu ciu-dad, Córdoba, como en el extranjero. ¿Es correcto?

Es correcto, yo soy artista. Soy un fo-tógrafo que le apasiona la fotografía y que podría haberse especializado en cualquier género fotográfico (fotografía nocturna, de naturaleza, de arquitectura, etc.) pero que en donde está realmente a gusto es en el retrato y en la fotografía de calle, eso que llaman la street photography.

¿Cuáles son tus referentes fotográficos?

Tengo numerosos artistas fotográficos que son una referencia para mi trabajo como Bruce Da-vidson, Garry Winogrand, Nicholas Nixon, Martin

Chambi, Atín Aya, Joan Colom, Pablo Juliá, Cris-tina García Rodero... pero si tuviera que elegir dos, me quedaría con Richard Avedon en foto-grafía de retrato y a Vivian Maier, en fotografía de calle.

Tu, siempre fotografías en blanco y negro

¿Cuál es el motivo?

Bueno eso no es exactamente así. Mi cámara

cuando graba capta toda la información de la imagen, con todos los colores que la escena tie-ne. Es luego, cuando edito la fotografía, cuando decido que sea en blanco y negro. Y lo hago porque no quiero que nada distraiga al público que observa mis obras. El blanco y negro hace que la atención del espectador se concentre en la foto y no se disperse en aspectos colaterales o secundarios. De todas maneras, a veces pre-

sento fotografías a todo color. Este reportaje muestra dos imágenes a color, además de la portada de la revista.

Hablemos del ritmo de trabajo. Tú no tienes un ritmo de trabajo normal. Tú llevas un in-tenso trabajo fotográfico.

Es verdad. Mira, como diría el gran Joaquín Sa-bina, yo ya tengo “una provecta edad” y esa es la razón por la que yo no sigo el ritmo habitual de la mayoría de los artistas. ¿Puede decirse que tengo una actividad frenética? Puede de-cirse. No me queda todo el tiempo del mundo para captar con mi cámara lo que deseo. Así

que fuerzo la máquina para que mi traba-jo artístico sea cada día mayor y mejor. Mi carrera artística tiene un comienzo dema-siado tardío y tengo que trabajar como si cada día fuera el último de mi vida

En 2018 realizaste la exposición EL FOTÓGRAFO Y EL ARTISTA, cuéntame qué es lo que te motivó.

A mí me preocupa mucho el valor que se le da al Arte y a la Cultura en general. Y me duele que un futbolista cualquiera sea más reconocido por la calle que un pintor o un escultor. Por eso me propuse añadir mi granito de arena a la tarea de que la ciudadanía conociera mejor a los artistas cordobeses. Convoqué a alguno de los mejores artistas de Córdoba y les propuse que posaran para mí, trabajan-do en sus estudios. Mis modelos fueron los artistas Francis Arroyo Ceballos, Juan Serrano, José Manuel Belmonte, Mª José Ruiz, Francisco Vera Muñoz, Luis Celo-rio, Juan Cantabrana, Rafael Cervantes, Carmen Polonio, Jacinto Lara, José María

Serrano y Eva Riquelme.

La exposición tuvo un gran impacto y una gran afluencia de público. Además, fue una ex-posición inmersiva, porque junto a cada fotografía expuesta se encontraba un có-digo QR que dirigía al espectador a una web donde se encontraba un pequeño documental del making of y un video ro-dado en 360º, que permitía sumergirse en cada sesión fotográfica.

De esa exposición siempre me llamó la atención su título, EL FOTÓGRAFO Y EL ARTISTA

Bueno, eso fue una manera de provocar un debate en la ciudad. Porque algunas perso-nas todavía creen que los fotógrafos no somos artistas porque dicen que “sólo apretamos un botón”. Y yo quise demostrar lo falaz de esa creencia, colocando a los artistas, pintores y es-cultores, como modelos y realizando un trabajo que mereció mucho reconocimiento.

Hablemos del 2020, del año de la pandemia.

“Soy fotógrafo porque creo que retratar es dar amor”.

En torno a la portadaPepe González Arenas


No quiero parecer frívolo. 2020 fue un año de dolor, pero desde el punto de vista artístico, para mí re-sultó muy positivo.

Mira, yo me propuse realizar una exposi-ción individual al año. ¿Por qué? Porque yo creo que sólo adquieres la condi-ción de artista, en este caso de fo-tógrafo, cuando sometes tu trabajo al juicio de los demás. Hoy en día, hay muchísima gente que hace unas fotografías espectaculares, pero no son fotógrafos porque no llegan a exponer su trabajo. Es ahí cuando la fotografía pasa a ser obra artística. Y consideraba que una exposición al año era un buen ritmo. Bueno, en ese dolo-roso año, yo pude realizar una exposición colectiva, un fotolibro colectivo y tres expo-siciones individuales. Y además la principal re-vista de Arte en España, me dedicó varias páginas.

En plena pandemia, expusiste en Alemania, en Núrem-berg. ¿Cómo fue esa experiencia?

Pues altamente gratificante. La exposición MIRADAS AL SUR (PARA NO PERDER EL NORTE), fue una muestra de mis fotografías que organizó magistralmente el Departamento de Relaciones Internacionales del Ayun-tamiento de Núremberg. Tuve un gran éxito de crítica y público, porque en Alemania el confinamiento fue más suave que en España y se permitía visitar las salas de exposiciones. En principio estaba previsto que durase tres semanas y se alargó hasta tres meses. Yo no pude ir a Alemania, pero hasta allí viajaron mis fotografías. Y como decía Gauguin, cuando un galerista parisino reclama su presencia en su exposición, “lo importante son mis obras, no yo”.

Pese a la epidemia mundial realizaste una exposición en el Museo Casa de Sefarad, en Córdoba, háblanos de ella.

La exposición fue proyecto fotográfico que comencé a diseñar hace dos años. Se trataba de hacer un homenaje a los libros y a la actividad de leer. Para mí, la lectura es una actividad de riesgo, porque al Poder no le interesa que la sociedad lea y sea culta, porque cuanto más inculta sea, más fácil será su manipulación.

Y además la lectura es necesaria, porque vivimos en un tiempo en que los lerdos no se avergüenzan de su ignorancia y presumen de no haber leído nunca un libro.

La exposición se tituló ELOGIO A LA LECTURA y mostró a catorce personas de la sociedad cordobesa, posando mientras leían, los catorce libros fa-

voritos de Sebastián de la Obra, director de la Casa de Sefarad. Así por ejemplo el artista Francis Arroyo

posa leyendo el libro de Marguerite Yourcenar, “El tiempo, gran escultor” o la influencer

Amalia González-Aroca que muestro le-yendo el libro de Rosario Castellanos,

“Mujer que sabe latín”

Pese a la pandemia la exposición estubo abierta dos meses y se com-plementó con conferencias, debates y visitas guiadas, con un respeto escrupuloso de las normas anti-co-vid19 (mascarillas, aforos limitados,

distancias interpersonales, desinfec-ción de manos, etc).

Pepe ¿porqué el Arte?

El Arte es una necesidad humana. Necesita-mos el Arte en nuestras vidas. Porque el Arte

nos hace mejores personas. El Arte nos aporta la sensibilidad y con la sensibilidad podemos ser más soli-

darios, podemos más ser “el otro”. El Arte nos permite ser compa-sivos, nos permite salir de nuestra burbuja, nos empuja a ser “especie”. Es verdad que en la historia de la Humanidad ha habido grandes criminales de guerra que eran amantes del Arte, pero eso solo es la excepción que confirma la regla. El Arte nos hace mejores personas.

¿Cómo has vivido la pandemia?

Pues con mucho miedo y con mucho dolor. Mucho miedo por las personas más cercanas a mi entorno. Y mucho dolor por los amigos perdidos y por esos más de cuatro millones de personas que se han marchado en circunstancias deplorables.

¿Y ahora qué, Pepe?

Pues ahora a seguir viviendo, a disfrutar de la vida y a corregir lo que no se ha hecho bien. Te lo explico en tres niveles.

Como nación, como sociedad, se nos avecina unos “felices veinte”, porque hay ganas de tocarse y de besarse. Necesitamos reencontrarnos con todos y todas. Pero igualmente necesitamos analizar lo que se ha hecho y corregir lo que no se ha hecho bien.

Como artistas, debemos ser la avanzadilla de la sociedad española, que “metabolice” esta pandemia.

A través de nuestras obras artísticas, tenemos que “digerir” toda esta epidemia y sus efectos y debemos hacerlos nosotros, que tenemos la ca-pacidad de crear arte. Yo ya he creado dos exposiciones, DAMNATIO ME-

MORIAE y EL PODER DE LA MIRADA. La primera de manera virtual y la segunda que se verá en el Centro de Arte Botí, en el próximo invierno. Y no descarto generar más obra artística que haga una catarsis de nuestras vidas.

Y, muy importante, como fotógrafos, hemos de aprovechar la lle-gada de un nuevo gobierno en España, con un nuevo ministro de Cultura. Si miramos a Europa, ningún país, salvo España, Rumanía, Malta y Chipre, carece de un Centro Nacional de Fotografía e Ima-gen. Sólo pensarlo produce vergüenza. No debemos mantener esa carencia que abochorna cuando nos miran desde fuera.

Por último, ¿por qué eres fotógrafo?

Soy fotógrafo porque creo que retratar es dar amor.


Rosario es gaditana, que no es decir poco. Ama las letras desde todos los puntos de vista. Dis-fruta de la lectura, disfruta de escribir, disfruta enseñando. Este podría ser un pequeño resu-men para una inmensa mujer.

Las sirenas son un sím-bolo de la libertad de todas las mujeres

Rosario Troncoso nace en Cádiz, la edad, como la de todos, no tiene la menor importancia. Es Licenciada en Humanidades y Experta en Ges-tión Cultural por la Universidad de Cádiz. Master

en Periodismo por la Universidad de Sevilla- Otra de sus pasiones, el articulismo-.

Ejerce como profesora de Lengua Castellana y Literatura en Puerto Real, mirador de la Bahía de Cádiz, donde un poeta dijo que comienza el paraíso.

El amor por los libros le llevó a crear su edito-rial para apoyar a autores y autoras del país. Con ella lanzó la Revista Literaria El Ático de los Gatos y, su versión infantil/juvenil, El Ático de los Gatitos.

La colaboración en medios también es referente en su desarrollo en el mundo de las letras. Co-

Rosario TroncosoLa amante de las letras


labora o ha colaborado en radios como Onda Cero Cádiz, en diarios como: Diario de Cádiz o La Voz del Sur; y en revistas culturales como CaoCultura o la Revista Cultural Blanco Sobre Negro.

En ‘Mater-nidades’ mostramos al mundo lo que es ser creadoras y madres

Troncoso tiene una larga trayectoria como poe-ta iniciándose en “Huir de los Domingos”. Edi-torial Padilla en 2006.

Durante este camino, que le lleva a la publica-ción y participación en sus tres últimas obras y la preparación como coordinadora de la que saldrá en el último cuatrimestre del año, ha coordinado también obras de poesía escrita por mujeres como fue “Nube. Un mar de mu-jeres. Personal antología. Ediciones en Huida, 2013” y obtuvo el accésit en el XY de Poesía del Ateneo de Sanlúcar de Barrameda por la obra “Reconstrucción”.

Este año, y algo, de sufrimiento y tensión a nivel mundial le ha servido a nuestra poeta para vol-ver a crear, aunque parte de ello ya estaba en los cajones esperando.

No importa si contigo llego al fin del camino con las es-quinas rotas


Tres son sus participaciones en últimas obras, y por supuestos algunos artículos de periódico.

La primera de este pequeño recorrido por sus últimos trabajos ha sido, Maternidades.

En El Corazón, Escamas. La Quinta Rosa Edi-torial.

Obra en colaboración con el pintor José Enri-que Izco, nos habla del amor y la pasión. Del encuentro entre hombres y sirenas. La autora comentaba en una entrevista “las sirenas son un símbolo de la libertad de todas las mujeres” (La Voz de Cádiz).

En tiempos de mascarillas ella ha querido recu-perar la figura de la sirena que es una contra-dicción en si misma. Es un ser libre y preso a la vez. Que no puede respirar fuera de su medio, el cual le da la auténtica libertad.

Esta obra pudo disfrutarse durante el primer mes de su lanzamiento con la posibilidad de ver los cuadros originales que han sido las ilustra-ciones del libro.

Maternidades, Sonámbulos Ediciones.

Es el resultado de la experiencia de la materni-dad contada por 39 autoras españolas e hispa-noamericanas narrada desde distintas ópticas

Desde la piel del verbo van trazando un mundo de experiencias en las que se van deteniendo, cada una a su voluntad, en diversos momentos, o a veces en un instante, de lo que es y significa ser madre. Las palabras se van entretejiendo para hablar del tiempo del embarazo, del mo-mento mismo de la concepción, de los años de crianza entre pañales, de miradas de futuro que se cuajan al observar a aquel ser que ha nacido de sus mismas entrañas. Y también el paso del tiempo, ese que ha ajado la mirada, y también

el cuerpo, de aquella madre que ahora ve en su herencia carnal un espejo en el que también mirarse. Coordinado por Carmen Alemany Bay

Rosario nos habla de esta obra, “En ‘Mater-nidades’ mostramos al mundo lo que es ser creadoras y madres” (Andalucía Informa-ción), habla de autoras que cada una desde ese punto de vista diverso que tiene cada ser humano, cada mujer, enfoca un hecho tan ma-ravilloso y mágico como es la maternidad.

Tapar los Espejos, Bajamar Editores.

Miguel Sepulveda en la Revista Cultural Blanco Sobre Negro, nos presenta esta obra así: “Ro-sario Troncoso nos invita en su última obra, pu-blicada por Bajamar ediciones, a que vigilemos nuestras emociones, nuestro espíritu y que no nos reflejemos en los espejos sin haber vivido antes lo necesario para aguantar nuestra ima-gen sin arrepentirnos de lo vivido. Eso es lo que ha logrado ella a través de una impactante com-binación de versos donde abre al lector su alma, hasta el punto de poder abrazarla y comparte con nosotros su obra más madura de esta ge-nial poeta”.

Obra que recoge Haikus y poemas para romper con una parte de lo anterior de su vida, para rehacerse así misma, de limpiar las posibles he-ridas que la vida le haya dejado y por supuesto para “recuperar aquellas alas perdidas”.

Vivir es sufrir pero también se disfrutar de ver pasar el tiempo de ver las cicatrices de los años y del sufrimiento reflejados en ese espejo que somos nosotros mismos.

“Tapar los espejos “ es su obra más dura y des-carnada. Una obra que hace romper con todo y volver a crear. A la autora “No importa si contigo llego al fin del camino con las esquinas rotas” (La Voz del Sur)

Haikus y poemas que harán profudizar en la vida.

Pero Rosario es una mujer y un alma inquieta. Necesita crear y crear, ya nuevos proyectos han sido puestos en funcionamiento, en marcha.

Ella no mira a la lejanía para que esos nuevos proyectos se inicien.

Unos será retomar, de nuevo, El Ático de los Gatitos. Este trabajo que tan dentro lleva y que no se define si como maestra o madre quiere continuar para que los más jóvenes puedan ir desarrollando sus primeros textos.

El nuevo número, ya se está trabajando en el, llegará, como casi todos los años de su vida, entre diciembre y enero.

Otro proyecto, del que en exclusiva lanzamos su portada, es El Libro del Mal Amor (Caigo y Re-nazco). Ideado y coordinado con ella será edi-tado por La Quinta Rosa contará con dos textos de más de una treintena de mujeres. Dentro de poco, como coordinadora , facilitará más infor-mación.


El Libro del Mal Amor - 1

EL LIBRO DEL MAL AMORCaigo y Renazco

Coordina Rosario Troncoso

PRÓXIMAMENTE


Descubre alguna de las Bibliotecas más her-mosas del mundo.

Biblioteca del Trinity College, Dublín, Irlanda.


Desde niño ha plasmado su inclinación por el dibujo debido a la influencia paterna.

En la adolescencia ingresó en la escuela de Ar-tes y Oficios.

Posteriormente cursó estudios en Bélgica y pa-sados unos años estudió en la Universidad de Madrid.

El mismo comenta: “Creo que a la hora de ha-blar de si el pintor nace o se hace hay que tener en cuenta que primero existe un proceso que te

inclina hacia una cosa que te gusta y luego un oficio, un hacer, sin trabajo no se logran metas. Para mí sólo el manchar el lienzo es un aven-tura,

Creo que no existe la perfección, solo obras me-jores y peores. Hay cuatro facetas en un pintor que son: Dibujo, Bodegón, Paisaje, y finalmente Retrato.

Siento la necesidad de pintar constantemente, Desarrollo actualmente mis obras en acrílico y

óleo, sobre diferentes soportes cómo tabla pre-parada y lienzo”.

Si volviera a nacer sin duda me dedicaría a ser artista de nuevo

Antonio Fernández Sánchez


¿Cuál es tu opinión sobre la situación del arte en la actualidad?

El Arte en la actualidad ,se ven reflejadas las preocupaciones e inquietudes tanto de una generación ,como las que incumben al mundo personal e íntimo,

Consumir arte en la actualidad es muy distinto de como ocurría incluso en el siglo pasado.

Ahora es posible dar más eco a las obras, la transmisión de conocimiento a niveles inimaginables, ahora es posible gracias a internet, que se usa como medio de difusión.

Por lo tanto ,en esta época de cuarentena causada por una pandemia con gran impacto sin duda ,lleva a más consumo de arte ,propicia su creación gracias a la disposición de tiempo.

¿Qué proyecto te gustaría realizar o cual es tu sueño artístico?

Mi sueño artístico es en el que una de las calles de mi municipio llevará mí nombre dado que es donde nací y tengo el estudio.

¿Si volvieras a nacer, volverías a ser artista?

Si volviera a nacer sin duda me dedicaría a ser artista de nuevo, creo que es una de las profesiones más bonitas y te sugieren el estar siempre activo en nuevos proyectos


“El primer contacto con Frida Kahlo fue a través de un libro que descubrí en mi adolescencia, en una visita a una librería con mis padres, lectores asiduos y desde entones me ha acompañado.

KAHLO, VIVA LA VIDA ha sido de gran enseñanza para mi, y espero que

para el público.

Frida Kahlo fue una mu-jer con una gran resi-liencia, una gran capa-cidad de su-

perar su pro-pio accidente,

de estar atada a una silla de rue-

das o a una

cama y pasar por el quirófano 33 veces, hasta la amputación de la pierna derecha. Ella se sobre-puso y tradujo su circunstancia en arte. Además mostraba su sentir en su manera de vestirse, a veces con atuendos coloridos y llena de flores, aretes, colguijes y otras con pantalones, cabello a rape, botas. Era su manera de acercarse o retar a su Diego.

Estuvo por lo mismo, mucho tiempo en el encie-rro, lo cual no le impidió celebrar la vida con sus amigos y sus amores. Ella me muestra que la libertad está en el espíritu, no en la posibilidad o no de moverse de un lugar a otro.

Los seres humanos hasta antes de esta pande-mia, habíamos vivido sintiéndonos inmortales, muchas veces postergando cosas por hacer o encuentros con personas queridas. A Frida, la muerte la rondaba todo el tiempo, por eso ella vivía apreciando cada momento, sacándole jugo a cada día, ocupaba su tiempo en pintar, cocinar para sus querid@s, hacer tertulias en su casa y agradeciendo cada mañana por estar viva.

Pilar Boliver como Directora, propone a una Fri-da más sobria en su vestir, sin el folklorismo exa-cerbado con el que muchas veces se le muestra; una Fri-da en su intimidad. La esce-nografía diseñada por ella, es una caja de sorpresas, con-cebida para transportarla fácilmente, pues es nuestra intención llevarla por el mun-do. Buscamos salir de los lu-gares comunes, en cuanto a

los elementos escenográficos, no hay pinceles, caballetes, si-lla de ruedas o muletas, lo que tenemos es “La pata de palo”, la reproducción exacta de su prótesis, que es una pieza que ha estado en su Casa Azul y que ha dado la vuelta al mun-do en diferentes exposiciones, esta reproducción es un obje-to artesanal, una obra de arte.

Otro objeto hermoso es una mesa-banca inspirada en la pintura que Frida llamó “La mesa herida”, una pintura de las pocas que realizó en gran formato, que fue

vista por última vez y que actualmente se des-conoce su paradero.

El vestuario es un vestido de tehuana, un poco mas sobrio de lo que recordamos haber visto en ella del cual salen sorpresas, se va trans-formando a lo largo el espectáculo.

Siempre el monólogo es un reto para cual-quier actor, actriz. Llevar a Frida Kahlo al es-cenario con su condición física tan particular,

su rigidez, dolor físico, la voz al final de su vida, después de litros de mezcal, varios cigarros, morfina. Sobre todo éste monólogo que va de una emoción a otra, Frida va de un momento de su vida a otro sin trámite; para mi es muy gozoso, ir de momentos álgidos del dolor a la carcajada, a la nostalgia, enamoramiento, de la soledad a lo festivo, de la borrachera a lo su-blime.

Considero que no es lo mismo representar a un personaje que nace de la inspiración de un dramaturgo, que llevar a escena un personaje que estuvo en este mundo, y que como Frida, es conocida internacionalmente. Por un lado, cada quien que conozca de su obra o de su vida, tiene a su propia Frida, ha hecho una imagen personal de esta mujer, el reto está en que el público reciba a nuestra Frida y complete al per-sonaje que ha tenido en mente, para terminar riendo, cantando y brindaando con ella. Y por otro lado, pido permiso a ese ser que estuvo entre nosotros, para navegar por su mundo in-

En EscenaAna Karina Guevara


terno y sus emociones, cada función es mi humilde homenaje a esta mujer prolífica, valiente y talentosa, que ES Frida Kahlo”.

Biografía

Nacida en Mexicali, Baja California, Licenciada en Psicología por la Uni-versidad Iberoamericana en CDMX, Estudió la Carrera de Actuación, el Diplomado en los Nuevos Avances en Constelaciones Familiares avalado por el Bert Hellinger Institute. Ha tomado talleres con Anna Strasberg del Lee Strasberg Institute. Se inició como ACTRIZ en los escenarios a los 6 años tomando cursos y talleres impartidos por Jorge Esma, Julián Guajar-do, Wilebaldo López, Martha Luna, Juan Antonio Llanes, Raúl Zermeño. Fue miembro Fundador infantil de la Compañía estatal de Teatro de Baja California 1976 y protagonizando El Principito.

Ha participado en más de 40 montajes, entre las que destacan: Amor Oscuro de Isaac Slomianski, La Reunión de Trinidad González, por la que obtuvo el PREMIO Pez de oro por Mejor Actriz; Privacidad, Kahlo, Viva la Vida de Humberto Robles, Sánchez Huerta PREMIO Por la Asociación de Críticos Teatrales *APT El Método Grönholm de Jordi Galcerán, RECONOCI-MIENTO por trayectoria por la ACPT. La Prueba de David Auburn; El conti-nente negro de Marco Antonio de la Parra; Los Monólogos de la Vagina de Eve Ensler, PREMIO “Anita Blanche” por la ACPT Confesiones de Mujeres de 30. Cada quién su vida Adaptación de Víctor Hugo Rascón Banda; Los perros de Dios, PREMIO Revelación Femenina.

COMO ACTRIZ EN CINE participó entre otras: 50 o dos ballenas se encuen-tran en la playa, Nosotros los Nobles, Rosario PREMIO Mejor actriz por el Festival Pantalla de cristal, La mitad del mundo, Ciudades Oscuras, La Habitación Azul, Demasiado Amor. Los Contrera’s Family.

COMO ACTRIZ EN TELEVISIÓN hizo 18 TELENOVELAS en TV Azteca donde laboró por 20 años. En SERIES: Madre sólo hay 2, La Muchacha que Lim-pia, El Dragón, La Bella y las Bestias, La Piloto, Hasta que te conocí. ES DIRECTORA DE CONTENIDO en el canal digital @EzeniKids, DIRECTORA de la mini-serie digital Refugio en el país de las mujeres rotas (en proceso) EDITORA de la revista digital @OcioMood. Es PRODUCTORA Y DIRECTORA DE TEATRO.


Pepe Puntas

Pepe Puntas es por decirlo de alguna manera el anti-arte, es una persona próxima y amable. Gusta del arte y la cultura, de conversación apasionada. Actualmente le inquieta el proceso creativo y la abstracción geométrica (neogeo). Según le he oído decir, en el arte se está casi siempre a ciegas, como sa-biendo y no sabiendo y confiando en el próximo paso incierto que dar.

Sus últimas obras son un estudio pormenorizado de en-sayos, ideas y actuaciones realizadas mientras se ejecuta una obra de arte. En primer lugar aparece la voluntad de crear, el motivo, la forma, la elección de materiales, pruebas de color, así como el grueso de pinceles, texturas y otras actuaciones. La obra en sí, su resultado, es el conjunto de pensamientos y acciones que se realizan durante el proceso creativo y que nunca salen a la luz, es decir, se expone todo aquello que se desecha y se tira. Más del 90% de la intervención es azaro-sa e involuntaria. Dentro de esta serie están los mapas, en principio urbanos, de las ciudades más sobresalientes para el autor pero que, sin embargo, encubren la cartografía de siluetas femeninas.

Por otra parte, en sus piezas geométricas existe una serie de errores voluntarios que hacen que sean genuinas y espe-ciales. Estas obras poseen una cierta ambición de eternidad teñida de las huellas del paso del tiempo y el deterioro.


¿Qué es el arte?

Hay mil maneras de responder, pero dadas las circunstancias lo haré con un fandango de Huelva de Paco Torronjo, que decía así: “un fandango, un concejo, para cantar un fandango yo diría que más que busques la medía, procura que sea un desga-rro de una ilusión de tu vida”.

¿Quiénes hacen arte?

Algunos artistas….

¿Quiénes son los artistas?

Los artistas son aquellas personas que viven, se comportan, piensan como tales y hacen cosas para exhibirlas como obras de arte.

¿Y los artesanos?

Son los otros, son los artistas que tienen un oficio y lo desarrollan de forma espectacular. En el arte actual, los puristas piensan que el hecho de tener oficio, es un inconveniente que interfiere de forma negativa en el acto de la creación. Yo no comparto dicha idea, por eso no se me ocurriría llamar a un carpintero para arreglarme la cisterna.

¿Cómo ser artista y no morir en el intento?

Difícil, el entramado que existe es muy exigente y competitivo, sólo sobreviven los que están en el circuito y los que verdaderamente hacen cosas singulares. Como sospechamos existe un porcen-taje muy alto de autores que no están en ninguna de esas circunstancias y se están pegando coda-zos por llevarse un trozo de pan a la boca. Pensar que todo lo que rodea al arte es bello y de buen rollo es una mentira piadosa.



Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, Washington D.C.

Serra Sanabra A finales de los años 70, aprende en compañía de ilustres pintores como

Elías Garralda, Josep Colomé y Noguer entre otros, compartiendo los bellos paisajes del entorno gerundense.

La luz juega un papel determinante en su obra, incorporándola como elemento variable por la incidencia de ésta sobre el acero,

generando con ella una obra siempre cambiante.

Sus últimos trabajos se han realizado sobre la misma base de acero o aluminio pero en esta ocasión tratando los fondos

marinos con óleo en color y utilizando técnica mixta 3D

Su obra es exclusiva a nivel mundial y así ha sido con-firmado tanto por críticos como galeristas, estando presente obra ha estado presente en multitud de ins-tituciones de España, Italia, Marruecos, Corea del Sur, México, Francia, Suecia, Austria, China, etc.

Participaciones en Ferias Internacionales como Im-magina (Italia), Artexpo New York (USA), MARBART (Marbella), Artinnsbruck (Austria), Daeguartfair (Corea del Sur), Carrousel Du Louvre (Francia), Expo Contemporary Art Nanjing (China), etc.

Su obra se encuentra repartida en colecciones privadas de España, Reino Unido, E.E.U.U., Aus-tralia, Italia, Suiza...

¿Ha variado su estilo o pintura con los años?

Si por supuesto. Para empezar le diré que soy au-todidácta y por ello desde mis inicios me he visto obligada a investigar por mi cuenta las técnicas a seguir.

Empecé con el lienzo y pintura al óleo con pinceles. Seguí con espátula. Cambié el lienzo por acero o alu-

minio. Dejé el color para utilizar solamente el blanco y negro. Incorporé volúmenes con aluminio y actualmente,

sigo utilizando el aluminio como soporte con técnica mix-ta 3D con óleo en color.

Su inspiración, ¿de dónde viene?

La Naturaleza, siempre la Naturaleza.

Las profundidades de los mares y océanos han sido y son fuente de esa inspiración.

Gran parte de mi obra está dedicada a Jacques Cousteau.

Las montañas y sus senderos, sus rincones, sus plantas...son otra fuente en la que me recreo.

Proyectos

En los tiempos tan desastrosos en los que estamos viviendo por el COVID-19 muchos de los proyectos que tenía previstos o se han cancelado o aplazado (sobre todo Ferias

Internacionales), no obstante continuo exponiendo en España, China o Estados Unidos.

Para el próximo mes de Agosto, participaré en una Exposición Internacional en el Museo Histórico de las Merindades y posteriormente en Bilbao.

Serra Sanabra

Leo MillaresHe leído que te defines como pintor, ¿es así? ¿por qué?

Empecé a pintar desde muy joven y hoy por hoy sigo pintando siem-pre que pueda. Esta es mi prime-ra vocación hasta que un día me llamó la atención el mundo del ta-tuaje y quise probarlo. Tatuando yo pinto en la piel humana.

Te llaman el “tatuador de las estrellas”, el “tatuador de los futbolistas”, ¿Estás cómodo con esa afirmación?

No estoy ni cómodo ni tampoco incómodo, es simplemente el nombre que me pusieron varios periódicos deportivos y así se quedó.

¿A qué futbolistas has tatuado?

Son muchos. Entre ellos desta-can: Guti, Fernando Torres, Ser-gio Ramos, Pepe Reina, Arbeloa, El Kun Agüero, Javi Martínez, Hi-guaín, Santi Cazorla, Leo Franco, Antonio López, Amorebieta, Rodri Betancur, Raúl García, Maniche, Mariano, etc.

¿Algún tatuaje o jugador que puedas destacar?

La Capilla Sixtina por ejemplo que lleva tatuada Guti.

¿Es verdad que en tus inicios tatuaste a mano el escudo de un equipo de fútbol a un veci-no?

Sí, es verdad. Fueron tiempos en los que el mundo del tatuaje no estaba tan avanzado y teníamos que poner mucho ingenio.

Quién te iba a decir que años después acabarías tatuando a tantos futbolistas...¿Qué pasó? ¿Quién fue el primer futbolista? ¿Cómo se construyó tu fama?

El Caño Ibagaza al fichar por el Atlético de Madrid supo que yo tatuaba en España. En aquel momento yo era el tatuador del peluquero de Fernando Torres y un día él se presentó en la pelu-quería y a partir de allí fue el boca

a boca en los vestuarios que hizo que cada vez más futbolistas se animaran a tatuarse.

¿Para ti que significa tatuar a un futbolista? Supongo que es un gran escaparate...

Es verdad que las personas que tienen muchos seguidores por su profesión dan muchísima vi-sibilidad a mis trabajos aunque un buen trabajo, y en el caso un tatuaje lo lleva en su piel toda persona tanto famosa como anó-nima y eso se ve y más desde que existen las Redes Sociales.

¿Es más responsabilidad tatuar a un futbolista, en el que hay tantos focos puestos, que a una persona anónima?

Para mí la responsabilidad es la misma independientemente de si tatúo a una persona anónima o no.

Al fin y al cabo trabajo en la piel de la gente y a eso hay que tener-le mucho respeto.

Llama la atención el gusto de todos los futbolistas (hay muy pocas excepciones) por cubrir su piel con litros de tinta, ¿Por qué?

Hoy en día ya hay poca gente que no vaya tatuada no solo los fut-bolistas. Lo que pasa es que yo fui el encargado de limpiar la mala imagen del tatuaje al empezar a tatuar futbolistas. Y a partir de allí se abrió el mercado para realizar obras de arte en la piel algo que antes solo podríamos ver en un museo en lienzos colgados en las paredes. Ya se ha abierto la visión sobre el arte y de que un tatua-je no es algo “underground”, es arte de verdad, es vicio, es forma de expresarse, sentimientos...

¿Cuáles son los tatuajes más demandados por los futbolis-tas?


Y sus motivos principales...¿Motivos simple-mente estéticos?, ¿Sentimentales?, ¿Cómo talismanes?

La variedad en muy grande. Para unos los motivos son sentimentales, otros son estéti-cos o como es el caso de Sergio Ramos por ejemplo son recuerdos dando homenaje de la tierra donde ha nacido tatuándose la Giralda o su devoción religiosa expresada con vírgenes. Otros jugadores narran sus historias en la piel, el nacimiento de sus hijos, los trofeos que han ganado...

Décadas atrás los tatuajes eran de macarras, de gente de mala vida...Pero han pasado de estar estigmatizados a integrarse con nor-malidad en nuestras vidas. ¿Qué es lo que ha cambiado?

Por eso yo fui el pionero en limpiar la mala ima-gen del tatuaje al comenzar a tatuar a futbolis-tas. Lo que antes decían los padres a sus hijos que era de macarras ahora lo llevan en su piel ídolos de masas. Por ello la revista Influencers contó conmigo como tal.

¿En qué franja de precios nos movemos, desde un diseño pequeño a uno de espalda completa y varias sesiones?

Los precios dependen de muchos factores como pueden ser: la zona, tamaño, la dificultad del trabajo, el diseño... Todo ello hace que los precios puedan variar. Eso sí, por un tatuaje de características parecidas el precio es el mismo inde-pendientemente si es una persona conocida o anónima.

Entre las personas anónimas que se ponen en tus manos, ¿hay mu-chos que eligen motivos futbolísticos- escudos, retratos de jugado-res, etc.?

Sí, la verdad es que sí. El fútbol mueve masas y los simpatizantes de dife-rentes equipos quieren llevar en su piel parte de la historias de su club o jugador favorito.

¿Alguna vez te han pedido un tatuaje igual al que lleva un jugador? ¿Lo harías o son diseños únicos? Si alguien te pide que repliques en su piel el tatuaje de u futbolista lo haces o son únicos?

Cada tatuaje es único. Yo como pintor no tengo una obra que sea igual que otra. El arte de pintar sea en un lienzo o en la piel no entiende de copiar. Es un sentimiento. Y eso lo va a entender toda persona que se considera pintora.

Por su aguja han pasado todo tipo de famosos, desde futbolistas como Fernando Torres, Sergio Ramos o Guti a cantantes como Alejandro Sanz, Leiva o Soraya, pasando por actrices como Natalia Verbeke. A los 14 años se fue de la casa de sus padres para ganarse la vida dibujando. Entre pintar paisajes con los dedos en platos cerámicos y hacer body painting con modelos descubrió que lo suyo eran los tatuajes. Empezó “perdiendo amigos”, haciéndo-le a mano el escudo de un equipo de fútbol a su vecino, y desde entonces no ha parado. A mediados de los 90 abrió su primer estudio en Buenos Aires, su ciudad natal, pero en el año 2000 voló a España para no volver. Se asentó Móstoles, donde hasta el día de hoy mantiene su emblemático estudio, Soul Tattoo.


Pintora nacida en Ciudad Real e ilicitana de adopción.

Tras múltiples exposiciones colectivas por Es-paña con pintores solidarios y diversas galerías de arte ha sido seleccionada en prestigiosos certámenes a nivel nacional. Recientemente ha inaugurado su segunda exposición indi-vidual teniendo gran aceptación al igual que la primera. Gran parte de su obra ya pertenece a colecciones privadas.

¿Qué es el arte para ti y porqué el arte?

El arte para mí es la manera más her-mosa de expresión. Sin arte la vida sería más gris y aburrida. En el arte no existe la monotonía, cada obra me invita a una experiencia diferente.

¿Cuál es tu opinión sobre la situación del arte en la actualidad?

En estos momentos que estamos viviendo el arte está pasando por una situación difícil y complicada. Pienso que los artistas siempre hemos estado bastante desprotegidos y ahora

necesitamos, más que nunca, apoyos y ayudas institucionales.

¿Qué proyecto te gustaría realizar o cuál es tu sueño artístico?

Crear una obra única y extraordinaria en el arte y exponer en el museo Guggenheim.

¿Algún referente artístico?

Cuando era niña, los pintores del Renacimien-to, más tarde, en mis comienzos en el mundo del arte, los impresionistas, postimpresionis-tas, Fauvistas, etc. Amo tanto el arte que me apasiona desde Botticelli a las pinturas abs-

tractas de Paul Klee.

¿Cuándo te gusta pintar?

Me gusta pintar a primera hora de la mañana, es cuando siento la mente despejada y llena de energía. Pinto a diario en sesiones cortas de

máximo tres horas, excepto cuando estoy embarcada en algún proyecto importante.

¿Te gustaría desarrollar otra faceta en las artes?

La cerámica es mi asignatura pendien-te.

¿Qué es lo que te gusta reflejar en tu obra?

Me apasiona provocar emociones.

¿Muestras colectivas o individuales y cuál es tu preferencia?

Ambas. Las colectivas me encantan porque tengo la oportunidad de relacionarme con mis compañeros pintores y las encuentro muy en-riquecedoras. Las individuales son muy nece-sarias sobre todo para desarrollar series de manera más profunda.

Begoña Zamora

El arte para mi es la manera más hermosa de

expresión.



Biblioteca George Peabody, Baltimore, EE.UU.


Curro Sujar

¿Quién es Curro Sújar?

Curro Sujar es un Técnico en Preimpresión de Ar-tes Gráficas, miembro de la Agrupación de Acua-relistas de Andalucía, Confederación Europea de Acuarelistas (ECWS) y la International Watercolor Society (IWS), con un estilo realista contemporá-neo que le define como Artista Plástico, realizan-do también obras con unos matices de ilustracio-nes y abstracciones que cuenta con numerosas exposiciones colectivas e individuales y que ha sido premiado y seleccionado para participar en numerosas exposiciones nacionales e internacio-nales como Paris, Alemania, Polonia, Estonia.

¿Qué significa el arte para ti?

Para mi significa expresar lo que siento cuando te asalta una idea, es toda forma de expresión de carácter creativo que puede tener un ser huma-no y la capacidad que tenemos para representar nuestros sentimientos, emociones y percepciones a través de una infinidad de formas y técnicas.

¿Cuál es la situación del arte en pandemia?

Está siendo desastrosa para los artistas que he-mos tenido que sufrir la cancelación de múltiples proyectos, aunque en la soledad del confinamien-to muchos hemos sido capaces de traducir la in-certidumbre derivada de la pandemia en nuevos formatos, colores o temáticas con las que seguir creciendo profesionalmente… vamos… lo que se dice… “Reinventarse”.

¿Cómo te iniciaste, cuáles fueron tus comien-zos?

Al entrar en la Escuela de Artes descubrí un mun-do que estaba dormido en mí, y formándome pro-fesionalmente afloraron todas esas cosas, que se convirtieron en una necesidad vital que se com-pletó coincidiendo con la técnica de la Acuarela y una segunda oportunidad que me dio la vida.

¿Qué temática te gusta pintar?

De todo, si bien los objetos cotidia-nos, la actividad diaria más inme-diata son mi fuente de inspiración, pero también encuentro la belleza en lo pequeño en lo sublime en todo aquello en lo que ni siquiera habíamos reparado con nuestros ojos… eso me inspira mucho por-que la realidad la conforman los mínimos elementos y sus singulari-dades, que hacen que una realidad sea distinta a otra y en los ojos del espectador todo puede ser bello si se mira de la forma adecuada. Lo explicare de otra manera… es más bien como una ventana o vía de entrada hacía conceptos más tras-cendentes que se relacionan con el mundo de las ideas, las emociones, los sentimientos. Tal vez eso es lo que confiera una dimensión al rea-


lismo que planteo en mi obra. Cada obra es una invitación a mirar un poco más allá de la realidad material que nos rodea.

¿Te gustaría desarrollar más líneas en las artes?

Actualmente lo estoy haciendo con la estampación gráfica, a raíz de unos encuentros y talleres con el Maestro Jacinto Lara en el Centro de Creación

Contemporánea de Andalucía en Córdoba con el grabado, xilografía, lino-grabado etc.

¿Exposiciones colectivas o individuales. Cuál es tu preferencia?

Por supuesto individuales, es donde puedes decir lo que quieres y expre-sar todo un mundo de sentimientos más personales. A veces las colec-

tivas también pueden estar bien por compartir espacio con compañeros y en estos tiempos tan convulsos es una manera de aunar es-fuerzos por salir adelante.

¿Tienes en mente algún nuevo proyecto o algún giro en tu trabajo?

Los proyectos son las expo-siciones que se aplazaron y el giro como te he comen-tado anteriormente es in-vestigar y aunar el realismo en la acuarela y la estampa-ción grafica.


¿Por qué te dedicas al Arte?

El Arte es mi motor vital, la observación y la curiosidad es lo que hace que mi mente quiera desarrollar otra realidad. Siempre he pensado que cada ser humano ve las cosas desde su punto de vista.

Me gusta jugar con la imaginación para poder aportar algo diferente a gente que tenga cierta sensibilidad para poder percibirlo. Hacer que la gente sueñe con algo diferente a su realidad. Desde muy pequeñita he pensado que el Arte es un acto de generosidad y que debe ir acompa-ñado de humildad, desde ese punto todo lo que se crea es puro y genuino.

¿Crees que el Covid ha ayudado en los pro-cesos creativos de los artistas o todo lo contrario?

Pienso que estos momentos que vivimos desde el inicio del covid han ido variando en todos los sectores, los artistas que trabajamos en arte como una profesión dedicados en cuerpo y alma a crear ya vivíamos confi-nados voluntariamente, digamos que a mí en concreto me ha podido afectar a nivel emocional pues pensaba que esto sacaría lo mejor del ser humano pero fue una ilusión efí-mera ya que al final lo que podido observar en mucha gente es el egoísmo y la poca empatía de la sociedad por un bien común.

También me alegra saber que no es toda la so-ciedad al completo.

Algo positivo es que muchos grupos de artis-tas nos hemos unido para hacer que el arte perdure sin importarnos la técnica que cada uno utilice. TODO POR EL ARTE.

¿Es curioso que pintes ciudades sin personas desde hace años, te imagi-nabas que esto podía llegar a pasar o es pura coincidencia?

Urban Vertical es una serie de cuadros con efectos ópticos que surgió de una casualidad al realizar un encargo. Nunca quise pintar personas en esos cuadros pues hago todo por intuición. Durante años me decían que porqué no tenían personas, yo siempre contestaba que los Urban son así.

¿Cómo ves el apoyo por las institu-ciones públicas a los artistas, como os podrían ayudar más como colectivo?

¿Está España a la altura de otros países con los que hayas podido colaborar?

Pienso que se podría ayudar más a los artistas en cuanto a localizaciones (espacios cerrados sin uso), visibilidad y ayudas, no solo a los que tienen nombre pues tenemos grandes artistas por descubrir en nuestro país. En otros países se contempla

el arte como un bien cultural y algo por lo que vivir.

Pienso que con la creatividad de los artistas y un apoyo institucional se podrían hacer grandes cosas.

¿Cuáles son tus próximos proyectos?

A pesar del extraño momento que estamos vi-viendo soy muy afortunada porque tengo varios proyectos pendientes.

A titulo ejemplo os enumero algunos:

A mitad de agosto tengo una exposición “Colec-tivo Cero” en Socuellamos .

Actualmente en Córdoba con la Galeria “Aires de Córdoba” Lucia y Daniel. Grandes amantes del arte.

Y preparando para Unesco junto a cinco gran-des artistas una exposión itinerante por varias

ciudades Españolas y europeas.

Eva RabosoEl arte urbano


¿Nos reseñas algunas de tus últimas mues-tras?

Algunas de mis últimas participaciones han sido:

Segundo premio Certamen de fotografía Sema-na Santa Confinada 2020.

Alcazar de San Juan.

Sala aires de Córdoba. “ El arte en la Navidad” nov. 2019/ Enero 2020. Córdoba

Studio Spieker, Babelsberger Straße 6, 10715 Berlín. 2020

“Segundo Festival Internacional de Arte sin Fronteras por la Paz de Colombia”

Centro de Cultura Héctor Polanía en la ciudad de Pitalito. (Colombia) Sep. 2019

Mt Galerie Berlín “The universe of a dream” Agosto, Sep , Oct 2019. Berlín

Algo positivo es que muchos grupos de artistas nos hemos unido para hacer que el arte perdu-re sin importarnos la técnica que cada uno utilice. TODO POR EL ARTE


¿Cómo fueron tus comienzos en el arte?

Mi padre, pintor de profesión, tenía un estudio en donde impartía clases de dibujo y pintura. Yo me crié en ese estudio, por lo que siempre dibujé y pinté con mucho afán desde una edad muy temprana. Hasta mi adolescencia estuve enfocado en el cómic y la ilustración, llegando a publicar algunas historietas en revistas locales e incluso a realizar portadas para algunos libros. Siempre tuve la vocación del dibujo y totalmente clara mi intención de realizar Bellas Artes, ca-rrera en la que me licencié por la especialidad de Pintura en la Facultad de Bellas Artes de Sa-lamanca. Mis primeras exposiciones profesiona-les, individuales y colectivas se dieron durante mis estudios superiores.

Háblanos de tu estilo y técnica

Durante mis años de estudio pude abarcar di-versos estilos pictóricos, especializando en la tinta china y el óleo, desde el impresionismo como introducción, para llegar a abordar todos los estilos que pudiera absorber, muy influen-ciado por artistas como Munch, Odilon Redon, Picasso o Matisse. Pase por una fase primitivis-ta muy cercana al expresionismo, al que poco a poco fui introduciendo materia y texturas.

Durante los años posteriores a la carrera mi búsqueda se enfocó en estos últimos facto-res.

En esta última década, mientras me he de-dicado a la enseñanza en mi propio estudio, mi pintura se ha ido convirtiendo a un realismo objetivo, naturalista y académico. Es, probable-mente, en este ámbito en el que soy más reco-nocido.

Ultimamente, algo dentro de la pintura desde lo real ha empezado a encorsetarme, de tal ma-nera que estoy optando por una pintura más simbólica, académica pero desde la propia pin-tura, esto es importante, y ya no tanto desde lo real y objetivo. Me apetece soltar la pincelada, abrir composiciones imaginarias, me apetece divertirme sin corsés. Esto me plantea obras un tanto surrealistas, pero al mismo tiempo quiero mantener un estilo académico, una paleta so-bria y reducida, como la de Zorn o Apelles pero añadiendo algún color más que la haga vibrar.

Me encuentro en una búsqueda muy placentera verdaderamente, ya que pinto lo que me apete-ce y vuelvo a mis propios recursos y limitacio-nes, para pintar desde mi propia alma, fijándome más en la pintura y no tanto en la naturaleza. Lo científico hasta el limite se me presenta cada vez más tedioso, lento y poco intrigante.

Estoy listo para seguir avanzando.

¿Qué es para ti el arte?

Tengo 43 años. Llevo toda la vida estudian-

do arte, trabajando y enseñando arte,

desar rol lando mi propio ca-mino. Lo que de joven no me parecía arte hoy puede que sí me lo p a r e z c a y otras cosas que hemos es-

tudiado y que se daban

por císmas ar-tísticos, para mi

han perdido valor y me encuentro con

muchas chaladuras y tomaduras de pelo infla-das por el mercado y la especulación. El arte cambia según cambia la sociedad, el Dadá y las descontextualizaciones ya no son vanguardia, eso ocurrió hace 100 años. Lo que para mí es arte se encuentra en el devenir de mis gustos, cambiantes y flexibles y pueden diferir holgada-mente de los gustos de los demás. Creo que la vanguardia del arte se encuentra en su fusión con las nuevas tecnologías, con la ciencia y su progreso.

Dicho todo esto, mi respuesta a qué es el arte es muy sencilla:

Toda la vida estudiando Arte y sigo sin saber qué es.

¿En qué te inspiras para crear?

Como te decía, últimamente me vuelvo a fijar más en la pintura que en lo real.

A lo largo de mi trayectoria me han servido de inspiración desde las pinturas prehistóricas, la antigua Grecia de Fidias, el antiguo Egipto…Desde el 2011 me inspiran los paisajes y la luz mi tierra, mis objetos cotidianos, mis cacharros en mi estudio, la pintura realista y objetiva. Me inspiran amigos pintores con sus logros, me ins-pira descubrir nuevos pintores extraordinarios cada día gracias a Instagram.

¿Qué tipo de arte te gusta más y qué es para ti la inspiración?

La Pintura se encuentra a la cabeza, seguida muy de cerca por la música, a la cual también me he dedicado también la mayor parte de mi vida, como guitarrista, bajista, vocalista y com-positor en múltiples formaciones de música rock. Disfruto muchísimo del buen cine y de la lectura de cómics y novelas gráficas.

En tanto qué es para mi la inspiración, es una pregunta tan subjetiva como preguntarse qué es el arte. No creo en la inspiración de la nada. Todo viene acompañado de una sucesión de ideas que se van macerando, bien encadenando trabajo palpable o siendo maduradas en tu ca-beza a lo largo de un tiempo.

A veces, lo que llamamos estar inspirado, vie-ne fuertemente acompañado de un estado de ánimo óptimo durante el transcurso del trabajo.

Jorge Solana


Por lo menos a mi me funciona así. En malas épocas personales me ha costado mucho encontrar el motor de arranque. En buenas épocas el trabajo fluye con naturalidad, las ideas se agolpan para formar nuevos proyectos y puede surgir de ello esa magia que llamamos inspiración. Es como yo lo veo.

¿Trabajas tu obra en un horario o días determinados?

No. Realizo mi obra personal fuera de los horarios de mis clases y cuan-do estoy liberado de encargos particulares, pero no en unas horas o días concretos. Siempre hago mi obra personal cuando siento la nece-sidad y me siento libre para ello.

¿Tienes en mente ya algún proyecto futuro?

Mis proyectos actuales se verán a partir de septiembre y octubre del presente año 2021. El primero de ellos es una colaboración con la Feria de la Cerámica Embarrate, en la que haré una actuación musical unido a una exhibición de pintura rápida dentro de la temática. Más adelante, participaré en una muestra llevada a cabo por los museos de la provincia de León, capitaneados por el Musac, en donde expondré dos obras, una de las cuales será de gran formato y que es con la que me encuentro actualmente trabajando en mi taller.

Un sueño dentro del mundo del arte.

Que la especulación deje de llevar a la cabeza obras de dudosa técnica, que no se sujetan sin un discurso impostado y postproducido.

Que las enseñanzas artísticas sean materia obligatoria a lo largo de toda la enseñanza primaria y secundaria. Me parece fundamental para el desarrollo sensitivo, afectivo y emocional de cualquier ser humano.

9. ¿Es tu ciudad una buena ciudad para desarrollar y difundir tu obra?

No lo es en absoluto. No hay espacios de creación comunes, la difusión de las obras de los artistas no tienen interés verdadero en la población, más allá de los encargos y ventas que puedan surgir de particulares. Esto se ve perfectamente en la prácticamente nula asistencia de público a las exposiciones en los poquísimos espacios que tenemos para ello. No creo que eso ocurra solo en mi ciudad.

El interés de las instituciones por los creadores de cultura es en verdad bajo, sustentándose principalmente en preservar el patrimonio (con mu-chas deficiencias) y enfocándose en el turismo y peregrinaje.

¿Qué opinas sobre el momento actual del arte?

La verdad es que pese a todo, creo que nos encontramos en un momento muy bueno para la pintura y escultura. Es esta época han surgido nuevos nombres con muchísimo talento y mucha difusión en las redes. Muchos

podemos vivir del arte plenamente. Han surgido grandes concursos que han captado el interés internacional y proyectado a autores nacionales al mundo entero. Se están alcanzando maestrías que hace 20 años eran impensables o solo al nivel de unos pocos.

Pero también me encuentro con pintores de gran nivel muy desencantados y sin ánimo, que han dejado de producir, viviendo la situación como una de las peores de sus carreras.

Lo cierto es que veo más pintura buena que nunca, el realismo está vi-viendo unas nuevas mieles con autores de distintas edades, no solo gente joven.

Hay más conocimiento, hay más aprendizaje, hay más acceso a todo que nunca pero los que nos dedicamos a ello sabemos que es un camino difícil, duro y con sinsabores, pero muy hermoso.



Biblioteca Vaticana, El Vaticano.


José Domínguez Hernández omienza su dedi-cación profesional en el año 1990 y hasta hoy cosecha un currículo que ha cruzado fronteras tanto a nivel nacional como internacional

Es miembro de la Sociedad Nacional de Bellas Artes de Francia y Académico Superior de la Academia de Arte de Italiana de Grecci-Marino.

Aparece en numerosas publicaciones naciona-les e internacionales de pintura como “4º volu-men del Diccionario de pintores y escultores del siglo XX”, en el libro “Aproximación a la Artes Plásticas en el Umbral del S.XXI”, en el Dicciona-rio Enciclopédico Internacional de Arte Moder-no y Contemporáneo de Italia y en el diccionario “50 años de Artes Plásticas de la Diputación de Jaén”

Ha participado en muchas ferias de arte en París, Holanda, Hong-Kong, Pekín, Milán, Mia-mi, Insbruck, Florencia, Barcelona, Madrid y San Sebastián

Casi una decena de museos como Jaén, Navarra, Santa Cruz de Tenerife, Portugal, Cuba, México, California y Argentina, cuentan con obra de José Domínguez así como en la embajada de Guinea Ecuatorial en Madrid

Sobre su obra han escrito críticos nacionales e interna-cionales.

Ha recibido homenajes a su trayectoria en el “Archivo Histórico General” del esta-do de Sinaloa en Méjico y en el museo de Arte Latino de California.

Han sido muchas las distin-ciones recibidas entre las que destacan:

Medalla de oro de la Asociación Española de Profesionales de la Imagen, Gran Premio Elite de la Academia Italiana “Gli Etruschi”, Primer premio Real Sociedad Económica Amigos del País de Jaén, Primer premio figurativo en Ferra-ra, Italia, Segundo premio “Claudio León Sem-pere”, Segundo premio “Santa María delle Artí

2006” en TURÍN, Italia, Medalla de honor “Lo-renzo de Medici el Magnífico”, Florencia, Italia

También son muchas las galerías de arte en las que ha expuesto últimamente su obra: Galería de Arte Montsequi, Madrid, Galería de Arte Nou-Milleni, Barcelona, “Medina-Roma”, Roma, “Santana Art-Gallery”, Madrid, “Sa-phira&Ventura”, Nueva York, “Viña del Mar”, Valparaiso, Chile, “Alemi”, León, “Mènier Gallery”, Londres, “Il Collezionista”, Roma, “Eka&Moor”, Madrid

Ahora mismo acaba de ser ganador del Gran Premio “La Fenice” (Florencia) con una gran muestra internacional que coincide con el 700 aniversario del poeta Dante Mighieri.

En la actualidad su obra se exhibe también en Moscú (Casa de las Naciones), Festiarte (Feria Internacional de Marbella), Museo Var-gas Llosa en Arequipa (Perú), Museo Miguel de Cervantes (Toledo),.. y en breve en em-plazamientos como Museo de la ciudad rusa de Zvenigobod, Museo de Hoegeu Gang en Korea, Ayuntamiento de Socuéllamos (Ciudad Real), New Yorrk (Comisionado Dominicano de Cultura) y Floral Park de París.

José Dominguez


¿Cómo definiría usted su pintura?

Tanto yo como artista como los críticos de arte la califican de neoimpresionista

¿Cuál es el premio más importante que ha recibido a lo largo de su carrera artísta?

Son muchos los premios a lo largo de mi tra-yectoria y cada uno de ellos es importante pero destaco el premio de “Pintores Jóvenes de la

Real Sociedad Económica Amigos del País de Jaén” por ser el comienzo de mi carrera artística

¿Cuál considera su obra más valorada?

Es difícil escoger una obra, pero concretamen-te elegiría una titulada “Otoño” que le impactó tanto al crítico de arte D. Jose Luis Marchante Araque que le impulsó a incluirme en el 2º vo-lumen del Diccionario de Pintores y Escultores del siglo XX

Según usted, ¿Cuáles son las dos mejores críticas de arte?

La de Francisco Arroyo Ceballos en España y la de Antonio Malmo en Italia

¿Qué destacaría de su pintura?

Pues destacaría la jugosidad cromática y la luminosidad que ha ido cambiando por etapas pasando sin perder la esencia


Nacida en Málaga, compagina su trabajo como contable en una empresa con la pin-tura. De formación autodidacta, tras un largo paréntesis de inactividad en la pintura, la re-toma en el año 2001 a través de la acuarela, y a partir del 2003 también con el óleo y acrílico.

Participa en numerosas exposiciones indivi-duales y colectivas de la mano de dos ga-lerías en diversas ciudades, tanto españolas como fuera de España, Madrid, Barcelona, Se-villa, Granada, Córdoba, La Toscana, París, Nueva York, Da-llas, Estocolmo, Oporto, Roma, Singapur etc.

Su obra ha sido seleccionada y premiada en algunos de certáme-nes, obteniendo un segundo premio en 2002 y un primer premio en 2008 con acuarelas.

Colabora con el dia-rio local, Diario Sur de Málaga , partici-pando desde 2008 en las colecciones de postales navide-ñas, colecciones de abanicos, proyecto para la promoción de la cabra autóctona

llamado “Oh My Goat !!”, así como en la exposición organi-zada con motivo del 75º Aniversario de éste diario.

Ha participado en ferias de arte

como la de Roma y Singapur . En 2020 fue seleccionada para

ejecutar el cartel con motivo del Pregón de la XLIII Bendición de las Uvas y el Mosto para la Hermandad Sacramental de Viñeros

Participó con una ilustración en el Quijote Manuscrito publicado por la Junta de Anda-lucía y el Colegio Público Miguel de Cervan-tes de Marbella. Ha participado durante seis

años en la Semana Cultural organizada por el Colegio Público Los Llanos de Álora. Sus

obras aparecen en algunas publicaciones como “Arte-Grafía II. Colaboró con una ilus-tración en el libro de Salvador Pendón Muñoz titulado “La palabra es mi camino” .Colaboró en la decoración del vestíbulo de la Facultad de Derecho de Málaga con la Asociación AR-TEX y el Colectivo Moraga , y en la decoración del Hospital Infantil Reina Sofía de Córdoba en el proyecto “Colores para alegrarte”.

Afronta un proyecto muy ambicioso y pe-culiar, a largo plazo, que requiere de mucho trabajo y dedicación, con el que se siente ilusionada por el reto que le supone. A corto plazo tiene previsto par-ticipar en una exposición en homenaje a la obra de Sorolla que se celebrará el próximo mes de septiembre

en Córdoba.

María José Sánchez Perea


¿Qué es para ti la pintura?

Para mí la pintura es muy importante, es una forma de expresión nece-saria, es la necesidad de sacar mis emociones o sentimientos hacia el exterior, al igual que el escritor lo hace con su pluma, el cantautor con sus canciones, yo lo hago con mis lápices o pinceles, no sé si más o menos acertada pero siendo yo. Transmitir emociones no es nada fácil , si consi-gues llegar al espectador, lo has conseguido todo, pero si no lo consigues, de cualquier forma, siempre se consigue la satisfacción personal, al menos en mi caso, consigo evadirme del resto del mundo y eso no tiene precio.

¿Qué temáticas y técnicas trabajas normalmente?

Soy muy anárquica para éstos asuntos, toco todas las temáticas, y técni-cas, según me apetezca en cada momento. Me siento muy afortunada de poder ser libre en este sentido, digamos que cuando me siento a pintar, lo hago según mi necesidad del momento porque pinto para mí, la mayor satisfacción es la personal, la evasión que consigo, como si no existirá en el mundo nada más que yo y mi lienzo o papel en blanco. Nunca pinto para los demás, no suelo aceptar encargos que me obliguen a pintar algo que, quizás no me apetece, aunque evidentemente es satisfactorio que le guste al espectador lo que una hace. Al no vivir de la pintura, no dependo de ello por lo que no me encasillo en ninguna temática ni técnica y eso me da mu-cha libertad a la hora de pintar, me gusta sentirme libre en este aspecto.

Tienes una trayectoria bastante amplia para ser alguien que no pre-tendía ni exponer….¿Nos puedes hablar de tus proyectos de cara al futuro?

Es cierto, he trabajado mucho, de lo contrario hubiera sido complicado evolucionar siendo como soy autodidacta, de repente me encontré inmer-sa en exposiciones y proyectos a los que fui invitada a participar, esto me ayudó enormemente a estar motivada para continuar y cuando he querido darme cuenta, fíjate quien me iba a mí a decir que mis obras viajarían por medio mundo!!!!!

Llevo un tiempo trabajando en un proyecto bastante ambicioso y que, me gustaría fuese la guinda final de mi trayectoria pictórica, no sé aún si seré capaz de culminarlo porque se trata de un proyecto de bastante trabajo y que requiere de bastante dedicación, no es fácil compaginar ésta afición con

un trabajo diario en una empre-sa, a veces es agotador, pero me gustaría ha-cer mi última expos ic ión con éste trabajo si consigo cul-minarlo, es muy creativo pero nada fácil.

En el pano-rama más c e r c a n o , actualmen-te preparo obra para una expo-sición co-lectiva que p r ó x i m a -

mente verá la luz y donde tiene mucho que ver Sorolla, se efectuará en Córdoba en Septiembre. También participo con el grupo de arte ITACA en una ruta del arte por Italia, desde La Toscana, pasando por Roma y finalizando en Sicilia.


Es una nueva corriente pictórica con una for-ma muy característica de entrelazar pinceladas, líneas y colores, creando tejidos de formas inconfundibles, que pueden no solo dar un realismo, surrealismo o abstraccionismo; sino que pueden llegar al hiperrealismo retomando los planos, volúmenes, vibraciones, ritmos, es-tática y movimiento conservando siempre ese carácter piramidal y escalonado cromático y por supuesto su tejido peculiar de hilos cromáticos interviniendo de manera muy especial la “vibra-ción” de los elementos.

Es la nueva corriente pictórica para la historia de la nueva vanguardia, que teje todas las co-rrientes sin copiarlas ni representarlas preci-samente, con una atmósfera homogénea tanto objetiva como subjetiva; pero con una pecu-liaridad no solo de significancia temática, sino de riqueza visual y que visualiza cada partícula que forma la profundidad de la perspectiva, el plano de cada objeto o atmosfera con un juego de tejidos entrelazados que pueden ser esca-lones y pirámides, así como también cordones finamente definidos de puntillismo enlazados, tal como pinceladas en forma de pequeños átomos triangulares o piramidales; depurando figuras reales hasta convertirlas en tejidos delimitados cromáticos, que si bien proyectan una claridad en la forma y el color, también le dan a cada figura una singular presencia quizá objetiva o quizá subjetiva.

Con respecto a su historia podemos indicar que es Movimiento Pictórico de la nueva vanguardia del Arte Moderno. Creada en el siglo XXI.

Después de varios rompimientos de la clásica pintura y las corrientes que ya conocemos, ar-tista visual de ese tiempo desea modernizarse tratando de menospreciar la forma y el color aplicado a un lienzo clásico y plano, haciendo cambios con texturas y relieves distintos, ter-minando en formas tridimensionales llamadas revolucionarias como el arte objeto y la insta-lación que han jugado y manejado el morbo, la discusión polémica, la critica antagónica sin sentido, convertido en un producto de mercado y no educacional, en un coleccionismo capita-lista más que en un sistema para cultivar un contenido provechoso; Entonces nace el PIRA-MIDISMO que encuentra infinitas combinaciones y revive el colorido en los lienzos, formula diferentes ecuaciones, dimensiones y formas que estaban detrás del aburrimiento de los críticos.

Nace en esa época de obs-curidad y de decadencia del arte, cuando el ser hu-mano es involucrado en la mentira que se había aca-bado nuestro instinto por

la belleza y la creatividad, la misma creatividad natural que el hombre ha tenido por más de 300 siglos, basándose en comentarios erróneos de qué el Siglo XX es el último siglo de la creación de la pintura y que ya estaba estática.

Otros hablan de la muer-te de la pintura como un preludio a la misma muerte del intelecto hu-mano. Comenzaron a llevar el arte a la más mí-nima expresión creativa, y nos hacen creer que no importa la creatividad y con esto una grave con-secuencia: La decadencia del arte que, lamenta-blemente está llegando cada vez más a un triste nivel de no retorno con-virtiendo a la humanidad en irracional, insensible y llevándonos a un mar de ignorancia que nos con-sume y devora; Esto nos volvería insensibles, apa-gados y sepultados. Este es el triste ambiente que actualmente se vive en el mundo del arte, pronun-ciado de voz en voz por intelectuales y eruditos a nivel mundial. Pero Rena-

ce como el ave fénix entre las cenizas, una nue-va vertiente de creatividad acuñada con todo el legado pictórico, de todas las generaciones de artistas, que sembraron dentro del ser humano la semilla de la creatividad de la belleza y de la superación.

Este movimiento artístico es creado con el pro-pósito de dar comienzo a una nueva etapa de reivindicación de las Artes y la creatividad hu-mana.

Piramidismo Cromático


MANIFIESTO PIRAMIDISMO CROMÁTICO.

Este Movimiento busca el renacer de la crea-tividad del ser humano, no como finalidad de creación si no como el nacimiento de miles de nuevas formas de expresión. En la actualidad parece que nos encontramos inmersos en un sueño generado por una mentira que nos lleva hacer espectadores y no creadores. Lo que buscamos al proponer este movimien-to es que este estimule todos los sentidos intrínsecos en el ser Humano. Crear obras que serán de fácil entendimiento y recono-cimiento visual, obras que en el espectador crearán una conexión directa con el placer y la belleza, obras que crearán un vínculo con elementos reconocidos e integrados en el subconsciente del espectador.

Estos dos maestros del Piramidismo buscan que los artistas puedan expandir su creati-vidad, puesto que este movimiento pictórico tiene versatilidad y puede tratarse en varios géneros de pintura como, por ejemplo: natu-raleza muerta, retratos, y hasta en el mismo abstracto. La obra, al ser observada le da al observador una familiaridad y un entendi-miento total de lo plasmado, pero al analizar su estructura el espectador se dará cuenta que no tiene que ver con el criterio personal si no que, con su estructura única, resulta ser una creación existente únicamente en el subconsciente de quien lo crea. Esta nueva forma llega a crear conexión directa con el artista por medio del placer total que producen sus matices y sus líneas vegetativas. Crea obras únicas, no existentes en la Historia del Arte, producida por el trabajo intimo consciente en el subconsciente del artista, y plasmado en la forma hiperrealista, que el Artista ve en su sub-consciente y que llega a plasmarlo con el más mínimo detalle, a través de sus telas.

Este movimiento pictórico es un aporte impor-tante para el arte, pues lleva un planteamien-to nunca antes expuesto, con una noción au-torreferencial de dos grandes maestros de la

plástica, creando un nuevo mundo o forma de trabajo artístico. Estos maestros del arte, tienen una capa-cidad única que puede ser aprendida por muchos más, pues este nuevo estilo de arte se interpreta como la facultad de entrar y salir de su sub-consciente, pero conscientemente y, crear arte dentro de su psiquis.

Así pues, en la primera obra al óleo de PIRAMIDISMO CROMÁTICO de los Maestros ERNESTO RIOS ROCHA y GONZALO TAYO SILVA (GOTASI) lla-mada MEXIDOR (nombre tomado de las palabras México y Ecuador, que representa la unión de dos naciona-lidades que renacen en una misma corriente pictórica) se observa una

manzana, el espectador visualmente lo relacio-na con una manzana, pero cuando lo observa con cuidado, se da cuenta que es un objeto construido con todas estas características es-peciales, una figura tejida por pequeñas esen-cias de formas, a la manera personal del estilo y del intelecto de los artistas.

FUNDADORES DEL MOVIMIENTO PICTÓRICO

De una manera fortuita y a la vez muy intuitiva se produce la unión de dos grandes del arte de diferentes Países: México y Ecuador, pero uni-dos por su inimaginable amor al arte además de por sus pensamientos, sentimientos y humildad. Uno de los padres de este Movimiento pictórico es un genio de la pintura: considerado como el Mejor muralista del mundo, ganador de un récord Guinness y distinguido dentro del mura-lismo mexicano como uno de los grandes junto

a maestros de la talla de Diego Rivera, Siqueiros y Rufino Tamayo. EL excelente maestro conocido como Ernesto Ríos Rocha (Ernesto Espiridión Rios Rocha) quien con su genialidad pictórica y su cromatismo único lo lleva a ser un icono mun-dial en el complejo campo del Muralismo. Este maestro de las Artes Plásticas daría la dirección correcta a este movimiento artístico.

El Segundo Fundador de este movimiento pictó-rico es el Artista Ecuatoriano Gonzalo Tayo Silva (GOTASI) quien, en sus comienzos, al realizar sus obras, se dio cuenta de que en los micro detalles de su pintura se observaban diminutos triángulos, esto lo lleva a crear un estilo, que lo llama PIRAMIDISMO por lo que realiza su prime-ra obra en este estilo el cual es un autorretrato al que llama ¨El Soñador ¨, el cual está elabo-rado en Figurativismo y con líneas geométricas dando la visión de una pirámide.

Realizó muchas obras en este estilo geométrico que no le llenaban, por lo que realiza una trans-mutación cromática con la cantidad de lados de la pirámide y crea una secuencia cromática en cada sector diferenciado de la composición de la obra, obteniendo en cada segmento cuatro

frecuencias diferentes de cada tono cromá-tico, que llevan a la obra a un baile secuen-cial y a una completa dualidad entre: luz y obscuridad, frio y calor, bien y mal, vida y muerte, alegría y sufrimiento, suprimiendo lo lineal y geométrico por líneas vegetativas que le dieron más funcionalidad y coheren-cia estructural a la obra. Este estilo se lla-mó PIRAMIDISMO CROMÁTICO.

En el 2019 tiene la gran fortuna de poner-se en contacto con el Maestro Ernesto Rios Rocha, y de inmediato, se crea un vínculo muy fuerte al tener una forma dual y sin-cronizada los mismos sueños y temores del arte. GOTASI quedó fascinado del gran talento del maestro y observa sus distin-guidas obras, murales y esculturas, así es como nace un vínculo de hermandad artís-tica donde las dudas e interrogantes van resolviéndose poco a poco.

Una de las importantes obras que marca-ron el comienzo de este movimiento son dos autorretratos del maestro Ernesto

Ríos donde en forma magistral se pueden observar elementos que sobresalen del rostro del personaje; estos elementos llaman mucho la atención ya que parecen llegar a tener un volu-men propio y dan sugerencia a la materializa-ción de la mancha.

Más tarde, por confluencia y asimilación en su obra a dicho movimiento surgen nombres como el del español Francisco Arroyo Ceballos (Cór-doba), precursor en Europa, al que se suman nombres de la talla del maestro José Domínguez (Jaén, España).


El trabajo del extraordinario maestro Nama Njueya, de llevar el Piramidismo cromático a sus estudiantes a pesar de la guerra y crisis que vive esta hermosa región es una proeza y un referente para todos

Chang Ghih Jung, la primera artista piramidista cromática, en Taiwan, que ha integrado su estilo al Piramidismo cromático.

Esta tendencia no se limita, no es solo para ar-tistas profesionales si no también se dicta en los hogares a través de tutoriales que ayudan au-mentar la creatividad entre niños, jóvenes y adultos.

Maria Perez, maestra de dibujo y pintura en Cuba, creo la primera escuela de Piramidismo Cromático, después de haber recibido clases virtuales con el Maestro Gotasi.

Margarita del Carmen Acuña, vibrando al aire libre con la naturaleza creando arte con su grupo.

La maestra Sheila Ríos, en Puerto Rico realizo un proyecto cultural educativo de Piramidismo cromático llevando este proyecto a ser imple-mentado en el plan de Educación. Puerto Rico esta ejecutando el proyecto Turistico guber

Piramidismo CromáticoTendencia Mundial


Marta Alicia Torres, presidenta del grupo del Centro de Artistas Plásticos de San Juan Ar-gentina con más de 30 años dedicados al arte. iniciaran el primer mural en Piramidismo Cromá-tico en la capital de San Juan con mas 50 me-tros de largo, con un mensaje desde Argentina para el mundo: de paz, de unión, de cambio, de vibración almica de transformar la conciencia para un mundo mejor.

Namentall pintando mas de 600 metros de pared creando el primer mural permanente de Piramidismo Cromatico.

Impuldando el Piramidismo cromatico en Es-tados Unidos se ha desarrollado talleres para niños entre las edades de 6 a 15 años y alea-toriamente clases en la biblioteca pública de Ossining, para adultos.

La corriente pictorica del Piramidismo Cromatico se estendie por el mundo.

El Piramidismo Cromático, nace como un cambio generacional de la humanidad transformando el sistema conciéncial del planeta.



Biblioteca General de la UniversidadCoimbra, Portugal.


En el año 2003 el artista plástico Francisco Arroyo Ceballos (Córdoba, España) se plantea la necesidad de dar empuje a la cultura de su ciudad y , sobre todo, de acrecentar en la sociedad cordobesa el conocimiento e interés por la misma .

Para ello contacta con Francisco M. Arenas Rodríguez, Presidente de la Asociación Cultural Aires de Córdoba.

Es en este momento cuando la colaboración Arenas/Arroyo empieza a fun-cionar incansablemente no sólo con la promoción a nivel local sino también con ambiciosos proyectos nacionales e internacionales.

Fruto de este trabajo salen a la luz diversas pu-blicaciones entre las que destacamos: “Libro de Poetas 2004” , “ Libro Creadores - Sala Aires”, “Libro de Poetas 2005”, “ Anuario de Arte Con-temporáneo 2005”…etc.

En el año 2004 Arroyo Ceballos comienza a diri-gir un proyecto promocional en el que participan docenas de escritores y artistas de una decena

de países.

En el transcurso del mismo recibe un acercamiento y colaboración artística mayor por parte de un reducido grupo de integrantes en el mismo.

Es entonces cuando se produce una conversación entre este y su gran amigo José Luis Berrocal (Cuenca, España) en la que surge la idea de formar un grupo afín, de mutua complementación artística.

Rápidamente se une a la idea otro de sus grandes amigos y base fun-damental del grupo, ACEBUCH (Barcelona, España) y otros destacados

Colectivo Cero17 Aniversario


artistas , colaboradores y amigos de Arroyo desde tiempo atrás como son Luis Athouguia (Portugal), El Borni (Gi-rona), España), Jacqueline Klein Texier (Argentina) , Lilia Luján (México) y José Luis Cortés (Madrid, España).

En Enero del 2005 queda cerrada la base del grupo artís-tico en el que incluimos a Francisco M. Arenas por su labor pareja y constante con Arroyo.

A finales de dicho año, en FAIM (Feria de Arte Indepen-diente en Madrid), en uno de los stands principales de la misma se presenta el colectivo, añadiéndose a él el artista marbellí Sánchez Gil.

Casi un año más tarde, en la segunda muestra colectiva del grupo, realizada en Sala Aires , por propia interac-tividad se producen entradas : Manuel Mª Moreno (Jaén), Rafael Alonso (Córdoba) y Alejandra Pérez Alva (México), y salidas de artistas que reorganizarán la actividad desa-rrollada en el seno del mismo.

Se van sucediendo los proyectos y apariciones en diversas publicaciones y artículos.


Al ser un grupo dinámico cuya principal carac-terística es la interculturalidad, a lo largo de los años han pasado por él gestores y artistas de multitud de naciones, entre otras: España, Por-tugal, Argentina, Colombia, México, etc.

Seguidamente lo hicieron Almudena Pintado (Zamora), Moraldi (Cádiz) y otros hasta confor-mar el grupo actual, compuesto por:

Arroyo Ceballos (Córdoba, España), Alejandra Pérez Alva (México), José Domínguez (Martos, España), José Carlos Ortiz (Tomelloso, España), Jorge Torres (Colombia), Eva Raboso (Valencia, España) y Gabriel Piñana (Valencia, España).

En estas fechas el grupo se encuentra realizan-do una muestra por este 17 Aniversario de su

fundación en el Centro de Arte Carmen Árias de Socuéllamos, Ciudad Real.

El jueves día 26 de agosto fue inaugurada la muestra de este grupo internacional compuesta por más de una treintena de pinturas, esculturas y una instalación artística.

A la misma asistieron la alcaldesa de Socuéllamos Elena García, el concejal de Cultura, técnicos del ayuntamiento, tres de los miembros del grupo, medios y público en general.

En el acto de Presentación Elena García hizo entrega de un certificado acreditativo que deja constancia de dicha muestra. En nombre de los artistas habló Arroyo Ceballos, como fundador del grupo, quien agradeció al ayuntamiento su colaboración en dicha exposición y explicó la historia del colectivo.


Actriz, directora y entrenadora de actores desde hace más de veinte años, nace en Córdoba pero actualmente vive y trabaja a caballo entre su ciu-dad natal, Madrid y Centro América. Desde el 2016 realiza además coa-chings actorales para películas mientras continúa dirigiendo y actuando para teatro, recibiendo premios como directora de cortos y formando y entrenando actores a este y al otro lado del charco. Imparte todos los meses clases de actuación para la Escuela de Doblaje de Madrid. Su más reciente coaching actoral lo ha realizado para una producción de Costa Rica “Receta no incluída”. Este Octubre impartirá en Panamá su próximo intensivo de Actuación para el Teatro la Estación, se estrenará la película española “El hilo Dorado” y la panameña “Algo Azul” para las que Toledo ha realizado el coaching actoral a todo el elenco de ambas producciones.

¿Qué es para ti el arte y oficio de la interpretación?

Una pasión, una vocación, una necesidad y un reto constante para ca-nalizar mi enorme y a veces desbocada capacidad de sentir mi mundo imaginario. Siempre he querido ser actriz, experimentar esos “otros yos” que no eran posible vivir por condicionantes sociales y que estaban ahí latiendo y desando salir del mundo de mi imaginación a ser “jugados” en un escenario o frente a una cámara. He sido ávida lectora primero, luego una consumidora de espectáculos teatrales en Madrid, en Londres y en todos los lugares a los que he viajado. Y a la vez cinéfila incansable. Podría forrar enteras las paredes de mi local de ensayos con los programas de mano de las obras de teatro a las que he asistido y también de las películas que he visto en cines como el Alphaville (ahora Cines Golem), los Renoir, los Princesa y los cines Ideal, y quedarme sin espacio.

¿Qué te hizo dedicarte más a dirigir y en-trenar actores que a interpretar?

Mi personalidad, la observación de determi-nadas carencias en el oficio y mi impaciencia. Me costaba mucho por un lado ser lo sufi-cientemente persistente para ir a los castings donde muchas veces si no eras conocida de alguien te trataban bastante mal, o a las reu-niones y fiestas del gremio que en ocasiones,

sobre todo cuando no se podía bailar, se volvían un tanto superficiales… y, por otro, cuando te cogían para un papel, sufrir con impotencia la falta de una buena dirección actoral. Me di cuenta, que, en aquel momento en España, había muy pocos directores que supieran manejarse con el lenguaje actoral y mucho menos, estimular, canalizar, dirigir con arte a los actores para que éstos pudieran mostrar todo el esplendor de su talento entre líneas. Por eso decidí estudiar la carrera de dirección de Escena después de la de interpretación. Dirigí con éxito espectáculos como “Pa-reja Abierta” de Franca Rame y Darío Fo en el Alfil y “La función Delta” de Rosa Monero en el Círculo de Bellas Artes, retando a actrices de la talla de Chiqui Fernández, Nuria Mencía, Esperanza Pedreño o Isabel Pintor, mientras seguía como actriz interpretando mujeres andaluzas de Liébana en los cafés teatro de Madrid. Cuando me dieron la beca para el Master de Dirección Internacional en Londres y Moscú, descubrí tantas herramientas diferentes para aportar y enriquecer la interpretación en teatro y en cine que fue casi una obligación dedicarme también a entrenar actores. Hacién-dolo, afiancé mi mayor talento y lo que se ha convertido en mi fuerte como artista-pedagoga: hacer brillar a otros actores.

Premio a la Mejor Directo-ra de Cortometrajes Cannes World Film Festival 2021.

Raquel Toledo BernalDirectora y entrenadora de actores


¿Cuánto tiempo llevas entrenando actores?

Toda una vida. Comencé dando clases de interpretación nada más volver del Máster, primero en la Universidad de Kent, hasta que me contrataron en la T.A.I. Escuela Universitaria de Artes de Madrid donde tuve la suerte de entrenar magníficos atores como la actriz de cine Alejandra Jiménez e incluso a algunos que han acabado dirigiendo series en Netflix como el colombiano Juan Felipe Cano.

Háblanos del corto que has dirigido y que está consiguiendo premios en festivales internacionales de primera línea.

“La sonrisa de Gerta” es un corto que se realiza como primer paso para la consecución de un largometraje sobre la vida de Gerta Stern. La actriz y promotora Gina F. Cochez la estuvo entrevistando justo antes de morir. Este es uno de los principales proyectos pendientes de su productora. Gina participó en uno de los intensivos de Actuación en Cine que yo realizo

en Panamá cada año y quiso contar conmigo en este primer acercamiento para contar las vicisitudes de una mujer austriaca judía incansable en el esfuerzo de lograr escapar del exterminio Nazi y que acaba viviendo en una ciudad del trópico. Escribimos juntas el guión del corto y luego realicé un intenso y rico coaching actoral en inglés a todos los talentosos artistas que participaban. Este verano, hemos recibido el premio al mejor Corto en el Festival de Cine de Nueva York, el premio a la mejor actriz y el mejor actor en este festival, en el de los Ángeles y en el de Florencia además de otros premios significativos. También hemos recibido el de mejor dirección y mejor actriz en el World Film Festival de Cannes.

¿Cómo empezaste a realizar coaching actoral para películas?

Gracias a Arianne Benedetti, una artista multifacética, que, siendo desde muy joven directora y productora en televisión, decide entrenarse en pro-fundidad como actriz y de Panamá viaja en el 2001 a la T.A.I. ahora Escuela Universitaria de Madrid. Fui su profesora en primero y durante su montaje de final de carrera. Años después, tras ser directora de la industria cine-matográfica en Panamá, proyecta realizar su primera película y me llama para que realice un intensivo de actuación ante la cámara a todo un elenco de artistas panameños de diversos medios de comunicación y para que sea la coach actoral de “Más que hermanos”. Esta película ha sido candi-data a los Oscars por su país en el 2017. Durante ese coaching actoral, conozco a un talentoso actor que ha dirigido ya su primera película, Arturo Montenegro y que quiere apostar fuerte por su siguiente película de QFil-ms: “Donaire y Esplendor” y dos años después vuelve a contar conmigo para la película “Todos Cambiamos”, también seleccionada por su país para los Oscars, esta vez en el 2019. Entre medias, trabajo con la pro-ductora Jaguar Films para el coaching actoral de la película de la invasión americana a Panamá “Causa Justa”. Ahora, espero realizar más coaching actorales para películas españolas tras el estreno de la película andaluza “El hilo Dorado” donde intervienen grandes actores experimentados como el malagueño Paco Roma y la cordobesa Eva Pedraza.


¿Cómo se inicia su inclinación por el arte ?

Yo he tenido una vida artística desde siempre, pues mi padre era pintor, un pintor de alma, con un sentimiento muy profundo por el arte y un grandísimo trabajador, en consecuencia me he criado entre obras de arte, respirando el olor a óleo y jugueteando entre bastidores, muy influido por esa magia que mí padre des-prendía.

¿Que pintores Universales son los que más han influido en su obra?

Posiblemente son un compendio de muchos de ellos, desde Velázquez, Goya, el Greco ect. Pasando por la luz y color de Sorolla, el claro-oscuro de Pinazo, hasta los grandes re-volucionarios del arte, los impresionistas fran-ceses, Monet, Degas, Pissarro, Cézanne, Van Gogh, Sisley, Gauguin, Lautrtec, ect.

Y como no todos los Maestros que desde, Antonio López , hasta Nacho Puerto han ido dejando esa huella en mi ser y mi obra.

¿Cuáles son sus próximos proyectos?

Estoy cambiando registros, quizás ha llegado el momento de interiorizar, de buscar formas menos definidas y concretas y encontrar en mi obra historias más profundas y por tanto

Pepe MingolEn contraportada


menos concretas en su definición, man-teniendo eso si el concepto y el estilo realista, así como su disciplina.

Un cambio que llega con los innumera-bles acontecimientos y que tiene mucho que ver con esa parte de la incertidum-bre que vivimos en la actualidad.

¿Cuál es el mensaje que quieres dar a través de tus obras?

Sin duda alguna mis sentimientos más profundos, y sobre todo lo que quizás tenga que ver con las influencias socia-les que de alguna manera han tratado de influir en mi persona y que con la pintura puedo materializar y cambiarlas hacia una realidad más afín conmigo mismo.

Esto es lo mágico de la pintura y sin duda algo fascinante, pues te acerca mucho más a lo que en realidad eres, alejándote de lo que esta sociedad ha modelado sobre todos nosotros y que no tienen que ver con los sentimientos verdaderos.

¿Un consejo?

Sin ninguna duda y para todos, es que intenten ser felices, que desarrollen su creatividad, su pasión por lo que hacen sin mirar las tendencias o influencias exteriores, intentando siempre ser ellos mismos, con sinceridad y sentimiento.

Un fuerte abrazo para todos.

Formación en dibujo y pintura con Don José Mingol Clau-sell, Profesor y Catedratico por la Universidad de San Carlos de Valencia.

Formación complementaria en Dibujo, pintura y collage en la Escuela Iberoamericana de Arte Moderno de Costa Rica .

Cursos de Inicio y perfeccionamiento en el Retrato bajo la dirección de Don Antonio López en Madrid .

Perfeccionamiento en Técnicas de Retrato bajo la direc-ción del Profesor, Nacho Puerto en Castellón .

Curso Superior de Pintura de Paisaje Universidad Com-plutense de Madrid, bajo la dirección de Don José María Rueda Andrés .

35 Exposiciones Colectivas

19 Exposiciones individuales.



Real Gabinete Portugués de Lectura, Rio de Janeiro, Brasil.

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