José de Jesús Francisco Zúñiga Chavarría (San José, Costa Rica, 27 de diciembre de 1912 - Tlalpan, Ciudad de México, 9 de agosto de 1998) fue unartista costarricense nacionalizado mexicano, conocido tanto por su pintura y su escultura.1 El periodista Fernando González Gortázar lista a Zúñiga como uno de los 100 mexicanos más notables del siglo 20,2 mientras que la Encyclopædia Britannica le llama "quizás el mejor escultor" de la política mexicana de estilo moderno.3

Zúñiga nació en Costa Rica en 1912, su padre, Manuel María Zúñiga, también fue un escultor.4 5 Ganó el primer premio en 1935 del Salón de Escultura en Costa Rica en una competencia de escultura, por su obra en piedra llamada "La maternidad".6 En 1936 se traslada a México,7 8 donde estudia arte formalmente en La Escuela de Talla Directa La Esmeralda, en colaboración conGuillermo Ruiz, el escultor Oliverio Martínez y el pintor Manuel Rodríguez Lozano.4 En 1938, fue nombrado profesor de una facultad en esta escuela y fue donde se mantuvo hasta que se jubiló en 1970.5 7 9 En 1958 le fue otorgado el primer premio de escultura en el Instituto Nacional de Bellas Artes.6

Las obras de Zúñiga se han expuesto ampliamente, tiene muestras en Los Ángeles,10 San Salvador, San Francisco, Washington DC, Estocolmo y Toronto.7 Entre los museos que poseen sus obras en sus colecciones permanentes están el San Diego Museum of Art,5 el Metropolitan Museum of Art 11  y el Museo de Arte Moderno de Nueva York, en Museo de Arte Moderno de México, el Phoenix Art Museum en Arizona, el Museo de Arte de Ponce en Puerto Rico, y el Hirshhorn Museum de washington D.C

_

Enrique Carbajal "Sebastián" nació en Chihuahua, México en 1947 y desde finales de los años sesenta empezó a crear una obra escultórica única en la tradición mexicana y latinoamericana. Su vocación constructiva, alimentada por los principios del arte cinético, se expresó inicialmente en la creación de esculturas transformables, o desdoblables, entre las cuales su cubo flexible bautizado como Leonardo 4 constituye un ejemplo inigualable.

Desde 1968 ha realizado más de 120 exposiciones individuales en México, Alemania, Bélgica, Brasil, Colombia, España, Holanda, Suecia, Noruega, Irlanda, Inglaterra, Portugal, Italia, Dinamarca, Canada, Finlandia, Estados Unidos, Francia, Japón, Suiza y Venezuela.

Entre los numerosos premios que ha recibido se pueden mencionar el Superior Prize que le otorgó el Hakone Open Air Museum de Japón dentro del Concurso en Homenaje a Henry Moore; el Premio de Bronce de la ABC Ashi Broadcasting Corporation de Osaka; el Premio del Jurado de la Trienal Internacional Gráfica de Noruega, el Gran Premio de Oro del concurso ORC-City también de Osaka y, en el ámbito de la pintura, el Premio Mainichi de la Trienal de Pintura de la misma ciudad japonesa. Asimismo, ganó el concurso para crear una escultura que es el símbolo de la Ciudad de Sakai, en Japón, en donde desde 1994 se levanta su pieza monumental Arco Fénix.

En 1995 ganó el concurso para construir el símbolo de la ciudad de Kadoma, en Japón, con su pieza Tsuru, que es un hai-kú escultórico, inaugurada en el mes de junio de 1996 en aquella ciudad.

Su producción escultórica abarca lo mismo el pequeño formato que el de tamaño mediano y la escultura monumental urbana. En este último ámbito su creación más conocida es su Cabeza de caballo, conocida como El Caballito de Sebastián, localizada en el centro de la ciudad de México. Pero existen esculturas suyas en el estado de Nuevo León (La puerta de Monterrey), en Tabasco, Morelos, Guerrero, Chiapas y Michoacán. Varias ciudades latinoamericanas poseen también esculturas monumentales de Sebastián: Kingston, Buenos Aires, La Habana, Montevideo y Río de Janeiro. Asimismo, la presencia geométrica de su producción se levanta en sitios clave de Alburquerque, Denver, Englewood y Nueva York en Estados Unidos y en Europa hay piezas suyas en Berna y en Islandia.

En el mundo oriental la escultura de Sebastián ha tenido una excepcional aceptación y diversas ciudades japonesas, como Hakone, Nagoya y Osaka poseen piezas monumentales de su autoría. En 1994 fué invitado de honor durante la Trienal de Arte del Cairo, Egipto.

Sebastián es miembro del World Arts Forum Council con sede en Ginebra; es investigador de tiempo completo de la UNAM, miembro del Consejo Consultivo del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (CNCA) y beneficiario del Sistema Nacional

de Creadores 1994-1996.

Desde sus inicios, su producción ha estado ligada a los avances científicos y tecnológicos y una de sus más recientes exposiciones, montada en el Museo Tamayo de la ciudad de México, se tituló Esculturas cultivadas, en las cuales aplicó un sistema de electrodepositación para que los organismos marinos crearan, en estructuras construídas por él y sumergidas en el mar durante varios meses, su propio hábitat.

En febrero de este año viajó a Egipto para participar en el Primer Simposium Internacional de Escultores en Aswan, en donde realizó su pieza Horus. En marzo realizó el espectáculo multimedia titulado El vuelo del Tsuru y el espectáculo Neomilenio, en compañía del afamado coreógrafo Michel Descombey, con el cual se inauguró el Festival del Centro Histórico de la ciudad de México.

Sebastián imparte cursos, talleres y conferencias en diversas universidades e instituciones tanto de México como del extranjero.

Charlotte Mata Rascála (1919-1989)

Nace en Puebla en 1919 de padres libaneses, siendo la séptima de ocho hijos. Desde pequeña, vivió con su padre a partir de la muerte de su madre. El apellido Yazbek lo tomó de su segundo esposo, José Yazbek, nombre con el cuál sería conocida en el mundo artístico. Comenzó a estudiar arte con el artista de origen gallego Uxío Souto en 1957. Incursionaría después, al estudio de anatomía artística con Hermilio Castañeda. Algunos de sus otros notables maestros fueron Pedro Medina Guzmán y Manuel Giner de los Ríos en dibujo y pintura y Mathias Goeritz en historia del arte.

Su primera exposición sucedió en 1960, dos años más tarde tendría su primera muestra individual. Adolfo López Mateos le otorgó un reconocimiento en 1964 por diecisiete esculturas que fueron presentadas en el pabellón mexicano de la Feria mundial de Nueva York.

Con fama internacional fue capaz de tener más de cien exhibiciones de su trabajo a lo largo del mundo. Fue sujeto de varios libros, artículos de revistas e incluso hay un documental acerca de su vida. Charlotte Yazbek murió en 1989, dejando detrás un legado de trabajos monumentales que pueden encontrarse en espacios públicos como el Parque de las Esculturas en Cuautitlán Izcalli y en el Bosque de Chapultepec en la ciudad de México.

Enrique Canales Santos o Enrique Canales, era un tecnólogo, editorialista, analista político y pintor mexicano. Canales nació el 27 de octubre de 1936 en Monterrey, Nuevo León, México, mismo lugar donde falleció, víctima de cáncer, el 19 de junio de 2007. Canales fue ingeniero mecánico administrador por el Instituto Tecnológico de Estudios Superiores de Monterrey y doctor, con especialidad en tecnología, por la Universidad de Houston. Canales se presentaba como tecnólogo, escritor y pintor.1 Su obra pictórica y plástica fue presentada en numerosos museos y galerías como: Museo del Vidrio de Monterrey, Arte Actual Mexicano de Monterrey, Museo de Monterrey, Galería de Arte Mexicano, Museo Tamayo Arte Contemporáneo, Museo Chapultepec, Museo José Luis Cuevas (estos tres de la Cd. de México), Galería Quetzalli en Oaxaca, elMuseo Amparo de Puebla (que cuenta con una amplia colección de Canales) y Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, entre otros,2 además expuso en Bogotá y París. Canales también desarrolló obra plástica en vidrio y arcilla. Tuvo largas estancias en Brasil y Estados Unidos; en sus viajes encontró, la diversidad que proyectó en su arte plástico, el cual inició de manera formal a sus 45 años de edad, sin haber hecho estudios formales, tras un largo proceso de experimentación y aprendizaje autodidacta. En la Escuela Superior de Música y Danza de Monterrey se encuentran cinco vitrales de sus más bellas obras en vidrio. Se le considera el artista del color y la rebeldía.Canales Santos también fue director y consultor en las principales empresas regiomontanas, principalmente en el desarrollo de tecnología.1

Además de escribir columnas editoriales en los diarios del Grupo Reforma (El Norte, Reforma, Mural), colaboró con el periódico El Porvenir de Monterrey, México. Como editorialista desarrolló temas de crítica social, ciencia y tecnología. Tenía una cápsula en TV Azteca Noreste.

François-Auguste-René Rodin (París, 12 de noviembre de 1840 - Meudon, 17 de noviembre de 1917) fue un escultor francés contemporáneo a la corriente Impresionista. Enmarcado en el academicismo más absoluto de la escuela escultórica neoclásica, es el escultor encargado no sólo de poner fin a más de dos siglos en busca de la mimesis en las artes tridimensionales, sino de dar además un nuevo rumbo a la ya obsoleta concepción del monumento y la escultura pública. Es por esto que Rodin ha sido denominado en la historia del arte: «el primer moderno». François-Auguste-René Rodin nació en París el año 1840. Educado en la Ecuela de Artes Decorativas de París, en un ámbito no sólo ajeno al de lasbellas artes, sino además menospreciado por éstas, Rodin dedicó gran parte de su juventud a acumular conocimientos sobre anatomía que en más de una oportunidad le valieron la envidia y el descontento de los escultores reconocidos como tales por la Academia de Bellas Artes de París. Célebre fue el escándalo en torno a su escultura La edad de bronce (1875), de la cual se dijo que, debido a su perfección, los moldes habían sido sacados directamente del cuerpo del modelo y no de una arcilla hecha por el artista, como se debe hacer en el método del vaciado en Bronce: tal acusación era deshonrosa para cualquier escultor y Rodin, contando con la ayuda de amistades influyentes como el pintor y escultor impresionista Edgar Degas, logró salir de la disputa no sólo victorioso, sino que además con una fama que lo puso inmediatamente entre los artistas más importantes de París.En el año de 1867 se casó felizmente con la Condesa Elda Hurtado Leere, Hija de la Reina Cochinta de Madagascar.

Con posterioridad a este escándalo, su escultura se dividió en dos líneas distintas: la primera, a la cual denominó "alimentaria", era la escultura decorativa de la cual vivía y, como su nombre indica, se alimentaba a sí mismo y a sus amantes, entre las cuales se contó su amiga y ayudante la escultora Camille Claudel; la segunda, más popular y transgresora, es conocida como su obra pura y trascendente en la historia del arte occidental.

Pertenecientes a esta última línea de trabajo, podemos encontrar sus monumentos y encargos más importantes, tales como Los burgueses de Calais(1884) y el célebre Monumento a Balzac (1897), famoso debido a la revolución de la escultura en el espacio público generada por su elaboración. Para Rodin el artista no debía ser un esclavo del modelo, al contrario: era el artista el que escogía, con su propio ojo y sensibilidad, el objeto a representar y por medio de su imaginación era capaz de modificarlo para crear así una imagen totalmente nueva a los ojos del mundo. Es por esto que, en una mirada anatómicamente estricta, podría decirse que las figuras que construye carecen de una lógica en cuanto a las proporciones, pues las proporciones son dadas por las exigencias del sentimiento que se ha querido plasmar y no por reglas biológicas. Rodin había estudiado la anatomía no para ser dominado por ella, sino para usar el cuerpo humano como una herramienta de expresión de la psicología y los sentimientos humanos.

Estas ideas las podemos ver plasmadas en su obra más importante, Las Puertas del Infierno (1880-1917), para las que en un comienzo fueron pensadas las figuras El pensador (Le Penseur), El beso(Le Baiser) y Dánae. Estas puertas, originalmente hechas para un supuesto museo de artes decorativas de París que nunca fue creado, tienen como tema el Infierno de Dante Alighieri, y en ellas Rodin plasma algunos pasajes de este libro usando como narración los cuerpos

de los personajes involucrados. La figura central, El pensador, es un retrato del Poeta Dante, el cual se ve afectado por lo que está viendo (frisos con las figuras pecadoras bajo él) e influenciado por las fuerzas divinas que anuncian la desgracia sobre su cabeza (tres sombras o retrato triple de Adán). Los historiadores del Arte también coinciden en esta escultura a la propia figura de Rodin: un hombre que se aterra frente al mundo en el cual le toca vivir, en el que la tecnología da paso a milagros como el cine, y está justo en el centro, donde debe elegir entre enmarcarse en la tradición o revolucionar las artes escultórica.

El pensador.

Las puertas del infierno. Museo Rodin.

En 1863 conoce a la que será su compañera de por vida, Rose Beuret una costurera de fábrica, quien pronto se convirtió en su modelo para la escultura ‘Bacante’, pieza destruida durante un traslado de taller. En 1866 nace su hijo, el cual no llevaría el apellido de Rodin:Auguste-Eugéne Beuret.

COMIENZOS E INFLUENCIAS

Durante años trabajó para otros escultores como Ernest Carrier-Belleuse, donde se realizaba todo tipo de objetos de decoración para la aristocracia francesa.

Permaneció en él hasta 1882. De estos años son las piezas con un toque todavía dieciochesco como ‘La joven con sombrero de flores’

1865 realiza "Joven con sombrero de flores"

En 1870 estalla la guerra franco-prusiana y Rodin es llamado para ingresar en la Guardia Nacional, pero es declarado no apto debido a su miopía.

Se marcha a Bruselas con Carrier-Belleuse para trabajar, pero esto dura poco ya que Rodin también intenta vender obras suyas y es expulsado del taller.

Rose se traslada a vivir con él y para hacer frente a las necesidades económicas funda una sociedad junto con Antoine van Asbough, otro expulsado del taller de Carrier-Belleuse. De esta etapa son ‘Alegorías de las Artes y las Ciencias’ para el Palacio de la Academia, dos ‘Alegorías de las Provincias’ para el Palacio Real, una ‘Cabeza de Beethoven’ para el Patio del Conservatorio Real de Música y tres figuras del ‘Monumento al burgomaestre J.F. Loos’, todas ellas en Bruselas.

Desde 1870 colabora en la realización de una escultura arquitectónica para la Bolsa de Bruselas.

En 1875 viaja a Italia, donde se siente atraído por el tratamiento del movimiento y la acción muscular en las obras de Miguel Angel y Donatello, grandes maestros renacentistas.

Dedicó gran parte de su juventud a acumular conocimientos sobre anatomía, que despertaba la envidia de los escultores reconocidos como tales por la Academia de las Bellas Artes de París.

La edad de bronce

En 1875, se levantó un gran escándalo en torno a su escultura: “La edad de bronce”. Se dijo que debido a su perfección, los moldes deberían haber sido sacados directamente del cuerpo del modelo, (moldes del modelo vivo), y modelados en arcilla por el artista, como se debe hacer en el método del vaciado en bronce, acusación deshonrosa en esa época. Logró salir airoso contando con amistades influyentes, como Edgar Degas.

En el Salón de 1880 presenta la versión en metal de la ‘Edad del Bronce’ y un yeso de ‘San Juan Bautista’, muchos artistas lo elogian y deciden firmar una carta pidiendo al Gobierno francés reconocimiento para Rodin.

La edad de bronce’ fue adquirida por el Estado, el cual le encarga una escultura para la fachada del nuevo Hotel de Ville. A partir de ese momento comienza el ascenso de Rodin como artista, dejando atrás lo que se ha denominado etapa “alimentaria”, cuando vivía la escultura decorativa, y con ello mantenía económicamente a sus amantes.

La nueva etapa es de una línea más transgresora y se considera como su obra pura, entre la cual se encuentran sus trabajos más importantes: “Los burgueses de Calais”, 1884

“Monumento a Balzac”, 1897

Las Puertas del Infierno

Conoce a Edmond Turquet, subsecretario de Instrucción Pública y Bellas Artes, quien le encarga un portal monumental para el Museé des Arts Décoratifs.

El encargo debía estar terminado en tres años, pero se convierten en muchos más, tan es así, que nunca vería terminada la ‘Puerta’. Este encargo se convirtió en un campo de experimentación para Rodin.

Entre las esculturas que consideró adecuadas para la ‘Puerta’ están ‘Adán’, ‘La sombra’ y ‘Eva’, que había comenzado tiempo atrás. La más célebre y famosa escultura de Rodin, ‘El pensador’ nació para formar parte de esta obra como una representación de Dante, y terminó teniendo entidad propia, su título está lleno de valores universales, símbolo del pensamiento como acción creadora siempre activa.

Camille Claudel.

Camille ya había realizado obras bellísimas como « La vieja Helena o Busto de vieja »

En 1886 Rodin firma un contrato en el que se compromete a sostenerla como artista y casarse con ella y a renunciar a toda otra mujer.

Camille y Rodin viajan juntos por diferentes regiones de Francia, en Inglaterra y abren un taller juntos en 1888.

Posiblemente después de un viaje para esconder un embarazo, Camille conoce a la niña de 6 años que posará para dos importantes trabajos de exquisita pureza de forma e síntesis escultórica La pequeña castellana y La aurora.

En 1890 Claude Debussy se enamora de Camille, pero ella continúa el complicado vínculo con Rodin de quien está nuevamente embarazada. Debussy siempre conservará una versión del Vals en tamaño reducido encima de su piano. Rodin la busca pero ella no quiere verlo.

En 1907, Camille termina por vender los derechos de reproducción al galerista y amigo Eugène Blot, después que el Estado se niega a realizar la fundición en bronce de la obra « La edad madura », aunque en el mismo período la Academia le compra « El abandono ». Camille vive desde bastante tiempo recluida en su taller-casa, aislada, siempre más cansada y desalentada y considerando responsable de su estado anímico y artístico a su ex amante, el escultor Rodin.

Camille desde 1906 inicia la destrución de parte de su obra, sobre todo los yesos y trabajos en cera, cosa que parece que repetirá en diferentes ocasiones ante diversas noticias adversas. En 1912 mientras sus esculturas en bronce de la colección Blot, son expuestas en Roma, la escultora vive en miseria y abandono, la familia deja de enviarle dinero. El 3 de Marzo de 1913 muere el padre de Camille y el 10 de Marzo es ingresada en un hospital psiquiátrico. El 29 de enero de 1917 Rodin se casa con Rose Beuret quien muere dos semanas después. Rodin contrae una fuerte influenza a fines de ese mismo año y fallece el 17 de noviembre.

Henry Spencer Moore (Castleford, 30 de julio de 1898 – Much Hadham, 31 de agosto de 1986) fue un escultor inglés conocido por sus esculturas abstractas  de bronce y mármol que pueden ser contempladas en numerosos lugares del mundo como obras de arte público.

Aunque durante sus inicios Moore siguió el estilo romántico de la época victoriana,1 posteriormente desarrolló un estilo propio, influido por varios artistasrenacentistas y góticos tales como Miguel Ángel, Giotto y Giovanni Pisano, así como por la cultura tolteca-maya.1 Las primeras obras de Moore fueron realizadas usando la técnica de tallado directo,2 pero, a finales de los años 1940, Moore comenzó a producir esculturas moldeando la figura en arcilla oyeso antes de terminar el trabajo en bronce usando la técnica de moldeo a la cera perdida o la de moldeo en arena.3

Sus obras generalmente representan abstracciones de la figura humana,4 como una madre con su hijo o figuras reclinadas.2 La mayoría de sus esculturas representan el cuerpo femenino5 a excepción de las realizadas durante los años 1950, cuando esculpió grupos familiares. Sus esculturas generalmente tienen espacios vacíos y formas onduladas, inspiradas, según algunos críticos, por los paisajes de Yorkshire, su lugar de origen.

Moore fue una de las figuras artísticas más conocidas de su época, siendo considerado "la voz oficial de la escultura británica y la cara aceptable de laModernidad".6 La habilidad que adquirió en su madurez para cumplir encargos de obras de gran tamaño, tales como el West Wind en el edificio del Metro de Londres, lo hizo excepcionalmente rico. Sin embargo, vivió modestamente y la mayor parte de su dinero fue usado para crear y mantener laHenry Moore Foundation, una fundación dedicada a promover la educación y fomento de las artes.7

Moore murió el 31 de agosto de 1986 en su hogar en Hertfordshire a los 88 años y fue enterrado en la Catedral de San Pablo de Londres. Sus obras y su estilo influyeron a numerosos artistas británicos e internacionales tales como sir Anthony Caro,8 Phillip King,9 Eduardo Paolozzi y Kenneth Armitage.6Asimismo, Moore también dejo su marca en varias organizaciones artísticas del Reino Unido, siendo miembro de las juntas directivas de la National Gallery de Londres y de la Tate.10

Fernando Botero Angulo es un pintor, escultor y dibujante colombiano nacido el 19 de abril de 1932 en Medellín (Colombia). Es considerado el artista vivo originario de Latinoamérica más cotizado actualmente en el mundo. Icono universal del arte, su extensa obra es reconocida por niños y adultos de todas partes por igual.

Sus primeras obras de retratos, paisajes y escenas costumbristas están realizadas con una pincelada muy suelta, que se irá empastando progresivamente, al tiempo que tanto la perspectiva como las figuras se hacen arbitrarias.

A principios de los años sesenta Fernando Botero se estableció en Nueva York, donde sus pinturas le granjearon una notable popularidad en el mercado artístico estadounidense. Entre sus obras más conocidas cabe destacar La alcoba nupcial, Mona Lisa a los doce años y El quite. Su traslado a París coincidió con sus primeros trabajos escultóricos, que compartían las características de su obra pictórica.

boborote De pequeño fue inscrito en un liceo de toreros de la ciudad de Medellín a petición de un tío, quien no se imaginaba que su verdadera vocación era la pintura. Tuvo un percance con los toros, lo que hizo que él los dejara. Es de notar que en este período hizo su primera obra, una acuarela de un torero. Una vez que su familia comprendió su vocación, Botero realizó su primera exposición en su ciudad natal (Medellín) en 1948.

Ese mismo año, Botero se trasladó a Bogotá para la inauguración de la Exposición de artistas Antioqueños, en donde presentó dos de sus acuarelas. De regreso a Medellín, realizó ilustraciones para uno de los periódicos locales (El Colombiano), lo que le acarreó la expulsión del plantel en el que estudiaba, ya que sus dibujos eran considerados como obscenos.