Escultura del siglo xx
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Escultura del siglo XX
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Escultura del siglo XX
MOVIMIENTOS Y VANGUARDIAS DEL SIGLO XX
http://losroblessigloxx.blogspot.com/
Primevalismo o primitivismo
En sentido estricto el primitivismo designa la influencia de las obras primitivas sobre los artistas occidentales. El redescubrimiento de la escultura primitiva por los fauves hubiera evocado una poderosa respuesta entre los escultores, pero sólo un importante escultor compartió este redescubrimiento: ConstatinBrancusi.
Constantin Brancusi (1876-1957).
Es uno de los grandes escultores del siglo XX. Rumano de nacimiento, estudió y se afincó en París. Allí conoció la obra de Rodin. Se incluye normalmente en el movimiento LA ESCUELA DE PARÍS entre los años 1920 y 1940.
El beso, 1908
El beso, 1912
El beso, Cementerio de
Montparnasse.
Manuel Martínez Hugué (1872-1945).
Pintor y escultor catalán, destacado representante del novecentismo catalán (derivación del modernismo) de principios del siglo XX. Su obra puede resumirse como una síntesis de clasicismo y primitivismo dentro de la modernidad.
Manuel Hugué, llamado Manolo, Mujer
sentada (1912). Relieve. Bronce.
Manuel Hugué, Mujer
sentada. Casa de la Ciudad
de Barcelona.
Manuel Hugué, Mujer en reposo.
1925. Barcelona.
Expresionismo
El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX. Lo mismo que en pintura, la escultura trató de reflejar la soledad y la angustia del hombre del mundo moderno. En este sentido se desarrolló la obra de Lehmbruck, Barlach o Giacometti.
Wilhelm Lehmbruck (1881-1919).
Influido durante los primeros años por Meunier y Rodin. Sus estilizados personajes, generalmente mujeres, aparecen aislados, reflexivos y marcados por una cierta melancolía. Muestran la agonía y la miseria, y no hay en ellas rasgos faciales.
Mujer arrodillándose (1911, Museo de Arte
Moderno, Nueva York). Muestra notables
contrastes verticales y horizontales, que
expresaban tanto dignidad como
desesperación, y la característica distorsión
gótica por medio de alargamientos.
Der Gestürzte, 1915/16.
Ernst Barlach (1870-1938).
Era de origen alemán, pero hay que incluir en su biografía una estancia en Rusia durante la que conoció la rústica escultura gótica de este país y aprendió a trabajar la madera, que se convertiría en uno de sus materiales favoritos. Tuvo que enfrentarse a la oposición de los nazis que calificaban sus obras como “arte degenerado”.
Der Berserker, 1910
The singing man, 1928
Shivering crone
Alberto Giacometti (1901-1966).
Es el mejor representante de la escultura expresionista. Se inició en la escultura de la mano de Bourdelle, en Francia. Fue, además , un gran conocedor de la escultura africana y cubista. Estuvo bastante vinculado al Surrealismo. Sus figuras son extremadamente estilizadas y se encuentran solas, dispuestas en el espacio, sin conexión alguna con su entorno. Cuando aparecen en grupos lo hacen sin relacionarse entre sí. Recurre a la estilización para expresar; a través de la pérdida de materia, los espíritus desgarrados y doloridos del hombre del momento.
Alberto Giacometti
Mujer de pie
CubismoEl cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre
1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano.
El objetivo fundamental de la escultura cubista es la simplificación de los volúmenes que se recomponen según las necesidades de cada caso, alejándose cada vez más de la realidad.
La primera expresión de la escultura cubista fue realizada en 1909 por Picasso: Cabeza de mujer.
Pablo Picasso (1881-1971).
Pintor y escultor, creador junto con Georges Braquedel cubismo. Influidos por la escultura africana y la obra de Cèzanne.
Después del cubismo tuvo un retorno al clasicismo. También jugó con el dadaísmo y el surrealismo . No se dejó seducir por la abstracción y no abandonó la figuración.
Fue también ceramista.
Cabeza de Fernande París, 1909 Bronce, 40 x23 x26 cm.
Cabeza de mujer; Fernande París, 1906 Bronce, según original en cera, 35x 24x 25 cm.
Guitarra París, 1912 Cartón, papel, lienzo, bramante, óleo y lápiz, 33 x18 x9 cm.
Guitarra París, 1912 Cartón, papel, lienzo, bramante y lápiz, 22 x14 x7 cm.
La mona y su cría. Vallauris, 1951. Original de cerámica, dos coches de juguete, metal y yeso, 56 x34 x71 cm. La mona y su cría, la primera vez que Pablo Picasso utilizó «objetos encontrados» para crear una pieza en bronce.
Cabra Vallauris, 1950 Yeso original; cesto de mimbre, vasijas de cerámica, hoja de palma, metal, madera, cartón y yeso, 120 x72 x144 cm
Escultura Pública 1967, Chicago, Illinois de Pablo Picasso.
Alexandre Archipenko (1887-1964). Escultor nacido en Kiev y nacionalizado estadounidense. Estudió en la Escuela de Arte de Kiev y en la Escuela de Bellas Artes de París. Entre 1908 y 1914 París fue el centro de sus actividades; de 1921 a 1923 vivió en Berlín y a partir de 1923 se trasladó definitivamente a Estados Unidos, donde impartió clases y dio conferencias en varias escuelas de arte y universidades. Entre 1939 y 1955 dirigió una escuela de bellas artes privada en Nueva York. Archipenko fue un escultor al que le gustaba experimentar e innovar. Redujo la figura humana a formas abstractas y creó obras que se cuentan entre las primeras esculturas cubistas, como Medrano (1915, Museo Guggenheim, Nueva York).Desarrolló un estilo que subraya la importancia de los espacios cóncavos y los espacios vacíos. Con el tiempo sus esculturas, como las de Boccioni, se convierten en realizaciones materiales de la estética cubo-futurista, siendo muy apreciadas por la critica de vanguardia. Es uno de los primeros en experimentar con formas cóncavas para sugerir antivolúmenes, apreciable en su Figura geométrica con espacio y concavidad (1920), siendo precursor de la vuelta a la policromía.También es considerado un escultor constructivista.
"Torso en El Espacio" de A. Archipenko (1887-1964) Fue un iniciador de la
abstracción en la escultura a partir de su trabajo en la Sección de Oro del Cubismo.
Influyó mucho en la abstracción de Alemania, Francia y USA...
“La escultura -afirmó- puede empezar en el punto en el que el espacio es rodeado por la materia”. Esta afirmación se hace realidad en el juego sucesivo de formas cóncavas y convexas, como alternancia entre hueco y volumen, con el que construye estructuras como Mujer andando (1912, The Denver Art Musem) o El combate de boxeo (1913, Colección Perls Galleries, Nueva York).
Mujer caminando. 1912.
Hasta entonces la preocupación básica de un escultor ha sido dar forma a una masa determinada. Ahora el hueco, lo puramente antimaterial, será un elemento determinante de la propia escultura, proporcionando nuevas formas vacías y sugiriendo ritmos. Sin mucho temor a equivocarnos, puede afirmarse que la obra en la que refleja a una mujer que camina, con un torso casi inexistente y con el juego de volúmenes cóncavos y convexos, marca un verdadero antes y después en la escultura del siglo XX.
Carrousel-pierrot (1913). Nueva York.
Jacques Lipchitz (1891-1973).Escultor francés de origen lituano. Una de sus primeras obras cubistas es Desnudo reclinado con guitarra (1928, Museo de Arte Moderno (MOMA), Nueva York). También recibió el influjo de la escultura primitiva africana, de sus cualidades mágicas y misteriosas. Sus últimas obras se alejan del cubismo, buscando volúmenes más sólidos y texturas más sensuales. Desde 1930 eligió para sus esculturas temas relacionados con la existencia humana, como los sentimientos de las relaciones entre personas, planteados a menudo como temas de lucha entre hombres y animales. Uno de sus temas recurrentes fue el triunfo de la luz sobre la oscuridad como lo expresa de forma simbólica en Prometeo estrangulando al buitre(realizado en 1937 para el Palacio de los Descubrimientos de la Exposición de París, hoy en el Walker Art Center, Minneapolis, Minnesota). En 1941 se instaló en Nueva York, convirtiéndose en uno de los escultores más famosos de Estados Unidos. Su monumental Paz en la Tierra (1967-1969, Music Center, Los Ángeles) ejemplifica la grandeza serena de su última producción.
La alegría de vivir (1927), en
el Museo de Israel en
Jerusalén.Figura (1926-30), en MOMA, NY.
"Mujer Recostada con guitarra“, 1928 de Lipchitz (1891-1973) en la obra presentada, utiliza, con libertad expresiva, el lenguaje del Cubismo Sintético. El personaje se reduce a lo esencial, al perfil y a las superposiciones.
Prometeo estrangulando al buitre.
Raymond Duchamp-Villon (1876-1918).
Francés, hermano de Marcel Duchamp. En sus comienzos, realizó esculturas de estilo realista, influidas por Rodin y por Maillol. Su conocimiento de la escultura africana determinó su acercamiento al cubismo y en 1911 se integró en el grupo de Puteau. Desarrolló una escultura de relieve enérgico, cercana a la pintura de Léger (Torso de mujer, Atleta, Baudelaire, Caballo).
Raymond Duchamp-Villon, Femme
penchée (1907) Torse, bronze.
Paris, MNAM.
Maggy, 1911
Mujer sentada, 1914. Bronce.
El gran Caballo, 1914. Bronce.
Pablo Gargallo (1881-1934).
Aragonés. Considerado uno de los escultores más importantes e innovadores del siglo XX.
Gargallo, influido por su amigo Julio González, desarrolló un estilo de escultura basado en la creación de objetos tridimensionales de placas planas de metal, usando también papel y cartón. Algunas de estas esculturas tienen una tipo de minimalismo. Por ejemplo, muestra solamente la mitad de una cara y puede que sólo tenga un ojo. También realizó esculturas más tradicionales en bronce, mármol y otros materiales. Entre sus obras se encuentran tres piezas inspiradas en Greta Garbo: Masque de Greta Garbo à la mèche, Tête de Greta y los Garbo avecchapeau y Masque de Greta Garbo aux cils.
Sin embargo, su obra más conocida es su pieza maestra El Profeta, de 1933, que es la culminación de su concepto cubista de escultura del hueco y a la vez posee una energía expresionista que conecta, por el tema tratado, con la tradición bíblica.
Se le considera uno de los artistas más significativos de la vanguardia española e internacional. En 1985 se inauguró en Museo Pablo Gargallo en el Palacio Arguillo de Zaragoza.
El profeta. 1933-36
• Una de las últimas obras de Pablo Gargallo.
• Imponente figura férrea, simplicidad y compleja estructura
• Intento de esculpir el vacío, el hueco, en contrasentido con la norma de la escultura, que consiste en dar forma al volumen.
• Las láminas que componen el profeta, no componen un bloque, sino que se curvan, y se tuercen entre sí.
• La luz resbala por la superficie del bloque, se introduce por el interior, crea zonas de claroscuro.
• La figura resultante es un hombre que está gritando, figura poderosa, amenazante con una mano levantada en actitud de orador, y otra que sujeta un bastón.
• Preocupación por el aspecto muy acentuada.
• El escultor no quiere hacer una figura abstracta.
• Mirándolo desde planos distintos, el profeta es el mismo, el mismo gesto y sentido, la misma persona.
• La profundidad no es una continuidad frontal, se consigue con el juego de piezas y de vacíos.
• Las líneas y planos nos conducen hacia la cabeza, y a la boca, centro expresivo de la figura, tanto en su visión frontal como en las laterales.
• El aire entra a través de la chapa y la llena de luz, construyendo el volumen en negativo.
• La experiencia de unir el exterior con el interior llega a su máxima expresión.
El aire entra a través de la chapa y la llena de luz, construyendo el volumen en negativo, que recorta el interior con sus concavidades. La chapa permite estas habilidades del forjador. La experiencia de unir el exterior con el interior llega a su máxima expresión. Es un juego armonioso de volúmenes convexos y de huecos igualmente curvos. El profeta presenta formas que nos recuerdan a los cubistas, pero se mueve dentro de los planteamientos espirituales del expresionismo, la dureza, la agresividad y el carácter.
La Bailarina. Zaragoza
La Bailarina, 1929, Bruselas.
el artista aragonés que hará del
vacío escultórico su forma de
modelar el volumen.
Trabajó las tres
dimensiones a partir de
planos, sobre todo
placas de metal.
Kiki de Montparnasse.
1928.
Greta Garbo con pestañas. 1930.
AbstracciónLa abstracción pura, en la que no hay referencia alguna a realidades naturales, surgió alrededor de 1910, como reacción al realismo, e influido por la aparición de la fotografía que provocó la crisis del arte figurativo. Es una de las manifestaciones más significativas del arte del siglo XX. Este lenguaje se elaboró a partir de las experiencias de vanguardia precedentes. Por un lado, el fauvismo y el expresionismo liberaron el color, lo que derivó hacia la abstracción lírica o informalismo. Otra vía fue la del cubismo, que hizo hincapié en la conceptualización de la forma y de la composición, lo que llevó a otro tipo de abstracción, las diferentes abstracciones geométricas y constructivas. Tanto la abstracción geométrica como la abstracción lírica son a menudo totalmente abstractas. Por lo tanto, ya desde sus comienzos, el arte abstracto ha tendido hacia dos polos: uno, cuyos orígenes se remontan al fauvismo, es libre y lírico; el otro, inspirándose más en el cubismo, es rigurosamente geométrico.
El concepto de arte abstracto designa una serie de tendencias en pintura, escultura y artes gráficas, que rechazan la copia o la imitación de todo modelo exterior a la conciencia del artista. Se entiende por arte abstracto aquel que prescinde de toda figuración (espacio real, objetos, paisajes, figuras, seres animados e incluso formas geométricas si se representan como objetos reales, con iluminación y perspectiva); según esta acepción, una obra abstracta no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí misma, sino que propone una nueva realidad distinta a la natural.
Julio González Pellicer (1876-1942).
Fue uno de los artistas modernos más importantes de la primera mitad del siglo XX. Nacido en Barcelona, una gran parte de su vida transcurrió en París, como contemporáneo y amigo de Pablo Picasso. Sus innovadoras esculturas con inclinaciones cubistas en su mayor parte son referencias a la figura humana, aunque frecuentemente son abstractas. Recupera el naturalismo con obras como Montserrat gritando (1937), escultura que se exhibió junto al Guernica en la Exposición Universal de París.
Dedicó su trabajo, sobre todo, a la escultura en hierro, a menudo de grandes proporciones.
Cabeza ante el espejo
1934. Bronce fundidoMujer peinándose I
1931. Hierro.
Mujer peinándose
II
1934. Hierro.
El hombre cactus
1939. Hierro.
Dafne (1937)
Figura reclinada (1934)
La Montserrat
Es una de sus figuras más dramáticas y
expresivas, símbolo de la lucha por la
libertad. Fue expuesta en el pabellón de la
República Española en la Exposición
Internacional de París de 1937, que acogió
un conjunto de piezas inspiradas en
hechos y escenas bélicas que
reaccionaban en contra del fascismo
durante la Guerra Civil española y se
manifestaban a favor de la República.
A partir de la emblemática
Montserrat, realizaría diferentes variantes
o interpretaciones en esculturas como El
Pie, Gran Perfil de la campesina, Busto
femenino o Torso. González se servirá de
planchas de hierro para representar las
partes del cuerpo humano.
La cabeza de la Montserrat, 1942.
Es la culminación de este proceso. La obra quedó
inacabada.
Muestra el rostro de una mujer sencilla, fuerte y
humilde, con el pañuelo en la cabeza, llena de
fuerza, de rabia y de dolor por la situación de
angustia que padece.
Al representarla con la boca abierta alcanza un alto
grado de expresividad, es el momento preciso en el
que emite el grito por el dolor que está soportando.
Julio González revela por medio de esta imagen el
horror que provoca la guerra, es la expresión de la
trágica realidad de su tiempo. El rostro recuerda a la
expresividad de las figuras de Picasso en el
Guernika y a El Grito de Munich.
Máscara de Montserrat gritando, 1936
Entre 1931 y 1942, Julio González hizo
numerosas cabezas. La última escultura
catalogada es “Montserrat gritando”, una
imagen con la que parece volver, tras un
recorrido a sus orígenes.
Esta cabeza no figurativa en la que se
prescinde de la relación
anverso/reverso, utiliza las formas en el
espacio para crear un volumen
envolvente, virtual, que da unidad a toda la
figura.
En la "Cabeza de Conejo" de 1930 estará
presente la tridimensionalidad y será
vitales las luces y las sombras dentro de la
propia figura, ya que el espacio virtual, el
vacío será dinámico por las diferentes
partes en las que se descompone la
escultura. En éstas, la frontalidad cobra
especial interés para poder entender la
figura, que de otra forma sería
absolutamente abstracta.
Henry Moore (1898-1986). Aunque durante sus inicios Moore siguió el estilo romántico de la época victoriana, posteriormente desarrolló un estilo propio, influido por varios artistas renacentistas y góticos tales como Miguel Ángel, Giotto y Giovanni Pisano, así como por la cultura tolteca-maya. Las primeras obras de Moore fueron realizadas usando la técnica de tallado directo, pero, a finales de los años 1940, Moore comenzó a producir esculturas moldeando la figura en arcilla o yeso antes de terminar el trabajo en bronce usando la técnica de moldeo a la cera perdida o la de moldeo en arena.
Sus obras generalmente representan abstracciones de la figura humana,como una madre con su hijo o figuras reclinadas. La mayoría de sus esculturas representan el cuerpo femenino a excepción de las realizadas durante los años 1950, cuando esculpió grupos familiares. Sus esculturas generalmente tienen espacios vacíos y formas onduladas, inspiradas, según algunos críticos, por los paisajes de Yorkshire, su lugar de origen.
Moore fue una de las figuras artísticas más conocidas de su
época, siendo considerado "la voz oficial de la escultura británica y
la cara aceptable de la Modernidad”.
La estatua de bronce Family Group
(1950), localizada en la entrada de
The Barclay School en Stevenage
(Hertfordshire), fue la primera
comisión de gran escala de Moore
después de la Segunda Guerra
Mundial.
Knife Edge – Two Piece (1962), escultura de bronce, a lado de la
Cámara de los Lores.
Figura reclinada.1951.
Energía nuclear. 1941..
Escuela de Vallecas
Alberto Sánchez Pérez (1895-1962).
Toledano fallecido en Moscú. En sus comienzos estuvo muy influido por el uruguayo Rafael Pérez Barradas, y las obras de esa época, década de 1920 se inscriben en el cubismo (Maternidad, 1929). En 1927 fundó con Benjamín Palencia la llamada Escuela de Vallecas, que buscaba en Castilla su inspiración. Alberto alcanzó su lenguaje escultórico peculiar a través de una fusión de elementos de inspiración popular, con ciertos rasgos surrealistas, todo ello tratado con una acentuada estilización.
Alberto elaboró los decorados de la compañía teatral "La Barraca", de Federico García Lorca.
Una de sus obras más significativas es la gran escultura, de más de doce metros de altura, titulada El pueblo español tiene un camino que conduce a una estrella, expuesta junto al Guernica de Picasso en el Pabellón de la República Española de la Exposición Internacional de París de 1937. De esta obra hay una copia en el exterior de la entrada principal del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid y, a escala reducida, en la Plaza de Barrionuevo de Toledo.
Maternidad, 1930
Toros ibéricos. Escultura en el Paseo de la
Castellana de Madrid.
El pueblo español tiene un camino
que conduce a una estrella. 1937.
Escuela de París
Esta denominación sirve para agrupar a un conjunto de artistas que establecen su residencia en París entre los años 1920 y 1940.
Entre ellos Brancusi y Arp.
Constantin Brancusi (1876-1957).En su trayectoria profesional se detuvo en la búsqueda de la esencia de las cosas, como queda perfectamente expresado en Pájaro en el espacio(1919-1940), del que existen 20 versiones. Empleó diversos materiales, tanto el mármol como la madera o el bronce, respetando siempre las cualidades de cada material que trabajaba con sus propias manos: “Era el verdadero camino de la escultura”. Son muy frecuentes las esculturas de forma ovoide como Mademoiselle Pogany (1913, 1933) o El recién nacido(1915-1920).
Señorita Pogany III, 1933
Se trata de una de las numerosas versiones del retrato que
hizo Constantin Brancusi de la célebre bailarina. Con su
característica depuración de las formas, su obra se basa en
el conocimiento del material, proponiendo la búsqueda de la
esencia, influido seguramente por el pensamiento oriental que
conocía a través de del libro del monje tibetano del siglo XI,
Milarepa.
Señorita Pogany I, 191920
La Maiastra, 1912. Del pájaro, lo que deseaba resaltar es la velocidad.
Pero sabía que el ave adopta en vuelo unas actitudes acordes con la
máxima eficacia: recoge y estira el cuerpo para cortar mejor el aire. Son los
principios de la aerodinámica, fundamentales para la tecnología de la
aviación. En esta sencilla escultura, Brancusi ha obtenido una emocionante
instantánea del vuelo de un pájaro.
El dadaísmo es un movimiento cultural que surgió en 1916 en el Cabaret Voltaire en Zúrich (Suiza). Fue propuesto por Hugo Ball, escritor de los primeros textos dadá; posteriormente, se unió Tristan Tzara que llegaría a ser el emblema del dadaísmo. Una característica fundamental del dadaísmo es la oposición al concepto de razón instaurado por el Positivismo.
Para los miembros de Dadá, el dadaísmo era un modus vivendi, crea una especie de anti-arte, es una provocación abierta al orden establecido.
Artistas reconocidos de este movimiento fueron: Tristan Tzara y Marcel Jank de Rumanía, el francés Jean Arp y los alemanes Hugo Ball, Hans Richter y Richard Huelsenbeck
Dadá- biomórfico
(Hans) Jean Arp (1887-1966).
Francoalemán, conocido como miembro de la Escuela de París, Arp fue miembro fundador del movimiento Dadá en Zúrich en 1916. En 1920, como Hans Arp, junto a Max Ernst, y el activista social Alfred Grünwald, estableció el grupo dadá de Colonia. Sin embargo, en 1925 su obra apareció también en la primera exposición del grupo surrealista en la GaleriPierre de París.
Sombrero-ombligo, 1924
Human Concretion. 1935. Cast Stone.
49.5 x 47.6 x 64.7 cm. The Museum of
Modern Arts, New York, NY, USA.
En songe. 1937. Bronze. 37 x 20 x 21 cm.
Le Musée d'Art Moderne de Saint-
Étienne, France.
Pastor de Nubes (1953), Ciudad
Universitaria de Caracas.
Marcel Duchamp (1887-1968).
Francés. Hermano del escultor Raymond Duchamp-Villon. Se dejó influir por el cubismo y el futurismo. Fue el creador de los ready-made (describe el arte realizado mediante el uso de objetos que normalmente no se consideran artísticos, a menudo porque tienen una función no artística, sin ocultar su origen, pero a menudo modificados).
Duchamp ensambló su primer
readymade, titulado Rueda de bicicleta en
1913,
Su Fuente, un urinario que firmó con el
seudónimo «R. Mutt», confundió al mundo
del arte en 1917.
Surrealismo
Es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo, en la década de los años 1920, en torno a la personalidad del poeta André Breton.
Joan Miró (1893 -1983).
Considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. El interés de Miró por la escultura deriva de una voluntad de superar los límites estrictos de la pintura. La primera pieza realizada por él en 1931, a base de objetos ensamblados, en el más puro espíritu provocador del surrealismo, resulta ya muy significativa, pues proclama con rotundidad el papel fundamental que le atribuye al objeto como generador de sentidos.Más tarde, a mediados de los años cuarenta, elabora pequeñas piezas en arcilla que después traslada al bronce. Éste será, en lo sucesivo, el material escultórico predilecto de Miró. Por otra parte, Miró propició siempre una relación muy estrecha, de colaboración efectiva, con los fundidores. Ello le permitió ajustar la concepción de las piezas a unos resultados en que en ocasiones prevalecía un acabado pulido y otras, en cambio, la riqueza de matices de unas pátinas sorprendentes. En los años sesenta, el artista introdujo el color en la escultura, un color directo y elemental, que distingue y destaca el carácter individual de los componentes que constituyen las piezas. La escultura y la cerámica le permitieron, además, intervenir en el espacio público, con realizaciones de carácter monumental.
Pájaro lunar en Madrid (1946-49).
Escultura de Joan Miró en el Museo Hakone al aire libre, Tokio.
Gran maternidad, escultura en bronce
situada en San Francisco.
Mujer botella situada en el Parque
Cultural Viera y Clavijo de Santa
Cruz de Tenerife. 1973. El 28 de
enero de 2002 es declarada Bien
de Interés Cultural con la
categoría de Bien Mueble.
Mujer y pájaro, 1983.
Miró realizó numerosas esculturas para
espacios públicos, algunas de
proporciones gigantescas. En estas
composiciones en las que emplea a veces
el color, crea toda una galería de seres-
personajes, mujeres, cabezas, pájaros-
inconfundiblemente mironianos, de
expresión vigorosa y rotunda, en los que
prevalecen las formas curvilíneas.
Joven sentada. 1967.
Un visitante observa la escultura 'Femme' (mujer)
del artista español Joan Miró en la exposición
'Esculturas por pintores' en el museo Frieder
Burda de Baden-Baden, Alemania.
Mujer y pájaro. 1967.La caricia de un Pájaro. 1967.
Futurismo
El Futurismo surgió en Italia impulsado por Filippo Tommaso Marinetti. Este movimiento buscaba romper con la tradición, el pasado y los signos convencionales de la historia del arte. Consideraba como elementos principales a la poesía, el valor, la audacia y la revolución, ya que se pregonaba el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso gimnástico, el salto peligroso y la bofetada irreverente. Tenía como postulados: la exaltación de lo sensual, lo nacional y guerrero, la adoración de la máquina, el retrato de la realidad en movimiento, lo objetivo de lo literario y la disposición especial de lo escrito, con el fin de darle una expresión plástica.
Rechazaba la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento. Se recurría, de este modo, a cualquier medio expresivo (artes plásticas, arquitectura, urbanismo, publicidad, moda, cine, música, poesía) capaz de crear un verdadero arte de acción, con el propósito de rejuvenecer y construir de nuevo la faz del mundo.
Umberto Boccioni (1882-1916).
Italiano. Fue uno de los líderes del movimiento futurista.
En sus obras, Boccioni supo expresar magistralmente el movimiento de las formas y la concreción de la materia.
Aunque influenciado por el cubismo, al que reprochaba su estatismo excesivo, Boccioni evitó siempre en sus cuadros la línea recta y utilizó los colores complementarios para crear un efecto de vibración. En sus cuadros las representaciones de un mismo tema en estadios temporales sucesivos sugieren eficazmente la idea del movimiento en el espacio.
Un intento similar domina también su escultura, en la cual despreció a menudo los materiales nobles, como el mármol o el bronce, prefiriendo la madera, el hierro o el cristal. Lo que le interesaba era mostrar la interacción de un objeto en movimiento con el espacio circundante.
Formas Únicas de Continuidad en el
Espacio (1913), obra que aparece en la
cara nacional de Italia de las monedas
de veinte céntimos de euro.
Vemos una figura que avanza
potentemente hacia el futuro, la figura
tradicional del desnudo heroico se hace
aquí agresivamente moderna. La
superficie brillante y pulida del bronce hace
que esta figura parezca más una máquina,
potenciado por las formas angulares que la
componen.
Boccioni además ha acentuado la
sensación de espacio y movimiento
perenne, gracias a la multiplicación de las
formas y a que la figura aparece con unas
extensiones, a modo de alas o de ropajes
movidos por el viento en contra, que
permiten al espectador sentir cómo la
figura avanza con fuerza, de hecho el
motivo esencial de la escultura no es la
figura en sí misma o la forma, sino la
captación del movimiento y la fuerza.
Desarrollo de una Botella en el Espacio, 1912/13.
Retrato de su madre Antigraziosa (1913)
Contructivismo
Es el término empleado en el año 1913 por el crítico Punin para referirse a una obra de Tatlin, uno de los miembros de este movimiento. El arte es interpretado como mecanismo de transmisión de una ideología determinada, una manera de ayudar a evolucionar una sociedad.
En escultura destacaron los hermanos Pevsner, considerándose los padres de la escultura constructivista.
Naum Gabo (1902-1983) y Antoine(1888-1962). Comenzaron influidos por el cubismo y futurismo para crear el constructivismo y el arte cinético. Emplearon para sus obras nuevos materiales como el nailon, filamentos metálicos y plexiglás, con los que crearon estructuras geométricas rigurosamente calculadas en las que la luz y el movimiento (ellos crearon la primera escultura en movimiento) desempeñaba un papel determinante.
Maqueta del monumento a la liberación del espíritu. Tate Gallery. Londres.
Cinéticos
El arte cinético y el arte óptico son corrientes artísticas basadas en la estética del movimiento. Esta principalmente representado en el campo de la escultura donde uno de los recursos son los componentes móviles de las obras.
Las primeras manifestaciones de arte cinético se dan en los años 1910, en el movimiento futurista y en ciertas obras de Marcel Duchamp. Más adelante, Alexander Calder inventa el móvil, un tipo de escultura formada por alambre y pequeñas piezas de metal suspendidas que son movidas ligeramente por el desplazamiento del aire ambiente. La expresión arte cinético es adoptada hacia 1954, para designar las obras de arte puestas en movimiento por el viento, los espectadores y/o un mecanismo motorizado.
El arte cinético fue una corriente muy en boga desde la mitad de los 60 hasta mediados de los 70.
Alexander Calder (1898-1976).
Es mejor conocido como el inventor del móvil o chupin
(juguete móvil colgante), un precursor de la escultura cinética. También elaboró obras esculturales inmóviles, conocidas como stabiles. Aunque los primeros chupines y stabiles de Calder fueron relativamente pequeños, poco a poco fue dirigiéndose hacia la monumentalidad en sus trabajos posteriores. Su arte fue reconocido con muchas exhibiciones de gran envergadura. Este gran hombre del arte contemporáneo tuvo mucho éxito y ganó dinero con sus esculturas
Ordinary, Park Avenue. Nueva York.
Eusebio Sempere (1023-1985).
Es el pintor más representativo del movimiento cinético en España. La línea y su repetición y un gran dominio del color que logra hacer vibrar la luz van a dar profundidad a sus composiciones pictóricas.
La obra de Sempere está definida por la abstracción, la repetición geométrica y la linealidad, evolucionando hacia el Op Art, el constructivismo con elementos del arte cinético.
Su aportación personal a este movimiento cinético consiste en sus series de construcciones geométricas y abstractas a las que imprime el efecto de ilusión de vibración y movimiento.
Quizá condicionado por su origen levantino, la luz también representa un importante papel en su obra plástica, utilizándola como elemento principal para crear armonía y organizar planos. Considera sus cuadros como una superficie bidimensional donde juega con los elementos visuales, la luz, el color y los tonos, buscando efectos ópticos para crear volúmenes en sus figuras geométricas repetidas.
Museo de Escultura al Aire Libre de Madrid. Además de las barandillas del puente y de la zona ajardinada, el escultor realizó otros elementos integrados en el Museo, como los dieciocho bancos de hormigón blanco, en forma de S por ser la inicial de su apellido.
También es obra suya la Fuente-Cascadaque nace bajo el puente al nivel de la calle de Serrano, formada por nueve rampas onduladas de hormigón blanco pulido, que se cruzan, por las que cae el agua hasta el estanque en cuyo centro se encuentra la escultura de Martín Chirino de un rojo deslumbrante.
Móvil. 1972, Museo de Escultura al Aire Libre de Madrid.
En 1984, Eusebio Sempere hablaba de su actividad como escultor en los
siguientes términos: "Mi escultura es consecuencia directísima de mi
pintura, sólo que en otras dimensiones y con otro material. Por lo tanto, lo que es
luz en mis pinturas -espacio bidimensional- en las esculturas es tensión de
materiales en un espacio tridimensional. El movimiento insinuado del cuadro se
transforma en movimiento real en el otro espacio de la escultura. Las esculturas
son las consecuencias últimas de las pinturas. Así podríamos seguir a partir de
los condicionamientos de un espacio bidimensional sobre otro tridimensional".
En el jardín de la Fundación
Juan March en la calle de
Castelló, podemos contemplar
otra escultura de Sempere,
magnífica, titulada Órgano, y
realizada con tubos de tres
centímetros de diámetro en
acero inoxidable sobre
plataforma metálica.
Segunda mitad del siglo XX
Jorge Oteiza (1908-2003).
Inició su actividad artística en San Sebastián en los años 20, en contacto con los jóvenes que desarrollaban la vanguardia artística en su ciudad. Las primeras obras escultóricas de Oteizaestán fuertemente influenciadas por el cubismo y el primitivismo. Reivindica el neo-plasticismo y el constructivismo soviético. Oteiza es un artista puente entre el periodo de las vanguardias y la generación de la posguerra alcanzando su influencian en sectores artísticos, culturales y políticos. Se mantuvo distante y crítico con los reconocimientos oficiales siempre manteniendo su particular posición iconoclasta en lo ideológico y político.
Jorge Oteiza, Friso de los Apóstoles. Podemos ver en éste friso como Oteiza va
vaciando la materia, los apóstoles están huecos, lo importante no es la materia es el
espacio vacio que queda dentro.
Estas esculturas estuvieron durante varios años abandonadas en las cunetas de la
subida a Arantzazu ya que fueron prohibidas por la iglesia al considerarlas un
sacrilegio, por fortuna el Papa Pablo VI mandó que se colocarán. Oteiza alguna vez
ha dicho que puso 14 apóstoles porque no cabían más.
Friso de los Apóstoles. Detalle.
Jorge Oteiza: "Caja metafísica" (1958). Madrid. ............. "De la serie de desocupación de la esfera" (1957). Madrid.
Jorge Oteiza: "Construcción vacía"
(1957). San Sebastián.
Homenaje al caserío vasco, escultura de Oteiza en Biarritz.
Juan de Ávalos (1911-2006).
Su escultura, de un monumentalismo rotundo, es una de las más representativas del arte español contemporáneo, siguiendo la corriente figurativa. Aunque a menudo vinculado al franquismo por haber realizado las esculturas del Valle de los Caídos (Madrid).
Piedad de la Basílica del
Valle de los Caídos
El Ángel de la Paz, también
llamado el Ángel de la Victoria, en
Valdepeñas, Ciudad Real.
Es un monumento lleno de
polémica por guardar estrecha
relación con el franquismo.
La historia de este monumento es
bastante polémica, ya que fue
mandado construir por el Dictador
Francisco Franco en 1964. Se le
encargó la tarea al escultor Juan
De Ávalos encargado también de
realizar el Valle de los Caídos.
En el año 1976, los GRAPO
volaron con una bomba el
monumento, y desde ese día, el
ángel fue cayendo en el olvido y
desintegrándose poco a poco con
el paso del tiempo, hasta
conservar solamente la figura
esquelética de un amasijo de
hierros.
Monumento a Luis
Carrero Blanco en Santoña,
Cantabria.
Monumento a Juan Pablo II en la Catedral
de la Almudena de Madrid.
Tumba de los amantes de Teruel.
Eduardo Chillida Juantegui (1924-2002).
Vasco también, comienza su rivalidad con el temperamental escultor Jorge Oteiza. Ambos con una obra vinculada en la tradición constructivista, pese a trabajar cada uno con temáticas parcialmente diferentes -como explicó en diferentes libros y artículos el crítico de arte y arquitectura Juan Daniel Fullaondo, Jorge de Oteiza no dejó de acusar a Eduardo Chillida de plagiar sus obras, llegando a publicar en 1991 El libro de los plagios con fotografías de obras de Chillida junto a otras similares pero anteriores de Jorge Oteiza.
Sin embargo, su talento, equiparable al de Brancusi o Giacometti, fue pronto reconocido internacionalmente, quedando su obra repartida entre los mejores museos y colecciones públicas y privadas.
Una gran parte de la producción artística de Eduardo Chillida está constituida por obras monumentales destinadas a espacios públicos. En este sentido, la obra más monumental concebida por Chillida, su Proyecto para la Montaña Tindaya en Fuerteventura, quedó perfectamente definida y en fase de estudio cuando el escultor falleció. Podemos destacar también la obra titulada Elogio del horizonte, que domina el promontorio del Cerro de Santa Catalina (también denominado La Atalaya). Otra obra destacada es el Elogio del agua, en el Parque de la Creueta del Coll, Barcelona.
Su obra escultórica es de una gran fortaleza y belleza plástica. Sobrecoge a los observadores de su obra. Juega con ellos y el espacio donde se ubican y, sobre todo, sirve de ejemplo para nuevos artistas.
Tindaya es una montaña situada en el municipio canario de La Oliva (isla de Fuerteventura, Canarias), y que tiene un especial interés histórico y arqueológico por la cantidad de grabados rupestres que alberga. Tindaya constituía un lugar sagrado para la población aborigen de Fuerteventura, los majos, que esculpieron sobre ella más de 300 grabados con formas de pie o podomorfos.
En 1993 el artista vasco Eduardo Chillida idea una obra escultórica sobre la montaña de Tindaya, que supondría un gran cubo de vacío en el interior de la montaña, así como oquedades hacia el exterior. Este proyecto provoca la reacción de diversos colectivos ecologistas y conservacionistas que alegan que se pondría en peligro tanto la “estructura” de la montaña (debido a su vaciado) como los grabados podomorfos dejados por los majos. Por otro lado, una serie de supuestas irregularidades y corruptelas políticas desembocan en el conocido como “Caso Tindaya”, archivado por la justicia
Eduardo Chillida dijo así: "mi única ambición es crear un
espacio útil para toda la humanidad, que cuando un ser
humano entre en ese cubo vacío de 50 por 50 por 50 metros
sienta en su plenitud la pequeñez humana".
Por fin, el proyecto se pone en marcha y, en una primera fase, durante 2003 se realiza
un estudio de alternativas. El 14 de enero de 2005 comienza la segunda fase, con
diversos sondeos in situ para comprobar el estado real de los terrenos antes de la
ejecución de las obras.
Según declaraciones realizadas por el Consejero de Medio Ambiente del Gobierno de
Canarias, Domingo Berriel el proyecto de Eduardo Chillida podría verse plasmado
sobre el terreno a partir de febrero de 2009.
El monumento será bautizado como el Monumento a la Tolerancia.
Situado en el extremo del paseo que
lleva la denominación del propio
escultor, El peine del viento (1977) fue
realizado en colaboración con el
escultor Luis Peña Ganchegui. Está
formado por varias terrazas de
diversa altura revestidas de
adoquines de granito rosa de porriño
y comunicadas por graderíos y
escaleras. En las rocas del
acantilado, se insertan, separadas por
varias decenas de metros, tres
esculturas metálicas realizadas en
acero corten.
El conjunto está complementado por
un sistema de tubos que conducen el
aire impulsado por las olas a una
serie de orificios que emiten un
peculiar sonido, acompañado en
épocas de temporal con agua
pulverizada.
Lugar de encuentros III o La sirena
varada, 1972, Paseo de la Castellana, Madrid.
Entre las muchas interpretaciones formuladas respecto a la escultura figura la de que Chillida colocó la obra en suspensión como alusión a la situación política y su negativa a estar sujeto a cualquier imposición.
Elogio del agua, 1986.
Parque de la
Creueta del Coll, Barcelona.
Elogio del horizonte, 1989.
Cerro de Santa Catalina.
Gijón.
El Museo de Chillida-Leku es un gran
espacio de jardines y bosques y un caserío
remodelado, donde el escultor Eduardo
Chillida distribuyó una gran muestra de su
obra. Está situado en las inmediaciones de
Hernani, provincia de Guipúzcoa.
Escultura de Eduardo Chillida en Hernani.
Eduardo Úrculo (1938-2003).
Pintor y escultor. Entre 1975 y 1979, su obra, determinada por el pop, comienza las series de desnudos femeninos, las vacas y los frutos. Después continuaría con la serie dedicada al tema del viajero, con el sombrero como protagonista. En sus últimos años, se introdujo en las iconografías orientales de geishas, como evasión romántica y como icono sexual. Participó en la I Bienal de Arte Ciudad de Oviedo y en 1986 fue homenajeado en el Certamen de Pintura de Luarca. Sus últimas exposiciones individuales tuvieron lugar en la Fundación Marcelino Botín de Santander y en la galería Teresa Cuadrado, de Valladolid (2000).
Como escultor realizó las siguientes obras:
1. El viajero, para la estación de Atocha, de Madrid (1991-2).
2. El regreso de William B. Arrensberg, para la plaza Porlier, de Oviedo (1993).
3. Exaltación de la manzana, para el parque Vallina de Villaviciosa (1996).
4. Homenaje a Emilio Alarcos Llorach, en Oviedo (1999).
5. Homenaje a Santiago Roldán, Barcelona (1999).
6. Equipaje de ultramar, en la Plaza de los paragüitas de Puerto del
Rosario, Fuerteventura (2000).
Eduardo Úrculo sobre su obra
Equipaje de ultramar en
Fuerteventura.
El viajero, para la estación de Atocha, de Madrid
Plaza Porlier de
Oviedo, con la escultura
de Úrculo El Regreso de
Williams B. Arrensberg.
Homenaje a Santiago Roldán, 1999.
Bronce
Parque de Carlos V, Barcelona
Culis Monumentalibus, Oviedo, Asturias. Eduardo Úrculo.
Agustín Ibarrola Goicoechea (1930).
Pintor y escultor. Junto con Daniel Vázquez Díaz dio sus primeros pasos en el cubismo. En 1950 conoció a otro artista que tuvo gran influencia sobre su producción y su mentalidad artística, el escultor vasco Jorge Oteiza; junto a él se introdujo en la división y análisis del espacio propia del constructivismo.
En la década de los 80 inició su actividad escultórica y su singular visión de la obra
pictórica, reflejada posteriormente en algunas de sus obras, como sus "Bosques". El
Bosque de Oma, cerca de Guernica.
Los Cubos de la Memoria en el puerto de Llanes, unos espectaculares cubos
pintados de vivos colores en el escollera del dique del puerto.
Ola a ritmo de txalaparta (1986/1987) en la Estación de Chamartín de Madrid.
El bosque de los tótems (1996) en la Estación de Príncipe Pío de Madrid.
Fernando Botero Angulo (1932)
Pintor, escultor y dibujante colombiano. Desde sus inicios, Botero ha recurrido a escenas costumbristas, inicialmente, con una pincelada suelta de colores oscuros (con ocasionales contrastes fuertes) cercana al expresionismo y, desde finales de los sesentas, ha recurrido a una pincelada cerrada, con figuras y contornos más definidos. Botero es uno de los pocos artistas (por no decir el único), que se ha dado el lujo de exponer sus obras en varias de las avenidas y plazas más famosas del mundo, como los Campos Elíseos en París, la Gran Avenida de Nueva York, el Paseo de Recoletos de Madrid, la Plaza del Comercio de Lisboa, la Plaza de la Señoría en Florencia y hasta en las Pirámides de Egipto.
Mano, Paseo de la Castellana (Madrid).
Mujer fumando
Mujer con espejo, Paseo de
Recoletos, Madrid.
El rapto de Europa, Aeropuerto de Madrid
Barajas. Terminal I.
Caballo de Botero. Aeropuerto del
Prat, Barcelona.
La maternidad. Oviedo. Asturias.
El romano. Medellín. Colombia.
Busto - Parque Thays - Buenos Aires Busto - Parque Thays - Buenos Aires
Busto - Parque Thays - Buenos Aires
Mujer reclinada. 1984.
• http://www.hiru.com/es/artea/artea_03600.html• http://www.epdlp.com/pintor.php?id=185• http://aprendersociales.blogspot.com/2007_06_01_ar
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horizonte-chillida-1989
María del Pilar González López
Valle Inclán
2010
