Escultura Barroca

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ESCULTURA BARROCA IES M M EGG

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ESCULTURA BARROCA

IES M M EGG

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CARACTERÍSTICA GENERALES

- Es naturalista, pero el artista no interpreta la naturaleza, la copia.

- El Renacimiento representa el ETHOS. El Barroco el PATHOS: las figuras expresan pasiones y sentimientos y cuanto más exaltados y dramáticos sean, mejor. Más que describirnos lo que ha pasado se intenta que lo podamos sentir.

- Si el tema es religioso se decantan por la expresión de la mística, rozando casi lo sobrenatural. Pero la temática es muy amplia: milagros (resplandores y vaporosidades); martirios, castigos de herejes …

- El movimiento lo emplea el escultor como una vía de expresar lo anterior. Ahora es desordenado, espontáneo, se representa en acto y no en potencia como sucedía en el Renacimiento.

- Las composiciones son abiertas, en aspa; piernas y brazos se lanzan al espacio. Son importantes los escorzos. Se abandona la simetría.

- El ropaje: es muy importante: se nos ofrece con fuertes pliegues y contribuye a dar movimiento y generar contrastes lumínicos.

- El naturalismo implica el desarrollo del retrato, físico y moral.

- Se valora la materia y la superficie de la misma lo que da lugar a ricas calidades en las telas y gran realismo en la piel.

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RENACIMIENTO BARROCO

SIMETRÍA ASIMETRÍA

PLASTICIDAD PICTORICISMO

NATURALISMO IDEALIZADO NATURALISMO PLENO

MOVIMIENTO EN POTENCIA MOVIMIENTO EN ACTO

RETRATO DE PARECIDO RETRATO ESPIRITUAL

SUPERFICIE TERSA SUPERFICIE DE CALIDADES

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Autor: BERNINI (1598 – 1680)

Título: APOLO Y DAFNE

Cronología: 1622 – 1625

Estilo: BARROCO

Técnica: TALLA

Material: MÁRMOL

Dimensiones: 2,43 m (alto)

Localización: Galería Borghese, ROMA

Es un tema propio de la pintura. Se plasma un momento muy concreto (hecho este habitual de la pintura) en el que, recreando el mito de Apolo y Dafne, el dios al alcanzar a la ninfa Dafne ésta se convierte en laurel.

EL tema está inspirado en un episodio de la Metamorfosis de Ovidio.

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- Diferencia en las cualidades: cuerpo y árbol. Unas partes pulidas en las que resbala la luz y otras entretalladas en las que se concentra.

- Realismo en el movimiento que capta además un momento muy fugaz

- Contraste psicológico: Dafne muestra miedo e incurva ligeramente el cuerpo al sentir que Apolo le atrapa mientras que éste sigue absorto en la persecución viendo cómo Dafne se convierte en laurel.

- Composición abierta: líneas oblicuas. Piernas y brazos se lanzan al espacio.

- Dafne parece estar en el aire con la facilidad que la podría haber puesto un pintor en el lienzo.

-Realizada para ser vista desde un punto concreto. Esto también sucede con la pintura y tiene su precedente inmediato en el Renacimiento.

- Otros temas que desarrolló: Rapto de Proserpina, David, Retrato de Luís XIV.

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La expresión; el momento fugaz, la diferencia en las cualidades, el movimiento, los puntos en

común con lo pictórico

El alejamiento de las pautas renacentistas

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Autor: BERNINI (1598 – 1680)

Comitente: CARDENAL FEDERICO CORNARO, que quiso construir su capilla fúnebre en el brazo izquierdo del crucero de la iglesia.

Título: ÉXTASIS DE SANTA TERESA

Cronología: 1647 – 1652

Estilo: BARROCO

Técnica: TALLA

Material: MÁRMOL

Dimensiones: 3,5 m (alto)

Localización: Capilla Cornaro de Santa María della Vittoria. ROMA

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El conjunto escultórico forma una perfecta unidad con la arquitectura y pintura para crear el escenario en el que se expresa una narración vivencial y de contenido místico de la Santa. Sólo en este escenario podemos sentir lo que narró Santa Teresa.

En la bóveda finge pictóricamente un cielo, con nubes y ángeles de los que el que está con la Santa parece haber caído del techo.

Los rayos de bronce simulan la luz que entra por un vano detrás del frontón. La luz aporta teatralidad y veracidad.

Los miembros de la familia Cornaro, arrodillados ven el milagro que se produce en el altar.

Se ha creado una escena pictórica enmarcada en la arquitectura

Colores de los materiales

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- Perspectiva o puntos de vista

- Importancia y significado de la luz y color

- Composición: abierta, en aspa; diagonal de la santa y vertical del ángel. La santa par3ece estar pegada a la tierra mientras el ángel se eleva como un espíritu divino.

- Trabajo de los ropajes y su contribución con el tema: refleja la agitación del alma; claroscuro. El ángel, ropajes pegados al cuerpo recuerdan los “paños mojados”

- Contraste en la expresión del rostro de los personajes.

- La santa está asentada de una manera poco firme.

- Función: que el fiel penetre en la mística de la santa.

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Rostro de la Beata Albertoni

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BERNINI: El rapto de Proserpina

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Bernini David

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CARACTERÍSTICAS DE LA ESCULTURA BARROCA ESPAÑOLA

-Las artes plásticas están en su máximo apogeo y expresarán un carácter español.

- En este siglo de crisis los principales clientes serán los gremios y cofradías que rinden culto a las imágenes tanto en el templo como en la calle.

- La estatuaria tendrá un carácter religioso: la Iglesia defiende el valor pedagógico y moral de las imágenes para que los fieles se acerquen a la fe. Las cofradías, adquiriendo su mayor protagonismo en Semana Santa, sacan sus imágenes a la calle. Son los pasos, del latín passus = sufrimiento. Serán temas referentes a la Pasión de Cristo.

- Prácticamente no hay escultura civil; la funeraria es muy escasa. Lo mayoritario son los pasos y los retablos. Estos últimos son monumentales, con figuras de bulto redondo que pueden salir en procesión. Ven además reducir sus cuerpos hasta finalizar en uno solo. La columna salomónica es muy utilizada. En el XVIII es sustituida por el estípite. Las sillerías del coro son importantes.

- Temática: está adaptada a los postulados de la Contrarreforma: Pasión de Cristo, exaltación de temas marianos, y santos, bien mártires, penitentes o místicos.

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- Material: Madera (pino, cedro, nogal). Técnica: Talla. La madera se policroma utilizando el temple. Se realiza el encarnado y el estofado. Se prefieren en general las encarnaciones en mate, sin brillo por parecer más naturales. Para el estofado hay dos tendencias: o bien se desecha el dorado usando colores mates o bien se sigue el procedimiento del renacimiento de rajado y pintura a punta de pincel.

-Lenguaje plástico: Es realista y naturalista. Predominan las tallas en madera policromada, de colores sobrios, que no distraigan la atención del fiel. Se realiza un estudio de la anatomía. La exaltación del realismo conduce al empleo de postizos (ojos de cristal, dientes de marfil; cabellos, pestañas, uñas naturales; coronas de espino o metálicas …) Se efectúa un tratamiento de las heridas y los ropajes se ilustran con joyas.

- Movimiento: es más bien calmado, lejos del empleado por Bernini. Sin embargo, las figuras expresan el pathos.

- El artista sigue dentro de los gremios. Es frecuente que el maestro inicie y termine la obra y que en el proceso intermedio de la misma intervengan pintores, encofrades y otros artesanos.

- Centros escultóricos: Castilla (Gregorio Fernández) y Andalucía (Juan Martínez Montañés, Alonso Cano y Pedro de Mena)

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ESCUELA CASTELLANA ESCUELA ANDALUZA

Realismo exagerado Huida de la exageración

Plasmación del color y la crueldad con abundancia de sangre; realismo hiriente

Realismo un tanto idealizado

Dinamismo Serenidad

Tendencia a la caricatura en los personajes malvados

Imágenes equilibradas

Fuerte modelado Modelado suave

Rostros expresivos Belleza y equilibrio

Centros: Valladolid y Madrid Centros: Sevilla, Granada y Málaga

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Arquitecto: José de Churriguera

Obra: Retablo de San Esteban

Cronología: 1693 1696

Localización: Convento de San Esteban de Salamanca

Se aprecia un gran dinamismo: las columnas salomónicas, el entablamento roto, con entrantes y salientes, vibrante.Gusto por el dorado, por las curvas, por el adorno. La escultura que lo acompaña está en sintonía con esto. Demuestra horror vacui.El autor forma parte de una familia que aportó obras de abigarrada decoración, de ahí el calificativo de churrigueresco para expresar una abundante y abigarrada decoración.

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Autor: Gregorio FernándezTítulo: Cristo yacenteCronología: 1614

Estilo: Barroco Técnica: Talla Material: Madera Localización: Museo de Escultura de Valladolid

Tema: Cristo acaba de morir. Pero por primera vez está sólo, tendido, sin relación alguna con la cruz, su madre u otros personajes como era lo habitual hasta ahora. Gusto por el desnudo. Empleo de la policromía para expresar el sufrimiento y presentar una obra de gran realismo, llegando al patetismo . Ubicamos la obra en el contexto religioso español. Este es uno de los muchos Cristos yacentes que realizó para monasterios y conventos.

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Signos del sufrimiento que expresan realismo y dramatismo: sangre que brota de las costillas, de las rodillas y de los pies; largos y rizados cabellos, húmedos por el sudor del sufrimiento; la expresión del rostro, cansado, con la boca entreabierta que deja ver algún diente; los ojos sin cerrar.

Maestría en toda la escultura y muy clara en los pliegues de la sábana.

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Autor: Gregorio Fernández

Comitente: Cofradía Penitencial de las Angustias

Título: La Piedad

Cronología: 1616

Estilo: Barroco

Técnica: Talla

Material: Madera

Localización: Museo de Escultura de Valladolid

-Expresión del pathos, realismo en gestos, tratamiento del cuerpo desnudo y de la policromía.

- Composición alejada de la piramidal de Miguel Ángel: Cristo, en diagonal parece resbalar del regazo

- Tratamiento del ropaje - Función de la obra

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Autor: Juan Martínez Montañés. (1568 – 1649)

Título: Cristo de la Clemencia

Cronología: 1603

Técnica: Talla

Material: Madera policromada

Localización: Catedral de Sevilla

La cara ofrece serenidad; es clásica. Presenta un alargamiento casi manierista. Se aprecia sufrimiento caso de la tensión de los músculos y sangre en pies, costado … pero sin llegar al dramatismo de Castilla.

La disposición del paño, en diagonal aporta dinamismo.

Cristo está mirando hacia abajo: mira a quien reza. Es un Cristo cercano al creyente. Es un Cristo Barroco.

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Autor: Juan Martínez Montañés (1568 – 1649)

Cronología: 1629 Técnica: Talla

Material: Madera policromada

Dimensiones: 1,64 m (alto)

Localización: Retablo de la Concepción de la capilla de los Alabastros de Sevilla.

Flotando sobre putti aparece una Inmaculada con belleza gitana. Es serena, con amplios y trabajados ropajes.: pliegues angulosos, efectos plásticos, colores del ropaje que no son lisos sino que aparecen muy trabajados. Policromada y estofada por Francisco Pacheco.

Es conocida como la cieguita por sus ojos entrecerrados.

Crea un tipo de Inmaculada caracterizado por la abundancia de ropajes y por la cara ladeada y las manos unidas.

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Autor: Alonso Cano. (1601 – 1667)

Título: Inmaculada

Cronología: 1655

Técnica: Talla

Material: Madera policromada

Dimensiones: 55 cm alto

Localización: Catedral de Granada.

Sobre un trono de nubes y ángeles aparece una Inmaculada alejada del

patetismo y realismo característico de la escuela castellana. Su cara oval, sus

ojos, nariz y boca recuerdan los ideales del Renacimiento

Hay que reparar en el giro de su cabeza y en el desplazamiento de las manos

hacia la derecha que provocan asimetría y le confieren una gracia especial.

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Jesús del Gran Poder

Juan de Mesa

1620. Madera tallada y policromada.

Iglesia de San Lorenzo. Sevilla

Paso de Semana Santa. Expresa un gran dolor en el rostro como consecuencia de las espinas de la corona y del peso de la cruz. El vestido es de tela natural y otorga un gran realismo