El festival Ambulart llega este mes con una nueva edición. El popular festival de cortometrajes traepelículas de Alemania, México, Ecuador y varios otros lugares. Invitados especiales, charlas,seminarios, fiestas y dj’s son parte de esta experiencia del cine. (Foto del corto Benidorm deCarolin Schmitz, cortesía festival Ambulart)

Carla Barragán es la invitada del capítulo 10 de Alas de la Danza. Con su grupo BQdanza (antesBirlibirloque) presentará el espectáculo multidisciplinario “Loud Omission” que conjuga la danzacon ilustraciones de Paula Barragán. Además participa Pablo Cornejo como coreógrafo invitado.(Foto de ambos artistas cortesía de Carla Barragán).

Alas de la danza, capítulo 10 Ambulart: una maleta viajera de cortos

más allá del cine

APOYANDO EL PRIMER COMPLEJO DE CINE-ARTEY ARTES ESCÉNICAS DEL ECUADORWWW.OCHOYMEDIO.NET

N. 68QUITO • GUAYAQUIL • MANTA ABRIL 2007

Esas noson penasEn estreno la nueva película ecuatoriana

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QUITO • GUAYAQUIL • MANTA • TUMBACO

El festival Ambulart llega este mes con una nueva edición. El popular festival de cortometrajes traepelículas de Alemania, México, Ecuador y varios otros lugares. Invitados especiales, charlas,seminarios, fiestas y dj’s son parte de esta experiencia del cine. (Foto del corto Asylum de JulianRosefeldt, cortesía festival Ambulart).

Carla Barragán es la invitada del capítulo 10 de Alas de la Danza. Con su grupo BQdanza (antesBirlibirloque) presentará el espectáculo multidisciplinario “Loud Omission” que conjuga la danzacon ilustraciones de Paula Barragán. Además participa Pablo Cornejo, como coreógrafo invitado.(Foto: bailarinas de BQdanza. Cortesía de Carla Barragán).

BQdanza: el retorno de Barragán

N. 40GUAYAQUIL • MANTA • QUITO

Ambulart: una maleta viajera de cortos

más allá del cine

APOYANDO EL PRIMER COMPLEJO DE CINE-ARTEY ARTES ESCÉNICAS DEL ECUADOR

ABRIL 2007

WWW.OCHOYMEDIO.NET

PARAÍSO AHORALa fragilidad de los hombres.Estreno palestino exclusivo.

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El pasado 8 de febrero se abrió el nuevoMAAC CINE MANTA, espacio abiertodentro de acciones gubernamentalespolíticamente correctas en uno de losmomentos mas incómodos de la políticaecuatoriana.

La sala, cuya estructura física y equipa-miento, supera cualquier expectativa queel público de Manta haya tenido algunavez de una sala de cine y teatro, fue unadecisión exclusiva del Banco Central delEcuador y desde OCHOYMEDIO, celebramosesta decisión.

El público empezó a llegar de a poco,como acercándose a curiosear un espa-cio (nave) que hasta ese momento le eraabsolutamente ajeno, pero que lo invita-ba a entrar sin pretensión alguna. EnManta se realiza un importante eventointernacional de teatro (que este añocumple 20 años y que ha construido unpúblico fiel con el apoyo incondicional dela ULEAM), pero hay que reconocer quela ciudad todavía está inmersa en un uni-verso ajeno a las propuestas culturales,lo que vuelve al camino de difícil acceso.

Hoy tenemos, como programadores deesa sala, dos grandes preocupaciones: laprimera es el encuentro conflictivo entre lalógica comercial que la ciudad presenta yque está ajena a un proceso cultural sos-tenido (con base militar incluida) y lasegunda, la fragilidad nacional que comopaís tenemos en el campo de las políticasculturales. Es decir, entre el desarrollo deun mercado, de un público y en el de lacreación de infraestructuras destinadas alarte que no respondan al momento políti-co de nuestros gobernantes, sino a lalógica de una política cultural de estado.

La primera preocupación dependerá denosotros, la segunda, no. Es difícil quequienes estuvieron en la inauguración:alcaldes, concejales, diputados, inclui-

do el Presidente del Congreso Nacional,se animen a contradecirse mutuamentesobre la validez o no de este espaciocultural. Todos en ese momento estu-vieron de acuerdo, nadie lo puso enduda y coincidieron en que la cultura esuna obligación del estado. Sin embar-go, esperamos que estos discursos,fuera de los pasillos de la sala y luegode la función inaugural, se eleven a polí-ticas concretas de sostenimiento deeste espacio.

Creemos que los proyectos culturalesnecesitan de una disciplinada gestiónpara lograr su permanencia en el tiempoy para que su beneficio llegue a todas lascomunidades que lo rodean, pero estadisciplinada acción puede volverseinsostenible si no se mantienen los recur-sos asignados para el mismo. La conjun-ción de esfuerzos, en este caso una ini-ciativa particular y pública (OCHOYMEDIO yBanco Central del Ecuador) que buscanampliar la oferta cultural a nivel nacional,deberán sustentarse en el compromisoadquirido de parte y parte a largo plazo,compromiso que va más allá del eventosocial-político de la inauguración.

La utilidad neta de esta nueva sala, no seregistrará en números fríos, sino en laposibilidad de que la gente de Manta ysus alrededores acceda a maneras distin-tas de entender el mundo y de compren-derse a sí mismo a través del cine y delarte que presentaremos a partir de ahora.

Nos queda al final la pregunta de si logra-remos o no que esta reflexión crítica,surta algún efecto, en un futuro inmedia-to. La decisión será de los organismosque manejan los recursos para la cultura.Dependerá de ellos que los espacios nosean suspendidos, para que estos no seconviertan en naves espaciales, quecomo el mismísimo Ministerio de Cultura,ni siquiera tienen donde asentarse.

EDITORIAL SUMARIO

QUITO • GUAYAQUIL • MANTA

OCHOYMEDIO Y MAAC CINE son las primeras salas de cine y artes escénicas del Ecuador dedicadas a la exhibición de las cine-matografías y el arte contemporáneo. MAAC CINE es un producto cultural de la Sucursal Mayor del Banco Central del Ecuador a travésde la Dirección Cultural Regional, y es programado por OCHOYMEDIO.

www.ochoymedio.net contactenos@ochoymedio.net

MAAC CINEMuseo Antropólogico y de Arte ContemporáneoMalecón 2000 - Malecón y LojaTeléfonos: 2309400, ext 302,306,307Guayaquil

OCHOYMEDIOValladolid N24 353 y VizcayaLa FlorestaTelefonos: 2904720/21Quito

MAAC CINE MANTAFrente al Malecón JaimeChávez GutiérrezTeléfono: 2627562 ext. 103Manta

OCHOYMEDIODIRECCIÓN EJECUTIVA: Mariana AndradeCOMITÉ EDITORIAL Y DE PROGRAMACIÓN: Etienne Moine, MarianaAndrade, Patricio Andrade, Rafael Barriga, Miguel Alvear, Analía Beler,María Fernanda Ron, Billy Navarrete.EDITOR: Rafael Barriga.COORDINACIÓN: Analía Beler.DISEÑO GRÁFICO: Diego Corrales.IMPRESIÓN: Abilit.

ENTREVISTAAnahí Hoeneisen y Daniel Andrade: “Pura contención femenina”Un fragmento del encuentro de los realizadores de Esas no son penas conel público en la “lección de cine” del mes pasado.

REPOSICIONESEl pasado del futuroSobre Los niños del hombre de Alfonso Cuarón. Por Federico Kukso.

Un “looser” saltimbanquiSobre Una verdad incómoda de David Guggenheim. Por Andrés Barriga.

ESTRENOSEsas no son penas: honestidad y afectoAdemás, lo que la crítica dice sobre el estreno nacional. Por AlexisMoreano.

Paraíso ahora: la soledad de los hombresPor Galo Alfredo Torres.

FESTIVALESEn el Planeta Azul, el mar es una fiestaTercer Festival de Cine Marino y de Agua “Planeta azul”.

Obsesiones, silencios, observaciones… Ambulart en su cuarta edición. Por Darío Aguirre.

VITRINA DIGITALSe acercan los EDOCCinco éxitos de su pasada edición se reponen antes de la edición del festi-val en mayo

El teatro y su sombra“Del teatro a la pantalla”. Por Georges Banu.

La historia del camello que lloraRelato de una película de Mongolia

CARTELERASinopsis y fichas técnicas de las películas de abril.

BULBO DE XENÓNCuba son: dos tradiciones salserasDocumental sobre Camilo Azuquita, “el sonero de París” y los jubilados deSantiago de Cuba.

ARTES ESCÉNICASLa danza Hip-Hop: una noción de vidaEtha Dam presenta por primera vez Hip-Hop en el escenario del OCHOYMEDIO

ALAS DE LA DANZACAPÍTULO 10 ECUADOR-EEUU, BQdanza fusiona los lenguajes del arteUna crónica sobre Carla Barragán y su trabajo en la danza contemporánea.

MIENTRAS LLEGA EL CINE¿dios, macho o hembra?Crítica sobre la película Filo de Amor de José Zambrano. Por María BelénMoncayo.

INVITADOSLas aventuras de una sillaEl cine cubano. Por Magaly Espinosa.

Todo lo que usted quiso saber sobre el primer Woody Allen y no se atrevió a preguntar.Woody Allen antes de Annie Hall. Por Marcelo Báez Meza.

FUERA DE CAMPOAdiós al cine de autorPor Christian León.

PROGRAMACIÓN DE ABRIL 2007 Días y horarios de todas las películas y eventos programados

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Este periódico llega a sus manos de manera gratuita por cortesía de Pacificard. Si quiere recibirlo en su domicilio, tanto en Quito comoen Guayaquil, suscríbase a suscripciones@ochoymedio.net.

COORDINACIÓN MAAC CINE-GUAYAQUIL: Billy Navarrete.COORDINACIÓN MAAC CINE-MANTA: Leonela Alcívar.WEB MASTER: Gonzalo Vargas.Foto portada MAAC CINE: Multicines S.A.Foto portada OCHOYMEDIO: La maquinita.

SOBRE LOS COLABORADORES DE ESTE NÚMEROAndrés Barriga (Quito, 1974) director de los documentales 25 años de democracia en Ecuador (2005) y Velasco:retrato de un monarca andino (2006). Es artista contemporáneo por la Escuela de artes de Cergy (Francia).

Alexis Moreano Banda (Quito, 1971) es master en estética y ciencias del arte por la Universidad de París (Francia). Hasido artista visual y gestor cultural.

Galo Alfredo Torres (Cuenca, 1962) es comentarista cinematográfico y escritor. Ha publicado los poemarios Cuadernosde sonajería (1999) y Sierra Songs (2003).

Marcelo Báez (Guayaquil, 1969) es escritor y profesor universitario. Ha publicado tres poemarios, dos novelas, un libro decuentos y dos crónicas de cine. Es además miembro del Consejo Nacional de Cinematografía.

Christian León (Quito, 1974) es crítico de cine y especialista en cultura visual. Es autor del libro El cine de la marginali-dad: realismo sucio y violencia urbana.

María Belén Moncayo (Quito, 1968) es directora general del archivo “ESCORIA nuevos medios ecuador” (sic). Cinéfila.

Magaly Espinosa (Cuba) es doctora en filosofía, crítica y curadora de arte. Tiene numerosas publicaciones, entre ellasEstética y A rte (comp, 1991) Estética y arte: variaciones del objeto crítico (comp, 1993) y Kant y el retorno de lo real (2003)y Indagaciones: El nuevo arte cubano y su estética (2004).

UNA NAVE ESPACIAL ATERRIZÓ EN MANTA

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Público: ¿Cómo nace el guión? Anahí Hoeneisen: El guión... bueno, yo empe-cé a escribir cosas muy personales, muy mías omuy cercanas a mí. Los personajes originaleshablaban, se comportaban como gente muycercana a mi y todo empezó por una mujer,luego dos, tres, cuatro, cinco: apareció la histo-ria de las amigas. Hice un primer borrador y selo mostré a Daniel, y a partir de ahí íbamos con-versando, yo iba haciendo borradores. Peroparte de cosas muy personales, muy cercanas ami, cosas que yo conocía, por eso las mujeres(en la película) tienen mi edad.

P: Lo que más rescato es tu trabajo con lasactrices. AH: Bueno en realidad co-dirigimos con Daniel.Cuando yo actuaba Daniel se encargaba total-mente de la dirección. Cuando empezamos arodar yo era quien me encargaba más de laactuación y Daniel estaba encargado de lovisual, pero a medida que avanzó el rodaje yanos combinamos y al final, yo me encargaba delo visual y Daniel se metía con el rollo de las actri-ces y los actores.

P: El trabajo de los actores es buenísimo por-que algunos no tenían experiencia. ¿Cómoenfrentaste dirigir a gente sin experienciaactoral? AH: De entrada creo que son personas muytalentosas, con un espíritu, con una energía, conuna cosa que era lo que buscábamos en el cas-ting. Ninguna de ellas, excepto Amaia Merino–que es una gran actriz–, había tenido experien-cia previa. Pero yo creo que lo fundamental paralograr la actuación de las chicas es el compro-miso que tenían desde el primer día con el guión.

Daniel Andrade: Hay mil maneras de hacerpelículas. Nosotros hicimos una películapequeñita, con muy poco equipo de gente,éramos como nueve en total. Y decidimos quesea así porque queríamos centrarnos en laactuación. Entonces creamos un ambientemuy amistoso para los actores, muy íntimo,pequeñito, en donde el trabajo de actuaciónera lo fundamental. Por ejemplo, Juan JoséLuzuriaga, el sonidista, tenía la consigna deque no podía pedir a los actores que suban laintensidad de su voz. Lo mismo sucedía con lafotografía. Como la película fue hecha alrede-dor de la actuación, escogimos locaciones enlas que podíamos estar mucho tiempo, y si lasescenas no funcionaban teníamos la facilidadde decir “bueno, todos a dormir y veamosmañana qué pasa”. Esto sólo se puede hacertrabajando con un equipo pequeño.

Jorge Luis Serrano: Yo tengo una preguntarespecto al guión y es que tratándose de unahistoria de mujeres en la cual los hombresestán muertos, están ausentes o están locos,apuesta evidentemente por una sensibilidadfemenina. ¿Qué es lo que quisiste expresaren la construcción de una historia de mujeresen relación a una tradición cinematográficamundial en la que predomina la visión mas-culina? AH: Hay muchos campos en los que predominala visión masculina por más que hemos peleadodurante muchos años. Mi intención no fue nuncafeminista, y tampoco matar a un hombre nidesaparecerle. Cuando yo escribí, y cuandoescribo, llega un momento en que los persona-jes hacen lo que les da la gana. Me gusta cuan-do me doy cuenta de que ellos viven y hacen lascosas que quieren hacer. Lo más importantepara mi eran las cosas chiquitas, las cosas queno se dicen, lo que uno siente, las cosas coti-dianas.

P: Hace tiempo no se ha hecho en el país unapelícula tan sutil, tan valiente, no sé si uste-des consideraron antes de hacerla cómofuncionaría en la taquilla. Por eso digo que esuna película valiente. DA: Yo creo que si nos poníamos a pensarcinco minutos en lo que estábamos haciendono la hacíamos. Nosotros nunca pensamos enla película como un “proyecto”, más biensiempre pensamos en la película que quería-mos hacer. No pensamos en el público, ni enlo que iban a decir, o si sería taquillera o no.Lo que sí nos planteamos es hacer la películalo más pequeña posible y lo más indepen-diente posible. El término independiente sí eraalgo muy importante para mí porque creo quees un tema mental. Ser independiente es irhasta las últimas consecuencias. Esto es algomuy difícil en todos lados y aquí especialmen-te, sobre todo porque el cine necesita unmontón de plata para producirse. Una vez quese terminó la película y entró en edición nuncala mostramos, no quisimos que la películacambie de rumbo por la opinión del público,queríamos concluir la película que habíamosquerido hacer.

P: Yo tengo una sensación de “contenimien-to” en toda la película, como que las cosasestán contenidas. Y pensé que en el momen-to de la reunión de las cinco amigas, iba adarse una especie de desate, pero ese posi-ble “desate” es cortado o interrumpido cuan-do uno de los personajes se corta la manoaccidentalmente. ¿Estabas consciente queese corte de la mano también implicaba uncorte en una situación que parecía que se ibaa dar, y que a mi manera de ver era algo a loque nos habías conducido durante toda lapelícula?

AH: Mis reuniones siempre terminan con algunacosa de esas, con algún corte, con algún acci-dente abrupto que acaba justo cuando todosestamos ya emocionados. En mi vida existenvarios “cortes” y ese es uno de ellos. Pero comodigo, los guiones hacen lo que quieren y lo quehizo este me pareció chévere. El día que escribíque se cayó Tamara (Paquita Troya) dije, “québueno, se cayó y se cortó”, y me fui con eso.

Ese interlocutor que tiene uno al frente siemprees activo, siempre está pensando “ya va a pasar,ya se va a caer, ya se va a romper, ya van ahablar”, y me gustó un montón que no hablen,me gusta que toda la película tenga esa conten-ción femenina... contención de no sé qué.

DA: Mucha gente que ha visto la película nos hadicho que esperaba que haya una explosión,

que algo pase, que todo cambie, que las vidasde ellas cambien, pero claro, en una noche nocambia la vida. Al otro día van a seguir siendoellas, van a tener que pagar el arriendo...

P: Tú hablas de que se mantenga el senti-miento de contención y que al mismo tiempose deje sentir ese lenguaje propio, local.También hablas de la necesidad de hablarpoco para dejar escuchar, digamos, la con-versación muda. Sin embargo me sorprendela longitud de las pausas de edición entre unparlamento y otro. Sé que es una decisióndeliberada pero no sé hasta dónde le quita ala película algo que sí me gustaría ver.

DA: A mi en cambio me gusta porque yo sientoque en el cine hay un montón de escenas queestán armadas del otro lado, es decir, un pingpong (entre los personajes). En cambio a noso-tros nos interesan las pausas y ver del lado con-trario en el que estaría filmada una escena, esdecir, ver la reacción de alguien cuando deberí-as estar viendo al que habla. Es totalmente deli-berado. Lo que nos interesa son esos gestospequeñitos que son los que construyen unoshilos más complicados que el ping pong de lapalabra. Obviamente como espectador no siem-pre es fácil y sí, hay gente que se desespera.

AH: Yo siento que nosotros, o que por lo menosyo, soy sumamente pausada. A la Amaia Merino(actriz vasca que interpreta a Marina) le tuvimosque meter en este ritmo pues ella es mucho máságil, pero en general los personajes eran así.Como cuando la mamá de Diana (MilagrosAndrade) le dice a su hija (Francisca Romeo): “siesta niña tuviera papá...”, no lo dice a 200 km.por hora. A mi lo que me gusta no es solamen-te el texto –que además era un puyazo a la hija–,sino esa mirada que la madre lanza sobre la hija,despacito, como una bomba que cae en cáma-ra lenta.

P: Yo quería saber sobre el tiempo de la pro-ducción ¿Cuánto duró? DA: El rodaje duró 22 días el primer bloque,luego como Anahí estaba embarazada tuvimosel guagua y cuando tenía como dos meses vol-vimos a filmar las escenas del hospital. Desdeque empezamos a filmar hasta hoy llevamos dosaños, pero lo que siempre hemos dicho es quenunca ha sido un proyecto con principio y fin,

con fechas definidas. Le dimos todo el tiempoque necesitaba. Una cosa que descubrimos esque la edición se hace más cuando no se editaque cuando se edita, te puedes meter un mes acortar como loco y más haces cuando le dejasdescansar porque ahí es donde maduran lascosas. Decidimos acabar la película cuando nosinvitaron al festival del año pasado (SanSebastián).

P: ¿Cuánto costó? ¿Cómo la financiaron? AH: Durante la producción la financiamos noso-tros hasta llegar a las etapas de post produccióndonde ya es inalcanzable el costo. Entonceshicimos un préstamo con el Fondo de Culturapara subirla a 35mm. Lo que queremos llegar ahacer con esta película es tener una especie depiloto para nosotros porque este es el tipo depelículas que nosotros queremos hacer. Lo máscomplicado del cine es mantener una produc-ción constante, porque hacer una película teendeuda tanto que no te permite volver a hacerotra en unos cuatro años. Por eso preferimoshacer películas lo suficientemente pequeñas,para lograr hacer otro proyecto lo más prontoposible.

JS: En el arte ecuatoriano nos hemos pasa-do décadas tratando de definir una identidady las identidades no se definen, sino que seejercen, como lo demuestra esta película através de estas mujeres quiteñas. Y ahí sí hayuna cosa que es muy particular de esta zonameridional de los Andes ecuatorianos, estamelancolía metafísica que padecemos en losAndes.

AH: Yo quiero agregar una cosita: hay unafrase de Humboldt que siempre me ha llama-do la atención. Cuando vino a Quito, escribióalgo así sobre los quiteños: “...los ecuatoria-nos son seres raros y únicos: duermen tran-quilos en medio de crujientes volcanes, vivenpobres en medio de incomparables riquezas yse alegran con música triste”. No tengo ideade cuando la dijo.

Nosotros nunca nos propusimos retratar la cul-tura andina pero creo reconocer en la cadenciade los personajes, en el ritmo de la edición, en eltipo de actuación y la música esa melancolíapropia de la sierra. Es interesante pensar que talvez todo esto viene de nuestra naturaleza andi-na, donde los personajes no pretenden impo-nerse ante nada, viven en sincronía con suentorno, solamente están.

P : Su película ha estado en varios festivalescomo Mar del Plata, Miami, Toulouse, SanSebastián, entre otros, y sabemos que esta-rá en Guadalajara y Marsella. ¿Qué tipo derecepción ha tenido, qué han detectadoustedes como autores/productores? DA: Estamos muy contentos con la recepciónque ha tenido entre el público de los festivales.En cada país ha sido diferente pero siempre lagente se ha conectado con la película y nosdicen que se identifican con estas mujeres, quepodría ser una historia que pasa en cualquierciudad. Al mismo tiempo la gente que la ha vistoacá dice que es muy quiteña. La gente admiramucho la naturalidad de la actuación y lo cercaque se sienten de los personajes. Eso paranosotros ya es gigantesco. En Francia por ejem-plo, en Nantes, la gente parecía disfrutar cosasde las que en otro lado no se inmutaban. Inclusole pusieron en el catálogo y en algunas notas deprensa como “comedia dramática”, eso si no senos habría ocurrido... Hace unos días que la pre-sentamos en Miami y a la gente le interesó lamanera en que usábamos las tomas de la ciu-dad (claro había paisanos que se emocionabancon eso) y la manera en que se quedaronenganchados de estos personajes. En fin, sesiente que la gente se conecta con la película yeso es más que suficiente.

QUITO • GUAYAQUIL • MANTA

Anahí Hoeneisen y Daniel Andrade en la “Lección de cine” en OCHOYMEDIO. Allí se pre-estrenó Esas no son penas. Foto RB.

ENTREVISTAPURA CONTENCIÓN FEMENINAANAHÍ HOENEISEN Y DANIEL ANDRADE ESTUVIERON EN OCHOYMEDIO EN LA PRI-MERA PRESENTACIÓN PÚBLICA EN ECUADOR DE SU PELÍCULA ESAS NOSON PENAS. DENTRO DEL MARCO DE UNA “LECCIÓN DE CINE”, QUE FUEMODERADA POR JORGE LUIS SERRANO, DIRECTOR DEL CONSEJO NACIO-NAL DE CINEMATOGRAFÍA Y DONDE EL PÚBLICO TENÍA LA POSIBILIDAD DECOMPARTIR SUS INQUIETUDES CON LOS REALIZADORES, LOS ESPOSOSANDRADE HABLARON CON ORGULLO DE SU NUEVA HIJA, LA PELÍCULA ENCUESTIÓN. PRESENTAMOS EN ESTE ESPACIO UN FRAGMENTO DE ESEINTERCAMBIO DE OPINIONES.

“Creo reconocer en la cadencia delos personajes, en el ritmo de laedición, en el tipo de actuación y lamúsica esa melancolía propia de lasierra. Es interesante pensar que talvez todo esto viene de nuestranaturaleza andina, donde lospersonajes no pretenden imponerseante nada, viven en sincronía con suentorno, solamente están”.

“Mi intención no fue nunca feminis-ta, y tampoco matar a un hombre nidesaparecerle. Cuando yo escribí, ycuando escribo, llega un momentoen que los personajes hacen lo queles da la gana. Me gusta cuando medoy cuenta de que ellos viven yhacen las cosas que quieren hacer”.

Por Federico Kukso (*)

El atractivo de este ejercicio de la imaginacióno mitología predictiva, que se inscribe en unaserie de filmes como Brazil, Blade Runner, 12monos, Minority Report o V de Vendetta, esque la escenografía futurista es una mera excu-sa para hablar tangencialmente de alguna pro-blemática actual: la manipulación genética, losantojos de la clonación, el cuerpo como mate-ria moldeable, la obsesión por la belleza, elcuerpo saludable, la lucha con la muerte, laexacerbación de la apariencia, la obligación alconsumo perpetuo, el terrorismo, la situaciónde los refugiados y los excluidos del sistema, elocaso de las libertades civiles, la inevitabilidaddel calentamiento global. Y más.

A diferencia de ciertas visiones setentosas del“mañana” –algo naïves y lavadas– que a sumanera aconsejaban esperarlo con los brazosabiertos (y contando cada minuto para su lle-gada), el futuro es hoy algo que estalla, como side repente todas las causalidades y contradic-ciones históricas convergieran en un punto y seabrieran ante los ojos del espectador ya nopara esperanzarlo o darle algo de oxígeno paravivir (o por qué vivir); ahora se trata de estre-mecer, convulsionar, provocar que la miradacolmada de indignación se traduzca en uncambio radical del comportamiento cotidiano yque no se evapore al salir del cine. El futuro–aquello que por definición no existe, no es–deja de ser un deseo para convertirse en unasensación de incertidumbre y duda.

Se trata pues del ocaso de un tipo de imagina-ción y el lento renacer de otro. El terror atómi-co y exterior –el temor a la destrucción total oal Armaggedon nuclear que despertó en el ato-lón de Bikini, en Nagasaki y en Hiroshima– fuedesplazado a un segundo plano por un terrormolecular e interno. El peligro no asoma conuna invasión alienígena, con una bomba H per-dida o con una plaga de langostas. Ahora elmiedo –ingrediente básico de lo fantástico–acecha en cada gen alterado, en cada ladrillobiológico que se desplaza o se corre. Estasalteraciones mínimas pueden ser provocadasadrede, como ocurre en Gattaca (donde laeugenesia pone en crisis conceptos individua-listas como “esfuerzo”, “capacidad”, “elec-ción”, “superación personal” para resaltar otros

más deterministas como “destino” y “resigna-ción”), o alentadas por una circunstancia oagente tácito tal cual ocurre en Children ofMen. Es por eso que la distopía de P. D. Jamesy la película de Cuarón son también discursossobre el cuerpo. El centro de gravedad de lahistoria se ubica en considerar al cuerpo comoun objeto fallado, corrupto, obsoleto paraaquella función básica que lo distingue de lo novivo: la reproducción.

“¿Tiene futuro el futuro?”, se preguntaba J. G.Ballard, una autoridad en el género disruptor dela ciencia ficción, para alarmar sobre la escasezde un bien tan necesario para la existenciahumana como el petróleo: las imágenes de unfuturo. Ballard consideraba que la coyunturatecnológica presente eclipsa las capacidadeshumanas de proyección. Y las películas lodemuestran: es difícil encontrar en esta épocaalgún guionista o director que se anime a mirarlejos y se digne a especular con los dilemashumanos del siglo XXXI. Todo ocurre en unfuturo más cercano (diez, veinte, treinta añosadelante) en donde la ola de optimismo progre-sista se estrelló contra los acantilados de la rea-lidad.

Los nombres altos de la ciencia ficción comoBallard, Dick, Aldiss, Lovecraft también estánen extinción y fueron suplantados por legionesde tecnócratas futuristas y consultoras como laeuropea Innovaro que delinean futuros a partirde cifras actuales. Así esta empresa estima queen 2027 (año en el que transcurre Children ofMen) los conflictos de Occidente con MedioOriente seguirán en el centro de la agendainternacional, el cambio climático golpearácada vez más fuerte las economías mundiales,China sobrepasará a Estados Unidos en pro-ducción y desarrollo de tecnología, los biocom-bustibles se convertirán en la principal fuentedel transporte, la población mundial superarálos ocho mil millones, la demanda de agua serácrítica, en Europa la expectativa de vida saltaráa los 90 años, los efectos del mal de Parkinsony del Alzheimer serán reversibles y el mundovivirá una “asianización” con el chino mandaríncomo segundo idioma. O sea, palabras quesuenan obvias y poco originales, que prologanun futuro que no se añora: el futuro ahora llegasin que nos demos cuenta.

(*) del diario Página 12, Argentina. Reproducido con auto-rización.

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QUITO • GUAYAQUIL • MANTA

REPOSICIONES

Por Andrés Barriga

Hay una manera de inclinarse sobre el cinedocumental que nos sugiere que el interés deeste género cinematográfico reside en la con-templación de una realidad que se nos presen-ta espontánea y, por intermedio de esta, alcan-zar niveles de entendimiento de lo verdadero.Muchos confunden documental con “cine de loreal”, aunque ya es evidente y casi consensualque una ficción nos puede hablar tanto de laverdad como un documental. El paso por larealidad es un camino tortuoso, a veces obso-leto y con frecuencia aburrido. La verdad deeste documental no se ve (solo el making ofincluido en el DVD evidencia la elocuente miseen scène).

El tácito interés de Una verdad incómoda esque de algún modo lleguemos a entendermejor los enunciados cinematográficos prove-nientes de los Estados Unidos. Es en realidadun filme sumamente local, de esos que unodebería preguntarse antes de exhibirlo, si tienealgún interés internacional. Pero justamente, yaque de globalidades se trata, la pregunta es¿dónde empieza lo local a ser interesante uni-versalmente? Una de las características de lafactura audiovisual de los Estados Unidos esvehicular un mensaje a través de una vedette oinclusive la misma vedettisación de un perso-naje (ver filmes de Moore o el reciente y diverti-do Borat de Larry Charles). Así, nuestra mira-da nace desde la distancia geográfica y moralpara terminar en la constatación de una burlacinematográfica subrayada sin ironía por unpremio “de la academia”.

El verdadero efecto de este filme está muchomás allá de las cifras y de la divulgación deinformaciones relativas a fenómenos climáti-cos. El meollo está en la evocación del com-promiso de un “ex-futuro presidente”, como elmismo Gore se auto-denominó, en llamar laatención que le fue negada. Sin entrar en la dis-cusión climática, que sin duda encontrará forosy mesas que la desmenucen, es pertinentemirar el fenómeno que implica celebrar estosfilmes que se hacen en los Estados Unidos,dirigidos a su población que, dicho sea de

paso, no sabe mucho de gran cosa. Es sor-prendente la magnitud de los esfuerzos que laizquierda estadounidense emplea para educara su población. En general aquello parece nofuncionar. Al Gore lo sabe bien pues es la prin-cipal víctima de que el documental deFahrenheit 911 (2004) no haya convencido alos electores estadounidenses que Bush era lamala opción.

En realidad la información que este filme trans-mite, a manera de panfleto, podía caber en unmuy ligero folleto con bonitas imágenes ydidácticos cuadros estadísticos. Pero lo que nose nos debe escapar, y que de alguna maneraes lo que incomoda verdaderamente, y que enun impreso hubiera sido mas difícil justificar, esla presencia de Gore con su no nuevo compro-miso ecológico (el cual hasta ahora ignorába-mos), su hijo accidentado y su hermana muer-ta de cáncer al pulmón. Albert Gore sale de lascenizas cual ave Fénix a salvar al mundo consu palabra y redimir la humanidad de su inmi-nente destrucción. ¿No suena a déjà vu?

Esa es la verdad inconveniente, la necesidadde mostrar al ex vicepresidente como unglobe-trotter desinteresado y generoso, cuyaúnica vocación es la de enverdecer al mundo,cuando de lo que entiendo, su interés inmedia-tamente anterior fue el de ser presidente delpaís mas armado del mundo.

El cine no ha cambiado nunca nada, fuera deenriquecer a unos cuantos y empobrecer amuchos otros. Este tipo de cine al menos.Concienciar al mundo de un problema utilizan-do gestos ególatras parece ir en desmedro delpropósito expuesto. Cualquier científico puedecoincidir con la idea de que hay muchas mane-ras distintas de presentar y divulgar informacio-nes que en muchos casos arrojan conclusio-nes disímiles. ¿Por qué esta manera en lugarde otra? ¿Qué hacía Gore cuando coqueteabacon la sala ovalada? ¿Por qué no renunció a sucargo cuando su país no ratificó el tratado deKyoto? En los Estados Unidos ser un “looser”te convierte en saltimbanqui.

Un“Looser” saltinbanqui

El animal político y su supuesta pasión: El “nuevo casi presidente de los Estados Unidos” Albert Gore, delante del globo terrá-queo en Una verdad incómoda, como no, ganadora del Oscar. Foto distribuida por Universal Pictures.

UNA VERDAD INCÓMODA, DE DAVID GUGGENHEIM, PROTAGONIZADAPOR AL GORE, ES UN FILM TAN INCÓMODO COMO SU TÍTULO LOSUGIERE, PERO NO EN SU TEMÁTICA NI EN SUS PROPÓSITOS, SINO ENSUS PRETENSIONES Y SU RETÓRICA.

UIO GYE MAN

UIO

En un silencio sepulcral, en una tierra abandonada a su suerte, Clive Owen y su mirada a un pasado mejor. Fotograma de Los niños del hombre distribuida por Universal Pictures.

El pasado del futuroPESE A QUE LOS NIÑOS DEL HOMBRE TRATA SOBRE EL FUTURO,EN REALIDAD ES UNA PELÍCULA SOBRE EL PRESENTE.

Por Alexis Moreano Banda

Se trata de una película modesta, casi domés-tica, cuya evidente economía de recursos noda lugar a grandes pretensiones de forma, peroque no por ello está exenta de una ambiciónestética manifiesta ni desprovista de interés entérminos cinematográficos. Es básicamenteuna obra escrita, un guión filmado de maneramás bien ortodoxa, si no académica, pero queda sin embargo cuenta de una justa compren-sión del lenguaje del cine, que los realizadoresAnahí Hoeneisen y Daniel Andrade matizan enocasiones con una prudente dosis de audaciaen su tratamiento. La trama central puederesumirse en pocas líneas: se trata de seguir lacotidianidad ordinaria de cuatro mujeres a lolargo de un día que debiera ser extraordinario.Tres de ellas, Marina, Diana y Elena, son ami-gas desde la adolescencia, jóvenes aún peroya plenamente adultas, relativamente indepen-dientes, visiblemente insatisfechas, radical-mente solas. Dieciocho años han pasadodesde la última vez que estuvieron juntas, y hanacordado reencontrarse al terminar el día encasa de una amiga que sólo conoceremos enel tercio final del filme. Las acompaña Tamara,la hermana menor de Marina, cuyo rol y edadsitúan en una condición casi análoga a la delespectador, como una suerte de testigo a lavez integrado y distante de los dramas de susmayores. El desarrollo del filme seguirá el rela-to entrelazado de las historias paralelas deestos personajes en principio disgregados,pero a los que atraviesa una identidad común,una unidad férrea que pareciera resistir a laseparación que instruyen fatalmente el tiempoy la distancia. Celebración de la amistad, deuna complicidad y compenetración fundadorascuya constancia sobrevive a la falta de frecuen-tación, interpelación sobre las posibilidadesefectivas de alcanzar la libertad y la plenitudindividuales, reflexión sobre el paso a la madu-rez, sobre la pérdida, sobre el carácter infran-queable del destino, la película toca muchopero se cuida de no penetrar a fondo unatemática particular, de dictar sentencias o deperseguir soluciones reconfortantes, prefirien-do lanzar aristas que inscriben una dinámicapero no señalan desarrollos claros, inequívo-cos. Allí radica una de sus principales virtudes,en la apertura de la narratividad que faculta laproyección de universales a partir del retratosingular, circunscrito pero no restringido, desus personajes.

Aún si este es el primer largometraje deHoeneisen y Andrade, la experiencia ganadaen el corto y en la colaboración con otros direc-tores trasluce en esta obra serena, que no sequiere demostrativa ni cede a la urgencia deafirmar un estilo, prefiriendo la exploración per-sonal al despliegue de rupturas o filiacionesque suele caracterizar las primeras obras. Noquiero decir con esto que Esas no son penassea una película ya madura y enteramentelograda, sino que su andamiaje se presenta lobastante sólido como para dejarse apreciar sinque medien las concesiones o la condescen-dencia con que se tiende a evaluar el siemprenaciente cine nacional. De hecho, a los realiza-dores se les puede reprochar, en primer lugar,el no haber sido suficientemente generosos enel desarrollo de sus ideas propiamente cinema-tográficas, o más precisamente el no haberhecho de ellas el núcleo organizador de la pelí-cula. Las soluciones fílmicas a los problemasque plantea el relato son ciertamente aprecia-bles e incluso ingeniosas, pero más bien espo-rádicas y sometidas a la dictadura del texto,sobre la cual rara vez consiguen imponerse.Más que parte consubstancial del relato fílmico,aparecen como elementos flotantes, comointroducidas artificialmente en una estructuraque halla finalmente su articulación en la escri-tura del guión, no de la imagen. Así mismo, sepuede señalar una cierta inconsistencia en laorganización dramática, en particular cuando lapelícula apela a las emociones o a la gravedadde los secretos y las revelaciones en busca deresignificar o relanzar una trama que no pare-cería requerirlo, más aún cuando es precisa-mente de la monotonía y de la ausencia desobresaltos que el relato extrae su eficacia y sufuerza. Así, por ejemplo, el diálogo entre los

personajes de Tamara y el guardián en lasecuencia de cierre instruye una conclusiónreflexiva que, al asignar las “penas” en cuestióna una generación y un género determinados,conspira contra una identificación ampliada departe de los espectadores y merma la intensi-dad que se había logrado gracias a la narraciónabierta, polívoca y entramada que dominabahasta entonces. Y se pudiera también contes-tar algunas decisiones de reparto o de direc-ción de actores, cuyas fallas se hacen particu-larmente ostensibles en el exagerado pathosde la madre de Marina, la ocasional tendenciaal vedettismo en la interpretación de Tamara oel naturalismo casi caricatural del hermano alie-nado de Elena, todo lo cual contrasta con laprestación sobria y sugerente de las tres actri-ces principales y el trabajo igualmente impeca-ble de Carolina Valencia y los niños. Pero apesar y por encima de estos y otros posiblesdesatinos –que cabía mencionar porque noson menores ni pasan inadvertidos–,Hoeneisen y Andrade han logrado una películabien enlazada, atractiva y en ocasiones alta-mente sugestiva, que se destaca por las inne-gables cualidades fílmicas y narrativas que pre-senta, y sobretodo por la honestidad y el afec-to con que han sido abordados tanto el ejerci-cio como la temática. Más allá de la pulcritudtécnica de la película (muy bien servida por unafotografía cuidada y la justeza del trabajo desonido), más allá del esmero puesto en lacaracterización de los personajes y en la cons-trucción de los diálogos, son las decisiones fíl-micas (cuando la elipse, el montaje, el encua-dre toman el relevo del teatro y la palabra) lasque confieren a esta empresa su real consis-tencia y le permiten existir como una obra cine-matográfica.

QUITO • GUAYAQUIL • MANTA

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ESTRENO

SE ESTRENA ESTE MES ESAS NO SON PENAS DE ANAHÍ HOENEISEN Y DANIEL ANDRADE. UN RELATO SOBRE LAAMISTAD, LA COMPLICIDAD Y EL PASO A LA MADUREZ.

Mujeres al borde de un ataque: Paquita Troya, AnahíHoeneisen, Francisca Romeo, Milagros Andrade y CarolinaValencia no paran de sufrir en Esas no son penas. Fotoscortesía La Maquinita.

Por encima de varios desatinos,Hoeneisen y Andrade han logradouna película bien enlazada, atractivay en ocasiones altamente sugestiva,que se destaca por las innegablescualidades fílmicas y narrativasque presenta, y sobretodo por lahonestidad y el afecto con que hansido abordados tanto el ejerciciocomo la temática.

UIOESAS NO SON PENAS: HONESTIDAD Y AFECTO

1. La ciudadLa película arranca con un plano de situación,la más clásica de las formas del incipit cine-matográfico, pero su tratamiento merece aten-ción. Si este recurso tiene por función tradicio-nal la de introducir las coordenadas espacialesy temporales que permiten al espectador ubi-carse en el relato, en este caso apunta másbien a calificar al lugar, mediante su re-presen-tación exacerbada, como un sujeto activo delfilm. Más que un telón de fondo, más que unescenario, la ciudad es ponderada como con-dición y destino, como una suerte de entidadtrascendente que atraviesa las vidas de lospersonajes y determina el universo diegético.La primera imagen del film muestra unas lucesdistantes, fuera de foco, vibrando sobre unfondo negro. Un leve movimiento de zoompermite descubrir en la oscuridad la silueta deunas hojas que el viento agita levemente,como replicando la vibración de las luces de laurbe que duerme a lo lejos, y como anuncian-do su próximo despertar. La película cortaentonces a un plano general sobre la ciudadde Quito, que la cámara registra desde una desus colinas circundantes, minutos antes delalba. Se suceden entonces una serie de pla-nos similares, filmados en días distintos desdediferentes ángulos, pero en los que la cámarapermanece invariablemente quieta, distante,como si no quisiera molestar. El plano nodevuelve la imagen del Quito ruidoso y agitadoque conozco, sino aquella que sólo puedoreconocer en mis recuerdos más amables:ciudad paisaje, mitad cielo y mitad tierra, ciu-dad tarjeta postal, ciudad maqueta, ciudadlejana, ciudad en espera. Gradualmente, de la

mano de la luz del día que no acaba de insta-larse, la cámara nos conduce hacia sus aden-tros. Un nuevo plano nos sitúa ahora en la cal-zada de una calle de la que todavía no se hadisipado la bruma matinal. Vestida en ropasdeportivas, una mujer corre hacia donde, en lomás profundo del cuadro, se pierden las aris-tas de la calzada. Es así, rehusándonos surostro, que la película nos presenta a Marina,el único personaje que pareciera tener unabuena razón para levantarse antes que la ciu-dad despierte.

2. La doble y única mujerVemos ahora a Marina de frente, corriendohacia la cámara. Se detiene, respira con sucuerpo encorvado, recoge una piedrecilla de lacalle y la lanza hacia arriba, apuntando a unaventana que el siguiente corte nos presenta enun plano contrapicado. Volvemos a Marina,quien no espera más que unos segundosantes de lanzar otra vez. Nuevo corte a la ven-tana, tras la cual aparece esta vez un hombrecon el torso desnudo. Con un movimiento ine-quívoco de la mano, la invita a subir. Cortehacia el interior de una recámara, dominadapor un amplio lecho en el centro, un velador yun armario con un gran espejo a la derecha delcuadro. El plano fijo resalta la actividad quemueve el cubrecama. Una respiración agitadadelata la estimulación sexual. Y entoncessuena el teléfono. Un brazo se extiende desdebajo el cubrecama, una cabeza femenina yuna espalda se descubren. La mujer que estásobre la cama está sola. También esta vez surostro nos es negado, y sólo accederemos a élpor el reflejo que el espejo devuelve. No es

Marina, sino Diana, a quien vemos por prime-ra vez. Por unos segundos, las dos han sido lamisma.

3. El último grito de la dependencia.Marina ha regresado a su casa tras haberhecho el amor con el hombre de la ventana.Sentada en la mesa de la cocina, sola y visi-blemente contrariada, escribe algo en un cua-derno. Arranca de pronto la hoja y la guardapara sí al tiempo que vemos entrar en el cua-dro a Manuel, el marido a quien acaba deponer los cuernos. Intercambian unas pala-bras y Marina se retira, a “tomar una ducha”,dice, abandonando el cuadro por el mismolado por el que había entrado Manuel. Corte alinterior del baño. Sucesión de breves elipsesque conectan ángulos distintos, quebrados.Los movimientos de cámara son esta vezdinámicos, como acompasando la agitaciónde Marina mientras cierra la puerta, saca elpapel, lo relee, lo dobla, lo rompe. Con la mira-da caída y todavía afligida, pero ligeramentealiviada, echa los pedazos de papel en elexcusado y tira la cadena. Se enlaza un corteen semi-picado que muestra que el agua, lejosde irse, sólo ha subido de nivel. Los papelessiguen allí. Paneo hacia arriba que encuentra elrostro de Marina. Nuevo corte. Marina haentreabierto la puerta. Su cabeza todavía caesobre sus hombros. Y entonces, con una vozgrave, retraída y resignada, deja salir un llama-do: “Manuel…”. Elipse y vemos al marido des-tapando con una bomba el servicio. Marina lomira sentada en la tina. Entre sus manos sos-tiene una taza de té que le cubre mediana-mente el rostro. (AMB)

La trama pretende traducir en imágenes lainfelicidad que embarga a este grupo de trein-tañeras pertenecientes a la clase media ecua-toriana, pero en su afán de reservar “lo mejor”para el ágape final, la línea argumental se pier-de en divagaciones y el espectador terminapadeciendo el mismo tedio de las heroínas.

Arturo Arias-PoloEl Nuevo Heraldo, EEUU

La película hace una exploración profunda delas emociones íntimas del universo femenino.Se aleja del producto y se acerca más al cinede autor, revelando potentemente una actitudsincera, de parte de los directores, de relataruna historia sencilla y sin pretenciones en laque está plasmada la visión comprometida desus realizadores. La técnica apuesta a laautenticidad de la historia; la fotografía conser-va una imagen fresca y naturalista a lo largo dela cinta. Esa misma naturalidad está impresapor un grupo de cinco jóvenes actrices quedesbordan talento con sus interpretaciones. Esinteresante que el cine ecuatoriano continúepor el camino de la diversidad de sus pro-puestas.

Pablo FiallosEl Comercio, Quito

Esas no son penas es una historia de triste-zas cotidianas, de aquellas que no matan, perohieren todos los días. La película lo muestra enlas miradas de las mujeres, en sus silencios,pero no hay nada dicho. Es el tipo de obra queno permite curiosos, es antivoyeurista. Elespectador obtiene apenas una idea de lo quesucede en la vida de estas mujeres, el restotendrá que imaginarlo o considerarse en elderecho de sentirlo, si es que durante la fun-ción vence su expectativa de que “algo” máspase.

Paulina SimonDiario Hoy, Quito

Adoptando el perfil bajo, el estilo de bajo pre-supuesto de otras recientes producciones lati-noamericanas como 25 watts, pero sin su tra-vieso humor, los co-directores AnahiHoeneisen y Daniel Andrade exploran unaclase media, un universo femenino de senti-mientos y problemas que se pueden encontraren cualquier parte. Las historias individuales,contadas con cierta torpeza, finalmente fluyenen la salida nocturna de las chinas, donde lasprotagonistas salen de sus vidas remarcable-mente ordinarias. La ausencia de drama pagasu precio en un tiempo lento.

Deborah YoungRevista Variety, EEUU

Aproximación en tres secuencias y un personaje

LA CRÍTICA HABLA DEESAS NO SON PENAS

Por tercer año consecutivo llega a OCHOYMEDIO(en este mes de abril) y a MAAC CINE (enmayo) el festival de cine marino y de agua“Planeta azul”. A las siempre populares pelícu-las de buceo se sumarán cintas de surf, el vele-rismo, kite surf que se desarrollan en diferentescostas del mundo y también en el Ecuador.Gracias a tecnología que permite sumergir lascámaras, imágenes submarinas del Ecuadorserán llevadas a la pantalla.

El objetivo principal de este evento es que lagente aprenda y valore más los recursos queexisten sobre y debajo del agua. A través de lasimágenes puede observarse cómo es perfecta-mente seguro aventurarse a las profundidadeso recorrer olas en la superficie del Océano sinnecesidad de dañarlo. Las imágenes hablanpor si solas, es necesario cambiar nuestra acti-tud hacia los mares para que la vida continúe.

La muestra es producida por Equilibrio Azul, yse han organizado charlas y encuentros paramayor información sobre los temas del mar.(Texto: Equilibrio Azul)

Con invitados –en las ediciones anteriores– dela talla de Albert Maysles, Patricio Guzmán yPino Solanas, los Encuentros del otro cine sehan ganado una buena fama entre los cultoresdel documental. Los esfuerzos por integrar aotros públicos continúan edición tras edición.Este año, el equipo de programación y produc-ción del festival se encuentra ya trabajandohoras extras para dejar a punto el festival.

Como cada año, un mes antes del festival,OCHOYMEDIO y MAAC CINE presentan algunaspelículas que fueron sonados éxitos en los fes-tivales pasados. Este mes, cinco películas tie-nen su muy necesaria reposición. Las películasescogidas son: Desobediencia (2005) dePatricio Henríquez, la historia de un soldadonorteamericano que se niega a combatir enIrak; 51st Birch Street (2005) de Doug Block,una reflexión sobre el hogar y la familia;Venganza por uno de mis ojos (2005) de AviMograbi, brillante analogía de la historia y elpresente; El inmortal (2005) de MercedesMoncada, que cuenta la desgracia de una

familia dividida por un conflicto; y Pégale can-dela (2005) de Alejandra Szeplaki, sobre la vio-lencia y la hipocresía de los medios en el levan-tamiento al gobierno de Carlos Andrés Pérezen Venezuela.

Además, se ha programado una funciónespecial con un pre-estreno de la nueva edi-ción del festival, en donde se darán detallesde este.

La sexta versión del festival, a llevarse a caboentre el 10 y el 20 de mayo en OCHOYMEDIO yMAAC CINE, tendrá como invitados a PhilipGröning (Into the Great Silence, Alemania), yMariana Arruti (Trelew, Argentina), entre otros.También se anuncian títulos como Blockadede Sergei Loznitsa (Rusia), 20 años no esnada, obra postuma de Joaquim Jordá(España), El corazón del colombiano DiegoGarcía Moreno, y la premiere nacional deCuba: el valor de una utopía de la ecuatoria-na Yanara Guayasamín.

PRÓXIMAMENTE OCHOYMEDIO EN TUMBACO

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FESTIVALUIO

Se acercan los EDOCEL FESTIVAL DE DOCUMENTALES ENCUENTROS DEL OTRO CINE ES UNEVENTO INDISPENSABLE EN LA CARTELERA CINEMATOGRÁFICA DELECUADOR. ESTE AÑO SE REALIZARÁ DEL 10 AL 20 DE MAYO. ESTE MES PRE-SENTAMOS ALGUNOS ÉXITOS DEL AÑO PASADO.

EN EL PLANETAAZUL, EL MARES UNA FIESTAEL TERCER FESTIVAL DE CINE MARI-NO Y DE AGUA “PLANETA AZUL”TRAE EXCELENTES PELÍCULAS.

Foto: Felipe Vallejo/Equilibrio Azul.

Lazos de familia: fotograma de 51st. Birch Street de Dorg Block. Foto cortesía Dragoman Film Distribution.

VITRINA DIGITAL

Aventura en los arrecifes de coralLa historia del viaje de un científico de coralesy un buzo de aguas profundas en busca de losarrecifes de coral del planeta. Muestra algunosde los lugares más remotos del océano dondehabitan animales asombrosos.

Surfista samuraiUn contador retirado y actual entrenador delequipo de surf de Puerto Rico, se opone a laconstrucción de un canal en su arrecife favori-to. Este documental nos enseña cómo laacción civil de una persona puede cambiar elrumbo de las cosas.

Vida al límite: Carrera Volvo La carrera de veleros más extrema del mundo.Durante ocho meses hombres y mujeres seenfrentan a las inclemencias del mar impulsa-dos solo por el viento en las velas de sus bar-cos. Un equipo de camarógrafos abordo deuno de los barcos narra esta aventura.

Océanos vacíos, redes vacíasUna red de pesca de arrastre de camaronesconvierte en desiertos el fondo del mar. La vidaen los océanos se extingue debido a la pescairracional. ¿Qué está pasando con los recursosmarinos del planeta?

Camina sobre olas. Una de las mejores películasde surf de la historia. Nos muestra a través delos ojos de los mejores surfistas del planetaolas gigantes y hermosas playas.

El lado oscuro del buceoLa noche y el océano han protagonizado cien-tos de películas de terror. Pero al contrario delo que todos pensamos la vida en el mar no sedetiene en la noche, y más que un escenariode terror es un paraíso para buzos.

Greenpeace:una gota en el océanoUna gota en el océano nos muestra la hermo-sa fragilidad de los océanos en un canto queclama por ayuda. Tortugas, ballenas y tiburo-nes nos llevan por corales y bosques submari-nos adentrándonos en un azul infinito pero noindestructible.

Gente de mar:nadador de aguas abiertasDiego Quiroga se aventura en las aguas abier-

tas de Galápagos. El objetivo es cruzar nadan-do más de 30 km entre dos islas del archipié-lago. El sol, las olas, el viento y las corrientes seinterpondrán en su camino.

Viajante OceánicoLas ballenas realizan migraciones anuales demiles de kilómetros para llegar a lugares dereproducción o alimentación. Las ballenasjorobadas alegran con sus cantos y saltos losocéanos.

Gente de mar: mujer tortugaJean Beasley cumple el sueño de su hijaantes de morir: abrir un hospital para tortugasmarinas. Este documental muestra la historiade algunos de los pacientes en recuperaciónque debido a la acción del hombre son inter-nados.

LAS PELÍCULASDEL FESTIVAL

UIO GYE

Por Galo Alfredo Torres

En sentido lato se dice mártir (del latín martyr-yris) de la persona que muere o padece extre-mamente en defensa de creencias, conviccio-nes o causas. Pero dicha muerte o padecimien-to estarían subrayados por el goce, por la con-vencida felicidad del sacrificado, lograda sobrela creencia de estar dando cumplimiento a lavoluntad de una divinidad y la seguridad de unarecompensa: el paraíso, la felicidad en el reinode los inmolados, de los que han dado la vidapor otros. Estas premisas martiriológicas estánen la base de muchas religiones, las sustentanpor igual la Biblia y el Corán. La hagiografía cató-lica, sin ir muy lejos, es el relato de los mártiresde la fe. Pero el hecho de que un joven o unajoven palestina decidan inmolarse detonandouna bomba en las calles de Israel tiene otroscomponentes, que pasan no solamente por loteológico y hagiográfico sino que se extienden alo ideológico del esencialismo étnico y lo geopo-lítico, pero por sobre todo por la alienación, lamanipulación y las degeneraciones de todopurismo cultural. Justamente desactivar tan per-versos nudos conceptuales es lo que pretendeel filme palestino Paraíso ahora (2005) de HanyAbu-Assad, significativamente coproducido porFrancia, Alemania y Holanda.

La película resulta estimulante para nuestrassalas por varios motivos. El primero, su sonadapresencia en selecciones oficiales de festivalesque son referenciales en el circuito mundial con-temporáneo –ganó dos premios en Berlín– sig-nifica la visualización de un cine nacional que esdecididamente periférico. Alberto Elena en sulibro “Los cines periféricos” (1999), en el capítu-lo que dedica al cine de Medio Oriente, relata lasdesventuras del cine palestino que nace en lossetenta: desde allí, atrapado y signado por lastensiones de la guerra, su adhesión a la O.L.P.,su vocación por el documental de intervención ylas películas que realizan cineastas de otrasnaciones que simpatizan con la causa palestina.Michel Khleifi pasa por ser el cineasta emblemade los ochenta y noventa primero con el docu-mental Memoria fértil (1980) y las ficcionesBodas de Galilea (1987) y El cántico de laspiedras (1990). Este pequeño cine nacional noobstante ha dado origen “no sin cierta sorpresa,a la más fulgurante revelación de los últimosaños del cine árabe: Crónica de una desapari-ción” de Elia Suleiman, filme que rompió contodos los esquemas formales del siempre en cri-sis cine medioriental. Y Suleiman se consagraríadefinitivamente con la satírica Intervención divi-na, película aclamada en el festival de Cannes2002 (ver recuadro). Junto a este director surgenotras voces como las de Rachid Masharawi,quien en sus tres películas centra su mirada enla cotidianidad de los territorios ocupados. Delmismo Abu-Assad ha circulado en festivales Laboda de Rana (2002), filme que articula ciertastradiciones, usos, idiosincrasias y conflictos per-sonales sobre ruinas, explosiones y redadas.

Paraíso ahora resulta también refrescante enotro sentido. El filme es una visión desde el inte-rior mismo del conflictivo Medio Oriente, pero apesar de proceder de una de las partes en con-

flicto, de entrada hay que decir que nada tieneque ver con las lecturas y construcciones quedel problema israelo-palestino nos entregan lascadenas televisivas, nativas y transnacionalesfuertemente idiologizadas. Lo que redunda afavor del film es el radical espíritu crítico que loanima. Abu-Assad se ciñe rigurosamente aaquello que su compatriota Edward Saïd demar-ca como lo propio del artista o intelectual: “Lasrepresentaciones intelectuales, sus articulacio-nes de una causa o una idea con vistas a lasociedad… son la actividad misma, dependien-te de un tipo de toma de conciencia que esescéptica, comprometida, inquebrantablementeconsagrada a la investigación racional y al enjui-ciamiento moral”. La película enfila contra los

móviles teológico-políticos y mediáticos quecondicionan el surgimiento de los mártires y suinmolación. En los diálogos los argumentos reli-giosos aparecen tan elementales y risibles, trági-camente simples, como la “certeza” que animaa los mártires de que dos ángeles los recogerány los llevarán al paraíso. El filme toma posición,como se debe hacer de cara a una situaciónextrema. Contra los argumentos de la Intifadasustenta una serena filosofía política que en ladiégesis la enuncia el personaje femenino, Suha,funcionaria de los derechos humanos, poseedo-ra de una formación cosmopolita y por tanto conotra visión del mundo y de la situación nacional.Este personaje parte de reconocer que Palestinano tiene poder militar, que la resistencia puede

desarrollar varias formas y vías, y que por ello esimperativo impulsar la guerra moral. La duda yretroceso de Khaled al final de esta aventurasacrificial, acaso sea la expresión más contun-dente de la bancarrota del ideario beligerante ysangriento de la guerra santa.

La película es muy obediente a los códigosgenéricos del thriller político, manejando lostiempos y los nudos dramáticos que van desdela presentación y configuración de los persona-jes, su abrupto estado de desempleo y la rápidacaptación de los dos jóvenes por parte de la diri-gencia guerrera, con el argumento de ser los“elegidos”. Es tan reveladora la transformaciónque en sus figuras exhiben los dos personajes,Saïd y Khaled, que justamente demarca el pasodel anonimato laico al supuesto estado de san-tidad guerrera. Es clave aquella frase que uno deellos lanza: “nuestro cuerpo es lo único que nosqueda”. Paralelo al nudo central –la preparacióny ejecución de la operación religioso-militar– lapelícula pasa cuentas a otros temas subsidia-rios: la desacralización de la cúpula de la resis-tencia armada y su sospechoso heroísmo, pueshay un supuesto mártir al que todos creen muer-to pero que sigue vivo, y el retrato de la fríadimensión burocrática con que el buró políticoadministra la muerte de sus reclutas: es sobre-cogedoramente irónica la escena en que Khaledlee la proclama frente a una cámara descom-puesta, al tiempo que los burócratas del partidose dedican a comer. Otro de los fenómenos quetambién desnuda la película es la dimensiónmediática y mercantil que los componentes delmartirio han adquirido en la sociedad palestina,expresadas en el expendio público de las filma-ciones tanto de los discursos de despedida delos mártires como de las confesiones y ejecucio-nes de los “colaboradores”. La voracidad huma-na no tiene límites, parece reflexionar el director.

El tema de los colaboradores en los territoriosocupados es medular en el filme, ya que esunos de los resortes que justifican las decisio-nes y acciones de Saïd, cuya vida ha estadomarcada por la vergüenza de ser el hijo de un“delator”. Las consecuencias de la represiónsocial –que afecta a las familias y amigos deldelator– las encarna este chico que en el“lavar la culpa” del padre encuentra otro moti-vo para inmolarse. Retrato de una sociedadpero también de unos individuos. Y este esotro punto a favor de la película: al focalizar aSaïd, reencuentra y cuenta la historia de unsujeto individual, dando cuenta de sus senti-mientos y angustias, retratando al hombre ysu circunstancia; así se escapa a las burdasgeneralizaciones del personaje estereotipadode fácil digestión y previsibilidad. Con muchaagudeza la película sortea igualmente el siem-pre peligroso regodeo en la violencia explícitay morbosa del plano llenado con imágenesdestinadas a la simple impresión. El filme fun-ciona por alusión, sugiriendo, mostrando sololo necesario, para que la metonimia funcioney el espectador no se olvide que lo que estáen discusión son ideas. Es ejemplar el desen-lace y sobre todo el final. Luego de las dudasde Khaled y el acto de amistad de Saïd, lacámara encuadra y se demora sobre el irre-versible pánico de sus ojos, enseguida hay unfundido al negro que se mantiene unos consi-derables segundos sin sonido antes de queasomen los créditos; tiempo, silencio y oscu-ridad para que el espectador piense en la fra-gilidad de los hombres.

QUITO • GUAYAQUIL • MANTA

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ESTRENO

Uno de los milagros de la actual situación enPalestina, desde el punto de vista cultural, resideen la forma en la que el pueblo palestino, tantoen el interior de los territorios ocupados como enla Diáspora, ha podido mantener viva una ricatradición cultural, pese a la ocupación israelí quedura ya casi cuatro décadas. La labor del cinepalestino en este contexto ha sido muy impor-tante. Numerosos directores palestinos que resi-den en diferentes partes del mundo árabe o enEuropa han dado a conocer en los pasados añosun gran número de películas y documentales quehan tenido una notable acogida en los últimosfestivales de cine europeos, como el de Canneso el Festival Bienal de Cine Árabe de París. Aéstos hay que sumar también los filmes realiza-dos por directores árabes que tratan sobre dife-

rentes aspectos de la vida del pueblo palestino.El más conocido de todos es Elia Suleiman, uncineasta mayor, reconocido en diversos festiva-les, de quien se verán dos filmes, Crónica deuna desaparición e Intervención divina, en losque con una mirada melancólica, no exenta deironía y de un humor agridulce, da cuenta delsufrimiento y las frustraciones de su pueblo.

Suleiman, cuyo padre, antiguo combatiente dela resistencia en 1948, fue torturado por los sol-dados israelíes, escoge a su vez la vía del absur-do humorístico dentro de la tragedia absurda.Una comicidad a la postre aterradora, cuyomomento culminante llega en Intervención divi-na, cuando el personaje que interpreta el propioSuleiman suelta un globo con la efigie de Arafat,que causa consternación en un puesto fronteri-zo israelí, cuyos mandos consultan por teléfonosi deben abatir o no el incómodo globo. Se pre-senta además el documental El color de los oli-vos, de la mexicana Carolina Rivas. La crudezade la vida cotidiana de una familia palestina quepermanece atrapada y cercada por el muro deCisjordania es retratada por el documental, pro-ducido por la autoridad fílmica de Palestina.

Fotograma de Intervención divina de Elia Suleiman. Las frustraciones del pueblo palestino son vistas con humor e ironía.Foto cortesía de Arab Film Distribution.

Listos para el ataque: Kasu Nashef como Saïd y Ali Suliman como Khaled en Paraíso ahora de Hany Abu-Assad. Foto deSeamus Murphy.

MAN

TRES PELÍCULAS ADICIONALES APARAÍSO AHORA SON PRESENTA-DAS ESTE MES, ENTRE ELLAS, DOSDE ELIA SULEIMAN.

EL MILAGRO PALESTINO

PARAÍSO AHORA: LA SOLEDAD DE LOS MÁRTIRES UIO GYE

RETRATO DE UNA SOCIEDAD PERO TAMBIÉN DE UNOS INDIVIDUOS, PARAÍSO AHORA ES EL PRIMER ESTRENOPALESTINO EN EXHIBIRSE COMERCIALMENTE EN ECUADOR. SE REPONE EN QUITO Y VA EN ESTRENO EXCLUSIVO ENGUAYAQUIL Y MANTA.

INTERVENCIÓN DIVINA(Yaddon Ilaheyya)(Palestina, 2002, 92 minutos) Dirigida y escrita porElia Suleiman. Protagonizada por Elia Suleiman,Manal Khader, Nayef Fahoum Daré. Presentada gra-cias a Arab Film Distribution. Formato video digital.

EL COLOR DE LOS OLIVOS(México, Palestina, 2006, 97 minutos) Dirigida yescrita por Carolina Rivas. Presentada gracias a ArabFilm Distribution. Formato video digital.

CRÓNICA DE UNA DESAPARICIÓN(Segell Ikhitfa) (Palestina–Israel, 1996, 88 minutos)Dirigida y escrita por Elia Suleiman. Protagonizada porElia Suleiman, Ola Tabari, Nazira Suleiman. Presentadagracias a Arab Film Distribution. Formato video digital.

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CARTELERA

Cinco mujeres quiteñas, amigas de la adoles-cencia, deciden volverse a ver al cabo de 14años. En ese encuentro, tejerán un tapiz deemotividades que estallan en la mitad de la ruti-na.

Dos jóvenes palestinos, amigos desde la infan-cia, son reclutados para perpetuar un atentadosuicida en Tel Aviv. Khaled y Saïd parten con losexplosivos pegados a sus cuerpos luego depasar la noche con sus familias. Nadie sospe-cha lo que están a punto de hacer.

Dos jóvenes marroquíes salen en busca delrebaño de cabras de la familia. En medio delsilencio del desierto, deciden probar un rifle,siendo el alcance de la bala mucho mayor de loque esperaban. En un instante, las vidas decuatro grupos de extraños en tres continentescolisionan.

Año 2027: el ser humano afronta su posibleextinción. La humanidad ha perdido la capaci-dad de procrear, y el mundo se estremece antela noticia de la muerte de la persona más jovende la Tierra, que tenía 18 años. Cuando el caosirrumpe, un ex-activista radical, es contratadopor Julian para ser el protector de la personamás buscada sobre la faz de la Tierra.

Documental sobre los efectos del cambio cli-mático. El ex-vicepresidente norteamericano AlGore muestra un retrato de la situación del pla-neta, amenazado por el calentamiento globalprovocado por las ingentes emisiones de CO2.

Luego de viajar por el mundo, el salsero pana-meño Azuquita conoce a los octogenariosmúsicos de Santiago de Cuba llamados LosJubilados. Graban un disco con músicas tradi-cionales.

A través de diferentes luchas sociales enMéxico, Argentina, Israel y Palestina, Corea,África América del Norte y Europa, vemoscómo el sistema del terror implantado a nivelglobal tiene una respuesta clara y contundente.

QUITO GUAYAQUIL

ESAS NO SON PENAS(Ecuador, 2006, 87 minutos) Dirigida por

Anahí Hoeneisen y Daniel Andrade. Escrita porAnahí Hoeneisen. Protagonizada por AnahíHoeneisen, Amaia Merino, Francisca Romeo,Paquita Troya, Carolina Valencia. Distribuida por LaMaquinita. Formato 35mm.

PARAÍSO AHORA(Palestina – Francia,

2005, 90 minutos) Dirigida por Hany Abu-Assad.Escrita por Hany Abu-Assad y Bero Beber.Protagonizada por Lais Nasaehb, Ali Suliman,Lubna Azabal. Distribuida por Multicines S.A.Formato 35mm.

UIO UIO GYEGYE MANTAMAN

ESTRENOSBABEL(Estados Unidos, 2006, 142 minu-

tos) Dirigida por Alejandro González Iñarritu. Escritapor Guillermo Arriaga. Protagonizada por Brad Pitt,Cate Blanchett, Gael García Bernal, Koji Yakusho,Adriana Barraza. Distribuida por ParamountPictures, Consorcio Fílmico. Formato 35 mm.

LOS NIÑOSDEL HOMBRE

(Children of Men) (Reino Unido, 2006, 107 minutos)Dirigida por Alfonso Cuarón. Escrita por David Arata,Alfonso Cuarón, et al. Basados en la novela de P.D.James. Protagonizada por Clive Owen, JulianneMoore, Michael Caine, Peter Mullan. Distribuida porUniversal Pictures, Consorcio Fílmico. Formato35mm.

UNA VERDAD INCÓMODA(An Inconvenient Truth)

(Estados Unidos, 2006, 96 minutos) Dirigida y escri-ta por Davis Guggenheim. Protagonizada por AlGore. Distribuida por Universal Pictures, ConsorcioFílmico. Formato 35 mm.

CUBA SON(Francia, 2003, 90 minutos)

Dirigida y escrita por Yves Billón. Protagonizadapor Camilo Azuquita y los Jubilados. Presentadogracias a la Alianza Francesa. Formato 35 mm.

LA CUARTA GUERRAMUNDIAL

(The Fourth World War)Dirigida y escrita por Jacqueline Soohen y RichardRowley. Presentada gracias a la CorporaciónCinememoria. Formato video digital.

ESPECIALES

Aborda con humor surrealista el conflicto pales-tino en Oriente Medio a través de la historia deun palestino de Jerusalén que se enamora deuna palestina que vive en Ramala.

Documental que narra la vida de varias familiaspalestinas que viven entre alambres de púas,candados y constantes amenazas de soldadosarmados.

Una colección de viñetas, la mayoría de ellasestáticas, que muestran la pérdida de identidadde las poblaciones árabes, sobre todo en lasclases medias. Es un retrato de la inercia de lavida en Nazareth.

CHIEDI LA LUNA(Italia, 1991, 88 minutos) Dirigida y escrita porGiuseppe Piccioni. Protagonizada por MargheritaBuy, Giulio Scarpati, Roberto Citran, DanielaGiordano. Presentado por la Società DanteAlighieri. Formato video digital.

I GIORNI DELL’ABBANDONO!(Italia, 2005, 96 minutos) Dirigida y escrita porRoberto Faenza. Protagonizada por Margherita buy,Luca Zingaretti, Goran Bregovic, Alessia Goria.Presentado por la Società Dante Alighieri. Formatovideo digital.

UIO CINE ITALIANOLE CONSEGUENZE DELL’AMORE(Italia, 2003, 100 minutos) Dirigida y escrita porPaolo Sorrentino. Protagonizada por Toni Servillo,Oliva Magnani, Adriano Giannini, Raffaele Pisu.Presentado por la Società Dante Alighieri. Formatovideo digital.

I PICCOLI MAESTRI(Italia, 1997, 116 minutos) Dirigida y escrita porDaniele Luchetti. Protagonizada por StefanoAccorsi, Stefania Montorsi, Giorgio Pasotti, DiegoGianesini. Presentado por la Società DanteAlighieri. Formato video digital.

La vida trepidante y caótica de un gran restau-rante representada a la vez “lado sala” y “ladococina”. Dos mundos paralelos y simultáneosque se cruzan, chocan y se mezclan en unballet anárquico y destructor.

Un suceso transformado en tragedia contem-poránea. Un duelo mortal de amor y de odioentre dos mujeres. Frente a las preguntas afa-bles e incisivas de Marie Armelle Deguy, MyriamBoyer encarna una mujer arisca, común, reple-gada por el terrible secreto.

Unas “marionetas humanas”, vivientes y anima-das, reviven la antigua y legendaria China en uncuadro poético y filosófico de una modernidadsorprendente. La escenografía, el juego teatraly la marioneta se comunican vertiginosamente.

Georges Feydeau, gran figura cómica del reper-torio francés, visto por Georges Lavandant, unode los grandes directores. Un espectáculo joco-so y divertido, en el que por momentos apare-cen una poesía sutil y ataques de inquietudexistencial cercanos al surrealismo.

En un país de guerra, dos mujeres, dos gene-raciones se enfrentan y se destrozan en un diá-logo sin piedad en el que cada palabra es unarma, en el que cada palabra abre una nuevaherida.

Prefiguración premonitoria de los reality shows,esta obra muestra de forma acelerada la vidade tres mujeres lanzadas a la arena ante unpúblico imaginario. Esta película se presentacon el cortometraje Del teatro a la pantalla –Ariane Mnouchkine, sobre la famosa directorade teatro.

Patrice Chereau, cineasta de obras maestrascomo Intimidad o La Reina Margot, es ademásun gran director de teatro. Ha elegido mostrarFedra en un decorado desnudo rodeado demurallas de piedra.

Mucho más que una simple captación o adap-tación, esta obra está en ósmosis con el ritmoy la forma tan singular de la puesta es escenade Julie Brochen. De esta intimada invadida porviolencias sordas y pasiones reprimidas, imagi-nadas por Chéjov, emerge la silueta fantasmalde Jeanne Balibar.

EL CONEJO CAZADOR(Lapin Casseur)(Francia, 1991, 112 minutos) Película dirigida porGuy Seligmann. Puesta en escena teatral deJérôme Deschamps y Macha Makéïeff. Protago-nizada por Jean-Marc Bihour, Susan Carlson,Yolande Moreau. Presentada gracias a la AlianzaFrancesa. Formato video digital.

VIOLACIÓN(Viol)(Francia, 2003, 94 minutos) Película dirigida porSophie Fillères. Puesta en escena teatral de BrigitteJaques-Wajeman. Texto de Daniéle Sallenave.Protagonizada por Marie Armelle Deguy, MyriamBoyer. Presentada gracias a la Alianza Francesa.Formato video digital.

TAMBORES EN EL DIQUE(Tambours sur la digue)(Francia, 2002, 135 minutos) Película y obra de tea-tro dirigida por Ariane Mnouchkine. Texto deHeléne Cixous. Protagonizada por el Théâtre duSoleil. Presentada gracias a la Alianza Francesa.Formato video digital.

UN FIL À LA PATTE(Francia, 2002, 130 minutos) Película y obra de tea-tro dirigida por Georges Lavandant. Texto deGeorges Feydeau. Protagonizada por Gilles Arbona,Hervé Briaux, Natasha Cashman. Presentada gra-cias a la Alianza Francesa. Formato video digital.

EL COMPLEJO DE THÉRNADIER(Le complexe de Thérnadier) (Francia, 2002, 73 minutos) Película y obra de tea-tro dirigida por Jean-Michel Ribes. Texto de JoséPliya. Protagonizada por Marilù Marini, LaureCalamy. Presentada gracias a la Alianza Francesa.Formato video digital.

INVENTARIOS(Inventaries) (Francia, 1990, 48 minutos) Película dirigida porJacques Renard. Obra de teatro dirigida por RobertCantarella. Protagonizada por Florence Giorgetti,Judith Magre. Presentada gracias a la AlianzaFrancesa. Formato video digital.

FEDRA(Phaedra)(Francia, 2003, 140 minutos) Película dirigida porStéfane Metge. Obra de teatro dirigida por PatriceChereau, escrita por Jean Racine. Protagonizada porDominque Blanc, Pascal Gregory. Presentada gra-cias a la Alianza Francesa. Formato video digital.

EL TÍO VANYA(Oncle Vanya)(Francia, 2004, 120 minutos) Película dirigida porJean-Baptiste Mathieu. Obra de teatro dirigida porJulie Brochen, escrita por Anton Chéjov. Protago-nizada por Jeanne Balibar, François Loriquet.Presentada gracias a la Alianza Francesa. Formatovideo digital.

DEL TEATRO A LA PANTALLA

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MAN UIO GYE MAN UIO GYE

LA HISTORIA DEL CAMELLOQUE LLORA(Mongolia, 2003, 93 minutos) Dirigida y escrita porByambasuren Davaa y Luigi Falorni. Protagonizadapor Janchiv Ayuzana, Chimed Ohnin. Presentadagracias a Kamelfilms, Alemania. Formato videodigital.

LA CUEVA DEL PERRO AMARILLO(Mongolia, 2005, 90 minutos) Dirigida y escrita porByambasuren Davaa. Protagonizada porBatchuluun Urjindorj, Buyandulam DaramdadiBatchuluun. Presentada gracias a Kamelfilms,Alemania. Formato video digital.

OLDBOY(Corea del Sur, 2003, 120 minutos) Dirigida y escri-ta por Chan-wook Park. Protagonizada por Min-sikChou, Ji-tae Yoo, Hye-jung Gang. Presentada gra-cias a Asiamovies. Formato video digital.

INFERNAL AFFAIRES(Mou Gaan Dou)(Hong Kong, 2002, 101 minutos) Dirigida y escritapor Wai Keung Lau, Siu Fai Mak. Protagonizada porAndy Lau, Tony Cheung, Kelly Chen. Presentadagracias a Asiamovies. Formato video digital.

INFERNAL AFFAIRES 2(Mou Gaan Dou II)(Hong Kong, 2003, 119 minutos) Dirigida y escritapor Wai Keung Lau, Siu Fai Mak. Protagonizada porEdison Chen y Shawn Yue. Presentada gracias aAsiamovies. Formato video digital.

INFERNAL AFFAIRES 3(Mou Gaan Dou III: Jung Gik Mou Gaan)(Hong Kong, 2003, 119 minutos) Dirigida y escritapor Wai Keung Lau, Siu Fai Mak. Protagonizada porAndy Lau, Tonyy Leung. Presentada gracias aAsiamovies. Formato video digital.

Docu-ficción sobre una familia de pastoresnómadas mongoles, en el desierto del Gobi, alos que les nace un camello albino que sumadre rechaza.

Nansal, la hija mayor de una familia de nóma-das mongoles, se encuentra un día un cacho-rro en un campo cercano a su casa. Desde elprimer momento se encapricha del perritopero, cuando lo lleva a casa, su padre tienemiedo de que les traiga mala suerte.

Un hombre de negocios coreano es secues-trado y confinado en una celda con una televi-sión. Sin saber porqué está allí, el hombre pasaencerrado un año, y otro, y otro.... Basada enun cómic japonés del mismo título.

Un joven policía ha sido enviado a espiar comoinfiltrado a la mafia local. Otro joven ha sidoenviado por la mafia local a espiar como infil-trado a la policía. Años después se encuentranen una lucha casi fratricida.

Precuela en la que Chen Ying Yan se ha con-vertido en policía infiltrado, mientras Kau KinMing se une a las fuerzas policiales. Las triadasy la policía encuentran un enemigo en un jefedel crimen.

Doce años después de haberse graduado contodos los honores de la escuela de policía,Yeung Kam Wing ha sido enviado a trabajarcomo agente infiltrado en una triada de mafias.

CINE ASIÁTICOUIO

CINE PALESTINO

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CARTELERA

EL DORMILÓN(The Sleeper)(Estados Unidos, 1973, 88 minutos) Dirigida porWoody Allen. Escrita por Woody Allen y MarshallBrickman. Protagonizada por Woody Allen, DianeKeaton, John Beck, Mary Gregory. Presentada gra-cias al AFI. Formato video digital.

TODO LO QUE USTED QUISO SABERSOBRE SEXO Y NO SE ATREVÍA APREGUNTAR(Everything You Always Wanted to Know About Sex(But You Were Afraid to Ask)(Estados Unidos, 1972, 87 minutos) Dirigida y escri-ta por Woody Allen. Protagonizada por WoodyAllen, Burt Reynolds, Gene Wilder, Lynn Redgrave.Presentada gracias al AFI. Formato video digital.

BANANAS(Estados Unidos, 1971, 82 minutos) ) Dirigida porWoody Allen. Escrita por Woody Allen y MickeyRose. Protagonizada por Woody Allen, LouiseLasse, Carlos Montalbán, Natividad Abascal.Presentada gracias al AFI. Formato video digital.

TOMA EL DINERO Y HUYE(Take the Money and Run)(Estados Unidos, 1969, 85 minutos) ) Dirigida porWoody Allen. Escrita por Woody Allen y MickeyRose. Protagonizada por Woody Allen, JanetMargolin, Lonny Chapman. Presentada gracias alAFI. Formato video digital.

LA ÚLTIMA NOCHE DEBORIS GRUSHENKO(Love and Death)(Estados Unidos, 1969, 85 minutos) Dirigida y escri-ta por Woody Allen. Protagonizada por WoodyAllen, Diane Keaton, Howard Vernon, Harold Gould.Presentada gracias al AFI. Formato video digital.

Tras permanecer 200 años en hibernación,Miles Monroe, clarinetista y propietario de unatienda de comida sana, despierta en el año2174 en una América regida por un estado poli-cial que vigila día y noche a todos sus ciudada-nos.

Un bufón que trata de conseguir los favores dela reina con un afrodisíaco. Un médico que seenamora perdidamente de una oveja. Unamujer que sólo consigue excitarse en lugarespúblicos. Un espermatozoide aterrado ante suinminente salida al mundo exterior...

Un torpe y tímido probador de productos lla-mado Fielding Mellish es abandonado por sunovia. Decide tomarse unas vacaciones y sedirige a la pequeña república de San Marcos.Pero lo único que consigue es verse envueltoen un sinfín de líos burocráticos en el pequeñopaís que tiene como telón de fondo la guerrillasubversiva.

La vida del incompetente atracador VirgilStarkwell, que desde el comienzo estuvo abo-cado a la delincuencia. Después de pasar unainfancia a merced de los chicos más fuertesque él y tras descubrir que su carrera musicalno iría a ninguna parte, Virgil comenzó a robar.Pero su escaso talento como ladrón pronto leconduciría a la cárcel.

Rusia, a principios del siglo XIX. Boris viveobsesionado con la muerte y con su primaSonia, aunque ella prefiere a Iván, uno de loshermanos de Boris. Pero Iván se casa, y Sonia,por despecho, contrae matrimonio con un ricocomerciante de pescado. Obligado por sufamilia, Boris se alista en el ejército para lucharcontra la Francia de Napoleón.

UIO GYE

CECILIA(Cuba, 1982, 170 minutos) Dirigida por HumbertoSolás. Escrita por Humberto Solás, NelsonRodríguez, Norma Torrado, Jorge Ramos. Protago-nizada por Daisy Granados, Imanol Arias, RaquelRevuelta. Presentada gracias al ICAIC. Formatovideo digital.

LAS AVENTURASDE JUAN QUINQUÍN(Cuba, 1967, 110 minutos) Dirigida y escrita porJulio García Espinosa. Protagonizada por julioMartínez, Edwin Fernández, Adelaida Raymat.Presentada gracias al ICAIC. Formato video digital.

UN HOMBRE DE ÉXITO(Cuba, 1986, 110 minutos) Dirigida y escrita porHumberto Solás. Protagonizada por César Evora.Presentada gracias al ICAIC. Formato video digital.

LAS DOCE SILLAS(Cuba, 1962, 97 minutos) Dirigida y escrita porTomás Gutiérrez Alea. Protagonizada por EnriqueSantisteban, Reynaldo Miravalles, René Sánchez.Presentada gracias al ICAIC. Formato video digital.

AMADA(Cuba, 1983, 105 minutos) Dirigida y escrita porHumberto Solás. Protagonizada por Eslinda Nuñez,César Evora, Silvia Planas. Presentada gracias alICAIC. Formato video digital.

La Habana, siglo XIX. Cecilia, bella mestiza,ambiciona el mundo de los aristócratas blan-cos. Su vehículo será Leonardo, joven nihilistay contradictorio. La madre de Leonardo seopone a estos amores. Cecilia, enloquecida decelos, induce a uno de sus enamorados frus-trados a matar a la novia el día de la boda.

Juan Quinquin es un campesino buscavidasque jamás se resigna a su suerte. Junto a suamigo Jachero, y a Teresa, su amada, seenfrenta al medio. El choque con las circuns-tancias y el deseo de cambiarlas, genera susaventuras.

La Habana de los años treinta. Un joven ambi-cioso inicia su carrera de ascenso social valién-dose de su capacidad de seducción y, sobretodo, de su carencia de escrúpulos.

Una colección de brillantes se ha extraviado,escondida en el forro de una de las sillas de unconjunto de doce incautado por la revolución.El antiguo propietario busca esa silla condenuedo, acudiendo a las argucias de la pica-resca.

La Habana 1914. Comienza la I GuerraMundial y en Cuba se viven días de zozobra yfrustración. Surge un amor apasionado entreAmada, joven burguesa, casada y conserva-dora y su primo Marcial, joven inconforme quetratará de arrancarla inútilmente de un mundodecadente que ya carece de significado.

CINE CUBANOUIO

Old Boy 2003 de Chan- wook Park.

WOODY ALLEN ANTES DE ANNIE HALLDESOBEDIENCIA(Canadá, 2005, 80 minutos) Dirigida y escrita porPatricio Henríquez. Presentada gracias a laCorporación Cinememoria. Formato video digital.

51st BIRCH STREET(Estados Unidos, 2005, 88 minutos) Dirigida y escri-ta por Doug Block. Presentada gracias a laCorporación Cinememoria. Formato video digital.

VENGANZA POR UNODE MIS OJOS(Avenge But One of My Two Eyes) (Francia – Israel, 2005, 100 minutos) Dirigida yescrita por Avi Mograbi. Presentada gracias a laCorporación Cinememoria. Formato video digital.

EL INMORTAL(México – Nicaragua – España, 2005, 63 minutos)Dirigida y escrita por Mercedes Moncada.Presentada gracias a la Corporación Cinememoria.Formato video digital.

PEGALE CANDELA(Venezuela, 2005, 90 minutos) Dirigida y escrita porAlejandra Szeplaki. Presentada gracias a laCorporación Cinememoria. Formato video digital.

Un soldado norteamericano se niega a comba-tir en Irak, un oficial israelí no quiere participaren la represión a los palestinos y un coman-dante chileno desobedece a Pinochet despuésdel golpe militar.

¿Llegamos a conocer a nuestros padres?Block tantea con respeto y madurez en la inti-midad de sus padres y descubre las emocionesy las dudas que los habitan.

En Israel, los niños estudian el mito de Sansóny Masada: es mejor la muerte a la humillación.Mograbi crea una analogía entre el héroe bíbli-co judío y los suicidas de la Palestina contem-poránea.

El cruel legado de la guerra nicaragüense a tra-vés de una familia dividida por el conflicto. Sinmaniqueísmos, Moncada busca comprender latragedia.

El levantamiento venezolano de 1989, reprimi-do por el gobierno de Carlos A. Pérez, es narra-do por los estudiantes de entonces. Las imá-genes que nunca vimos sobre los miles demuertos y la hipocresía de los medios.

UIO GYE HITS DE LOS EDOC

JULES Y JIM(Francia, 1962, 102 minutos) Dirigida por FrançoisTruffaut. Escrita por Truffaut y Jan Gruault, basadosen la novela de Henri-Pierre Roche. Protagonizadapor Jeanne Moreau, Oskar Werner, Henri Serre.Presentada gracias a la Alianza Francesa. Formatovideo digital.

LA MUJER DE AL LADO(La Femme d’a Côté)(Francia, 1981, 101 minutos) Dirigida por FrançoisTruffaut. Escrita por Truffaut, Suzanne Schiffman yJean Aurel. Protagonizada por Gérard Depardieu,Fanny Ardant. Presentada gracias a la AlianzaFrancesa. Formato video digital.

EL ÚLTIMO METRO(Le dernier métro)(Francia, 1980, 127 minutos) Dirigida por FrançoisTruffaut. Escrita por Truffaut, Suzanne Schiffman yJean-Claude Grumberg. Protagonizada porCatherine Deneuve, Gérard Depardieu, Jean Poiret.Presentada gracias a la Alianza Francesa. Formatovideo digital.

DOS INGLESAS Y EL AMOR(Les deux anglaises et le continent)(Francia, 1971, 132 minutos) Dirigida por FrançoisTruffaut. Escrita por Truffaut y Jan Gruault, basadosen la novela de Henri-Pierre Roche. Protagonizadapor Jean-Pierre Leaud, Kika Markham, StaceyTendeter. Presentada gracias a la Alianza Francesa.Formato video digital.

LA PIEL SUAVE(La peau douce)(Francia, 1964, 113 minutos) Dirigida por FrançoisTruffaut. Escrita por Truffaut y Jean-Louis Richard.Protagonizada por Françoise Dorléac, JeanDesailly, Nelly Benedetti. Presentada gracias a laAlianza Francesa. Formato video digital.

París, inicios del siglo veinte. La fuerte amistadde Jules, alemán y Jim, francés, se pone aprueba máxima cuando ambos se enamorande la misma mujer: Catherine y la primera gue-rra mundial los separa por varios años.

Mathilde encuentra en su nuevo vecindario aBernand, con quien mantuvo una relación añosatrás y tuvieron una ruptura violenta. A pesar deestar casados, no pueden evitar volver a vivirun romance.

En un teatro de París, un grupo de actores tra-tan de poner en pie una obra de teatro en plenaocupación por las tropas nazis. Nadie sospe-cha que, escondido se oculta el director delgrupo, un hombre de origen judío que es el queen la sombra está dirigiendo la obra a través delas indicaciones que da a su mujer, protagonis-ta de la misma.

Un joven francés de clase media, Claude Roc,conoce y entabla amistad con una joven ingle-sa, Anne Brown. Ella le invita a ir a su casa deGales, donde también vive su hermana Muriel.Cuando Claude y Muriel se dan cuenta de queestán enamorados, la madre de ella insiste enque deben separarse durante un año y si paraentonces siguen enamorados, podrán casarse.

Pierre Lachenay, un famoso escritor, casado ycon un hijo, abandona el hogar conyugal trasiniciar una relación con una azafata de vuelo. Apesar de su decisión tiene constantes dudasacerca de sus sentimientos.

TRUFFAUT Y LAS MUJERESGYE

QUITO • GUAYAQUIL • MANTA

Por Darío Aguirre

Proponer una respuesta estética e ideológica entiempos de saturación de información en per-manente intercambio y casi instantáneo, es untrabajo nada fácil. Por otro lado las ideologías yobsesiones viven y se mantienen justamente deltrabajo aparentemente imposible.

Este factor es el que más nos interesa enAmbulart, junto con la búsqueda de un autorreflejado en su obra y que pone de manifiestosus “obsesiones”. ¿Puedo observar a un autorcon una particular obsesión detrás de las imá-genes que observo en la pantalla? ¿Se queda laobsesión en la superficie de un manejo técnicoprecavido o que olvida al autor por preferir undominio tecnológico?

El formato “cortometraje” busca en sus relatosuna reflexión diferente, sincera y arriesgada en laforma de contar una historia, en comparación alcine de las grandes producciones que deja a unlado lo personal por conseguir un éxito comer-cial.

La intención de Ambulart es dar a conocer ellado del cine desde un formato que lucha porencontrar un espacio y que afortunadamente,por esfuerzos conjuntos y de distintas fuentes,está creciendo positivamente en el Ecuador ygracias a la continuidad va a poder ser percibidopor circuitos internacionales.

Celebramos este año estas llamadas “obsesio-nes”, al convocar a autores y público a presen-tar y ver distintas visiones de nuestras latitudes yde otras desconocidas, con una gran calidadartística y una técnica adecuada a los conteni-dos. Ambulart trae en sí una concepción muysencilla: nuestra mirada se dirige al intercambioentre los autores y de estos con el público. Esasí que en un marco especial –como es el festi-val de las artes visuales– le damos apertura a unespacio no competitivo y con programacióndedicada a mostrar autores jóvenes alemanes,mexicanos y ecuatorianos en sus procesos artís-ticos. Otro objetivo que se produce por añadi-dura y que nos motiva es que a través de éstefestival se crea un mayor entendimiento en con-tacto con otras culturas.

A pesar de un contado número de inscripcionesluego de nuestra convocatoria estamos conten-tos de encontrar nuevamente trabajos que nosenorgullece mostrarlos aquí y en nuestro eventoen Hamburgo, Alemania en noviembre de 2007junto a los trabajos seleccionados el 2006. Parala selección de trabajos primó el criterio de lanecesaria credibilidad en la reflexión del autorjunto a sus elementos audiovisuales. Entre lostrabajos seleccionados se encuentran Mi abue-lo, mi héroe de María Campaña Ramia y SobreJuan de Gonzalo Vargas.

Ambulart trae el 2007 además tres buenas nue-vas: hemos creado el espacio “Panorama” enFestivales Internacionales, en el que tenemoscomo invitada una muestra de curaduría delFestival Chroma 8 de Guadalajara México.

El espacio como invitados especiales lo lleva el2007 la AG Kurzfilm (la asociación alemana decortometraje) con la cual se realizó una selecciónde cortometrajes para Ambulart que original-mente reúne anualmente en su catálogo las 100producciones alemanas más vistas el 2005, lagran mayoría premiada en festivales alemanes einternacionales.

La tercera buena nueva es que vendrá aEcuador Maria Mohr, realizadora alemana yganadora de un gran número de premios por sucortometraje Cousin Cousine, para realizar untaller de producción en video y mínimos recur-sos. Otro de nuestros invitados, MarkusRichardt, está ansioso de presentar personal-mente la première de su cortometraje Marsrodado en el marco de sus estudios en laEscuela de Artes de Hamburgo.

La atmósfera del festival la completarán nuestrasexposiciones paralelas. Les recomendamos visi-tar la muestra “Fragments” de Vanessa NicaMueller en la Asociación Humboldt, y a la pre-sentación de videos y las fiestas luego de nues-tras presentaciones en el bar Lab.

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FESTIVAL

Fotograma del corto Come on Strange de Gabriela Gruber de Alemania. Foto cortesía de Ambulart.

Ambulart encuadra el 2007 OBSESIONES, SILENCIOS, OBSERVACIONES...

UIO GYE

DE ALEMANIA LLEGAN 3 DIRECTORES

Este año tenemos el orgullo de presentar aMaria Mohr, ganadora del premio 3sat delFestival Internacional de Oberhausen, Alema-nia, del Premio de cortometraje alemán y delpremio al mejor documental internacional delfestival “Expresión en Corto” de México, por sucortometraje Cousin Cousine. Maria Mohr segraduó en la Escuela de Artes de Berlín y tra-baja como realizadora independiente. Ella diri-girá el taller “Cuéntame la historia de tus veci-nos” (informes sobre los talleres al 2548 480.Ext. 13) a realizarse en la Asociación Humboldtjunto con Darío Aguirre.

Otro invitado de Ambulart es Marcus Richardt,estudiante de la Escuela de Artes deHamburgo y su cortometraje Cartas a mamá,que fue presentado en el Ambulart del añopasado. Ahora nos trae personalmente su últi-mo trabajo, Mars, en el cual relata el encuen-tro de dos chicas que encuentran puntos encomún entre búsqueda de su sexualidad y laagresión. También, y como todos los años, eldirector del festival –y director cinematográfi-co– el ecuatoriano Darío Aguirre presentará sutrabajo Mi último día como hombre ficticio.Aguirre fue premiado el año pasado con lamedalla de la UNESCO, y actualmente hace unposgrado con maestros como Gerd Roscher yWim Wenders en Hamburgo, Alemania.

PROGRAMA DE CORTOS 1: InauguralQuito: martes 17 de abril, 19:00 (Sala 1) y jueves 19 deabril, 21:00 (Sala 2).Guayaquil: martes 24 de abril, 19:10.

Tontaube (Milos Tomic, 6 min., Rep.Checa, 2005),Expulsión (Esther Acherendio, 1min., Alemania – España,2005), Front Window (Olaf Herrmann, 10 min., Alemania,2006), Ferne Lichter (Vanessa Müller, 14 min., Alemania,2006), Suggar (Ilknur Bahadir, 11 min., Alemania, 2006)Sobre Juan (Gonzalo Vargas, 2 min., Ecuador, 2005), LaFrontera (Paúl Gómez, 5 min., México, 2006), Corto detaller “Cuéntame la historia de tu vecino/a” (aprx. 10 min.,Ecuador, 2007), Appel on a tree (Zeliko Vidovic - AstridRieger, 5 min., Alemania, 2006).

PROGRAMA DE CORTOS 2:Diarios, relaciones y obsesiones…Quito: martes 17 de abril, 21:00 (Sala 2).Guayaquil: miércoles 25 de abril, 19:10.

Mars (Marcus Richardt, 14 min., Alemania, 2007),Vorher (Marc Witkowski, 17 min., Alemania, 2007), Miabuelo, mi héroe (María Campaña Ramia, 17 min.,Francia – Ecuador, 2005) Die Deutsche Stunde (IgorStrembitskyy 11min., Ucrania, 2005), Bodyfront (DaríoAguirre, 14min., Alemania, 2007), Berlin Diary (MommePeters, 15 min., Alemania, 2005), Eu sou como polvo(Sávio Leite, 4 min., Brasil, 2006).

PROGRAMA DE CORTOS 3:Búsquedas sin palabrasQuito: miércoles 18 de abril, 21:00 (Sala 2)Guayaquil: miércoles 25 de abril, 21:15.

Anophtalmus (Katharina Petke, 7 min., Alemania, 2006),Arbeit am Ende (Carmen Losmann, 6 min., Alemania,2006), Flummy (Finn Ole Heinrich, 2 min., Alemania,2006) Asylum (Julian Rosefeldt, 15 min., Alemania,2003) Amylase (Henning Thomas - Björn Verloh, 5 min.,Alemania. 2006) Ein Blick auf Jerusalem (CarmitShlomi, 8 min., Israel, 2005), Heim (Marc Brummund, 6min., Alemania, 2005) Zielpunkte der Stadt (JörnStaeger, 8 min., Alemania, 2005), Come on strange(Gabriela Gruber, 4 min., Alemania, 2005).

PROGRAMA DE CORTOS 4: Cortos de laAsociación del cortometraje alemán.Quito: miércoles 18 de abril, 18:30 (Sala 1)Guayaquil: jueves 26 de abril, 16:00

Motodrom (Jörg Wagner, 9 min., Alemania, 2006),Benidorm (Carolin Schmitz, 19 min., Alemania, 2006),Cousin Cousine (Maria Mohr, 20 min., Alemania, 2006),Frischluft-Matchcut (Stefan Flint-Müller, 8 min.,Alemania - Argentina, 2006), Durch Rotwein durch(Dagie Brundert, 2 min., Alemania, 2006), Cigarettamon Amour-Portrait meines Vaters (Hannah Ziegler,7 min., Alemania, 2006) Halleluja (Jochen Hick 6 min.,Alemania 2006), Female / male (Daniel Lang, 3 min.,Alemania, 2006) Ohne Titel (Ana Berge, 11 min.,Alemania, 2006).

PROGRAMA DE CORTOS 5: Panorama del festivalChroma 8 (México) y animación mexicana recien-te (Curaduría de Sofía Carrillo y Ana de la Rosa).Quito: jueves 19 de abril, 18:30 (Sala 1).Guayaquil: jueves 26 de abril, 18:00La historia de todos (Blanca Xóchitl Aguerre, 9 min.,México, 2003), El octavo día (Rita Basalto - Juan JoséMedina, 15min., México, 2000) L’instant avant (ÁlvaroZendejas, 2 min., México, 2006), Esfera (Luis FelipeHernández Alanís, 13 min., 2005), Sofía la guardianadel libro eterno (Carlos Méndez, 10 min., México, 2005),Sombras (Rigo Mora, 5 min., México, 2004), Mara (ErickAlvarado, 7 min., México, 2001), Vértigo (Sofía Carrillo, 3min., México, 2004), Al pueblo le dan (José Villalobos -Luciano Rodríguez, 9 min., México, 2006).

OTRAS ACTIVIDADESTalleres Ambulart: del 9 al 13 de abril en la AsociaciónHumboldt. 10 talleristas realizarán un cortometraje conMaria Mohr y Darío Aguirre.

Fotos de Vanessa Nica Mueller; “Fragments” en laAsociación Humboldt del 10 al 16 de Abril, y en el CentroEcuatoriano Alemán del 19 al 26 de abril.

Videos, DJ’s, música. Festival Lounge en el LAB (Quito)del 17 al 19 de abril desde las 22:30 y en el Diva Nicotina(Guayaquil) del 24 al 26 de abril.Fotograma de Mi abuelo, mi héroe de la ecuatoriana María Campaña Ramia. Foto cortesía de Ambulart.

Fotograma de la animación Esfera del mexicano Luis FelipeHernández Alanís. Foto cortesía de Ambulart.

COMO CADA AÑO, EL FESTIVAL DE CORTOMETRAJES AMBULART LLEGA A QUITOY GUAYAQUIL CON NUEVAS PROPUESTAS, INVITADOS ESPECIALES Y EVENTOSPARALELOS.

LAS ACTIVIDADES DE AMBULART 2007

por Georges Banu

¿Ha visto a un escultor modelar el aliento?William Shakespeare – “El Cuento de invierno”

El teatro y la ambivalencia de lo efímeroAbundan las metáforas de lo efímero paradesignar la condición del teatro: la arena, lapizarra, la sombra, etc. Y siempre están acom-pañadas de una reflexión nostálgica implícitasobre el desvanecimiento de esas “catedralesdel sentido” que, según Antoine Vitez, son losespectáculos. El teatro desaparece y “nosembriagamos de lo efímero”, afirma Vitez, altiempo que, en otras circunstancias, tambiénevoca el tema de la desaparición adoptandoun tono de pesadumbre y de frustración mne-mónica. Lo efímero vendría a ser la esencia delespectáculo erigida en sino. Absolutamentenadie le puede escapar.

En ese sentido, podemos separar a la gente deteatro en dos familias. Por una parte, la deaquellos que, hasta el fin, “se embriagan de loefímero” y lo aceptan cabalmente como voca-ción e identidad de su arte, por lo que se entre-gan con parsimonia cuando no logran eludirsedel todo del recurso a la conservación. Por otraparte, la familia de los que desean atenuar los“desastres” de lo efímero y elaboran estrate-gias para reducir sus efectos. Hasta podemospreguntarnos si la atracción tan frecuente demuchos directores de teatro por el cine no seexplica en parte por el privilegio de “la memo-ria” de las obras grabadas.En el teatro, los errores apenas duran el tiempode las representaciones, nadie puede repararloscomo en las otras artes. Y, puesto que nadie llevaconsigo el peso de los fracasos, el director deteatro, eximido de ese peso, libre, siempre tienela posibilidad de empezar de nuevo. El gran

hombre de teatro, cuando no logra salvaguardarla totalidad de sus producciones, fundamenta sunotoriedad en lo efímero, en la mitología de loséxitos y en el desvanecimiento de los fracasos. Elolvido que ocasiona lo efímero debe ubicarse enla perspectiva de esta ambivalencia ambigua: ladebilidad mnemónica está acompañada, digá-moslo, del perdón de los errores.

El teatro pertenece al tipo de relatos que sedefinen por, según palabras de Paul Ricoeur,“una forma de existencia del pasado que ya noes y que ha existido”. Y, necesariamente, estoplantea el problema de la huella y del olvido. Elolvido selecciona, es un mérito, pero el olvidotambién aniquila. Iniciar un combate en su con-tra, tal es el desafío de las diferentes técnicasde grabación, conscientes de que todas debenenfrentarse a la ausencia. A pesar de ser prác-ticas de sustitución, algo persiste. Es su méri-to, su desafío. Al ser reunidas, como en un

cofre en esta ocasión, trazan para la memoriade generaciones futuras “la forma de la ausen-cia”. Y, a partir de entonces, se puede desarro-llar un imaginario y constituir un saber.

La conservación moderadaLos directores de teatro son conscientes de queal grabar sus espectáculos emprenden la bellatarea de “modelar el aliento”, esto es, quererconservar la huella de sus obras pasajeras. Sinembargo, también conocen los riesgos de talempresa. Esta permite conservar, pero igual-mente puede deformar, desvirtuar, deteriorar elespectáculo. Este hecho explica las reservas dealgunos y el entusiasmo de otros. En el teatro, laconservación, sobre todo en formato audiovi-sual, no está aceptada por todos.

Los argumentos técnicos sobre las deformacio-nes inherentes a toda captación son bien cono-cidos, es decir, el enfoque de la imagen, las dife-rencias de distancia, las relaciones alteradas,etc. Aun así, estos no impiden el reconocimien-to de la persistencia, aunque sea parcial, delespectáculo. Pero, justamente, los directorestemen que se produzca una percepción erró-nea, una perversión de la esencia misma de laobra escénica. Desconfían del instante que duraporque, además de estar parcialmente deforma-do, entra en un sistema que permite la compa-ración y engendra la decepción. Convencidosde que el tiempo afecta más la percepción de unespectáculo que la de un texto, prefieren adop-tar más bien el ascesis de la desaparición. Noobstante, las mentalidades cambian con el tiem-po y observamos que un gran número de jóve-nes directores que se decían reticentes a la ideade la conservación modifican posteriormente supunto de vista y lo admiten, al menos de vez encuando. Como si la inminencia del fin, su propiofin, los incitara a atenuar la radicalidad de anta-ño. De hecho, la mayoría de los directores de

teatro piensa que el archivo integral de las gra-baciones es perjudicial mientras que la conser-vación moderada le parece una posibilidad quepermite ser realizador y, al mismo tiempo, obser-vador de su propia producción. Gracias a lasomisiones calculadas y a las seleccioneshechas, gracias a la dialéctica memoria/olvido,los directores “modelan el aliento” de su trabajo.Este es su legado. El vídeo, como en este caso,se nos revela como una herencia de la quedebemos sacar provecho tanto en el plano de lamemoria como en el de la historia.

El vídeo, sombra proyectada del espectáculoEn el teatro, la conservación fiel es imposible,pero, como decía Vitez refiriéndose a la traduc-ción, “es precisamente porque no se puedehacer que se debe hacer”. La conservación esel desafío que se presenta a todo “conservador”de memoria teatral. Aunque en estas circuns-tancias la memoria sea vacilante y la conserva-ción incierta, aquél debe reflexionar sobre las vir-tudes del vídeo como huella. Hay que grabar,captar, hay que constituir los “archivos” de laescena moderna. El vídeo nos ayuda a abordarun espectáculo si bien no se trata de “el espec-táculo”. Proporciona indicios y permite com-prender un proyecto. Es la sombra de la presadefinitivamente oculta que nos permite, sinembargo, reconocer su silueta y adivinar susobjetivos. Al igual que la traducción, el vídeosiempre será la sombra proyectada de losespectáculos, pero sólo gracias a él podemosvisitar un espacio irreal en el que todavía palpi-tan las reverberaciones de lo vivo. Siendo así,podemos re-imaginarlo para asociarlo a un tiem-po e inscribirlo en un campo. El vídeo, no lo olvi-demos nunca, es tanto un instrumento dememoria como de cultura teatral. Sombra de unespectáculo y referencia de un territorio. Une lapersistencia y el olvido como los dos aspectosindisociables del teatro, nunca completamentepreservado, pero gracias a él nunca completa-mente desaparecido. Recreémoslo a partir desus sombras... con todo el riesgo de admiracióny decepción que este acto implica. De estaambigüedad, el vídeo no podrá separarsenunca. Es su destino. Y su mérito.

Al “eterno efímero”, el vídeo sólo puede acer-carse sin nunca aprehenderlo del todo. Pero,como sucede con los poemas que nos esfor-zamos por traducir, debemos hacer el esfuerzointerrogándonos sobre lo que se pierde y loque se gana. El buen uso del vídeo exige estareflexión para no mantener las ilusiones nidesarrollar la amargura de la desaparición defi-nitiva. El vídeo se ubica justo entre la memoriay el olvido. Nos acompaña cuando todo hadesaparecido y es a él que recurrimos porquesólo el vídeo, más que la foto o el texto, captael fundamento mismo del teatro: la experienciadel tiempo, su paso, su ritmo, sus frenos y susaceleraciones. Sí, tal vez la imagen no seatotalmente fiel, pero el tiempo del espectáculolo será sin duda. Miremos los vídeos por lo queofrecen a la vista, pero apreciemos también sucapacidad de restituir la duración. ¿Qué es unespectáculo si no un instante de vida queespectadores y actores comparten por igual?El vídeo nos permite revivir las circunstanciasde este pacto secreto que une la escena y lasala, el pacto de los mortales reunidos en laoscuridad de un teatro.

Lea el detalle de las obras a presentarse en la sección car-telera de las páginas 8 y 9 de este periódico.

PRÓXIMAMENTE OCHOYMEDIO EN TUMBACO

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Hombre enamorado de América Latina, YvesBillón ha producido muchos documentalessobre la región, en particular sobre dos temas:la violencia de Colombia y el excitante mundode la rumba buena, el son montuno y el gua-guancó. Ha pasado a la celebridad con Cubason, un documental que ha dado la vuelta almundo al contar la historia del encuentro deCamilo Azuquita, un salsero famoso en París, yun grupo de octogenarios soneros de Santiagode Cuba, conocidos como Los Jubilados.

Billón ya había trabajado con salseros: hizo unperfil de Yuri Buenaventura y un reportaje

sobre la campaña presidencial de RubénBlades en Panamá. En Cuba son, el cineastaorganiza este encuentro entre dos tradicionessalseras muy diferentes. Azuquita, que repre-senta la sofisticación y novedad del sonido deNueva York (había tocado con varias bandasnuevayorkinas, incluyendo la Fania All Stars), yLos Jubilados, con sus interpretaciones tradi-cionales del son más elemental del orientecubano. El resultado era impredecible, peroluego de grabar un álbum, estrenar la películay dar la vuelta al mundo con conciertos, Cubason se convirtió en un instantáneo clásico dela música.

Camilo Azuquita (izquierda) “el sonero de París” junto con Luigi Texidor, gran cantante de la fama de la Sonora Ponceña. Fotode Yves Billon.

Dominique Blanc en Fédra, puesta en escena por PatriceChereau. El francés, cineasta ganador del festival de Venecia conIntimidad (2000) se ha impuesto como una figura mayor delteatro, creando una nueva estética en la puesta en escena. Fotocortesía de la AFAA (Asociación francesa de acción artística).

François Loriquet en el clásico de Chéjov El tío Vanya, puesta en escena por Julie Brochen y filmada por Jean-Baptiste Mathieu. Foto cortesía de AFAA (Asociación francesa de acción artística).

CUBA SON: DOS TRADICIONES SALSOSAS

VITRINA DIGITAL

BULBO DE XENÓN

UIO

YVES BILLÓN ES EL DOCUMENTALISTA DE LA SALSA. HA PRODUCIDO UNAEXTENSA FILMOGRAFÍA SOBRE EL “GÉNERO MAESTRO”. SU ÉXITO MÁS CON-TUNDENTE, CUBA SON: AZUQUITA Y LOS JUBILADOS, LLEGA ESTE MES EN35 MM. GRACIAS A LA ALIANZA FRANCESA.

UIO GYE

Ciclo “Del teatro a la pantalla”EL TEATRO Y SU SOMBRA

LA ALIANZA FRANCESA PRESENTA “DEL TEATRO A LA PANTALLA” UN CICLO DE OCHO OBRAS MAESTRAS DEL TEA-TRO MUNDIAL, PUESTAS EN ESCENA EN VIVO, GRABADAS EN VIDEO POR CONOCIDOS DIRECTORES EUROPEOS. UNREGISTRO DE LO EFÍMERO, ESTA COLECCIÓN NO ES SIMPLEMENTE TEATRO FILMADO. SON RECREACIONES QUEREVIVEN LA MAGIA DEL ESPECTÁCULO CON LOS RECURSOS DEL CINE.

Por María Belén Moncayo

Una toma aérea, giratoria y eterna de la virgende Quito describe los límites del mapa en elque los personajes de Filo de amor transitan,agobiados más bien, por la línea que atraviesatodo el film: “los hombres nunca encuentran elclítoris”. Genio y figura que hacen eco de losburdos ejes clasificatorios del pensamiento crí-tico y político actual; el género, la raza, la clase,la nacionalidad y la orientación sexual son máso menos las distinciones de las que dispone-mos y que en la película de Zambrano Brito setraducen en un abanico aparentemente eman-cipado, finalmente binario.

Gema, Greco y Laura, tres personas distintas yun solo dios, que como toda deidad “verdade-ra” que se respete, condena el error. Este tríode pecadores, tras varios fallidos intentos dedesenfreno sexual, terminarán golpeándose elpecho para expiar hasta la última de sus cul-pas, ejercicio espiritual de bíblica envergadura,que termina, claro está, en la resurrección de lacasi muerta de pena, Gema.

En realidad el que más peca es el guión, pecade gula al querer engullir de un solo bocadotodos los problemas ontológicos que dibujan alsujeto; se percibe un designio exasperado yexasperante por plasmar desde los insumosaudiovisuales una idea de nación sacada del“Escolar Ecuatoriano”, habitada por seudoputas y gays arrepentidos con conciencia eco-logista y discurso new age: gestos que empa-lagan, diálogos que ametrallan. Corolario: el

texto regurgita y extermina hasta la última delas buenas intenciones de la realización.

Sexo, género y sexualidad, se exponen en lacinta como un corpus, tan indivisible como laprecedente trinidad, que pretende, sin lograrlo,una postura feminista, radical y progresista;como dirían Lucy Arbuthnot y Gail Séneca “secentra más en negar a los hombres su aproxi-mación con las mujeres como objetos eróticosque en conectar a las mujeres entre sí”. Enefecto, las mujeres de este “filo” obedecen sola-mente a dos posibles construcciones: hem-bras-policías (inexorablemente golpeadas por elgalán) como Laura, ó machos castrados(dementes e incomprendidas) como Gema.Huelga entonces el reclamo por al menos dosonzas de poesía cinematográfica que nos acer-quen a Marilyn Monroe y a Jane Russell en Loscaballeros las prefieren rubias (1953) unejemplo de mujeres fuertes que se tienen cariñoy ofrecen un modelo que necesitamos; una

matriz de “sexo cromosomático”1 que busqueel equilibrio en los territorios sociales de género.

Las de los protagonistas, tres “carnes trému-las” sin cuerpo y negados aún más por los gim-násticos tiros de cámara y la iluminación caba-retera. Pieles gratuitamente castigadas por tor-turas físicas y metafísicas, que lejos de imprimirterror psicológico, facturan puntualizacionesmisóginas. El masivo “toque femenino” quearticula a Filo de amor delante y detrás de lacámara no garantiza necesariamente una lec-tura alternativa al voyeurismo patriarcal; paraque esta se produzca es preciso situar a laespectadora y al espectador cerca del proyec-tor, único lugar en el que puede apoderarse dela mirada. Moraleja: un trío sexual nunca seviene solo, debe acompañarse siempre de dro-gas y Rock´n Roll.

1 Eve Kosofsky Segwick, Epistemología del armario,Editorial La Tempestad, España, 1998.

La compañía Etha-dam nació en 1998 delacercamiento entre bailarines que compartenun mismo espíritu de apertura y una visión dela danza que se refleja en el estado del alma.Fundado por Ibrahima Sissoko, la compañíaEtha-dam ha afirmado su identidad artística enuna estética original, caracterizada por la nuevaescuela de la danza Hip-Hop francesa. Sudanza es precisa, sensible y energética.

La coreógrafa Ibrahima Sissoko se formó en laacademia de danza de París. Pilar de la com-pañía Choréam, ha recorrido su vida artísticacomo intérprete de artes escénicas y en cine ytelevisión. Ha entregado a Etha-dam su largaexperiencia basada en las múltiples colabora-ciones coreográficas y la enseñanza de laexpresión escénica y las técnicas de la danzaHip-Hop.

La prensa mundial ha comentado de diferentesformas el trabajo de Etha-dam. Le Monde de

París dice: “Etha-dam realiza creaciones emo-tivas, tanto por su concentración de energíapura que asegura una presentación técnicaimpresionante, que por el estado del espírituque la sostiene”. El Svenska Dagblet de Sueciaescribe que “los bailarines diseñan formas geo-métricas graciosas con una delicada acroba-cia. La puesta en escena es poética y proponeuna estética nueva en el género del Hip-Hop: elespectáculo es divertido y profesional y es unabocanada de aire a la vida y a un sueño delibertad”.

Aduna, tierra de aventuras

Etha-dam presentará, el lunes 30 de abril enOCHOYMEDIO, una versión adaptada de “Aduna,tierra de aventuras”, que podrá ser vista en suversión original el día anterior en el centro his-tórico de Quito. Con esta obra Etha-dam juegacon las múltiples influencias culturales paraabordar universos muy diferentes, tratando deconservar su gestualidad cultural. Retrata laepopeya simbólica de un puñado de hombreslanzados hacia un mismo destino. Al términodel día y de la noche los aventureros son con-frontados al miedo y a la sed. Ellos descubrenla alegría y la libertad. Por una evocación detemas de la revelación y de lo sagrado, Etha-dam propone un viaje a las fronteras de lo realy lo imaginario, ofreciendo a los espectadoresuna danza de signos compuesta por una sinfo-nía de palabras, de piedras y dunas de arena.El término Aduna viene del lenguaje wolof, y esun concepto que agrupa las nociones de vida,mundo y destino. (Texto: Alianza Francesa.Redacción OCHOYMEDIO).

QUITO • GUAYAQUIL • MANTA

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ARTES ESCÉNICAS

DANZA HIP-HOP: UNA NOCIÓN DE VIDA

Filo de amor de José Rafael Zambrano Brito. Foto cortesía del director.

ETHA-DAM DE FRANCIA VIENE ALOCHOYMEDIO CON UNA ADAPTACIÓN DESU CELEBRADA OBRA “ADUNA, TIE-RRA DE AVENTURA”. UNA PRESEN-TACIÓN DE LA ALIANZA FRANCESA.

La clásica de busqueda de la alegría. “Aduna, tierra de aventuras” obra compuesta, musicalizada y coreografiada por Ibrahima Sissoko de Etha-dam. Una experiencia nueva en la danza de hoy.Foto cortesía de los artistas.

Momento mágico e hipnótico,Etha-dam hace una danza Hip-Hopcon evidentes influencias africanas.Música y movimientos nacidosen la ciudad, que se transportanhacia lo rural.

En realidad el que más peca esel guión, peca de gula al quererengullir de un solo bocado todoslos problemas ontológicos quedibujan al sujeto; se percibe undesignio exasperado y exasperantepor plasmar desde los insumosaudiovisuales una idea de naciónsacada del “Escolar Ecuatoriano”.

¿dios, macho o hembra? MIENTRAS LLEGA EL CINE

AL BORDE DE LA PELÍCULA FILO DE AMOR DE JOSÉ RAFAEL ZAMBRANOBRITO.

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Aunque vive hace algunos años fuera del país,Carla Barragán vuelve todos los años alEcuador para mostrar sus últimas creaciones.Esta vez, viene acompañada de la compañíade danza contemporánea que dirige: BQdanza(antes Birlibirloque), con quienes viene traba-jando desde 1991. Se han presentado en dis-tintos escenarios a lo largo de los EstadosUnidos, en México, Seattle –lugar donde resi-den– y Ecuador. En este nuevo capítulo deAlas de la danza, BQdanza trae una propues-ta renovada, en donde se fusionan distintasexpresiones artísticas para lograr una comu-nión indisociable. Carla asegura que la inten-sión es trabajar con todos los elementos de laobra en un mismo espacio, para lograr otrosentido de compromiso con esta. Así, en laobra estelar de este espectáculo, “LoudOmission”, Carla proyectó los dibujos de suhermana Paula Barragán. A partir de allí, losbailarines empezaron a proponer los movi-mientos frente a los dibujos, y a este ejerciciolúdico se unió la compositora Amy Denio,quien compuso la música. “Loud Omission”,es una coreografía que “refleja eventos tras-cendentales que imposibilitan la realización delos sueños de cada uno”, su estreno a nivelmundial será en el escenario de OCHOYMEDIO enQuito y MAAC CINE en Guayaquil y Manta.

Carla empezó con la fascinación por la danzadesde muy pequeña. Su afición apareció conla gimnasia olímpica, con la cual ganó impor-tantes competencias. Pronto la danza se perfi-ló como el camino más cercano a seguir. Hoy,luego de 17 años en esta profesión, Carlaquiere seguir creando, aunque ser bailarina,coreógrafa y educadora demanda bastantetrabajo y energía. Ahora prefiere estar fuera delescenario dirigiendo y creando, pero confiesaque la sensación de estar en escena no hasido descartada. Siempre quiso incursionar enlas artes plásticas –sus hermanos y su padreson artistas plásticos– y su camino creativo lacondujo a hacerlo a través del movimiento. En“Loud Omission”, bailar con los dibujos de suhermana era todo un reto. Su identificacióncon estos fue clave a la hora de armar la core-ografía.

La proyección de dos videos acompañan estapresentación: “The Box” y “Cuando tú te hayasido”. “The Box”, fue realizado en 1994 con lacolaboración del director de cine y fotógrafoJeffrey Bravermann. Es un filme corto quehabla sobre la transformación física y espiritualexpresada a través del movimiento, donde unser solitario se desplaza por un abandonadobasurero industrial, cuando una cajita le revelauna realidad contrastante. Este video, en el quebailan Carla Barragán y Beth Grazyck, ha sidopresentando en distintos festivales de videodanza. “Cuando tú te hayas ido”, realizado en2001, muestra a Carla bailando en sentidohomenaje al ex convento colonial de Las Llagasde San Francisco en Puebla, México, que per-maneció en ruinas durante el último siglo y queestaba a punto de ser derrocado para construirun centro comercial.

Adicionalmente a los videos y la danza, la obraen conjunto también incluye una exposición lla-mada “Flipeografía”. Este proyecto multidisci-plinario integra coreografía, danza, fotografía,música y arte visual de manera tridimensionalen una muestra interactiva para el público.Presenta mini coreografías interpretadas porbailarines de BQdanza, a través de fotografías.

Este año, BQdanza, invitó al también bailarín ycoreógrafo ecuatoriano Pablo Cornejo, quienvive en Seattle al igual que Carla, a presentaruna obra dentro de su espectáculo. Cornejo yBarragán han tenido distintos trabajos y aun-que hace algunos años ya no trabajan juntos,en esta ocasión la idea fue que los bailarines deBQdanza interpretaran la coreografía de otrodirector. “Todo para mi fue noche o relámpago”trata de “lo imposible que es explicar los másprofundos deseos y anhelos. Pero al dormir, enlos sueños, los más profundos deseos y mie-dos son expresados”.

Carla también es profesora de teatro en unaescuela pública y desde hace unos años suactividad mas importante es facilitar la presen-cia y desarrollo de las artes escénicas en laeducación primaria del estado de Washington,

EE.UU., a través de su trabajo con “DanceEducation Association of Washington State”,de la cual es miembro directivo.

Carla Barragán ha encontrado su espacio cre-ativo en Estados Unidos, donde asegura haberhallado muchas oportunidades como artista.“En el Ecuador hay mucho talento, lo único queme gustaría ver es más presencia en el mundoacadémico, pues la danza todavía no es toma-da en cuenta en este campo”. Para ella pre-sentarse en el Ecuador “es una necesidad dedejar el testimonio de que sigo siendo de aquí,y el dejar constancia de casi todas las obrasque he producido”. (AB)

ALAS DE LA DANZAEL FESTIVAL ALAS DE LA DANZALLEGA A SU CAPÍTULO 10. CARLABARRAGÁN, ECUATORIANA QUE VIVEEN ESTADOS UNIDOS VIENE CON“LOUD OMISSION” UN ESPECTÁCU-LO DE FUSIÓN.

BQDANZA FUSIONA LOS LENGUAJES DEL ARTE

La coreógrafa y bailarina Carla Barragán, invitada del Alas de la Danza. Foto cortesía de la artista.

Carla prefiere estar fuera delescenario dirigiendo y creando,pero confiesa que la sensación deestar en escena no ha sidodescartada. Siempre quisoincursionar en las artes plásticas–sus hermanos y su padre sonartistas plásticos– y su caminocreativo la condujo a hacerlo a tra-vés del movimiento.

CORNEJO: DE QUITO A SEATTLE, IDA Y VUELTA. Como coreógrafo invitado de BQdanza, Pablo Cornejo participa con la pieza “Todo para mí fuenoche o relámpago”. Cornejo es quiteño y lleva 20 años como coreógrafo.

Vive en Seattle desde 1998, donde fundó la compañía LOCATE performance group con el socioy colaborador Paige Barnes. En 2003, Locate con tres compañías locales fundan un nuevo estu-dio de la danza, “Open Flight Studio”, que sirve como su hogar creativo. Cornejo ha sido comi-sionado para hacer coreografías para varios grupos y programas de Seattle: Cornish College ofArts, Velocity Dance Center: Bridge Project y Strictly Seattle, d9 dance colective, entre otros.Ganó el premio del North West New Works Festival en 2002. Como ejecutante, Cornejo ha bai-lado con: Lingo Dance Theatre en Seattle; “Retazos” en Cuba; el ballet Novo, y la CompañíaNacional de Danza en Ecuador.

ARTISTAS MULTIDISCIPLINARIOS EN ESCENABQdanza presenta en su montaje para Alas de la danza, a varios artistas de diversas corrientesdisciplinarias. Algunos de ellos son: Cholula siglo veintiuno, músicos experimentales de Puebla,México, que han musicalizado la pieza “Cuando tú te hayas ido”, Jeff Bravermann, artista norte-americano que realiza fotoperiodismo y foto artística que ha dirigido el video de la pieza “TheBox”; Fritz Boonzaier, diseñador industrial y videoasta sudafricano de la muestra “Flipeografía”.Hace grandes proyectos de artes performáticas, y colabora permanentemente con BQdanza.Amy Denio, musicalizadora de “Loud Omission” ha creado música también para teatro y cine, yha ganado importantes premios profesionales.

Se suman a estos artistas, el núcleo de BQdanza: Hendri Walujo, que ha trabajado con elBrookhaven Dance Theatre en Dallas; Carlee Klingerbeck, que está en su quinta temporada conel grupo; Sruti Desai, es sicóloga y académica de estudios de género y latín y Katy Sullivan, quienademás de bailarina es trabajadora social con niños.

Cierra la amalgama artística que trae BQdanza, la artista plástica quiteña Paula Barragán, crea-dora de los dibujos de la pieza “Loud Omission”. Su obra es extensa, y su experiencia como dibu-jante, pintora y grabadora es intensa. Ha realizado numerosas exposiciones individuales, y hapublicado varios libros para niños.

“Candidato presidencial” dibujo de Paula Barragán tal como aparece en la obra “Loud Omission”. Foto cortesía de la artista.

MANUIO GYE

QUITO • GUAYAQUIL • MANTA

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Por Magaly Espinoza

La entrada de los guerrilleros barbudos a LaHabana en 1959, establece un antes y un des-pués en la cultura cubana. La Revolución, apo-yada en sus victorias frente a un ejército hiper-armado, establece una predica rica en consig-nas que tocan muy hondo la conciencia cívicadel cubano, harto de la corrupción administra-tiva y de las abismales diferencias sociales.

Los drásticos cambios económicos y socialesse hacen acompañar de transformaciones en elmundo de las artes y de la cultura en general,

pero esta última tiene su resorte más importan-te en la masificación de la educación pública, lacual se traduce en un aumento significativo delnúmero de lectores.

De manera paralela, la danza contemporánea, elballet clásico, el teatro, las artes visuales y la grá-fica ganan los espacios rurales y urbanos, mien-tras que la experimentación acompaña la músi-ca popular o culta, el deporte y la atención a lasalud se socializan. La fundación del ICAIC(Instituto Cubano de Arte e Industria Cinemato-gráfico) es uno de los primeros pasos del gobier-no revolucionario, preocupado constantemente

por el manejo de los medios, colocándose alfrente del organismo al intelectual AlfredoGuevara, con suficiente cultura y entrega paramotivar un ambiente creativo y coherente. JulioGarcía Espinosa, cineasta y miembro fundadorde la entidad, hace las siguientes observacionesen uno de sus textos; “…a la primera generaciónde creadores, se le puede llamar generaciónfundacional. Esa generación asumió que el cineera un arte, que nuestra herencia era nuestracultura, que nuestro destino no era el RealismoSocialista sino el Nuevo Cine Latinoamericano yCaribeño, que, para el arte, la visión política de lavida no podía estar escindida del talento artísti-co, que ese espacio y ese tiempo no era para losoportunistas ni de los mediocres, que la diversi-dad de tendencias era imprescindible para eldesarrollo de todos…”

Aunque el ICAIC siempre ha logrado mante-nerse como una especie de feudo creativo, yaen un temprano 1961, hubo de enfrentar cen-suras, fricciones internas y separaciones, loque demostraba que la “diversidad de tenden-cias” era relativa y sus límites no lo establece-ría nunca el propio organismo en sí. Otras cri-sis se han dado con mayor o menor intensidaddurante toda su existencia, sin embargo elmayor aporte lo constituyó, el desarrollo de lainfraestructura industrial y la ampliación de losreferentes de otras cinematografías internacio-nales, eliminando el tutelaje hollywoodense,aspecto que sumado al aumento del grado deescolarización de la población, logró que elpúblico cubano se hiciera más exigente con laproducción nacional, buscando su imaginariomás cercano en el cine durante este primer

periodo. Nombres como los de Sara Gómez,Jorge Herrera, Manuel Octavio Gómez, OscarValdez, Tomás Gutiérrez Alea, Humberto Solásy Santiago Álvarez entre otros, están indisolu-blemente ligados a la creación del mejor cine yla documentalista cubana e internacional, figu-rando en catálogos, muestras y archivos fílmi-cos del mundo. Desde inicios de los años 60hasta mediados de los 80 -periodo que abar-ca la producción de los filmes de la muestra-se logró un número significativo de cortome-trajes, largometrajes y documentales que mez-claban arte, ideología y propaganda. De mane-ra general, se impuso el criterio de concebirentretenimiento y reflexión desde diferentesópticas y enfoques.

Por ejemplo, Las doce sillas, del directorTomas G. Alea, es la primera comedia satíricaque hace referencia a personajes-tipos de estaetapa de la Revolución, con el uso de la ironíay excelentes gags, es crítica con el propio sis-tema. Mientras que, Las aventuras de JuanQuinquín, de García Espinosa, se inscribe den-tro de un cine que toma de la propia herenciadel cine, para armar una historia de aventuras,rescatando el género sin parodiarlo e insertán-dose dentro de la épica revolucionaria.

Las otras tres películas, pertenecientes al direc-tor Humberto Solás, están referidas de algunamanera, a un tiempo histórico pasado. En elcaso de Cecilia, se realiza una lectura muyespecial de la literatura desde el cine, enrique-ciéndola creativamente con nuevos maticessimbólicos, novedosos dentro de nuestra cine-matografía, mientras que en “Amada” tambiéncon base literaria, se hace una alegoría alestancamiento de la sociedad cubana, visto através del comportamiento de una mujer desociedad, insistiendo en un rebuscado forma-lismo. En otro sentido, Un hombre de éxito,con métodos más cercanos a un cine comer-cial, esboza sin embargo, un comportamientosocial que comienza a hacerse evidente amediados de la década de los años 80 enCuba. En la calle, las acciones plásticas inspi-radas en el imaginario popular y la experimen-tación del arte internacional, eran iniciabas poruna generación de creadores iconoclastas queestablecerían los sedimentos de una nuevamemoria social y una actitud frente al arte.

INCINE PRESENTA…

El instituto Superior Tecnológico de Cine yActuación estrena a partir de este mes los tra-bajos de cortometraje realizados por sus alum-nos. Los cortos se podrán ver en OCHOYMEDIOcada fín de semana, en las funciones de las18:30 y 19:00 en las dos salas. En este mes laspelículas a estrenarse son: El celofán verde deGonzalo Estupiñán, desde el 13 al 15 de abril,Respira, de Alegría Albán, desde el 20 al 22 deabril; y Nebel de Jorge Fegan desde el 27 al 29de abril. Cada mes se irán estrenando más tra-bajos de los estudiantes. Adicionalmente, el 4de abril en Quito, y el 5 de abril en Guayaquil,se presentarán todos los 16 trabajos que for-man parte de este proyecto. Estos cortometra-jes pertenecen a alumnos del tercer semestrede las carreras de realización cinematográfica yactuación. Cada corto se proyectará antes dellargometraje de cartelera.

INFERNAL AFFAIRES

Que Hollywood escoja películas de otros paí-ses para adaptarlas al formato americano ytapar así la falta de talento de su industria no esnuevo. Lo que sí que es nuevo es que lo hagabien, incluso mejor que el filme original. Lanueva ganadora del Oscar, Los infiltrados,tiene fuente directa en la trilogía hecha enHong-Kong dirigida por Wai Keung Lau y SiuFai Mak, llamada Infernal Affaires. La trilogíapasó con bastante oscuridad en el mundo,aunque fue un gran éxito en Hong-Kong, sobretodo por las actuaciones de Tony Leung. Hoyque Los infiltrados ha pasado a la total cele-bridad, presentamos la trilogía original, idealpara los amantes de las fuertes emociones dela acción asiática. Nota curiosa: WilliamMonaham adaptó el guión de Los infiltradossin haber visto la película, con una traduccióndirecta del guión en chino, y Scorsese hizo lopropio antes de dirigirla.

VUELVE EL OJO DEL MAAC

El ojo del MAAC es la programación gratuita delos jueves en la tarde que el MAAC CINE ofre-ce a todo el público, especialmente a los estu-diantes. A partir del mes de mayo, El ojo delMAAC volverá con sus muestras temáticas,que son programadas por Billy Navarrete. Eneste mes de abril, ofrecemos la gratuidad todoslos jueves a las 16:30 con películas comoIntervención divina, El color de los olivos, y–en presentación especial– La cuarta guerramundial, documental de Jacqueline Soohen yRichard Rowley donde se procura un nuevoorden mundial a través de la resistencia a laguerra y la globalización. La película ha sidogentilmente cedida por la CorporaciónCinememoria.

LA GENTE PREGUNTAPOR QUÉ TAN LEJOS

Extraño el caso de la película ecuatoriana Quétan lejos: estuvo una eternidad en cartelera enlos cines comerciales (más de tres meses) y ennuestras funciones de cada lunes, la gentesigue llenando la sala. Si, hay quienes la hanvisto más de una vez, pero cada vez vienegente nueva, que reserva las entradas con anti-cipación, pregunta por teléfono o en persona sihabrá una nueva temporada, que recomiendala película a su gente. Es un prodigio.

El maestro Claude Bailblé dicta este mes elseminario “Escenogragía de la imagen y delsonido”, destinado a profesionales del cine yegresados de escuelas de cine. En OCHOYMEDIOdará una conferencia el lunes 9 de abril a las18:15. Bailblé es conferencista de la Univer-sidad de París, la FEMIS, y varias otras escue-las de cine de Francia, Bélgica y Cuba.

BUSQUE EN www.ochoymedio.net LOS LUGARES DONDEPODRÁ ENCONTRAR ESTE PERIÓDICO EN QUITO YGUAYAQUIL.

FICHERO

INVITADO

LAS AVENTURAS DE UNA SILLA

Fragmento del afiche de Las doce sillas de Tomás Gutiérrez Alea. Foto cortesía ICAIC.

La fundación del ICAIC es uno delos primeros pasos del gobiernorevolucionario, preocupadoconstantemente por el manejo de losmedios, colocándose al frente delorganismo al intelectual AlfredoGuevara, con suficiente cultura yentrega para motivar un ambientecreativo y coherente.

Cuando era niña y vivía en Mongolia, su país denacimiento y residencia hasta la juventud, la rea-lizadora Byambasuren Davaa vió en televisiónuna historia que ilustraba antiguas tradicionesde los nómadas y en la cual era mostrado unviejo rito: hacer llorar a un camello tocando unviolín. Años más tarde, mientras estudiaba en laEscuela de Cine de Munich, le contó la historiaa un compañero, y ambos decidieron que sutrabajo de graduación sería la ilustración delhecho en un “documental narrativo”, historia amedio camino entre el documental y la ficción.Concebido en sus orígenes como un materialtelevisivo, que tendría una hora de duración, Lahistoria del camello que llora terminó alcan-zando los 90 minutos y es un verdadero prodi-gio de producción (que incluyó hacer la filmaciónen marzo, época de parto de las camellas),puesto que los 35 días de rodaje propuestos sevieron reducidos a apenas 23 debido a las con-diciones de mal tiempo (frío y tormentas depolvo). Sólo un muy intenso trabajo de prepro-ducción, una línea argumental sencilla, clara yllevada con rigor durante las filmaciones (parapermitir integrar los momentos de espontanei-dad, improvisaciones y casualidades), hizo posi-

ble el resultado de esta asombrosa película. Lahistoria narrada en la película es la de Botok,camello recién nacido que se ve rechazado porla madre, Ingen Temee, que se niega a ama-mantarlo. No hay que decir que, para una fami-lia de pastores nómadas, el hecho se trata deun acontecimiento cercano a la tragedia, pueses seguro que la cría va a morir si no se le ali-menta. Por tal motivo, vemos a la familia tratarde alimentarlo a la fuerza y finalmente, luego dehaberlo consultado con el lama, recurrir a lasolución ancestral: encontrar a alguien quepueda tocar la música ritual de violín que trans-forme a la madre.

La historia del camello que llora ofrece algomás que una anécdota surgida de la vida deuna familia de pastores mongoles. De hecho elfilme da cuenta de la existencia de un rincónajeno a la ola consumista, mediática, tecnoló-gica, globalizadora, quizás una suerte de pana-cea para quienes se sienten agotados, satura-dos, alienados por la vorágine occidental,urbana y conectada. Junto con esta cinta, sepresenta también el segundo trabajo de la rea-lizadora: La cueva del perro amarillo.

LA HISTORA DEL CAMELLO QUE LLORAUNA PELÍCULA DE MONGOLIA QUE MUESTRA LA EXISTENCIA DE UN MUNDODIFERENTE Y DESCONOCIDO.

VITRINA DIGITAL

En una tierra sin fronteras, en las mesetas de Mongolia, en el desierto de Gobi que significa “tierra dura que no perdona”, unacamella rechaza a su hijo luego de un parto doloroso. Foto distribuida por The Think Film Company.

EL ICAIC –LA AUTORIDAD FÍLMICA CUBANA– HA LOGRADO MANTENERSE COMO UNAESPECIE DE FEUDO CREATIVO. CINCO PELÍCULAS CLÁSICAS CUBANAS PRESENTAMOSESTE MES EN OCHOYMEDIO.

UIO

UIO GYE

Por Christian León

Hace unos meses, la revista El amante (N° 173)puso en debate un tema candente: la crisis delconcepto de autor en el cine. Una cadena dee-mails publicados, divulgó la discusión internaque los redactores de la revista manteníansobre el tema.

Para sorpresa de los propios debatientes, exis-tía un consenso sobre el triste destino de lateoría de autor en la actualidad. Cosa que nome llama la atención. Pienso que la categoríade “autor” está profundamente agotada, aúncuando a realizadores, críticos, programadoresy exhibidores nos resulta difícil deshacernosde ella. Finalmente es cómoda y comercial.Esta discusión actualiza una serie de cambiosque se han venido produciendo en las últimasdécadas, que han afectado profundamente lamanera en que valoramos y concebimos elcine.

La categoría de “auteur”, puesta en circulaciónen los años cincuenta por la revista francesaCahiers du Cinéma, fue una estrategia de lec-tura para conceder al cine un prestigio quecomo fenómeno de masas no tenía. Gracias ala figura del autor, el cine pasó a concebirsecomo una de las bellas artes. Se incorporó a laalta cultura constituida bajo los principios de laoriginalidad renacentista y del genio individualdel romanticismo. Este concepto tuvo fortunadurante las décadas del sesenta y setenta y sepropagó por el mundo entero. Sin embargodesde los años ochenta fue puesto en crisispor la cultura posmoderna, las nuevas tecnolo-gías de la comunicación, la crisis del eurocen-trismo y la teoría fílmica contemporánea.

La cultura posmoderna cuestionó todos losvalores de la ilustración. La idea de un sujetocreador se mostró ilusoria. En su lugar quedóun ser condicionado por la historia y determi-nado por las estructuras lingüísticas, sociales yculturales. La figura del cineasta, creador libre yautor de una obra original, fue sustituida por lade agente que trabaja con discursos, institu-ciones sociales, y prácticas culturales. Buñuel

no es Buñuel, es el pueblo de Calanda, es sucatolicismo y la crítica que lo encumbró.

Las nuevas tecnologías permitieron la circula-ción de imágenes electrónicas y digitales (fáci-les de transferir, copiar y citar). El principio depropiedad y autoridad sobre la imagen sederrumbó, mientras los códigos audiovisualesse multiplicaron. El cine se transformó en un

lenguaje impuro, sublime mezcla de TV, video-juego, ordenador e hipertexto. El autor devinocoleccionista de citas y estilos. Lugar de tránsi-to y flujo de imágenes, nunca más su fuente deorigen. Esto explica la contemporaneidad deun Tarantino.

La crítica al eurocentrismo finalmente llegó alcine. No sin razón, las últimas décadas han

sido caracterizadas por la irrupción de los cinesperiféricos, sean estos asiáticos, africanos o decualquier región del Tercer Mundo. Gracias aeste descentramiento geográfico, se hizo evi-dente que el cine moderno y su política deautor no es más que otra cara del eurocentris-mo. Me gusta pensar que Abbas Kiarostamiencontró, más que un estilo, una manera sin-gular de hacer cine más allá de occidente.

Finalmente, dentro de la teoría fílmica se pro-duce el llamado “giro cultural”. El enfoque pasóde la producción fílmica hacia la recepción. Dela obra cinematográfica hacia los marcos insti-tucionales y culturales que la validan. El análisisse desplazó desde las “políticas de autor”hacia las “políticas de la representación”. Delos Cahiers du Cinéma a la revista Screen. Losestudios feministas, la teoría queer y críticaposcolonial terminan de liquidar al individuocreador para hablar de perspectivas de enun-ciación, localizadas y colectivas.

Quizás es hora de decir adiós al paradigmadel autor, aunque nos cueste. O cuandomenos entenderlo en su pura contingencia yrelatividad. Como dice Leonardo M. D’Espósito en la revista El amante: “...la teoríade autor es al cine lo que la teoría newtonea-na de la gravedad es a la física. Deberíamosbuscar nuestro equivalente a la relatividad ola teoría cuántica”.

QUITO • GUAYAQUIL • MANTA

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Por Marcelo Báez Meza

Nadie debe olvidar que el bajito pelirrojo AllanStewart Konigsberg (1935), alias Woody Allen,fue durante los inicios de su carrera un escritorde chistes para programas de televisión y uncómico de cabaret (Stand Up Comediant).¿Qué se puede decir de este humorista judíoque no se haya dicho ya? Que es un clarinetis-ta autodidacta, que intentó cursar estudios uni-versitarios y que fue expulsado de varios cen-tros académicos. En resumen, el primer Woodyes un humorista clásico, capaz de morisquetas,muecas y cierto lenguaje corporal tomado deBuster Keaton y un estilo oral a lo Bob Hope ylos hermanos Marx.

¿Cómo abordar al primer Allen? Sus primeraspelículas mostraron una postura contracultural,con un sarcasmo cáustico demasiado directo.Antes de pasarse al lado oscuro (filmes consaludables influencias de Bergman y Fellini), sededicó a las ocurrencias que oscilaban entre lagenialidad y lo típico, la hipérbole y lo kitsch.

Después de escribir para algunos shows cómi-cos televisivos y recitales de chistes contadosfrente a grandes audiencias, su salto al cine seda con roles secundarios en la parodia deJames Bond, Casino Royale (1967) y la come-dia de enredos eróticos What’s New,Pussycat? (1965). Esta última, por ser su pri-mer guión original para la pantalla grande, lesirve de plataforma para dirigir sus primeraspelículas: What’s Up Tiger Lily? (1966), Tomael dinero y huye (1969) y Bananas (1971), queno son más que una serie de gags visuales yverbales que no tienen una imbricación visible.De hecho, Toma el dinero y huye fue descritapor Vincent Canby del New York Times como“un monólogo de club nocturno, una carpetade hojas intercambiables: se tiene la sensaciónde que muchas escenas, e incluso bobinasenteras, podrían cambiarse de lugar sin queello produjera apenas una diferencia en elimpacto global”.

El pobre de Woody tuvo que aprender drama-turgia en el camino, ya que durante sus prime-

ros filmes se nota que hay poca consistenciaen el ensamblaje de la trama. Esta carencia seve compensada por el inteligente remiendo degags que suceden de manera vertiginosa,como si se tratara de un vaudeville. Para disi-mular un poco su falta de experiencia constru-yendo historias, Allen usa en sus primeros fil-mes guionistas profesionales como apoyo, nosiempre acreditados. De ahí que la firma de los

guiones es compartida con Marshall Brickmanen El dormilón (1973), la oscarizada AnnieHall (1977) y Manhattan (1979), y con MickeyRose en Toma el dinero y huye y Bananas.

La que merece un pequeño comentario es suópera prima (la insólita What’s Up Tiger Lily?),locura intertextual, parodia de los filmes deespionaje, que inserta imágenes de una pelícu-

la japonesa ya existente, se le añaden diálogosa través de la técnica del doblaje, nuevas imá-genes y una trama totalmente diferente. Ahorasí recorramos brevemente algunos ejemplos deese humor disparatado de los primeros filmesdel director neoyorkino. En Love and Death(1975), distribuida en español como La últimanoche de Boris Grushenko, un hombre al quehan matado de un tiro se aparece a sus másallegados para resumir el argumento y hacerbromas; Toma el dinero y huye, el atracador,interpretado por ya saben quién, no puedeescribir una nota legible para el cajero de unbanco que no sabe que lo están asaltando; enEl dormilón, el maquillaje de Allen es el de unmimo (por más que quieran hacerlo aparecercomo un robot), lo cual lo acerca más a lasslapsitck comedies del cine mudo; en Bananasse disfraza de Fidel Castro; en uno de los cor-tometrajes Todo lo que usted quiso sabersobre sexo y no se atrevía a preguntar(1972) un pecho gigante atemoriza a una mul-titud.

¿Por qué este cine de humor disparatado se vedesplazado a fines de los setenta? La respues-ta es aparentemente sencilla. El artista crecióintelectualmente, maduró, se independizó de laStand Up Comedy, se rodeó de mejores lectu-ras y experiencias que se ven reflejadas enInteriores (1978), el gran punto de giro de sucarrera. Se trata de su primer guión redactadoíntegramente por él y su primera incursión en eldrama. Luego vino su canto de amor a NuevaYork con Manhattan y una treintena de filmesmás (uno por año es su ritmo de producción).Pero ese es tema para otro artículo.

INVITADO

Paul Gégauff y su esposa Danielle en una rara aparición de la pareja en el clásico de la nueva ola francesa, Une partie de ple-sir (1975) de Claude Chabrol. El director fue uno de los ideólogos de la “teoría del autor”. Foto distribuida por Cinefrance.

Un cómic llamado “Inside Woody Allen” que apareció entre 1976 y 1984 en varios periódicos norteamericanos, dibujado porJohn Marthen. Las caricaturas con frecuencia se mofaban del cambio del cine de Allen hacia un cine más serio. Cortesía deBarnacle Press.

FUERA DE CAMPOAdiós al cine de autorHACE CINCUENTA AÑOS, UN GRUPO DE CRÍTICOS DEVENIDOS EN CINEAS-TAS, PUBLICÓ SU TEORÍA DE AUTOR. HOY, ES OBSOLETA.

La cultura posmoderna cuestionótodos los valores de la ilustración.La idea de un sujeto creador semostró ilusoria. En su lugar quedóun ser condicionado por la historiay determinado por las estructuraslingüísticas, sociales y culturales.

Toma el dinero y huye fue descritapor Vincent Canby del New YorkTimes como “un monólogo de clubnocturno, una carpeta de hojasintercambiables: se tiene lasensación de que muchas escenas,e incluso bobinas enteras, podríancambiarse de lugar sin que elloprodujera apenas una diferenciaen el impacto global”.

UIO GYETODO LO QUE USTED QUISO SABERSOBRE EL PRIMER WOODY ALLENY NO SE ATREVÍA A PREGUNTAR

AQUELLAS COMEDIAS DISPARATA-DAS, ESOS PRIMEROS FILMES DENUEVAYORKINO, SE PUEDEN VERESTE MES EN OCHOYMEDIO.

PROGRAMACIÓN DE ABRIL OCHOYMEDIOEsta programación podría sufrir cambios de última hora

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PRECIOS:De Lunes a Miércoles: General $3.00;Estudiantes y Discapacitados: $2.00; Tercera edad: $1.50

De Jueves a Domingo: General $4.00;Estudiantes y Discapacitados: $3.00; Tercera edad: $2.00

* en hebreo y árabe con subtítulos en inglés ** en italiano con subtítulos en italiano

Esas no son penas

Paraíso ahora

Cuba son

Alas de la Danza 10: BQdanza

Etha Dam (danza hip-hop)

Una verdad incómoda

Qué tan lejos

Volver

Los edukadores

Babel

Los niños del hombre

Festival AMBULART

Festival PLANETA AZUL

El color de los olivos

Intervención divina

Crónica de una desaparición *

La cueva del perro amarillo

La historia del camello que llora

Oldboy

Infernal Affaires

Infernal Affaires II

Infernal Affaires III

Desobediencia

51st Birch Street

Venganza por uno de mis ojos

El inmortal

Presentación EDOC 2007

Pégale candela

Cecilia

Las aventuras de Juan Quinquín

Un hombre de éxito

Las doce sillas

Amada

El dormilón

Todo lo que usted quiso saber sobre sexo y no se atrevió a preguntar

Bananas

Toma el dinero y huyeLa última noche de

Boris GrushenkoEl conejo cazador

Violación

Tambores en el dique

El complejo de Thérnadier

Un fil à la patte

Inventarios

El tío Vanya

Fedra

Chedi la luna **

Il Giorni Dell’abbandono! **

Le conseguenze dell’amore **

I Piccolo maestri **

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PROGRAMACIÓN DE ABRIL MAAC CINEEsta programación podría sufrir cambios de última hora

PRECIOS:De Lunes a Jueves: General $2.80;Estudiantes: $1.90

De Viernes a Domingo: General $3.80;Estudiantes $1.90

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51st Birch Street

Venganza por uno de mis ojos

El inmortal

Pégale candela

La cuarta guerra mundial

Festival Ambulart

La mujer de al lado

Jules y Jim

El último Metro

Dos inglesas y el amor

La piel suave

El dormilón

Todo lo que usted quiso saber sobre sexo y no se atrevió a preguntar

Toma el dinero y huye

La última noche de Boris Grushenko

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* en hebreo y árabe consubtítulos en inglés

La vida de los otros(Alemania 2006) película ganadoradel Oscar a la mejor películaextranjera. Próximamente.