ENTRECAMARAS 1º TRIMESTRE 2014

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Foto: Jorge Pozuelo

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Revista fotografica 1º trimestre 2014. www.entrecamaras.es

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Editorial

LA SEGUNDA REALIDAD

T oda fotografía parte de una idea, de una inquietud o de un simple deseo del fo-

tógrafo. A partir de ahí, se congela un determinado momento que se separa de lo aparentemente real, creando nuestra “segunda realidad”.En todo este proceso, entran en juego 3 aspectos esenciales. Uno sería el propio deseo o idea del fotó-grafo que le lleva a inmortalizar un instante. El se-gundo, y muy importante, es la sensibilidad del pro-pio fotógrafo: la sensibilidad a la hora de encuadrar, elegir una lente u otra, esperar el momento preciso para el disparo.

Y el último sería la parte tecnológica, donde en-traría desde el resultado propiamente dicho que te da tu equipo fotográfico, hasta los recursos de procesado digital.

Son tres aspectos que, a mi modo de ver, van muy ligados entre ellos y que, alineados poéticamen-te, pueden generar imágenes capaces de hacer mover los cimientos de la sociedad. Recuerdo la

fotografía de Kevin Carter del niño y el buitre. Una imagen icónica que hizo remover concien-cias alertándonos de la hambruna que pasan mu-chos países africanos.

Tenemos que trabajar no solo la parte técnica, sino también nuestra propia sensibilidad hacia todo lo que nos rodea e incluso hacia nosotros mismos. Perdamos el miedo a equivocarnos, ol-vidémonos de buscar la aprobación de los demás y hagamos fotografías para nosotros mismos. Disfrutemos del camino.

Respetemos la profesión y sobre todo hagámo-nos respetar.

jorge pozuelo

Directora: Mónica Munera [email protected] Redacción: David Roch @davidrochwm / Esther Casares @ecasvalen/ Jorge A. Astiaso @jorgearlitt/ Yashira Romo [email protected] / Alfonso Sampedro http:// alfonsosampedro.com / Juan Ollero @juan_ollero / Pascual Serra @neotravis3S / Raquel Temiño @raqueltem / Almudena Plaza [email protected]/ Enrique F. Sicilia [email protected] - @es1973_ / Yolanda Obra [email protected] / Marta Zarzalejos @martazarzalejos / Ges Rules [email protected] / Maria Eugenia Espino [email protected]ón: César Gómez [email protected] / espacio.galleryFoto y diseño de portada: Jorge Pozuelo @jorgepozuelo Publicidad: [email protected]

Edita:Jorge Pozuelo @jorgepozueloFotoaula:C/ Goya, 115 5º planta28029 - [email protected]

Esta revista es una idea original de Escuela de fotografía Fotoaula. Entrecámaras Magazine no se identifica necesariamente con las opiniones y criterios de sus colaboradores, tanto a nivel de redacción como en los mensajes publicitarios. Siendo responsabilidad únicamente de sus autores.

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EDITORIALDÁLMATA

por Fher Pereiro

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EDITORIALFASHIONISTA

por Marta Zarzalejos

ENTREVISTAJAVIER

VALLHONRAT

CONOCEMOS A SOL VÁZQUEZ

HISTORIA DELA FOTOGRAFÍA

DE MODA II

WAR 18-460mmDIAGONALES

CENTENARIAS EN NUESTROS OJOS.

REPORTAJE VIAJESCOLOMBIA

FOTOGRAFÍA DE AUTORRAÍCES

por Sylvie Puillet

Película recomendada 100

Libro recomendado 104

Enlace Facebook 112

Retoque Fácil 118

Píldoras fotográficas 128

Contenido

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Fotografía de autor

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FASHIONISTAModelo: Ana Yanguas

Estilismo: Lucía Villanueva (@TheFashionBrook)Fotografía Marta Zarzalejos

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Fotografía de autorFotografía de autor

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Fotografía de autor

by Marta Zarzalejos

Fotografía de autorFotografía de autorFotografía de autor

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Camisa Blanc Nature+ pantalón Amaya Arzuaga + zapatos SugarMadrid

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Mono Kling+pendientes Agatha+bolso

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DÁLMATA

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Pantalón y jersey Kling+ collar Agatha

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Camisa Arquimedes Llorens+falda Lady Cacahuete+ collar Swarovski+anillo Agatha+ bolso Kling+ zapatos SugarMadrid

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Chaleco SugarMadrid+pantalón Amaya Arzuaga+pulsera Agatha

Fotografía de autor

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Camisa Jennifer Mars+pantalón Amaya Arzuaga+gabardina Kling+ collar Swarovski

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Vestido Amaya Arzuaga+ tocado Ángeles Castro+ collar a modo de pulsera Agatha+zapatos SugarMadrid

Fotografía de autor

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DesamorFotos: Charo Navarro

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Desamor

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Fotografía de autor

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La Vidaen un paso...

Fotos: Ramón Perea.Modelo: Lorena Martínez Rodríguez.Maquillaje: Laura Gayoso Recas

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Fotografía de autor

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Fotografía de autor

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Fotografía de autor

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Fotografía de autor

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Fotografía de autor

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Fotografía de autor

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Fotografía de autor

LaceFotos: Marta zarzalejosModelo: Ana Yanguas

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Lace

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Fotografía de autor

por Marta Zarzalejos

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Fotografía de autor

por Marta Zarzalejos

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Entrevista

En este número, la revista EntreCámaras ha tenido el privilegio de entrevistar a Javier Vallhonrat. Nacido en Madrid y Licenciado en Bellas Artes y Psicología, es uno de los fotógrafos más reconocidos tanto a nivel nacional como internacional. Premio Nacional de Fotografía en 1995, sería imposible detallar los premios, exposiciones y las colecciones en las que se expone su obra. Pero todo tiene un principio…

¿Qué significa para ti la fotografía? ¿Profesión o forma de vida?

Posiblemente, ni lo uno ni lo otro. Me formé en Bellas Artes entendiendo la fotografía ni siquiera como un lenguaje, sino como un medio expresivo susceptible de ser investigado y empleado en multitud

de contextos y de muchas formas. Para mí, significaba la posibilidad de investigar, explorar, expresar... En el ámbito de la creación artística, encontré el espacio para desarrollar al máximo esas potencialidades. Claro que también percibía sus posibilidades profesionales.

¿Recuerdas cuál fue, a nivel profesional, tu primera fotografía o trabajo fotográfico?

Más que a nivel profesional, recuerdo modestos encargos con pobres resultados; me recuerdo llevando a cabo mis primeros experimentos, lleno de entusiasmo y compromiso, buscando una expresión personal. Estaba en Bellas Artes y debía tener unos 22 o 23 años. Realicé una sesión de trabajo con un compañero de clase, una especie

de performance con materiales y movimiento que se transformó en fotografías en blanco y negro que después pinté. Me interesaba mucho la experimentación, la mezcla, los terrenos fronterizos.

¿Has tenido oportunidad de revisar tus primeros trabajos? Desde tu perspectiva actual, ¿qué opinión te merecen?

La mayoría me parecen propios de alguien con poca experiencia, con limitados recursos técnicos, poco conocedor de las posibilidades del medio. Pero a la vez, en algunos veo una fuerza de búsqueda, un potencial de expresión que aflora a la superficie y que es muy interesante en términos de proceso. También me gusta redescubrir, al mirar esos trabajos, unas enormes ganas de experimentar

JavierVallhonrat

Por Esther Casares y David Roch.

Fotos: Jorge Pozuelo

“El interés por la exploración de los mundos interiores me ha acompañado

siempre”

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Foto: Jorge Pozuelo

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y explorar sin importarme los límites del mercado, o de la lógica del medio, o de la tradición, o de lo que era correcto hacer. Estas dimensiones cobran mucha relevancia cuando me aparto de criterios de evaluación o de juicio, cuando no pienso si los resultados eran buenos o malos, sino qué procesos se ponían en marcha, hacia dónde apuntaba o qué puertas se abrían.

¿Cómo cambió tu vida profesional al recibir el Premio Nacional de Fotografía en 1995?

Interpreto que cuando dices “vida profesional” te refieres a mi relación con la fotografía en sentido amplio. Es difícil saber si la forma en que se desarrolló mi vida como artista y como fotógrafo profesional se vio afectada después del Premio Nacional. En el ámbito profesional, ya era muy conocido a nivel internacional, y ahí lo que contaba era la consistencia, la audacia, la pertinencia y la calidad de tu presencia en el medio. En mi trabajo como fotógrafo profesional en el mercado de la moda o la cosmética internacional, mi sensación es que un galardón institucional en aquella época era totalmente irrelevante. Podía ser incluso contraproducente. Creo que muchos profesionales de ese ámbito tan particular, y más el de hace diecinueve años, se extrañaban de que un profesional de prestigio tuviera tiempo de dedicarse a hacer fotos que muchos consideraban raras e inútiles. La introspección o la investigación pura y dura no eran “cool”. Lo serio o lo “profundo”, menos. Lo curioso es que esto lo pensaran creadores de talento y prestigio. Era un mercado muy especializado, hasta la histeria, y a la vez muy ignorante de todo lo que no fuera “cool”. A nivel de mi trabajo como artista, en España influyó relativamente. Muchos actores del entorno del arte, incluso a día de hoy, desconfían mucho de la relación entre galardones e interés o calidad de la obra. Sin embargo, está claro que supone una legitimación muy

importante y un soporte para la difusión de la obra de un artista en el nivel del público general. Yo lo viví con ambivalencia, aunque honrado y agradecido.

¿Y tu vida personal? En el pasado, tuve una dedicación

tan absoluta a mi vida profesional y artística que influyó negativamente en mi vida personal. Eso no lo arregla un Premio así. Si acaso, lo puede empeorar. Ahora me dosifico mejor.

Sin limitarte al ámbito fotográfico,

¿cuáles han sido tus mayores influencias?

La pintura barroca española, los Van der Weyden y los Fra Angélico de El Prado, los Uccello y Botticelli de la Galería de los Uffizi; ver en directo los maestros de las vanguardias europeas, Méliès, Stieglitz, Penn, Kertész, Walker Evans, Paul Outerbridge, Carl André, Hamish Fulton... En fin, muchas y variadas.

Tu aportación a la fotografía es incuestionable, pero a ti personalmente, ¿qué te ha aportado la fotografía?

Es un espacio de exploración único: exploración del mundo exterior, de las experiencias que en él vivimos y de sus potenciales sentidos y significados, exploración de nuestros mundos internos con sus complejidades, paradojas y abismos. Es, sobre todo, un espacio de exploración del universo del lenguaje, entendido como entidad a título propio. Me interesa el lenguaje

como bisagra entre los mundos interno y externo, pero también como entidad, como realidad. Todo esto lo exploro con la fotografía, para mí es un medio privilegiado.

Desde hace unos años, estás completamente volcado en tus proyectos personales, desvinculándote del ámbito de la fotografía de moda. ¿Crees que en tu caso, para crecer como artista, era necesario un “cambio de ciclo”?

Sin duda. La decisión fue llegando poco a poco, aunque el deseo estaba ahí desde hacía tiempo. Es muy difícil tenerlo claro en pleno éxito, pero me ayudó la intensidad del deseo de tener tiempo para mis relaciones personales, afectivas y para mis proyectos personales. Además, no me gusta nada el “ruido” del famoseo y el frivoleo, ni los fuegos artificiales, y eso lo facilitó todo.

¿En algún momento has sentido vértigo por esa decisión?

Sí, claro. Sobre todo a nivel económico. Lo de irte apartando y permitir voluntariamente que se olviden de ti a nivel profesional lo tenía algo más asumido, aunque no ha sido fácil.

Además de volcarte en tus proyectos personales, has tenido tiempo para licenciarte en Psicología y formarte como psicoterapeuta humanista y gestáltico. ¿Tu experiencia como fotógrafo te ha impulsado a profundizar en el conocimiento del hombre y su experiencia, o este interés por la psicología te ha acompañado siempre?

Ya en Bellas Artes, todos los temas ligados a percepción, representación y realidad me fascinaban. También estudié algo de Psicología del Desarrollo. Por otro lado, como artista estaba totalmente volcado al mundo de la sensación, de las imágenes internas, de las emociones y de su expresión. El interés por la

Entrevista

“La parte creativa de la

fotografía es tan grande como lo

sea la creatividad de quien maneja

la cámara…”

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exploración de los mundos interiores, y sé que esta denominación es muy inespecífica, me ha acompañado siempre. Mi decisión de comenzar con casi cincuenta años un segundo ciclo formativo, centrando mi interés en distintos aspectos de la psique humana, está ligada a crisis y cuestionamientos personales.

En otras entrevistas, has comentado: “La realidad es un lenguaje y, en el momento en que comunicamos esa realidad a través de la fotografía, la estamos transfigurando y convirtiendo en otra cosa. Ni la cámara ni la mirada fotográfica son neutras”. ¿Podrías explicarnos cómo es la mirada fotográfica de Javier Vallhonrat en la actualidad?

Creo que nos meteríamos en una buena. Es un jardín complicado, más bien una selva; aunque, en las respuestas anteriores, creo que voy comentando parcialmente aspectos de esta pregunta. Por simplificar, diría que cada vez me interesan más las especificidades, intraducibilidades, fricciones, paradojas y universos de experiencia y de metáfora que se despliegan cuando intentamos traducir experiencia externa e interna a lenguaje.

¿Y qué realidad has querido transmitir a través de tu último proyecto, 42ºN?

Más o menos eso. Experiencias internas y externas, universos de conocimiento, experiencia y sentido propiciados por la alta montaña, convirtiéndose en lenguaje.

Hablemos de creatividad. Henri Cartier-Bresson dijo, en una entrevista: “La parte creativa de una fotografía es pequeña. Un pintor elabora, un escritor también, pero el fotógrafo que capta el momento, no tiene margen para la creatividad, ocurre algo, lo ve y lo capta”. ¿Cuál es tu opinión al respecto?

La parte creativa de la fotografía es

tan grande como lo sea la creatividad de quien maneja la cámara o las técnicas fotográficas. La fotografía es muchas cosas, pero puedo entenderla como un conjunto de procedimientos e instrumentos circunscritos a un ámbito de relación con eso que llamamos realidad. Hablar de realidad es en sí todo un reto. Por tanto, la fotografía en sí misma ni es creativa ni deja de serlo. Por otro lado, no sé lo que es captar el momento, no sé a qué se refiere la frase, sea quien sea quien la haya dicho. Momento, ver, captar, ocurren cosas... son palabras que apuntan a conceptos muy complejos, resbaladizos. Resumirlos en frases pequeñas me parece arriesgado. Creo que en un momento ocurren infinitos fenómenos, que abren

infinitas posibilidades perceptivas y, por tanto, expresivas. En fin, no sé en qué contexto dijo eso Cartier-Bresson, a quien respeto profundamente como fotógrafo. Habría que comprender a qué se refería, de qué hablaba. Seguramente, encontraríamos espacios de común interés.

¿En qué consiste para ti el proceso creativo?

En realidad, lo percibo como una multiplicidad de procesos imbricados, interactuando. Me permite ampliar mi mirada, mis recursos, para relacionarme con mi experiencia interior, con el exterior y con el lenguaje que conecta ambas experiencias y que, en realidad, constituye el trabajo fotográfico mismo. Busco ampliar y, a la vez, concretar nuevos criterios de búsqueda. Me permite todo esto: ampliar, precisar, agilizar, conectar... Al final, el proceso creativo se despliega en acciones, en producciones, en cosas,

en frases, en fotografías. Deja rastros con capacidad o carga metafórica. Nos permite rastrear su existencia.

Hablas de la experiencia como recompensa… ¿Qué te resulta más gratificante, el proceso de creación o la finalización de un proyecto?

Ambas cosas. Creo que, con el tiempo, he ido focalizando mi atención en lo que va sucediendo, en el proceso. El resultado que se muestra es como un residuo del proceso, o una puerta de acceso al proceso.

Muchas personas creen que la creatividad se tiene o no se tiene, pero desde hace años, tú impartes talleres de creatividad. ¿Consideras entonces que todos podemos ser creativos? Y si es así, ¿cuáles serían los ingredientes básicos a tener en cuenta, para llegar a serlo?

Considero que todos somos creativos, que la creatividad nos constituye. Otra cosa es realizar actividades donde la aplicación de la creatividad sea particularmente deseable, como es nuestro caso. En ese caso, es necesario estar en contacto con nuestros recursos creativos. Algunos de nuestros recursos son la curiosidad, la capacidad de entusiasmarse y sorprenderse, el deseo de jugar, la sensibilidad, la apertura a nuevas situaciones y experiencias y, por encima de todos ellos, el estar en contacto con nuestra intuición. La inteligencia intuitiva está funcionando en nosotros las 24 horas, en todos los seres humanos.

Siempre se ha dicho que los españoles somos muy creativos. Con la experiencia internacional que acumulas, ¿crees que es real o un simple tópico?

En España, la gente puede ser muy espontánea, pero también tener mucho pudor a la hora de expresarse en público. A nivel educacional, estamos muy atrás de otros países de

Entrevista

“Considero que todos somos

creativos, que la creatividad

nos constituye”

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Entrevista

Foto: Jorge Pozuelo.

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nuestro entorno socioeconómico.

Desde tu perspectiva, ¿qué fotógrafo/os consideras actualmente referente/s de creatividad?

Mis referentes son más generales; incluyen criterios de creatividad, de potencia, coherencia, riesgo, calidad... Citaría artistas que trabajan con diferentes medios: Thierry de Cordier, Sonja Braas, James Casebere, Tacita Dean, Olafur Eliasson. Es una selección muy sesgada, son artistas que exploran su relación con procesos naturales a diferentes niveles.

Como experto en el campo de la fotografía y a la vez en el de la psicología y la psicoterapia, ¿crees que hay características, o rasgos de personalidad, que facilitan el camino para llegar a ser un buen fotógrafo?

No soy muy amigo de hablar de predisposiciones basadas en rasgos de la personalidad como factores facilitadores. La fotografía puede ser una herramienta fabulosa para una persona meticulosa y rigurosa hasta la extenuación, pero también en manos de alguien caótico e impredecible. No hay unos rasgos mejores que otros, sino constelaciones, combinaciones únicas y a veces inesperadas que, en interacción con acontecimientos relevantes y con entornos facilitadores, pueden augurar un recorrido exitoso en la fotografía. Es la acumulación y la interacción de numerosos factores lo que configura un marco facilitador o dificultador. Cuando estudiaba la carrera de Psicología, me preocupaba ver cómo se elaboraban “fórmulas” que buscaban predecir quién parecía tener más papeletas en la lotería de la vida para ser buen artista. Esto conducía a elaborar fórmulas o profecías que podían afectar muy negativamente a muchas personas. Sin embargo, es innegable que existen factores, como la curiosidad, la apertura a nuevas experiencias o la divergencia

cognitiva, que parecen predecir un mejor comportamiento creativo. Conocer el significado de esos factores no me parece inadecuado, pero suelen acabar siendo utilizados de manera sesgada en enfoques reductivos que no conducen a buen puerto.

Parece que el silencio, la pausa y la quietud son importantes para ti. ¿Qué significado das a estos conceptos? ¿Los consideras importantes en el proceso de creación?

En mi caso, sí. Para mí, ha sido importante ir silenciando el ruido mental y dejar sitio a experiencias más sutiles, tal vez de apariencia menos espectacular. En mi proceso, lo pequeño, el juego, el azar y el

error han encontrando espacio al lado de la bombillita que se enciende o del “eureka, lo encontré”.

También has comentado que cogemos la cámara de fotos cuando “algo nos pasa por dentro”. ¿Has tenido alguna vez esos vacíos en los que nada pasa, nada te inspira? Y si es así, ¿cómo has salido de ahí?

Sí, claro. Pero creo que no es tanto porque “nada pasa”, porque todo el tiempo pasan cosas por dentro y por fuera, sino que no estamos sintonizados con la observación, con el juego, con la expresión... También creo que es bueno recodar que no siempre estamos en ciclos productivos, que hay inviernos y que estos son necesarios, que hay

períodos en que uno necesita ser cuidado, estar en puerto seguro o taparse la cabeza con la manta y descansar. La tolerancia hacia estos estados es positiva. En creatividad, “hacer nada” es un tiempo productivo, aunque lo más seguro es que no veamos los frutos de forma inmediata. No es tiempo perdido porque pasar tiempo perdido es vivir tiempo creativo. En una sociedad ultrarrápida como la nuestra, que nos exige resultados ya y siempre, todo esto parece que va a contracorriente.

En el momento en el que te encuentras de tu carrera y de tu vida, ¿qué te inspira para seguir creando?

Fijarme en lo pequeño, lo inacabado, jugar, trabajar con los errores, dejarme sorprender, interesarme en explorar lo que parece que no vale. Todo esto me inquieta, me parece un riesgo, lo asumo como un reto personal.

¿En qué estás inmerso en este momento?

Dirijo talleres de creatividad aplicados a la producción de obra fotográfica y trabajo en un proyecto a largo plazo que mostrará en 2015 el MUN de Pamplona. Para este proyecto, de título Interacciones, utilizo el territorio de la alta montaña para hablar de cómo nos relacionamos con las nociones de control e incertidumbre.

¿Qué papel te gustaría que jugara la fotografía en la sociedad actual? ¿Coincide con el que realmente tiene?

Creo que la sociedad actual, en términos muy generales, genera dinámicas de consumir rápido y de estar siempre excitados. Esto influye muy negativamente en mucha gente que se acerca a la fotografía buscando el efecto inmediato o la espectacularidad. Nos venden la idea trágica de que no hay tiempo para otra cosa, o de que cualquier cosa que no sea excitante o espectacular

Para mí, ha sido importante ir silenciando

el ruido mental y dejar sitio a experiencias más sutiles…”

Entrevista

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Entrevista

Serie Cajas. 1995 © Javier Vallhonrat.

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Harpers Bazaar. © Gonzalo Machado.

Entrevista

“Es bueno recodar que no siempre

estamos en ciclos productivos, que hay inviernos y que estos son necesarios”

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no vale nada.

¿Opinas que un fotógrafo tiene una responsabilidad especial a la hora de comunicar la realidad, a través de su obra?

En la medida en que un fotógrafo adquiere visibilidad pública, e Internet ya nos da esa oportunidad a todos, adquiere responsabilidad. Creo importante observar la realidad externa e interna, tomar partido, intentar proponer crecimiento hacia una existencia con más sentido... La obra debería estar teñida de estas intenciones.

¿Cómo ves el panorama actual para desarrollar una carrera fotográfica en España?

No estoy seguro de que mi visión sea objetiva. Percibo pros y contras. La actual democratización de la fotografía y la facilidad para utilizar herramientas e información especializada, cosas de las que carecíamos totalmente en mi generación, tiene su contrapunto en la enorme competencia y en la presión por hacerse visible que experimenta hoy el que comienza una carrera.

¿Y qué consejos les darías a nuestros lectores que quieren dedicarse al mundo de la fotografía?

Si hablamos no de profesión, sino de crecer en la fotografía, les diría que no empiecen una carrera, sino un camino. Que si pueden, vayan encontrando su voz en el silencio y no a gritos. Y que vale la pena seguir adelante, aunque parezca

que no hay éxito. Si somos sinceros y continuamos trabajando, siempre llegaremos a nosotros mismos, y eso siempre es exitoso.

Sabíamos que entrevistar a Javier Vallhonrat, uno de los grandes, era un auténtico privilegio para cualquier amante de la fotografía. Pero lo que no sabíamos es que, al lado de este

gran artista, íbamos a encontrar a un hombre que es la representación de la coherencia más absoluta con uno mismo. “Cuando mi trabajo dejó de sorprenderme, cuando sorprendía más a mi cliente que a mí mismo, supe que lo tenía que dejar”. Y eso significó, nada más ni nada menos, que abandonar una carrera como fotógrafo de moda, cuando estaba en lo más alto, para centrarse en sus proyectos personales, fuera de los focos, del glamour y de grandes presupuestos.

En una sociedad en la que prima la inmediatez, la mediocridad, el ganar dinero fácil, la fama a costa de lo que sea, en la que, a veces, la ética personal y profesional han perdido todo significado, encontrar personas así nos hace pensar que aún hay esperanza, que aún hay cosas que merecen la pena, como pararnos de vez en cuando y ser capaces de escucharnos a nosotros mismos y encontrar, como dice Javier, nuestra voz en el silencio, porque quién sabe, quizás esa, la que el ruido casi no nos deja oír, sea nuestra voz más auténtica.

“Me inspira lo inacabado, jugar, trabajar con los errores, dejarme

sorprender, interesarme en explorar

lo que parece que no vale”

Entrevista

Foto:Pilar Nieto

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Serie Casas de humo. 2004. © Javier Vallhonrat.

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Entrevista

Serie Acaso. 2001-2003. © Javier Vallhonrat.

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Entrevista

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Sebastiao Salgado es de esos fotógrafos con los que no me importaría sentarme a charlar durante horas para intercambiar ideas, opiniones y conocer sus experiencias. No tanto para hablar propiamente de fotografía: técnica, edición o cómo afronta sus trabajos (probablemente, surgirían

también esos temas). Sino para hablar de la vida, de cómo la entiende; cómo entiende las relaciones humanas y con nuestro entorno, cómo ha puesto la fotografía al servicio de estas ideas y, por supuesto, las experiencias que ha vivido al hacerlo.Salgado dedicó ocho años a Génesis,

un proyecto fotográfico con el que, en un principio, pretendía denunciar la desaparición de espacios únicos de nuestro planeta, tras varias décadas de trabajo dedicadas a documentar las transformaciones demográficas y culturales. Sin embargo, cuando Salgado regresa a su ciudad natal

Exposiciones

Por Raquel Temiño

PROYECTOS FOTOGRÁFICOS,PROYECTOS DE POR VIDA.

1. Mursi y mujeres Surma. Pueblo Mursi de Dargui en el Parque Nacional Mago, cerca de Jinka. Etiopía. 2007. © Sebastiao Salgado/Amazonas Images/Contacto

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(en Brasil), su esposa, Lélia Wanick, emprende un gran proyecto que le lleva a dar un giro a Génesis: Wanick inicia la replantación de un bosque –víctima de un proceso de deforestación y erosión- con las mismas especies autóctonas para recrear su ecosistema original al que, poco a poco, fueron regresando los animales (actualmente, es un espacio protegido).Tras esta experiencia, Salgado se

replantea su proyecto fotográfico y afronta Génesis como una advertencia de esa majestuosidad de la tierra que podemos llegar a perder si no la protegemos. Y, en lugar de documentar cómo están desapareciendo y transformándose esos espacios únicos, Salgado decide apuntar su cámara fotográfica hacia paisajes, ecosistemas y comunidades humanas que han logrado mantenerse intactas.

Ahora podemos disfrutar de esos entornos intactos de Génesis en esta preciosa exposición, en la que recorremos las islas Malvinas, las islas Sandwich y las Galápagos, Botswana, Uganda, Congo, Alaska, Siberia, Kamchatka o el Amazonas. Son fotografías hermosas de paisajes irreales, formas geográficas caprichosas, retratos de la vida, fotografías de colectivos humanos tan

Exposiciones

2.Pingüinos barbijos (Pygoscelis antárctica) en un iceberg situado entre Zavodovski e Islas Visokoi. Islas sureñas del archipiélago de Sandwich. 2009. © Sebastiao Salgado/Amazonas Images/Contacto

1 RUIZ MANTILLA, Jesús: “Entrevista a Sebastiao Salgado”, El País Semanal, nº 1.952, 23 de febrero de 2014, p. 29.

íntimas de las que se deduce un enorme respeto y un grado de confianza que logra ese fotógrafo que pasa mucho tiempo a su lado para lograr acceder a ellos.Mientras observo estas fotografías

-es curioso-, mi mente no viaja a esos entornos, sino a la propia figura de Sebastiao Salgado. Me despierta

tremenda curiosidad aquello que puede rondar la mente de una persona que dedica ocho años de su vida, treinta y dos viajes, a un proyecto fotográfico de esta categoría. Pues este proyecto fotográfico revela, en realidad, un proyecto de vida. En palabras del propio Salgado, “La fotografía es mi vida, mi forma de vivir con coherencia”1.

SEBASTIAO SALGADO. GénesisCaixaForum, MadridFinalizado el 4 de mayo de 2014.

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64 entrecámaras

Otras exposiciones:• Allumar. Centro Cultural Conde Duque. Hasta el 20 de abril.• Antanas Sutkus. Daily Life Archives, 1952-1992. Galería Oliva Arauna. Hasta el 26 de abril.• Flickr: La fotografía de un bocado. Matadero Madrid, Central de Diseño. Hasta el 30 de abril.• Lynne Cohen. Fundación Mapfre, Sala Azca. Hasta el 11 de mayo.• Growth/Crecer, de Wilma Hurskainen. Matadero Madrid. Hasta el 31 de mayo.• Philip-Lorca diCorcia. Centro de Arte Alcobendas. Del 29 de abril al 5 de septiembre.• Huéspedes del presente. CentroCentro. Hasta el 20 de diciembre.

3.Iguana marina (Amblyrhynchus cristatus). Galápagos. Ecuador. 2004. © Sebastiao Salgado/Amazonas Images/Contacto

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66 entrecámaras

WAR 18-460 mm

No podía escribir esta sección y no referirme

al centenario de una contienda global y

tridimensional que estalló hace 100 años, entre

otras causas, por una política de contención

equivocada del primer imperio de la época,

el inglés, algo que leí hace unos cuantos años

en una reseñable obra que se preguntaba

por la preservación de la paz y firmada por

Kagan. Si escogemos el ejemplo de la carrera

armamentística naval que hubo a finales del siglo

XIX, es indudable que la placidez política exterior

de Albión propició el ascenso y el desmesurado

afán de ese marcial II Reich Alemán, que ya se

había coronado en la galería de los espejos de

Versalles en 1871, como gran poder terrenal. En

cambio, Hastings afirma que Alemania deseaba

esa guerra y pensaba en ganarla en unas pocas

semanas. A esa contemplación victoriana,

podemos imbricarle esas ambiciones kaiserianas

para conseguir una ligazón de elementos

que condujeron más tarde a cuatro años de

planes, movimientos, estancamientos, trincheras

y ametralladoras, que segaron generaciones

enteras de empujada juventud hacia el fin

prematuro.

Innumerables fotografías plasman en toda su

crudeza aquella guerra que debía acabar con

todas las demás, fatuo y candoroso título que

los humanos de aquella época pretendieron

etiquetar, por el horror experimentado en los

inhumanos campos de batalla. Claro que,

antes de quedar todos

impresionados por la

escalable violencia, había

hasta alegría por ser

partícipe de tan, a priori,

magno acontecimiento. El

pueblo, en sus comienzos,

apoyó casi sin fisuras

la entrada en la Gran

Guerra. En la foto 1, con

la base de un edificio

en diagonal que aporta

perspectiva, vemos una

enorme cola de varones

canadienses con amplias

sonrisas, antes de estampar su firma para entrar

a formar parte del ejército. Esas desmesuradas

ganas por participar tienen su lógica. Canadá,

en 1914, era todavía un dominio de la Corona

británica y la política exterior era dictada desde

Londres. Su población no había participado antes

en una guerra general y, en ese sentido, estaba

poco expuesta al trauma histórico o recuerdos

de alguna masacre cercana. Aunque de sus 8

millones de habitantes, alrededor de 620.000,

partieron a la guerra (un 7,75%), muriendo en

ella unos 57.000 soldados, esto es, un 9,1% de

los reclutados. Parece asumible, pero si hicieran

esa misma foto en 1918, encontraríamos

algunos elementos significativos claros dentro de

esa masa de reclutamiento.

Hay que decir que, en la misma Europa,

los principales actores de la guerra unidos

en las Potencias Centrales (Alemania, Austria-

Hungría y Turquía) o en sus rivales de la Triple

Entente (Gran Bretaña, Francia y Rusia) hacía

décadas que estaban en tensa espera y también

quedaban algo lejanos los ecos de sus batallas,

salvo sus expediciones punitivas coloniales. Su

participación en la I Guerra Mundial sería igual

de entusiasta, más numerosa; y sus bajas, en

números millonarios, mucho peores que en la

hoja roja de arce. La gran matanza se generalizó

tras el fallo del plan Schlieffen alemán -creado

en 1905 y revisado en 1913-, que pretendía

un movimiento masivo de envolvimiento sobre el

teatro occidental, que se torció inoportunamente

Diagonalescentenariasen nuestros ojos.

Por Enrique F. Sicilia Cardona.

1.Army Recruiting Office in Toronto, Canada, in August 1914. Men volunteered from all parts of the Commonwealth. Photohistory-sussex.co.uk ©

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67entrecámaras

WAR 18-460 mmpara ellos en el milagro del Marne, mientras en

el oriental se contenía a los rusos con fuerzas

menores. Para finales de 1914, el estudiado

plan teutón había funcionado curiosamente al

revés: victorias en el Este y estancamiento en

el Oeste, que no pudo evitarse tampoco con la

llamada “Carrera hacia el mar”, o aquel otro

sangriento intento tudesco (ver batallas de Ypres),

por volver a rebasar el flanco izquierdo de las

fuerzas aliadas en Bélgica.

A partir de 1915, sucedió, en líneas

generales, lo que vemos en la siguiente foto

(2). Choque frontal. Imaginad salir de una

trinchera o avanzar por terreno despejado

para enfrentarse a ese y otros pelotones de

enemigos indeterminados, monstruosos detrás

de esas máscaras anti-gas, muchas veces

defendidos por cortantes alambradas y con el

repiqueteo constante del sonido de las balas

al salir de esa máquina infernal que apunta

directamente hacia ti. Nuestros sensatos cuerpos

hubieran esquivado, al correr en diagonal, esa

agrupación militarizada, ¿verdad? O, como

les ocurría a otros, ni siquiera hubieran salido

de su agujero. De resultas de esto, hasta hubo

motines en el frente francés durante la primavera

de 1917. Y si en el reclutamiento anterior

canadiense u otros similares hubieran intuido

a lo que se iban a enfrentar, los claros serían

aún mayores en aquellos reclutas y las grandes

levas voluntarias del principio hubieran sido por

necesidad forzosas.

Esta es la imagen gastada de esa guerra, la

que ha quedado en nuestra psique colectiva.

La defensiva prevaleciendo sobre la arrojada

ofensiva. La muerte mecanizada llegando a

“corredores” nacionales en pos de un minuto

más de vida. Insensatez dirigida, frustración

y desapasionada heroicidad del soldado.

Generales ubicados a decenas de kilómetros, en

mansiones alejadas del desaguisado que habían

premeditado. ¿Dónde había quedado aquel

Aquiles homérico? ¿Aquel guerrero individual

de leyendas troyanas? En este singular conflicto

del siglo XX, hubiera perdido su estatuario fulgor

histórico en solo unos metros… y ni el émulo Brad

Pitt le hubiera ayudado.

Cuatro años de estupidez imperialista y con

raíces decimonónicas dan para mucho. Y en

muchas otras circunstancias geográficas, se

combatió terrenalmente. Tan exóticamente como

en el África negra o en regiones tan noticiables

como el actual Irak. Aquí vemos (3) la entrada

triunfal del ejército british en Bagdag durante su

ardua campaña de Mesopotamia. Para llegar

hasta ahí, tuvieron que sufrir dolorosas derrotas

ante el Imperio Otomano, como en el primer sitio

de Kut-al-Amara (1915-1916) donde se rindieron

más de 11.000 soldados, por no hablar del más

conocido y desastroso desembarco en Gallipoli.

El enfermo turco sabía escupir. Contemplamos,

en este recibimiento, una estampa de tiempos

lejanos, casi romana. Los curiosos ojos del

populacho árabe viendo al nuevo señor de sus

vidas entrando a caballo. La diagonal que forma

esa columna militarizada nos conduce hacia el

arco de la puerta de la entrada, no tan triunfal, ni

majestuosa como otras de la Antigüedad. Varias

ideas pueden confluir en esta conquista. El eterno

retorno de los conflictos, en ciertas regiones, es

una de ellas. Purificadas (es decir, devastadas y

arrasadas) por el fuego de la guerra como Irak

ahora, o antes Mesopotamia, que siempre ha

tenido un imán para generar aspiraciones de

dominación, igual que la península de Crimea,

el Quersoneso de las amazonas, mundo mítico

imaginado por los conquistadores atenienses

y ahora parece que recuperado, mediante

referéndum asistido de adhesión (eufemismo con

retranca nuclear, aunque la Historia les acredita

desde el siglo XVIII), a la Santa Madre rusa. Y

esto lo conectamos por evidencias diáfanas

con el filósofo Heráclito y aquel devenir que

permanece, que se eterniza mediante la guerra

como padre de todas las cosas, en una constante

lucha de opuestos que fluye de manera racional

para dar sentido a esa irracionalidad ocasional

y muchas veces reflexiva, que es la propia lucha

de voluntades e intereses opuestos.

Ahora quiero dejar esa interpretación para que

surquemos todos un poco las aguas y veamos otra

diagonal mucho más mortífera. En esta imagen

(4), el acorazado austríaco SMS Szent István está

cerca de irse a las profundidades del Adriático.

El causante fue el intrépido oficial italiano Luigi

Rizzo (la bota entró en la guerra en 1915, a

2. emersonkent.com ©

Page 68: ENTRECAMARAS 1º TRIMESTRE 2014

68 entrecámaras

favor de la Entente Cordiale) que, al mando de

una flotilla de lanchas torpederas, denominadas

MAS, impactó con dos torpedos en la obra viva

del titán que le produjeron su posterior voltereta

y naufragio filmado. Murieron 89 personas, no

demasiadas para un desastre naval, sobre todo

si lo comparamos con el hundimiento del HMS

Queen Mary en la batalla de Jutlandia (1916),

donde 1.266 hombres perecieron al instante en

la explosión final del crucero de batalla británico

de 26.500 toneladas de desplazamiento y

unos 214 metros de longitud. En un instante, el

gigantesco buque había desaparecido de las

miradas atónitas de los ojos de sus compatriotas

y solo se elevaba una enorme columna de humo

hacia el cielo. La espiral tecnológica, a veces,

mata mucho mejor. O como dijo el almirante

inglés Beatty al contemplar esa escena relatada

y de forma más airada, “Hoy parece que algo va

mal en nuestros puñeteros barcos”(fig. 4).

En el cielo, también se dibujaron algunas

diagonales, trufadas con espirales, persecuciones

y otras maniobras propias del combate aéreo

cerrado entre dos o más aviones. Sí, fue otra de

las grandes “novedades” de esta conflagración

mundial, junto al zepelín, el submarino o al

posterior tanque, por ejemplo. Eso sí, debemos

buscar esa invención más en el uso estratégico

de esas armas que en el táctico de una ocasional

aparición. Ya que estamos, nosotros, los españoles,

utilizamos la aviación en combate por vez primera

durante 1913 y, concretamente, en suelo marroquí.

Bueno, dejémonos de nostalgias patrias y pasemos

al siguiente personaje que era francés y fue otro

as del aire. Su nombre era René P. Fonck y aquí

posa junto a su Spad S.XIII C1 perteneciente al

Grupo de Caza de “Las cigüeñas”, posiblemente

hacia mediados de 1917. Consiguió 75 victorias

confirmadas, es decir, derribos de aviones

enemigos en combate, y se quedó a solo 5 del

registro del mítico “Barón Rojo”. Al contrario que

su conocido rival, Fonck sobrevivió a la guerra

(restándole inmortalidad) y bien pudo contemplar

algo después y con inmodestia, el diagonal fuselaje

de su pájaro de muerte, junto a su figura calmosa y

confiada (fig. 5).

En mi última elección (6), no busquen una

diagonal tan directa y franca como en algunas

imágenes anteriores, ni mucho menos el Método

Diagonal con bisectrices de Westhoff. Podemos

marcar el destruido vallado y esas cajas como

tal, pero aquí los puntos de interés los situamos en

dos figuras. Una es humana y está formando, en

el tercio inferior, un ángulo con su cuerpo inerte

sobre el suelo; otra, casi surrealista, es una escultura

vertical sobreexpuesta del Cristo crucificado a

media distancia. Yo la titularía como “Progresión

geométrica de la barbarie controlada con una

cantidad finita de bajas”. Walter Kleinfeldt era

un joven soldado alemán enrolado desde el año

1915, suponemos que contento de ayudar a los

suyos, y que con su cámara “Contessa” y sus ojos

captó desgarradoras imágenes de la realidad

de la guerra en esos años. Estuvieron olvidadas

en un sótano hasta hace escasos días, en que

salieron a la luz. De las mostradas al público tras

ese descubrimiento, destaca sobremanera, por su

simbología, esta que inserto de 1917, igualmente

con un encuadre magnífico. Le auguro un

respetable futuro comercial. Rezuma antimilitarismo

y sinrazón a raudales. O muerte y resurrección para

los creyentes (fig. 6).

Debía ser un artillero pintoresco este tal WK.

Asiduo de la zona caliente, solo así se puede

tomar una foto de estas características, y como

todo un veterano del atroz Somme (1916),

estaría bastante acostumbrado a los cuerpos

sin vida de uno y otro bando. En ocasiones,

retrataba la cotidianidad de su nuevo oficio

y, en otras, cuando la tormenta se calmaba,

él visitaba los campos adyacentes sembrados

de sangre e imágenes y empezaba su ritual

de captador y cazador de alguna instantánea

notable. Sus ojos quizás no veían diagonales,

composiciones geométricas, ni seguían veraces

leyes de la fotografía. Veían a la guerra tal cual

es, reciente, sin modificaciones ni ficciones.

Su espacio personal, su estudio “artístico”

esa mañana de crucifixión, recogió los restos

de la carnaza. Y esos recuerdos siempre

permanecen, siempre retornan y retornarán en

todos los combatientes que han pasado por

este macabro invento humano. Por los siglos de

los siglos. Amén.

WAR 18-460 mm

4.Italian postcard, circa. 1920. Wikipedia.org ©

3.British and Indian troops under General Maude finally seized Baghdad on 11 March 1917. National archives.gov.uk IWM Q 24168 ©

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69entrecámaras

WAR 18-460 mm

A la izquierda: 5. Fonck. www.awm.gov.au ©

Debajo: 6. A bloody skirmish in 1917.BBC Walter Kleinfeldt ©

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70 entrecámaras

En el último número de la revista, EntreCámaras

quiso haceros participes, una vez más, de

fragmentos de la historia donde la fotografía forma

parte de actividades tan importantes como es, en

este caso, la moda.

Expusimos la idea de que la fotografía formaba

parte de una actividad cambiante y evolutiva que,

a principios del siglo XX, realizaba instantáneas

que se afanaban por reflejar la imagen de “la

mujer perfecta”. Constataban un testimonio claro

del pensamiento y evolución de la sociedad. Atrás

quedaba el estilo austero y simple de los primeros

años antes de la guerra, donde el buen gusto,

imágenes muy naif, dosis de feminidad y mucho

glamour catapultaron la imagen femenina.

Retomándolo a partir de aquí, nuestra pequeña

aportación historiográfíca de la fotografía aterriza

aproximadamente partir de los años 1950:

tiempos difíciles, donde el mundo soportaba la

cruda convivencia de los años de posguerra y la

posterior tensión de la Guerra Fría, que estaba

teniendo lugar en muchos países.

En aquel momento, existía un optimismo y

una necesidad de cambio y progreso. La moda

siguió siendo reflejo de esa nueva actitud y,

obviamente, la fotografía plasmó el testimonio

de todo aquello. La aceptación de la fotografía

como un modo de expresión artístico propio, con

un lenguaje personal y único en muchos casos,

propició un consumo por parte de las masas; y

supuso una poderosa arma de comunicación.

Técnicamente, la fotografía también evolucionó.

En los años 1950, se intensificó la creación de

cámaras réflex, más pequeñas, ligeras y de un

solo objetivo, a las que se les fueron incorporando

objetivos intercambiables o el uso del flash. Todo

ello daba movilidad y rapidez al fotógrafo,

favoreciendo la toma de las instantáneas.

Las imágenes empezaban a ganar terreno en

los medios impresos, sobre todo en reportajes y

publicidad, propiciando la aparición de revistas

de moda. Entre las más conocidas y destacadas

del momento se encontraban: Vanity Fair, Vogue y

Harper`s Bazaar. Estas revistas fueron, en muchas

ocasiones, las propulsoras de nuevos talentos

fotográficos, ya que compaginaban trabajos

de autores consagrados con los de jóvenes que

estaban comenzando. Existía una lista numerosa

de fotógrafos relevantes: Man Ray, Robert Frank,

Richard Avedon, Lisette Model, Norman Parkinson,

Irving Penn, Eugene Smith, William Klein, etc.

Las sesiones fotográficas serán muy influyentes

en el periodo contemporáneo. Serán vehículos de

difusión del nuevo modelo de liberación y avance

social del papel de la mujer, que ya se estaba

empezando a experimentar en los años 1960, en

la que los vestidos y faldas en forma de tubo y los

corsés evocaban una imagen de elegancia más

comprimida y encorsetada de esta.

Dedicaremos unas cuantas líneas a tres

fotógrafos que nos proporcionan características

personales y nuevas propuestas, demostrando

trabajos de gran calidad creativa.

Richard Avedon (1923-2004) fue un fotógrafo

estadounidense que aportó su visión de la

fotografía de moda y sus magníficos retratos. La

aparente simplicidad de sus instantáneas es un

complejísimo trabajo, resultado de su obsesión por

mostrar la elegancia de las modelos, transcribiendo

así su propia visión del glamour. Abandonó el

estudio para llevar a sus modelos a las calles, los

cafés y los paseos de París; fueron lugares insólitos

para la moda. En sus fotografías, los modelos

eran personajes libres y creativos en sus gestos. La

fotografía pasa a ser una composición narrativa,

una pequeña historia visual.

Irving Penn (1917- 2009) hizo que la fotografía

ofreciera una interpretación muy personal del

mundo de la moda. A diferencia de Avedon,

nunca se interesó por las tomas exteriores y las

escenas callejeras; permaneció fiel a las tomas de

Historia de laFotografía de Moda (II)

Por Yashira Romo González.

1. Portadas de revistas de la época, Vogue y Bazaar

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71entrecámaras

Historia de la fotografía

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72 entrecámaras

estudio, trabajadas en sus más mínimos detalles

bajo determinadas condiciones de luz. Para

apreciar sus fotografías, es necesario reconocer

en él su talante como retratista, que combina la

simplicidad y franqueza del siglo XIX con una

sofisticación moderna formal, su empleo de las

líneas, de la belleza de las formas, la elegancia

de las siluetas y el juego abstracto de líneas y

volúmenes.

William Klein nació en 1928. Es reconocido

tanto por sus trabajos en el campo de la fotografía

sobre moda como por sus reportajes de ciudades.

Los primeros le hicieron célebre a través de la

revista Vogue; los segundos son un testimonio

de su certera visión de los lugares que visitó y

muestran su habilidad para el reportaje, gracias a

su especial percepción psicológica.

En resumen, la descripción de los fotógrafos

hasta la década de 1960 presentó la época

dorada de la fotografía de moda. Este fenómeno

vino de la mano del triunfo del culto a lo joven,

a lo moderno. El significado pleno que hoy tiene

para nosotros la palabra “moda” en gran parte se

compuso en esta época, escribiendo la historia

del “vestir” de mundo. La nueva sociedad que

había surgido tras las cenizas de la II Guerra

Mundial llegó a su máximo apogeo y la fotografía

optó por ser la protagonista, encargada de no

dejar nada de lado y retratar todo aquel triunfo

artístico.

Bibliografía.

- Historia de la fotografía de la moda. 2012. FotoAula www.cursosfotoaula.es

- CASAJUS, C.: Historia de la fotografía de la moda. Tomo I. Madrid, 1993

- SOUGEZ, M.: Historia general de la fotografía. Cátedra. Madrid, 2007. 4. Norman Parkinson. The Italian Collections, Three Little Black Dresses,

Florence, Queen, 1961.

Historia de la fotografía

3. Richard Avedon. Renee, The New Look of Dior, Place de la Concorde, Paris, 1947 (homage to Munkacsi)

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La esencia de Eliot Erwitt por Luis Caparrós

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74 entrecámaras

Psicología, fotografía... ¿Qué fue primero y cómo compaginabas ambas cosas?

Pues... bueno, de forma oficial, lo primero fue la psicología. Empecé la carrera con 18 años y aún no me había metido en el mundo de la fotografía de forma seria. Pero si hablamos de cuándo empecé a ir con una cámara por la vida... bueno, creo que debería remontarme a cuando tenía 14 o 15 años y llevaba siempre, en la mochila, una analógica de usar y tirar (porque adoraba el efecto que tenía en las fotos reveladas).

Compaginar psicología y fotografía estos últimos años fue algo complicado. Durante el curso, he de admitir que iba poco a clase y podía estar en casa y trabajar en el autorretrato, aunque tenía poco tiempo para sesiones más serias. Y, al llegar los exámenes... bueno, tocaba encerrar la cámara en un cajón y darlo todo con los apuntes. Así que ha habido, durante estos años, periodos de mucha actividad y periodos de echar mucho de menos la cámara.

En tu trabajo, ¿hay intención de mostrar estados de ánimo?

Esta pregunta es algo compleja. Creo

que hay dos partes muy diferenciadas en mi fotografía: una sí está más vinculada a sentimientos y emociones, que trabajo sobre todo en el autorretrato (me siento de una forma, cojo la cámara y lo plasmo lo mejor que puedo); pero también es cierto que gran parte de mi trabajo es planificar sesiones, planificar escenarios y momentos y para mí es imposible planificar un sentimiento. Si tengo algo que expresar, tengo que coger la cámara y hacerlo ahora. Ya. Inmediato. No puedo dejarlo para el fin de semana. Sin embargo, cuando quiero abandonarlo todo y crear algo más allá de mí, más allá de un instante concreto y hago sesiones artísticas, me centro más en crear “la atmósfera perfecta”. Una idea aparece y hay que darle forma, hay que buscar el sitio perfecto, el maquillaje perfecto, la modelo perfecta, la ropa perfecta... que todo esté en una estrecha armonía, que cuando alguien vea el resultado quede atrapado, que primero piense “qué colores”, “qué lugar”, “qué precioso gesto” y luego pueda profundizar en los pequeños detalles, transportarse... hacerla, por un momento, suya.

¿Cómo pones en marcha cada una de tus ideas? ¿Alguna vez cambias o improvisas?

Una cosa curiosa, que no sabe mucha gente, es que, a veces, las ideas de las sesiones o ideas de fotos concretas son cosas que sueño. No hablo de soñar despierta y dejar volar la imaginación, sino de sueños reales. Anoto las ideas al despertar para que no se me olviden.

Otras veces son como un fogonazo: veo un lugar y pienso “aquí podría hacer... y sería de esta manera... y llevaría esta ropa... y quedaría así” y la imagen ya está terminada en mi mente quizá días antes de poder llevarla a cabo. Algo parecido me pasa con muchas y muchos modelos. Les miro y, automáticamente, mi mente les coloca en diferentes escenarios donde sé que encajarán a la perfección y... lo cierto es que ¡sí ocurre!

Una vez hechas las fotos que tengo en la cabeza, que suelo intentar hacer al principio de la sesión para, digamos, dejar constancia de que la foto soñada está hecha, entonces improviso. Sigo paseando con el modelo (o yo sola) por la zona en la que estemos y, como si fuera una pieza de un puzzle, voy

Contacto

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(NANIHTA)

Por Ges Rules.

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Contacto

Foto: Sol Vázquez

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Foto: Sol Vázquez

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buscando los “huecos donde encaje” y continúo hasta que la tarjeta me dice basta.

Las localizaciones, atrezzo, maquillaje y vestuario están muy bien preparados. ¿Cuentas con ayuda o lo haces todo sola?

Cuando preparo las sesiones de autorretrato, siempre las preparo sola: maquillaje, caracterización, entorno, estilismo... todo corre de mi cuenta y creo que son más personales. Tengo mis manías en cuanto a los colores, al tipo de gesto, a cómo combinar todas las partes y a cómo crear una atmósfera.

Sin embargo, cuando tengo sesiones preparadas con modelos, pueden pasar dos cosas diferentes: la primera, modelos que en realidad no son modelos, son amigos y amigas míos que me dicen “me pongo en tus manos, vísteme, dime cómo me maquillo, dime dónde voy y soy todo tuyo”; o la segunda, modelos que ya se dedican a esto de una forma profesional o semiprofesional con los que busco algo intermedio. Hacemos una tormenta de ideas, vamos puliendo la sesión de forma que sea mi estilo, pero ellos salgan favorecidos para aumentar su portfolio.

En este caso, muchas veces son ellos los que tienen acceso al estilismo o las localizaciones, o las buscamos en equipo; si es un maquillaje sencillo, casi siempre ellos mismos suelen apañarse bien y, cuando he hecho sesiones con maquillajes muy complejos, mi amiga, colaboradora y maquilladora Noe Luna, ha conseguido hacer trabajos espectaculares.

¿Destacarías el color en tus fotos como una parte importante y característica de tu trabajo?

Absolutamente. Las fotografías tienen que transmitir muchas cosas, tienen que tener algo que atrape tu mirada y para mí, en el resultado final, en la imagen ya terminada, pulida, creada... el color es la magnífica guinda que termina de hacerla perfecta. Creo que es mucho más importante de lo que la gente pueda pensar. El color, cuando se trabaja con esmero y se cuida para que nada quede al azar, hace que el ojo humano, que la mente, no pueda dejar de mirar. Cuando estudias la percepción de la visión, como yo hice: colorimetría, círculos cromáticos... y cuando estudias el color desde ya no una perspectiva más física

sino, incluso, psicológica, te das cuenta de cuántas sensaciones produce el color, cuánto hipnotismo si está bien trabajado. Es un pilar fundamental en mi trabajo fotográfico. Hasta en el blanco y negro es importante el color que hay debajo.

¿Qué te da la fotografía y qué esperas a partir de ahora?

Me da libertad, me da posibilidades y me da poder, control sobre mi vida. Creo que, de todas las cosas que he hecho, la fotografía es aquella donde el trabajo se ve recompensado. Donde la ilusión, la creatividad, las ideas y las horas y horas y horas tras la cámara y frente al ordenador dan verdaderas recompensas.

Espero, sinceramente, poder vivir de esto, poder vivir de algo a lo que puedo echar mil horas y seguir sintiéndome afortunada. Un ámbito donde cada persona que conozco puede ser parte de una obra que durará para siempre. Donde nada caduca, todo se renueva una y otra vez. Donde puedo tener la libertad de plasmar lo que siento, lo que quiero de lo que hay o lo que quiero que haya. Y algo donde vale la pena invertir mi vida.

Contacto

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Filckr: https://www.flickr.com/photos/nanihta/

Facebook: https://www.facebook.com/pages/Nanihta-Fotoografía/230025720357320

Foto: Sol Vázquez

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Contacto

Foto: Sol Vázquez

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80 entrecámaras

COLOMBIAotro punto de vista¿Cómo def in i r Colombia, un

país tan extenso y var iado y tan l leno de cont ras tes? Marta Granados, diseñadora gráf ica colombiana, nos lo resume en uno de sus l ibros: “Colombia es agua, Colombia es energía, Colombia es verde, Colombia es esperanza, Colombia es fauna, Colombia es f lora, Colombia es l iber tad…”. Colombia es todo eso y mucho más. E l país del café

y de las esmeraldas es real ismo mágico. Nuest ro recorr ido por es tos lugares es un pequeño ejemplo de lo mucho que podrá descubr i r e l v iajero que se decida a vis i tar es tas t ier ras t ropicales, en donde la temperatura del lugar es tá ín t imamente re lacionada con la al tura sobre el nivel del mar en el que se encuent re, así que cuanto más al to se suba más f r ío se s iente.

Por Alfonso Sampedro.

Niño en la puerta de su casa en Puerto Nariño, a tres horas en lancha desde Leticia. Foto: Alfonso Sampedro

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otro punto de vista

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El v iaje nos l levó a recor rer una mínima par te de ese inmenso ter r i tor io suramer icano desconocido para muchos, v is i tando zonas tan dis tan tes unas de ot ras, pero a la vez unidas en un común denominador: Colombia. Car tagena de Indias, Santa Fe de Bogotá y la se lva amazónica ser ían en es ta ocasión nues t ros des t inos, dejando para un fu tu ro, esperemos próximo, o t ras zonas de es te gran país.

La ciudad heroicaCartagena de Indias fue

fundada en 1533 por Don Pedro de Heredia y declarada Pat r imonio de la Humanidad en 1984. Ciudad señor ia l y legendar ia fue una de las más impor tantes de cuantas poseyó España en sus dominios. Desde es te puer to par t ían los barcos cargados con e l oro de las colonias y ar r ibaban los que volv ían con productos europeos.

Fue lugar codic iado por pi ra tas y f i l ibus teros, razón por la cual los reyes españoles decidieron amural lar la y rodear la de cas t i l los o for ta lezas para conver t i r la en un lugar inexpugnable. En t re esas for ta lezas des taca e l cas t i l lo más impor tante cons t ru ido por los españoles en e l nuevo Reino de Granada: San Fe l ipe de Barajas, ubicado en e l cer ro de San Lázaro y cons iderado obra maes t ra de la ingenier ía mi l i tar de todos los t iempos.

Fue teat ro de grandes hazañas bél icas como la v iv ida en e l año 1741, cuando una f lo ta inglesa, mucho mayor que la famosa Armada Invencib le, se es t re l ló f ren te a l coraje de un puñado de hombres comandados por Don Blas de Lezo, mar ino y es t ra tega español a l que le fa l taba medio cuerpo pero al que le sobraba mucho valor.

Otro hecho de gran t ranscendencia para la c iudad, y

por e l que recibió e l apela t ivo de “La Heroica”, fue e l ocur r ido t ras su Declaración de Independencia de España en 1811, cuando e l general Pablo Mori l lo, en su afán de reconquis tar la, la asedió manteniéndola ais lada durante más de 100 días, en los que suf r ió los efec tos epidémicos del hambre y la enfermedad y l levaron a los s i t iadores a alzarse con la v ic tor ia. Se calcu la que durante es te asedio mur ió la tercera par te de la población.

En la c iudad ant igua, como se conoce a toda e l área urbana conf inada ent re las mural las y baluar tes, se aprecia un conjun to arqui tec tónico homogéneo donde casi todas las cons t rucciones nos recuerdan la arqui tec tura andaluza de grandes por tones y balcones volados e in ter iores con jardín cent ra l . Fuera de sus mural las bu l le una ciudad moderna con maravi l losas p layas en las que poder re f rescarse de

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Atardecer sobre el río Amazonas. Foto: Alfonso Sampedro

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Arriba, Bogotá en hora punta. Abajo, Cartagena de Indias. Castillo-Fortaleza San Felipe de Barajas. Fotos: Alfonso Sampedro

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Cartagena de Indias: Muralla y cúpula de la iglesia de San Pedro Alejandrino. Foto: Alfonso Sampedro

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ese calor in tenso con e l que a diar io conviven sus habi tantes.

Muy cerca de Car tagena y lugar digno de ser v is i tado se encuent ran las is las del Rosar io, un archipié lago paradis iaco de formaciones coral inas y aguas t ransparentes ideal para e l descanso y para la práct ica de act iv idades acuát icas.

Santa Fe de Bogotá.A 2.600 met ros, más cerca de

las es t re l las y asentada en una ex tensa sabana per teneciente a la cordi l le ra or ien ta l andina, se encuent ra la “muy noble y leal c iudad de Santa Fe de Bogotá”, capi ta l de la Repúbl ica. Urbe con cerca de ocho mi l lones de habi tantes, fue baut izada por e l humanis ta Menéndez Pelayo como la “Atenas sudamer icana” en honor a la cu l tu ra que desde es ta c iudad se emana y donde los bogotanos se jac tan y enorgul lecen de hablar e l mejor

español del mundo.Bogotá presenta un desar ro l lo

urbanís t ico dinámico y en permanente cambio, donde cent ros f inancieros o indus t r ia les y grandes f ranjas res idencia les se mezclan ent re s í dando lugar a un conglomerado de cont ras tes. A pesar de es te crecimiento, se ha logrado, no s in grandes es fuerzos, conservar y res taurar par te de la arqui tec tura colonia l ; un ejemplo de e l lo es e l cént r ico barr io de la Candelar ia, un oasis con sabor a his tor ia pasada rodeada de modernidad. Barr io en e l que color idas casas conviven con modernas bib l io tecas como la Lu is Ángel Arango o museos como el de Botero, enclavado en una casona colonia l que funcionó has ta 1955 como Arzobispado de la c iudad.

Como expl ica e l propio museo en su página web, “en e l año 2000 el ar t i s ta Fernando Botero donó al Banco de la Repúbl ica

una colección de ar te de 208 obras, 123 de su propia autor ía y 85 de ar t i s tas in ternacionales”, s iendo para e l propio ar t i s ta “un placer in f in i to saber que es tas obras per tenecen hoy a Colombia…”.

A pocos pasos del Museo Botero se encuent ra la P laza de Bol ívar, cent ro de la c iudad donde se conjugan pasado y presente y donde lo re l ig ioso se mezcla con lo pol í t ico. P laza rodeada de formidables cons t rucciones neoclás icas como la Catedral Pr imada, e l Palacio Arzobispal o e l Capi to l io Nacional ( sede del Congreso de la Repúbl ica), edi f ic ios todos e l los que le impr imen al lugar una ai re de grandeza. Cier ran e l contorno de la p laza e l edi f ic io L iévano, sede de la Alcaldía, y e l Palacio de Jus t ic ia. Es te Palacio fue des t ru ido e l 6 de noviembre de 1985 como consecuencia de la toma que la guer r i l la del M-19

Cartagena, calle de la ciudad antigua. Foto: Alfonso Sampedro.

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Palenquera (vendedora de frutas). Foto: Alfonso Sampedro.

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Cartagena de Indias, Plaza de la Aduana. Foto: Alfonso Sampedro.

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Cartagena de Indias, vistas desde las murallas (al fondo, zona residencial de Bocagrande).Foto: Alfonso Sampedro

Bogotá, vista panorámica desde el cerro de Monserrate, a 3.150 metros. Foto: Alfonso Sampedro.

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l levó a cabo, y la pos ter ior re toma por par te del E jérc i to, dando lugar a una cruenta batalla que se prolongo por más de 28 horas y que se cerró con cerca de 100 muertos y 12 desaparecidos, entre militares, guerrilleros y civiles.

Muy cerca de allí, la leyenda del Dorado toma vida en el Museo del Oro, que alberga la colección más grande de piezas de oro del mundo y cuyo grupo de piezas de orfebrería precolombina es la más importante también del mundo. Nadie que visite

la ciudad puede dejar de admirar este compendio de historia.

No se puede abandonar la ciudad sin antes darse una vuelta por la población de Zipaquirá, localizada a unos 45 kilómetros de la capital. Es famosa no por sus plazas o sus casas coloniales, que también, sino por las salinas que ya explotaban los indios del lugar antes de la llegada de los españoles, y por la Catedral de Sal labrada sobre la misma roca de la mina, verdadera joya de la ingeniería que la hace única.

Amazonía Colombiana.

En el otro extremo del país, a 730 kilómetros al sur de Bogotá e incomunicada por carretera, se encuentra Leticia, capital del departamento del Amazonas y puerto fluvial sobre el rio del mismo nombre. La amazonia colombiana es un destino increíble para todos aquellos que busquen tener contacto extremo con la naturaleza y conocer algunas de las culturas más representativas del país.

Leticia, puerto pesquero sobre el río Amazonas

Leticia, ciudad hospitalaria y

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confortable, es además un activo centro de comercio rodeado por caminos que conducen a la espesura de la selva. En sus muelles se encuentra la línea imaginaria que divide, en lo que se conoce como trapecio amazónico, las fronteras de Colombia, Brasil y Perú.

La actividad económica de toda la región gira en torno a la pesca, la explotación de la madera, la extracción del caucho, el comercio y, por supuesto, el turismo ecológico y de aventura.

Son muchas las cosas que pueden sorprender a quienes visitan esta apartada región del país. Aquí habita el mono más pequeño del mundo, conocido con el sobrenombre de “titi”, y florece la victoria regia, el loto más grande del mundo. Incluso navegando por el ancho río o por sus afluentes, puede uno tener la inmensa suerte de tropezarse con el delfín rosado y verlo emerger airoso de las oscuras aguas del Amazonas.

La Amazonia es, de por sí, una zona poco poblada en la que habitan grupos indígenas como los ticuna, huitotos o los mayuranas, que aún conservan sus mitos, rituales y tradiciones ancestrales y a los que es interesante, por no decir obligatorio, visitar.

Guiados por un indio ticuna y tras una larga marcha de más de tres horas por la tupida selva, en la que nos iba enseñando cosas inverosímiles (una rana que apenas se distinguía del suelo,

Bogotá, moderno edificio en el centro internacional. Foto: Alfonso Sampedro.

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enormes arañas que hacía salir de su escondrijo o extraños árboles que se ocultaban tras otros más extraños), llegamos a un poblado también ticuna en el fuimos recibidos entre sonrisas por parte de los adultos y una gran algarabía por parte de los niños.

Fue una tarde agradable en la que nos enseñaron orgullosos lo mucho o poco que tienen, que más bien es mucho. Nos explicaron las jerarquías del poblado, las formas de educar a los niños, los trabajos de los que viven

y nos obsequiaron con pulseras de la buena suerte que una india nos iba colocando en nuestras muñecas. Nos ofrecieron, a unos precios irrisorios, pequeños objetos de artesanía que gustosamente compramos y que hoy exhibimos con orgullo.

La verdadera aventura la tuvimos al regreso. En medio de esa selva tan tupida no nos enteramos que llovía; se escuchaba su ruido, pero nada más. Fue nuestro guía el que nos alertó y nos aconsejó protegernos porque, en cuestión de segundos, lo

que antes era solo ruido se convirtió en una verdadero torrencial.

Lo bueno se termina, pero nos quedan los recuerdos en forma de fotografías: retratos, paisajes, platos típicos… Podemos afirmar, como muchos ya lo han hecho, que “Colombia es, sin duda, el secreto mejor guardado” y, como reza el eslogan del Ministerio de Turismo, el “verdadero riesgo” de este país “es que te quieras quedar”.

Bogotá, barrio de La Candelaria (Fachada del Museo Botero). Foto: Alfonso Sampedro.

Zipaquirá, Catedral de Sal. Foto: Alfonso Sampedro.

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Arriba, Leticia, puerto pesquero sobre el río Amazonas. Abajo, Amazonas, victoria regia Fotos: Alfonso Sampedro.

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Bogotá, Capitolio Nacional. Foto: Alfonso Sampedro

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Amazonas, turistas en la Isla de los Micos. Foto: Alfonso Sampedro.

Amazonas, Isla de los Micos. Foto: Alfonso Sampedro.

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Chamán. Foto: Alfonso Sampe-

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Amazonas, familia del poblado ticuna. Foto: Alfonso Sampedro.

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Nació en Detroi t , Michigan, en 1955. Miembro de la Sociedad Americana de Directores de Fotograf ía desde el 2000. Empezó su carrera siendo pintor, estudió pintura en Detroi t y Nueva York, y cineasta experimental en el Museo Whitney de Nueva York. Sigel: “Cuando sal í de la secundaria, fui invi tado a programas de becas en el museo Whitney, yo sol ía pintar y hacía videos que sol ían l lamarse “experimentales” o “personales” o peor aún “avant -garden”. Fue una época de gran inspiración creat iva. Había días que me pasaba horas en el Museo Metropol i tano de Arte, s implemente mirando las Vernnerrs. Por ese t iempo yo estaba enamorado de los cineastas de la Nueva Ola, como Fel l ini, Antonioni, Resnais, y s imi lares, todo lo que hacían tan f resco y vigorizante, tan

impredecible, me hicieron que dejara la pintura para centrarme en el cine”. Sus pel ículas tomaron un giro periodís t ico cuando, en la década de 1980, fue a cubri r las guerras centroamericanas. Este t rabajo documental incluye “Witness to War: Dr. Charl ie Clements”, obra premiada con un Oscar; y “When the Mountains Tremble”, que cosechó gran éxi to. Habiendo atraído la atención del director Haskel l Wexler, tuvo su primera oportunidad de aventurarse en la f icción con “Lat ino”, drama basado en las experiencias del propio Sigel en el campo de batal la. Durante más de t res décadas, la fotograf ía de Sigel ha aparecido en documentales experimentales, drama indie, te lef i lms y pel ículas de Hol lywood.

Tras adquir i r experiencia responsabi l izándose de la

fotograf ía de segunda unidad para Oliver Stone en “Platoon” y “Wall St reet”, Sigel se convir t ió rápidamente en un renombrado Director de Fotograf ía. El c lásico de cul to “Sospechosos habi tuales” (The Usual Suspects) premiada por Independent Spir i t Award 1996, cuenta con una elegante fotograf ía que ha inspirado a toda una nueva generación de pel ículas pol icíacas. Premios Cable ACE 1988 por “ Incendios Caseros”, premio de la Sociedad de Crí t icos de cine on l ine por “Tres Reyes” 2000.

Pel ículas como “Sangre y vino” (1977), “Fal len” (1998), “Tres Reyes” (1999), “Sueños rotos” (2000), “El la es el par t ido” (2008), “Valki r ia” (2009), “Tenía que ser tú” (2010), “La conspiración” (2011), “Drive” (2011), “Superman returns” (2012), “ Jack el Caza Gigantes”

Recomendaciones

Por Yolanda Obra.

THOMAS NEWTON

SIGEL

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(2013) y la saga de los X-Men (2000-2014) a cargo del director Bryan Singer, etc…

DRIVEPel ícula dramática y thr i l ler

“Neo- Noir” est renada en el 2011. Del cine americano independiente, dir igida por Nícolas Winding Refn y Director de Fotograf ía Newton Thomas Siegel.

Ganadora y candidata a múl t iples premios como los Premios Goya 2011 a Mejor Sonido, Globo de Oro 2011 a Mejor Actor de Reparto Alber t Brooks, Premios Baf ta a 4 candidaturas: Mejor Pel ícula, Mejor Director, Mejor Actr iz de reparto Carey Mul l igan, Mejor Montaje; Premios Cesar 2012 Mejor Pel ícula Extranjera. Fest ival de Cine de Cannes 2011, candidata Palma de Oro y Ganador al Mejor Director Nicolas Widing Refn. Premios Independent Spir i t Awards, 4 candidaturas Mejor Pel ícula, Mejor Director, Mejor Actor de Reparto y Mejor Actor Ryan Gosl ing.

Neo-Noir: del gr iego neo: nuevo y del f rancés noir : negro, es un est i lo de cine que ut i l iza gran parte de los elementos del cine negro, pero que t rata temas con contenidos actuales, y estét icamente actual o con cier tas reminiscencias de épocas pasadas en pel ículas de cine negro de las décadas de 1940 y 1950. Las pel ículas Neo-Noir son conscientes de las circunstancias modernas y la tecnología, los elementos visuales incluyen i luminación discreta, destacando luz y sombras, y colocación de cámaras en lugares inusuales, contrapicados, o ref lejos de las imágenes en si t ios cur iosos, encuadres de sombras, etc… Este carácter y est i lo independiente lo podemos ver a lo largo de una extensa f i lmograf ía, por ejemplo en grandes obras maestras, s in olvidar el t rabajo de los Directores de Fotograf ía, que es lo que nos ocupa, “Blade Runner”, “Chinatown”, “Pulp Fict ion”, “El Gran Lebowski”, “Memento”, “Blue Velvet”, “American Ganster”, etc.

En “Drive” destacable la

ut i l ización de una paleta de colores vibrantes: ocres, naranjas, dorados, verdes, azules y toques de rojo, que hacen referencia a las miradas fotográf icas ret ro, como kodackome o ektrachrome, según comentarios del propio Sigel. Referencia visual La I ra como inf luencia de Scorpio Ris ing. El uso de luz ambiente, natural; pero también el contraste es un elemento importante, el juego de luces y sombras para enfat izar la escena y dar le profundidad e intensidad a las emociones. Encuadres espectaculares donde se rompe la “ la ley de la mirada” y crea un vínculo directo entre el espectador y la escena, donde la emoción se apodera de la imagen. Pr imeros planos contenidos, es decir, se mant iene la imagen por un par de segundos, un l igero zoom que provoca una contención brutal (casi puedes sent i r cómo se cor ta tu respiración); encuadres con “espacios vacíos” donde la música entabla una conversación ínt ima y subl iminal con el espectador, y te l leva de la mano a recorrer un sinf ín de emociones y sensaciones, por cada uno de

Recomendaciones

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los r incones de las imágenes y la his tor ia del f i lm. De estét ica Neo – Noir, con un est i lo poét ico de las escenas. Los personajes se abstraen de la real idad creando una atmosfera única entre el los, bel l ís ima, poét ica y subl ime donde la real idad ha dejado de exis t i r por un ins tante.

Protagonizada por Ryan Gosl ing, Carey Mul l igan (actuales actores de moda, Ryan Gosl ing por “The Ides of March”, Carey Mul l igan por “El Gran Gatsby”) y Bryan Cranston, reconocido actor y ganador de múl t iples premios por su part icipación en la espectacular

ser ie “Breaking Bad”. Basada en el l ibro homónimo escr i to por Javier Sal l is.

Sinopsis: Un “conductor” s in nombre

(Ryan Gosl ing), cuyas habi l idades al volante son evidentes, t rabaja en el garaje de Shannon (Bryan Cranston), y ocasionalmente real iza t rabajos como especial is ta en escenas de r iesgo en producciones de cine o como conductor de huída en pel igrosas misiones nocturnas. Sus reglas son que siempre t rabaja de forma anónima y nunca dos veces para la misma persona.

Aunque es un hombre sol i tar io

por naturaleza, no puede evi tar enamorarse de su bel la vecina I rene (Carey Mul l igan), una vulnerable joven madre que se ve arrast rada a un pel igroso mundo debido a la sal ida de pris ión de su marido Standard (Oscar Isaac). Después de un atraco con el que pretende pagar la protección de Standard, se suceden una ser ie de giros impredecibles y no cobra por su t rabajo. Sin previo, aviso el “conductor” se ve conduciendo para salvar a la mujer que ama, perseguido muy de cerca por dos pel igrosos cr iminales, Nino (Ron Per lman) y Bernie Rose (Alber t Brooks).

Critica:“Drive” representa una pel ícula

de acción de ar te y ensayo.Roger Eber t, cr í t ico

cinematográf ico nor teamericano más reconocido a nivel mundial, escr ibió: “he aquí otra muestra del viejo principio del Noir en Hol lywood, que dice que una pel ícula vive no a t ravés del héroe, s ino de sus sombras”.

Luis Mart inez, señaló para El Mundo: “brutal y voraz, no se l imi ta a copiar un modelo, s ino que intenta poner en pie lo que queda de un recuerdo cuando se olvida”.

A.O. Scot t , The New York Times: “Drive es sombría, cr ispada y honesta, pero también pris ionera de su propio vacío, sust i tuyendo la atmosfera por las emociones, y un est i lo prestado por un verdadero atrevimiento”.

La banda sonora de la pel ícula está compuesta por Cli f f Mart ínez y es predominantemente electrónica con reminiscencias ret ro de los años 1980. “A real Hero” de Col lege & Electr ic Youth , y una de las canciones más representat ivas de la pel ícula, “Nightcal l” del músico Kavinsky.

Ahí os la dejo…

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I l uminar , d i sparar y re tocar .Consegu i r fo tos de máx ima

ca l idad.Sco t t Ke lby.Ed. Anaya Mul t imedia. Pho to

Club

Después de unos números en los que me a le jé a lgo de los l ib ros de es t i lo manua l , vue lvo con uno de los p r imeros que le í y que he vue l to a recuperar ahora, que es toy más dedicado a l re toque con Pho toshop. En es ta ocas ión, e l l ib ro que presen to s í puede en tenderse como un manua l de t rabajo, pues exp l ica con de ta l le los pasos a segu i r en cada momen to.

Sco t t Ke lby puede cons iderarse un “c lás ico” en t re los au to res de l ib ros espec ia l izados en fo togra f ía . S i buscá i s en in tene t ,

encon t ra ré i s l ib ros espec í f i cos sobre Pho toshop, L igh t room, o más genér icos sobre fo togra f ía d ig i ta l . No los he le ído todos, pero he v i s to a lguno y , s in duda, son l ib ros in te resan tes que pueden ayudar a mejo ra r la técn ica fo tográ f ica de cada uno de noso t ros . Pe ro s i uno ya conoce más o menos los concep tos bás icos , desde mi pun to de v i s ta , es te de “ I l uminar , d i sparar y re tocar” es e l idóneo para i r avanzando en fo togra f ías y es t i los espec í f i cos que nos ayuden no so lo a mejo ra r , s ino a desar ro l la r nues t ro es t i lo p rop io. Y todo porque, en mi op in ión, te permi te i r descubr iendo ideas que pueden ayudar te (a l menos, ese es mi caso ) a recuperar fo togra f ías que ya dabas por te rminadas y a mejo ra r las de

manera no tab le .Como dec ía a l p r inc ip io, en

es te l ib ro, es tán exp l icados los p rocesos comple tos de i l uminac ión y re toque de cada una de las fo togra f ías que en é l aparecen. De hecho, puede observarse con prec i s ión la co locac ión de todos los e lemen tos que e l au to r u t i l i zó en cada ses ión: desde dónde se d i spara la fo togra f ía , e l mode lo, e l fondo, las fuen tes de luz , la po tenc ia… Como ve i s , es d i f í c i l pe rderse en e l p roceso. Inc luso e l l ib ro inc luye un l ink desde e l que descargarse las fo togra f ías u t i l i zadas, todas e l las en a l ta reso luc ión, para poder segu i r las exp l icac iones paso a paso. Todo es to hace de l l ib ro un ve rdadero manua l de consu l ta . Obv iamen te, a l es ta r cada uno de e l los re fe r ido a una imagen espec í f i ca, con su esquema de i l uminac ión y p roceso de re toque “prop io” , no t iene porqué lee r se en o rden. Se puede consu l ta r d i rec tamen te una fo togra f ía concre ta, pues en cada una de e l las , y aunque se rep i tan pasos de un proceso ya u t i l i zado en o t ra , se exp l ican todos los de ta l les que son de ap l icac ión. Con es to me re f ie ro, por e jemplo, a opc iones de l menú o a ta jos de tec lado.

S in lugar a dudas, para mí fue en su momen to, y lo ha s ido a l re lee r lo , un l ib ro fundamen ta l en mi aprendiza je. Por una razón muy senc i l la : en é l se inc luyen fo togra f ías que me l lamaron la

Recomendaciones

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atenc ión desde e l pr imer momento (en mi caso, e l que hab la de un esquema de i l uminac ión de fo togra f ía de moda con dos luces ) y que he podido rep l icar (o a l menos in ten ta r lo ) con mis p rop ios medios ; y no me re f ie ro ún icamen te a segu i r e l p roceso de ed ic ión en Pho toshop. Lo d ice e l p rop io au to r a l p r inc ip io de l l ib ro: no se t ra ta de fo togra f ías rea l izadas con her ramien tas o equ ipos que resu l tan ina lcanzab les a la mayor ía de fo tógra fos a f ic ionados. Aunque é l las rea l iza en su es tud io, obv iamen te per fec tamen te equ ipado para todo t ipo de fo tos , inc luye la opc ión de cons t ru i r e l mismo esquema de i l uminac ión con f lashes de mano, lo que puede s imp l i f i ca r no tab lemen te e l t rabajo de l lec to r .

A todo lo an te r io r , se une que e l l ib ro es tá esc r i to de una fo rma na tu ra l y d i rec ta, lo que hace (para mí es una premisa fundamen ta l ) que se lea de una fo rma ráp ida y en n ingún caso abur r ida. Da la impres ión de que uno es tá en una c lase in fo rmal con un exper to que le va con tando cada cosa que hace. Empieza con unos conse jos senc i l los , pero que hab lan de cosas que se apenden con la exper ienc ia y que, como d ice e l au to r , uno hub ie ra agradec ido que se los d ie ran cuando empezaba en es to de la fo togra f ía . Conse jos como acercarse todo lo pos ib le a l su je to ( senc i l lo , ¿ve rdad?) , se r p rác t ico a la hora de e leg i r los f lashes y no perderse en buscar po tenc ias que normalmen te no u t i l i za remos o, en e l co lmo

de lo s imp le, poner le ruedas a los sopor tes que u t i l i zamos para rea l izar las fo togra f ías . No son más que un e jemplo, pero pueden darnos una idea de lo que qu ie ro dec i r con la senc i l lez , p rac t ic idad y c la r idad con que e l l ib ro es tá esc r i to .

Como resumen, os d i r ía que es un l ib ro impresc ind ib le para una b ib l io teca de fo togra f ía . Tan to para pr inc ip ian tes como para los más exper tos , que pueden encon t ra r en é l una re fe renc ia para hacer de te rminado t ipo de re toque a un re t ra to , o una insp i rac ión para esa ses ión a la que l levan dándo le vue l tas a lgo de t iempo.

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HUMOR por Almudena Plaza

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Modelo Valeria CubaFoto: J. R Molinos

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MADRID se resiste

Por Rosario Recio

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RAICESpor Sylvie Puillet

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RAICES

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¿Te has parado a pensar qué buscas cuando coges la cámara? En EntreCámaras, te ayudamos con un tema semanal a que, antes de coger la cámara, pienses qué es lo que quieres. Imagina tu foto y búscala. De esa forma, seguro que la encuentras y además podrás ver tus fotos publicadas en la revista. Para este número, se han seleccionado las siguientes fotos, entre las más votadas.

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El grupo de Facebook ENTRE CÁMARAS se crea para difundir, disfrutar y criticar constructivamente todas las fotografías que queríais subir. Cada semana se propondrá un tema y se podrá SUBIR UNA SOLA FOTOGRAFÍA POR DIA y usuario.Se agradecerá una critica: 1- TÉCNICA; 2- COMPOSITIVA; 3- EMOCIONAL.¿Quieres saber como hacer una crítica fotográfica? Entra en Archivos del grupo y léelo.

“Lo que vemos, depende principalmente de lo que buscamos”. John Lubbock

Óscar Primo. Tema: Blanco y negro

Nikon D3100, 24 mm, ISO 100, f/11, 15 seg.

“El Templo de Debod, para mí, es un lugar especial de bonitos recuerdos y quise representar el lugar de forma especial. Entendí que la foto pedía simetría, por la situación del entorno y la forma del monumento. El mayor reto para conseguirlo era poder obtener un reflejo en el agua lo más nítido posible. Realicé unas 90 tomas hasta conseguir lo que tenía en mente desde el principio. Utilicé tabla hiperfocal y la medición es puntual a la zona iluminada del monumento. Recorté la foto en la parte izquierda de los árboles, por carecer de interés. La elección de blanco y negro fue a posteriori”.

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Enlace FacebookGes Rules. Tema: Retrato

Canon 60D, 35 mm, ISO 400, f/5.6, 1/90

“En realidad, esta foto creo que no la habría hecho nunca si no fuera por Álvaro Sanz. Cada cierto tiempo, crea un evento muy bonito que se llama “Despierta”. Propone un día y una hora, y todos aquellos que quieran participar fotografían el amanecer.

Ese día, me animé a participar. Me levanté a las 6:30 y estaba nublado.

David Sagasta, fotógrafo y amigo, me había enseñado a hacer este tipo de fotografía, a través del cristal. Él es quien aparece en la imagen.

Abrí las ventanas para intentar sacar algo interesante, pero no me gustaba lo que veía fuera, no transmitía nada. Y de pronto vi cómo se reflejaba el amanecer en su sueño. Ahí ya había una historia”.

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David Sagasta Mora. Tema: Luces urbanas.

Nikon D90, 50mm, ISO 3200, 1.8, F/ 2, 1/60 seg,

“La foto fue tomada una noche, en un parque cercano a Cuatro Caminos, mientras paseaba con mi amiga Esther (Ges Rules), y habían plantadas hierbas aromáticas por toda la zona del parque. Esther y yo hicimos un alto junto a un arbusto de lavanda y ella, instintivamente, comenzó a acariciar los brotes. Entonces, me fijé en que era una imagen bonita, que además estaba iluminada por una farola muy cercana a nosotros y que también a lo lejos, tras la mano de Esther, se veían parpadear luces de automóviles y de algún edificio cercano... y al enfocar, en primer plano la mano y la lavanda, las luces de fondo crearon un Bokeh muy bonito y de variado color”.

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Crítica fotográfica.

Autor: María Eugenia Espino. Tema: Blanco y negro

Nikon D7000, 8 mm, ISO 200, f/22, 6 seg. Cámara sobre trípode, revelada en LT y tratada en blanco y negro con PS y Silver efex pro. 2013.

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ENFOCAR O RESALTAR DETALLES POR FILTRO PASO ALTO

Paso Alto es un filtro de detención de bordes de una imagen, como cualquier enfoque. Lo que hacemos es aplicar contraste, ¿qué puede pasar? Que la foto nos revela colo-res que estaban escondidos, pero que, al aplicarse contraste, se pue-den saturar contaminando el color.

Para solucionar esto, hay que des-aturar la capa en la que hemos aplicado el filtro y así eliminamos ese color parásito.

La ventaja de este filtro es que ob-tenemos mucho control sobre el re-sultado, pero hay que tener mucho cuidado con los halos. Para evitar-los, se suele usar un radio entre 1 y 3, pero hay que ir probando.

El enfoque debe ser el último paso de la edición. Se hace después de haber combinado todas las capas con Cmd+Alt+May+E.

En esta foto, le voy a aplicar el fil-tro Paso Alto solo al sombrero y al jersey, y le voy a poner un radio de 8 píxeles para que se vea bien la diferencia:

Retoque fotográfico

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Foto Nº1: Abrir ima-gen y duplicar la capa fondo con Ctrl/Cmd+J. También se puede duplicar dándo-le clic al botón dere-cho del ratón sobre la capa fondo_duplicar capa.

Foto Nº2: Selecciono esta capa recién crea-da y cambio el modo de fusión de normal a superponer. Según el efecto que queremos conseguir, después de hacer el enfoque, po-demos probar también con otros modos de fu-sión como luz suave o luz fuerte.

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Foto Nº3: En la capa nueva, voy a Filtro-Otro-Paso Alto.

Foto Nº4: Solo hay un control disponible en el cuadro de diálogo. Aquí pongo el radio que crea mejor, en este caso de 8 píxe-les. Todo dependerá del tamaño de la ima-gen con la que traba-jemos. Según vayamos aumentando el valor, lo iremos apreciando en la imagen en modo previsualizar.

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Fotos Nº5 y 6: Si lo que queremos es dejar el efecto del enfoque solo sobre una zona en concreto, creare-mos una máscara en la capa, para enseñar o esconder el efecto en la zona deseada. Para crear una más-cara de capa directa-mente en negro, con la tecla pulsada “alt”, hacemos clic en “aña-dir máscara de capa”. Ahora solo tendremos que ir pintando sobre ella, con un color blan-co en las zonas donde queremos descubrir el efecto. Recuerda que puedes trabajar con diferentes opacidades de pincel para enseñar el enfoque con diferen-tes potencias.

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Foto Nº7: Con el pincel a más baja opacidad, he pintado el jersey. Acoplo y guardo.

Retoque fotográfico

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Retoque fotográfico

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CONTRASTES de Ana Molinos

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MOVIMIENTO de Lourdes Barreñada

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Inspiración por Javier Sada

Modelo:Sara Pardo

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Modelo:Sara Pardo

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Al plantear este artículo, me he acordado mucho de la serie de éxito The Big Bang Theory y de su protagonista Sheldon Cooper. En algunos capítulos, Sheldon habla en el idioma klingon (lengua vernácula de la raza klingon en el universo de Star Trek). Pues bien, pretender traducir las siglas de los objetivos me ha parecido, en ocasiones, estar estudiando el idioma klingon.

Así pues, en esta continuación del artículo anterior, intentaremos explicar lo que significan las siglas de los distintos objetivos. Será casi una hazaña porque cada fabricante utiliza diferentes formas para describir las características de sus productos. Sería mucho más sencillo para el usuario final si las marcas se pusiesen de acuerdo y configurasen una tabla estandarizada de siglas.

Es importante conocer el significado de estas siglas porque, cada vez más, los fabricantes perfeccionan su ingeniería óptica, dotando a las lentes actuales de una mayor sofisticación para ofrecer mayores prestaciones. Su conocimiento nos hará sabedores de sus características principales y

nos ayudará a elegir un objetivo en función de nuestras necesidades.

Las siglas de los objetivos.

Canon

EF (Electro Focus): La montura EF es la estándar en la familia de cámaras SLR y DSLR Canon EOS. Se trata de una montura de bayoneta en

Píldoras fotográficas

Por Pascual Serra.

Imagen frontal de un objetivo Canon.

LOS NÚMEROS Y LAS SIGLAS DE LOS OBJETIVOS (II)

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la cual toda la comunicación entre cámara y objetivo se realiza a través de contactos electrónicos. El elemento clave de este objetivo es que el autofoco es manejado por un motor eléctrico incorporado en el objetivo. Son lentes que funcionan en cámaras con sensores Full Frame y APS-C.

EF-S: Esta montura es una variación de la montura EF. La diferencia radica en que está creada únicamente para cámaras réflex digitales con sensores de formato APS-C. La letra “S” significa en inglés “short back focus” (enfoque corto trasero) y hace referencia al hecho de que, en estos objetivos, el lente posterior del objetivo está más próximo al sensor de la cámara que en una de 35 mm o Full Frame. Este hecho permite fabricar objetivos gran angulares más pequeños, más ligeros, con mayor apertura y más baratos. Es por ello que la mayoría de los objetivos Canon EF-S son objetivos angulares. Estos objetivos no pueden montarse en cámaras de sensor Full Frame.

EF-M: Objetivos creados exclusivamente para su uso con cámaras EOS M. Una línea de cámaras sin espejo de objetivos intercambiables, con un sensor de mayor tamaño que las compactas avanzadas. Algunos modelos de esta línea de cámaras vienen equipados con un sensor de formato APS-C.

IS (Image Stabilizer): Objetivos con estabilizador de imagen que reducen las vibraciones producidas por el pulso del fotógrafo al presionar el botón disparador. Es un mecanismo que detecta la fuerza y dirección de las vibraciones de la cámara, para así compensarlo desplazando algunos de sus elementos ópticos internos en dirección contraria, consiguiendo una imagen más nítida.

L (Luxury): Objetivos de gama alta por estar construidos con materiales y procedimientos que garantizan una óptima calidad física, resistencia y rendimiento óptico. Son objetivos robustos, lo que implica un mayor peso y un relevante sellado que proporciona una mayor resistencia al polvo y la lluvia. Los distinguirás

enseguida por su alto precio y por el aro rojo que incorporan alrededor de la parte delantera del objetivo.

USM (UltraSonic Motor): Sistema de enfoque muy rápido y silencioso basado en ultrasonidos.

DO (Diffractive Optical): Objetivos que tienen elementos ópticos difractivos junto con una lente convexa reflectiva para compensar las aberraciones cromáticas. Los objetivos DO son significativamente más cortos y ligeros que cualquier otro objetivo de su misma focal.

UD (Ultra Low dispersion): Objetivos que emplean elementos ópticos de baja dispersión para mitigar las aberraciones cromáticas que se suelen dar, fundamentalmente, en los teleobjetivos.

IF (Internal Focus): Estos objetivos enfocan mediante el movimiento interno de las lentes con lo que las dimensiones del objetivo no se alteran. Se busca con ello una mayor estabilidad en el enfoque debido a la reducción del peso del grupo de lentes.

MP-E (Macro Photo Extreme): Objetivo de calidad muy alta, de alta definición y unfoque muy fino, de uso exclusivo para macrofotografía.

TS-E (Tilt and Shift): Esta familia de objetivos descentrables hace referencia a dos tipos de movimientos que puede hacer el objetivo. Tilt indica la rotación del plano de la lente en relación con el plano de la imagen y shift se refiere a la inclinación y el movimiento de la lente paralelo al plano de imagen, para evitar la convergencia de líneas paralelas como sucede, por ejemplo, en los edificios altos.

RF (Rear Focus): Objetivos equipados con un sistema que mueve el grupo de lentes de la parte posterior del objetivo de forma silenciosa, buscando un mayor rendimiento óptico.

Nikon

AF (AutoFocus): Esta fue la primera generación de objetivos con autofoco de Nikon. A través de un engranaje mecánico entre la cámara y el objetivo, se enfoca la imagen. Todas las cámaras SLR con autofoco de Nikon son compatibles con los objetivos AF de Nikon que cuenten con una CPU (unidad central de procesamiento). Aunque si dispones de cámara digital de nivel intermedio, como las D40 o D60, y montas un objetivo de este tipo, tendrás que enfocar de forma manual.

AF-D (AutoFocus with Distance data): Nikon lanzó los objetivos de la serie AF-D en 1996. Aunque estos objetivos tienen un aspecto parecido al de los objetivos AF, contienen un microchip de codificación que transmite la información de distancia de enfoque al cuerpo de la cámara. Esta información se utiliza para mejorar la precisión de los sistemas de medición del flash y de la exposición de las cámaras.

AF-I (AutoFocus Internal): La diferencia que hay entre estos objetivos y los anteriores es que cuentan con un motor de enfoque incorporado en el objetivo, en lugar de utilizar el motor de enfoque automático incorporado en el cuerpo de la cámara. Este sistema permite realizar un enfoque más rápido.

AF-S (AutoFocus with Silent wave motor): Es una evolución del AF-I y realiza un enfoque automático prácticamente mudo.

AF-G (AutoFocus Gelded): Gelded significa castrado y hace referencia a que este tipo de objetivos carecen de anillo de diafragmas, por lo que un objetivo de esta línea no funcionará en una réflex antigua, pues no habrá forma de ajustar la abertura.

DX: Estas siglas hacen referencia a los objetivos cuyo tamaño del sensor es15,8 x 23,6 mm. Son objetivos diseñados para emplearse en cámaras de formato APS-C y aunque sí podrán utilizarse en cámaras Full Frame, el

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Frame, el resul tado será una imagen viñeteada.

FX: Son objetivos exclusivos para cámaras con sensores Ful l Frame, cuyas medidas son 24 x 36 mm. Si uti l izamos un objetivo FX en una cámara de sensor DX, el círculo de imagen que produce el objetivo es mayor que el área del sensor, por lo tanto, el campo de visión se corta y la imagen aparece ampliada. Esto signif ica que el objetivo t iene una ampliación aparente de la distancia focal de 1,5 veces la cifra mencionada.

ED (Extra-Low Dsipersion), LD (Low Dispersion), UD (Ultra-Low Dispersion): Estas lentes son fácilmente identi f icables por su banda dorada alrededor del objetivo. Los objetivos que l levan impresas estas siglas consiguen reducir las aberraciones cromáticas que se dan especialmente en los teleobjetivos por encima de los 300mm.

IF (Internal Focus): Sistema por el cual se enfoca mediante el movimiento interno de las lentes,

manteniendo las dimensiones del objetivo.

RF (Rear Focus): Sistema idéntico al anterior, solo que en este caso es el elemento trasero o de grupo el que se desplaza para conseguir el enfoque.

DC (Defocus Control): Son objetivos optimizados para un enfoque mucho más fino y selectivo. Lo uti l izan usuarios más avanzados que buscan variaciones muy suti les en las áreas fuera de foco. Son objetivos excelentes para la fotografía de retrato.

VR (Vibration Reduction): Estabil iza la lente y la vibración motivada por el pulso del fotógrafo. Característ ica muy úti l para disparar a pulso con poca luz, además de ahorrarte el tr ípode en algunas si tuaciones.

SWM (Silent Wave Motor): Sistema de enfoque muy rápido y si lencioso basado en ul trasonidos

N (Nano): Estos objetivos incorporan un revestimiento antirref lectante con lo que elimina posibles f lares y efectos ghost,

además de dar más contraste y saturación a las imágenes capturadas.

PC (Perspective Control): Objetivos como los TS de Canon, capaces de cambiar el ángulo de incidencia de la imagen mediante la rotación de la lente. Idóneos para exagerar la perspectiva o mantener l íneas paralelas en edificios.

MICRO: Lo que el todo el mundo l lama macrofotografía, Nikon lo denomina Micro.

UW (Under Water): Objetivos diseñados para ser uti l izados bajo el agua.

Imagen donde se puede apreciar varias de las siglas que Nikon uti l iza.

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Sigma

DC (Digital Compact): La serie DC está diseñada por Sigma específicamente para los sensores de imagen de tamaño APS-C. Su uso en cámaras Ful l Frame provocará el viñeteado.

DG (Digital Grade): Serie diseñada para ofrecer el máximo rendimiento en las SLR digitales Ful l Frame.

DN (Digital Neo): Objetivos de alto rendimiento, diseñados exclusivamente para cámaras de lentes intercambiables sin espejo.

APO (Apochromatic): En busca de una óptima calidad, estos objetivos se construyen uti l izando cristales de baja dispersión, con el objetivo de minimizar las aberraciones cromáticas.

ASP (Aspherical): Las lentes asféricas ofrecen una mayor l ibertad de diseño, aumentan el

rendimiento, permiten el uso de un menor número de elementos de lentes y permiten un tamaño más compacto.

OS (Optical Stabilization): Un mecanismo estabil izador óptico ayuda a asegurar una imagen nít ida, mientras que ofrece l ibertad de movimiento y más f lexibil idad en la configuración de la cámara.

HSM (Hiper-Sonic Motor): Hace uso de un motor impulsado por ondas ul trasónicas. Estas lentes ofrecen un rápido enfoque automático y un funcionamiento si lencioso.

RF (Rear Focus): Los elementos de enfoque están localizados en la parte trasera de la lente, lo que contribuye a un enfoque más rápido y a una reducción de ruido sustancial.

IF (Inner Focus): Para aumentar la estabil idad de la lente, estos objetivos uti l izan elementos

móviles internos que ajustan el enfoque sin cambiar la longitud del tubo del objetivo.

EX (Excellence): Objetivos de gama alta que mantienen su máxima apertura de diafragma, independientemente de la posición del zoom.

HF (Helical Focus): Objetivos en los cuales el elemento frontal no rota. Especialmente úti les cuando se usan fi l t ros ópticos frontales, como el polarizador.

ELD (Extraordinary Low Dispersion): Estos objetivos poseen las característ icas necesarias para reducir las aberraciones cromáticas.

Tamron

Di (Digitaly Integrated): Los objetivos DI proporcionan un rendimiento excepcional en las cámaras Ful l Frame y la de sensores de formato APS-C, así como en la película de 35mm.

Di II: Diseñadas expresamente para cámaras SLR digitales con sensores APS-C, por lo que no podrán uti l izarse en cámaras Ful l Frame.

Di III: Objetivos diseñados para las cámaras de lentes intercambiables sin espejo.

If (Internal Focus): Foco interno que proporciona numerosos beneficios prácticos, incluyendo un anil lo no giratorio frontal que facil i ta la colocación de fi l t ros de polarización y su manipulación al mantener la longitud del objetivo, pues esta no varía durante el enfoque.

AD (Anomalous Dispersion): En estos objetivos, una de sus lentes es un vidrio óptico especial que logra un control más preciso de las aberraciones ópticas, mejorando así el rendimiento global de formación de imágenes.

LD (Low Dispersion): Se compone

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Imagen de un objetivo Sigma.

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de elementos de vidrio de baja dispersión en las lentes, que le ayudan a reducir la aberración cromática.

ASL (Aspherical Lens): Tamron uti l iza diversos elementos asféricos híbridos en muchos de sus objetivos. Estas ópticas innovadoras permiten alcanzar la máxima calidad de imagen, y al mismo tiempo, producir lentes que ofrecen rangos de zoom notables en paquetes extraordinariamente compactos.

SP (Super Performance): Esta es una línea de lentes de ul tra-al to rendimiento, diseñados y fabricados con las especificaciones exactas exigidas por los profesionales y otros que requieren la más alta calidad de imagen posible.

VC (Vibration Compensation): Mecanismo que detecta la ampli tud y dirección de la vibración y lo compensa moviendo grupos ópticos dentro del objetivo, consiguiendo así una imagen más nít ida.

FEC (Filter Effect Control): Anil lo diseñado para girar el f i l t ro frontal a la posición deseada, mientras el parasol está anclado. Esto se consigue girando el FEC, que a su vez gira la parte del f i l t ro que está montado en el objetivo.

USD (Ultrasonic Silent Drive): Sistema de enfoque de alta velocidad.

XR (Extra Refractive): El cristal XR mejora el rendimiento fotográfico, minimizando las aberraciones ópticas. Con este sistema, Tamron ha sido capaz de acortar la longitud de todo el sistema óptico y producir objetivos más l igeros.

Cómo habréis comprobado, en la mayoría de los casos, los fabricantes se empeñan en personalizar las siglas sin l legar siquiera a parecerse a sus competidores; pero, al f inal, el concepto sigue siendo el mismo en casi todos.

Por úl t imo, deciros que, después de leer este art ículo, os será mucho más fácil estudiar el idioma klingon; aunque no os lo recomiendo porque, si ya de por sí los fotógrafos somos algo “rari tos”, imaginaos que os convert ís en una especie de Sheldon Cooper fotógrafo.

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Imagen de una lente Tamron.

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No sé que hago mal en mis fotos de retrato que todas las caras salen extrañas, antinaturales. Me refiero al color, todas tiran a rojizos o amarillos muy poco estéticos. Trabajo con Nikon. He leído por ahí algo sobre nikon y los rojos pero no sé cómo solucionarlo :( Gracias

La verdad es que el color en digital es algo que no es muy complicado de manejar pero si hay que tener un poco de conocimiento del tema. Nuestros dispositivos de entrada (cámaras de fotos) interpretan los colores de manera individual y cada uno de manera diferente. Con el fin de estandarizar esa interpretación se crearon los perfiles ICC que nosotros podemos seleccionar desde la cámara desde un menú que dice algo como “profundidad de color”. Nos encontramos con el “adobe RGB 1998” y con el sRGB donde el primero es un poco mas amplio. Si disparamos en RAW ese problema no lo tenemos porque el sensor captará la máxima profundidad de color que pueda.Aun así, la mayoría de las cámaras dejan unos colores poco naturales y necesitamos de un programa de edición para poder dejar más neutra la

fotografía.También si estamos tirando en jpeg podemos entrar en los menús de cámara y cambiar opciones de interpretación a una más “vívida”, “paisaje”, “retrato”... donde los ajustes de tono, saturación, nitidez y contraste se pueden variar y ajustarlos a nuestro gusto.

Estoy pasando, como muchos, por “una baja fotográfica”, que consejo nos tienes y que puedes decir al respecto.

Los bajones fotográficos son ley de vida en cualquier persona que haga fotografías. Son esos días donde te planteas si realmente lo que haces es bueno, si realmente te llena la fotografía, etc...Por experiencia creo que es una buena oportunidad para cambiar de forma de hacer las cosas. Si por ejemplo hago paisajes y llega un momento en el que estoy estancado y de bajón, rompo con todo y me pongo a hacer retratos o fotografía artística.Deja la cámara una semana en casa y cámbiala por papel y boli. Apunta inquietudes y escribe historias. Historias donde dejes parte de tus vivencias y una vez que tengas eso, intenta recrearlas en fotografías. Pásate al lado de la

fotografía artística, experimenta, no te quedes con un simple paisaje. Pon de tu parte y rompe las reglas.Y sobretodo...relativizar esos bajones y relajarnos nos hará llevarlo mejor.Espero haberte ayudado, y sino, escríbeme y nos vamos de cañas. ;)Gracias x tu pregunta amigo!

Que cámara me recomiendas para tomar fotos geniales? estoy comenzando en la fotografía y me gustan las reflex pero no tengo mucho dinero

Jajajaja, me hace gracias eso que dices de “una cámara para tomar fotos geniales”. Todo va a depender del que maneje la cámara. Si que es cierto que la cámara ayuda mucho (para que engañarnos) pero lo que realmente hace las “fotos geniales” es el fotógrafo.Tenemos una gran ventaja en este sentido porque ahora por poco dinero podemos conseguir equipo realmente decente para empezar (incluyendo réflex)

Preguntas del lector

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