EL SIGLO XX Y EL MUNDO ACTUAL. El arte del siglo XX. · PDF fileEl arte del siglo XX. La...
60
EL SIGLO XX Y EL MUNDO ACTUAL. El arte del siglo XX.
Transcript of EL SIGLO XX Y EL MUNDO ACTUAL. El arte del siglo XX. · PDF fileEl arte del siglo XX. La...
EL SIGLO XX Y EL MUNDO ACTUAL.
El arte del siglo
XX.
El arte del siglo XX.
La crisis del siglo XX exigió a los artistas
una actitud más comprometida con la
sociedad en la que vivían.
El arte del siglo XX.
A diferencia del Renacimiento, donde se
buscaba la belleza ideal, o del Barroco,
donde se busca una representación lo
más realista posible…
El arte del siglo XX.
…el arte del siglo XX se convirtió en un
instrumento para denunciar los problemas
sociales del momento y la angustia del ser
humano.
El arte del siglo XX.
Las dos grandes guerras del siglo influyeron
fuertemente a los artistas.
El arte del siglo XX.
El arte del siglo XX.
A los artistas no les interesaba reproducir el
mundo de una manera realista, sino desde
un punto de vista personal.
En muchas
ocasiones, se
alteran las formas y
colores reales.
El arte del siglo XX.
El arte del siglo XX.
El arte del siglo XX.
A veces se pierde toda relación con la realidad.
El arte del siglo XX.
La angustia y el sufrimiento por los
acontecimientos del siglo XX suele
estar muy presente.
El arte del siglo XX. Arquitectura.
La arquitectura del siglo XX suele cumplir
con estas características:
• Estar al servicio de las personas.
• Utilizar nuevos materiales.
• Basarse en la geometría.
• Integrar los edificios en el entorno.
El arte del siglo XX. Arquitectura.
Arquitectura al servicio de las personas.
Trata de hacer la vida más cómoda y
agradable.
El arte del siglo XX. Arquitectura.
El arte del siglo XX. Arquitectura.
Uso de nuevos materiales industriales de
construcción.
Hormigón armado.
El arte del siglo XX. Arquitectura.
El arte del siglo XX. Arquitectura.
Acero.
El arte del siglo XX. Arquitectura.
El arte del siglo XX. Arquitectura.
Aluminio
El arte del siglo XX. Arquitectura.
Vidrio
El arte del siglo XX. Arquitectura.
Se construye el edificio pensando en su
función.
El arte del siglo XX. Arquitectura.
Importancia a las formas simples y a la
geometría.
El arte del siglo XX. Arquitectura.
El arte del siglo XX. Arquitectura.
Integración de la arquitectura en su
entorno.
El arte del siglo XX. Escultura.
Los escultores del siglo XX no querían
representar la realidad. Para ello
simplificaron o distorsionaron las formas
reales.
El arte del siglo XX. Escultura.
El arte del siglo XX. Escultura.
A veces no tienen nada que ver con la realidad.
El arte del siglo XX. Escultura.
Utilizaron todo tipo de materiales:
Hierro. Plástico.
Mármol.
Materiales reciclados.
El arte del siglo XX. Escultura.
En casi todos los casos buscan alejarse de
la realidad visible.
El arte del siglo XX. Pintura.
Durante el siglo XX, la pintura también quiso
alejarse de la realidad y representar los
acontecimientos que se vivieron.
El arte del siglo XX. Pintura.
Surgieron nuevas tendencias que
experimentaban con el color y con las
formas para buscar la expresividad.
Action - Painting
Término acuñado por el crítico norteamericano Harold
Rosenberg, para designar una técnica pictórica gestual, que
consiste en aplicar el color directamente sobre un lienzo
extendido en el suelo, mediante el procedimiento conocido como
dripping o "chorreo".
El Action Painting significa en español “Pintura de Acción” y es
una corriente pictórica abstracta de carácter gestual que
adoptaron varios miembros de la escuela estadounidense del
expresionismo abstracto. Desde el punto de vista técnico,
consiste en salpicar con pintura la superficie de un lienzo de
manera espontánea y enérgica, es decir, sin un esquema
prefijado, de forma que éste se convierta en un “espacio de
acción” y no en la mera reproducción de la realidad.
El Action Painting tiene sus orígenes en las creaciones
automáticas de los surrealistas; por ejemplo, los dibujos y
pinturas de arena de André Masson.
Jackson Pollock. Número 8 (1949).
Jackson Pollock. Número 1 (1949)
Surrealismo
Salvador Dalí,
Crucifixión o Corpus
Hipercubicus, 1954,
194.5 x 124 cm., óleo
sobre lienzo,
Metropolitan Museum,
New York.
René Magritte.
El castillo de
los Pirineos
(1959)
René Magritte.
El imperio de las
luces (1954)
Museo Peggy
Guggenheim.
Venecia.
René Magritte
El dominio de
Arnheim (1949)
Joan Miró - The Skiing Lesson - 1966
Op Art
Surge en EE.UU. hacia 1958.
La primera exposición oficial tiene lugar en el Museo de Arte
Moderno de Nueva York en 1965 y se tituló "The Responsive Eye"
(El ojo sensible). Ese mismo año, Vasarely, cuyos experimentos
ópticos se remontan al año 1932, recibió el primer premio de la
Bienal de São Paulo.
En Europa, el Op-art surgió a mediados de los años sesenta como
un movimiento denominado nueva tendencia en el que se engloban
varios grupos diferentes de artistas.
El Op-art tuvo una gran aceptación popular, aunque muchos críticos
lo calificaron como "poco inteligente". Muchos de los diseños de las
obras "op" fueron explotados con fines comerciales por la industria
de la moda, de los tejidos y de la publicidad. Esta saturación del
diseño "op" contribuyó a la banalización y rápido envejecimiento de
este estilo artístico.
CARACTERÍSTICAS
• Ausencia de figuración o de referencias subjetivas de carácter
emocional.
• Creación de efectos visuales (vibración, parpadeo, movimiento
aparente, muaré) mediante tramados, líneas sinuosas paralelas,
contrastes bi o policromáticos, cambios de tamaño, inversiones
de figura y fondo, seriaciones, repetición y multiplicación de
estructuras, combinaciones de formas y figuras ambiguas .
• Composiciones estructuradas mediante espacios
geométricamente ordenados de diferente tamaño o mediante
módulos repetitivos y en variación.
• Participación del observador: en muchos casos el observador
necesita moverse delante de la obra para apreciar toda la gama
de efectos ópticos.
• Empleo frecuente de pintura acrílica para conseguir colores
impecablemente lisos y uniformes.
• Colores planos de contornos netos (hard edge).
Victor Vasarely
Cheyt M.
Victor Vasarely
K- Tridem
Victor Vasarely Vonal
Ksz
Pop Art
Surge en EE.UU. e Inglaterra hacia 1955 y se convierte en el
estilo característico de los años sesenta.
El término de “Pop art" (abreviación de "popular art") fue utilizado
por primera vez en 1954 por el crítico Lawrence Alloway para
denominar al arte popular que estaba creando la publicidad, el
diseño industrial, el cartelismo y las revistas ilustradas.
La vanguardia artística de mediados de los años cincuenta se
inspira en este arte popular de la sociedad de consumo para crear
obras figurativas con una temática absolutamente directa que las
haga accesibles al público en general.
Surge como reacción contra el expresionismo abstracto tan
alejado de la realidad y de la comprensión del público.
En Europa, una tendencia relacionada con el pop norteamericano
recibe el nombre de "nouveau realismo" (nuevo realismo).
CARACTERÍSTICAS
• Rechazo del expresionismo abstracto e intento de volver a poner
el arte en contacto con el mundo y la realidad objetual.
• Lenguaje figurativo y realista referido a las costumbres, ideas y
apariencias del mundo contemporáneo.
• Temática extraída del medio ambiente urbano de las grandes
ciudades, de sus aspectos sociales y culturales: comics, revistas,
periódicos sensacionalistas, fotografías, anuncios publicitarios,
cine, radio, televisión, música, espectáculos populares,
elementos de la sociedad de consumo y del bienestar (alimentos
enlatados, neveras, coches, autopistas, gasolineras, etc.).
• Ausencia de planteamiento crítico: los temas son concebidos
como simples "motivos" que justifican el hecho de la pintura.
• Tratamiento pictórico de forma no tradicional: aunque el lenguaje
es figurativo y representa objetos reales, no se concentra
exclusivamente en sus cualidades formales, sino que combina
éstas con sus cualidades abstractas intrínsecas gracias al
empleo de imágenes familiares y fácilmente reconocibles.
• Representación de carácter inexpresivo, preferentemente
frontal o repetitiva.
• Combinación de la pintura con objetos reales integrados en
la composición de la obra (las combine paintings de
Rauschemberg): flores de plástico, botellas, etc., en un
nuevo planteamiento dadaísta acorde con los nuevos
tiempos (neodadaísmo).
• Preferencia por las referencias al "status" social, la fama, la
violencia y los desastres (Warhol), la sexualidad y el
erotismo (Wesselmann, Ramos), los signos de la tecnología
industrial y la sociedad de consumo (Ruscha, Hamilton, etc.).
• Formas y figuras a escala natural y ampliada (los grandes
formatos de las imágenes del comic de Lichtenstein).
• Colores puros, brillantes y fluorescentes, inspirados en los
empleados en la industria y los objetos de consumo.
Andy Warhol,
Lata de sopa Campbell.
Andy Warhol,
Elvis, 1964.
Andy Warhol,
Marilyn.
Robert Rauschenberg. Trophy II (for Teeny and Marcel Duchamp), 1960
oil, charcoal, paper, fabric, metal on canvas, drinking glass (not original), metal chain, spoon
90 x 118 in.
Robert Rauschenberg
Rétroactive 2. 1964
Sérigraphie et peinture à l'huile
Galerie LLena Sonabend, Paris
Tom Wesselmann: Great American Nude No. 98, 1967
Jasper Johns. Flag (1954)
Roy Lichtenstein,
El beso.
Roy Lichtenstein
Woman in Bath, 1963
Oil on canvas
171 x 171 cm
Museo Thyssen-
Bornemisza, Madrid
