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EL OFICIO DEL DIRECTOR 1
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EL OFICIO DEL DIRECTOR 1
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- EL DIRECTOR TOMA DECISIONES
- TODO DEPENDE DE LA VISIÓN
- EL VALOR DEL DIRECTOR
- El CINE ES UN TRABAJO EN EQUIPO
- EL GUIÓN ES LA BASE DEL DIRECTOR
- ¿CÓMO LEE UN GUIÓN UN DIRECTOR?
- HERRAMIENTAS DEL DIRECTOR:
TRATAMIENTO
- HERRAMIENTAS DEL DIRECTOR: STORY-
BOARD
- PREPARACIÓN
- CALENDARIO PRODUCCIÓN
- EL EQUIPO DIRECCIÓN
- LA PLANIFICACIÓN:
o DESGLOSE, PLAN CAMARAS, HOJA
EQUIPO, PLAN DE TRABAJO Y
RODAJE
- CASTING Y ENSAYOS
- LA GRABACIÓN
- LA EDICIÓN Y POSTPRODUCCIÓN
- PROMOCIÓN
- EL DIRECTOR COMO MARCA COMERCIAL
- COSAS A TENER EN CUENTA
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— EN BUSCA DEL EQUILIBRIO ENTRE LA NARRATIVIDAD Y LA EXPRESIVIDAD —
Hay quienes eligen qué películas ir a ver por su tráiler, otros deciden según el elenco artístico,
la franquicia e incluso hay quienes eligen por el título y el poster mientras están en la fila para
comprar entradas. Pero, sin saberlo, la dirección es uno de los criterios más importantes al
elegir qué ver en el cine es quién dirige la película. Pero a fin de cuentas ¿qué hace en
concreto un director?”. Porque todos sabemos que es uno de los cargos más importantes en
una película, pero no todos tenemos tan claro al ver la película, en qué se refleja su trabajo.
El director no interpreta como un actor, no compone la música, no la ejecuta, no graba
las escenas, ni siquiera es el que toma los pedazos grabados y corta en pedazos para
ponerlos unos tras otros (proceso montaje/edición). Bueno, a veces, hacen algunas
de estas cosas, pero no es un requisito. El director, en rigor, pareciera que no hace
nada, porque cada aspecto de la película está cubierto por otra persona: encargado
de efectos visuales, coordinador de piruetas, encargado de casting, guionista,
encargado de efectos sonoros, director de fotografía y un infinito etc. Entonces ¿Qué
hace en la práctica?
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Un director toma decisiones.
Es como un capitán encargado de que un barco llegue a destino. Coordinando a toda la
tripulación, pero con la importante diferencia: el director es quien decide el destino. Es
cierto que si le piden realizar una nueva película de la franquicia Terminator y le entregan el
guión listo, no va a poder filmar una película infantil de Los Pitufos, pero lo que hay que
entender es que con un mismo guión es posible filmar mil películas diferentes.
Todo depende de la visión.
La verdadera labor del director es tomar decisiones para que la película responda lo más
posible a la idea que él tiene de cómo debe contarse esta historia en específico. Y mientras
más respetado sea el director y más destacada sea su trayectoria, más poder de decisión
tendrá sobre cada aspecto de la película.
Una buena forma de ver como un director le puede dar un aire totalmente diferente a una
historia es ver las películas de Alien. ¿Por qué son tan distintas unas de otras? Porque
aunque el actor, la franquicia y el género es siempre el mismo, cada director ha entregado
una visión muy diferente en cada película.
¿No crees que el director tenga tanto poder para cambiar el tono de una historia? Mirar
estos ejemplos de EL RESPLANDOR, TITANIC Y DOS TONTOS MUY TONTOS en tres
claves distintas:
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El valor del director.
La gracia del director no es controlarlo todo, menospreciando la labor de su equipo y haciendo
el trabajo por ellos. La gracia de un buen director es que tiene una idea clara de cómo
aprovechar al máximo el potencial narrativo de un guión y conduce al equipo para que
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cada uno trabaje en pos de un objetivo común: hacer brillar ese potencial que el
encontró e imaginó al leer la historia.
El cine es un arte de equipo, probablemente el único que abrace completamente esa
expresión, aunque el artista máximo sea, deba ser el director. En esencia, ha de saber
transmitir su mirada y sus intereses a sus jefes de equipo, y hacerles partícipes de esa
creación, de tal modo que todos vayan, como si de un barco se tratase siguiendo las órdenes
de su capitán, hacia el mismo puerto. Esto a veces es complicado porque la mayoría de las
películas el director de fotografía o el de arte saben más de fotografía y de arte que el
director, incluso saben más de dirección de actores que el director, por la sencilla razón de
que han trabajado en más películas que él, y es fácil que terminen dirigiendo ellos la película.
Además, tienen su ego, y el director debe inmiscuirles en su búsqueda de la forma que
pueda, o la película se resentirá mucho de ello.
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—EL GUIÓN ES LA BASE DEL DIRECTOR—
Un guion literario es un texto que contiene una historia que ha sido pensada para ser narrada
en imágenes y sonido. En él se detallan las acciones y los diálogos de los personajes,
acompañándolos con descripciones generales de los escenarios y acotaciones para los
actores. La historia se escribe de manera visible, pero sin dar indicaciones técnicas para la
realización de la película ni sobre el trabajo de cámara.
Los guiones literarios se escriben en un formato específico que permite que el director, los
actores y el resto de personas que intervengan en la realización puedan interpretar el texto
fácilmente.
El guión es el punto de partida que tiene el productor, el organizador para realizar su trabajo,
el director para crear su obra y el resto del personal que interviene para efectuar cada uno su
trabajo.
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El guión es un trabajo previo a cualquier tarea de planificación, tanto de la organización como
del presupuesto. El guión es un trabajo de creación artística que puede partir de una idea a
partir de la cual se desarrolla o de una obra literaria existente (novela, obra de teatro,
narración breve o cuento). Las fases de creación de un guión pueden seguir los siguientes
pasos: Sinopsis, Escaleta, Tratamiento, Guión literario, Guión técnico y Guión de
trabajo.
“Con un buen guión un buen director puede producir una obra maestra. Con el mismo
guión, un director mediocre puede producir una película pasable. Pero con un guión
malo ni siquiera un buen director puede hacer una buena película”. AKIRA KUROSAWA
¿CÓMO LEE UN GUIÓN UN DIRECTOR?
Un guión se divide en secuencias, que son como los actos de una obra de teatro. Cada
secuencia lleva un encabezamiento que indica el lugar y el momento en que se va a
desarrollar. La secuencia se subdivide en escenas. Cada escena comprende uno o varios
planos, rodados en el mismo ambiente y con los mismos personajes.
La estructura del guión, como se dice más arriba, no tiene normas objetivas. Cada director,
productor o guionista, las más de las veces en conjunto, deciden aquello que es necesario
que conste en el guión.
Después de una primera lectura, donde sino lo hemos escrito nosotros el texto, nos habremos
enamorado para encauzarnos en la producción, comenzaremos con los pasos para la futura
escritura del guion .Para ello con frecuencia se adoptan una serie de marcas formales con el
fin de identificar los elementos de realización que quieren fijarse. Algunas de estas pueden
ser:
Anotaciones Sobre el texto del guion.
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Cada cambio de escenario: Se cambia la hoja para no caer en lo cotidiano
Cambios de plano: Línea Horizontal
Cambios de bloque o secuencia: Línea doble de distinto color
Datos de cámara en la columna de la acción: plano; indicando definición,
tamaño, angulación, movimiento, altura, modo de transición y diálogos.
Música y efectos: Se anotan a derecha de página abriendo un corchete que
abarque la parte del guion que ocupa.
Nombre del personaje: Subrayado
Contener los siguientes apartados: Nombre del escenario, Interior/Exterior,
día/noche, y numeración sucesiva de planos
HERRAMIENTAS DEL DIRECTOR: TRATAMIENTO
Es la herramienta que ayuda a hacerse una idea de lo que va a crear un director, un
panel con todas las ideas que inspiran esa próxima obra. Compuestos principalmente
por fotografías, breves textos, muestras de color y todo con lo que puedan ayudarse a
crear su trozo de inspiración. Un collage a lo grande. El que podéis ver abajo es el de
la producción ORGÍA, un ambicioso thriller psicológico.
Este dossier suele abarcar una: NOTA INTENCIÓN (como encabezamiento y luego una
explicación por departamentos del estilo de cada uno de ellos con un sentido o dirección
única.
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HERRAMIENTAS DEL DIRECTOR: STORY-BOARD
El «storyboard» es el dibujo detallado de todas y cada una de las tomas de la película. Cada
director lo hace de forma diferente. Acompaña al guión y es una herramienta de suma utilidad
en el momento del rodaje.
Un «storyboard» es esencialmente una serie grande de viñetas de la película o alguna
sección de la película producida de antemano para ayudar a los directores y los cineastas a
visualizar las escenas y encontrar problemas potenciales antes de que éstos ocurran.
Los storyboards incluyen instrucciones o apuntes necesarios que servirán al equipo de trabajo
para que éste se desarrolle dentro de un plan pre-establecido. Gracias a este elemento, el
director puede desglosar y segmentar su filmación sin seguir estrictamente el orden lógico de
la trama.
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El proceso de storyboarding, en la forma que se conoce hoy, fue desarrollado en el estudio de
Walt Disney durante principios de los años 1930, después de varios años de procesos
similares que fueron empleados en Disney y otros estudios de animación. El Storyboarding se
hizo popular en la producción de películas de acción viva durante principios de los años 1940.
En la creación de una película con cualquier grado de fidelidad a una escritura, un
«storyboard» proporciona una disposición visual de acontecimientos tal como deben ser
vistos por el objetivo de la cámara. En el proceso de storyboarding, los detalles más técnicos
complicados en el trabajo de una película pueden ser descritos de manera eficiente en el
cuadro (la imagen), o en la anotación al pie del mismo.
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—PRE-PRODUCCIÓN Y RODAJE—
PREPARACIÓN
Método de realización que consiste fundamentalmente en una especialización y coordinación
de tareas y en un orden muy concreto en el desarrollo de los proyectos. Partimos de la base
de que cuantos menos medios materiales y menos experiencia tengamos, más debemos
trabajar en la PREPARACIÓN a través de reuniones y elaboración documentación.
PLAN o CALENDARIO DE PRODUCCIÓN
La fase de pre-producción inicia una vez que se hadesarrollado satisfactoriamente un
proyecto y generalmente una vez que se ha obtenido elfinanciamiento necesario, además de
tener acuerdos con el personal clave.
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La fase de pre-producción es donde se planea el rodaje yse conjuntan todos los elementos
físicos, humanos y legales necesarios para la producción.
Durante la fase de pre-producción se calendariza (CALENDARIO DE PRODUCCIÓN) el
flujode las siguientes fases de producción.
En esta fase el guión está totalmente finalizado (aúncuando pueden haber revisiones
menores) y pasa a estar page-locked, donde los números de página y escenas nopueden
cambiar para facilitar el proceso de breakdown.
Diferentes equipos realizan diferentes tareas de manerasimultanea bajo la supervisión de
jefes de departamento yrespondiendo directamente al director o productor.
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LA PREPRODUCCIÓN: EL EQUIPO DE DIRECCIÓN:
Uno de los principales acometidos de un ayudante de dirección es intentar que el director esté
lo más tranquilo posible: que pueda centrarse en preparar el plano y debatirlo con el dire de
foto, que tenga tiempo para dirigir a los actores con calma… En definitiva, que no tenga que
estar pendiente de tiempos ni de dónde está cada quién, porque cuando quiere saber algo,
tú vas a estar ahí para él (o ella, entiéndase). Los ayudantes de dirección tratan de
ser un torbellino para el resto del equipo, y un valium para el director. Tratan
porque esto es cuanto menos complicado, y no siempre se consigue, pero es de sus
principales metas.
Desde el equipo de dirección nos aseguramos de que todos tengamos claro con qué
arrancamos.
LA PREPRODUCCIÓN: HOJA DE EQUIPO
Las hojas de equipo son esas tablas que a veces prepara Producción y otras nosotros, en
las que tenemos los datos de todo el equipo técnico. Sirven sobre todo para citaciones,
llamadas y mails de todo tipo, además de para crear los títulos de crédito. Todas las hojas de
equipo se parecen mucho, pero cuando las hago yo suelo utilizar ésta:
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LA PLANIFICACION
DESGLOSE DE GUIÓN (AYUDANTE DIRECCIÓN)
El desglose del guión es la base sobre la que se asienta cualquier plan de rodaje, porque
contiene muchísima información necesaria para hacer estimaciones (de tiempos, de
presupuesto, de todo). Un buen desglose de guión ahorra muchas horas de trabajo posterior,
de descoordinaciones y malos entendidos. Algunos directores prefieren hacerlo ellos, y en
ocasiones se aclara que lo haga producción y luego lo cotejen con nosotros, pero a mí me
toca encargarme por completo con frecuencia.
Yo sigo varios modelos, en función de cómo de complicado sea el proyecto en cuanto a
número de secuencias/cantidad de localizaciones, y a veces incluso combino los dos. La idea
del desglose es tener una primera visión organizada del conjunto, y que con un solo vistazo
cada departamento sepa qué se requiere de él en esa secuencia, así que tiene que ser lo
más claro posible.
Voy primero a por el de cuando no tenemos demasiadas secuencias, o cuando preferimos
algo más visual: mi adaptación del modelo de Hollywood (que si lo usan allí será por algo,
pero como os pongáis a imprimir varias copias se os va ir el presupuesto).
En este tipo de desglose los departamentos se separan por colores dentro de una tabla (o el
fondo de cada celda, o el color de la letra), de forma que cada departamento vea rápidamente
lo suyo buscando simplemente por su color. La estructura es fija de forma que también
funciona sabiendo en qué zona está lo que te implica. Y al ayudante de dirección le implica
todo, porque va a necesitar éste desglose para hacer la orden: si algo falta en la orden pero
tenía estar en rodaje, la culpa es SUYA (y cuando algo es culpa del ayudante, el resto del
equipo se regodea con muchas ganas). Así que por la cuenta que nos trae, esto lo tenemos
que hacer muy bien.
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LA PLANIFICACION: PLAN DE CÁMARAS:
Por último el guion técnico puede completarse con un plano de planta en el que se
especifican las posiciones de cámara y orden para las tomas, este método favorece la
planificación a producción, iluminación y sonido entre otros equipos. Cuando existen
problemas de interpretación de las tomas, se recurre a dibujarlas en un guion gráfico story-
board.
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LA PLANIFICACION: PLAN DE RODAJE:
El plan de rodaje es el paso intermedio en cuanto a la planificación. Lo hacemos
nosotros junto al departamento de Producción, teniendo ya los desgloses (no solo de
guión, también de localizaciones, reparto, etc.) y antes de la orden de rodaje.
Como en todo lo que venimos viendo, hay muchas formas de hacerlo y muchos programas
para ello, aunque el que se utiliza por excelencia es el Movie Magic Scheduling. Y como yo
nunca he sido de hacer las cosas por excelencia,normalmente utilizo Excel, porque me
resulta muy cómodo para jugar al Tetris moviendo columnas ya coloreadas. Y si no sois ni de
lo uno ni de lo otro, os recomiendo probar con Adobe Story (que es tipo CeltX pero también se
puede planificar), y con Scenios (que estoy empezando a trastear con él y cuando controle
más os contaré, pero os animo a probarlo y a que me contéis vosotros).
Como es un documento muy visual, creo que lo mejor que puedo hacer es explicaros cómo
lo hago yo paso a paso cuando lo hago en Excel, que es un programa que supongo que
tenéis todos y que como os digo, a mi me parece muy útil para estas cosas.
El primer paso es tener una escaleta (las secuencias ordenadas y numeradas incluyendo
localización y efecto). A medida que hayáis hecho más planes de rodaje, tendréis vuestra
propia plantilla y será muy sencillo rellenarla (con lo que cada uno crea que es más
importante), y la mía en Excel por lo pronto es algo así de sencillo:
Voy a obviar la parte de nombre del proyecto y demás y a centrarme en lo importante: en qué
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orden vamos a rodar las secuencias previstas. Lo primero que hago yo es rellenar cada
columna con una secuencia, separando en A-B-… las secuencias en las que haya un
cambio de escenario, incluso aunque no se hayan marcado como tal en el guión (mal
guionista, mal). Lo demás no tiene misterio: efecto (INT/EXT, D/N), si es en localización
natural o en plató (Loc. o Est., respectivamente), cuánto ocupa en el guión (ej. 1 2/8), y el
número de secuencia (incluyendo letra, ej. 2B).
En la parte de abajo veréis que aparecen, además del equipo de cámara, los personajes.
Rellenad cada celda con el nombre del personaje y el número que le corresponda en su
desglose, y poned ese número en las columnas de las secuencias en las que aparezca. El
resultado debería ser algo así:
El siguiente paso que sigo es colorear la columna de cada secuencia del color que le
corresponde, que es un estándar utilizado desde siempre en Hollywood para identificar el
efecto en un solo vistazo. Los colores van así:
INT/DÍA: blanco
INT/NOCHE: azul
EXT/DÍA: amarillo
EXT/NOCHE: verde
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Para el resto de efectos los colores varían un poco más, pero yo suelo utilizar rosa
para AMANECER y el naranja para el ATARDECER.
Además, se añaden bandas negras para separar las jornadas de rodaje. Esto de separar
por columnas o filas se llama 'stripboard' y se ha hecho siempre, aunque antes se hacía a
mano (y alguno todavía lo hace), recortando las columnas para luego cuadrar puzles
enganchando las tiras en una carpeta. Pero nosotros somos más modernos y llegados a este
punto, deberíamos tener algo así:
Y ahora viene lo más divertido y decisivo: ¿en qué orden rodamos? Ya os expliqué cuáles
son los motivos más comunes para decidirlo y el ideal a seguir, pero cada factor es
determinante así que no hay una norma fija (más allá de agrupar localizaciones y/o
interpretaciones). Lo que haremos será ir moviendo las columnas en el orden más lógico
posible, siguiendo también los motivos que plantee Producción y separando cada día con las
bandas negras. En nuestro caso, el resultado final sería éste:
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Y ahora ya… ¡podemos empezar con las órdenes de rodaje! Los más experimentados
sabréis que mucho de lo que he contado el Movie Magic lo hace él solito, pero yo os lo cuento
porque creo que es lo suyo entender porqué el programa hace lo que hace. Por eso y porque
reconozco que me encanta Excel porque soy muy maniática de la maquetación, y el Movie
Magic es bastante desquiciante para eso.
Y como lo prometido es deuda, aquí tenéis ejemplos de cómo es un plan de rodaje con otros
programas: Stripboard del AdobeStory, cortesía de MovieSoft
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Plan de Rodaje con Movie Magic Scheduling, de Mariana Diaz para Swagger Media Blog.
CASTING Y ENSAYOS
Se convocarán pruebas de cámara y entrevistas para seleccionar a los actores protagonistas
y secundarios, a partir de una descripción que el director hará de ellos. Una vez confirmada
su elección y disponibilidad, el ayudante de dirección coordinará un calendario de ensayos
individuales, grupales y de puesta en escena previos al rodaje. Es MUY IMPORTANTE que el
director trabaje intensivamente con los actores mediante ENSAYOS, todos los que hagan
falta según las dificultades peculiares de cada personaje. Hay que tener en cuenta la
personalidad y modo de trabajar de cada actor, y hay que darle tiempo para interiorizar y
desarrollar la interpretación. Una correcta tarea de DIRECCIÓN DE ACTORES va a
enriquecer con mucho la calidad del resultado final y va a facilitar que surjan las ideas
definitivas para la planificación.
¿Qué es la dirección de actores?
La herramienta y/o proceso por el cual el director pasa del lenguaje escrito, es decir, el guión
a la acción usando como vía a los actores.
Conoceremos las paradojas de los actores. El actor ni se ve ni se oye y debe confiar en los
directores.
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El actor y el personaje son diferentes. Los actores son seres humanos y debemos conocer su
proceso ya que es a contranatura , es decir, primero tiene las palabras (el guión) y después
construye el personaje. En este proceso es donde el director debe intervenir para guiar.
Las herramientas que tenemos los directores para entrar en diálogo con los actores y guiarles
hacia lo que nosotros queremos: las 6 preguntas básicas(que, como, donde, porque, para
que, cuando), el como sí, el monólogo interior, y las imágenes.
Análisis de guiones (antecedentes, precedentes, temas, conflictos, microsecuencias, subtexto
el entorno o decorado, coreografía de movimientos)
El director trabaja en el eje de continuidad/globalidad y el actor trabaja en el eje de selección,
el aquí el ahora.
Herramientas específicas para trabajar en cine con los actores: la importancia de la mirada, la
escucha-reacción, la respiración, ritmo interno-externo, menos es mas, pausas y silencios, las
palabras claves.
La acción: acción básica, la re-acción, la pre-acción, retro-acción.
Análisis de un guión desde el punto de vista de directores.
Considerar los métodos de preparación del actor ante escenas difíciles.
Trabajar con actores es una tarea difícil y delicada. Existen distintas herramientas para
preparar al actor. Por ejemplo, supongamos que se quiere lograr que el personaje se vea
nervioso porque tiene un familiar gravemente herido y esta escena se tiene que filmar sí o sí
durante el primer día de rodaje (cosa no recomendable) por un tema vinculado a la locación.
Bueno, un ejercicio que es fácil es hacerlo saltar en el lugar para que se agite, le falte el aire y
se vea en un esfuerzo. Esto va ayudar al actor a entrar en clima y generar la imagen de que el
personaje está profundamente preocupado. Hay acciones físicas y herramientas que cada
uno con la práctica y la experiencia va desarrollando y apropiando como sus instrumentos de
trabajo. Este trabajo es exclusivo del director, que durante el rodaje se tiene que ocupar casi
únicamente de dirigir a los actores.
LA GRABACIÓN.
Una vez realizada la reunión final de preproducción (PPM), efectuadas las pruebas
técnicas en los escenarios reales, y concretadas las previsiones de producción, tal y como se
contempla en la fase de preparación, se pone en marcha el proceso de GRABACIÓN:
1 – El PLAN DE TRABAJO DEFINITIVO, que agrupa y ordena el rodaje de planos y escenas
por jornadas, es asignado a FECHAS CONCRETAS. El ayudante de dirección habrá tenido
en cuenta las disponibilidades de los miembros del equipo, de las localizaciones y del material
técnico para concretar el plan. Una vez cerrado, todo el equipo debe respetarlo
escrupulosamente. Tan solo causas de fuerza mayor o inclemencias meteorológicas podrían
sugerir su modificación, pero nunca ningún tipo de conveniencia personal.
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Incluso deben preverse alternativas de rodaje para posibles contingencias de última hora. Hay
que PREVER IMPREVISTOS.
2 – El equipo de producción hará una ORDEN DE TRABAJO por cada jornada de rodaje.
En ella figurarán los horarios en los que cada equipo debe estar en el decorado listo para
empezar a trabajar. La puntualidad debe ser extraordinariamente rigurosa. Las piezas del
rompecabezas encajan con precisión. Cualquier desviación puede entorpecer o impedir el
trabajo de todos.
3 – Como regla general, debemos intentar que la PREPARACIÓN DEL DECORADO se
realice la jornada anterior al rodaje, aunque no siempre podrá ser así en función de la
disponibilidad de las localizaciones. En todo caso, los ayudantes de dirección tendrán siempre
previsto qué trabajos pueden realizarse de forma simultánea y cuáles no. Se trata de ahorrar
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todo el tiempo que se pueda, pero también de que cada profesional tenga el TIEMPO que
necesite para hacer bien su trabajo.
4 – Es muy importante mantener un ORDEN ADECUADO para trabajar en cada escenario
tras los preparativos del equipo de arte, cuando el decorado esté ya listo para rodar:
COLOCACIÓN DE LA CÁMARA Y DEFINICIÓN DEL PLANO:
Esto debe marcarlo el director o delegarlo en su ayudante de dirección. No
es necesario que la acción la realicen los actores reales, pero sí que alguien
concrete posiciones y movimientos.
RETOQUES DE ATREZO.
ILUMINACIÓN. Hay que tener previsto que alguien del equipo pueda actuar
como doble de luces en el lugar de los actores.
PRUEBAS DE SONIDO.
De forma simultánea se realizan los trabajos de maquillaje, ajustes de
vestuario, etcétera. Debemos tener prevista una sala donde el director
pueda hacer repasos de interpretación o conversar tranquilamente con los
actores mientras se finalizan los preparativos técnicos.
5 – Todos los que trabajemos en un rodaje debemos aprender a estar muy ATENTOS AL
MOMENTO en el que debemos intervenir y a retirarnos silenciosamente respetando el trabajo
de otros cuando sea necesario. Mantener el ambiente de trabajo adecuado en los
decorados es una responsabilidad de todos, aunque los ayudantes de dirección velarán
especialmente para que no se deteriore. Si no somos útiles en el set, no estorbemos. Pero no
dejemos de prestar atención a cuando podamos ser de nuevo necesarios.
6 – El SILENCIO es un tesoro. No lo desprecies. Seremos muchos trabajando juntos en los
rodajes durante muchas horas. Sólo deben hablar en el decorado quienes tengan algo
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concreto que decir en relación con su trabajo. Para las conversaciones personales debemos
buscarnos otro espacio donde no molestemos.
7 – EL AYUDANTE DE DIRECCIÓN DIRIGE Y COORDINA A TODOSLOS EQUIPOS EN EL
RODAJE, es su principal responsabilidad. Cuida de que se respeten los tiempos de
preparación previstos, de que no haya retrasos innecesarios ni se desordene la planificación
del plan de trabajo. Si surge algo que aconseje dar más tiempo para que se termine bien una
tarea, valorará hasta qué punto es viable, con flexibilidad, pero sin dilaciones inconvenientes.
Pensará siempre en el paso siguiente a dar, en lo que queda por hacer y en el
cumplimiento del horario, y serán especialmente conscientes de A QUÉ ESTAMOS
ESPERANDO. Todos los miembros de todos los equipos, incluido el director y los actores,
deben seguir sus indicaciones y comunicarle cualquier incidencia o excepción, sobre la que él
tendrá siempre que tomar decisiones.
8 – Cuando todo esté preparado para rodar, el ayudante de dirección hará llamar al director y
a los actores (que estaban preparando todo lo que se va a grabar) para que acudan al
decorado.
Una vez que estén allí, ya no se harán más retoques ni ajustes que los que sean
estrictamente necesarios. Todos debemos ser conscientes de la necesidad de mantener un
AMBIENTE ADECUADO para la concentración que facilite los TRABAJOS DE
INTERPRETACIÓN Y LA DIRECCIÓN DE ACTORES.
9 – El director debe dar las últimas instrucciones al segundo operador (cámara) para ajustar el
encuadre y los posibles movimientos de la cámara con la puesta en escena. El ayudante de
dirección facilitará que se hagan el ÚLTIMO ENSAYO (si hace falta) y estará especialmente
atento al punto en el que actores y director estén listos para rodar. Todos los demás
miembros de los diferentes equipos deben estar atentos y muy silenciosos. Es un momento
especialmente mágico... Como norma general, las instrucciones al equipo técnico debe
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darlas el ayudante de dirección y el director se centrará en la dirección de los actores y
en comprobar que el plano se rueda según su criterio.
10 – Cuando todo esté preparado, se sigue este proceso de ÓRDENES PARA RODAJE:
El ayudante de dirección pide “SILENCIO”. Ni qué decir tiene el respeto absoluto que
merece en este momento. Indica que “VAMOS A RODAR”.
“SONIDO”. Con esta orden indica que se debe empezar a grabar sonido en la
grabadora. El operador comprueba que se está grabando y lo confirma:
“GRABANDO”.
“CÁMARA”. Con esta orden indica que se debe empezar a grabar imagen en cámara.
El operador comprueba que se está grabando y lo confirma: “GRABANDO” (“RUEDA”,
si es cine).
Sin esperar a que nadie se lo indique, un auxiliar de dirección o de cámara coloca la
CLAQUETA comprobando con rapidez que está en cuadro cruzando indicaciones con
el operador. Canta los datos del plano, hace el clac y se retira. La claqueta la tendrá
siempre preparada con los datos del plano y de la toma que se va a rodar a
continuación, verificando que la numeración coincide con los datos del GUION
TÉCNICO.
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El operador comprueba que tiene ajustados el encuadre y el foco y lo confirma:
“CUADRO”.
El director se dirige a los actores, comprueba que están listos para interpretar, y da la
orden de “ACCIÓN”.
Todo seguirá su curso hasta que el director indique “CORTA”. Solamente el director
puede cortar, nadie más, pase lo que pase. Si algo va mal en sonido o en cámara los
operadores
deben indicarlo discretamente, pero no cortar por su cuenta. Puede que una mirada de
un actor sea muy valiosa aunque en ese momento suene algo mal, por ejemplo. Esto
debe valorarlo solamente el director, quien también se asegurará de que los planos
tengan margen de sobra (coleos) para el montaje.
Tras el corte todo el mundo permanece atento hasta que se compruebe si ha valido la
toma. Estas comprobaciones las hará el director con los actores y los operadores de
sonido y
cámara, bajo la atenta vigilancia del ayudante de dirección. Una vez que se haya
verificado si es una toma buena o no, se anotará en la HOJA DE SCRIPT.
Aunque la toma sea buena siempre habrá que REPETIR. Al menos hay que tener tres
o cuatro tomas buenas por cada plano para prevenir incidencias técnicas. Todo está
listo para volverlo a hacer igual o matizando las correcciones que marque el director.
El ayudante pedirá que todos los equipos vuelvan ―A PRIMERA‖, y vuelta a empezar.
11 – Cuando tengamos las tomas necesarias de cada plano, se comienza a preparar el
plano siguiente siguiendo el mismo proceso. El director y los actores se retiran del
decorado siempre que los ajustes técnicos sean laboriosos. Esta mecánica también es
coordinada por el ayudante de dirección.
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12 – Y así hasta que se cumpla el plan de rodaje de cada jornada, incluidas las paradas
necesarias para comer o descansar según lo previsto. El equipo de producción velará
porque el rodaje funcione perfectamente, que todo esté donde y cuando deba estar, y que el
ambiente sea lo más agradable posible, facilitando espacios para descansar, servicios, agua,
etcétera. Hacer funcionar bien un rodaje es una labor creativa de la mayor importancia.
13 – En la HOJA DE SCRIPT (*) se deben anotar con claridad los DATOS CORRECTOS DE
ARCHIVOS DE VIDEO Y AUDIO para que se puedan organizar fácilmente de cara al
montaje. Deben colaborar estrechamente en esto los ayudantes de cámara y de sonido.
14 – En cada rodaje habrá un dispositivo para volcar las tarjetas al disco duro de un
ordenador y a un disco duro externo de seguridad. Un ayudante se encargará de efectuar el
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VOLCADO conforme se vayan llenando las tarjetas y/o cuando se cambie de escena. En todo
caso, se tienen que comprobar las numeraciones de los archivos de vídeo y audio
correspondientes a los planos que quedarán siempre agrupados en UNA CARPETA POR
CADA ESCENA. Las tomas buenas y malas se limpiarán posteriormente en un visionado con
el que se iniciará la fase de postproducción. Una vez realizado el doble volcado de todos los
archivos, las tarjetas se pueden formatear para su reutilización sin que queden restos de las
grabaciones anteriores.
15 – La profesionalidad de los equipos se comprobará también según sean capaces de
RECOGER los materiales de rodaje y dejar los espacios ordenados y limpios como si
allí no hubiese sucedido nada. Aunque sea el equipo de producción el encargado de velar
porque esto sea así, todos los equipos deben cooperar para facilitar ese trabajo final.
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—POSTPRODUCCIÓN Y PROMOCIÓN—
LA EDICIÓN Y POSTPRODUCCIÓN
Una vez finalizado el rodaje, debemos tener dos copias en discos diferentes en las que
hemos duplicado el volcado de todos los archivos de imagen y sonido que hemos obtenido
en las grabaciones durante el rodaje. Todos estos archivos deberán organizarse en
diferentes carpetas, una por cada escena del guion técnico, aunque inicialmente lo
estén por jornadas de rodaje. Este trabajo puede hacerlo un ayudante de montaje, pero es
preferible, por razones obvias, que lo haga la misma persona que ha ido anotando todas las
observaciones y comentarios del director o directora con respecto a cada toma durante la fase
de producción (Script o DIT).
EL OFICIO DEL DIRECTOR 32
1 – HOJA DE SCRIPT (Montaje). A partir de los partes de cámara, que nosotros llamamos
“Hoja de Script (Rodaje)se creará un nuevo documento, “Hoja de Script (Montaje)” en el que
pondremos por orden de guion técnico todos los planos y tomas obtenidos en el rodaje,
poniendo especial cuidado en la coincidencia de archivos de vídeo y audio para cada una de
las tomas. Es muy importante que desde la organización del rodaje tengamos clara la
numeración de los archivos para evitar confusiones. Lo más claro es numerar con el mismo
criterio con el que ordenamos los planos en el guion técnico, añadiendo al final el número de
cada toma: 01.01.01 para la toma 01 del plano 01 de la escena 01. Si numeramos por igual
los archivos de vídeo y audio correspondientes facilitamos mucho el trabajo de ordenación de
materiales para el montaje, pero no siempre es fácil que los archivos procedentes de la
cámara y de la grabadora de audio puedan tener una numeración personalizada, así que
especificaremos en las hojas de script, tanto en rodaje como para la preparación del montaje,
la equivalencia entre la numeración de los archivos de grabación (número de tarjeta + número
de archivo) y la numeración de planos del guion técnico, tal y como estamos explicando. En la
“Hoja de Script (Montaje)” aparecerán todas las tomas válidas de todos los planos por el
orden en que en un principio fueron colocados por escenas en el guion técnico, sin hacer otra
selección que la de eliminar las tomas que en rodaje fueron ya valoradas como no válidas sin
lugar a dudas. Si se especificó que ―puede valer‖, aunque haya otras mejores se incluirá
en este listado hasta que sea definitivamente valorada en el VISIONADO.
2 – VISIONADO. El director o directora debe dar el visto bueno final a todos los planos y
tomas que puedan ser útiles en el montaje. Para ello se sentará con el/la responsable de la
edición para revisar todo el material y decidir qué archivos deben volcarse al ordenador e
importarse al software donde se vayan a efectuar los trabajos de postproducción. Esta tarea
sirve, además, para hacer un repaso del guion y comenzar a valorar la narración final entre
director/a y montador/a. En ese sentido hay otra forma de trabajar que es dejar al editor ese
trabajo y luego como director revisar el trabajo del editor.
EL OFICIO DEL DIRECTOR 33
3 – PREPARACIÓN DE MATERIALES DE ARCHIVO, GRAFISMO, EFECTOS Y BANDA
SONORA. Deben anotarse todos los materiales que aún no tenemos, tanto material de
archivo, efectos concretos de imagen, rótulos, animaciones, voces en off, efectos de ambiente
sonoro o composiciones musicales van a requerir procesos de elaboración a veces
complicados que no deberían dilatar en exceso los tiempos previstos.
4 – PRIMERA SINCRONIZACIÓN ORDENADA DE ARCHIVOS. Debe hacerse una primera
ordenación y sincronización de los archivos sobre la „timeline‟, tal y como han sido revisados
en el visionado siguiendo el orden establecido en el guion técnico. No es necesaria la
presencia de dirección durante esta tarea previa, más bien mecánica y técnica, aunque
también puede irse haciendo sobre la marcha, por escenas, mientras se va afinando el
montaje. Poneos de acuerdo en cuál de estos métodos os resulta más adecuado.
5 – LA FIGURA DEL EDITOR es extraordinariamente importante. Muchos montamos, con
más o menos habilidad y criterio, gracias a la accesibilidad del software de postproducción.
Pero en el momento de sentarse a dar forma final a lo que hemos concebido desde el guion y
hemos ido transformando durante el rodaje, el hecho de que haya quien se ocupe de la
operativa del montaje, de los factores técnicos, y de aportar una visión diferente del
proceso, no tan apegada a lo que se ha ido creando en las fases anteriores, sino como
público que no ha vivido la preproducción, es muy constructivo y muy eficaz. No debemos
infravalorar este desdoblamiento... Por todo ello, en los proyectos intentaremos evitar que
los realizadores monten solos sus propios trabajos.
EL OFICIO DEL DIRECTOR 34
6 – LA TOMA FINAL DE DECISIONES. El montaje es la tercera "versión" creativa del
desarrollo de un proyecto, tras el guion y el rodaje. Podemos experimentar, probar cosas,
reflexionar, pero sin perdernos por el camino ni desviarnos en exceso del concepto inicial. Se
trata de cuidar detalles, de descubrir posibilidades nuevas insertando planos o modificando el
orden en algún caso, de valorar la narrativa, la estética y el ritmo de la obra en su conjunto,
pero no de simples improvisaciones. En todo caso, cada elemento que se añade o elimina
forma también parte de la responsabilidad del director. El resultado es un MÁSTER con la
mayor calidad técnica posible de imagen y sonido, aunque sin retocar aún.
8 – POSTPRODUCCIÓN DE IMAGEN: EFECTOS Y ETALONADO.Una vez finalizado el
montaje con todo el rigor y precisión milimétrica que requiere, se debe exportar un archivo sin
comprimir que pueda servir como base para retoques y equilibrados de luces, contrastes,
color, etcétera. Estos trabajos de ETALONADO deben hacerse siempre con la intervención
directa del director de fotografía, máximo responsable de este proceso. Si los encargados del
montaje no dominan el software de retoque digital, debemos buscar una persona adecuada
para que realice los retoques, que tienen una enorme importancia de cara al producto final.
EL OFICIO DEL DIRECTOR 35
Debemos ser muy cuidadosos para no aplicar algún códec o alguna compresión que estropee
la calidad técnica del MÁSTER FINAL. Es importante que dispongamos de discos duros
externos para mover estos archivos, que seguramente van a ser bastante grandes. Pueden
hacerse copias en baja resolución cuando solamente vayan a servir como referencia, pero
pondremos el máximo cuidado en que no se deteriore la calidad del máster en ninguno de
estos procesos.
9 – POSTPRODUCCIÓN DE SONIDO: LIMPIEZA Y ECUALIZACIÓN. Al igual que hemos
hecho con la imagen, debemos exportar por separado, sin mezclar ni retocar, y con la máxima
calidad técnica, lasbandas sonoras que hemos sincronizado en la edición (diálogos de sonido
directo, voces en off, ambientes, wildtrack, música, etcétera). En este caso la calidad de las
imágenes no es relevante, ya que sirvensolamente como referencia, pero cada una de las
pistas de audio debe estar posicionada en el montaje. El sonido se debe retocar y
mezclarsiempre en relación con la imagen. Haremos llegar esos archivos al jefe de sonido
para que repase y retoque cada una de las pistas y realice la MEZCLA FINAL DE LA BANDA
SONORA.
Lógicamente, las claquetas de sincronización ya no están en el máster final, y la duración de
los sonidos ya ha sido delimitada por el montaje. Debemos poner a disposición de los
responsables de sonido los Los trabajos técnicos de retoque, limpieza y ecualización de las
pistas de audio debe hacerlos el/la responsable de sonido, pero para el proceso de mezclas
es imprescindible la supervisión del director o directora. Los planos sonoros, la presencia en
mayor o menor nivel de una música o de un ambiente, algunos efectos, etcétera, forman parte
esencial de las herramientas creativas de la dirección cinematográfica. En este proceso de
mezcla final de la banda sonora deben quedar incorporados absolutamente todos los sonidos,
ya que se trata de obtener la BANDA SONORA DEFINITIVA que vamos a incorporar a la
edición final para su difusión. Hay que poner aquí también mucho cuidado para no aplicar
algún códec o compresión de audio que pueda estropear finalmente la calidad técnica del
trabajo.
EL OFICIO DEL DIRECTOR 36
10 – VISTO BUENO. El director y el productor ejecutivo deben dar su visto bueno al trabajo
final visionado en buenas condiciones técnicas como para valorar su posible resultado en
proyección. Pero seamos siempre conscientes de que una vez etalonado y ecualizado el
trabajo ya no se debe corregir nada. Lo hecho, hecho está… Por esta razón, el director
consultará siempre que lo crea conveniente algún aspecto sobre el que pudiera albergar
dudas importantes, y lo hará con antelación, durante los trabajos de montaje, no con el
producto ya terminado. Finalmente el director asume su responsabilidad en la proyección del
estreno delante de todos los que han participado en el proceso de desarrollo del proyecto: el
equipo.
11 – EXPORTAR FORMATOS FINALES. Los formatos digitales son todo un mundo,
cambiante y complicado como él solo. Tanto para proyección como para difusión en
plataformas online, o para participar en festivales o muestras, o para enviar a quien
consideremos que debe tener una copia del trabajo, tendremos que atenernos a formatos y
exigencias técnicas diferentes. Lo adecuado es mantener siempre intacto el MÁSTER FINAL
(etalonado y ecualizado) en la máxima resolución posible, sin comprimir, y a partir de ahí
exportar las copias que necesitemos. También para esto hay que tener el software de
conversión adecuado, en permanente evolución, y los conocimientos pertinentes. No
subestimemos el “lado oscuro” de la tecnología, que puede echarlo todo a perder…
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PROMOCIÓN
Está muy bien que hagamos un estreno festivo con todo el equipo, amigos, familiares, y con
todos los invitados que queramos (con cuidado de no se filtre información nos impida estrenar
en un festival de categoría A) Si queremos que nuestro esfuerzo colectivo llegue a un público
amplio, que es uno de los fines naturales de la creatividad y de la comunicación, debemos
gestionar con especial atención y cuidado la DIFUSIÓN de los proyectos realizados.
Es muy importante contar con un EQUIPO ESPECIALIZADO en estas tareas, y debemos
acostumbrarnos a contar con él para todos los proyectos que iniciemos. Su trabajo consistirá
fundamentalmente en:
IMPLEMENTACIÓN DE ESPACIOS EN INTERNET.
RECOPILAR DATOS Y MATERIALES PARA PROMOCIÓN.
VIGILANCIA DE EVENTOS, FECHAS, PLAZOS Y REQUISITOS.
EVALUACIÓN DE COSTES ESPECÍFICOS. Aunque nos movamospor el momento un
tanto al margen de los ámbitos empresariales y comerciales, debemos tener en cuenta
que muchas acciones de difusión generan ciertos GASTOS y que, por lo tanto,
debemos tener previsto un PRESUPUESTO acorde con nuestras pretensiones, y
plantearnos de qué modo podemos cubrirlo.
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CANALIZAR LA INFORMACIÓN ENTRE LOS IMPLICADOS.
REALIZAR LAS GESTIONES NECESARIAS. La promoción y difusión de nuestro
trabajo y de sus resultados es también una RESPONSABILIDAD COLECTIVA. Todos
los que participamos en cada uno de los proyectos debemos aportar lo que esté
dentro de nuestrasposibilidades para facilitar estas tareas. Los ámbitos principales en
los que debemos plantearnos la difusión y promoción de nuestro trabajo son:
INTERNET. Es muy importante despertar interés por nuestro trabajo desde que se
pone en marcha un proyecto. A veces, incluso, podemos necesitar ayuda para la
producción, tanto a nivel económico („crowdfunding‟) como para la gestión de
localizaciones, materiales para decorados, apoyo logístico, etcétera. En todo caso, hay
que tener presencia en Internet a través de redes sociales y otras plataformas de
promoción.
FESTIVALES. Aunque no siempre aspiremos a ganar premios, porque nuestra
finalidad fundamental es aprender y disfrutar, los festivales de cine y vídeo son el
espacio natural para dar a conocer el trabajo de los nuevos creadores.
TELEVISIÓN. Algunas televisiones tienen espacios específicos para nuevas
creaciones videográficas, cortometrajes, etcétera. Ocasionalmente compran los
derechos para la emisión de algunos trabajos, aunque en general se trata más bien de
utilizar estos espacios como plataformas de promoción.
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MEDIOS DE INFORMACIÓN. Es interesante plantearse enviar a los medios, sobre
todo a los especializados en nuestro ámbito creativo, notas de prensa, material gráfico
y audiovisual, y facilitar contactos para estar siempre a su disposición por si quisieran
ampliar o concretar datos. También para posibles entrevistas.
ÁMBITO UNIVERSITARIO. Debemos considerar los centros educativos como lugares
idóneos para mostrar, compartir y comentar nuestros procesos de trabajo y sus
resultados. Además, puede haber acciones similares en otros centros especializados
en formación audiovisual. Es muy interesante que pongamos en común nuestras
experiencias y que todos aprendamos del trabajo de todos.
COSAS A TENER EN CUENTA
1 – Tener clara tu idea.
Lo primero que hay que tener es una idea; a partir de ella se irá desarrollando tu película. Es
fundamental tener la idea clara y creer que merece ser contada. En el caso de un
cortometraje –opción frecuente como primera experiencia audiovisual– sirve asociar este
formato a la idea de una anécdota. Si vemos que esa anécdota que queremos contar es algo
que nos interesaría escuchar, eso quiere decir que vamos por buen camino.
2 – Armar un primer guión literal.
Al momento de escribir el guión es bueno respetar las formas del mismo en función de los
tiempos que tiene la historia, sabiendo por ejemplo que una página de guión escrita en letra
courier tamaño 12 equivale a un minuto de historia. Eso nos ayuda a calcular la duración de la
película. Con este método, un rodaje puede dividirse en octavos y calcular cuántos octavos de
la historia son filmados por día. Generalmente, se estiman 3 o 4 minutos de historia por día de
filmación.
3 – No incluir en el guión lo que no se pueda representar visualmente.
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Es necesario tener claro cómo escribir un guión, que no es necesariamente contar la historia
sino plantear la historia de una forma visual. Se tiene que mostrar lo que se va a ver en
pantalla. Si el guión plantea que el protagonista piensa en hamburguesas mientras está
hablando, eso nunca se va a poder ver, entonces hay que ser muy cuidadoso al momento de
escribir la historia.
4 – Estar abierto a reescribir el guión cuantas veces sea necesario.
El guión no se escribe una vez sola, se escribe y se reescribe una determinada cantidad de
veces. Esta construcción progresiva del guión tiene lugar incluso durante el rodaje.
5 – Ver mucho cine.
Hay que buscar maneras de contar el argumento en función de las herramientas que
tenemos. Para eso es necesario ver mucho cine y tener referencias. Si quisieras filmar una
película policial, por ejemplo, tendrías que saber cómo se muestra el auto del policía al
estacionar o cómo se ve una persecución y esas cosas no se perciben tanto cuando estás
metido en la historia. Para eso es recomendable poner una película, bajar el volumen, sacarle
los subtítulos y ver cómo pega un plano con el otro.
6 – ¿Cómo conseguir colaboradores? Con criterio.
Una vez que tenés tu historia vas a tener que buscar gente que te ayude a filmarla. Para un
primer rodaje tenés dos opciones. La primera es conseguir amigos que estén afines a tu idea,
que la compartan y estén dispuestos a trabajar contigo gratuitamente por ser tu primera
película. La segunda es salir a buscar técnicos que también te puedan respaldar, recordando
siempre que no es económico contratar gente y que trabajar en un primer producto
audiovisual es bastante complicado, por lo que el criterio de selección de colaboradores y
técnicos tiene que ser bueno. En este sentido, es bueno que conozcas a las personas de
antemano. El cine es un trabajo en equipo y esto se reduce a mucha gente trabajando con un
mismo objetivo. Cada uno tiene que hacer su trabajo. Si uno intenta abarcar el trabajo de los
otros y hacer todo, generalmente no se termina teniendo un buen producto.
7 – Hacer un buen guión técnico.
Si tu planteo es dirigir la idea que escribiste, a menos que tengas nociones técnicas de
fotografía, vas a necesitar un director de fotografía que te dé una mano con la parte
estrictamente visual de la historia. Junto con él vas a tener que desarrollar el guión técnico,
qué básicamente muestra cómo se va a hacer en planos la historia que está en el guión
literal. Por ejemplo, si del guión literal se desprende que durante la primera escena hay dos
personajes discutiendo, eso podría traducirse en el guión técnico a que la primera escena
empieza con un plano general, luego un two-shot de dos personas hablando, un plano y un
contraplano de las personas en una etapa más álgida de la discusión y termina con un plano
general. Bueno, eso hay que tenerlo escrito y detallado. Generalmente, en un primer
momento, el director expone su idea y luego el fotógrafo o director de fotografía hace su
propuesta de cómo se imagina que se va a contar esa idea y de ahí sacan un material en
conjunto.
8 – Armar un storyboard.
En ciertos casos quizás también sea necesario que tengas que hacer un storyboard, o sea un
dibujo de cómo se piensa hacer el plano. Este instrumento sirve mucho de referencia tanto
EL OFICIO DEL DIRECTOR 41
durante el rodaje como para ver la dificultad que tiene el plano en sí. Por ejemplo, si al
planificar un rodaje, un director ve que una gran parte de las tomas involucra movimiento de
cámara con uso de travelling y grúas, sabe que le va a llevar mucho más tiempo y trabajo ese
día de rodaje que otro día en el que todo es cámara fija. En el caso de una primera película
seguramente no haya elementos tan complejos en juego. Sin embargo, el cine es algo que
implica planificación y la necesidad de darle un orden al proceso para que sea realizable. Una
mejor planificación conduce al ahorro de tiempo y recursos.
9 – No atarse a una historia sí o sí.
A veces intentamos tanto hacer que una historia encaje en los medios que tenemos, que el
producto final termina desvirtuándose. Por ejemplo, si tenemos 3 o 4 minutos de historia para
filmar y el guión que tenemos suma fácil 20 minutos, quizás sea mejor desechar la historia o
ponerla en un cajón para más adelante cuando se pueda filmar apropiadamente. No hay que
intentar hacer entrar la historia en el formato que más te conviene ahora si eso implica que la
historia no sea contada como debería.
10 – No atarse a los medios técnicos.
Hoy en día todo el mundo puede conseguir prestada una cámara Canon o Nikon que filme en
Full HD, una revolución impensada hace 10 o incluso 5 años atrás. Pese a eso, hay que
intentar no atarse a los medios técnicos. No todas las ideas necesitan una cámara Full HD. Es
verdad que desde un punto de vista de posibilidades quizás te sea fácil conseguir una, y eso
es bueno, pero de repente una historia puede ser filmada con un celular porque se justifica
argumentalmente y hasta puede quedar mejor para lo que la historia intenta transmitir en sí
misma. Es importante no atar la idea a los medios. Y en el caso de que solo tengas una
cámara de determinado tipo, ahí no habrá más remedio que adaptar la historia a ese medio,
pero lo conveniente es hacerlo al revés. Tenés que buscar los medios, las cámaras, la
iluminación y el sonido que mejor vayan con tu historia.
11 – Filmar los exteriores primero.
Generalmente se recomienda que se hagan los exteriores primero por el tema del clima. Si
tenés los exteriores planificados para el primer día de rodaje y llueve, podés usar ese día para
hacer los interiores.
12 – Alterar el orden de la historia durante el rodaje en función de la conveniencia.
Es importante saber que el orden de filmación de los hechos no se da en tiempo real en el
cine. No se filma el primer día de historia durante el primer día de rodaje, sino que
generalmente se altera el orden de los hechos por conveniencia y esto está directamente
relacionado con los tiempos y las condiciones. Por ejemplo, si tenés una locación alquilada, lo
más recomendable es filmar todas las escenas que tomen lugar allí en un solo día. Lo mismo
si le pediste la casa prestada a un amigo o si conseguiste cortar una calle por el día. Es
necesario ir resolviendo las escenas de manera operativa y liquidando trabajo para que
puedas avanzar más rápido.
13 – No perder de vista la identidad e importancia de los planos.
Cada plano genera una sensación distinta. No es lo mismo mostrar a alguien llorando en un
plano cerrado, en un primer plano que en un plano general en el que se puede perder todo.
Cada plano tiene su función.
