El Gran Otro 4

AMPLAN, 1965 | acrílico sobre tela | 130 cm × 160 cm |gentileza Alejandro Puente | Foto: María Gnecco

INTERROGARTEPARA

DESCUBRIRMISTERIO

EL

QUESOMOS

Directora general: Margarita Gómez Carrasco | Editora: Mariángeles Fernández Rajoy |Curadora de artes visuales: María Gnecco | Asesor de contenidos: Pablo Valle | Colaboradores:Carla Bettino, Natalia Bonaventura, Valeria Bula, Rafael Cippolini, Guillermo Dellmans, DavidJacobson, Marifé Marcó, Cecilia Rabossi, Cristina Rossi, Gimena Rubolino, Julio Sánchez,Massimo Scaringella, Marcela Sorensen, Julián Tonelli | Fotografía: Bruno Dubner, Paula García| Diseño: Roberto Risorti | Turismo Cultural: Mariana Zelada | Relaciones Públicas: Laura Bilbao| Contacto: [email protected] www.elgranotro.com

Rafael Cippolini

Alejandro Puente

Elba Bairon

Andrés Waissman

María Ester Joao

Mariana Vidal

Artur Lescher

Aili Chen

James Joyce

Leticia Mazur

Morton Feldman

Poesía visual

Mariano Llinás

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1926303845505458646872

77808386899294

EL GR N OTRO

ARTE CULTURA PSICOANÁLISIS

Carta del Editor

En esta edición que se despliega en torno aleje temático de la abstracción, abrevié midiscurso para darle lugar a los artistas visuales,críticos y artífices de otras expresiones,protagonistas de una posición relevante en lahistoria del arte. Este reconocimiento tambiénda cuenta del valor por las producciones de losaños setenta.El término abstracto niega la representaciónfigurativa, indica un proceso de síntesis de loreal a través de sus aspectos formales,estructurales y cromáticos. La aparición delarte abstracto en la Argentina, junto al arteconcreto, funcionó como articulador detransformaciones culturales que ya se veníangestando en otros países latinoamericanos. A

través de esta vanguardia poéticareinterpretaremos la historia artística de unperíodo que se prolonga hasta locontemporáneo.Sabemos que donde no median las palabrasaparece la violencia, o tal vez el arte, o quizásla abstracción, obras abstractas que hablan,conmueven y se gestan en la profusa soledadde este mundo paradojal, símil a una banda deMoebius. Como decimos los psicoanalistas,donde se encuentra lo éxtimo del sujeto, entreel adentro y el afuera.

Agradezco muy especialmente al Dr.Guillermo Blugerman, amante del arte y lacultura, a la embajadora Magdalena Faillacepor su generosidad y al director SalvatoreConstanzo, que hizo posible nuestro viaje a laBienal de Venecia.Para finalizar dedico este número a «micómplice y todo, porque en la calle, codo acodo, somos mucho más que dos».

Margarita Gómez Carrasco

The appearance of Abstract Art and Concrete Art in

Argentina conveyed cultural changes that were

brewing in other Latin American countries. The artistic

history of that era that extends to this day is re-

interpreted through this poetic avant-garde.

I would like to thank particularly Dr. Guillermo

Blugerman for his love of Art and Culture, Ambassador

Magdalena Faillace for her generosity and Director

Salvatore Costanzo, who made possible our trip to the

Venice Biennale.

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Rafael Cippolini

Alejandro Puente, Haynú, 1991 | acrílicosobre tela | 160 cm × 100 cm

Abstracción del siglo xxI: ¿de quéhablamos, a qué nos referimos cuando

hoy invocamos la abstracción? Apresuro unarespuesta: nunca a la reducción a unmovimiento o un estilo histórico, sino a unconjunto de síntomas más o menos dispersosy quizá —curiosamente— todavía intensos.Síntomas, es decir, advertencias, pero al mismotiempo respuestas a una época. Pero ¿acaso nosiempre fue así?

Enumero. 1. reserva formal, 2. utopía 3,cenestesia, 4. etnografía, 5. decorativismo, 6.relectura y, también, 7. iconoclastia.

Revisemos. 1. Reserva formal. Nostalgia.Nostalgia del invento más contundente quenos legó el arte moderno (un invento tambiénllamado no-figuración). Nostalgia delmodernismo, de todas sus expectativas, de susbuenas intenciones. Nostalgia de aquel futuroque no se parece mucho a nuestro presente.Queriendo ofrecer clasicismo, la abstraccióninvariablemente proporciona retro, tanto en logestual como en su reconversión en diseño.Nostalgia material. Sin embargo, su génesis noes tan dócil. Repasemos un poco las huellas de

este origen. El historiador Wilhelm Worringerimpuso el término abstracción en 1907 o 1908,mediante una serie de hipótesis que enseguidaganaron adeptos, devotos que realizaron obrasen esa misma dirección (me estoy refiriendo aartistas tan ineludibles como Kandinsky oMarc). O sea, primero fue la teoría; después, laimagen como consecuencia. En ese momento,Worringer no examinaba el arte de su tiempo,sino que proponía una revisión a la vez culturale histórica. Sostenía que algunas sociedadesantiguas amparaban una actividadnotoriamente espiritual (la egipcia, porejemplo, o las imágenes del Medioevo),procurándonos un arte de «superficies claras yplanas», contrariamente a aquellas otrascivilizaciones cuya empatía (Einfühlung) con suentorno, volcadas a una percepción exterior,produjeron visiones que podríamosdenominar, contrario sensu, naturalistas. Lamirada hacia el interior y la observación de loexterior. No faltaba demasiado para que sepusiera de moda otro término, hasta esemomento inusual: figurativo, que implicaba algodecididamente retrasado para todos los que

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Alejandro Puente

Por Cristina Rossi

Alejandro Puente comenzó a desarrollar su poética dentro de laabstracción informal que propuso Grupo Si. Esta agrupación apuntó a

romper con la figuración que aún dominaba en la escena cultural platense definales de los 50. Con el apoyo de Rafael Squirru, en noviembre de 1960, elgrupo ya estaba exponiendo en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.Sin embargo, rápidamente Puente orientó sus búsquedas hacia una geometríasensible, tal como Aldo Pellegrini caracterizó las obras que presentó junto consu amigo César Paternosto en la galería Lirolay, en 1964. Para 1967, ya estabatrabajando en la vertiente de las estructuras primarias y, luego, fueprofundizando ese giro conceptual.

Para pensar el arte abstracto, me parece que esimportante pensar en lo que han desarrolladolos artistas desde el punto de vista lingüístico.Creo que, si uno los ve como lenguajes, no hay

tanta distancia entre el arte abstracto y elfigurativo, porque un color es una letra: el rojoes una letra, el azul otra, y así. En este sentido,para mí el arte abstracto es revolucionario, esun cambio revolucionario que se produjo enla Modernidad, como parte del proceso deconocimiento sobre los componentes que

Alejandro Puente | Foto: María Gnecco

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Sin título II, 1985 | pluma sobre arpillera | 44 cm × 40 cmInterior N° 1 | acrílico sobre tela | gentileza Galería Ruth Benzacar

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Complementarios llevados a blanco, 1967 | pinturasobre madera | 200 cm × 100 cm cada uno |

gentileza Alejandro Puente

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Página 14 Lelfun, 1992 | acrílico sobre tela | 137 cm × 195 cm

| gentileza Alejandro Puente

están funcionando en cada materia, tanto sipensamos en materia de alimentos o demedicina, como si pensamos en la plástica. Poreso, al pensarlo desde el punto de vistalingüístico, hay que tener en cuenta que laModernidad generó una forma deconocimiento interno, una la miradaintrospectiva. Considero que Paul Cézanneestá en la base de estos conocimientos en laplástica porque, al pintar una misma montañadesde diferentes puntos de vista, se le revelóque podía sintetizarla en formas geométricas.Por eso, para mí ese conocimientointrospectivo es revolucionario, porquecambió todo, y ya no se puede ver la pinturacomo se podía leer una obra figurativa.

En realidad, Cartier planteaba un vínculo conla abstracción porque, en lugar de hacerejercicios figurativos, proponía hacer cosasabstractas pero pensadas desde el diseño;entonces, lo que transmitía era que había quecambiar la mirada, había que lograr ciertacapacidad de abstracción. Como vos sabés,Cartier era un pintor figurativo de Junín queconocía a la familia de Eva Duarte. En elmomento en que se pensó en retratar a Evita,fue el pintor elegido, y en pago por su trabajorecibió un viaje a Estados Unidos, dondeencontró el libro Fundamentos del diseño, deRobert Scott. Desde ese momento, fue la basede sus enseñanzas; y, para mí, fue muyimportante, por ejemplo, el descubrimiento delconcepto de estructura, la posibilidad depensar cómo se articulan las formas.

Cartier enseñaba los elementos paradesarrollar una gramática de la forma a partirdel libro de Scott, pero no incluía un análisishistórico. Su enseñanza llevaba a una nuevaforma de pensar el arte; por ejemplo, a mí mellevó a leer a Buckminster Fuller, unespecialista en sistemas que hacía grandescoberturas para los estadios a partir deestructuras que van entretejiendo triángulos.Entonces, esta apertura hacia el diseñotambién te cambiaba la mirada sobre el arte.

Después de la muestra Geometría sensible, de1964, Romero Brest me invitó al PremioNacional Di Tella, donde presenté tres obrasque llamé Estructuras, en las que jugaba con elespacio, los bordes, ya era un trabajo másconceptual. Comencé a poner el color y,después, al plantear los elementos modulares,los pinté con colores complementariosllevados al negro; es decir, con otro acentoconceptual. Si bien recién comenzaba aacentuar el color, este uso del color ya teníaque ver con mi identidad. Mientras Sol LeWittpintaba sus obras en blanco, yo ponía color ypintaba a mano, dejaba cierta textura táctil-emocional.

En 1967 hicimos una exposición colectiva en

Elba Bairon

Por María Gnecco

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Aquien busca definiciones precisas,certidumbres y denominaciones, a quien

necesita encontrar la precisión del límite yllamar a las cosas por su nombre, el encuentrocon la obra de Elba Bairon puede resultarletodo un desafío. Su producción se definemediante piezas escultóricas blancas, orgánicasy pulidas. Fragmentadas o enteras, separadas oen conjunto, nunca se sabe si son el origen dealgo o su vestigio. Como esencialesorganismos vivientes, tan simples yprimordiales como el acto de respirar, las

esculturas de Bairon parecen inhalar o exhalar,pueden estar vaciándose o llenándose de aire.La artista las inmoviliza en el preciso instanteen que la respiración es contenida. Entre lainhalación y la exhalación, la forma se detienecuando parece expandirse o, por el contrario,simplemente al desmayarse.

Su universo escultórico resulta de complejadenominación, transita enigmáticamente elmisterioso espacio de la ambigüedad.Compuesto en su mayor parte por volúmenespuros, primigenios, de un acabado impecable,realizados en su mayor parte en yeso y pastade papel, denotan el placer del momento de lacreación. Tanto en lo estructural como en

Sin título, 2008 | instalación | yeso, ladrilloretac |300 cm × 180 cm × 80 cm | Gentileza Elba Bairon

Sin título, 2008 | instalación | pasta de papel, estructurade hierro | 11 m × 8 m × 2 m | Gentileza Elba Bairon

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Andrés Waissman

Por Marifé Marcó

Los anímales mitológicos y las multitudesfantasmagóricas que aparecen en las obras

de Andrés Waissman surgen de lasprofundidades de su voz interior. En ellas, seperciben el desgarro y un secreto sufrimiento,retazos de tiempo anudados al compromisocon el arte y con la vida.

Cuando se armó el libro con los coleccionistas,la idea era hacer algo más retrospectivo, paraponer todas las épocas. A mí me hubieraconvenido mucho más hacer un libro con laobra de ese momento, que es más impactantepara un coleccionista, pero decidimos quefuera retrospectivo porque marca desde los 14hasta los 50 años. Hicimos también undocumental en el cual aparecen obras muyanteriores y posteriores, después está el lugarque uno ocupa, el sentido del documental, y ellibro implicó ayudar a la gente a que meconociera, para que vieran de dónde vengo yqué hago. El libro me sirvió para darme cuenta

Si el mundo fuera claro, el arte no existiría.ALBERT CAMUS

de que realmente había sido yo desde siempre,que no había nada forzado, que nada fuepremeditadamente ligado a la tendencia quehabía que hacer.

Te voy a contar una cosa que me pasó hacepoco y fue muy graciosa para mí, pero tristepor otro lado. Yo presenté en un salónimportante un trabajo, muy grande, y el trabajofue rechazado. Hace mucho tiempo que no merechazaban un trabajo, en general porque vasteniendo un nombre. No digamos si eso esjusto o no, ya que no hay tiempo de ver milcuadros en un día para mil jurados. Bueno,presenté esa obra, me encuentro con uno deljurado, y me dice: «Che, ¿no presentaste nada?»Le dije: «Sí, presenté». «No, yo no vi ningunaMultitud». Le dije: «¿Vos querés que presente

Sin título, LXVIII, 2012 | esmalte sobre tela, 150 x 120 cms

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María Ester Joao

Por Julio Sánchez

Alguna vez leí que los esquimales puedendistinguir treinta tonos de blanco. No sé

si habrá fundamento científico, pero yo mesiento muy afín con esa sutileza de colores»,dice María Ester Joao frente a una enormemesa —blanca, naturalmente—, en suimpecable lugar de trabajo. A veces, elcurrículum de un artista parece decir unacentésima parte de lo que el artista es; atravesarlos silencios de María Ester, la profundidad desu mirada, el misterio de sus orígenesportugueses y la quietud de su taller de laavenida de Mayo es una aventura mucho másrica que la acumulación de premios,reconocimientos y muestras individuales ycolectivas. Una vez recibida de arquitecta, Joaose formó con un maestro de lujo, el sacerdotey crítico de arte Ricardo Martín-Crosa. Mástarde comenzó a mostrar en salones y llegó aexponer en los lugares más prestigiosos delcircuito nacional, como así también enEuropa, especialmente en Italia, donde reside El lugar de las sombras 9 [vista frontal] | Película de poliéster

calada | 127 cm × 250 cm | Gentileza María Ester Joao

« gran parte del año. Muchos artistas han sido cautivados por elencanto del blanco. En la modernidad,Kasimir Malévich lo consagró con una obracapital, Cuadro blanco sobre blanco (1918), que seconserva en el MoMA de Nueva York; al rusosiguieron Piero Manzoni, Lucio Fontana,Robert Ryman y otros tantos. Solo acomienzos de su carrera, Joao recurrió a loscolores de la témpera para surcarlos condelgadas líneas sobre el papel; una vez que seembarcó en el blanco, jamás volvió aabandonar la nave. La misma artista recuerdacómo fueron apareciendo los materiales en suobra: «Aquellas líneas de las témperas, quemostré por primera vez en 1989, en la galeríaVan Riel, se fueron transformando en hilos.

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Mis primeras obras tenían la misma estructurageométrica, pero estaban pintadas; al principio,eran hojas de pequeño formato pintadas a latémpera, había líneas delicadas que ibansurcando el plano de color. Esas fueronreemplazadas por el hilo: descubrí un materialdelgado, imperceptible pero suficientementevigoroso como para proyectar sombras. Mástarde encontré unas semiesferas; esas fueron ala vez la sustitución de la intersección de loshilos». Así apareció el complementofundamental de su producción: la luz. Latopografía minúscula que emerge de los hilosproduce un efecto que parece poner en

movimiento la estructura geométrica,especialmente cuando el espectador caminafrente a la obra; por otro lado, la iluminaciónes parte de esta: una luz frontal anula laimagen, y otra rasante la resalta. Con pocos recursos plásticos, Joao habla de loinvisible a través de lo visible: «En mi obra estáel infinito todo el tiempo, hay una estructuramatemática que está contenida por el soportede la tela, pero que se puede extender más alláde la pared. Las obras son un corte entre loinfinitamente grande y lo infinitamentepequeño». En efecto, ella logra una secuenciahipnótica que podría multiplicarse hasta el fin.

Halos VI | Solado de sal rastrillada | Diámetro: 380 cm |Museo Nacional de Bellas Artes | Foto: Alejandro Martínez |

Gentileza María Ester Joao

El lugar de las sombras 9 [vista lateral] | Película de poliéstercalada | 127 cm × 250 cm | Gentileza María Ester Joao

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Mariana Vidal

Por Carla Bettino

Pintar, para Mariana Vidal, es experimentar el caos, transitar un estado detrance; y desde este lugar parte para darle cuerpo a su obra. Al ver la

producción de ciertos artistas contemporáneos, ¿podemos precisar claramentesi se trata de modos de representación que los definan como abstractos ofigurativos? ¿Siguen siendo válidas estas categorías, como lo fueron aprincipios del siglo xx? Claramente, hoy los límites no son tan estancos y, sibien en la imagen visual no figurativa no existe una relación mimética con elreferente, no podemos negar que haya un relato que trasciende lo meramenteformal. La respuesta de Mariana es elocuente cuando se le pregunta sobre larelación de su obra con la abstracción.

Nunca pensé que fuera abstracta, eso es algoque me fueron diciendo los otros. Cuandopinto, no parto solo de formas y colores. Meinteresa que la obra sea ambigua, que tengauna lectura abierta, que lo que a mí me pasó odesde donde yo partí no sea fácilmentereconocible. Pero no me siento abstracta. Yo

hablaría más bien de una obra hermética. Creoque cualquier buen pintor entiende la pinturacomo pintura, no desde el lugar de figuracióno abstracción.Desde este punto la abordo. En cuanto a sumanera de trabajar, Mariana describe que es

Tótem heroico, 2012 | Acrílico sobre tela | 205 cm × 120 cm | Foto:Juan Vaz Duarte | Gentileza Mariana Vidal y Galería Elsi del Río

Verónica, 2010 | Acrílico sobre tela | 150 cm × 190 cm | Foto:Juan Vaz Duarte | Gentileza Mariana Vidal y Galería Elsi del Río

muy vertiginosa: no trabaja con boceto ni ideapreestablecida; a lo sumo, lo que planteapreviamente es la paleta. Este procedimientoestá íntimamente relacionado con lomencionado en el inicio, acerca de su visión

sobre la pintura. En su texto para la muestraCarte Blanche (2012), asegura que la obra seplanta proponiendo una organización caóticay que ella, de algún modo, la acepta siguiendoese juego. En las pinturas que fueron parte deRename (2010), hay ciertas referencias al paisaje:las formas son orgánicas, la tela se encuentratotalmente cubierta, es una vegetación

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Marcelo, 2011 | Acrílico sobre tela | 158 cm × 200 cmFoto: Juan Vaz Duarte | Gentileza Mariana Vidal

y Galería Elsi del Río

frondosa; el resultado es una obra recargada.El acrílico se presenta tanto espeso, generandosuperposición de tramas y texturas, comoaguado, creando espacios transparentes. Es unmundo que pide ser habitado. Los títulos sonnombres propios. Andrea Fernández afirma:«Cada nombre un paisaje, cada paisaje undeseo, cada deseo una persona» (disponible en:www.mariana-vidal.com).

Sí, son reales. O nombres de fantasía que seviven como reales. Identidades cercanas.Algunos son homenajes o citas; otros, amores.El nombre aparece mientras pinto o alterminar el cuadro, no hay un patrón fijo. Esen el espacio entre la imagen y el nombredonde el espectador construye una nuevaimagen. Para mí, es como estar rodeada deseres amigables.En este sentido, crea un micromundo a partir

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Artur Lescher

Por Cecilia Rabossi

El artista brasileño Artur Lescher desdibujacon sus obras los límites existentes entre

escultura, instalación y objeto. Frente a estaspiezas tridimensionales, el espectador seplantea nuevas relaciones entre las obras y elespacio; espacio que se transforma enprotagonista indispensable de su producción yque pierde toda posibilidad de neutralidad. Elcrítico e historiador del arte Paulo VenancioFilho, caracterizando la esculturacontemporánea brasileña, establece claramenteesta relación al plantear: «la frontera entre obray espacio se vuelve fluida, flexible, elástica,

comunicante [...]. El espacio deja de ser undato a priori, absoluto e inmutable: es laconstrucción, proceso análogo al hacer de laobra». Esta caracterización general establecidapor el crítico es una realidad intrínseca a laproducción artística de Lescher. Sus obras seextienden y se contraen en el espacio, generanmúltiples sentidos.El artista se arriesga permanentemente alexperimentar con gran diversidad demateriales. Madera, plástico, aluminio, latón,resina, nailon industrial, granito, porcelanablanca, agua, sal de cobre y mercurio setransforman en sus manos, indagan sobre lasposibilidades de cada uno de ellos, pararomper así con todo dogmatismo. Leschertrabaja con la idea de metamorfosis; se interesa

Río Máquina, 2010 | Acero inoxidable | Dimensionesvariables | Foto: Fernando Laszlo | Gentileza ArturLescher y Galería Nara Roesler

Aili Chen

Por Marifé Marcó

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Aili Chen conoce muy bien el término «desplazamiento»: está marcada poresa andadura, por ese movimiento para trasladarse desde muy pequeña

de un lugar a otro. «Desplazarse» también es la palabra que la convocó y laimpulsó a participar en los premios Petrobras que promueve ArteBA, la feriamás importante de Latinoamérica.Aili es una de las artistas seleccionadas, dueña de una obra profunda yenigmática. Aún le quedan vestigios de su cultura natal taiwanesa, aunque laceremonia del té ha sido reemplaza por la del mate. Me conduce gentilmente hacia su mundo creativo, atravesado por la sutileza;un lugar donde se perciben silencios que hablan y ausencias plagadas depresencias. Su obra es contundente, minimalista, pura poesía,inescrutablemente silente.

Estoy dibujando un libro de Laura Wittner,para una editorial que se llama Planta, que editamuchos libros de artistas; estoy haciendoilustraciones para niños y adolescentes. Meencanta porque es un trabajo muy tranquilo,

puedo confeccionar los dibujos en casa yesperar el nacimiento de mi primer hijo. Degolpe me llamaron para decirme que estabaelegida para el premio Petrobras…¡Buenísimo!

El resultado del premio Estímulo se sabe al

final, en los últimos días de ArteBA. Vamos aexponer los cinco seleccionados.Expondremos nuestras obras durante la feria,y supongo que un día antes de que termine seanunciará el premio mayor; creo que tambiénhabrá un segundo premio, que ayudará alartista a desarrollar una nueva propuesta deobra en el exterior. Así que, bueno, de todosmodos, el hecho de poder hacerlo esbuenísimo, porque en Buenos Aires no haymucho espacio para hacer instalaciones, ymucho menos con una subvención.

La gestación de esa obra fue muy larga, porqueson un montón de cosas que se van juntando

a lo largo de los años, y creo que todas misobras de algún modo tienen una gestación muycontenida y se procesan con el tiempo; estaobra tiene más desarrollo en el tiempo porquetiene un gran requerimiento de producciónque hizo que pensara todo el tiempo en llevarlaa cabo.

Por un lado, hay una consigna de esta ediciónPetrobras, Desplazamiento, y cuando leí el textode Cuauhtémoc Medina me vino esta obra,pues la tenía gestando hace mucho tiempo enmi cabeza, como algo que está todo el tiempoadentro tuyo y con el tiempo no se desvanece,

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Aili Chen | Foto: Bruno Dubner

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James Joyce

Por David Jacobson

Los últimos dos capítulos de Retrato del artista adolescente de Joyce son el máscorto y el más largo de la novela, respectivamente, reflejando dos etapas:

un destello de deseo y su repercusión. En la mitad del capítulo IV, «[a]lgúninstinto... contra el consentimiento» (en original, acquiescence) [voy a citar de laexcelente traducción nueva de Pablo Ingberg, Editorial Losada, 2012; acá,pág. 191] frena a Stephen Dedalus de iniciarse como sacerdote, y lo dirigerapidamente «cerca del corazón salvaje de la vida» [202], en «un estallido degozo profano» provocado, especificamente, por la visión de una joven —audaz, «sin vergüenza ni lascivia»— que vadea en el mar como «alguien quepor magia se hubiera transformado en la apariencia de un ave marina extrañay bella» [203].

En el capítulo V, Stephen asume su vocación literaria y, en consecuencia, antela consternación de su madre devota, reemplaza el seminario teológico por eluniversitario (aún jesuita); apenas terminado un poema, una villanella queerotiza a la Virgen como musa, aparece una bandada de pájaros, con su grancarga simbólica. En un atardecer de primavera en los escalones de labiblioteca, mira a los pájaros «dando vueltas alrededor de un templo de aire»

James Joyce

DANZA

Leticia Mazur

Viaje a las profundidades del ser

Por Valeria Bula

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La Lengua | Foto: cortesía Leticia Mazur

Amí me entusiasma partir de algo que es como una especie de impulsoque no se puede nombrar, ni siquiera saber de qué se habla», cuenta

Leticia Mazur, bailarina, actriz y coreógrafa. La artista, en su obra La Lengua,

decide abrir los ojos y zambullirse en su alma que, como diría Carl Jung, sevislumbra «multiforme y transformable».

Hace dos años empecé a estudiar el Libro Rojo

de Jung en un grupo de estudio y luego hiceterapia; esto me dio muchas herramientas delproceso de individuación. Simultáneamenteempecé a trabajar en solo. La idea de símbolojungiano me sirvió como forma de pensaraspectos de la obra y de la totalidad o infinito.Tuve un período de ir al desierto como idea deentregarse a lo desconocido; no tenía diálogoni mirada externa. En los ensayos me dormía,cuando me despertaba seguía bailando ysurgían cosas nuevas. En el medio trabajé conInés Rampoldi, que me ayudó a darle forma ala obra. Luego se sumaron Elisa Carricajo yBárbara Hang.

Con La Lengua pude buscar un lenguaje quedesde lo emocional y desde la simbología hacecontacto con cosas reconocibles. Yo entro con

un relato interno, pero también hay mucho quedescubro cada vez, que no se bien quéesconde. Eso es, para mí, la potencia delsímbolo: el lugar del lenguaje donde las cosasson más complejas, que no sabés qué es, peroal mismo tiempo te toca. Es lo que más meinteresa en la danza. Mi intención es entraremocionalmente en contacto con elespectador y llegar, pero al mismo tiempo,presentar interrogantes.

Tiene que ver con la conciliación de opuestos.La estrella danzarina parece lo lindo y celestial;asociamos al caos con lo negativo, pero de ahíla complejidad de la belleza. Por eso, a muchagente la última imagen le puede hacer unmimo en el corazón, y a otros los dejaangustiados. Las cosas no están del todo bieno del todo mal. Mi sensación es que la últimaescena recoge todo de ese camino querecorrió, como un ciclo, y es una celebración.En la obra está presente la idea de sacrificio,de que para alcanzar una cosa se debe dejaralgo. En la obra, lo que se deshace cae ymuestra lo que había debajo, como unaserpiente que cambia la piel, o cuando el

P. 58 Leticia Mazur, La Lengua | Foto: cortesía Leticia Mazur

«

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Morton Feldman

Por Guillermo Dellmans

La obra de Morton Feldman es fruto de laefervescencia reflexiva que emerge de las

múltiples búsquedas estéticas del escenarioartístico neoyorquino de los años 50. Susensayos aúnan una profunda investigación dela tradición del arte visual; de hecho, sufundamentación musical, más allá de laprofunda influencia que ejerció sobre él JohnCage, estaba delimitada por su sentimientopictórico hacia el expresionismo abstracto. En su acercamiento musical al arte pictórico,Feldman se transformó en un «compositor delienzos de tiempo» —como el se denominó—, buscando generar en el plano auditivo losestados de tensión e inmovilidad propios de laobra de Mark Rothko y Philip Guston. «Lanueva pintura me hizo desear un mundo

sonoro, más directo, más inmediato, más físicoque todo lo que existía anteriormente. Para mí,mi partitura es mi tela, mi espacio».

La experiencia abstracta

Según el compositor, del mismo modo en quelos alemanes mataron a la música, los franceseshicieron lo suyo con la pintura,introduciéndole la claridad literaria (el «serclaro a cualquier precio»). «¡Basta mirar aDelacroix para darse cuenta de que las ideasestán literalmente sosteniendo el cuadro!».Siempre ha mantenido firme su concepciónacerca de que la confianza en lo literario surgenaturalmente de la cultura europea, por lo quela búsqueda del expresionismo abstracto era lamanifestación estética legítimamente

Morton Feldman

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Poesía visual

Por Massimo Scaringella

La obra maestra Zang Tumb Tuum (FilippoTommaso Marinetti, 1914) es el primer

libro que expresa una aplicación práctica a lasdemandas expuestas en el manifiesto por lasPalabras en libertad, una de las conquistas másimportantes de la literatura futurista. Mediantela introducción de distintos caracteres yformatos de escritura que deberían conferirexpresión emocional a la palabra, estos serevelan como pioneros en el desarrollo de latipografía. Desde la modernización delcontenido se llega a una revolución del estilo,de modo que la tradición de la escritura lineales superada por el desarrollo de diversas

tendencias donde la estructura más libreprivilegia la letra singular o despliega lainteracción de la palabra con el espacio en unarelación directa de este con la verbalidad.

Desde los años cincuenta y sesenta la pinturatiende con mayor frecuencia a la condición dela escritura, con las obras de Capogrossi,Novelli, el Gruppo Forma 1 y muchos otrosen Italia; Joseph Beuys, Wolf Vostell, NamJune Paik, Robert Filliou, Ben Vautier enEuropa en general, y Cy Twombly y FranzKline en los Estados Unidos hasta 1962,cuando el lituano George Maciunas teoriza

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Jean-François Bory: L’eternité, 1976 | objetos y spray dorado |35 cm × 37 cm × 15 cm | Collezione Palli, Centro Pecci

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Mariano Llinás

Por Julián Tonelli

En constante exploración de nuevas ficciones, de nuevos relatos, de nuevosmundos, el estilo de Mariano Llinás evoca, tanto a nivel formal como

temático, un vasto espectro de poéticas (desde Borges hasta Stevenson, desdeHitchcock hasta Cervantes, desde Verne hasta Marker). Aquí, un encuentrocon el más singular narrador del cine argentino contemporáneo.

Me parece que hay dos maneras de pensar larelación entre el artista y la ética. La maneramás habitual es pensar que la ética tiene quever con lo que el artista dice. Siempre sentí queesa idea según la cual un artista opina

racionalmente sobre ciertas cosas no teníamucho que ver con lo que a mí me interesa.Lo que para mí define la ética del artista es larelación con su propio trabajo y la voluntad deir más allá de las fronteras conocidas, como unexplorador de los campos de la belleza. Conrespecto a la ficción, durante mucho tiempo setendió a confundirla con el argumento; estoocurría sobre todo en el siglo xIx, cuando seconsolidó la idea de la novela como elementorector de la ficción, en detrimento de modelosanteriores donde la ficción estaba mucho másdispersa y juguetona. El siglo xx se rebelócontra la tendencia del siglo anterior, privilegió

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Mariano Llinás | Foto: Bruno Dubner

la forma, y el argumento pasó a ser enemigode la modernidad artística. Yo creo que estarebeldía es cosa del pasado. Lo que hay ahorano es un repliegue hacia el siglo xix, sino másbien una multiplicidad de formas de ficción yde formas de argumentos. La ficción puede serla manera de emprender caminos

desconocidos. Lo que yo trabajo es una especiede reconciliación de la ficción con lo moderno.Las formas arcaicas vuelven, pero yadesligadas de su carácter retrógrado.

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Salvatore Costanzo

Por Natalia Bonaventura

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Pablo Marchese


Último en integrarse a la cadena de hotelesDesign Suites, del Grupo Solanas, el

Boca es el primer hotel temático de fútbol;para sus organizadores, una apuestainnovadora. El desafío fue puesto ensemantizar los objetos, las instalaciones, en posde acercar al hincha a su pasión, pero sinobviedad, resaltando un cierto refinamiento enlos detalles. Asociados con la empresa MuseosDeportivos, lograron bucear en lamemorabillia del equipo y expresarlo con todosu esplendor. Tiene una capacidad de 85habitaciones dobles, 170 plazas; el valoragregado es el diseño y el arte: desde laarquitectura y el mobiliario hasta el champúllevan una impronta creativa y boquense.El proyecto estuvo a cargo del arquitectoCarlos Ott, quien recreó un espacio decóncavos y convexos predominantes, y afinóla torre en los pisos superiores para crear unefecto de liviandad. Desde el ingreso seexperimenta el «sentimiento azul y oro»; en elhall de entrada, recibe al huésped una

instalación a escala monumental querepresenta montones de papelitos de canchaque caen hacia el subsuelo. Decorando lasparedes, fotos de María Mochon evocan elbarrio de la Boca. En el restaurante, de líneassimples, los acentos conceptuales se definenmediante grupos de cajas en acrílico, cada unacon objetos alusivos: pelucas, arena coloreada,caireles, papel picado. Está abierto al público;la cocina es argentina y contemporánea, con eltoque italiano que dio origen al equipo. En la planta baja, cuatro vitrinas del artistaPablo Berra son motivo de típicas fotos; paralos fanáticos, se relacionan con la pasión, lahistoria del equipo y la sensación del estadio:vuvuzelas, camisetas de época y carnets. En elprimer piso, se emplazan el spa y el gimnasio,con asesoramiento de preparadores físicos. Lapiscina, de formato longitudinal, está decoradacon venecitas azul-amarillo. En la dobleentrada a los vestuarios, hay una pareddedicada al hincha; una letra de Discépolocompone un fotomontaje con imágenes de las

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Dr. Guillermo Blugerman


La cirugía plástica, como indica su nombre,tiene mucho que ver con el lenguaje plástico:interviene la observación de contornos,volúmenes, sombras y texturas. Se trata delograr un resultado agradable a la vista,equilibrado. Desde la historia del arte, larelación con la estética se da mediante estudiosde anatomía, cánones áureos y proporcionescorporales armoniosas, realizados desde elRenacimiento. Artistas como Da Vinci oMiguel Ángel dejaron un extenso testimoniode ello en sus obras.Esa búsqueda de lo bello plasmado en elcuerpo se resignifica a lo largo de las épocas;pero la armonía natural prevalece antecualquier variable temporal. La idea detridimensionalidad ya se estudiaba en el arte yhoy se aplica en la estética con tratamientoscorporales, «en tanto actualmente no se buscasacar la grasa con una lipoaspiración sino darleforma al cuerpo que estamos dejando»,comenta el doctor Blugerman.Se estudian las proporciones para observardónde extraer, dónde sumar contorno. Paraello no sólo se utiliza una cánula, sino queexisten diferentes tecnologías: láser,radiofrecuencia, ultrasonido. Su fin es adaptar

mejor el continente que es la piel al contenidoque es la grasa corporal. Esto hizo que secreara el tratamiento de laserlipólisis o laliposucción asistida por radiofrecuencia. Enestos tratamientos se esculpe la grasa desdedentro, lo que da la impresión de haberrealizado mucho ejercicio físico: se resaltanabdominales, deltoides; es mayormenterequerida por varones. En mujeres se trabajancintura y caderas, socavando la espalda baja yla cadera posterior para realzar el glúteo. La técnica de laserlipólisis (SmartLipo) utilizalos avances que brinda la tecnología láser paradisolver selectivamente la grasa en una zonadel cuerpo, convirtiéndola en una emulsiónoleosa que el organismo elimina por víasnaturales. Este procedimiento se realiza enforma ambulatoria, sin internación, con soloanestesia local tumescente; en una sola sesiónse tratan diferentes áreas simultáneamente.Como una escultura, se extrae la materiasobrante para resaltar la belleza de las formasque estaban encubiertas.También el juego de volúmenes es importanteen el rostro. Con los años se va perdiendotejido adiposo, hay mayor pérdida de volumenmuscular. Una novedosa alternativa para

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Rolex

Por Marcela Sorensen

La Iniciativa Artística Rolex para Mentores y Discípulos es el programacreado por la prestigiosa empresa para ofrecer a los artistas emergentes

una oportunidad para aprender, madurar y crear de la mano de los másgrandes artistas del mundo. Fiel a su tradición de apoyo a la excelenciapersonal, esta iniciativa de mecenazgo ha creado una conexión entre artistasde todo el mundo.Los mentores eligen a sus discípulos, que los acompañarán durante un año deaprendizaje, inspiración y colaboración creativa. Durante 2012-2013, lasdisciplinas serán siete: literatura, teatro, música, danza, artes visuales, cine yarquitectura.«Desde 2002, la Iniciativa Artística Rolex ha reunido a artistas consagrados yartistas emergentes durante un año de colaboración creativa», comentaRebecca Irvin, directora de filantropía de Rolex. «Al comienzo de cada nuevociclo de mentoría, esperamos con entusiasmo las conversaciones que seentablarán, las ideas que surgirán y las relaciones que se forjarán. Sabemosque los Discípulos —al igual que los Mentores— vivirán una experiencia únicaque cambiará sus vidas». Cada Discípulo recibe 25.000 francos suizos para

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Magdalena Faillace

Por Margarita Gómez Carrasco

El envío de nuestro país a la 55 Exposición de Arte en la Bienal de Veneciaes una videoinstalación sobre las múltiples caras de Eva Perón, obra de

la artista Nicola Costantino, que se desplegará en más de 500 metroscuadrados. En busca de una palabra autorizada que nos cuente lospormenores, fuimos hasta el despacho de la embajadora Magdalena Faillace.

El canciller Timerman me propuso laDirección de Asuntos Culturales, porque yo yavenía trabajando en cultura. Luego me sercomisaria de la Bienal de Venecia; actoseguido, me ofreció Culturales. Una de lasprimeras cosas que me dijo fue: «No quieroque el artista, el curador y el equipo que van aVenecia sean producto de una elecciónazarosa, sino que haya varias propuestas». LaBienal de Arte es la bienal más antigua delmundo: se inauguró en 1895. La Argentina hatenido siempre una presencia destacada ysostenida, desde 1905 hasta el presente; si en

algún momento decayó, fue durante lasdictaduras militares, pero podemos decir quefue enormemente valiosa, y tenemos trespremios de la Bienal de Venecia en nuestroarte: uno de Antonio Berni en 1962, despuésJulio Le Parc, y en 2007 el premio que se le dioa León Ferrari.

Convoqué desde la Dirección de AsuntosCulturales, con el apoyo del Canciller, uncomité de gente notable, reconocida en elmundo del arte y la cultura. Rosa María Ravera,dos veces presidenta de la Academia Nacional

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Matthew Lee

Por Gimena Rubolino

Durante años, nuestra Oficina ha idopromoviendo el intercambio y el conocimientomutuo entre Taiwán y Argentina. Hemosorganizado diferentes exposiciones,incluyendo 10 itinerantes de fotografía, por lacelebración del Centenario de Taiwán, con eltítulo Repasando nuestros pasos. Un viaje fotográfico

a través de 100 años de la República de China, yuna exposición de fotografía de temáticagaucha, de Leandro Chen, artista taiwanésresidente en Argentina. En cine, Taiwán tieneuna intensa actividad en Argentina; elrenombrado director Wei-Te Sheng fueinvitado a participar con tres obras en elBAFICI. Por tres años consecutivos, hemosparticipado de Pantalla Pinamar, con muybuena respuesta del público. Este año, el gobierno de Taiwán planea invitara la delegación de los Jóvenes EmbajadoresTaiwaneses para realizar intercambiosacadémicos con estudiantes argentinos,organizar charlas sobre turismo y cultura yparticipar de los ciclos de cine que organizanlas provincias. Pretendemos dar a conocer la

refinada cultura, pequeña pero bella, deTaiwán.

Actualmente hay muchos jóvenes muytalentosos, de segunda generación, que viveny sobresalen en diferentes ámbitos de lasociedad local, cine, pintura, música,fotografía, etc. Nos sentimos orgullosos deellos y tratamos de fortalecer el lazo con lasociedad argentina a través de su labor.

Aunque Taiwán está geográficamente lejos dela Argentina, para incrementar suconocimiento por parte de los ciudadanosargentinos, desde 2004 participamos de la FIT.Tratamos de mostrar bellezas naturales,delicias gastronómicas, costumbres y folclore,la cultura milenaria y renovada, el avancetecnológico y las más nuevas informaciones.Muchos argentinos se interesan por viajar a

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Taiwán. El año pasado construimos un templode 6 metros de alto y 8 metros de ancho, contodos los elementos típicos: columnas,ventanas, los dioses de la puerta. Losorganizadores de la FIT distinguieron nuestrostand con el premio al mejor diseño, junto conel premio a la mejor actitud de servicio alpúblico, lo cual también forma parte de lacordialidad propia de nuestro pueblo. En 2011,nuestra Oficina emitió 722 visas para viajar aTaiwán; en 2012, 764. El porcentaje va enaumento, aunque en pequeña escala.

El Ministerio de Cultura de Taiwán promueveel proyecto Encender las luces de cultura deTaiwán: invitamos a 40 universidades e

instituciones importantes con la idea deprofundizar la interacción entre nuestro país yla comunidad internacional. Taiwán sobresalepor su ideología humanitaria, sus artesdelicadas y su literatura, por sus sentimientoslocales arraigados, el espíritu y la característicade ser una sociedad civil multifacética y abierta.Taiwán debe encender las luces de su culturapara iluminarse a sí misma y evitar elaislamiento. Este proyecto contiene el germenpara engendrar estas posibilidades. No es soloun proyecto, sino que se basa en una alianzaestratégica, con la esperanza de que loscontactos culturales que cooperan en élpuedan, paulatinamente, poner los cimientosrespectivos para expandir más todos lospuntos de contacto, y que estos puedandestacar más su brillo.

Mathew Lee | Foto: Bruno Dubner

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Aldo Rubino

Por Margarita Gómez Carrasco

Las obras geométricas y los coloresbrillantes resaltan en la colección privada

del financista Aldo Rubino, compuesta por150 obras dispersas entre los tres niveles delMuseo de Arte Contemporáneo de BuenosAires, emplazado en el corazón de San Telmo.Su director nos concedió esta entrevista paracontarnos el porqué de este tipo de colección.

Qué bueno que además de periodista seaspsicoanalista, porque la abstracción es comoun número, sin palabras, desde donde también

parte el estudio de todos los colores, los quetienen una significancia particular y personalpara cada sujeto. Se puede decir que el arteabstracto afecta de manera distinta a cada unode nosotros. En mi caso, te podría decir queme sentí atraído por la abstracción desde quecomencé a coleccionar. Me gusta mucho eltema de la abstracción geométrica, primeroporque son líneas o colores libres, en los cualesencontramos una multiplicidad decombinaciones; es algo también muyespectacular, porque cada persona ve lo quequiere ver. Se puede multiplicar el uso de laslíneas y de los colores de tantas formas comose te ocurra, porque la capacidad de hacerlo esinfinita. Si bien es una forma de expresión muysimple y pura de parte de un artista, produce

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al mismo tiempo un montón de significanciaen el espectador, quizás llega más al alma y alinconsciente de una manera mucho másdirecta. Vos sabés que diferentes coloresafectan ópticamente la psiquis de una maneramuy particular, como así también la línea, elcolor y la luz que acompañan la abstraccióngeométrica. Todas estas características son deuna pureza y una belleza increíbles, que a míme colman muchísimo. Creo que terminasiendo una forma de expresión muydemocrática, entendible sin tener queinterpretar una imagen específica, figuras,dramas; en la abstracción geométrica, todo esparte de una supuesta simplicidad. Elegir arteabstracto implica una tremenda complicidad,porque es el elegir las múltiples combinacionesque hacen que ese arte sea muy bello. Yoencuentro en la geometría, en el color, y en lalínea en particular, una expresión de la bellezaque te da la vida, que parte también de lanaturaleza. A mí me colma pararme frente auna obra que son líneas, colores y círculos; esasombroso lo que transmite. Sobre todo, elcolor se mete dentro de uno. Vos debéssaber…, no por nada existe el método de

Rorschach, hay un montón de cosas que sehacen con las manchas solamente, y uno apartir de eso interpreta figuras. Y bueno, unotambién, a partir de solamente la línea y loscolores, puede interpretar un montón de cosasque están detrás, y todo eso me pareceapasionante.

Vasarely, la obra que está en planta baja, enblanco y negro. Creo que fue la primera obraimportante cumbre y, digamos, bisagra de lasque colecciono. Me maravilló, me impactóprofundamente el efecto que causaban en míla línea, las vibraciones y los contrastes de loscolores. Esa obra es blanco y negro; a partir deahí, descubrí la fuerza y toda la belleza que metransmitía, todos los efectos que causaba enmí, lo óptico que encontraba en la apreciacióndel color y la línea, y definitivamente lacolección se dirigió para ese lado.

No, la abstracción geométrica parte primerode un gusto tremendamente personal, de lo

Aldo Rubino | Foto: Bruno Dubner

El Gran Otro 4

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