El Espectáculo Teatral

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Editorial

No es complicado escuchar en corrillos comentarios críticos sobre dos pro-fesionales de las artes escénicas españolas como Daniel Martínez y Jesús

Cimarro. Lo realmente complicado es oír opiniones elogiosas sobre quienes re-presentan, hoy por hoy, a las dos empresas más sólidas y poderosas del sector, Focus y Pentación.En esos juicios de valor entran en juego muchas cuestiones: desde la afinidad personal (o su ausencia) a valoraciones estéticas sobre la mayor o menor relevancia cultural de sus producciones; por no mencionar otros aspectos tan puramente subjetivos que no merece la pena ni mencionar. Lo único incuestionable es que sus empresas parecen gestionadas con criterios empresariales efectivos y han logrado situarse en las posiciones hegemónicas que disfrutan en la actualidad.No es nuestra intención acudir a salvar su honor supuestamente mancillado con estas líneas. Tampoco darles más protagonismo del que ellos, por si solos, saben generar ni defenderles de ataques que tendrán, no lo pongo en duda, razones más o menos fundadas. Nuestra intención es, al contrario, poner sobre la mesa lo que consideramos es una posible falta de coherencia del resto del sector: en las últimas semanas se han celebrado elecciones en las organizaciones empresariales locales que ambos presiden, ADETCA y APTEM. Y, una vez más, después de varios años de mandato de cada uno de ellos, los dos han vuelto a resultar reelegidos… O lo hacen estupendamente y se les reconoce con confianza renovada. O el dato habla de dos situaciones distintas. Por un lado, la incoherencia de la que hablaba inicialmente: ¿por qué seguir votando a quienes, supuestamente, no nos representan correctamente? Y por otro, la antigua tradición anarquista española que ha devenido en anárquica, abúlica y despreocupada. Si no nos representan, ¿por qué nadie pone de su parte para enfrentarse democráticamente a las figuras dominantes con el objetivo de desnivelar la balanza hacia otra posición? Nada ni nadie es inamovible y no estamos hablando de las complicaciones de transformar un país de millones de habitantes: estamos hablando de asociaciones integradas por pocas decenas de empresas. Hay muchas más fuera de ellas que dentro. Pero lo que las asociaciones hacen influye no sólo en sus socios, sino en todos: no se trata de facilitar a sus miembros descuentos en hoteles o un seguro de vida mejor que el que pueda conseguir cada uno por su lado. Las asociaciones son las que se sientan a negociar con las administraciones y sus acuerdos valen para todos: los de dentro y los de fuera. Motivo más que justificado para hacer valer los intereses de quienes pueden verse afectados. Y si los acuerdos sirven sólo para los de dentro… más razón aún para no quedarse fuera.En estas mismas páginas incluimos un debate sobre la necesidad (o no) de crear la Academia de Artes Escénicas, al que acompaña una encuesta sobre quién debería dirigirla, realizada con los votos de ochenta y dos profesionales del sector (y el no voto de más de ciento cincuenta profesionales a los que solicitamos su participación y no han respondido). Obviamente, no se trata de nada científico, pero refleja hasta cierto punto vuestro grado de implicación en asuntos que os pueden concernir. En EL ESPECTÁCULO TEATRAL pensamos que hace falta esa academia, que aglutine a todo el sector. Pero también pensamos que hacen falta asociaciones sectoriales fuertes y ahí es donde el barco hace agua. Dicen que de las crisis el que sale lo hace fortalecido, pero en el ambiente se detecta, sobre todo, una abulia vergonzante: queremos salir de la crisis, pero nadie mueve un dedo para algo más que buscar soluciones a cortísimo plazo y nos comportamos como adolescentes enfrentados a la autoridad. Nos sobran quejas, pero no aceptamos la sabiduría de la experiencia. Y un refrán tan antiguo como el mundo dice que la unión hace la fuerza. El que no lo quiera entender por las buenas, lo va a entender de todas formas.

Jesús Rodríguez LeninEditor

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Edita: Publicaciones Teatrales S.L.

c/ Julián Camarillo 47 port. D of. 104 28037 MADRIDTel.: 91 304 04 88

Director: JESÚS RODRÍGUEZ FERNÁ[email protected]

Director de arte: ENRIQUE PÉ[email protected]

Redactora Jefe: CRISTINA RELLO [email protected]

Redacción: JAVIER MORA, CLARENCE J. BODDICKER.

Autoedición: LAURA R. DIONIS, FRANCISCO CACENAVES

Publicidad: ABEL VALERO [email protected]

Publicidad Equipamiento: SANTIAGO GARCÍ[email protected]

Fotocomposición: Dos Dimensiones, S.L.Depósito Legal: M-46213-2005Imprime: Gráficas Villena.Distribuye: National Post.

SUMARIO:

6 DEBATE - 6: La Academia de las Artes Escénicas: ¿para qué? y ¿qué Academia?

12 FERIAS Y EVENTOS - 12: Entrevista a Raúl Ramos - 14: Jornadas Te Veo e Impuls[D] - 15: MadFeria y Ciclo Joc al Ninot 19 INSTITUCIONES - 19: Compañía Nacional de Danza e Iberescena

20 PREMIOS - 20: Premios Nacionales de Danza de Interpretación y Creación - 21: Premio Nacional de Teatro

22 COMPAÑÍAS - 22: Entrevista a Cuco Afonso - 25: Teatro de texto - 31: Danza - 33: Musicales - 34: Infantil

37 EQUIPAMIENTO ESCÉNICO

OPINIÓN - 16: Heteatrodoxias, de Xavier Marcé - 24: El Apuntador, de Javier Romero - 30: Ferias y feriantes, de Isidro Rodríguez - 42: La reflexión, de Robert Muro

Colaborador:

¿A qué jugamos?


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“La Academia de las Artes Escénicas: ¿para qué? y ¿qué Academia?”

Ignacio García MayDramaturgo y director teatral (Madrid, 1965), es autor, entre otras obras, de “Alesio”, “El dios tortuga”, “Operación Ópera”, “Lalibelá”, “Los vivos y los muertos”, “Serie B” y “Los

coleccionistas”. Traductor y adaptador de Shakespeare, Ibsen y otros autores. Colaborador de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, para la que ha escrito “Viaje del Parnaso” y

“Romances del Cid”. Sus espectáculos más recientes han sido “El hombre que quiso ser rey” y “Drácula”, ambos escritos y dirigidos por él mismo para el CDN, así como “Ibsen tras

el cristal”, actualmente en gira.Profesor de Escritura Teatral e Historia de las Artes del Espectáculo en la RESAD de Madrid, escribe la columna de teatro “Portulanos” en el suplemento El Cultural del diario El Mundo.

Uno de los temas que más controversia levanta en los actuales momentos es

la necesidad de una Academia de las Artes Escénicas. Más allá de entregar

anualmente unos premios con mayor o menor glamour, el aspecto más visible

de cara a la sociedad, la Academia debería servir para unir de una vez por

todas a un sector caracterizado por una atomización a todas luces excesiva,

buscando un interlocutor único que, además, represente plenamente a todos

los sectores y familias de la profesión.

En esta ocasión hemos elegido como interlocutores a quien lanzó abiertamente

la propuesta en el marco de Mercartes, Miguel Ángel Varela, y a un autor

teatral que duda de la unidad del sector y considera que hay otros asuntos

más importantes que resolver antes, Ignacio García May.

- Miguel Ángel Varela: Empecemos, ya que me toca abrir fuego, contando la verdad: la propuesta de crear una Academia de Artes Escénicas no ha pasado, de momento, de la charla de café (y copa) aunque, a juzgar por las reacciones que la idea ha provocado en muchos profesionales, parece que estamos ante algo que puede ser algo más que una ocurrencia. La primera vez se planteó, como iniciativa autonómica, durante la Feria de Donosti, creo que hace unos tres años, en una reunión informal entre programadores y compañías de la comunidad de Castilla y León, como respuesta a la resistencia de la administración autonómica a abrir vías de diálogo entre las partes involucradas en el desarrollo de las artes escénicas de la región. Este mismo año volvió a aparecer al calor de unos ging-tonics en la Feria de Castilla-La Mancha y en la barra compartían opiniones con el que suscribe los programadores de Laguna de Duero

y Alcobendas, además del distribuidor Alberto Muyo, que fue el que con más interés tomó el asunto. Finalmente, en una de esas sesiones de mercadotecnia moderna que se organizaron en Mercartes, se me ocurrió volver a la lanzar la idea, recogida con interés por numerosos participantes en el evento sevillano, por esta revista y por algunos de sus más notorios colaboradores… Ante todo ello sólo cabe preguntarse ¿por qué no plantearse la creación de esta Academia como espacio de encuentro profesional? ¿Por qué no puede tener el teatro un lugar que aglutine las inquietudes del sector? ¿No podría aportar una institución así una voz consensuada, clara y reivindicativa capaz de explicar las fortalezas y debilidades del teatro en España?

- Ignacio García May: Me consta el interés despertado por la propuesta, ya que ha llegado a mis oídos desde diversas fuentes.

Ahora bien, yendo al grano: ¿qué es esto de una “Academia de Artes Escénicas” más allá de un bonito nombre? ¿Para qué sirve, realmente? Dices en tu texto, literalmente, que se planteó por primera vez “como respuesta a la resistencia de la administración autonómica a abrir vías de diálogo entre las partes involucradas en el desarrollo de las artes escénicas de la región”. Pero, ¿es que debemos tolerar que las administraciones, sean las que sean, puedan “resistirse a abrir vías de diálogo” cuando esa es una de sus obligaciones? Y si esto es así (y de hecho es lo que estamos haciendo, tolerar un sistema caprichoso e injusto en el que mecanismos que sólo pueden definirse como caciquiles están decidiendo lo que se puede o no hacer en el teatro), ¿de qué va a valer la Academia? ¿Para dar unos premios glamourosos una vez al año, como hace la de cine? Me aterra la idea de inventar la enésima macroestructura intermediaria fagocitadora de medios económicos y humanos cuya misión última sea la de cuidarse a sí misma. Me aterra, también, ese “síndrome del juguete nuevo” tan caro a la cultura española que consiste en arrojarse de cabeza a cualquier cosa que parezca más bonita que la anterior desatendiendo siempre lo básico.

- M.A.V.: Más allá de su bonito nombre, la Academia de Artes Escénicas será lo que el sector quiera que sea y servirá para lo que el sector quiera que sirva… Sin negar la existencia de problemas endémicos en el teatro español, sería injusto no reconocer que en las últimas décadas ha sido capaz de organizarse y crear algunas estructuras de bastante solidez: productores, autores, directores, espacios públicos, distribuidores o ferias disponen actualmente de organizaciones


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“La Academia de las Artes Escénicas: ¿para qué? y ¿qué Academia?” Sección patrocinada por:

sectoriales y tienen bastante claras sus acciones, aunque sigo echando en falta un lugar de encuentro que sirva como “marco unificador y representador del conjunto del sector”, usando palabras de Roberto Muro en esta misma publicación. Yo confío en la madurez del sector, que evite esa tendencia al “glamour” vacío que tú señalas y conduzca a generar un programa de mínimos por encima de los intereses –aunque legítimos, parciales–, que ahora mismo plantean las diferentes asociaciones escénicas del país.

- I.G.M.: Miguel, con todo respeto, tu respuesta es tautológica. No podemos poner en pie una academia que “sea y sirva para lo que el sector quiera que sea y sirva”, porque eso no significa absolutamente nada. Para empezar: ¿a qué llamamos “el sector”? Teniendo en cuenta que uno de los fallos graves (y ese, sí, de verdad) que tiene el teatro español es la absoluta carencia de regulación y de coherencia en los mecanismos de incorporación profesional, o, dicho de otro modo, que cualquiera puede dedicarse de cualquier modo a lo que le de la gana dentro del teatro, mezclando a menudo lo profesional y lo aficionado como hacen no pocas autonomías en sus contrataciones para presumir de paquete local, ¿a quién damos la palabra? ¿Seguimos cultivando ese populismo que ha usurpado en nuestra sociedad los legítimos principios de la organización democrática? Si me dijeras que una de las funciones principales y urgentes de la Academia sería precisamente la de regular de una vez y para siempre estas cosas, entonces por lo menos estaríamos hablando de algo útil. Dicho esto, e incluso aceptando que pueda definirse “el sector”: ¿qué diantres quiere?

¿De veras lo sabe? Y si lo tiene claro, ¿por qué no lo ha hecho ya con los instrumentos de los que precisa que, por cierto, son muchos? Yo, y discúlpame por verme obligado a hacer de malo, no creo en “la madurez del sector”: no puedo creer en ella cuando las reglas básicas del juego se incumplen caprichosa y sistemáticamente y quisiera, ya que mencionas a Muro, recordar unas palabras que ha escrito recientemente en su blog: basta ya de que la profesión confunda sus deseos con lo que verdaderamente hay que hacer. En mi opinión lo que el “sector” quiere, y además se escucha constantemente (igual que se escucha en los demás “sectores” de la sociedad española) es “volver a lo de antes”, es decir, a los tiempos en que trabajo y dinero estaban medianamente asegurados a través de la teta pública. Por supuesto, ni los del teatro ni el resto del país quieren darse por enterados de que “lo de antes” es lo que nos ha traído aquí; más aún: jamás volveremos a “lo de antes” ni en el teatro ni en ninguna otra cosa, y lo verdaderamente demoledor, lo auténticamente desesperante de esta puñetera crisis es que nadie está aprendiendo nada, que es en última instancia el valor de las crisis.No, no creo en esa madurez y por el contrario acuso “al sector” de ser uno de los principales responsables de la catástrofe teatral que nos rodea. Cuando las cosas van mal siempre parece que la culpa es del gobierno, o de la SGAE, o de Franco o Felipe II, pero la profesión teatral española ha aceptado, y hasta aplaudido, durante los años de vacas gordas, cosas que ya eran inaceptables pero que entonces le convenían: desde los nombramientos a dedo para los teatros públicos o la frecuente falsificación del número real de bolos realizados por las compañías, para poder

cobrar las subvenciones (cosa que incluso las administraciones conocían y permitían) hasta la transformación de las redes de distribución en sistemas endogámicos y hasta mafiosos. Los grandes productores privados que ahora se las dan de ofendidos porque no cobran olvidan que ellos mismos, en su afán monopolizador del mercado, han pervertido durante años el equilibrio de la industria imponiendo sus productos sobredimensionados y sobrepreciados a esos mismos ayuntamientos que ahora no tienen dinero para seguir pagándoles. Podemos seguir jugando a que somos todos San Vicente de Paúl, o podemos empezar a llamar a las cosas por su nombre y entonces quizá sí que puedan arreglarse ciertas cosas.

- M.A.V.: Con el mismo respeto, Ignacio, no comparto el tono catastrofista de tus palabras, en las que aparecen mezclados demasiados elementos como para fabricar un cóctel digerible. Yo prefiero ver la botella medio llena sin que por ello ignore algunos de los males que tú señalas, que han contribuido a que no esté tan llena como debiera. El que crea que, una vez atenuadas o superadas las circunstancias económicas actuales volveremos “a lo de antes” está muy equivocado y probablemente se estrellará. Las cosas nunca volverán a ser como antes y de eso es consciente no sé si todo pero sí una buena parte del sector, que está trabajando en un nuevo modelo de funcionamiento, más transparente y más atento a una economía menos boyante… Sector que, por cierto, existe con algunos de los defectos que tú señalas y otros que se me ocurren pero que se ha ido construyendo, con no poco esfuerzo, en las últimas tres décadas: tú conoces al menos desde los ochenta el teatro español y no me negarás que las acciones de estos años nos han acercado un poco más a las medias europeas en este campo y que, aunque todavía quede mucho por hacer, en este tiempo se ha ampliado la geografía de la exhibición, se ha crecido en espectadores, se han mejorado notablemente las infraestructuras, se ha hecho un esfuerzo en la formación y se han profesionalizado los diferentes ámbitos de actuación. Yo no busco culpables en el gobierno, la SGAE, Franco o Felipe II, sencillamente porque creo que cada uno es responsable de sus actos y todos tenemos que asumir la parte que nos toca. Y para no desviarnos del tema de debate, vuelvo a lo que tú llamas tautología. Una Academia puede ser otro organismo preocupado sólo de sí mismo

Miguel Ángel VarelaGestor cultural leonés (Ponferrada, 1961). Ha ejercido el periodismo en medios escritos y radiofónicos. Columnista de Diario de León desde hace más de quince años, editor, guionista de documentales, autor de varios libros de divulgación histórica y colaborador en numerosos proyectos escénicos. Director del Teatro Bergidum desde su reapertura, en 1996. Ha formado parte de la Junta Directiva de la Red Española de Teatros, participando en la elaboración del Plan General de Teatro.

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debateo un centro de generación de propuestas dependiendo del trabajo y de los objetivos de sus miembros… Nadie puede negar, por ejemplo, que la Academia de Cine ha mejorado su actuación con el nombramiento de Alex de la Iglesia, e incluso la propia Real Academia de la Lengua se ha adaptado en las últimas décadas a los nuevos tiempos, superando el peso del historicismo y buscando nuevos objetivos para acercanos a la realidad…

- I.G.M.: Pese a todo, insisto: la Academia, y sobre todo en este momento, ¿para qué? Lo que necesita una compañía es poder producir dignamente, poder distribuir dignamente, poder cobrar su trabajo dignamente. ¿Qué factores están impidiendo que esto suceda? Dicho en otros términos ¿la existencia de la Academia podrá garantizar un mejor funcionamiento de la industria? Siento parecer catastrofista, porque el catastrofismo normalmente no es más que una manera de escurrir el compromiso directo con los problemas y personalmente

llevo muchos años enfrentándome directamente a ellos (y jugándome, por cierto, muchas cosas por el camino); pero creo que la respuesta es negativa porque los problemas que tiene el teatro español no son, en realidad, del teatro español, sino de la sociedad española, que es un concepto mucho más amplio. En cuanto a las Academias ya existentes, creo que la presencia de Alex de la Iglesia ha hecho más visible (esto es, más mediática) a la de Cine, pero eso no significa que el estado de la industria cinematográfica mejorase; véanse las cifras, desoladoras. Por lo que se refiere a la de la Lengua, se trata de una institución cuya existencia transcurre completamente al margen de cualquier consideración industrial. Y, al final, de lo que estamos hablando es de eso: de lo industrial, del negocio. De las industrias del arte y no del arte en sí mismo. Porque a nadie se le impide ser artista puesto que para eso no nos necesitamos más que a nosotros mismos. Lo que se impide, lo que no funciona (porque eso sí depende de las estructuras), es el ejercer la profesión en condiciones razonables y

justas. Así pues, ¿por qué invertir esfuerzo en montar una Academia? ¿No crees que sería mejor o, en cualquier caso, previo, poner ese mismo esfuerzo en hacer que las redes funcionen de verdad, que las asociaciones profesionales respondan a la realidad, que los teatros programen con coherencia?

- M.A.V.: Comparto absolutamente tu opinión de que los problemas que tiene el teatro español son de la sociedad española pero, al fin y al cabo, esa es una condición del propio teatro, servir de espejo de su tiempo y su gente y, en la medida de lo posible, contribuir a que tiempo y gente sean mejores. Pero hablar de las industrias del arte sin tener en cuenta el arte en sí mismo es igual de peliagudo que plantear el hecho artístico desde un punto de vista profesional sin tener en cuenta los aspectos, como tu dices, del “negocio”. Arte versus público: qué bonito debate…Por otra parte, el esfuerzo para que las redes funcionen, las asociaciones respondan a la realidad y los teatros programen con

coherencia se está haciendo, aunque probablemente abriríamos otro campo de discusión a la hora de consensuar qué son el buen funcionamiento, la realidad y la coherencia en un mercado hipertrofiado en la oferta y más mesurado en la demanda, basado en el terrorífico criterio del “café para todos” a la hora de las subvenciones, marcadamente proteccionista y troceado y muy poco preocupado en generar procesos de demanda y de captación de nuevos públicos. Y desde un instrumento como la Academia se podría plantear un programa de mínimos sin necesidad de hacer un gran esfuerzo: simplemente recopilando algunas de las reivindicaciones históricas del sector y presionando para que se pongan en marcha. Por poner algún ejemplo: bajada del IVA; nuevos modelos empresariales que tengan en cuenta las peculiaridades del sector (para los clubes de fútbol se creó una ley de sociedades específica; ¿tienen las artes escénicas menos “interés nacional” que el fútbol?); poner en marcha un control de taquilla similar al del cine que nos permita disponer de datos claros de nuestra realidad…

- I.G.M.: Con los ejemplos del IVA o de los nuevos modelos empresariales, etc. hablamos de lo concreto, que es lo único que estoy pidiendo desde el principio. Por otra parte, y a riesgo de hacerme odioso por mi insistencia, pregunto: ¿es una academia la que debe encargarse de eso? Si las asociaciones profesionales (de actores, de directores, de autores…) no han conseguido en toda su ya larga existencia ponerse de acuerdo para pelear, y conseguir, de las administraciones cosas ¡tan razonables y tan lógicas! como esa bajada del IVA, ¿por qué va a lograrlo una academia que, por su propia naturaleza aglutinadora de oficios variados y sensibilidades diversas, está obligada a ser diplomática y hasta blanda? Entiéndeme bien, Miguel: no disfruto nada interpretando el papel del tipo odioso que se pone en contra de una buena idea porque sí, sobre todo cuando se defiende, como tú lo estás haciendo, honrada y sinceramente. Por otra parte tampoco presumo de tener soluciones, sino sólo dudas. Pero como hijo de ingeniero tengo

claro que construir sobre un pantano es mala idea, sobre todo si el edificio pretende ser importante y bello; primero hay que desecar y cimentar. En este sentido aludía a la separación de los problemas artísticos y los profesionales consciente de que, si bien dicha separación nunca es del todo real, sí permite trocear los problemas, limitarlos, y hacerlos por tanto más fáciles de resolver. También por eso me refería a la indefensión social: por mucho que el teatro sea un espejo, su capacidad pedagógica es limitada. Dicho de otro modo: para conseguir ciertas cosas no basta la gente del teatro sino que deben intervenir otros factores que no sólo no lo están haciendo sino que están actuando en contra. Que las autonomías funcionen como cotos cerrados de producción y exhibición en contra del bien común de la industria teatral nacional es un ejemplo. Volviendo a la academia, esta revista ha preparado una encuesta sobre los profesionales que podrían componer una hipotética primera junta. Personalmente, y dada mi postura, he declinado participar en la encuesta, pero confieso que estoy deseando leer los

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Ignacio G. May: “Lo que necesita una compañía es poder producir dignamente, poder distribuir dignamente, poder cobrar su trabajo dignamente. ¿La existencia de la Academia podrá garantizar un mejor funcionamiento de la industria? La presencia de Alex de la Iglesia ha hecho más visible (esto es, más mediática) a la de Cine, pero eso no significa que el estado de la industria cinematográfica mejorase; véanse las cifras, desoladoras”.



debateresultados: creo que esa lista de nombres iluminará el hacia donde puede ir una institución de este tipo.

- M.A.V.: Sinceridad por sinceridad: dices presumir de tener sólo dudas. Yo voy un poco más allá: como escribía hace unos días Elvira Lindo en El País, llevo desde niño huyendo de esas personas “tan sobradas de razones que no tienen sitio en su cerebro para albergar una duda, por muy pequeña que sea”. Cuando alguien afirma con rotundidad que él llama “al pan, pan y al vino, vino”, echo a correr. Quiero con esto decir que en la propuesta de creación de una Academia no todo son certezas por mi parte pero, vuelvo al principio: es sorprendente que una idea como ésta, espontánea, peregrina y sin desarrollar, genere una respuesta tan intensa como la que yo he detectado en el ámbito escénico. Y la prueba es este mismo debate que ahora estamos sosteniendo, amparado por una publicación que ha hecho suya la idea y ha generado, bien es verdad que con la celeridad que corresponde al periodismo,

una encuesta para conocer qué tipo de personas podrían forman una primera junta de algo que aún no sabemos siquiera si tiene viabilidad. Encuesta, por cierto, en la que yo no he participado todavía pero para la que sí tengo bastante clara mi aportación. Conozco un buen puñado de profesionales, honrados, con un buen conocimiento de la realidad del sector y con capacidad para sumar voluntades que podrían desempeñar una labor más que digna en una institución como esta. Una institución que debiera basarse en un principio sin el cual no funciona el propio teatro: el del trabajo en equipo. Un equipo dirigido desde la generosidad, la inteligencia y la transparencia y alejado del egocentrismo, las camarillas y el “qué se sabe de lo mío”, tan negativas y (lo reconozco) tan propias del sector. Un equipo que destierre una definición que tú mismo hiciste en un heterodoxo y divertido diccionario del teatro contemporáneo español del pronombre yo: “Palabra favorita de los teatreros” (El Cultural; 23/03/2006)En su certera intervención en la apertura

de Mercartes, Alberto Fernández Torres señalaba como fortaleza del sector su creciente proceso de asociacionismo aunque reconocía que este hecho “no parece haberse traducido aún suficientemente en una paralela capacidad de presión, de negociación o de coordinación de mercado”. Entiendo tus reservas con respecto a la capacidad de presión de una posible Academia pero yo tengo claro que esa institución no debiera plantear problemas sectoriales (los actores seguirán negociando los convenios a través de sus organizaciones o los productores mantendrán sus líneas de trabajo con las redes) sino generales…

I.G.M.: Tienes razón: acaso lo más significativo de la cuestión sea el hecho de que la propuesta, pese a no haberse planteado siquiera oficialmente sino tan sólo como una idea, haya generado tanto interés y tan rápido. Piense uno lo que piense sobre la Academia, lo que esto subraya es que existe una conciencia clara y generalizada de que no podemos

seguir como estamos; el reconocimiento tácito de que se precisa redirigir las cosas hacia territorios más sanos, más limpios. Esto, que en principio es positivo, debe mantenernos más alerta que nunca. La famosa frase, muchas veces malinterpretada, de mi tocayo el Santo de Loyola “En tiempos de tribulación, no hacer mudanza” es rescatable aquí. Puede parecer que es precisamente la tribulación la que exige imperativamente la mudanza, pero a lo que se refería el jesuita, y en mi opinión, muy acertadamente, es al hecho de que, ante un problema grave, nuestra implicación personal nos hace perder la perspectiva y tomar decisiones que, por apresuradas, pueden no ser las más acertadas. Llegado a este punto, te lo plantearé así: ¿está bien que el teatro español tenga una academia? Seguramente sí. Ahora, ¿es éste el momento? Aquí es donde viene mi cuestionamiento del proyecto: en las presentes circunstancias temo que una mayoría de profesionales, agobiados por el paro, por las deudas, por las injusticias básicas del sistema, busque en ella, sencillamente, un “arreglador”

urgente y “eficaz” (esto es, implacable) de problemas, y más concretamente de sus problemas inmediatos, que no necesariamente coinciden con los de los demás. No hace demasiado, en una de sus columnas sobre el tema de los derechos de autor, recordaba Arcadi Espada (con el cual, por lo demás, no tengo mayor identificación) que pasamos más tiempo discutiendo los problemas de los creadores que los problemas de la creación… En este sentido, la situación del teatro refleja, una vez más, la del país: el gobierno socialista lo ha hecho tan rematadamente mal que, ahora mismo, como ilustran las demoledoras encuestas de todos los medios, la gente está deseando arrojarse en brazos de la derecha sólo porque cree que les van a sacar del agujero de un día para otro. No piensan en lo que eso pueda significar a largo plazo; sólo quieren que les resuelvan la vida y que se la resuelvan ya (y conste que debo ser de los pocos teatreros madrileños que no tienen problemas en reconocer mayor simpatía por la derecha que por los socialistas; pero me preocupan

las decisiones tomadas, no por conciencia, sino por pánico).

- M.A.V.: La reflexión de Arcadi Espada me ha recordado a Félix Petite, histórico compañero recientemente fallecido. Cuando en las asambleas los asuntos derivaban hacia las nebulosas materias de metafísica de gestión, él siempre nos bajaba al suelo con su pregunta: ¿y aquí cuando hablamos de teatro? Discutir sobre los problemas de la escena es una afición extendida en el sector, a veces hasta extremos que rozan lo patológico y que inevitablemente han contagiado a los medios (¿cuántas veces hemos intentados ser ingeniosos ante la original pregunta del periodista sobre la crisis del teatro?). En esa actividad ocupamos un precioso tiempo en el que, como decía Petite, debiéramos dedicar un hueco a hablar de teatro.También tus dudas sobre la idoneidad del momento me recuerdan los consejos de los “expertos” cuando te planteas cambiar de ordenador o cualquier otro artilugio tecnológico. “Si esperas un par de meses va a salir un modelo nuevo

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Miguel A. Varela: “Desde un instrumento como la Academia se podría plantear un programa de mínimos sin necesidad de hacer un gran esfuerzo: simplemente recopilando algunas de las reivindicaciones históricas del sector y presionando para que se pongan en marcha. Por poner algún ejemplo: bajada del IVA; nuevos modelos empresariales que tengan en cuenta las peculiaridades del sector; poner en marcha un control de taquilla similar al del cine que nos permita disponer de datos claros de nuestra realidad…”

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debateque va a ser la hostia…”, te dicen. Por esa regla de tres seguiríamos escribiendo con cálamo esperando la aparición del bolígrafo (lo cual, se me ocurre, tal vez no estuviera mal: escribiendo con el “tempo” de la pluma de ave quizá ahorraríamos este vértigo editorial que nos ahoga). El momento no es ni mejor ni peor que cualquier otro e incluso la situación crítica que vivimos quizá nos permita plantear los asuntos de una forma más pragmática, más pegada a una realidad económica en la que el concepto de lo público no debe estar reñido con el rigor en la gestión, eliminando esas ínfulas de nuevos ricos que tanto daño nos ha hecho en estos últimos tiempos.En cualquier caso, la Academia que yo imagino (imaginar es barato) no sería tanto un arreglador implacable de problemas endémicos como un espacio donde plantear esos problemas y buscar la aplicación de posibles soluciones. Por acabar en positivo este debate y volviendo a reconocer que en este momento no existe más que una vaga idea, pregunto: ¿por qué no estudiar la posibilidad de que se cree esta academia? ¿Por qué no plantearse su viabilidad y la búsqueda de objetivos comunes? ¿Por qué no intentar unir en un mismo foro a los profesionales ahora asociados sectorialmente? ¿No podría contribuir esa entidad a definir al sector para intentar resolver lo que tú mismo has calificado como “absoluta carencia de regulación y de coherencia en los mecanismos de incorporación profesional”? Si “la vida no es más que una sombra en marcha”, intentemos al menos evitar que sea “un cuento contado por un idiota, lleno de ruido y de furia, que no significa nada”.

- I.G.M.: Para cerrar el debate voy a darte la razón en dos cosas. Una: efectivamente, mucho esperar puede ser, a veces, una forma de no hacer. Me refería, y quizá me he expresado mal, no tanto a la idoneidad temporal (cualquier momento puede ser igual de bueno o de malo) como a la anímica, si se me permite el término. Es decir, antes de ponerse a trabajar en la Academia es urgente desintoxicar las cabezas (que también es algo activo, y no pasivo) para no mezclar las dificultades coyunturales y personales con las necesidades de una institución como esa. Y dos: sí, ¿por qué no estudiar la posibilidad de una academia? Nada que objetar a ello; al contrario: un estudio serio, con cifras, con datos, con compromisos y responsabilidades, que aleje la tentación del “yocreoqueyopiensoque” y permita trabajar, debatir y reflexionar a quienes verdaderamente quieren hacerlo. Parafraseando también a Shakespeare, “en estos asuntos, la acción es elocuencia”.

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Nuria Espert for presidentLe siguen en votos Mario Gas y José Luis Gómez

El debate es antiguo: he tenido en mis manos los posibles estatutos de una hipotética Academia de las Artes Escénicas, proyecto que arrancó años atrás y que en los últimos

meses ha renacido con cierto vigor. A este asunto hemos dedicado el debate que cada dos me-ses desarrollamos en nuestras páginas, con opiniones a favor y en contra. Quienes hacemos EL ESPECTÁCULO TEATRAL sí pensamos que una Academia de Artes Escénicas sería importante, aunque sólo fuera para que las administraciones no se escondan con cara de no saber a quien mirar dentro de ese mar de siglas y asociaciones que reclaman cada una lo suyo, a veces con criterios divergentes.Nosotros hemos querido ir un paso más allá y sin encomendarnos a nadie hemos realizado una encuesta que, sabemos, carece de validez científica alguna. Queríamos, simplemente, pulsar la opinión del sector y saber a quién se consideraba idóneo para dirigirla/presidirla y para ello nos pusimos en contacto telefónico con una larga lista de personalidades de las distintas familias de la profesión. Obviamente, no podíamos contactar con todo el mundo, pero sí hemos realizado más de doscientas llamadas, detectando, mayoritariamente, el apoyo que la Academia gozaría de crearse.No había listas de candidatos, no había nombres sugeridos: queríamos saber quiénes eran las dos, tres, cuatro o diez personas que venían primero a la mente del votante, dando por sentado que a él le correspondía el proceso de reflexión: ¿quiénes podrían ser los adecuados? ¿Una imagen pública o un perfil de gestión? ¿Nombres de consenso? No es a nosotros a quienes corresponde la función de marcar criterios. Lo que sí es cierto es que la Academia no puede ser un órgano que se encargue exclusivamente de dar unos premios anuales llenos de glamour. Hay mucho que arreglar, muchos intereses que hacer coincidir. Es a vosotros, realmente, a quienes corresponde seguir dando pasos (o no) en pos de este y otros objetivos.De las más de doscientas personas con las que nos hemos puesto en contacto este pasado mes de diciembre, a la hora de mandar estas páginas a imprenta nos habían llegado las votaciones de ochenta y dos profesionales (cuya lista ofrecemos al final, ordenada alfabéticamente por apellidos). Y la ganadora ha sido Nuria Espert, con diecinueve votos, seguida por Mario Gas, con catorce, y José Luis Gómez, con trece; Josep María Pou con doce, Josep María Flotats y Lluis Pasqual, con diez; Andrés Lima y Robert Muro con nueve. A continuación aparecen Gonzalo Centeno, Jesús Cimarro, Eduardo Galán, Carlos Hipólito, Juan Margallo, Daniel Martínez, Paco Nieva, Helena Pimenta, Blanca Portillo y José Sanchis Sinisterra. Ni que decir tiene que los “candidatos” no se han presentado. Esta encuesta ha sido hecha a sus espaldas. Confío en que estos dieciocho profesionales más votados no me lo tengan en cuenta ni lo consideren un compromiso. Aunque también espero que alguno de ellos ya tuviera en la cabeza ese afán por movilizar a sus compañeros y encuentre en esta lista el empujón que le anime a pelear por el conjunto de la profesión.Y la lista de votados una, dos o tres veces se completa con Xavier Albertí, Héctor Alterio, Luis Álvarez, Manuel Álvarez, Montse Amenós, Ignacio Amestoy, Miguel del Arco, Javier Artiñano, Paco Azorín, Jaime Azpilicueta, Ayanta Barilli, Andrés Beladiez, Sergi Belbel, Ana Belén, Manu Berastegui, Fernando Bernués, Calixto Bieito, Albert Boadella, Xavier Bru de Sala, Concha Busto, Ernesto Caballero, Carmen Calvo, Jesús Campos, José Antonio Campos, Toni Cantó, Alfredo Carrión, Jesús Cisneros, Anna Rosa Cisquella, Jaume Colomer, Enrique Cornejo, Carlos Cuadros, Jorge Culla, Marta Curese, Mariano Díaz, Juan Echanove, Ángel Facio, Fiorella Faltoyano, Alberto Fernández Torres, Esteve Ferrer, Verónica Forqué, Jordi Galcerán, Juan García Fillol, Ignacio García May, Cesç Gelabert, Joseba Gil, José Luis Gil, Jordi González, Emilio Gutiérrez Caba, Pepe Henríquez, Guillermo Heras, Lola Herrera, Jorge de Juan, Pedro Larrañaga, Francisco Leal, Sergi López, Luis Lozano, Mariano Lozano, Manolo Llanes, Carmen Machi, Xavier Marcé, Angels Margarit, Carlos Martín, Chusa Martín, Gonzala Martín, Ferrán Mascarell, Juan Mayorga, Natalia Menéndez, Josefina Molina, José Monleón, Alicia Moreno, Pedro Moreno, Miguel Narros, María del Mar Navarro, Paco Negro, Luis Olmos, Antonio Onetti, Luis d’Ors, Marián Osacar, Mariano de Paco, María Pagés, Marisa Paredes, Helio Pedregal, Vicky Peña, Juan Carlos Pérez de la Fuente, Sol Picó, José Carlos Plaza, Carme Portacelli, Domenec Reixach, Alex Rigola, Antonio Ripoll, Laila Ripoll, Jesús Rodríguez Lenin, Joaquim “Quim” Roy, Juan Carlos Rubio, Mónica Runde, Emilio Sagi, Gonzalo Salazar, José Sámano, Rubén Sánchez, Alfredo Sanzol, Salvador Sanz, Clara Segura, Miguel Ángel Solá, Salvador Sunyer, Abel Valero, Concha Velasco, Gerardo Vera, Javier Villán y Ana Zamora.

La encuesta se ha realizado con las votaciones efectuadas por Isis Abellán, Belén Álvarez, Manuel Álvarez, Javier Artiñano, Paco Azorín, Carlos Barea, Ramón Barea, Miguel Bea, Antonio Belart, Toni Benavent, Anthony Blake, Jorge Blass, Maite Bona, Concha Busto, Ernesto Caballero, José María Cámara (Grupo Drive), Roser Camí, Gonzalo Centeno, Fernando Cerón, Jaume Colomer, Alejandro Colubi, Llorenç Corbella, Enrique Cornejo, Nadia Corral, Mariano de Paco, Miguel del Arco, Miriam Díaz-Aroca, Andrea D’Odorico, Juan Echanove, Josep Maria Flotats, Alberto Fuentes (La Pavana), Eduardo Galán, Jordi Galcerán, Ana Garay, Rafael Garrigós, Cesç Gelabert, Joseba Gil, Jacinto Gómez, Juan González “El Chino”, Cristina Higueras, Carlos Hipólito, Laura Iglesias, Ramón B. Ivars, Pedro Larrañaga, Carlos Martín (El Temple), Gonzala Martín, José Ramón Martínez (Markeliñe), Juan Mayorga, Rosa Meras, Maribel Mesón, Miguel Ángel Milán, Pilar Mir, Pedro Moreno, Alberto Muyo, Paco Negro, Pepón Nieto, Teresa Nieto, Pio Ortiz de Pinedo, Marián Osacar, Marcos Ottone, Eva Paniagua, Pedro Páramo, Francisco Paricio, Julio Perugorría, José Carlos Plaza, Josep María Pou, Bernabé Rico, Isidro Rodríguez, Jorge Roelas, Pedro Ruiz, Mónica Runde, Enrique Salaberría, Carles Santos, Salvador Sanz Frías (Factoría Teatro), Salbi Senante, Rodolf Sirera, Aitor Tejada, Javier Torres Ochandiano (Aracaladanza), Víctor Ullate, Miguel Ángel Varela, Nacho Vilar y Emilia Yagüe.

Jesús Rodríguez Lenin

el mundo del espectáculo teatralentrevista


ferias y eventos

Qué es lo que os ha llevado a organi-zar estos talleres?

- La iniciativa lleva el título de “La sosteni-bilidad de las organizaciones culturales”. Nosotros queremos hacer nuestra contri-bución en el ámbito de la cultura buscan-do la sostenibilidad de las organizaciones, precisamente en estos tiempos tan com-plejos y con escenarios económicos tan distintos a los que hemos vivido hasta hoy, promoviendo una iniciativa de formación profesional que acerque muchas de las prácticas que llevan tiempo realizándose o bien en otros países o bien en otros ám-bitos distintos al sector de la cultura. En nuestra trayectoria profesional nos hemos encontrado con que una de las barreras para acceder a estas materias prácticas es la idiomática. En muchas ocasiones los gestores no pueden acceder a cosas que otros llevan haciendo un montón de tiempo y que son de utilidad, y tienen que inventarse propuestas más o menos crea-tivas con bases poco sólidas frente a los que financian esas políticas o iniciativas. En este sentido nuestros talleres contem-plan distintos ámbitos que aportan valor.

Raúl RamosOrganizador de los Talleres Internacionales de Marketing, Ticketing y Desarrollo de Audiencias

¿Cómo se puede medir el éxito de una iniciativa cultural? ¿Cómo se puede mejorar la relación entre las organizaciones culturales y el merca-do de manera continuada? ¿Cómo se pueden ofrecer servicios adaptados a cada necesidad hoy en día, cuando los proyectos culturales cuentan con unos públicos más segmentados que nunca, con unos datos sobre su impac-to muy limitados, y con una financiación que sufre progresivamente recortes estructurales desde instituciones, fundaciones y empresas? Para dar respuestas a estas y otras preguntas a mediados de 2010 nació Asimétrica, un gru-po de profesionales encabezados por Robert Muro y Raúl Ramos, sus socios fundadores. Esta consultora especializada en Marketing cultural, audiencias y nuevos medios organi-zará en febrero, con la colaboración de varias instituciones, la primera edición de los Talle-res Internacionales de Marketing, Ticketing y Desarrollo de Audiencias. Sobre esta iniciativa hablamos con el propio Raúl Ramos.

“Queremos promover una iniciativa de formación profesional que acerque muchas de las prácticas que llevan tiempo realizándose o bien en otros países o bien en otros ámbitos distintos al sector de la cultura”



ferias y eventos- ¿Qué entidades colaboran con vosotros en este proyecto?- Contamos con tres de las asociaciones británicas más representativas del sec-tor. Hemos conseguido el apoyo del Arts Marketing Association (AMA), que es la asociación británica de Marketing de las Artes, que aglutina a más de 2.000 profe-sionales en el Reino Unido y que no hacen trabajos directos de Marketing para las empresas, sino que los asesoran formándo a sus responsables. Muchos de los talleres que proponemos vienen avalados ya por el AMA. La segunda asociación es la Audien-ces UK, que es la asociación que aglutina a todas las agencias de desarrollo de au-diencias de Gran Bretaña. Estas agencias sí hacen trabajos directamente para las organizaciones culturales de artes escé-nicas y visuales principalmente, y nos ayudan a concebir una serie de cursos y talleres. Su director ejecutivo, David Brownlee, va a impartir un taller sobre proyectos de cooperación para desarro-llar audiencias, algo que entendemos que es totalmente relevante y muy en particular para las redes o asociaciones, sean formales o no, de espacios cultu-rales que quieran desarrollar audiencias de manera conjunta. Y en tercer lugar, tenemos a la Asociación Británica de Técnicos Culturales, que tiene más de 1700 afiliados, entre ellos los principa-les teatros del Reino Unido, y cuyo di-rector ejecutivo, Andrew de Rosa, ven-drá a dar un taller que tratará sobre el diseño de los espacios culturales desde la perspectiva del usuario.- Además de los ya mencionados, ¿quié-nes van a ser los ponentes?- Al final van a venir siete ponentes britá-nicos: Andrew de Rosa, Beth Aplin, Katy Raines, Debbie Richards, David Brownlee, Kate Sanderson y Roger Tomlinson. Todos ellos no solo son expertos en la materia, sino también en la pedagogía de lo que ha-cen. Anteriormente ya han hecho talleres similares a los que nosotros proponemos. Respecto a nuestro país, participarán tam-bién dos ponentes. En primer lugar tene-mos a Ana Álvarez, directora de The55, que es una empresa de conceptualiza-ción, diseño y optimización de páginas web. Llevamos meses trabajando con Ana para analizar algunas páginas web de or-ganizaciones culturales para saber cómo optimizarlas en términos de conversión, es decir, que realmente te conduzcan a la inscripción de un curso, a la compra de entradas..., en fin, a tener una relación más continuada con la organización. Es una empresa fascinante, tienen una sede en Estocolmo y otra en Madrid, y Ana va a proporcionar 50 consejos útiles para sa-carle más partido a las webs. Por ejemplo, hechos comprobados como por qué un botón de reserva verde funciona mejor que

uno azul. Han identificado todas las mane-ras que los usuarios tienen para estar más tiempo en una página, convertir eso en una venta, la implicación en tus redes so-ciales, etc. El segundo ponente de nuestro país, que es Javier Martín Balsa, se centra-rá precisamente en las redes sociales y en el posicionamiento on line en buscadores. Enseñará cómo generar links a tu página web, cómo posicionarte en Google, cómo hacer marketing inteligente on line y, sobre todo, cómo medir tu actividad en las redes sociales.- ¿Dónde se van a llevar a cabo los talleres?- Se realizarán en la Fundación Lázaro Galdiano, en Madrid. Los talleres comen-zarán el 28 de febrero y terminarán el 15 de mayo. Se impartirán todos los lunes entre esas dos fechas exceptuando tres,

dos porque son festivos y otro porque no hay taller programado ese día. Terminare-mos los nueve talleres con el que impartirá Roger Tomlinson, un conocido de todos los gestores puesto que estuvo invitado en la última edición de Escenium, y tiene publicaciones muy conocidas como “Full house”, que es el libro de referencia so-bre ticketing y CRM, y que se publicará en español este año por la Fundación Autor. Serán talleres intensivos que empezarán a las once de la mañana y terminarán a las seis de la tarde. Las sesiones van a tener una parte de presentación teórica donde se abordarán determinados conceptos clave y mejores prácticas, y luego, depen-diendo de cada taller, los asistentes se reunirán en grupo y buscarán soluciones conjuntas. Se darán ejemplos prácticos que se puedan llevar a casa o a su trabajo y aplicar al día siguiente. Para garantizar la calidad del taller, hemos establecido un aforo máximo de 35 alumnos.- ¿A quién va destinada esta iniciativa?- Estos talleres están especialmente dedi-cados a gestores con más de 5 años de experiencia: gerentes de espacios, respon-sables de marketing, de comunicación, de

desarrollo de audiencias, etc. Hasta ahora ibas a una conferencia o seminario y te encontrabas a un alumno recién salido del Master de Gestión Cultural, un joven sin experiencia, y al gestor que llevaba veinte años trabajando en la cultura. Estos talle-res se dirigen a personas que tengan cier-ta capacidad para cambiar las cosas, es decir, para implementar medidas, aunque sean pequeñas, pero que se puedan poner en práctica. Pero los talleres también van dirigidos a personas que, sin tener cinco años de experiencia, sí tienen capacidad de decisión. Por ejemplo, un community manager no existía hace cinco años.- ¿Qué incentivos extra vais a ofrecer a los asistentes?- Cuando nos hemos dirigido a las institu-ciones españolas para pedir colaboracio-

nes, no lo hemos hecho pidiendo un di-nero a fondo perdido bajo la estimación del valor que tiene el taller en sí mismo, sino que lo hemos querido hacer bajo la fórmula de becas. Confiamos en que el efecto multiplicador que supone un alumno adicional sea muy superior en términos de comunicación al de ahorrar-nos un coste. Además, las becas aportan un valor muy tangible para el beneficia-do, y no solo para el beneficiado, sino también para su entorno.Estamos cerrando las colaboraciones y no podemos dar ni un número ni explicar el formato de las becas todavía. Lo que sí podemos adelantar es que algunos de los colaboradores con los que hemos ha-blado proponen favorecer el acceso de los asistentes que no viven en Madrid, porque tienen unos costes adicionales.

De esta manera se podrían conceder mu-chas más becas que si se conceden solo por la totalidad de la matrícula. En otros casos, los asociados a estas instituciones tienen un interés muy particular, por lo que estas entidades con las que estamos tra-bajando podrán ofrecer algo muy relevante para las organizaciones más necesitadas o las que se enfrentan a retos más amplios. - De cara al futuro, ¿qué perspectivas te-néis para estos talleres?- Nuestra intención es continuar con el modelo inglés, no porque sea el que mejor conocemos, sino porque es el que más ha profundizado en épocas de ultracrisis. Los talleres mantienen su vocación de perma-nencia, en el futuro esperamos continuar con esta iniciativa que da paso a la Confe-rencia Anual de Marketing de las Artes que queremos hacer en octubre de 2011, que durará dos días y a la que asistirán los me-jores profesionales para que estas barreras a las que se enfrentan los gestores se dilu-yan a base de capacitación, de inspiración, y de reafirmación de su trabajo.

“Estos talleres están especialmente dedicados a gestores con más de 5 años de experiencia: gerentes de

espacios, responsables de marketing, de comunicación, de desarrollo de

audiencias, etc. Nos dirigimos a personas que tengan cierta

capacidad para cambiar las cosas, es decir, para implementar medidas, aunque sean pequeñas, pero que

se puedan poner en práctica”

Más información en la edición digital



ferias y eventos

Por quinto año consecutivo la asocia-ción Te Veo, que agrupa a compa-

ñías de toda España dedicadas a las artes escénicas dirigidas a niños y jóvenes, con-voca a los profesionales del sector a partici-par en sus Jornadas de Reflexión, que este año llevan el título de “Arte y educación: los artistas en la escuela”, y que se desa-rrollarán entre los días 10 y 12 de enero en el teatro Tyl Tyl de Navalcarnero (Ma-drid). Este encuentro persigue promover la reflexión sobre las relaciones entre el teatro y la escuela, analizar la evolución de esta relación a lo largo del periodo democrático en España, y contrastar modelos de funcio-namiento con otros países.En el acto con el que dará inicio a estas jornadas intervendrán Daniel Lovecchio, del teatro Tyl Tyl, en calidad de anfitrión del evento; Pilar López, presidenta de Te Veo; y Cristina Santolaria, subdirectora general del INAEM. Tras ellos, Francisco Mora expondrá una ponencia que llevará el título de “El rol del arte en la construcción humana”. Otras de las ponencias que se llevarán a cabo son la de Juan López sobre “La ley de enseñanzas artísticas”; las de las compañías Nats Nuts y Escenoteca sobre sus experiencias en la intervención

en las escuelas; la de Héctor González sobre la trayectoria del proyecto Labardén en Buenos Aires, dedicado a la renovación de la enseñanza artística; o la de Carolina Ramos titulada “Artistas en la escuela más allá de nuestras fronteras”.También se llevará a cabo una mesa redonda sobre la “Evolución de la relación Arte y Escuela a lo largo de la democracia”,

que se centrará en el Programa Escuela y Cultura que integró las artes en las clases de primaria en los colegios de la localidad madrileña de Móstoles en los años 80, y se mostrará la película rodada durante la ejecución en Málaga de la campaña “Los buenos tratos”, dirigida a que los adolescentes actúen frente a la violencia de género.

Impuls[D] es el nombre de la propuesta que han puesto en marcha el teatro sat! de Barcelona con otros tres recintos es-

cénicos de Cataluña y sus correspondientes compañías de danza residentes. Bailarines de Cobosmika, Trànsit Dansa, Bebeto Cidra y Thomas Noone Dance podrán exhibir sus piezas coreográficas en los teatros donde reside cada una de ellas. El programa está formado por las siguientes propuestas: “Breve ensayo sobre la nada”, un solo de Iris Heitzinger, bailarina de Be-beto Cidra; “ukeNage”, dúo de Laura Vilar e Iker Arrue, bailarines de Cobosmika, inspirado en la técnica del aikido; “Apolos 12”, de Reinaldo Ribeiro y Sol Vázquez, miembros de Trànsit Dansa, un dúo que parte de un poema del argentino Oliverio Girondo; y “Muérete mucho”, de Horne Horneman y Alba Barral, ambos bailarines de Thomas Noone Dance, quienes indagan con esta pieza en algunos aspectos relacionados con la muerte.Así, a las exhibiciones que habrá entre los días 14 y 16 de enero en el sat!, hay que sumar las que habrá más adelante en el

Centre Cultural La Gorga Auditori de Palamós (Gerona), donde está ubicada Cobosmika, en el Atlàntida de Vic (Barcelona), espacio de Bebeto Cidra, y en el Auditorio de Mataró (Mataró), donde reside Trànsit Dansa.

Jornadas de Reflexión Te Veo

Imagen de archivo de las anteriores Jornadas de Reflexión que la asociación Te Veo realizó en enero de 2009 en Sabadell (Barcelona).

Girarán en torno al tema “Arte y educación: los artistas en la escuela”

Impuls[D]Acuerdo de tres teatros catalanes para promocionar nuevos valores de la danza

Horne Horneman y Alba Barral.



ferias y eventos

Ya se han dado a conocer las compañías que partici-parán en la VII edición de MadFeria, la feria de teatro

de Madrid que cada año organiza la asociación empresarial de artes escénicas Artemad, que en esta ocasión se celebra-rá en la capital entre los días 24 y 27 de enero. Sin miedo a supersticiones, este evento integrado en COFAE acogerá 13 espectáculos de varios géneros y formatos que, como en cada edición, destacarán por su calidad y por constituir no-vedades en el mercado.Al ser esta feria el mayor escaparate de la producción escénica madrileña, la práctica totalidad de las propuestas que se podrán ver procederán de compañías afincadas en la propia Comunidad de Madrid, como es el caso de “La ventana de Chigrinsky”, el más reciente proyecto de Teatro El Zurdo; “Familia en construcción”, de Factoría Teatro; “El coloquio de los perros”, del Teatro de La Abadía; “Santa Perpétua”, de Producciones Micomicón; “4:48 Psicosis”, de Teatro en Tránsito; “Mucho ruido y pocas nueces”, de Factoría Estival de Arte; “Unos cuantos piquetitos”, de Inconstantes Teatro; “Torvaldo furioso”, de El Óbolo Producciones; “Palabra de perro”, del Teatro de Cámara Cervantes; y “Muda”, de Teatro Pradillo. La oferta de las que llegarán de fuera de Madrid la componen la compañía guipuzcoana Katu Beltz con su obra “Sisifo B”; la segoviana Nao d’Amores con “Auto de la Sibila de Casandra”; y la murciana Nacho Vilar Producciones con “El Quijote, Alcohólicos Anónimos y otros”.

El ciclo de teatro de títeres para los más pequeños Joc al Ninot, que se celebra anualmente desde 1995 en la ciudad de Lleida,

organizado por el Centre de Titelles de la ciudad, alcanzará este mes de enero su decimoquinta edición. Desde el año 2003, la Associació d’Espectadors del Centre de Titelles de Lleida está implicada como coproductora del proyecto, en una labor codo con codo para sacarlo adelante. Entre los objetivos iniciales de este programa están el apostar por el público más joven e introducirlo en el mundo teatral, ampliar la oferta cultural de la ciudad, propiciar la existencia de un público fami-liar, e incentivar a las mejores compañías y los mejores espectáculos infantiles en el terreno del títere. A lo largo de su trayectoria, en este ciclo han participado 34 compañías en 150 sesiones llevadas a cabo.Joc al Ninot apuesta por las funciones matinales de domingo para su programación, por lo que en cada jornada se realizan dos sesiones, provocado sobre todo por el gran número de espectadores asistentes. El ciclo, con cinco domingos de actuaciones, tiene una duración de tres meses, por lo que prácticamente constituye una pequeña temporada. Este año, entre los días 30 de enero y 13 de marzo, el Centre de Titelles de Lleida ofrecerá los espectáculos “En jan titella”, “El somni de l’espantaocells” y “El petit elefant”, mientras que las compañías Periferia Teatro y Xip Xap harán lo mismo con “Guyi-Guyi” y “La cigala i la formiga” respectivamente.

MadFeriaTrece compañías compondrán la oferta artística de su VII edición

Ciclo Joc al NinotAlcanza su decimoquinta edición dedicado al títere infantil

“El coloquio de los perros”, del Teatro de La Abadía.Más información en la edición digital

“En jan titella”, del Centre de Titelles de Lleida.



heteatrodoxias

En los años 80, Margaret Thatcher y Ronald Reagan dieron un impulso

extraordinario a las políticas neoconser-vadoras elaboradas en los think tanks ultraliberales americanos, a partir de las teorías de Leo Strauss. Leo Strauss (1899-1973) fue un exiliado alemán dis-cípulo de Heidegger, cuyo pensamiento, tuvo una enorme influencia en el idea-rio político institucional norteamericano, hasta la llegada al poder de Obama, aun-que su influencia sigue vigente alrede-dor del movimiento del Tea Party. A sus discípulos se les atribuye una frase tan contundente como la siguiente: ¿Sabéis porqué no luchamos contra la pobreza? Porque no podemos ganar dinero con ello. El pensamiento neoconservador ha tenido un notable éxito, hasta el punto de imponer una ética economicista sobre múltiples aspectos de nuestra sociedad, manteniendo en posición de jaque al Estado de Bienestar lentamente consolidado en la Europa de la post guerra.¿Qué significa una ética economicista? Pues esencialmente, un planteamiento moral que justifica la negación de cualquier servicio público, si no está avalado por una potencial cuenta de explotación positiva. Detrás de esta visión del mundo hay una declarada fobia a los principios del interés común frente al derecho individual y una particular y muy elitista manera de entender la libertad y la democracia basada en la primacía del cristianismo y del capitalismo. Esta mirada economicista ha sido letal para nuestro modelo de sociedad, sembrando la duda sobre la vigencia de ciertos servicios públicos y avalando posiciones conservadoras sobre la conveniencia de su limitación. Su impacto sobre el pensamiento socialdemócrata ha sido igualmente notable en la medida que lo ha desarmado de argumentos favoreciendo una progresiva relajación

en el mantenimiento de sus principios básicos. Sin embargo, no pocas veces se confunde economicismo con economía. Al respecto, una mirada económica, que no economicista sobre el Estado y los servicios públicos, es imprescindible para adaptarlos a una realidad cambiante y no pocas veces dependiente del equilibrio entre ingresos fiscales y gastos sociales.La cultura ha sido una de las principales víctimas de esta emboscada intelectual al Estado de Bienestar. Empezó Thatcher en Inglaterra, desmantelando unidades públicas de producción artística (orquestas y teatros principalmente) y siguieron lentamente los países del Este una vez cayó el Muro. Pero mucho más allá de esta consideración institucional, el esquema de producción y programación de los teatros alemanes o incluso franceses, se relajó hasta el punto de cubrir con ingresos propios (es decir, con programaciones más comerciales) las progresivas reducciones de aportación pública.Aunque no pocos miembros de la familia escénica española opinen lo contrario, soy de los que pienso que el retraso histórico español respecto a la construcción de un modelo público de teatro, nos ofrece ciertas ventajas comparativas.En Francia y Alemania, que son los principales referentes de los ultradefensores del modelo público, el debate se sitúa en vislumbrar cuál es el espacio que deben ocupar los teatros públicos en relación al conjunto de la producción escénica, lo que comporta una constante liberalización de las funciones que tradicionalmente separaron al teatro público del teatro comercial. En España, con menos espacios institucionales y un gasto teatral mejor repartido (aunque ciertamente menor), nos puede ser más fácil mantener las funciones inequívocamente públicas y dotarnos de un teatro privado

mucho más comprometido con el arte y la creación emergente con menor viabilidad económica.Ahora bien, como en todas partes, esta polémica, no puede resolverse sin darle un vuelco a los instrumentos tradicionales de gestión administrativa pública. Nos guste o no, los tiempos en los que producir o programar teatro dependían de una gestión más o menos eficaz de un presupuesto público se han acabado. El mercado cultural vive una autentica explosión en la que el valor sustitutivo de ciertos productos es cada día mayor, lo que supone necesariamente incorporar a los mecanismos de control del gasto un mayor conocimiento de las técnicas de marqueting, comunicación y sobre todo de gestión de ingresos. Y el Estado está poco preparado para ello.Al sector teatral le conviene un rearme jurídico que le permita variar su condición de servicio público para entrar a formar parte de una categoría igualmente noble como es la de producto cultural. Una se administra con criterios de oportunidad presupuestaria, la otra con sentido de oportunidad social.En realidad el debate sobre los contenidos tiene poco que ver con todo ello. Se engañan los que piensan que el presupuesto público sirve para mantener productos elitistas y creen, en consecuencia, que la economía desprecia la propuesta minoritaria y de excelsa calidad. También se engañan los que ven en la privatización la respuesta a los evidentes problemas de eficacia pública. La cultura, que es patrimonio de todos, necesita respuestas públicas y acciones privadas. El reto es desarrollar los públicos necesarios para que todo ello tenga éxito social y para evitar que se nos cuelen, a golpe de talonario, productos mediocres.

Xavier Marcé

Los conservadores, los progresistas y el teatro

La ética economicista no tiene nada que ver con economía, como expone Xavier Marcé en las siguientes líneas. La primera expresión se corresponde a la aplicación de teorías neoconservadoras, en este caso al terreno de la cultura, que atacan al Estado del Bienestar. El segundo concepto es imprescindible para adaptar los servicios públicos al equilibrio entre ingresos fiscales y gastos sociales. Pero como él mismo indica, en los tiempos actuales es necesario tranformar el sector cultural de servicio público a producto cultural. Lo resume en esta frase: “La cultura, que es patrimonio de todos, necesita respuestas públicas y acciones privadas”.



instituciones

El actual “bailarín estrella” de la Ópera de París, el murcia-

no José Carlos Martínez, ha sido elegido próximo director de la Com-pañía Nacional de Danza (CND), cargo al que se incorporará a partir de septiembre de 2011 por un pe-riodo de cinco años. La designación de este bailarín y coreógrafo es la primera que el INAEM realiza a través de los concursos abiertos y transparentes que pretende llevar a cabo para seleccionar a los máxi-mos responsables de sus centros artísticos. Veintiún candidaturas se presentaron a este concurso, todas ellas acompañadas de un proyecto integral de gestión de la CND que, según establece el nuevo estatuto de la compañía, debe ser la base del Plan Director que marcará las líneas generales de actuación de la misma en los próximos cinco años.Para Martínez, que contó con el apoyo unánime del Consejo Artístico de la Danza, órgano encargado de seleccionar al director de la CND, la formación, tal y como refleja en su proyecto, “deberá ser una compañía homogénea pero con un amplio repertorio, en el que tengan cabida distintas técnicas y propuestas artísticas. Una compañía donde se conjugará clasicismo y vanguardia, ofreciendo espectáculos que tengan en cuenta un repertorio más académico (neoclásico), sin descuidar las tendencias más contemporáneas y la inclusión en los espectáculos de las nuevas tecnologías”. Además, en el texto manifiesta su deseo de querer continuar con el trabajo realizado en etapas anteriores: “Lo que empieza no es una ruptura sino una continuación de lo anterior, de un trabajo de Nacho Duato que ha llevado a la compañía a un punto de excelencia que hay que mantener, pues no debemos ir para atrás, sino seguir caminando para llegar a la siguiente etapa, respetando el pasado, incluso utilizándolo en el futuro”.

Tras una reunión celebrada en Quito (Ecuador) entre los días 23 y 26 de noviembre, Iberescena ha acordado la concesión de 131 ayudas por un importe de 1.227.250€

en 2011 para la creación de un espacio de integración de las artes escénicas en los 11 países que forman parte de este programa, que son Argentina, Brasil, Chile, Colombia, Costa Rica, Ecuador, España, México, Perú, República Dominicana y Uruguay. El Mi-nisterio de Cultura, a través del INAEM y la Dirección General de Política e Industrias Culturales, apoya el programa con 290.000€, un 23% del total de los fondos para 2011.De entre los 27 proyectos españoles que recibirán las aportaciones de Iberescena –en concreto 239.000€– destacan el II Circuito Iberoamericano de la Red de Teatros Alternativos y la XXVII Mostra Internacional de Teatro de Ribadavia. También recibirán fondos los proyectos Vitrina Iberoamericana de la FiraTàrrega, el Encuentro de gestores culturales del Circuito de espacios escénicos andaluces, varios procesos de creación dramatúrgica y coreográfica en residencia en centros de Estados Unidos, Suiza, Holanda o Brasil, y ocho compañías que coproducirán espectáculos de teatro y danza con otras de Brasil, Colombia, México, Uruguay, Argentina, Perú y Chile.

Compañía Nacional de DanzaJosé Carlos Martínez será su director desde septiembre de 2011

IberescenaDestina 1,2 millones de euros en ayudas a proyectos de España e Iberoamérica




premios

A Rocío Molina la concesión del Premio Nacional de Danza en la modalidad de Interpretación le sorprendió como las Musas:

trabajando. Esta joven artista se encuentra actualmente en pleno “tra-bajo de laboratorio”, como a ella le gusta denominarlo, de un nuevo espectáculo que está previsto que estrene el próximo 17 de mayo en el teatro Lope de Vega de Sevilla. Mientras tanto, sigue experimen-tando en su arte a la vez que saborea ese importante galardón de 30.000 euros que concede el INAEM y que el jurado consideró que merecía por “su aportación a la renovación del arte flamenco y su versatilidad y fuerza como intérprete, capaz de manejar con libertad y valentía los más diversos registros, características que se expre-san de manera especial en sus últimos trabajos ‘Oro viejo’ y ‘Cuando las piedras vuelan’”. “No me esperaba este premio –nos confesó la propia Rocío Molina–. Aunque soy muy joven, este galardón me ha servido para pararme un poco y ver lo que he hecho hasta ahora. Desde que empecé a hacer mis primeros proyectos con 17 años todo ha sido muy rápido pero también muy intenso. Este reconocimiento viene muy bien para poder seguir haciendo otras cosas”.Rocío Molina (Málaga, 1984) se graduó en 2002 con matrícula de honor en el Real Conservatorio de Danza de Madrid, aunque un año antes ya estaba bailando en la compañía de María Pagés, donde realizó su primera incursión en lo coreográfico con una pieza para el espectáculo “Las cuatro estaciones”. Fue a los 21 años cuando estrenó su primera obra como creadora, “Entre paredes”, espectáculo al que le han seguido otros como “El eterno retorno” –inspirado en textos de Nietzsche y en el que colaboraron Teresa Nieto y Pasión Vega–, “Turquesa como el limón”, “Almario”, o el ya citado “Cuando las piedras vuelen”. Nadie mejor que ella para explicar su forma de concebir el flamenco: “Mi estilo es libre y personal. El flamenco engloba tantísimas cosas que en él cabe todo. El público, en general, con el flamenco, está acostumbrado a los prototipos, a lo que se supone que es la cultura española. Pero esto pasa en todas las artes, y al final tú eliges al público y el público te elige a ti”.

Su trayectoria como creadora de un lenguaje coreográ-fico y estilo propios que no ha dejado de enriquecer

con una constante labor de investigación; y por su recono-cimiento internacional y por su generosidad en la formación de creadores contemporáneos”, han sido las razones esgri-midas por el jurado del Premio Nacional de Danza en la mo-dalidad de Creación para conceder a la bailarina y coreógrafa Ángels Margarit esta distinción correspondiente a 2010, do-tada también con 30.000 euros.Àngels Margarit, nacida en la localidad barcelonesa de Terrassa en 1960, es en concreto bailarina, coreógrafa y pedagoga, y se dedica a la danza desde hace treinta años, aniversario que ha conmemorado el pasado mes de noviembre con la reposición de algunas de sus obras en el Mercat de les Flors de Barcelona. Margarit pertenece a la primera generación de bailarines contemporáneos surgida a finales de los años 70 del Institut de Teatre de Barcelona, y desde 1985 dirige una de las compañías de danza más consolidadas del panorama nacional: Mudances, nombre que recibió de la primera pieza que montó al frente de la formación. Antes, permaneció durante cinco años en el colectivo Heura, con el que estrenó “Temps al Biaix”, el primer espectáculo de danza del país concebido como una sola pieza. Otras de sus creaciones más recordadas son, entre otras, “Kolbebasar”, con la que entró en la escena internacional; “La edat de la paciència”, “Solo por placer” o “Flexelf”.

“Cuando las piedras vuelen”, de Rocío Molina.

Premio Nacional de Danza en la modalidad de Interpretación

Premio Nacional de Danza en la modalidad de Creación

A pesar de su juventud, Rocío Molina recibió este galardón por su renovación del flamenco

Àngels Margarit comparte este premiocon su compañía Mudances

Foto

: Ros

Rib

as.

“Kolbebasar”, de Ángels Margerit.

el mundo del espectáculo teatralpremios

Un premio a la trayectoria no es un fin sino un impulso, el de unos creado-

res que, lejos del ruido, han defendido una manera de hacer teatro que no ha sido el que la época, con sus ajetreos comerciales y cacharrerías de novedades, ha entendido como espectáculo. Estamos agradecidos a quienes nos han considerados dignos de él y lo recibimos con humildad, seguire-mos trabajando para que el teatro sea una pasión útil. Nos vemos en el escenario”. Con estas palabras Paco de La Zaranda (Francisco Sánchez) nos manifestó la satis-facción que, desde la compañía jerezana,

sienten ante la concesión del Premio Na-cional de Teatro. El jurado consideró que La Zaranda era merecedora de esta distinción por “su capacidad de conjugar una deci-dida y comprometida puesta en escena y un texto global que entronca con la tra-dición ibérica del esperpento, a través de un lenguaje contemporáneo de gran carga poética, puesto de manifiesto en 2009 en el espectáculo ‘Futuros difuntos’”. El premio está dotado con 30.000 euros.La Zaranda (Teatro Inestable de Andalucía la Baja) lleva más de treinta años girando por España y América. Sus textos,

escritos por Eusebio Calonge sobre la piel y la voz de Paco de La Zaranda, Gaspar Campuzano y Enrique Bustos, se caracterizan por estar enraizados en la tradición de nuestra cultura, y por su juego con elementos como el idioma o la presencia de las fiestas populares. Además del mencionado “Futuros difuntos”, en su trayectoria destacan montajes como “Los tinglados de Mari Castaña”, “Mariameneo, Mariameneo”, “Vinagre de Jerez”, “Obra póstuma” o “Nadie lo quiere creer. La patria de los espectros”, estrenado precisamente el pasado año 2010.

Premio Nacional de TeatroLa Zaranda vio recompensados sus más de treinta años de trayectoria artística

“Futuros difuntos”, de La Zaranda.

“Kolbebasar”, de Ángels Margerit.



compañías

Qué es Iraya Producciones?- Yo me he dedicado a la producción

durante muchos años pero en estos momentos necesitaba encontrar socios para afrontar proyectos que vayan un paso más allá. Desde hace algún tiempo trabajo con Alejando Colubi en varios frentes y como él tiene tres teatros con una producción muy variada, el Marquina, el Príncipe Gran Vía y el Arenal, pensamos que había que hacer algo para que las producciones del grupo pudieran salir de gira.- Entonces, ¿Iraya es una distribuidora?- No exclusivamente. Todos hacemos muchas cosas y participamos en proyectos diferentes de maneras muy

Cuco AfonsoIraya Producciones

“Iraya es una productora y es una distribuidora. Lógicamente, distribuiremos nuestras producciones, pero cualquier obra que nos guste, del estilo que sea, la podremos desarrollar como distribuidora”

El 1 de octubre pasado echó a andar

administrativamente Iraya Producciones,

una nueva empresa constituida por “Cuco”

Afonso, Alejandro Colubi y Teresa Osuna para

dar salida a la necesidad de distribución

que demandaban las producciones del grupo

empresarial surgido hace veinticinco años

alrededor del Teatro Marquina. En la siguiente

entrevista con su director artístico, Cuco

Afonso, se habla de las “oportunidades”

que pueden nacer de una crisis como la que

vivimos, de las colaboraciones que se han

establecido para el desarrollo futuro de sus

proyectos y del apoyo para otras empresas que

pretende ser Iraya.

Cuco Afonso y Teresa Osuna frente a la fachada del teatro madrileño Príncipe Gran Vía, propiedad de Alejandro Colubi, su socio en Iraya Producciones.



compañíasdiversas y a Iraya le sucede lo mismo: es una productora y es una distribuidora. Lógicamente, distribuiremos nuestras producciones, pero cualquier obra que nos guste, del estilo que sea, la podremos desarrollar como distribuidora.Alejandro Colubi va a seguir produciendo y co-produciendo cosas como venía haciendo hasta ahora, participando con otros socios suyos en temas puntuales. Pero lo que está claro es que el grupo empresarial surgido en torno al teatro Marquina genera un número de co-producciones muy importante y teníamos un canal corto: no había distribución.- ¿Y dónde se puede distribuir con la que está cayendo? Los teatros privados apenas existen y todo el sector teatral está peleando por entrar en la programación de los teatros municipales y en las redes, con recursos cada vez más escasos…- El sector va a cambiar. De hecho, está cambiando ya. Va a haber unos años de transición en los que la empresa privada tiene una gran oportunidad.Nosotros tenemos que aprovechar que el hueco existe: los teatros grandes siguen funcionando bien en las grandes ciudades y es una bolsa a la que acudir y, de hecho, pagan. Lo que sí hay que hacer es buscar la fórmula: antes se iba a caché y ahora se negocia de otra manera. Se puede trabajar a taquilla, con un fijo más taquilla, etc., porque los programadores ya no se atreven a pagar un caché.- ¿Cómo surge la idea de crear esta distribuidora? ¿Diversificar como remedio contra la crisis?- No, en absoluto. No es una idea de ahora. Es algo en lo que pienso desde hace tiempo, no tiene que ver con la crisis, sino con encontrar los socios oportunos, que son Alejandro Colubi y Teresa Osuna, que tiene su propia empresa de eventos Más De Dos Producciones.- Perdona mis reticencias, pero sigo pensando que el proyecto tiene el riesgo de que fuera de Madrid y Barcelona apenas hay teatros privados y los ayuntamientos no tienen dinero: ni para programaciones ni para pagar las deudas que ya tienen…- Yo pienso que sí se van a generar más teatros privados en el resto de España. La crisis hay que verla como una gran oportunidad. Y pienso que, además, le va a venir bien al teatro público, al que va a descargar de trabajo. El teatro privado se va a centrar en el espectador, no en lo político. - ¿Qué espectáculos son los que empezáis a distribuir?

- “El pez gordo”, de Bernabé Rico, y “El mago de Oz”, el musical de Vicente Pascual, que está al mismo tiempo en el Príncipe Gran Vía y de gira, porque hemos duplicado la compañía. También tenemos “¡Manos quietas!”, que está actualmente en el Marquina e inicia su gira en febrero.

Yo formo parte también de la cooperativa La Compañía, que ha estrenado “¡A saco!” en el Arenal, y que iniciará gira en 2011. Y distribuimos “Ibrahim y las flores del Corán”, con Juan Margallo y Ricardo Gómez, que es una producción del grupo Marquina, y “¡Luz, más luz!” de Turbo Cultura, una compañía canaria.La verdad es que hay mucho trabajo en marcha. El 15 de enero estrenamos en el

Marquina “Al final del arco iris”, de Jorge de Juan (con Natalia Dicenta, Miguel Rellán y Javier Mora), una obra que se acaba de estrenar en Londres, y que en mayo iniciará su gira.También distribuimos “Pa’ flamenca yo”, de la compañía de Inmaculada y Domingo

Ortega, con Marta Fernández Muro, que es una obra que dirijo yo. Primero hará su gira y luego llegará a los Veranos de la Villa. En el teatro Arenal vamos a reponer “Almacenados”, con Cesario Estébanez, una producción en solitario de Marquina.Todo esto para empezar. Y no nos cerramos a nada, incluido el teatro off, alternativo, del que el Arenal está siendo un motor. Ahí hemos demostrado que se puede ofrecer de todo: teatro musical, infantil, danza, teatro alternativo, teatro de autor… ¡No se chocan entre sí! y ese concepto lo trasladamos a Iraya.- Con tantos proyectos, ¿qué va a pasar con las programaciones de los teatros Arenal, Marquina y Príncipe? ¿Van a ser cotos cerrados para

vuestras producciones o distribuciones?- No, también recibimos propuestas. Además, tengo que adelantar que estamos cerrando acuerdos con los teatros de Balañá en Barcelona (Borrás, Capitol, Tívoli, Coliseum). Y “El mago de Oz” va a ir ahora al Apolo de Barcelona, que lo gestiona Enrique Fayos. El proyecto es muy sólido, abierto a un gran número de colaboradores y en todo tipo de ámbitos.

Teresa Osuna Socia y distribuidora de Iraya Producciones- Teresa, ¿a qué te has dedicado profesionalmente en los últimos años?- Teresa Osuna: Mi familia se ha dedicado a la producción de artes escénicas y yo he trabajado en este ámbito desde siempre. He trabajado con el Ballet Nacional de Cuba, con Antonio Márquez… Luego empecé a trabajar en televisión hasta que entré a formar parte de la cooperativa La Compañía, donde llevaba la producción de la obra “¡A saco!”. Cuando Cuco me propuso el proyecto de crear Iraya me gustaron tanto la idea como la seriedad que ofrecen Cuco y Alejandro en el sector teatral. - ¿Anteriormente solo habías trabajado en producción?- T.O.: Principalmente en producción, pero había hecho algo de distribución con el Ballet de María Giménez o con el Ballet Nacional de Cuba, al que, como ya le hacíamos la producción, también le gestionábamos la distribución.- Imagino que el centrarte ahora específicamente en la distribución teatral supondrá un reto para ti...- T.O.: Todo tiene mucho que ver. El saber de producción te facilita mucho la labor a la hora de la distribución, porque no dejas de vender un producto que conoces bien. Sabes lo que estás vendiendo y puedes bajar o subir precios, hablar con las compañías, analizar las posibilidades escénicas del montaje al tener también conocimientos técnicos... Todo ello te facilita el trabajo, dentro de que ahora mismo vivimos un momento complicado para la distribución.

“La crisis hay que verla como una gran oportunidad. Y pienso que, además, le va a venir bien al teatro público, al que va a

descargar de trabajo. El teatro privado se va a centrar en el espectador, no en lo político”.

el mundo del espectáculo teatralopinión


el apuntador

Recientemente ha sido publicado un interesantísimo manifiesto de los profesionales de las artes escénicas catalanas que vienen a plantear lo que mantenemos desde hace tiempo: que el único medio para converger culturalmente con Europa es la promulgación de una ley española de las artes con los desarrollos correspondientes en cada comunidad. Esta convergencia debe garantizar la igualdad de condiciones de todos los ciudadanos en el acceso a la cultura en todos sus niveles de complejidad y elaboración.Ahora que llega el debate para una nueva ley de autonomía municipal, es necesario que los ayuntamientos –que contratan más del 80% de la exhibición de las artes escénicas sin que ninguna ley les obligue– sepan, precisamente por ley, qué servicios culturales mínimos deben prestar y cómo los van a financiar (habría que hablar de una nueva Ley del Mecenazgo. O de revisar el papel de la SGAE, por ejemplo, y el del 1% cultural. Por supuesto también el papel de las comunidades autónomas y el de los propios municipios).Pero los servicios mínimos que deben prestar los ayuntamientos (y otras administraciones) deberíamos definirlos, entre otros, los agentes del sector cultural. Todos. Mal empezamos si tratamos de linchar a los programadores públicos que defienden eso, lo público. Puede que alguien tenga miedo de este debate, o de abrir la toma de decisiones sobre los servicios públicos a la participación democrática de los ciudadanos. No lo sé. Yo tengo claro que la solución de los grandes problemas de nuestro sector está pidiendo a gritos la transición de un sistema político representativo a otro participativo:

“Esa es la finalidad del documento que presentamos. Unas bases que, trasladamos a la sociedad civil y a las organizaciones sociales, culturales, teatrales y políticas al objeto de generar un debate que permita asentar un proceso de trabajo que tenga como finalidad la promulgación por las Cortes Generales de una Ley de Teatro con la que iniciar la senda de la Convergencia Teatral con Europa, partiendo de principios que, en una perspectiva puramente teatral, nos parecen irrenunciables:

1. La idea del teatro como servicio público y en consecuencia como bien de cultura. 2. La visión sistémica del campo teatral y la defensa de un nuevo paradigma de política cultural y teatral, centrado en las

características y necesidades del sistema. 3. La defensa de la diversidad del sistema como un factor fundamental de su riqueza y su dinamismo. 4. La defensa de una organización reticular del sistema con criterios de no centralización. 5. La defensa de una gestión de los servicios públicos desde lo público, pues la excelencia y la calidad en la gestión de lo público no es un patrimonio privado”.Asociación de Directores de Escena de España. [Bases para un Proyecto de Ley del Teatro, pg. 9].

En este debate, además, hay que tener en cuenta los principios de sostenibilidad y territorio. Porque el tamaño del municipio es muy bueno para algunas cosas, pero es insuficiente para políticas globales e integrales. Esto parece estar muy claro para la sanidad, la educación, el medio ambiente, el urbanismo (hay que leer a José Fariña)..., y debe estar también muy claro para la cultura. Recordemos, por ejemplo, que hubo un momento en que cada alcalde quiso tener su propia plaza de toros. Y se construyeron. Hoy son infraestructuras inútiles e insostenibles. Sin embargo en Madrid todavía no hay un lugar en condiciones para realizar festivales de música para 40 ó 50 mil personas. Pienso que buena parte de los programas en que se concretan las políticas culturales y las infraestructuras y recursos que precisan deben tener una dimensión comarcal, en coordinación con lo puramente local, lo comunitario y lo nacional.Este es el momento de decidir qué debate necesitamos, el que aquí se propone o el de la privatización de los teatros públicos sin más. Yo creo que lo inmediato e impostergable es la definición, ordenación y reglamentación del servicio público de las artes. Mañana es tarde para ponerse a ello. Y cuando este trabajo haya concluido, o quizá simultáneamente a él, sin duda habrá que hablar de los modelos de gestión, puesto que parece sensato indagar si todo el sistema público de cultura tiene que estar gestionado directamente por la Administración.Lo que no puede ser es que unilateralmente se nos quieran imponer “soluciones” que van a dejar de lado todo aquello que no sea rentable desde el punto de vista de la gestión privada. Por ejemplo, la existencia de miles de compañías de teatro aficionadas puede representar una amenaza para ciertos intereses. Sin embargo, este mismo hecho, desde el punto de vista de

lo público, representa una manifestación de la vitalidad de las artes escénicas y de su necesidad social. Si hiciéramos caso de ciertos planteamientos, los teatros terminarían siendo hipermercados para el ocio consumista.Cada cosa a su tiempo. Pero de momento a las compañías catalanas no parece que se les haya solucionado ningún problema con el modelo de gestión privatizador. Un modelo que, al parecer, ha consistido en la privatización de los recursos sin contar con la participación del sector y sin definir previamente la estructura del propio sistema público de cultura en Cataluña:

“Denunciamos que se ha despreciado a una gran parte de los profesionales de las artes escénicas en favor y beneficio de unos pocos “escogidos” que están avalados de una forma abusiva y sin ningún tipo de control por parte de los responsables de las instituciones públicas […] Denunciamos la apatía de los políticos y gestores públicos de la cultura, que dejan en manos de empresas privadas favorecidas, las programaciones de los teatros, salas y equipamientos de propiedad pública, cosa que, en cierto aspecto, supone secuestrar la cultura […] Denunciamos la falta de existencia de una política cultural, hecho que provoca la desigualdad, el favoritismo, la falta de criterio y la prevaricación de los recursos públicos, y reclamamos nuestro derecho a una Ley de las Artes Escénicas de Catalunya que ponga orden y otorgue cuerpo legal a las situaciones que estamos denunciando”. [Manifiesto de los profesionales de las Artes Escénicas de Catalunya, octubre 2010].

¿Es esto lo que se nos propone para todo el país desde ciertos magisterios? La experiencia nos enseña que la gestión de los servicios públicos por parte de empresas privadas no está mejorando su calidad ni los abaratan. La experiencia dice también que, en manos privadas, los servicios públicos pierden diversidad y profundidad. Y esto es porque en manos privadas solo prevalece el beneficio empresarial.Sin embargo, sabemos también que lo deseable es que la sociedad civil pueda gestionar todo aquello para lo que sea capaz de auto organizarse. ¿Será posible que encontremos el equilibrio y la colaboración necesaria entre el sistema público de cultura y la iniciativa cultural privada, tanto la social y sin ánimo de lucro como la empresarial? ¿Es posible el diálogo entre nosotros sin descalificaciones o linchamientos?

Por una ley de las artespor Javier RomeroCon cincuenta años ya en el bolsillo, una gran parte de ellos inmerso en el sector de las artes escénicas, Javier Romero cuenta con una avalada experiencia en este mundillo que le capacita para expresar su visión del mismo en las siguientes líneas. Este sociólogo de formación trabaja como Coordinador Técnico de Cultura del Ayuntamiento de Gétafe (Madrid) desde el año 1994. En su opinión, “nuestro principal problema es precisamente la invisilidad social de nuestros problemas”, por eso hace uso de esta página “altavoz”, para señalar algunas de las controversias que actualmente sacuden al sector.



compañías

Los enredos de Scapin” es una farsa de golpes de

efecto, equívocos, gags visuales, situaciones jocosas, caricaturas y arquetipos, con unos diálogos llenos de repeticiones, de jue-gos, de acumulación de bromas y jeringonzas, que en el siglo XVII firmó un tal Jean Baptiste Poque-lín, más conocido como Moliere, y que pretende ser todo un home-naje al pueblo y a la comedia del arte italiana. El personaje de Sca-pin es uno de los pícaros más pícaros llevados a la escena. Este genial malandrín resuelve todas las intrigas y mueve los hilos de todos los personajes. Se desenvuelve hábilmente entre ricos y pobres, padres e hijos, criados y señores. Es un manipulador nato, pero sorprende, además, su bondad con los más débiles, su entrega sin reservas y su amor a la libertad del individuo.Morboria Teatro estrenará el próximo 22 de enero una versión de esta obra en el teatro Buero Vallejo de Alcorcón (Madrid), lo que la convertirá quizá en la única compañía española que cuenta en estos momentos con cuatro obras de Moliere en su repertorio: “El burgués gentilhombre”, “El enfermo imaginario”, “El avaro” y la mencionada “Los enredos de Scapin”. En este caso es el actor Fernando Aguado el encargado de encabezar un reparto que completan Diego Morales, Héctor Astobiza, Eva del Palacio, Félix Casales, Alejandra Llorente, Ana Burrel, Malena Gutiérrez, Paco Sánchez y Miguel Barón. Todos ellos reciben las ordenes de Eva del Palacio, encargada también de la dirección y de la adaptación del texto.

Bajo el título original de “Todo es enredos Amor,

y diablos son las mujeres”, Don Diego de Figueroa y Córdoba escribió este texto que data de 1671 y que durante años se atribuyó a Agustín Moreto. La actividad artística de Don Diego de Figueroa se centró en la escritura, pero también en el mecenazgo, lo que le convirtió en un cortesano verdaderamente implicado en la tarea de fomentar la cosecha poética de la España del siglo XVII. En “Todo es enredos Amor” el autor abundó en el género de la comedia de enredo habitual entre los dramaturgos de la época. La nueva cantera de actores que conforma la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico se ha puesto a las órdenes de Álvaro Lavín para llevar a cabo el montaje de “Todo es enredos Amor” en versión de Julio Salvatierra. El reparto está formado por Mamen Camacho en el papel de Elena, María Prado como Juana, Carlos Jiménez Alfaro como Ortiz y también Georgina de Yebra y Badia Albayati, entre otros. La obra podrá verse en el teatro Pavón de Madrid desde el 4 de enero y hasta el 6 de febrero. En el período estival, el montaje participará en varios festivales de teatro clásico como son el de Alcalá de Henares (Madrid) en junio, y los de Almagro y Olite en julio.

Los enredos de ScapinEl cuarto “Moliere” en el repertorio de la compañía Morboria Teatro

Todo es enredos AmorLa Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico estrena esta comedia de enredo

Foto

: Chi

cho.



compañías

En 1979 “Cinco horas con Mario” fue el primer texto de Miguel Delibes

que se estrenó en un escenario, y la actriz Lola Herrera fue la elegida para encarnar a Carmen Sotillo, protagonista absoluta de esta obra imprescindible del escritor valli-soletano. Más de treinta años después de esa primera versión, Josefina Molina dirige ahora un nuevo montaje con Natalia Millán en la piel de la atormentada mujer que describió el desparecido autor castellano.

La obra “El viaje de mi padre”, de la compañía vasca Hika Teatroa, resultó triunfadora en la pasada edición del Certa-

men Nacional de Teatro Garnacha de Rioja de Haro, que se llevó a cabo entre el 28 de noviembre y el 18 de diciembre. El montaje se alzó con el Premio del Público al Mejor Espectáculo, y con la Mención Especial del Jurado, reconocimiento que en trece edicio-nes de este evento era la segunda vez que se concedía. Además esta producción participará en la XIV edición del Certamen de Directoras de Escena de la localidad madrileña de Torrejón de Ardoz el próximo 27 de marzo.Patxi, protagonista de “El viaje de mi padre”, prometió a su madre antes de que muriera que cuidaría de su padre enfermo. Intentará cumplir su promesa, pero no tardará en darse cuenta de que su padre no es aquel hombre que su madre tanto amó. Aquel hombre se fue para siempre y Patxi se enfrenta a un desconocido. Su padre está enfermo, aquejado de una enfermedad senil, y cuando menos se lo espera cruza la frontera entre el mundo real y eso otro mundo que Patxi no conoce. Patxi vivirá un infierno y el

cuidado de su padre le creará un sinfín de problemas en su vida diaria: su novia le acaba de dejar y en el trabajo están a punto de despedirle. Patxi cree ver el momento de hacer algo.Esta historia, llena de ingredientes dramáticos, pero que también deja hueco para el humor en momentos tan absurdos como emocionantes, cuenta con los actores Jose Ramón Soroiz y Joseba Apaolaza, a quienes acompaña el músico-actor Jabier Muguruza. La obra está escrita por Arantxa Iturbe y Agurtzane Intxaurraga, quien se encarga personalmente de dirigirla.

Carmen Sotillo es la viuda de Mario, una mujer educada bajo las premisas retrógradas de la época y muy preocupada por el qué dirán. La obra narra cómo Carmen, tras irse todo el mundo de la casa, se queda a solas para velar el cadáver de su marido, fallecido repentinamente. Durante las cinco horas que pasa junto a él, la viuda recuerda momentos de su vida en común, su noviazgo, sus primeros años de casados y aprovecha para decirle todo

lo que no le dijo en vida, así como para reprocharle el poco carácter que mostró siempre el fallecido. A través del monólogo de Carmen Sotillo se descubre a Mario, un hombre sencillo y humilde, y la propia Carmen se retrata como una mujer celosa, egoísta e insatisfecha con su matrimonio. “Cinco horas con Mario”, que se estrenó el 30 de septiembre en Valladolid, llegará al teatro Reina Victoria de Madrid el 14 de enero, bajo la producción de Pentación.

Cinco horas con MarioNatalia Millán es la protagonista absoluta de esta conocida obra de Delibes

Fue premiada en el Certamen Nacional de Teatro Garnacha de Rioja

El viaje de mi padre




compañías

En 1977 el director de cine italiano Ettore Scola dirigió la pelí-cula “Una giornata particolare”, la conmovedora historia de

un encuentro, convertido en desencuentro, entre dos humildes seres, víctimas de la sociedad fascista de Mussolini, y que prota-gonizaron Sofía Loren y Marcelo Mastroianni. Ahora la compañía La Pavana, en coproducción con Teatres de la Generalitat Valen-ciana, estrena su propia versión bajo el título de “Una jornada particular”, en la que la trama se traslada a la posguerra española. La obra se podrá ver en el teatro Talía de Valencia desde el 27 de enero al 13 de febrero.La trama de este montaje se desarrolla el 20 de octubre de 1940, un día histórico para el régimen franquista. El Reichführer Heinrich Himmler está de visita oficial en nuestro país. Mientras miles de personas presencian el desfile organizado en Madrid por Serrano Súñer, Antonieta, madre de familia ejemplar, rebajada a sirviente y engendradora de hijos, despide a la familia, que se va a presenciar el acontecimiento. Tampoco lo verá el vecino de arriba, Gabriel, un locutor radiofónico estigmatizado por su condición sexual y condenado a la deportación…El célebre dramaturgo Rodolf Sirera firma la adaptación de esta obra que narra el instante fugaz del encuentro de dos seres muy diferentes pero profundamente humanos. De darles vida se encargan Victoria Salvador y Rafael Calatayud, quien además dirige la obra y la compañía. El equipo artístico lo completan la actriz Laura Useleti en el papel de la portera, Jaume Pérez en la escenografía, Sergio Méndez en la iluminación y Alejandro Sáez de la Torre en el vestuario.

En palabras de Juan Mayorga, autor de “Himmelweg”, esta obra “habla de un hombre que se parece a casi toda la

gente que conozco, tiene una sincera voluntad de ayudar a los demás, quiere ser solidario, le espanta el dolor ajeno. Sin em-bargo, también como casi toda la gente que conozco, ese hom-bre no es lo bastante fuerte para desconfiar de lo que le dicen y muestran. No es lo bastante fuerte para descubrir que El Cami-no del Cielo puede ser el nombre del infierno. No es lo bastante fuerte para ver el infierno que se extiende bajo sus pies...”. La Compañía Ferroviaria, en coproducción con el Festival Interna-cional de Teatro y Danza de San Javier y el Ayuntamiento de la localidad murciana, estrenará este montaje el próximo 15 de enero en la sala L’Excorxador de Elche.La obra, que dirige Paco Macià y a la que dan vida un amplio plantel de actores, ofrece, a partir de la memoria del Holocausto, una perspectiva de acercamiento y de juicio de todas las formas de fascismo de hoy: de los abusos y crímenes del poder, los genocidios enmascarados, la manipulación y la falsificación de la realidad. Como indica el propio Macià en relación a este texto, “la mentira y la ley del silencio conducen a la amnesia de las antiguas generaciones y a la ignorancia de las nuevas”.

Adaptación a la escena española de la película homónima de Ettore Scola

HimmelwegJuan Mayorga firma el texto del nuevo montaje de la Compañía Ferroviaria

Una jornada particular



compañías

El actor Javier Gutiérrez, conocido por el gran público por su pa-pel de “Satur” en la serie de televisión “Águila Roja” y por su

pertenencia al grupo teatral Animalario, ha debutado en la producción teatral con la obra “ContraAcciones”. Para este proyecto ha contado con la colaboración de Pilar Massa, quien participa en el montaje como actriz y directora del mismo. Ambos han logrado así traer por primera vez a nuestro país una obra del joven autor británico Mike Bartlett, presente actualmente en Broadway y en los teatros europeos más im-portantes.“ContraAcciones” es una comedia negra hilarante y sin concesiones sobre el poder que ejerce el mundo laboral sobre el personal, con tintes de Orwell o del Teatro del Absurdo de Ionesco o Havel. En ella, Emma está saliendo con su colega Darren, pero su jefa cree que está incumpliendo el contrato, porque un párrafo indica que están prohibidas las relaciones románticas y/o sexuales con compañeros de trabajo, por lo que considera que la situación tiene que resolverse. Pilar Massa da vida a la gerente, mientras que en la piel de Emma se mete la actriz Goizalde Núñez, la conocida Lourditas de la serie “Los Serrano”.Este espectáculo, que producen Prem Teatro y Carallada Show y que además de divertir pretende remover conciencias en estos tiempos de crisis y despidos libres, se puede ver en el teatro Lara de Madrid desde el 27 de noviembre y hasta el próximo 28 de febrero.

La compañía canaria Helena Turbo Teatro lleva-rá su espectáculo “¡Luz, más luz!” a Andalucía,

donde iniciará una gira en la sala Black Box de Mar-bella (Málaga) los días 28 y 29 de enero dentro de la programación del festival de teatro Alternativa Marbella. La obra continuará su periplo en el teatro Municipal de Olías del Rey (Toledo) el 30 de enero, para regresar a la región andaluza los días 4 y 5 de febrero, en concreto a la sala Fli de Sevilla. El argumento de “¡Luz, más luz!” gira en torno a la escritora canaria Mercedes Pinto, que pasó la mayor parte de su vida exiliada en distintos países de Hispanoamérica. La pieza retoma y teatraliza una miscelánea de su producción periodística. El desarrollo textual de la pieza se dinamiza y adereza con danza contemporánea y con un piano en directo. La directora Helena Romero, profesora del Centro Superior de Arte Dramático de Canarias, utiliza un singular juego teatral para contar la increíble y verdadera historia de Mercedes Pinto de otra manera: el personaje es interpretado al mismo tiempo por Guacimara Gil y Carmen Hernández, quienes interpretan, cantan y bailan, acompañadas al piano por la delicada mano de Conchi Reyes.

Fotos: M. Torres.

ContraAccionesLa presión que el mundo laboral ejerce sobre el personal en clave de comedia negra

¡Luz, más luz!La vida y la obra de la escritora canaria Mercedes Pinto centran este montaje



compañías

La compañía del Versus Teatre de Barcelona es-

trenó el 6 de diciembre una de las obras más emblemáticas del reputado dramaturgo cana-diense Daniel MacIvor, uno de los autores más prolíficos del país norteamericano. “In on it”, que así se titula este montaje, llega a Cataluña avalado por su éxito en el festival de Edimbur-go de 2000 y por los diversos galardones que ha recibido desde su estreno. Está dirigida por Òscar Molina en su tra-ducción catalana, realizada por Gerard Vázquez, y protagonizada por los actores Roger Pera y Xavi Casan. La obra se podrá ver en el propio Versus Teatre hasta el 27 de febrero.El secreto del éxito de “In on it” reside en su inteligente narrativa, un juego meta-teatral que consigue adentrarnos en tres realidades distintas dentro de un mismo montaje con solo dos intérpretes y un escenario casi desnudo. Por un lado, narra la historia de un hombre a punto de morir que pretende llevar a cabo los últimos planes de su vida; por otro, la historia de amor de dos amantes que tratan de hacerla funcionar; y, por último, habla de dos hombres que intentan crear un espectáculo.

Debido al éxito de sus prime-

ras representaciones, la estancia del mon-taje “¿Qué coño es el amor?” en la sala madrileña La Esca-lera de Jacob se ha prorrogado hasta el próximo 28 de enero. Esta obra presenta en escena a cuatro per-sonajes que exponen sus visiones y teorías sobre “esta aparente-mente exclusiva emoción humana”, según palabras de uno de ellos.Natalia Domínguez, Paloma Garoz, Sergio Pozo y Gonzalo Trujillo dan vida a este texto escrito y dirigido por Gerard Clua y Chema Rodríguez. De la producción de esta divertida comedia que busca la verdadera naturaleza del amor, el sexo y el deseo se encarga la misma sala que lo aloja, en colaboración con Martelache, Dilemek Teatro y Punto de Encuentro Creativo.

In on it

¿Qué coño es el amor?Prorroga sus funciones en la sala madrileña La Escalera de Jacob

Un inteligente juego meta-teatral firmado por el canadiense Daniel MacIvor

el mundo del espectáculo teatralopinión


ferias y feriantes

Bueno, bueno, ¡cómo está el patio!Qué poco sale el sol, y cuánto nublado negro de tormenta se enseñorea sobre las cabezas de las buenas, casi todas, gentes de las artes escénicas.A poco que pienses, a poco que leas, si aún sigues creyendo en algún periódico; o veas o escuches cualquier medio de comunicación, el panorama de las artes escénicas está de mal en peor.Y es difícil predecir hasta dónde llegará la situación. Sólo se sabe que llueven piedras. Es fácil presuponer quiénes seguirán contra viento y marea y qué tipo de espectáculos circularán sin problemas, pero sin abandonar la queja del “hay que ver cómo está todo”. Y terminaremos viendo lo mismo en el teatro que en la televisión.No vale lamentarse, porque se venía venir. Cuando un espectáculo que se compone de un texto, más o menos clásico, con una persona famosa y otra de cierto reconocimiento, un planteamiento escenográfico adaptable y poco más, y su precio sobrepasa los diez mil euros, y esta cantidad se pague porqueel público quiere seguir viendo la tele en el teatro, y se autoricen las subvenciones de los ministerios varios y en las redes múltiples, pues es todo un síntoma.Lo triste de esto es que los componentes de estas propuestas van a sufrir muy poquito la crisis de verdad, y serán los que sigan ocupando los espacios escénicos cuando sean creadas las nuevas redes de teatros rehabilitados, después de ser abandonados por unos municipios que no pueden sostener sus gastos, y empezarán a funcionar las empresas mixtas de servicios municipales o algo parecido.Y todo, o casi, es que el empeño, la pasión que ciega como toda pasión, del que desea que el famoso más famoso vaya a su pueblo, porque su gente no va a ser menos, no se da cuenta de que en ese impulso noble pierde la honra que le honra, porque está haciendo de un impulso noble un hecho de instrumentalización de lo peor, porque el espectáculo dura lo que dura y el famoso se va y en la mayoría de los casos, si te he visto no me acuerdo, y la partida presupuestaria refleja un menos, que para ajustarla ya se sabe lo que hay que hacer en el próximo ejercicio. Y así, ejercicio tras ejercicio.

Y si nos ponemos una miaja poéticos, pues lo mismo pensamos que el grupo del pueblo ensaya en un corralón abandonado “Final de partida”, que trajo uno de Madrid el texto, y empezaron a darle vueltas, y de una vuelta fueron a otra y de otra a preguntar, a enterarse, y ya hablarán con quién corresponda si hay alguna ayuda para estrenarla y un día libre en el teatro…Y fíjate que esto personalmente me quita años porque me lleva a cuando representábamos a Sastre en los salones parroquiales mientras que Celia Gamez se despedía de la escena. Pero que va, no me alegra, me parece haber hecho, de verdad, el auténtico viaje a ninguna parte.Y es que hay que ver, con la de gastos que tiene Seoane, con todo lo que tiene que pagar y mantener y que le deban tanto, o a Cimarro, oye Jesús, que lo siento, hombre; o lo de los Animalarios, que tiempos aquellos Andrés, ¿verdad?, cuando “Las gaviotas subterráneas” en Guadalajara y ahora qué faena haber facturado un millón, pagando cuatrocientos mil euros de impuestos, y, hala, que no pagan. Lo he leído en El País y me dije “¡joer que faena!”Menos mal que contáis en el diario que gracias a un dinerillo personal podéis estar ensayando. Pues menos mal.Dice Margallo, en el mismo diario, que hay como “1.200 grupos pululando”, deben ser próximos o iguales a aquellos de “final de partida” con respecto a los otros, claro. Espero que se me entienda, con perdón. Es que me lío en esto de la cultura de un sistema neoliberal. A ver si alguien explica con claridad si el sistema es bueno, regular o malo. ¿O son los malos los que pululan? Seguro que no lo son. Y por cada una de estás compañías que desaparezca, las pululantes, el daño que se le hace a la sociedad no lo cura ni un batallón de famosos. Estas compañías han pasado por varias denominaciones: de provincias, estables, alternativas, etc.; y cada una de ellas sostienen de dos a tres personas fijas y contratan actores, escenógrafos, músicos, modistos, iluminadores, técnicos y hacen sus dosieres en imprenta y mantienen páginas web y por esto creo que, un porcentaje muy importante de ese más del 4% del PIB que aporta el mundo de la cultura, dicho por el señor Palomero, sale de ellas, las pululantes. Pero es

que es más, estas pequeñas empresas comparten cultura en lugares muy difíciles y muy complicados en todos los sentidos desde lo técnico a lo humano. Y lo hacen, y asiste el público, que por hora y media deja de ver la tele, y puede que alguien después de esos noventa minutos empiece a dudar que es el mejor inicio para inmediatamente pensar y de ahí…Y si tienen la fortuna que hemos tenido otros adentrándonos en “Yla y Lia”, un espectáculo dirigido por Esteban Ballesteros, algo más, mucho más les cambiará o les ayudará a recuperar partículas esenciales que se oxidan del lamentable desuso.“Yla y Lia, La puerta de las estrellas” es un texto de Miguel Murillo donde se exponen dos historias paralelas en tiempos diferentes y lejanos, pero con un nexo de unión: la incomprensión, la intolerancia, que se quedan en segundo plano gracias a un sentimiento: el amor.Si a esto se le suma la música sefardí en directo, acordeón, violín y percusión, ejecutada con la precisión y la sensibilidad necesaria, y en ocasiones la presencia, maravillosa, de Gema Ortiz en las danzas antiguas que están iluminadas por Fran Cordero con una sutilidad portentosa, se crea una corriente que te arrastra y te hace desaparecer de la butaca y te sientas allí, sobre las tablas, para vivir piel a piel lo que allí sucede.Esteban Ballesteros, magnífico actor, ahora se nos presenta como un director con sabiduría, sensibilidad y sin truco. Vamos, en estado de gracia. Y no es cicatero, todo lo que lleva dentro lo entrega generoso. No se pierdan ni a Ylia ni a Lia.Otra dirección soberbia es la de Joaquín Candeias en “Las Sillas”, de Ionesco, para Tornaveu Producciones, con Juli Cantó, Cristina Garcia y Begoña Navarro. Es un trabajo de Cadeias muy inteligente, es una forma de entender y desarrollar el aislamiento de esos dos personajes, magníficamente interpretados, que te atrapa, que se apodera del espectador al enmarcar la acción en una escenografita apabullante que te marca el camino por el que, sin remedio, entras y participas de la angustia, de la no salida, de la evidencia de que nunca llegará, no que no llega nunca.

Nubes negraspor Isidro RodríguezTerminando de juntar las últimas letras de mi argumentario, llega la noticia de que Fernando Urdiales se ha escondido para siempre. Cuando aparezca mi pensamiento sobre Fernando, se habrá escrito casi todo lo que yo ahora pueda decir sobre su buen hacer, su capacidad, su estilo, su enorme oficio, su sabiduría… y sólo se me ocurre agradecerle su trabajo y asegurarle un sitio permanente en el rincón de mi memoria donde se reúnen tantas otras personas que amé y sigo amando. Gracias maestro.

el mundo del espectáculo teatraldanzacompañías

Increpación Danza nació en 1993 de la voluntad de búsqueda en el mundo

de la danza española y el flamenco, en un intento de fusión de estas técnicas tradicio-nales con el lenguaje de la danza contem-poránea actual. Actualmente la compañía trabaja en su nuevo proyecto, “Las salva-jes”, inspirado en la obra “Las salvajes en Puente San Gil” (1961), que representa el primer drama de madurez de José Martin Recuerda.El argumento gira en torno a una compañía de revista que quiere actuar en Puente San Gil a toda costa, pero los habitantes consiguen que se suspenda el espectáculo, lo que desencadena la venganza. En esta obra, inspirada en la rudeza de los pueblos andaluces de la postguerra, se nos presenta una realidad cruel. Con su furia escénica de exagerado gesto ibérico, de curas y beatas por una parte, y prostitutas y locas por la otra, la pieza deja tras de sí un aire electrizado. A partir de los personajes y situaciones extraídos del texto teatral y tratando de respetar la línea narrativa de la obra, Increpación Danza los hará llegar al lenguaje dancístico propio de la compañía.Con asesoría teatral de Carlos Rodero y

la colaboración de la compañía de teatro y circo De Mortimers, “Las salvajes” es un ambicioso proyecto ideado para ser representado tanto en teatros convencionales como en espacios alternativos y de calle. Precisamente

su estreno de calle está previsto para la próxima edición de la FiraTàrrega, en concreto los próximos días 8 y 9 de septiembre, mientras que la versión para recintos cerrados se podrá ver el próximo otoño en Barcelona.

Las salvajes El nuevo proyecto de Increpación Danza verá la luz en la FiraTàrrega

el mundo del espectáculo teatralmusicales

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compañías

El pasado 27 de noviembre se estre-nó en el festival Temporada Alta de

Gerona “Somiatruites”, el nuevo espectá-culo surgido de la mente inquieta de Albert Pla, para el que se ha hecho acompañar por otro músico inclasificable, el franco-catalán Pascal Comelade, y la compañía de títeres catalana Farrés Brothers.En el origen del espectáculo se encuentra la creación de mundos imaginarios, tal y como sucede en el sueño y, más concretamente, “en la vigilia” –como explica Pla–, “cuando la consciencia no ha desaparecido del todo y el cuerpo y la mente inician un proceso de relajación en el que se confunden fantasía y realidad”.El proyecto llegó a las manos de la compañía Farrés Brothers en el verano de 2009. Pese a que la formaciónn de los hermanos Pep y Jordi Farrés es reconocida por sus espectáculos de títeres para público infantil, la idea de Albert Pla de incluir marionetas de tamaño humano como “instrumentistas” del espectáculo musical “Somiatruites” les convenció inmediatamente y se pusieron manos a la obra.“El espectáculo cuenta con cinco músicos ‘humanos’ –comenta Pep Farrés–, pero a Albert se le había ocurrido la idea de que otros tres ‘músicos’ fueran títeres de tamaño humano. Cuando nos pusimos a hablar sobre la idea de Albert ya se intuía la atmósfera onírica y freak y nos pareció

útil que hubiera un personaje que fuera un disc-jockey, DJ Crepúsculo, un gigante que permanece sentado todo el espectáculo y que dispara bases rítmicas. También hay dos hermanas –las siamesas Superglue– que hacen coros y percusiones sencillas, y esos tres personajes los manipulamos nosotros”.“Las marionetas se crearon expresamente para este espectáculo pero, en realidad –continúa explicándonos–, los tres personajes forman parte de la orquesta. Esto no es una obra de teatro, es un concierto, aunque también realizamos alguna pequeña intervención un poco más teatral”.

Después de haberse representado en diciembre en el Teatre Lliure de Barcelona y el Teatre Bescanò de la población gerundense del mismo nombre, “Somiatruites” se ofrecerá en enero en la programación del Festival Actual de Logroño y están previstas nuevas representaciones en marzo y abril en Castellón, las localidades barcelonesas de L’Hospitalet de Llobregat, Manresa, y Granollers, Torelló (Castellón), Figueres (Gerona), Ibiza y Balaguer (Lérida). En meses sucesivos llegará también a Murcia, Valencia, Tarragona, Gijón, Granada, Sevilla, Málaga y Sant Cugat (Barcelona).

Humor y mucha música, tanto clásicos como Mozart, Boccherini, Pachelbel, Paganini, Falla o Vivaldi, como artistas más contem-

poráneos como Serge Gainsbourg o U2, se dan cita en “Pagagnini”, el espectáculo que la compañía Yllana coproduce con el músico Ara Malikian. Este entretenido montaje llegará el próximo 3 de febrero al teatro Calderón de Madrid, ciudad en la que ya cosechó un gran éxito de crítica y público durante su estancia en 2007.El propio Ara Malikian capitanea a cuatro grandes músicos que con su virtuosismo repasan algunos momentos cumbre de la música clásica, fusionándolos con otros estilos musicales como el pop, el rock, el blues o el flamenco. El resultado es un divertido y sorprendente des-concierto con el que la compañía reinventa la manera de concebir un recital.

Somiatruites

Pascal Comelade (sentado a la izda.) y Albert Pla (en el centro, sentado), junto a los músicos de su orquesta y los Farrés Brothers (a la dcha., de pie), con las marionetas de tamaño natural creadas para el espectáculo: el gigante DJ Crepúsculo y las siamesas Superglue.

Las marionetas de Farrés Brothers protagonizan el nuevo espectáculo musical de Albert Pla y Pascal Comelade

PagagniniRegresa a Madrid este divertido recital capitaneado por Ara Malikian

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el mundo del espectáculo teatralinfantil


compañías

Por tercer año consecutivo, la compa-ñía de teatro Sin Fin puso el pasa-

do 3 de diciembre, en el teatro Calderón de Motril (Granada), el broche de oro a la gira de su espectáculo didáctico infantil “Dos pillos y un bombero”, que dentro del programa Semana de la Prevención de In-cendios, organizada por la Fundación MA-PFRE y la APTB (Asociación Profesional de Técnicos de Bomberos), se representó en unas 15 localidades y ante cerca de 6.500 niños de entre 4 y 10 años. Los teatros Ló-pez de Ayala de Badajoz, Jovellanos de Gi-jón, Principal de Burgos, Buero Vallejo de Guadalajara, o el Palacio de la Audiencia de Soria son algunos de los recintos escé-nicos en los que Catalina, Serafín y Tilero –bombero profesional– enseñaron a los más pequeños las normas básicas de actuación y prevención frente a los fuegos. Por otra parte, Sin Fin girará también a lo largo de 2011 en la Red de Teatro de la Comunidad de Madrid, pero con otro de sus montajes: el espectáculo de calle “Los piratas, the little history”. Las localidades que recorrerá a lo largo del primer semestre

La compañía Caleidoscopio presentó su más reciente espectáculo, titulado “Ondina

Glups”, en el teatro Principal de Zaragoza con siete funciones repartidas entre las dos últimas semanas de diciembre. Se trata de un canto a la diversión a través del juego, un juego del que se puede disfru-tar observando el entorno, y en este caso, al agua en particular. A partir de diversos elementos, mu-ñecos, actores y teatro negro, la luz, la oscuridad y el color, la acción comienza cuando su protagonis-ta, Ondina Glups, encuentra un objeto mágico: un grifo que al abrirse da lugar a todo tipo de aconte-cimientos asombrosos. Su autor, Roberto Barra, se encarga también de la dirección técnica y cuenta con Azucena Gimeno en la dirección artística.Por otro lado, la compañía acaba de inaugurar una exposición dedicada a todos los públicos y dirigida especialmente al familiar titulada “Caleidoscopio, 25 años de teatro para jugar”. Esta muestra recopila la historia de la compañía y la de sus más de cuarenta espectáculos. Se trata de una exposición de la que se puede disfrutar en el Centro de Historia de Zaragoza desde el 16 de diciembre y hasta el 28 de febrero. Además, desde el 11 de enero, y en colaboración con el Departamento de Educación del Ayuntamiento de Zaragoza, se realizan visitas guiadas para grupos escolares.

del año son Valdemorillo, Alpedrete, Morata de Tajuña, Galapagar, Algete y Camarma de Esteruelas. Además sigue abierta

la contratación de otros dos conocidos espectáculos infantiles de la compañía: “Eskimales” y “Los Ratonautas”.

Dos pillos y un bomberoVolvió a enseñar a los niños a actuar frente a los incendios

Ondina GlupsCaleidoscopio estrenó un espectáculo que habla sobre la importancia del agua


el mundo del espectáculo teatralinfantil


compañías

Tras el éxito obtenido con “El libro imaginario”, La Baldufa ha retomado “El príncipe feliz”, basado en un cuento de Oscar Wilde. La obra es una adaptación realizada

por Enric Blasi, Emiliano Pardo, Carles Pijuan y Jorge Picó, que también la dirige, y está interpretada por Enric Blasi y Carles Pijuan, quienes se alternan con Emiliano Pardo y Fe-rrán López. “El príncipe feliz” cuenta la historia de una estatua que representa a un prín-cipe que en vida no se preocupó por su pueblo, pero que ahora que puede ver la miseria cada día desde su pedestal, es muy desgraciado. Un día una golondrina se posa sobre él y éste le cuenta su historia. Desde ese momento la golondrina ayudará al príncipe para asistir a los más necesitados llevándoles las piedras preciosas que recubren la estatua. El 15 de enero “El príncipe feliz” se estrenará en el teatro Bartrina de Reus (Tarragona) y a continuación podrá verse en el teatro Escorxador de Lleida los días 21, 22 y 23 del mismo mes. El día 30 y también en Lleida, La Badulfa actuará en la sala Unió de Alpicat.

Magia, música en directo, malabares, todo bien

aderezado con humor y poesía, se concentran en “Bubble Sis-ter”, la historia entrañable entre una niña y una muñeca que le hará abrir los ojos y rechazar los cánones estéticos de una forma divertida, viajando a través del mundo de las pompas de jabón. Esta obra de teatro gestual se pudo ver el 8 de enero en la sala BBK de Bilbao.Sofi es una niña obsesionada con la muñeca más famosa del mercado: “Barby”. El día de Navidad la niña se despierta convencida de que Papa Noel le va a traer a su muñeca favorita, pero tras abrir el regalo aparece... ¡Una “Bubble Sister”! La pequeña Sofi no se puede creer que Papa Noel se haya podido equivocar y le haya traído una muñeca que solo hace pompas de jabón. Pero de repente, un hecho mágico sucede y “Bubble Sister” cobra vida... Mark Nef, asiduo colaborador de la compañía Yllana en diversos espectáculos, dirige este entretenido montaje que protagonizan Patricia Arizmendi y Sofía Novoa, y que produce la compañía Made in Jabón.

El príncipe feliz

La Baldufa presenta su nuevo proyecto teatral dirigido al público infantil

La Baldufa presenta su nuevo proyecto teatral dirigido al público infantil

Bubble SisterUna muñeca capaz de hacer grandes pompas de jabón




el mundo del espectáculo teatralinfantil compañías

Sal a escena contra la discriminación!” es el nombre de una campaña impulsada por el ya extinto Ministerio de

Igualdad, a través de la Dirección General para la Igualdad en el Empleo y contra la Discriminación, mediante la que se pre-tendía sensibilizar a la sociedad y fomentar la acción en favor de la igualdad de trato y oportunidades entre todas las personas. Dentro de esta campaña se concedió un premio, entregado el pasado 10 de diciembre en la sala Fernando de Rojas de Madrid, que fue a parar a la obra “La princesa Ana”, primer cuento in-fantil con protagonistas lesbianas y escrito en lengua castellana. Este texto está firmado por Luisa Guerrero, y fue estrenado por la compañía Tarambana en la sala madrileña homónima el pasado 2 de octubre, donde recibió la respuesta favorable unánime tanto de la crítica como del público.Bajo la apariencia de un cuento clásico, “La princesa Ana” desafía tabúes, rompe tópicos, renueva moralejas, y promueve valores de tolerancia y respeto a la diversidad. Su adaptación teatral y su dirección corresponden a Eva Bedmar, quien además forma parte del elenco de actores en su papel de Reina Elena y de joven rana. En su puesta en escena nos encontramos también con marioneta y animadas canciones y coreografías. Las piezas musicales que acompañan toda la obra en ocasiones son dulces melodías y en otras, alegres canciones interpretadas por los mismos actores, que invitan al público a bailar con ritmos de rock y mezclas de ska y hip-hop. La música y las letras están compuestas por Diego Miranda, José Luis Cortés “Momo”, Nacho Bonacho y David Bonacho.

Más de quinientos teatros y centros culturales de todo el país han acogido alguna de las representaciones

que la compañía Sol y Tierra ha realizado de “La princesa y el dragón” desde su estreno en la sala Pradillo de Madrid el 14 de febrero de 1998. De entre todos ellos, ha sido el centro cultural Eduardo Úrculo de la capital el que finalmente acogió la función número 1000 de esta obra infantil el pasado 30 de diciembre.Pero la trayectoria de este montaje no se limita solo a nuestra geografía, sino que va más allá. Entre otros muchos lugares, ha sido representada en festivales internacionales como el Le Bourg des Artistes de St. Eloy les Mines (Francia) en 2005 (en francés); el Marionetas de Lund (Suecia) en 2006 (con traducción simultánea al sueco); el Encuentro Internacional de Teatro de San Cristóbal (Venezuela) en 2006; el Kuohsiung de Taiwan en 2008 (en inglés con traducción simultánea al chino); y el de Teatro dirigido a la Infancia (FITI) de San Salvador (El Salvador) en 2010. Además, en 2006 se produjo su estreno en euskera en el centro cultural de San Antonio de Etxebarri, en Bilbao.Después de doce años en gira, y tras la buena acogida que ha recibido en cada uno de los lugares donde se ha representado, la compañía Sol y Tierra mantiene “La princesa y el dragón” en su repertorio actual.

La princesa AnaGanó el premio “¡Sal a escena contra la discriminación!”

La princesa y el dragónAlcanzó su representación número mil



instalacionesD.A.S. Audio

En el Paradise Theater de Nueva York

Industrias JosperFabrica las nuevas butacas del Teatro Campoamor de Oviedo

entrevistaMaurizio Noris

Peroni

el mundo del espectáculo teatralentrevista equipamiento

Cuándo y en qué circunstancias te incorporas a la dirección de Peroni?

- En el año 2000, después de 20 años de actividad dedicados exclusivamente al teatro, Peroni se había convertido en una empresa líder en el sector. Desgraciadamente, ese mismo año Michele Peroni falleció en un desafortunado accidente de tráfico a la edad de 45 años. Su esposa, Betty, decidiría ocuparse

personalmente de la empresa mientras sus hijos, que por entonces eran muy jóvenes, terminaban sus estudios para poder continuar posteriormente el trabajo iniciado por su padre. Así que acudió en busca de asesoramiento y ahí es donde comienzo mi trabajo como gestor y asesor.Betty demostró tener una capacidad organizativa fuera de lo normal y después de los años transcurridos su proyecto ha

tenido un éxito rotundo, logrando que hoy por hoy sus hijos trabajen en la empresa familiar. Alessandro, que es el varón de la familia, es licenciado en Ingeniería Mecánica y se encarga principalmente de los proyectos, mientras Serena, licenciada en Economía Empresarial, se ocupa de una parte de la gestiones organizativas de la empresa.Betty sigue supervisando personalmente los departamentos de producción de los tejidos, en la costura y en la producción de las pantallas, mi función en la empresa es la de dirección general a nivel administrativo.- ¿Cuándo se implanta definitivamente Peroni en España y cómo ha ido evolucionando en nuestro mercado?- Peroni llega a España en 1990 y se convierte en poco tiempo en la principal empresa productora de vestimenta teatral, pantallas, y tejidos escénicos, siendo la marca más reconocida por los profesionales del sector.Desde abril de 2010 nuestro nuevo consultor para el mercado español es Javier Moreno Cuervas, quien incorporó a la estructura organizativa a Moisés

Maurizio NorisPeroni “Las artes escénicas están

muy sometidas a la moda, a veces algunos materiales se olvidan durante años y luego algún escenógrafo se acuerda de repente de que existen y en ese momento todos demandan nuevamente ese producto”

Peroni es hoy en día una de las marcas más reconocidas mundialmente en el sector de los mate-riales para escenografía. Se trata de una empresa familiar cuya historia se remonta más de dos-cientos años. Comienza en 1798 en Gallarate, localidad del norte de Italia con una larga tradición en la industria textil donde los Peroni deciden fundar su manufactura de tejidos de algodón. No fue hasta el siglo XX, en el periodo comprendido entre las dos guerras mundiales, cuando la fábrica se convirtió en proveedora de tejidos para los teatros más famosos del país, en particular del Teatro Alla Scala de Milán, que hoy en día continúa siendo uno de sus principales clientes. Sin embargo, la especialización definitiva en la fabricación de materiales para artes escénicas no llegó hasta los años 80 del siglo pasado, ya que el heredero del negocio en esos momentos, Michele Peroni, era un gran amante del teatro, por lo que decide además ampliar la producción con un departamento de mecánica teatral, comenzando a fabricar pantallas para proyecciones y retro proyecciones, suelos para danza y una extensa gama de equipamiento escénico. Actual-mente, aunque continúa siendo esencialmente una empresa familiar, en su equipo directivo cuenta con Maurizio Noris, quien en esta entrevista nos da más detalles sobre la historia de la firma y la implantación que ha alcanzado en nuestro país.

De izda. a dcha: Maurizio Noris junto a los responsables de Peroni en España, Javier Moreno y Moisés Robles.



equipamientoRobles Gutiérrez. Ambos poseen una larga experiencia en el sector teatral y tienen capacidad para poder asesorar y asistir a cualquier tipo de cliente.Este año será muy importante para nosotros, ya que empezaremos a ofrecer cursos de formación dirigidos a los diferentes colectivos estudiantiles que están en estos momentos formándose para el sector de las artes escénicas. Es nuestra gran apuesta para 2011.- ¿Para qué montajes ha desarrollado últimamente su trabajo Peroni?- El último acontecimiento en el que hemos trabajado ha sido un gran evento de la Fundación Rafa Nadal, para la que hemos preparado un ciclorama en tela de más de 200 metros instalado en el patio del Ayuntamiento de Madrid, con diferentes confecciones decorativas.En ese caso en concreto Javier y Moisés demostraron su capacidad para solucionar en un tiempo récord cualquier problema que pudo tener nuestro cliente.- ¿Cuál es la oferta de productos y servicios de Peroni? ¿Se limita a suministrar una serie de materiales o siempre se implica en el diseño de cada escenografía?- La oferta de productos de Peroni comprende desde tejidos ignífugos para escenografía, terciopelos, telas, tul, paños, fondos y telones de tejido, pantallas para proyecciones y retro proyecciones, suelos para danza, materiales espejo, plataformas modulares, rieles, pasando por equipos mecánicos para telones y para escenario, etcétera.Normalmente la relación con el cliente se limita al suministro de los materiales, pero los clientes más asiduos saben que la empresa está a su disposición, con su propia experiencia y con la de Javier y Moisés pueden encontrar soluciones o ideas escenográficas de un alto nivel.- ¿Tiene Peroni su propio departamento de I+D en el que se investiga sobre nuevos materiales o soportes?, ¿ha introducido innovaciones en este campo?- La empresa no tiene un departamento de I+D específico, más bien podríamos decir que cada una de las personas que trabajan para Peroni es potencialmente un empleado del I+D. A lo largo de los años todos los trabajadores que están en contacto con los clientes han tenido la ocasión de ocuparse de estudiar un producto nuevo y de investigar para desarrollarlo.Esto ocurre en el 90% de los casos cuando el cliente solicita algún producto o sistema que no se encuentra en nuestro catálogo ni en el de otras compañías del sector.

Si esa petición del cliente es juzgada de interesante, la persona de Peroni que está contacto con él está autorizada para desarrollar el producto y, si es posible, probarlo con el cliente. Naturalmente, durante ese trabajo de desarrollo el personal de Peroni que asume el reto tiene detrás la responsabilidad y el soporte de toda la empresa.Puedo poner un ejemplo que ocurrió recientemente y justamente a mí, que

no tengo normalmente contacto con los clientes. A principios del mes de enero de 2010 recibí una consulta desde España, de 3D Escénica por parte de Eduardo Moreno. Es una empresa que se ocupa de planear espectáculos y escenografías muy diversas.Eduardo necesitaba un sistema para levantar un fondo de tul en un teatro de Roma durante un espectáculo de María Pagés. El fondo tenía que subir muy rápidamente (un metro por segundo) y en el teatro no existía el espacio para hacerlo subir como si de un telón en guillotina se tratara, por lo tanto, hizo falta enrollarlo en un sistema totalmente desarrollado ex proceso para esa idea, con la complejidad que supone siempre enrollar un tejido sin que se arrugue.Para esto se precisaba de un enrollador motorizado muy veloz, pero que además se pudiera montar y desmontar de forma rápida, para lo que utilizamos como tambor unos trusses, que normalmente se utilizan para realizar estructuras, de modo que

pudiéramos configurarlo para transportarlo de un teatro al otro.En el curso de quince días Eduardo y yo habíamos hablado e intercambiado una infinidad de correos electrónicos para poder hacer el proyecto, finalmente se realizó la prueba en el propio teatro de Peroni, una sala que poseemos en nuestra fábrica de Gallarate donde podemos hacer cualquier tipo de ensayo. El enrollador mecánico funcionó exactamente tal y

como Eduardo deseaba; se le envió un vídeo, el cual visionó, aprobando el producto. En la actualidad la producción de María Pagés está todavía utilizándolo. Este es un ejemplo de cómo yo personalmente realicé un I+D en contacto directo con el cliente. Nos consta que en la actualidad no existe en el mercado un sistema como este.En cuanto a otras innovaciones, desde hace una decena de años Peroni es pionera y hemos estado a la vanguardia de las impresiones digitales sobre fondos para retroproyección de gran tamaño, que posteriormente han sido imitados por todas las firmas del sector que se ocupan de este producto. También hay que mencionar la producción de fondos de “Espejo Mágico”, que son muy demandados actualmente y es un producto que llevamos muchos años estudiando.- ¿Cómo ha evolucionado la demanda de los clientes y el diseño escenográfico en general? - En el curso de los últimos 30 años se han introducido los materiales ignífugos en casi el 90% de los

productos, posteriormente, se han difundido las pantallas para retroproyección que tanto éxito han tenido y tienen en estos años, y en estos momentos, como decía antes, están muy de moda los materiales espejo y los fondos de hilos Tripolina.Las artes escénicas están muy sometidas a la moda, a veces algunos materiales se olvidan durante años y luego algún escenógrafo se acuerda de repente de que existen y en ese momento todos demandan nuevamente ese producto. Los fondos de hilos Tripolina, por ejemplo, forman parte del catálogo de Peroni desde hace 30 años, pero en la actualidad es como si los escenógrafos los hubieran descubierto en estos últimos tres o cuatro años. Ahora todo el mundo solicita este producto para sus diseños, pero es posible que dentro de uno o dos años este material vuelva al cajón de los “olvidos” si otra tendencia le gana la partida. Es por esto que Peroni siempre estará con el sector para innovar y descubrir con todos sus clientes lo nuevo o redescubrir tendencias pasadas.

Imagen histórica de la familia Peroni frente a su manufactura de tejidos de algodón en Gallarate.

el mundo del espectáculo teatralinstalaciones


equipamiento

El pasado 22 de octubre tuvo lugar en Oviedo la trigésima edición de entrega de los Premios Príncipe de Asturias. El teatro Campoamor de la capital del Principado

ofrecía para la ocasión un aspecto inmejorable, gracias a la instalación de más de ocho-cientas nuevas butacas del patio, piso principal y primer anfiteatro, así como unas 200 sillas de los palcos del recinto: en total, algo más de mil de las 1.440 localidades de que consta el emblemático teatro ovetense. El encargo fue realizado por el Ayuntamiento de Oviedo a la empresa alicantina Industrias Josper, empresa que ya había suministrado esas instalaciones en la completa reforma que se realizó en 1983 dentro del Plan de Rehabilitación de Teatros Antiguos desarrollado por el antiguo MOPU. José Ángel González Pérez, presidente de la empresa, afirma que la reforma se realizó el tiempo récord: “en poco más de un mes. Recibimos el encargo a principios de septiembre y estuvo completamente listo para la entrega de los premios”. Fernando Portero, director de la delegación sevillana de Josper, recalca que “la reforma no interfirió en la programación del teatro, que no llegó a estar inactivo ningún día”. Entre las instalaciones de butacas llevadas a cabo por Josper en los últimos años desta-can las desarrolladas en el teatro Romea de Murcia, el Gran Teatro de Cáceres, el Audi-torio de Villajoyosa, o el teatro Tuschinski de Amsterdam. Y entre sus próximos encargos figura el Auditorio Provincial de Alicante y el Auditorio de Águilas, en Murcia.

Industrias JosperLa firma alicantina instala en tiempo récord las nuevas butacas del Campoamor de Oviedo

El Paradise Theater es uno de los desti-nos preferidos de la ciudad de Nueva

York. Con 80 años de antigüedad y una ca-pacidad de 3.785 espectadores, acoge ar-tistas y espectáculos de todos los géneros. El recinto ha sido recientemente equipado con un sistema de sonido line array Aero de la firma valenciana D.A.S. Audio. El Inge-niero Fernando García, de AVS Production Group, con sede en el Bronx neoyorquino, ha sido fundamental en el estudio, elección y configuración del equipamiento sonoro. El sistema principal está formado por veinte unidades de sistemas D.A.S. Aero 50 más otros cuatro módulos Aero 12A. “El reto de mejorar el sistema de sonido se complicó por la naturaleza del ornamento de la sala. En principio pensamos en un sistema con todos los elementos volados para dar cobertura, tanto a la zona principal como al anfiteatro. Sin embargo, teníamos limitaciones para suspender tanto peso sin modificar la estructura del techo y fue des-cartado por motivos estéticos. La solución para ofrecer la cobertura más uniforme posi-ble era la combinación de sistemas volados y apilados”, afirma Fernando.El equipo F.O.H. de la sala del Paradise Theater está compuesto por dos formaciones lineales de diez unidades D.A.S. Aero 50, situadas a cada lado del escenario. Seis de estos recintos están volados y los otros cuatro apilados sobre el propio escenario alineados verticalmente con los anteriores. Estos sistemas reciben la correspondiente amplificación de señal por medio de etapas de potencia Lab.Gruppen de cuatro cana-les. Las labores de front fill las realizan cuatro sistemas autoamplificados D.A.S. Aero 12A distribuidos uniformemente en la parte frontal. La gestión del sistema se realiza a través de un procesador digital de señal D.A.S. DSP-4080.Durante la instalación del equipo Fernando García se mostró realmente muy satisfecho no sólo con las prestaciones del mismo, sino también con el soporte técnico recibido por parte de la empresa D.A.S. Audio. “Desde el primer momento el equipo técnico de D.A.S. fue un gran apoyo. Nos asistieron en la simulación del sistema, realizada con el programa EASE Focus, y fueron de gran ayuda resolviendo cuantas dudas fueron surgiendo durante el proceso”.

el mundo del espectáculo teatralinstalaciones


equipamiento

D.A.S. AudioSistemas Aero en el Paradise Theater de Nueva York

La capacidad total del recinto se sitúa en 3.785 espectadores.

Un total de veinte sistemas D.A.S. Aero 50 y cuatro Aero 12A se han instalado en el Paradise Theater de Nueva York.

el mundo del espectáculo teatralreflexión


la última

El pasado 17 de diciembre tuvo lugar en Madrid una conferencia

estatal de los sectores profesionales y empresariales de la cultura. El objetivo principal era que las organizaciones par-ticipantes –cerca de sesenta– suscribie-ran un acuerdo de mínimos “en defensa de la cultura como factor de crecimiento que todos los sectores culturales poda-mos impulsar y defender y concretados en un Pacto por la Cultura”. El objetivo no podía ser más noble, necesario y ur-gente. La Cultura, en toda Europa, está siendo sometida por todos los gobiernos a fuertes reducciones presupuestarias, expresión del escaso valor estratégico que se le asigna, y prueba palmaria de que cuando llegan tiempos de recortes, aquellos que se relacionan con el alma son los primeros en producirse. Obvia-mente cada cual suprime aquello que considera menos relevante en su vida o en la de la sociedad a la que supuesta-mente sirve.En nuestro país la situación es verdaderamente dramática. Durante décadas las políticas públicas han mantenido la creación y la exhibición culturales bajo la financiación y la tutela de las instituciones, dificultando su crecimiento autónomo como sector económico. La crisis que no cesa pone en peligro cierto no solamente la cantidad y la calidad de las prácticas culturales disfrutadas hasta el presente por los ciudadanos, sino la subsistencia misma de buena parte del tejido que las sostiene: museos, compañías, empresas, galerías, productoras audiovisuales, editoriales… En fin, que un encuentro como el mencionado, destinado a unificar análisis y proponer salidas, ha de ser recibido como una iniciativa imprescindible. De hecho, y es lo primero que hay que decir en su favor, muestra la madurez del sector cultural –extraordinariamente atomizado y escasamente industrializado– y su capacidad por ponerse de acuerdo al menos en las grandes líneas diagnósticas del problema de la Cultura en España. Por una parte, las cuestiones relacionadas con aspectos económicos:

Pacto por la cultura: las cosas ocurren porque alguien las haceHace unas semanas se reunieron en Madrid diversas asociaciones profesionales y empresariales del mundo de la cultura convocadas por la Federación de Asociaciones de Gestores Culturales. Una iniciativa muy positiva que debe tener continuidad. Nuestro colaborador, Robert Muro, comenta el documento aprobado en dicho encuentro y señala la necesidad de pasar de las palabras a la acción.

incrementos presupuestarios por un lado, reducciones fiscales, por otro, y, finalmente, una nueva ley de financiación de la cultura que promueva la entrada en ella de las empresas e instituciones privadas. Por otra parte, medidas llamémoslas políticas, que tienen que ver con la democratización de la cultura, la transparencia en la gestión, la participación de la sociedad en el devenir concreto de la cultura. El documento aprobado por las organizaciones asistentes, sin embargo, adolece de una redacción marcadamente “política” e incluso académica, lo que explica, en parte al menos, la práctica ausencia de reclamaciones de carácter programático concreto. Sus enunciados, con los que es difícil estar en desacuerdo, carecen de operatividad para hacer frente a los gravísimos problemas de la Cultura en España. Particularmente llamativo en este sentido es el epígrafe final denominado “acuerdos operativos”, que incluye compromisos más propios de una comisión parlamentaria que de un sector que tiene el agua al cuello: dar continuidad a la conferencia, poner en marcha grupos de trabajo intersectoriales, y asumir la difusión y defensa de los acuerdos adoptados.El sector de la Cultura necesita un programa concreto, liderazgo y acción. En mi opinión, esbozado el diagnóstico de la situación, hay que pasar urgentemente a la acción. Esa es la gran oportunidad que se abre tras esta conferencia, la de poner en marcha un programa de transformaciones urgentes, concretas y viables y orientadas tanto a dinamizar el sector económico cultural, como a garantizar a la sociedad un nivel de producción y de oferta adecuado a sus crecientes necesidades. Y aunque no es un artículo de este tipo el marco adecuado para enunciar esas medidas me animo, al menos, a esbozar tres: Una ley de incentivos fiscales a la financiación de la cultura que estimule la participación del sector privado y que sea aprobada, con acuerdo del sector, antes de que acabe la presente legislatura (puede servir de modelo de

referencia el francés, por ejemplo); la reducción al 7% de la fiscalidad de la cultura –producción y consumo–; y el establecimiento de sistemas de selección abiertos y transparentes y de la fórmula del contrato programa para el acceso a cualquier puesto de responsabilidad cultural pública.La implementación de un programa de mínimos requiere un liderazgo incontestable, requiere que la cultura unifique su voz exigente y que lo haga al margen de los partidos políticos. Las asociaciones del sector cultural, y entre ellas las empresariales en primer plano, deben asumir que en este momento histórico su responsabilidad en la generación de cultura les impone la responsabilidad añadida de impulsar y liderar las reformas políticas necesarias para garantizar su futuro. Y hacerlo lejos de las servidumbres del poder; al margen de los compromisos que el actual sistema de dependencia de las instituciones genera en las empresas culturales.Y, finalmente, hay que pasar de las palabras a la acción. Estas medidas mínimas de transformación deben ser impulsadas con decisión, sin rehuir la movilización. Es el menosprecio por la cultura y por su estratégico papel social lo que ha generado el conflicto. Es el abandono de partidos e instituciones el que ha creado esta situación. La cultura simplemente debe poner en juego su energía, su fuerza y mostrar ante instituciones y partidos que hay medidas que no se pueden demorar más. Por su papel social la cultura tiene voces dispuestas a que la sociedad conozca el problema. Dispone de la fuerza necesaria –en los teatros, en los museos, en la calle…– para mostrar que sin cultura no hay país. Hace unas semanas todo el sector de la cultura en Italia se paralizó durante un día obligando al ministro del ramo a replantearse los recortes presupuestarios. Y es que las cosas ocurren porque alguien las hace. Pues eso.

Robert Murowww.robertmuro.wordpress.com

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