1. 0

EL ARTE GRIEGO

CRONOLOGÍ

A

ACONTECIMIENTOS

HISTÓRICOS

ARQUITECTURA ESCULTURA

PERÍODO

ARCAICO

(S. VIII-VI

a. C.)

• Desde 800 a. C. aparición de la

escritura alfabética;

composición de la Ilíada y la

Odisea, poemas atribuidos a

Homero.

Origen y desarrollo de las poleis

• Expansión griega por el

Mediterráneo

Influencia cultural de Asia

Menor y Egipto

• Consolidación de la planta

rectangular con peristilo del templo

griego

• Aparición y definición de los órdenes

dórico y jónico

• Evolución del templo hacia

proporciones más armoniosas en planta

y alzado

• Nacimiento de los principales

santuarios de culto panhelénico de

Grecia

Influencia de la estatuaria egipcia

• Imágenes votivas: kuroi y korai

• Evolución desde el hieratismo y

esquematismo hacia formas

naturalistas.

• Obras:

- Moscóforo

- Kouroi: Kouros de Anavyssos, Cleobis

y Bitón

- Korai jónicas

PERÍODO

CLÁSICO

(S.V a. C.)

• Los persas invaden Jonia y

destruyen Mileto (494 a. C.);

estallan las guerras médicas

(490- 479 a. C.) y derrota persa.

477 a. C. fundación de la liga de

Delos bajo hegemonía ateniense

443- 429 a. C. Gobierno de

Pericles en Atenas

• Guerras del Peloponeso (431-

404) entre Atenas y Esparta

• Aparición del orden corintio

Reforma de la Acrópolis ateniense.

• Concepción antropocéntrica de la

política y la sociedad y principios

matemáticos

• Armonización exterior mediante

correcciones ópticas

• Programas decorativos en tímpanos y

metopas

• Obras:

- Partenón

- Erecteion

- Templo de Atenea Niké

- Propileos de la Acrópolis

• Idealismo.

• Búsqueda del equilibrio en la

proporción (Policleto), movimiento

(Mirón) y naturalidad sagrada (Fidias)

• Obras:

- Mirón: Discóbolo de

- Policleto: Diadúmeno y Doríforo

- Fidias: frontones, metopas uy friso

de las Panateneas del Partenón,

Atenea Parthenos, Atenea Promacos y

Zeus de Olimpia.

PERIODO

POST

CLÁSICO

(siglo IV a.

C.)

• Crisis de las poleis

• Tras la victoria de Queronea

(338) Filipo II de Macedonia

conquista Grecia

• Campañas de Alejandro (336-

323), que conquista el Imperio

Persa, Egipto y el valle del Indo.

• Influencia del colosalismo de las

escuelas de Asia Menor

Construcciones cívicas.

• Preferencia por el orden corintio.

• Obras:

- Linterna de Lisícrates

- Teatro de Epidauro

- Mausoleo (Halicarnaso)

• Imágenes melancólicas y sensuales

de dioses y hombres

• Aumentan el naturalismo, la

expresividad y el movimiento

• Obras:

- Scopas: Ménade danzante.

- Praxiteles: Hermes con Dionisos

niño, Venus de Cnido, Apolo

Sauróctono

- Lisipo: Apoxiómenos

PERÍODO

HELENÍSTIC

O

(S.III-I a.

C.)

• Fragmentación del imperio de

Alejandro y formación de los

reinos helenísticos en los que

destacan Pérgamo y Egipto.

• Síntesis entre la cultura

griega y las culturas de

orientales.

Cosmopolitismo, desarrollo de la

ciencia.

• Grandes construcciones y diseños

urbanísticos espectaculares.

• Monumentalidad

• Predominio del orden corintio

• Formas dinámicas.

• Obras:

- Altar de Zeus (Pérgamo)

- Templo de Zeus Olímpico (Atenas)

• Fin del equilibrio clásico: predominio

de temas sentimentales, dramáticos o

eruditos.

Realismo extremo

• Composiciones dinámicas, con

diagonales y espirales

• Intensidad en las expresiones

• Obras:

- Victoria de Samotracia

- Grupo de los Gálatas

- Laocoonte y sus hijos

- Venus de Milo

-Altar de Pérgamo

Contexto histórico y cultural

La civilización griega se desarrolló en un territorio más amplio que la Grecia actual y que abarcaba la

península de los Balcanes, la península del Peloponeso, la costa de Anatolia o Asia Menor y las islas del

mar Egeo y mar Jónico, el sur de Italia, la isla de Sicilia y algunos puntos de Mediterráneo.

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Hacia el año 1400 los aqueos

o micénicos invadieron y

ocuparon la Grecia

continental y las islas

próximas, donde levantaron

varias ciudades-fortaleza

como Micenas o Tirinto.

Hacia el 1200 a. C. una

segunda invasión, la de los

dorios, arrasó las ciudades

micénicas y sumió Grecia en

una regresión, la Edad

Oscura. Aunque eran pueblos

muy primitivos, tanto los

micénicos como los dorios

hablaban una forma primitiva de griego, y de ellos derivan las principales características de la cultura

griega, en especial el valor que daban al ser humano y a la vida política.

En los siglos VII y VI a. C., en la época arcaica, las civilizaciones orientales (fenicios, persas,

babilonios….) influyeron mucho sobre Grecia y contribuyeron al desarrollo del arte y de la filosofía,

sobre todo en la región de Jonia, en la costa de Anatolia, que era más refinada y abierta, mientras que

el Peloponeso quedó como una zona más tradicional y más austera. Entre ambas regiones estaba Atenas,

donde se dio una síntesis que tuvo grandes consecuencias culturales.

En esta etapa, algunas polis transitaron hacia formas de participación ciudadana y los aristócratas

perdieron poder frente al pueblo. En Atenas, esta evolución culminó con la democracia.

En el siglo V a. C. el imperio persa invadió la costa de Jonia y los griegos, que veían en él un gran estado

despótico, en el que todos los habitantes eran esclavos del Gran Rey, se unieron para frenarlo (las

Guerras Médicas). Vencieron e interpretaron la victoria como un triunfo moral, el de la razón y la

civilización contra la soberbia y la barbarie. Pero después, Atenas y Esparta se enfrentaron por la

hegemonía de Grecia en las llamadas Guerras del Peloponeso y Grecia cayó en una crisis

Entonces Filipo, el rey de

Macedonia (un pequeño y

casi bárbaro reino al norte

de Grecia) aprovechó la

debilidad de las polis para

conquistarlas. Su hijo

Alejandro heredó su imperio

y además conquistó

Mesopotamia, Egipto y

Persia y construyó el mayor

imperio conocido. A su

muerte, el imperio se dividió

en los llamados reinos

helenísticos, en los que la

cultura griega se extendió y

se fundió con las antiguas

culturas orientales.

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1. Las características esenciales del arte griego

Mientras que las culturas orientales (Egipto, Persia) tenían normas rígidas de representación y

de construcción de sus edificios que no cambiaron con el tiempo, el arte griego evolucionó

buscando la perfección.

Esto se debe a que los griegos daban mucha importancia al ser humano y querían que los

edificios y las esculturas fuesen agradables y comprensibles para los seres humanos, es decir,

que fuesen sencillas, armoniosas, naturales y bellas.

Para conseguir este ideal, los artistas griegos intentaron establecer normas, sobre todo

matemáticas, como la proporción o el equilibrio, pero también se fijaron en el mundo que les

rodea, buscando la naturalidad o la expresión del sentimiento. En esta búsqueda ensayaban y

rectificaban continuamente, buscando la perfección.

Esa perfección es lo que ha hecho que el arte griego se considere “clásico”, intemporal y

universal, valioso para todas las épocas y todos los seres humanos.

2. La arquitectura griega

La arquitectura griega es fundamentalmente cívica: los edificios estaban destinados a la vida en común.

Los edificios eran todos arquitrabados, es decir, tienen el techo plano, sin bóvedas, cúpulas ni arcos,

estaban construidos con muros de piedra labrada en forma de sillar, columnas de diferentes órdenes y

vigas y techo de madera, sobre los que se levantaba un tejado, por lo general a dos aguas.

1.1. Los edificios civiles.

Los griegos pensaban que los individuos solo

podían alcanzar la virtud y la felicidad viviendo

en una ciudad (polis) y los edificios públicos y

la forma misma de la ciudad estaban diseñados

para favorecer esa vida ciudadana.

Así se fueron definiendo espacios públicos,

como el ágora (plaza que servía como lugar de

mercado y de discusión política), las distintas

stoai (en singular stoa), pórticos que se

levantaban alrededor del ágora para que se

reunieran y encontraran los ciudadanos.

También los templos y los teatros tenían un significado cívico; en las primeros se realizaba el culto a los

dioses de la ciudad y en los segundos se representaban tragedias y comedias que abordaban los

conflictos morales y religiosos de la vida ciudadana.

1.2. El templo griego:

Estructura y planta

El templo era el edificio más importante en la ciudad griega. Un templo era la morada de un dios o diosa

y no un lugar de reunión: los sacrificios se desarrollaban en altares que se alzaban ante ellos y por eso

su aspecto interior tenía escasa importancia, mientras que el exterior estaba mucho más cuidado.

El templo de planta rectangular era el más frecuente. Los primitivos templos eran de madera; a partir

del siglo VII a. C., por influencia egipcia, se empezaron a construir con muros de piedra y se rodearon

de una columnata o peristilo.

También había templos de planta circular, los tholoi (en singular, tholos), pero eran poco frecuentes.

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El templo tiene muros gruesos y lisos, sin vanos y construidos con sillares bien labrados y

perfectamente encajados entre sí, en ocasiones con grapas metálicas. El techo es plano y se extiende

sobre un entablamento. Tiene pórticos con columnas en uno o dos de los lados cortos y, en muchos

casos, un peristilo o columnata que lo rodea por completo. Todo el conjunto está protegido por un

tejado a dos aguas o vertientes entre los que quedan dos espacios triangulares o frontones.

Elementos de la planta del templo griego.

Pronaos. Se trata de una especie de vestíbulo. Suele

ser un habitáculo de tamaño reducido.

Naos o cella. Es propiamente el templo, donde se

guarda la imagen de la divinidad.

Opistodomos El espacio donde se custodian el tesoro

del templo y los objetos rituales

Uno o dos pórticos en los lados cortos.

Peristilo Columnata que rodea el templo.

Por la disposición de los pórticos los templos pueden

ser:

In antis Tienen dos columnas entre los muros

de los lados largos (antae) la fachada

principal.

Períptero El edificio está completamente

rodeado por una columnata o peristilo

Pseudoperíptero Las columnas están adosadas

a los muros del edificio.

Próstilo Tiene un solo pórtico

Anfipróstilo Tiene dos pórticos.

Según el número de columnas de cada lado corto

hablamos de templos tetrástilos (4), hexástilos (6),

octástilos (8) y así sucesivamente.

Los órdenes griegos

Los órdenes son diferentes estilos o tradiciones constructivas que los arquitectos seguían para

levantar los templos, cada uno con determinados elementos; por lo general, los arquitectos no

mezclaban los diferentes órdenes.

El orden dórico es propio del Peloponeso y la Grecia continental; es un orden muy tradicional y

recuerda a los primitivos edificios de madera (por ejemplo, los triglifos y las metopas

recordaban las cabezas de viga y las placas cerámicas que había entre ellas).

El orden jónico procede de la costa de Asia Menor y tiene mucha influencia oriental; es más

decorativo (los capiteles tiene volutas, que vienen de la decoración vegetal) y es más estilizado

(las columnas son más altas y delgadas).

El orden corintio apareció ya en época clásica (siglo V a. C.) y fue el preferido de los romanos.

Es muy parecido al jónico pero en lugar de volutas tiene hojas de acanto.

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Para conseguir un aspecto armonioso, los órdenes seguían normas matemáticas, pero también

incorporaban correcciones que las ajustaban a las condiciones de la visión humana, como el éntasis o

abombamiento de las columnas, el mayor tamaño de las columnas de los extremos, etc.

2. 3. Evolución de la arquitectura griega

Período Arcaico (s.VII-VI a. C.)

Solo conservamos templos arcaicos del orden

dórico (los templos jónicos de esta etapa, que se

encontraban en Asia Menor, fueron destruidos

durante las Guerras Médicas y en época

helenística).

Los templos dóricos más arcaicos tienen un

aspecto masivo y recio, columnas de fustes

gruesos y cortos y éntasis acusado, capiteles

voluminosos (cuyos equinos tienen perfil convexo)

y entablamentos anchos y pesados; la planta suele

ser alargada. Pero, progresivamente, las

proporciones se fueron haciendo más gráciles: las

columnas se alargaron y estrecharon y los

capiteles perdieron volumen.

Ejemplos de templos arcaicos son los de Hera en Olimpia (finales del VII a. C., muy alargado) y, ya en

el siglo VI a. C., los templos de Apolo en Corinto, de Apolo en Delfos y Poseidón en Paestum (Magna

Grecia).

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El templo de Atenea Afaya (invisible) en Egina, isla muy próxima a Atenas, es un ejemplo de templo de

la transición del arcaísmo al clasicismo: tiene proporciones casi clásicas (doce columnas en el lado largo

y seis en el más corto), y los volúmenes de todos sus elementos son muy armoniosos entre si.

Siglo V a. C

La arquitectura clásica se caracteriza por la armonía en la construcción y la ornamentación y por el

equilibrio como entre las normas matemáticas y la percepción humanas.

Los templos clásicos más importantes de esta etapa están en la Acrópolis de Atenas. Entre los años 480

y 479 a. C., durante las guerras médicas, los persas saquearon la Acrópolis y destruyeron sus templos.

Tras la victoria, Pericles, el arconte de Atenas, hizo reconstruir los templos para simbolizar la victoria

moral de los griegos frente a los persas, y el liderazgo de Atenas en la Hélade.

ANÁLISIS DE OBRAS DE ARTE

El Partenón

Identificación

El Partenón fue erigido entre 447 y 432 a.

C. por los arquitectos Ictinos y Calícrates

bajo la supervisión de Fidias y dentro del

proyecto de restauración de la Acrópolis

emprendido por Pericles. Estaba

consagrado a Atenea Partenos (Atenea

Virgen).

Análisis

El Partenón, construido con mármol del

Pentélico, es un templo dórico, anfipróstilo,

períptero y octástilo. El interior está

dividido en tres partes: pronaos, naos y

opistodomos; en los accesos a la naos y el

opistodomos hay pórticos con seis columnas. En la naos o cella hay una columnata dórica que tenía forma

de U y doble altura para dejar espacio a la imagen de oro y marfil de Atenea, obra de Fidias, de doce

metros de altura. El opistodomos no tenía acceso desde la cella y en su interior se elevaba una

estructura formada por cuatro columnas jónicas.

Sobre el estilobato o parte superior del podio se erigen las columnas dóricas, sin basa y con un fuste

poderoso de altura moderada, claramente visible gracias las aristas vivas. Una sutil moldura, el

collarino, anticipa el capitel que está formado por ábaco y equino y ofrece un aspecto sobrio y

geométrico.

Sobre las columnas se levanta el entablamento, formado por el arquitrabe, sin decoración, y el friso,

decorado con metopas y triglifos; sobre ellos se apoyaba la cubierta a dos aguas que en cada lado menor

se cierra con un frontón.

Se trata de una construcción armónica y equilibrada; en planta, guarda una proporción de 8 X 17 (ocho

columnas en el lado corto y diecisiete, es decir, el doble y una más, en el lado largo). Además para

establecer la symmetría o proporción del conjunto, entre las dimensiones de todos los elementos hay

una razón matemática sencilla, la que existe entre el 2 y el 3 y sus cuadrados, el 4 y 9. No obstante, los

arquitectos introdujeron sutiles correcciones: el estilobato está abombado, las columnas están

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inclinadas hacia el interior, las de los extremos son más anchas y están más juntas, etc. De esta forma

compensaban el efecto que hubiera producido una construcción rigurosa, que bajo las condiciones de la

visión humana hubiera resultado irregular, buscando, no la perfección material, sino la armonía visual.

Hay además en esta obra influencias jónicas: la columnas son bastante estilizadas y el peristilo es muy

amplio, con ocho columnas en cada fachada (en vez de seis, como era tradición en el dórico); además el

templo tiene un friso corrido (si bien en el interior del peristilo), el que representa la procesión de las

Panateneas.

Significado:

Este templo soberbiamente emplazado era un símbolo del triunfo de Atenas sobre los persas y de su

preeminencia sobre las demás polis griegas, pero no atribuyéndose directamente el mérito de la

victoria, sino glorificando a su diosa titular, Atenea. Las esculturas de Fidias contribuían a este

significado, celebrando los mitos más importantes de la diosa y la procesión en la que todos los

atenienses le rendían culto; incluso las metopas, en las que se representaban combates contra los

centauros, las amazonas y los troyanos, aludían a la lucha de la civilización, que Atenas pretendía

encarnar, contra la barbarie, imagen misma de los persas derrotados. También las influencias jónicas

tenían un sutil significado: los griegos iniciaron la guerra contra los persas para defender las ciudades

jónicas, de las que Atenas se presentó, una vez terminada la guerra, como protectora y heredera.

Además del Partenón sobre la Acrópolis se edificaron dos

templos más:

Templo de Atenea Niké. Estuvo consagrado a Atenea

victoriosa y se levantó para conmemorar la paz de Nicias de

421 a. C., que ponía término a los primeros diez años de la

Guerra del Peloponeso. Es un templo jónico, tetrástilo y

anfipróstilo, y en el interior solo hay un espacio, la cella. Fue

diseñado por Calícrates, y se eleva presidiendo la vía sacra,

junto a los Propíleos, como si fuera un monumento

conmemorativo.

Erecteion. Mnesicles proyectó el Erecteion, que fue

levantado entre los años 421 y 406 a. C. Es un templo jónico

de planta irregular que en realidad acoge distintos altares y

espacios sagrados; desde el pórtico norte se accedía al

santuario de Atenea Políada (Atenea como protectora de la

ciudad), en el que estaba la imagen más antigua de la diosa y a la que todos los años, en la fiesta de

las panateneas, se entregaba un peplo nuevo;

desde el pórtico oriental, que está a mayor altura,

se accedía a diferentes santuarios entre los que

destacaban los de Poseidón y el de Erecteo, dios

ancestral de Atenas que da nombre al conjunto.

En el sur está el pórtico de las cariátides, que

enlaza este templo con el Partenón y en el que

estas figuras femeninas, obra de Alcámenes

(discípulo de Fidias) hacen la función de columnas.

El Erecteion es una de las construcciones más

meritorias y refinadas del mundo antiguo, sobre

todo en sus detalles constructivos y decorativos;

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la irregularidad de su planta tiene relación con la situación espiritual de la época en que se

construyó, en la que estaba renaciendo el respeto hacia las divinidades ancestrales, que solo esta

solución ingeniosa podía salvar.

Otros templos clásicos del s. Va. C.

La ciudad de Atenas mandó levantar en Delfos un pequeño

templo conmemorativo o tesoro y que se conoce como el

Tesoro de los atenienses, para agradecer a Apolo el oráculo

que vaticinó la victoria de Maratón. Es dórico y tiene dos

columnas in antis y una sola nave; es muy pequeño, pero muy

armonioso.

También en este siglo fue erigido en el santuario de Olimpia el

templo de Zeus.

En el Ática y contemporáneos del Partenón hay dos templos

dóricos más: el Teseion, consagrado a Teseo, rey mítico de

Atenas, está construido en mármol y aun se alza muy bien

conservado en el ágora de Atenas; y el templo dedicado a

Poseidón en Cabo Sunion, a las afueras de Atenas, que está al

borde de un acantilado.

El siglo IV a. C.

En esta época se difundió un tipo de templo nuevo: el

tholos, de planta circular y relacionado con el culto a

héroes o antepasados divinizados; desconocemos a quién

estuvo consagrado el llamado tholos de la Marmaria,

cerca de Delfos, que tiene un peristilo circular dórico.

También se levantó en esta época el Mausoleo de

Halicarnaso, una tumba monumental que hizo levantar

Mausolo, un sátrapa persa de la provincia de Caria. Este

edificio seguía el modelo de las grandes tumbas

monumentales de oriente y fue un importante precedente

de las tumbas monumentales de época romana.

En el siglo IV a. C. el teatro griego adquirió su forma

definitiva. Tenía un recinto circular en el que el coro

declamaba (orquestra) y un escenario sobre el que

hablaban los actores (skaena), con decorados y

tramoyas; los espectadores se sentaban en un

graderío (theatron). Las representaciones teatrales

tenían mucha trascendencia en la vida cívica.

Uno de los mejores teatros de Grecia está en

Epidauro y fue construido hacia el año 300 a. C. Podía

albergar en torno a 12000 personas y tiene una

acústica excelente; en su sencillo diseño se ve cómo

los griegos adecuaban perfectamente la forma de una

construcción a la función a la que estaba destinada.

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Período Helenístico (último tercio s.IV-Ia. C.)

En esta época, por la influencia de las culturas orientales, la arquitectura se hizo más monumental y

efectista: los edificios formaban parte de conjuntos urbanísticos espectaculares, con escalinatas y

terrazas y tenían mucha decoración, tanto de elementos arquitectónicos como de esculturas. Se

utilizaban materiales nobles como los mármoles policromos y los órdenes jónico y dórico fueron

desplazados a favor del corintio, mucho más decorativo.

El altar de Zeus en Pérgamo, que

fue erigido por el rey Eumenes II en

el siglo II a.C., tiene una escalinata

en el centro, un gran zócalo con

relieves (que estudiaremos en la

escultura) y una columnata corintia

con forma de U.

El Templo de Zeus olímpico de

Atenas, el llamado Olimpeion fue

sufragado por el rey seleúcida

Antioco IV en el siglo II a.C. pero se

concluyó en tiempos del emperador Adriano (131 d.C.). Es un templo corintio con doble peristilo de

proporciones gigantescas.

3. La escultura griega

Las primeras esculturas griegas eran de madera y apenas han llegado hasta nosotros. En época arcaica

(siglos VII y VI a. C.), por influencia de Egipto, los escultores griegos comenzaron a utilizar la piedra, y

sobre todo el mármol, para tallar sus imágenes, que siempre estaban policromadas; más tarde

introdujeron el bronce fundido, con el que podían realizar estatuas en prefecto equilibrio.

Las esculturas griegas son relieves (adosados a las paredes de los edificios) o esculturas exentas o

de bulto redondo.

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Son esencialmente religiosas: exvotos (representan a un devoto o un fiel que adora a un dios) o

representaciones de dioses y de sus mitos.

Los griegos concebían a sus dioses como seres poderosos e inmortales pero también similares, en su

aspecto y temperamento, a los seres humanos y también veían en los seres humanos algo de divino

y eterno.

Para expresar esta naturaleza sagrada y terrenal, humana y a la vez divina, de hombres, mujeres y

dioses, los escultores griegos procuraban que las imágenes no tuvieran rasgos individuales, signos de

la edad, y todas las cosas que diferencian a un individuo de otro, sino que fuesen intemporales,

ideales, no solo en sus rasgos de la cara o en la forma del cuerpo, sino también en sus proporciones

y disposición en el espacio.

Pero todo esto lo fueron logrando con el tiempo, a través de una

evolución.

3.1. Período Arcaico (siglos VII-VI a. C.)

Las imágenes arcaicas que han llegado hasta nosotros (del siglo VI

a.C.) son sobre todo exvotos, figuras de bulto redondo que los fieles

entregaban a un templo o hacían levantar junto a un altar o en un

santuario para agradecer a la divinidad una victoria o un favor o

simplemente como símbolo de devoción.

Entre este tipo de figuras están los llamados kouroi (en singular

kouros), representaciones de jóvenes desnudos (porque son héroes),

de tamaño real o algo mayor que el natural. Aunque son obras bien

proporcionadas, son muy poco naturales y tienen las convenciones

propias de las imágenes sagradas: son rígidas y estáticas y no tiene

expresión; por influencia de las esculturas egipcias tiene un pie

adelantado, pero no caminan con naturalidad, y son frontales: su

rostro y todo su cuerpo se orientan solo hacia el frente, donde está el

dios o diosa; su rostro está atento e

inexpresivo, con una sonrisa que no

significa sentimiento alguno, sino el aire ausente y la fascinación de

quien está ante los dioses. Los rasgos de la cara y las partes del cuerpo

están definidos con líneas geométricas y también el pelo está hecho de

forma esquemática. Con el tiempo, las figuras adquirieron volumen, los

rasgos de la cara se hicieron más naturales y los músculos y las partes

del cuerpo, en vez de separados por líneas, aparecen modelados.

Muchos de los kuroi representan a particulares que realizaron alguna

acción especialmente devota, como los hermanos Cleobis y Bitón, que

arrastraron un carro en una procesión religiosa, o que han vencido en

juegos y competiciones (Kouros de Anavyssos), que para los griegos

eran también una forma de sacrificio religioso. El Jinete Rampín, que

aparece montado a caballo, pertenecería a este mismo grupo.

También son figuras votivas las llamadas korai (en singular, Kore),

muchachas vestidas que aparecen levantando una mano, como

ofreciendo algo a la divinidad. Como los Kouroi, son frontales, estáticas

y tienen sonrisa arcaica. Destacan las llamadas Korai jónicas de la

Acrópolis de Atenas, denominadas así por su atuendo (con una túnica

ligera y un manto, característico de esta región) y cuyos vestidos y

1. 10

cabellos están realizados con primorosos detalles decorativos; la llamada Koré del Peplo lleva en cambio

atuendo ático y es más sobria.

El Moscóforo es una escultura que representa a un muchacho vestido que lleva a sus hombros como

ofrenda un becerro; aparece vestido, porque no se trata de un héroe, pero la anatomía se adivina a

través de la ropa; los brazos forman un aspa con las patas del becerro y proporcionan a la figura una

composición sencilla y rigurosa muy característica del mundo arcaico.

3.2. La transición al clasicismo.

Durante la segunda mitad del siglo VI a. C. y la primera del siglo V a. C. los escultores se esforzaron por

crear figuras vivas, con una presencia más real e inmediata y más naturales. Para lograrlo, se dedicaron

a observar a personas reales en acción (por ejemplo, los cambios y la tensión de sus músculos en

movimiento) y comenzaron a abandonar los esquemas geométricos de la época arcaica.

Las figuras de esta etapa ya no están rígidas y frontales sino que parecen moverse. En los frontones

del templo de Atenea- Afaia en Egina, que representan dos episodios de la guerra de Troya, los

guerreros en combate están representados en posturas diversas y de forma natural, los cuerpos

parecen tener peso real y los músculos se tensan y relajan de

forma convincente.

En el frontón más reciente de los dos, realizado ya a principios

del siglo V a. C., la representación de las figuras avanzó un paso

más y éstas perdieron la sonrisa arcaica; a cambio, adoptaron

una expresión seria que ha hecho que este estilo también se

llame “severo”.

Esta misma característica se observa en los frontones del

templo de Zeus en Olimpia, realizados entre el 465 y 457 a. C.,

que representan dos mitos, en uno de los cuales aparece el

propio dios Apolo,

lleno de nobleza y

majestad.

Pocos años más

tarde las figuras se

volvieron aún más

naturales y

desapareció la geometría del cabello y de las ropas, y en su

lugar aparecieron pliegues y mechones más naturales;

también se empezó a romper la simetría de las figuras,

tanto en el rostro (que adquiere así un aspecto mucho más

humano) como en la disposición del cuerpo. Esto se

advierte en el auriga de Delfos, que aparece ligeramente

girado, con el gesto anhelante y contenido del que está

bajo la tensión de la carrera pero también seguro de la

victoria, con líneas escuetas y precisas pero con ligeras

irregularidades (en la altura de los ojos, los pliegues de la

túnica, la forma de la cabeza) que le imprimen viveza.

El Poseidón de Artemision aparece en tensión, con el

cuerpo desplegado para lanzar el tridente, rompiendo por

completo la frontalidad pero sin que el esfuerzo altere la

expresión grave de su rostro.

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3.3. El primer clasicismo (siglo V a. C.)

A mediados del siglo V a. C. se inició la etapa clásica. Tras la victoria definitiva sobre los persas (479

a.C.), los griegos adquirieron gran confianza en su civilización, que ponía al ser humano y la razón como

principio de todas las cosas. En la Atenas de Pericles aparecieron artistas muy individualizados, con un

estilo característico, y admirados y reconocidos por sus contemporáneos. Todos ellos estaban

fascinados por las leyes de la razón y por la búsqueda del

equilibrio y la proporción.

Mirón. Fue un autor preocupado sobre todo por la

representación del movimiento. Para los griegos, el

movimiento no era solo desplazamiento en el espacio:

significaba también cambio, alteración, que las cosas dejasen

de ser como son para ser de otra manera, un concepto

incómodo para su visión del mundo. Mirón pretendía

precisamente representar la estabilidad dentro del

movimiento, lo que se denominaba rhytmos.

Su Discóbolo representa el momento culminante en el que el

atleta toma impulso antes de lanzar el disco, justo el

momento de equilibrio que resume todo el proceso; su cuerpo

aparece en tensión, pero está inscrito en dos arcos (el que

une las dos manos y el que va desde la cabeza hasta las

rodillas) que ordenan visualmente la figura.

Polícleto de Argos también se interesó por la

representación correcta del cuerpo humano, pero no en

relación con el movimiento, sino con la medida; investigó

acerca de la symmetria, es decir, la correspondencia entre

las partes y el todo (que nosotros llamamos proporción) en el

cuerpo masculino y estableció que el canon, es decir la

proporción correcta, es la que tiene un cuerpo humano que mide siete veces lo que mide su cabeza.

Su Doríforo o joven lancero (tal vez Aquiles), es la obra que mejor

representaba este principio; además es una figura que ya aparece

colocada en el espacio de una forma natural porque está en contraposto

(una pierna se dobla y descansa mientras la otra soporta el peso) y así

rompe por completo con la frontalidad arcaica y porque el brazo en que

lleva la lanza hace un escorzo que introduce mayor profundidad y

volumen en la figura.

Fidias. Representó la culminación de la escultura griega porque aplicó

esta búsqueda del equilibrio a la representación de los dioses, que,

según se cuenta (apenas conservamos obras suyas) eran a la vez

cercanos y distantes, con una serena majestad, a la vez viva y

distante, sagrada e inmediata, como concebían los griegos a sus dioses.

Hizo dos famosas estatuas crisoelefantinas (cubiertas de marfil y oro):

la Atenea del Partenón y el Zeus del templo de Olimpia y una Atenea

llamada Promacos de bronce que estuvo en la Acrópolis.

Sí han llegado hasta nosotros las esculturas del Partenón. Los

frontones representan el nacimiento de Atenea de la cabeza de Zeus y

el pulso entre Atenea y Poseidón por la tutela de la ciudad, con figuras

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de bulto redondo agrupadas con dinamismo y flexibilidad, en las que se percibe la tensión del

movimiento y, a través de los pliegues y el volumen, la presencia real de los cuerpos. El friso de las

Panateneas representa la procesión en la que cada año los atenienses entregaban un peplo nuevo a la

imagen de Atenea que se guardaba en el Erecteion y es una composición rítmica y armoniosa, en la que

el dinamismo y el reposo están perfectamente compensados. En estas esculturas, Fidias y los

atenienses quisieron expresar la devoción hacia su diosa

titular, a la que consagran su victoria sobre los persas.

3.4. El siglo IV a. C.

El siglo IV a. C. fue una época crítica. Desapareció la confianza

en la polis y la religión tradicional, y se difundieron los cultos mistéricos, sobre todo el culto a Dionisos,

dios de la resurrección y el éxtasis. La literatura y el arte exploraban el alma individual y se volvieron

más emotivos y sentimentales y apareció una tendencia a recrearse en la belleza superficial y sensual.

Praxíteles creó imágenes de dioses menos majestuosos y

dignos que los de Fidias, en actitudes cercanas y con un

aspecto sensual, que buscaban conmover al espectador

antes que inspirarle respeto. Presentaba a los dioses en

actitudes ensimismadas y anecdóticas, sin heroísmo ni

majestad. Dulcificaba las superficies de sus figuras,

dándoles una textura delicada. Acentuaba mucho el

contrapposto de manera que las figuras aparecen curvadas

(curva praxiteliana), en una posición inestable y ofreciendo

diferentes puntos de vista. En su Venus de Cnido

representó a la diosa del amor, no surgiendo de la espuma

del mar, como dice el mito, sino saliendo del baño y

mostrando de forma deliberada una imagen sensual del

cuerpo femenino, que aparece por primea vez desnudo. El

Hermes con Dionisos niño hallado en Olimpia es

seguramente un original; presenta al dios mensajero jugando

con Dionisos, en una escena tierna en la que hay un sabio

juego de miradas y gestos que crea complicidad entre las

dos figuras y acentúa su carácter conmovedor.

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Lisipo alargó el canon a ocho cabezas, que hace las figuras más largas

y espirituales. Colocaba algún elemento (por ejemplo, un brazo) en

escorzo, es decir, saliendo hacia el espectador y así marcaba de

forma muy clara la profundidad, de esta forma, daba a las figuras

más puntos de vista y llevó a hasta sus últimas consecuencias el

desarrollo espacial de la escultura. El Apoxiómenos es un atleta que,

tras el ejercicio, se retira de la piel el polvo y aceite con un estrigile,

una excusa ideal para plasmar estas novedades.

Lisipo también se interesó por la expresión de los sentimientos y la

búsqueda de una belleza más sensual; se le atribuyen algunas obras en

esta línea, como la Venus de Milo, debido a la sinuosidad de las curvas

y el movimiento, oculto por los paños. La tradición atribuye también a

Lisipo varios retratos de Alejandro Magno, en los que plasmó el

heroísmo y aura divina que le envolvió aún en vida.

3.5. Período Helenístico (siglos III-I a. C.)

En esta etapa se acentuó la crisis espiritual y cultural que se había

iniciado en el siglo IV a.C. y Grecia recibió la influencia de Egipto y

Persia, que Alejandro Magno incorporó a su imperio. Los reyes

helenísticos encargaban monumentos espectaculares con los que

hacerse propaganda y los ciudadanos particulares más ricos querían obras novedosas y llamativas para

sus residencias privadas, con temas eróticos, dramáticos, sentimentales o grotescos. Ya no había

normas o convenciones que establecieran cómo debía representarse a los hombres o los dioses y los

artistas, que por supuesto aprendieron de los grandes maestros anteriores, trabajaban ahora con

mucha libertad, tratando de ser originales y de demostrar su virtuosismo, haciendo obras

conmovedoras, dramáticas, eruditas o graciosas, según el encargo y el cliente. La escultura helenística

ofrece en consecuencia un panorama muy variado en el que podemos destacar estas obras:

La Victoria de Samotracia, es el exvoto de una victoria

naval que representa a la diosa Nike o Victoria sobre la

proa de un barco. Tiene un gran tamaño y mucho

dinamismo, por el contraste entre las piernas adelantadas

y las alas plegadas y por el efecto del viento que ondula el

manto y lo repliega sobre las formas del cuerpo de la diosa.

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En Pérgamo hubo entre los siglos III y II a. C. un importante reino cuyos gobernantes

pretendían enlazar con la Atenas clásica y protegieron la cultura y el arte. En el siglo III a. C.

Atalo I mandó levantar un monumento para conmemorar la victoria contra los gálatas, a los que

detuvo en su avance por Asia Menor; hoy está perdido pero se conservan copias romanas de las

esculturas de los vencidos. Son figuras realistas en las que aparecen caracterizados por

primera vez como tales hombres bárbaros y que, en lugar de glorificar el combate, representan

el dolor, la

desesperación y la

muerte.

También en Pérgamo

se realizó el Altar

de Pérgamo, que ya

conocemos como

obra de

arquitectura.

Representa un tema

tradicional: la lucha

entre los dioses

olímpicos y los

gigantes. Es una

obra muy dramática,

con composiciones

forzadas y en diagonal, y anatomías y facciones muy detalladas y tensas; las superficies tienen

un acusado claroscuro y contraste de texturas.

Hubo una tendencia más clasicista que desarrolló sobre todo en Grecia y sur de Italia; a ella se

atribuyen la Venus de Milo, realizada hacia el siglo II a.C. o el Niño de la Espina, realizada ya

para el público romano, un asunto anecdótico pero lleno de sabiduría compositiva.

ANÁLISIS DE OBRAS DE ARTE

Laocoonte y sus hijos

Identificación

Esta escultura es una copia en mármol de un

original de bronce de época helenística que fue

realizado en el siglo II a. C. por tres escultores

de Rodas: Agesandro, Polidoro y Atanadoro.

Representa un episodio de la guerra de Troya, la

muerte de Laocoonte, sacerdote de Apolo, que

fue estrangulado junto a sus hijos por dos

serpientes que envió contra él Poseidón para que

no revelara que el caballo regalado por los

griegos a la ciudad de Troya era una trampa.

Análisis

Este grupo escultórico tiene una compleja

composición en la que destaca la figura de

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Laocoonte, que pudo ser concebida como una obra independiente. Las figuras de sus hijos parecen ser

solo complementos de la composición, y se pudieron añadir para completar el episodio de la guerra de

Troya y dar a la imagen un carácter más narrativo y dramático. Las tres figuras están relacionadas a

través de un esquema triangular y las serpientes que se enroscan en sus cuerpos.

El cuerpo de Laocoonte describe una diagonal con la que se cruzan otras diagonales menores, la que

forma la cabeza inclinada y la que trazan los brazos; es una composición habitual en el helenismo que

introduce dinamismo e inestabilidad en la escena y que obliga a colocar la figura en posición casi

sedente, inverosímil en una situación tan desesperada pero muy efectiva desde el punto de vista

dramático. Su cuerpo tiene una poderosa anatomía en la que los músculos, venas y tendones,

reproducidos con realismo, aparecen completamente tensos, como si fuera el cuerpo de un atleta en

pleno esfuerzo. El rostro expresa desesperación y agonía; está realizado con acusados contrastes de

luces y sombras, con marcadas arrugas, los ojos hundidos y el cabello voluminoso y revuelto. El escultor

se ha permitido la licencia de unir este rostro, que parece el de un hombre viejo, con un cuerpo que

parece propio de un hombre en la plenitud de sus fuerzas para poder expresar en uno y otro el

esfuerzo físico y el drama psicológico, una asociación muy frecuente en la cultura helenística.

Las figuras tiene una disposición frontal: aunque podríamos colocarnos en un lateral o en la parte

posterior para tener otros puntos de vista, es obvio que la composición está concebida para ser

contemplada solo por delante y cabe pensar que formó parte de algún monumento que solo ofrecía este

punto de vista. Durante el helenismo no es raro que los autores renuncien a alguno de los logros de la

escultura de época clásica, como, en este caso, el desarrollo de las tres direcciones que procuraron

Policleto y, sobre todo, Lisipo, para conseguir efectos más teatrales y, en cierto modo, similares a la

pintura.

Significado

En esta obra encontramos toda la sabiduría que los artistas griegos habían atesorado durante cinco

siglos de investigación acerca de la forma de representar el cuerpo humano y la expresión de los

sentimientos; pero los autores de este grupo fueron un poco más lejos y se tomaron ciertas libertades

para conseguir efectos más dramáticos, como la posición inverosímil en que aparece el sacerdote, la

diferencia de tamaño entre éste y sus hijos o la disposición rigurosamente frontal de la composición.

Precisamente es propio de esta etapa el sacrificar los principios clásicos a favor de un mayor

efectismo, una característica que heredará y llevará a sus últimas consecuencias la plástica romana.