El arte Gotico
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Contexto, arquitectura y arte
El Arte Gótico
ISPED GUALEGUAYCHU – Prof. José Cardoso
El arte gótico propiamente dicho coincide en el tiempo con la plenitud y la crisis de la Edad Media. Se suele indicar que frente al arte románico (que refleja una sociedad ruralizada de guerreros y campesinos), el gótico coincide con el máximo desarrollo de la cultura urbana donde aparece la burguesía, las universidades y el florecimiento de las órdenes religiosas (monásticas como el Císter y mendicantes como franciscanos y dominicos), así como la acentuación de los conflictos y la disidencia (revueltas populares, herejías, desarrollo y crisis de la escolástica, Cisma de Occidente) y finalmente los pavorosos espectáculos de la Peste Negra y la Guerra de los Cien Años en un mundo tan cambiante que sólo puede entenderse en términos de una mutación fundamental (para la historiografía materialista, la transición del feudalismo al capitalismo). Su nombre se debe al pintor manierista Giorgio Vasari que alude a este estilo como "gótico" al considerarlo de origen germánico y propio de godos, acentuando el aspecto despectivo de este arte anterior al Renacimiento. Cronológicamente el Gótico comprende desde los últimos años del siglo XII hasta entrado el siglo XVI. Su núcleo originario estaría en la Isla de Francia con Saint Denis de París y la catedral de Sens, hacia 1125.
Contexto
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Difusión del gótico
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A pesar de ser una continuación del Románico, en el Gótico se aprecian actitudes diferentes e incluso opuestas. Si el Románico es recogimiento, oscuridad, predominio de masas sobre vanos, el Gótico implica todo lo contrario, luz, color, elevación, expresividad, naturalismo. El abad Suger, promotor de la construcción de Saint Denis, recoge en sus pensamientos estas ideas que reflejan a la perfección el cambio sustancial que conlleva este estilo artístico. Frente a las pequeñas y oscuras iglesias rurales del románico, el gótico eleva prodigiosas catedrales llenas de de luz, desarrolla una importante arquitectura civil e independiza a las otras artes plásticas (pintura y escultura) de su subordinación al soporte arquitectónico.No obstante, hay también muchos elementos de continuidad: el predominio de la inspiración religiosa en el arte sigue siendo indiscutido, el monasterio como institución apenas varía excepto en detalles formales y de adaptación a nuevos requerimientos, la misma planta de las iglesias sigue siendo predominantemente la cruz latina con cabecera en ábside orientada al este, aunque se complique o varíe (plantas basilicales, colocación del transepto en el centro, complicación de naves, capillas y girolas). Sin duda el principal elemento de continuidad es la concepción intemporal de la obra: en la mayor parte de las construcciones los estilos se suceden y funden al ritmo de los siglos, sabiendo los contemporáneos que hacen una obra que ellos no verán terminada, ni quizá sus hijos o nietos.
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En muchas de ellas, incluso se pone en valor el atrevimiento por comenzar un desafío técnico o económico (a veces por rivalidad política) que cuando se inicia no se ha planificado cómo terminar, como es el caso de las catedrales de Siena y de Florencia. El Gótico, como todos los estilos artísticos, ofrece variantes regionales. Como ejemplos podemos hablar de la escuela francesa donde destacan las catedrales de Notre-Dame de París, Sens, Chartes, Laon, Reims y Amiens o la Saint-Chapelle levantada por san Luis ; la española con las catedrales de León, Burgos, Toledo, Gerona, Barcelona o Sevilla; la portuguesa con los monasterios de Belem y Batalha o la iglesia de la Orden de Cristo en Thomar; la alemana con las catedrales de Colonia, Estrasburgo o Ulm; la inglesa con las catedrales de Gloucester, Salisbury o Lincoln; o la escuela italiana, más particular e incluso reaccionando en ocasiones contra el Gótico tradicional como en la catedral de Santa María de las Flores de Florencia, mientras que la catedral de Milán es la más cercana al Gótico Europeo. Debemos hacer una mención especial a los edificios civiles que se desarrollan en el periodo gótico siendo buenos ejemplos los ayuntamientos de Bruselas y Lovaina, la Lonja de los Paños de Ypres o las de Palma y Barcelona, el palacio de la Signoria de Florencia o el de los Dux de Venecia, o el castillo de Bellver en Mallorca.
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Arquitectura religiosa y civilCatedrales, palacios, edificios comunales.
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La arquitectura gótica puso especial énfasis en la ligereza estructural y la iluminación de las naves del interior de los edificios. Surgió del románico pero acabó oponiéndose a los volúmenes masivos y a la escasa iluminación interior de sus iglesias. Se desarrolló fundamentalmente en la arquitectura religiosa (monasterios e iglesias), teniendo su mayor éxito en la construcción de grandes catedrales, secular tarea en que competían las ciudades rivales; aunque también tuvieron importancia la arquitectura civil (palacios, lonjas comerciales, ayuntamientos,universidades, hospitales y viviendas particulares de la nueva burguesía urbana) y la arquitectura militar (castillos y murallas urbanas)
Catedral de Nuestra Señora de París. 7
CatedralesContinuidad y cambio. Las variantes regionales
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LAS PRINCIPALES CATEDRALES GÓTICAS DE EUROPA
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Los dos elementos estructurales básicos de la arquitectura gótica son el arco apuntado u ojival y la bóveda de crucería, cuyos empujes, más verticales que el arco de medio punto, permiten una mejor distribución de las cargas y una altura muy superior. Además, la parte principal de estas son transmitidas desde las cubiertas directamente a contrafuertes exteriores al cuerpo central del edificio mediante arbotantes. El resultado deja a la mayor parte de los muros sin función sustentante (confiada a esbeltos pilares y baquetones), quedando la mayor parte de aquéllos libres para acoger una extraordinaria superficie de vanos ocupados por amplias vidrieras y rosetones que dejan paso a la luz.Los elementos esenciales que caracterizan el estilo gótico ya existían con anterioridad al nacimiento de este estilo arquitectónico, toda vez que se hallan dispersos en edificios de edades anteriores. El arco apuntado fue conocido por los egipcios, asirios, indios y persas de la dinastía sasánida, aunque su uso no era muy corriente. La arquitectura islámica también lo conoció e hizo un uso amplio de él.
Arco apuntado (ojival) y bóveda de crucería.
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EL EXTERIOR DE LA CATEDRAL: VOLUMETRÍA DEL EDIFICIO
En el gótico el sentidoascensional de las formasY la intensa luminosidad del interior de los edificios recrean el espacio ideal para acercarse a un Dios más humano; un reflejo de la “jerusalén celestial” de la que habla el apocalipsis de san Juan, con sus “puertas de perlas”, “sus calles de oro puro y vidrio transparente”. Los avances en la técnica constructiva del gótico hará posible plasmar en piedra y de forma simbólica tales visiones.
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La fachada de la catedral gótica
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Catedral de Chartres Catedral de ParísSuele estar flanqueada por dos torres rematadas en chapiteles, o no; en las
imágenes dos ejemplos distintos.13
arquivoltas
tímpano
parteluz
derrame
Portada
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Ventanas y vidrierasLa reducción de la estructura sustentante al mínimo imprescindible permitió abrir grandes huecos en los muros de las fachadas. Los artistas de la época pudieron dar rienda suelta a su imaginación creando un arte desconocido hasta la fecha.Las ventanas del periodo de transición suelen ser como las románicas de arco apuntado. Pero luego se ostenta el verdadero ventanal gótico amplio y decorado en su parte superior con hermosos calados de piedra, los cuales se forman de rosetoncillos combinados, siempre sostenidos por columnillas o parteluces. En el siglo XIV se complica la tracería multiplicándose los rosetoncitos y adelantando ya el XV se combinan las líneas formando curvas serpenteantes constituyendo el calado flamígero.Una cosa parecida se observa en los grandes rosetones que se colocan en lo alto de las fachadas: al principio, toman la forma radiante y sencilla aunque en iglesias suntuosas es algo más complicada. Se multiplican los adornos de la rosa en el siglo XIV y en el XV llega a ser la tracería un verdadero laberinto de curvas enlazadas. No faltan en todas las épocas sin embargo ventanas menores de traza más sencilla y pequeños aljimeces. Ventanas y rosetones suelen cerrarse con magníficas vidrieras polícromas e historiadas donde a su modo se ejercita el arte pictórico monumental ya que apenas le dejan espacio para su desarrollo los escasos lienzos de pared que median entre los referidos vanos en las iglesias suntuosas.
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Rosetón en la basílica de St. Denis.
Vidrieras de la catedral de Aquisgrán.
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Ventana de la catedral de San Vito, en Praga.
Rosetón de la catedral de Meaux.17
Interior y exterior del rosetón de la catedral de Chartres
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EL EXTERIOR DEL SISTEMA CONSTRUCTIVO
El objetivo prioritario escontrarrestar el empuje tangencial de la bóveda
interior mediantecontrafuertes y arbotantes (arcos externos dispuestos
en diagonal, que transmiten los empujes de
la bóveda interior al contrafuerte exterior).
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Sistema exterior de contrafuertes y arbotantes
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Contrafuertes catedral de Chartres
Aguja
Las torres, agujas, chapiteles (remate piramidal), pináculos (remate cónico o piramidal), gabletes (remate en punta a modo de Frontón) son utilizados plásticamente para acentuar
el impulso ascensional de la construcción gótica.22
Contrafuertes, pináculos y vidrieras
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EL INTERIOR DE UNA CATEDRAL GÓTICAEstá dominado por la luz y una sensación de intensa “desmaterialización” arquitectónica, gracias a la desaparición del muro como elemento sustentante. Este efecto produce sensaciones de ingravidez y transparencia que subrayan el carácter místico y simbólico del espacio de la catedral, que se convierte así en el mismo cielo, no en un cauce para comunicarse con el cielo. La arquitectura gótica es luz y color, gracias a la profusión de vidrieras que ocupan el espacio del desaparecido muro. Esta combinación de luz y color es la mejor representación simbólica de la catedral como “Jerusalén Celestial”.
“Me mostró la ciudad santa, Jerusalén, que descendía del cielo de parte de Dios, que tenía la gloria de Dios. Su brillo era semejante a la piedra más preciosa, como la piedra de jaspe pulimentado”
(Apocalipsis, 21, 10-12)
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Planta basilical Planta de salón
Plantas de la catedral gótica
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Planta de salón
Se comienza a utilizar, sobre todo en el norte de Europa, la llamada “planta de salón”, de tres o cinco naves, que se caracteriza por tener todas las naves de igual altura (salvo en las llamadas “falsas basílicas” en que la nave central tiene un piso mas).
Catedral de Barbastro
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CONCEPCIÓN ESPACIAL: PLANTA DE UNA CATEDRAL GÓTICA
Las plantas son muy similares a las románicas: tres o cinco naves longitudinales y cabecera con transepto, presbiterio y remate en ábside o deambulatorio con capillas radiales.
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Cabecera de la abadía de Saint Denis (Francia)
La cabecera gótica esmás amplia que la románica; los brazos del transepto se acortan y adquiere protagonismoel deambulatorio o girolarodeado de capillas radiales llamadasabsidiolas. En ellas las cofradías y gremios artesanales, que habían participado en la financiación de la catedral, instalaban las capillas de sus santos patronos.
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La organización del alzado interior sigue su precedente románico: arcadas que conducen a las naves laterales, un triforio (estrecho pasadizo con arquerías), que sustituye a la tribuna románica y un claristorio o cuerpo de ventanales con vidrieras coloreadas.
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El alzado interior de la catedral se articula en: arcadas que separan la nave central de las laterales; triforio a modo de galería abierta sobre la nave central y claristorio con vanos
cubiertos de vidrieras que posibilitan el paso de la luz exterior.
Claristorio
Tribunas
Arcadas
Triforio
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CLAVE
NERVIOS
ARCO TORAL O FAJÓN
El arco apuntado u ojival es elque hace posible la gran novedaddel gótico, la bóveda de crucería.
PLEMENTO
La cubierta: la bóveda de crucería o nervada
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La bóveda de crucería es el resultado del cruce entre arcos apuntados, que forman un esqueleto de nervios; el espacio entre los nervios de piedra se rellena con plementería (material ligero de relleno). La clave de la bóveda es la dovela central que la cierra.El arco apuntado permite elevar considerablemente la altura de la nave sin que se resienta su estabilidad por el peso de la bóveda, ya que las presiones tangenciales se han reducido.
Bóveda de crucería de la catedral de Chartes (nave central)
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Bóveda de terceletes Bóveda de estrella
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Bóveda de estrella
Bóveda de abanico
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Las tensiones de la bóveda de crucería, que se resuelven en el exterior con contrafuertes y arbotantes, en el interior descansan sobre pilares. Los nervios de la
bóveda acostumbran a prolongarse en baquetones o columnillas adosadas a lo largo del fuste de los pilares, hasta el suelo.
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LA DESMATERIALIZACIÓN DEL MURO: EL SISTEMA INVERNADERO.
Una vez que la cubierta ya no carga sobre los muros y éstos desaparecen, grandes ventanales, decorados con vidrieras y tracerías, que potencian la luminosidad, vendrán a ocupar su lugar. Las fachadas serán perforadas por un gran ventanal circular vidriado, llamado rosetón.
Saint Chapelle de París37
Arquitectura civilPalacios, edificios comunales.
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La arquitectura civil es la mejor muestra de la pujanza económica del occidente cristiano en la Baja Edad Media. El auge de las actividades comerciales y artesanales, la apertura de nuevas rutas comerciales y el inminente descubrimiento de América, además de la consolidación de formas de gobierno municipales frente al dominio señorial o eclesiástico, facilitan el desarrollo de numerosos edificios de uso civil. Ayuntamientos, Lonjas, Palacios urbanos, etc. son la mejor muestra de este despertar urbano que anuncia ya la proximidad del Renacimiento.
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El Ayuntamiento
AYUNTAMIENTO DE BRUSELAS
CASTILLO DE VINCENNES
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El S. XV conoció el impulso definitivo de la arquitectura civil, que en el ámbito de las finanzas tuvo su máximo exponente en la construcción de lonjas (edificios destinados a albergar actividades
mercantiles y que eran el reflejo del dinamismo de la clase comercial). Las lonjas, al principio simples espacios porticados donde realizar las transacciones, pasaron a ser
imponentes edificios de piedra que reflejaban la riqueza de una ciudad.
La Lonja
LONJA DE PALMA DE MALLORCA
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LONJA DE VALENCIA O LONJA DE LA SEDA, S. XV.
Dimensiones: 51,47 m x 39,10 m. EL EDIFICIO CONSTA DE LA SALA DE CONTRATACIÓN, A LA DERECHA EN LA IMAGEN, Y EL CONSULADO DEL MAR, A
LA IZQUIERDA.
El arquitecto queInició y dio su
carácterprimigenio a la obra
fue el maestro catalán PERE
COMPTE, que se había instalado en valencia en 1492
para colaborar en la ampliación de la
catedral
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PLANTA Y SECCIÓN DEL EDIFICIO.
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El consulado del mar está constituido por tres plantas que se abren al exterior en hermosos ventanales; la sala de contratación, de planta de salón, está dividida por ocho pilares
exentos en tres tramos longitudinales y cinco transversales. Los pilares se elevan hasta 16mt. Y, en colaboración con las 16 columnas embebidas en los muros laterales, sostienen
la compleja bóveda de crucería.44
Al entrar en la sala, nos vemos sorprendidos por el efecto de amplitud y altura, potenciado por la separación entre los altos pilares y por la ausencia de obstáculos en el plano horizontal. Esta sensación
se ve reforzada por los fustes helicoidales de las columnas exentas, formadas por molduras que ascienden en un movimiento envolvente y que dirigen la mirada hacia la bóveda. Las molduras parecen
continuar en los nervios que configuran las bóvedas de crucería.45
Lonja de Perpiñán (Francia)
Lonja de ALcañiz, Teruel, España
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EL PALACIO
PALACIO DUCAL DE VENECIA
El palacio urbano es técnicamente
similar en cuanto a soluciones
constructivas se refiere, pero su
riqueza ornamental y suntuosidad son
el mejor exponente del florecimiento de la burguesía
mercantil Y financiera, de la
nueva aristocracia del dinero.
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La escultura
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Características de la escultura: Se independiza, progresivamente, de la arquitectura, alcanzando mayor volumen, haciéndose casi exenta.
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Destaca por su naturalismo
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El canon es más estilizado y los rostros intentan reflejar los sentimientos e incluso la belleza.
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Los personajes divinos se humanizan y a la vez las actitudes resultan más desenvueltas y correctas.
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Triunfa el movimiento.
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La escultura de piedra en el gótico se centra sobre todo en las portadas y, en menor medida, en el interior de las iglesias.
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Se disponen en los tímpanos en registros o bandas horizontales; en las arquivoltas, alineadas siguiendo la dirección del arco; y adosadas a las columnas de las jambas.
Las escenas tienen carácter narrativo con interés por lo anecdótico.
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Portada de la Catedral de Rouan.
Tímpano en bandas horizontales
Esculturas alineadas en las arquivoltas siguiendo la dirección del arco
Esculturas adosadas a las jambas
Carácter narrativo de las escenas, con interés por lo anecdótico
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En ellas se despliegan los grandes repertorios iconográficos de temática más amplia que la románica. Disminuye el tema del Juicio Final y las representaciones de Cristo Juez (Pantocrátor y Tetramorfos), sustituido por el Cristo Maestro, más amable.
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Los temas se inspiran en el Antiguo y Nuevo Testamento, especialmente en los Evangelios, en la Vida de la Virgen; vidas y leyendas de Santos; tema de la muerte, e incluso aparece el paisaje para mejor ambientación de las narraciones. Bestiarios, etc. Además de las portadas surgen nuevos campos de actividad: retablos, sepulcros y sillerías de coros.
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En la escultura exenta continúan representándose los temas de la Virgen con el Niño y los Cristos. La Virgen tiene una actitud más natural, establece una comunicación con el Niño y muestra el sentimiento del amor materno: sonrisa, gracia, amabilidad.
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Los Cristos pierden rigidez y tienen un tratamiento más minucioso de la anatomía muestran el dolor y el sufrimiento humano. Son de 3 clavos, por lo que las piernas están superpuestas. La escultura presenta una evolución: durante el siglo XIII predomina un estilo majestuoso y sereno de belleza clásica; en el XIV una belleza más real, hasta un realismo de influencia borgoñona y flamenca en el XV.
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Amiens. S.XIII 65
Amiens. S.XIII 66
Reims. S.XIII67
Reims. S.XIII 68
Reims. S.XIII 69
70Burgos. Puerta de El Sarmental
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Burgos. Puerta de El Sarmental73
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Burgos. Puerta de la Coronería 75
Sepulcro de Juan II. Cartuja de Miraflores
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La pinturaTécnicas y estilos
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Durante el Gótico, el predominio del vano sobre el muro, hizo que la pintura mural disminuyera notablemente, excepto en Italia.
Esto impulsó el desarrollo de la pintura sobre tabla de los retablos y de la miniatura con la que se ilustraron importantes manuscritos.
La característica más evidente del arte gótico es un naturalismo cada vez mayor, frente a las simplificadas e idealizadas representaciones del románico. Se considera que esta característica surge por vez primera en la obra de los artistas italianos de finales del siglo XIII, y que marcó el estilo dominante en la pintura europea hasta el final del siglo XV. La pintura gótica se aproxima a la imitación a la naturaleza que será el ideal del renacimiento, incluyendo la representación de paisajes, no obstante, sigue siendo poco usual. Se desprende de los convencionalismos y amaneramientos bizantinos y románicos, pero no toma como ideal de belleza el arte griego ni romano antiguo. Por lo mismo, aunque dicha pintura es un verdadero renacimiento, se distingue de la propiamente llamada del Renacimiento clásico en que no cifra, como ésta, su perfección en la belleza de las formas exteriores (que, aún sin descuidarlas, resultan, a veces, algo incorrectas en la pintura gótica) sino, sobre todo, en la expresión de la idea religiosa y en dar a las figuras cierto sabor místico y eminentemente cristiano. A pesar de ello, también ha de decirse que es en este momento en el que comienza la pintura profana, esto es, la pintura en que los temas ya no son siempre religiosos.
En el gótico, en correspondencia con las nuevas tendencias filosóficas y religiosas (recuperación de la filosofía de Aristóteles a través del averroísmo, humanismo de San Francisco de Asís) se tendió a aproximar la representación de los personajes religiosos (los santos, los ángeles, la Virgen María, Cristo) en un plano más humano que divino, dejándoles demostrar emociones y sentimientos (placer, dolor, ternura, enojo), rompiendo el hieratismo y formalismo románico. El artista gótico busca su inspiración en la vida. Hay mucho sentimiento en las obras góticas. Paralelamente, la cultura burguesa demanda una nueva elegancia dentro del arte. Hay más detalles narrativos, más frescura, color, luminosidad,... que se logran con técnicas más refinadas.
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Técnicas
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La pintura mural o fresco siguió usándose como el principal medio para la narración pictórica en las paredes de las iglesias en el Sur de Europa, especialmente en Italia, como una continuación de las tradiciones cristiana y románica anteriores. Fuera de Italia no se cultivaron mucho. Italia, apegada a la forma basilical de las iglesias, conservó mayor extensión en los muros para las pinturas y mosaicos que narran historias religiosas.En la Toscana, las escuela sienesa y florentina, con el Giotto como el más grande de los pintores del Trecento, continuaron la tradición de la gran pintura mural, ya que la arquitectura gótica no llegó a echar raíces en Italia como en Francia. Esta pintura toscana del Trecento, siendo plenamente gótica, anticipa ya el Renacimiento. Los nombres más destacados fueron Cimabue y Giotto.
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Frente a lo que ocurre en Italia, en el norte de Europa, las vidrieras fueron el arte preferido hasta el siglo XV. El desarrollo de la Arquitectura gótica con la progresiva sustitución del muro por grandes ventanales con vitrales de colores que permiten el paso hacia el espacio interior de una luz polícroma y matizada, implicó, en las grandes catedrales góticas de Francia, a la práctica desaparición de la pintura mural que se había desarrollado ampliamente en los muros de las iglesias románicas. En una primera etapa los colores son vivos y saturados, el plomo delimita las formas, las cuales son delineadas con precisión para poder ser vistas a través de la irradiación luminosa de la vidriera, ello conduce a la tendencia de descomponer la vidriera en medallones, nichos u otro tipo de compartimentos. Las vidrieras revelan, más que ningún otro arte, el componente irreal y artificial del arte gótico.A mediados del siglo XIII se produce una modificación profunda de la gama de colores ya que los fondos incoloros se asocian a los tonos quebrados de las escenas y figuras. Con una gama potente pero restringida, las menudas figuras humanas se hacen más agitadas y libres. En la Iglesia de San Urbano de Troyes (hacia 1270) o en las vidrieras de medio punto de la catedral de Beauvais, es donde se dan los mejores ejemplos de estas innovaciones.En el siglo XIV, tras el descubrimiento del amarillo de plata los vitrales ganan en ligereza, llenándose de un preciosismo dorado que antes nunca tuvieron. En Normandía, en el coro de Saint-Ouen de Ruan y en la Catedral de Evreux se hallan las vidrieras más bellas. El arte de las vidrieras culmina en un estilo exquisito de una calidad igual o superior a las obras maestras de la miniatura. En la cuenca del Loira, en Champaña o en Alsacia se completa el panorama de las vidrieras en Francia, culminando en las naves laterales de la Catedral de Estrasburgo.
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San Urbano de Troyes
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Rosetón Catedral de Strasburgo (con unos 15 metros de diámetro)
Saint-Ouen de Ruan
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Los manuscritos iluminados representaron la más completa documentación de la pintura gótica, registrando en sus miniaturas la existencia de una serie de estilos en lugares donde no han sobrevivido otras obras monumentales. En la pintura de los códices (o miniaturas), sobre todo en Francia, buscando la realidad y delicadeza en las figuras, todavía les faltaba mucho a éstas para ser modelos en dibujo y perspectiva.Las miniaturas consistían en pequeñas composiciones: pinturas o dibujos de figuras enmarcadas en las letras iniciales o en diversos compartimentos como medallones, arabescos etc. Se llamaban miniaturas porque se realizaban con minio, u óxido de hierro, mezclado con colorantes naturales.En el periodo románico y en el primer gótico los temas tenían carácter sacro, su composición estaba influida por criterios similares a los que regían para los vitrales de las catedrales e iglesias del propio periodo. En el siglo XIV, se introdujeron temas profanos y el arte de las miniaturas se trasladó a los talleres artesanos de París, Borgoña y Flandes.Los manuscritos ilustrados tuvieron una amplia difusión internacional, a través de las cortes de la nobleza europea.Destacados miniaturistas fueron Jean Pucelle, Jacquemart de Hesdin y los hermanos Limbourg. Quizá el más famoso manuscrito gótico sean Las muy Ricas Horas del Duque de Berry.
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Breviario de Belleville, escena de David anteSaúl, año 1323-1326, Jean Pucelle
Petites Heures del Duque Juan de Berry, Escena: Loco, obra de Jacquemart de Hesdin, h. 1386
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Las muy ricas horas del duque de Berry: Junio (1412-16). Iluminación sobre vitela, 22,5 x 13,6 cm. En esta minuciosa descripción de las labores agrícolas propias del mes, además de las costumbres de la época, aparece una interesante panorámica de la ciudad de París tal y como era en la época, con la zona de Conciergerie y la Sainte Chapelle perfectamente representadas. Como en todas las obras de los Limbourg, se destaca la intensidad del azul del cielo. El pigmento de este color, conocido como azul ultramar, se obtenía machacando lapislázuli, una de las materias primas más caras porque hasta el descubrimiento de América únicamente se podía conseguir importándolo de Afganistán a través de la Ruta de la seda.
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Pintura sobre tabla: Aunque se ha dicho que la pintura gótica tiene su espacio propio en los grandes vitrales de las Catedrales y en las miniaturas polícromas de los libros, lo cierto es que la pintura propiamente dicha donde subsistió fue en los retablos, las tablas pintadas que forman los frontales o los laterales de los altares y en los muros de las capillas laterales. Puede diferenciarse, además, entre los retablos, que son tablas pintadas o esculpidas que ornamentan los altares de las iglesias, y las tablas de devoción, individuales, de menor tamaño, que adornan las iglesias y las casas particulares. La pintura sobre tabla, generalmente retablos, se impuso por toda Europa. En el siglo XV era ya la forma pictórica predominante, suplantando incluso a las vidrieras. De tablas o frontales únicos se pasó a dípticos, tríptico, y luego complicados polípticos que combinaban numerosas piezas hasta llegar a los grandes retablos del siglo XIV, con muchas tablas que se organizan con el banco o predela (cuerpo inferior) y calles verticales, separadas por estrechas entrecalles; en la calle central se representaba el tema principal del retablo.Se ejecutaba al temple, que usaba como aglutinante el huevo o la cola obtenida de los huesos de animales. Es novedad de la última fase del gótico el cambiar ese aglutinante por aceite, dando así lugar a la pintura al óleo. El óleo sobre lienzo no se hizo popular hasta los siglos XV y XVI y fue el punto de partida del arte renacentista.
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Maestá del Duomo de Siena, obra de Duccio di Buoninsegna, una de las obras más famosas de la pintura italiana; temple sobre madera, 214 x 412 cm Museo dell'Opera Metropolitana del Duomo, Siena.
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Retablo de la vida de la Virgen y de san Francisco, de Nicolás Francés (1445-1460)
G. FATÁS y G. M. BORRÁS Diccionario de términos de arte y arqueología
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Estilos de la pintura góticaEl estilo gótico lineal o francogótico se desarrolla entre el siglo XIII y el XIV y destaca la importancia que le da a las líneas del dibujo. Predomina un cromatismo vivo frente a los matices de color. Los temas, naturalistas, se tratan con sencillez. Ejemplifica esta época las vidrieras de las catedrales y las miniaturas. En Francia, destaca el conjunto de la catedral de Chartres. Otras vidrieras son las de las catedrales de Bourges, Tours, Bayeux y de la Santa Capilla de París.Es característico de las miniaturas de esta época el empleo de encuadramientos arquitectónicos, así como el uso abundante de oro y las orlas vegetales. Entre las obras producidas dentro de este estilo, cabe citar las Biblias historiadas, como la Biblia Pauperum, las dos biblias de Pamplona o la llamada Biblia moralizada de San Luis (catedral de Toledo); otras obras de devoción fueron el Salterio de la reina Blanca de Castilla (Biblioteca del Arsenal, París) y el Pasionario de Cunegunda (Praga), ya del siglo XIV. La obra maestra de la miniatura española de la época es el Códice de El Escorial de Las Cantigas, obra del scriptorium de Alfonso X.Comienza a verse en esta época pintura sobre tabla, pudiéndose mencionar el Díptico de la Virgen (Museo de Berlín) y numerosos frontales catalanes y aragoneses, como el de Valltarga o el de Avià. En España se sigue cultivando la pintura mural en esta época, destacando la Sala Capitular de Sigena (MNAC) y la capilla de San Martín, en la Catedral Vieja de Salamanca, obra de Antón Sánchez de Segovia. En el techo de la catedral de Teruel pueden verse las pinturas atribuidas a Domingo Peñaflor.
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Catedral de Poitiers
Huida a Egipto
Crucifixión
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Nicolas Blackburn y su esposa. York
93Biblia moralizada de San Luis (entre 1226 y 1234)
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El Pasionario de Cunegunda o de la Abadesa Cunegunda.
Miniatura de las Cantigas de Santa María.
Cantiga 78 del Códice de Florencia donde se representa a la Orden de Santa María de España.
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Miniatura de Las Cantigas de Alfonso X
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Frontal de Santa Maria de Aviá
98Frontal de Santa Maria de Aviá
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Capilla de San Martín. Catedral vieja de Salamanca
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Techumbre catedral de Teruel
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Techumbre catedral de Teruel
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Techumbre catedral de Teruel
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Estilo italo-gótico: este estilo se fue formando a lo largo del siglo XIII (Duecento) en Italia. Se fundieron las tradiciones del arte bizantino con los primitivos estilos clásicos o paleocristianos en pinturas y paneles de Florencia y Siena. Demostraban más realismo del que se encontraba en el arte románico y en el bizantino, caracterizado por una huida de la llamada maniera greca que dominaba Italia, y que fue sustituida por un estilo más realista. Se sentía fascinación por la perspectiva, y por la ilusión de crear espacios que parecieran reales, con figuras menos rígidas y estilizadas, más anatómicamente correctas y que presentaran estados de ánimo en sus gestos y actitudes. Se muestra también un interés por la narrativa pictórica y una espiritualidad intensificada por influencia franciscana.En el siglo XIII (Duecento) se distingue la escuela toscana, particularmente la obra de Giunta Pisano. A esta primera etapa de la pintura gótica ha de atribuirse igualmente la labor de la escuela romana de mosaicos y pintura mural, cuyos nombres más destacados son los de Jacopo Torriti y Pietro Cavallini. Cavallini fundió la pintura de la tradición local romana (arte romano y arte paleocristiano) con las convenciones bizantinas; sus vigorosos y bellos frescos y mosaicos muestran un dominio del naturalismo.
104Jacopo Torriti. Mosaico de la Coronación de la Virgen, en Santa María la Mayor, Roma, 1295
Escuela romana
105Pietro Cavallini – Nacimiento de la Virgen, Santa María de Trastevere.1291
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Escuela Toscana. Giunta Pisano
Es el primer pintor italiano cuyo nombre se encuentra inscrito en un trabajo existente. Solía pintar sobre tela estirada sobre madera, y preparada con yeso. Su obra maestra es el imponente Crucifijo (1250) en el transepto izquierdo de la Basílica de Santo Domingo en Bolonia, con una escritura en latín que dice "Cuius docta manus me pixit Junta Pisanus" (pintado por la mano de Giunta Pisano). Está aún muy influido por el estilo bizantino y representa uno de los mejores ejemplos de la pintura del Duecento.
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Los crucifijos de Giunta muestran que fue él quien inició una nueva forma de representar a Cristo, sustituyendo la imagen tradicional de un Cristo en agonía. Esta nueva representación, existente sobre todo en la Europa eslava en contacto directo con Bizancio, fue pronto seguida en Italia. Esta representación de Cristo, y especialmente el crucifijo en la Basílica de Santo Domingo en Bolonia, influyó mucho en Cimabue, quien continuaría este estilo y desarrollaría su propio estilo emocional (como se ve en su crucifijo en la Basílica de la Santa Cruz de Florencia).
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Escuela florentina. Cimabue
• Se le considera el iniciador de la escuela florentina del Trecento.• Trabajó en Roma en 1272, conociendo allí el mundo clásico y la pintura paleocristiana y románica, lo que le influyó para abandonar la bidimensionalidad del estilo bizantino y encaminarse a un mayor realismo. Su obra más conocida es la Maestà, que estaba en el altar de la iglesia de Santa Trinità de Florencia.• A finales de siglo estuvo trabajando en la basílica (inferior) de Asís.
La Maestà (1270)
109Madonna Santa Maria dei Servi. Bolonia Crucifijo, iglesia de Santo Domingo de Arezzo
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Escuela florentina. Giotto
• Es el gran maestro de esta escuela, y se le considera como auténtico iniciador de la pintura moderna.• Giotto busca representar el espacio correctamente, así como adecuar lasexpresiones y los gestos en relación con el estado de ánimo del personaje.• Dio un tratamiento revolucionario a la forma y a la representación realista del paisaje, introduciendo la tridimensión, lo que significó un gran paso en la historia de la pintura medieval europea.• Sus obras maestras son:– La Capilla de los Scrovegni (1305-1306) , en Padua, donde representa en un ciclo de frescos la vida de la Virgen y Cristo.– El ciclo de frescos sobre la vida de San Francisco en Asís.
Capilla de los Scrovegni
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Enrico Scrovegni donando a los ángeles una reproducción de la capilla
Juicio Final
112El Nacimiento de la Virgen
113Descendimiento
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Escuela florentina. Francesco TrainiLa Peste Negra que devastó Italia a mediados del siglo XIV afectó profundamente a Florencia, lo mismo que a Siena. Su versión más impresionante es un fresco ejecutado en el año 1350 en el Campo santo de Pisa, el cementerio junto a la catedral de Pisa. Esta obra, atribuida a Francesco Traini, discípulo y seguidor de Giotto, reproduce fragmentos dramáticos y simboliza el crepúsculo de la gran pintura italiana del Trecento. Un incendio, en 1944, dañó el fresco, que tuvo que ser retirado.
El Triunfo de la muerte. Cementerio de Pisa
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El Triunfo de la muerte. Detalle
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Escuela sienesa. Duccio di BuoninsegnaSe inicia con Duccio, quien, aún fuertemente influido por la pintura bizantina, intentó superar su bidimensionalidad. En los siglos XIIIy XIV, la ciudad de Siena competía en el esplendor de su arte con Florencia. Es en esta ciudad en la que Duccio ejecuta su mayor obra y una de las más famosas pinturas italianas: la Maestà de la catedral de Siena. Fue contratada por la catedral de Siena en1308 e instalada allí con gran ceremonia en 1311. Posteriormente, la obra fue desmantelada y vendida, en parte porque no era apreciada. Como consecuencia, hay paneles de la Maestà en diversas partes del mundo, como Washington DC, Nueva York yLondres. La Maestà fue pintada por los dos lados: en un lado la Virgen con el Niño y en el otro escenas de los Evangelios; revela fuertes lazos con la tradición bizantina, pudiendo apreciarse la influencia de Europa Septentrional en las formas graciosas y ondulantes de las figuras. Duccio recibió esa influencia de segunda mano, a través de las esculturas de Nicola y Giovanni Pisano.
Maestà, Museo dell'Opera del Duomo, Siena.(1308/11)
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Resurrección de Lázaro, de 1310.
Madonna con el Niño (Madonna Stroganoff), Metropolitan Museum of Art.
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Escuela sienesa. Simone MartiniSe considera a Simone Martini como el artista más puramente gótico de Siena, ejemplo por antonomasia del estilo italo-gótico, y el único que podía rivalizar con Duccio. El estilo gótico norte-europeo estaba representado en la Italia de la época por Francia. En1266 una de las ramas de la Casa de Anjou estableció una corte en Nápoles y Martini fue llamado para pintar un cuadro por encargo del rey Roberto el Prudente. Su Madonna con santos y ángeles del gran salón del Palacio Comunal de Siena (1315) es muy característica, poniendo de manifiesto la influencia que en él ejerció la pintura francesa, aunque aún mantiene lazos con la tradición bizantina.
Majestad del Ayuntamiento de Siena (Palazzo pubblico).
119El sueño de san Martín, h. 1322. Frontespizio per codice Virgilio - Biblioteca
Ambrosiana - Milano
120Retablo de la Anunciación.
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Escuela sienesa. Hermanos Lorenzetti Los hermanos Pietro y Ambrogio Lorenzetti traen la marca de Giotto a la escuela sienesa. Difundieron un modelo de Virgen con Niño en un coloquio impregnado de tristeza. De las obras que ejecutaron, la obra más destacada de Ambrogio es el fresco que representaba las alegorías del Buen y del Mal Gobierno, encargado para el interior del palacio comunal de Siena. Era el primer intento de mostrar un escenario real con habitantes reales. En la alegoría de la Paz se encuentra representado el modelo de belleza femenino de la época. Ambos hermanos murieron de repente en el año 1348, probables víctimas de la Peste Negra.
Ambrogio Lorenzetti. Alegoría de la Paz, 1338. Pietro Lorenzetti. Cristo entrando en Jerusalén, 1330. Asís.
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Pietro Lorenzetti.Madonna dei Tramonti (Fresco en la Basílica de San Francisco, Asís).
Ambrogio Lorenzetti.Madonna con niño, de 1319 Su primera obra conocida.
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El estilo internacional
Fusiona, a finales del siglo XIV, características del gótico lineal propio del Norte de Europa y la pintura trecentista italiana. Los artistas destacados viajaban de Italia a Francia y a la inversa, así como por toda Europa, de manera que las ideas se divulgan y combinan. Los pintores siguen una técnica minuciosa, representando con gran detalle las anécdotas, buscando reflejar la realidad con gran naturalismo, pero sin olvidar el sentido simbólico de lo que se representa. Las figuras se estilizan, y abundan los plegados en los ropajes. Ahora, los temas, aunque religiosos, se interpretan como profanos, los santos se transforman en apuestos caballeros y distinguidas damas, que se desenvuelven con ademanes exageradamente afectados en ambientes palaciegos. Obras de este estilo se vieron no sólo en esos dos países ya mencionados, sino también en Inglaterra,Alemania, Austria o Bohemia.Francia es el centro difusor de estas tendencias, comenzando por la influencia de los duques Juan de Berry y Felipe de Borgoña. Aún prevalecía allí la iluminación de manuscritos como la forma de pintura predominante. Llegó a nuevas cumbres con la obra de los Hermanos Limbourg, quienes aún viviendo en los Países Bajos, trabajaban para la nobleza francesa
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Juan de Levi. Tablas del Retablo de los Lorenzo, Prudencio y Catalina, Catedral de Tarazona.
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(Autor desconocido) El Rey Ricardo II es encomendado a la Virgen, hacia 1395, National Gallery de Londres.
Lluís Borrassà, San Pedro salvado de las aguas, (1411) Iglesia de Santa Maria de Terrassa.
126Maestro del Jardín del Paraíso, escena: «María en el jardín con santos», Instituto Städel, Fráncfort del Meno, h. 1410.
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Estilo flamencoSurge en Flandes durante el primer tercio del siglo XV, al mismo tiempo en que en Italia se encuentran ya en el Renacimiento. Este estilo se difunde por el resto de Europa, salvo Italia, durante el resto del siglo. Actualmente, también puede encontrarse que a esta etapa de la pintura se la llama Prerrenacimiento o también Renacimiento nórdico, abarcando la obra de los flamencos hermanosVan Eyck, Rogier van der Weyden, Hugo van der Goes y Memling o los alemanes Multscher y Witz.Su principal innovación es la técnica de pintura al óleo, lo que permite un mayor colorido, sutileza y detallismo. Hay una minuciosidad absoluta en la representación de los detalles, de las texturas de las telas, de la forma los objetos y, sobre todo, la fidelidad de los rostros. Ahora bien, es una pintura repleta de simbolismo, pues con frecuencia, detrás de los objetos más triviales hay mensajes ocultos, lo que convierte los cuadros en auténticas alegorías. A esta última fase del gótico a veces se la conoce también como renacimiento nórdico o prerrenacimiento, ya que su rico colorido, su concepción de la perspectiva y su avanzado tratamiento de la luz permiten considerarlos ya un primer renacimiento. Se mantienen, no obstante, ciertos convencionalismos heredados de la tradición anterior que resta veracidad a la escena: composición confusa, pliegues angulosos, gestos forzados, solemnidad excesiva (cierto hieratismo, a veces).La mayor parte de las obras son encargos privados para la aristocracia o la burguesía, por lo que tienen un fuerte contenido civil y profano. Predominan los cuadros religiosos aunque, a menudo, se interpretan como sucesos cotidianos; de hecho, es común que quien encarga la obra, es decir, el "donante", aparezca en la escena como un personaje más; a partir de la presencia del donante se desarrolla un nuevo género: el retrato.
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Primer tercio del sigloDentro de los primitivos flamencos, se considera que los pioneros fueron los hermanos Hubert y Jan Van Eyck (1380-1441), además del pintor cuya identidad no ha sido plenamente establecida y que se conoce como Maestro de Flémalle. A Jan van Eyck se le atribuye la invención de la pintura al óleo. Jan trabajaba como pintor oficial del Duque de Borgoña, lo que le permitió moverse en un ambiente aristocrático y refinado y se convirtió en un pintor elitista. Por eso sus cuadros son auténticas joyas, con personajes muy solemnes, fríos e impasibles. Sus mayores preocupaciones fueron el realismo, el tratamiento de la luz y la perspectiva. Con su hermano, hizo una obra maestra del arte flamenco: el Políptico del Cordero Místico de la catedral de San Bavón en Gante (1432), basado en un pasaje del Apocalipsis. Otras obras famosas de Van Eyck son cuadros de devoción, especialmente la Virgen del Canciller Rolin y la del canónigo Van der Paele, ambas muy similares y con excelentes retratos de los donantes; y retratos admirables, como el del Matrimonio Arnolfini, una alegoría con un avanzado tratamiento de la perspectiva y de la luz.Comparte mérito como iniciador de este estilo el Maestro de Flémalle, con gran riqueza de colorido y sentido escultórico de las formas, además de un indudable simbolismo. Se ha identificado con Robert Campin, aunque también hay quien ha sostenido que es Roger van der Weyden en su fase juvenil.
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Anunciación, Galería Nacional de Arte (Washington D. C.).
Retrato de hombre con turbante posiblemente un autorretrato, pintado en el año 1433.
Jan van Eyck
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Cristo en la cruz flanqueado por la Virgen María y san Juan, hacia 1430
Detalle de la Adoración del Cordero Místico, pintado 1432.
Hubert van Eyck
131Santa Bárbara, 1438, Museo del Prado de Madrid.
Robert Campin (¿Maestro de Flèmalle?)
Retrato de un hombre. Temple sobre tabla,National Gallery, Londres
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Segundo tercio de siglo En el segundo tercio del siglo XV trabajan una serie de pintores que afirman y asientan el estilo flamenco. El más destacado de ellos es Roger van der Weyden, considerado la antítesis de Van Eyck por la expresividad. No se preocupó tanto por la perspectiva o la minuciosidad, sino por el dinamismo y el dramatismo. Su obra maestra es El Descendimiento, en la que llama la atención su apariencia escultórica, su emotividad, su esmerada composición a base de poderosas diagonales y la asociación rítmica de las figuras en grupos de tres, de enormes dimensiones y aprisionadas en un nicho fingido. Aquí no hay frialdad, sino calor, reflejando un gusto popular propio de una burguesía acomodada, no tan culta como la que frecuentó Van Eyck. Ejerció una enorme influencia sobre los pintores posteriores.En esta misma época trabajaron dos pintores que dieron gran importancia a la luz: Dierick Bouts, cuyas figuras alargadas están dotadas de un fuerte carácter escultórico y Petrus Christus.
133Roger van der Weyden: Descendimiento, h. 1443, Museo del Prado, Madrid.
134La Última Cena. La justicia de Otón: La prueba del fuego
Dirk Bouts
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Retrato de muchacha. Hacia 1460. Óleo sobre madera, 29x22,5 cm.Gemäldegalerie de Berlín.
La Virgen con el Niño, 1460 - 1465, Museo del Prado.
Petrus Christus
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Último tercio de siglo
En el último tercio del siglo XV y principios del XVI trabajaron una serie de pintores que profundizaron en las características del nuevo estilo. Algunos de ellos fueron meramente conservadores de las técnicas anteriores a ellos, como Hans Memling y Gérard David. Gerard David fue el sucesor de Memling en Brujas y fue un artista de éxito. Su obra representa el auge del estilo característico de los Países Bajos.Pero hubo otros de mayor originalidad, que pretendían superar los límites del estilo flamenco, entre ellos, Hugo van der Goes, Geertgen tot Sint Jans y, el más notable de ellos, Hieronymus Van Aeken, llamado el Bosco. Aunque tuvo una vida acomodada, le obsesionaban la religión y el pecado. Por eso, sus tablas se llenan de figuras fantásticas y visiones diabólicas, cuyo objetivo parece ser moralizar a base de ácidas críticas, pero recurriendo a numerosos recursos pictóricos (el claroscuro, la perspectiva, los paisajes), que suavizan su mensaje haciéndolo más poético. Es célebre por sus obras fantásticas y misteriosas, por lo que hay que considerarlo aparte de sus contemporáneos. Tiene un estilo inigualable y su simbolismo permanece vivo incluso en la actualidad. El Bosco expresa las ansiedades de una época de convulsión social y política. De su abundante obra destacan El Jardín de Las Delicias, gran tríptico que resume la historia moral de ser humano de la creación a la condenación, y El Carro de Heno, otro tríptico que critica el egoísmo y la falta de templanza frente a los placeres prohibidos. Estas dos obras se encuentran en el Museo del Prado, gracias a que el rey Felipe II era gran admirador de su obra y formó una importante colección de pinturas del artista.
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Hans Memling
La Piedad, h. 1470, Palazzo Doria-Pamphili, Roma Díptico de la Virgen y Martin van Nieuwenhove, detalle: Virgen y Niño, 1487, Museo Memling, Brujas
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Gerard David
Descendimiento de la Cruz, h. 1500-1510, National Gallery de Londres
Transfiguración, en la Iglesía de Nuestra Señora (Brujas)
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Hugo van der Goes
El pecado original, Viena. Retrato de donante con san Juan Bautista, Baltimore.
El BoscoSu obra refleja de forma crítica y satírica los vicios y pecados de la sociedad de la época, por medio de visiones oníricas repletas de seres monstruosos con una intención moralizante. Destaca su dibujo preciso y su gran fantasía que le convierte en un antecedente del surrealismo. Entre sus obras destacan El jardín de las delicias, El carro de Heno, La mesa de los pecados capitales y La extracción de la piedra de la locura
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El Carro del Heno147
Mesa de Los siete pecados capitales. 148
La extracción de la piedra de la locura149
EL Patinir
Patinir derrama en sus cielos una luz blanquísima, de gran intensidad, que brilla sobre una línea de horizonte muy alta y sus prados están interrumpidos por rocas y lagunas, elementos que podemos percibir en La Laguna Estigia (Museo del Prado)
El paso de la Laguna Estigia.150
BrueghelEn Brueguel aparece una concepción dinámica del paisaje, con ondulaciones y
una vitalidad bullente, que prefigura los paisajes de Rubens.
151El molino y la cruz
Paisaje invernal con trampa para pájaros
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Para una mayor información sobre el Gótico pueden verse los videos de esta listas de reproducción en Youtube:
https://www.youtube.com/playlist?list=PLEA69VU7Zjuqesiml8EMbxfF_IuXdCsVt
Asimismo puede verse el film sobre Brueghel “El molino y la cruz” enhttps://www.youtube.com/watch?v=5w0uVgrude8
Fuentes, referencias y uso
Recursos propioswww.artehistoria.com/v2/contextos/1360.htmCommons.wikimedia.orges.wikipedia.org/wiki/Arte_g%C3%B3ticoes.wikipedia.org/wiki/Pintura_g%C3%B3ticaTriadó Tur, Juan R. (Dir.). 1999. Historia del Arte. Colombia: NormaHauser, Arnold. 1983. Historia social de la literatura y el arte. Barcelona: Ed. Labor (18ª. Edición).Slideshare.net
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