ENSEÑAR Y APRENDER CON LAS ARTES

Esta modalidad procura ofrecer y garantizar a todos los estudiantes del sistema educativo que fomente y desarrolle la sensibilidad y la capacidad creativa de las personas en un marco de valoración y enriquecimiento del patrimonio cultural de la humanidad.

El arte en la escuela

En las escuelas secundarias con orientación en arte, esta se despliega, como cualquiera de las orientaciones, a partir del ciclo orientado, se inscribe en cada una de las disciplinas artísticas: música, artes visuales, teatro, danza y artes audiovisuales, y otorga el título de bachiller en arte en cada uno de estos lenguajes o disciplinas artísticas.

Otra opción de nivel secundario son las secundarias especializadas en arte. Estos establecimientos ofrecen un mayor trayecto de formación artística, que se inicia desde el primer año del ciclo básico. En algunos casos, estas escuelas tienen en cuanto a la carga horaria jornadas extendidas. En otros habitualmente en las escuelas «históricas» o de larga trayectoria en el tema, una oferta de doble escolaridad. En este caso, la formación se puede acreditar para la llamada formación propedéutica o formación básica para el nivel superior.

EL PORQUÉ DE LA IMPORTANCIA DEL ARTE EN EDUCACIÓN

El arte es una actividad dinámica y unificadora, con un rol potencialmente vital en la educación de los niños. El dibujo, la pintura o la construcción constituyen un proceso complejo en el que el niño reúne diversos elementos de su experiencia para formar un todo con un nuevo significado. En el proceso de seleccionar, interpretar y reafirmar esos elementos, el niño nos da algo más que un dibujo o una escultura; nos proporciona una parte de sí mismo: cómo piensa, cómo siente y cómo ve.

La educación artística, como parte esencial del proceso educativo, puede ser muy buena la que responda por la diferencia que existe entre un ser humano creador y sensible y otro que no tenga capacidad para aplicar sus conocimientos, que no disponga de recursos espirituales y que encuentre dificultades en sus relaciones con el ambiente. En un sistema educacional bien equilibrado se acentúa la importancia del desarrollo integral de cada individuo, con el fin de que su capacidad creadora potencial pueda perfeccionarse.

Para el niño el arte es primordialmente, un medio de expresión. Es para ellos, un lenguaje del pensamiento. El estudiante ve el mundo de forma diferente y, a medida que crece, su expresión cambia.

El entusiasmo de algunos maestros por la manera intuitiva con que ciertos niños pintan, los lleva a imponerles sus propios esquemas sobre los colores, proporciones y forma de pintar. La discrepancia entre los gustos del adulto y el modo en que se expresa el niño es la causa de la mayoría de las dificultades que surgen y que impiden que el niño utilice el arte como un verdadero medio de autoexpresión.

EL ARTE EN LA EDUCACION

La función de la enseñanza parece reducirse a formar gente capaz de coleccionar partes de información y repetirla a una señal dada. Una vez que el estudiante haya formado cierta competencia para proporcionar los fragmentos de información apropiados en el momento oportuno se lo considera apto para graduarse en la escuela. Lo más molesto de esta situación es que esa habilidad para repetir información puede tener muy poca relación con aquello de “miembro útil y bien adaptado” que creíamos estar formando.

Los valores que son significativos en un programa de educación artística son los mismos que pueden ser básicos en el desarrollo de una nueva imagen, una nueva filosofía, e incluso de una estructura totalmente nueva de nuestro sistema educacional. Cada vez hay más gente que reconoce que la aptitud para aprender difiere de una edad a otra y de un individuo a otro, y que esta aptitud para aprender implica no solamente capacidad intelectual, sino también factores sociales, emocionales, perceptivos, físicos y psicológicos. Además, el aprendizaje es un proceso muy complejo; por lo tanto, probablemente no exista un único método “mejor” de enseñanza. Nuestra tendencia a desarrollar la capacidad de repetir fragmentos de información puede estar acentuado indebidamente un determinado factor de desarrollo humano, aquel que actualmente se mide por medio de los test de inteligencia. La inteligencia, tal como ahora la medimos, no abarca todo el amplio rango de aptitudes intelectuales que son necesarias para la supervivencia de la humanidad. La capacidad de preguntar, de hallar respuestas, de descubrir forma y orden, de volver a pensar, reestructurar y encontrar nuevas relaciones, son cualidades que generalmente no se enseñan; en realidad parece que no se toman en cuenta en nuestro sistema educacional.

Probablemente, una de las habilidades básicas que se debería enseñar en nuestras escuelas sea la capacidad de descubrir y de buscar respuestas, en lugar de esperar pasivamente las contestaciones e indicaciones del maestro. Las experiencias fundamentales de una actividad artística contienen precisamente este factor. Esto es así tanto en el caso de un niño del jardín de infantes que está realizando una construcción llamada “primavera”, con paja, papeles de colores y tapitas de botellas, como en el de un estudiante cuando pinta un cuadro que requiere mezcla de colores e invención de nuevas formas.

Uno de los componentes básicos de una experiencia artística, creadora es la relación entre el artista y el ambiente. La pintura, el dibujo o la construcción constituyen un proceso constante de asimilación y proyección: captar a través de los sentidos una gran cantidad de información. En la educación formal vemos que la base para el desarrollo de la enseñanza descansa en 28 letras y 10 números. Estas 38 figuras abstractas, letras y números, se manipulan y se barajan desde el primer grado hasta el final de colegio secundario. El proceso del desarrollo mental tiende, pues, a ser una función abstracta, en la medida en que estas figuras adquieren significados diferentes y más complicados. Evidentemente, no son estas figuras ni su redistribución lo que impulsa el desarrollo mental, sino más bien lo que dichas figuras representan. Por lo tanto, el desarrollo mental depende de una rica y variada relación entre el niño y el ambiente, esta relación es un ingrediente básico para llevar a cabo una experiencia de creación artística.

El hombre aprende a través de los sentidos. La capacidad de ver, sentir, oír, oler y gustar proporciona los medios para establecer una interacción del hombre y el medio. Los programas de las escuelas tienden a descuidar el simple hecho de que el hombre y también el niño aprenden a través de esos cinco sentidos. El desarrollo de la sensibilidad perceptiva debería, pues, convertirse en una de las partes más importantes del proceso educativo. Pero, salvo en las artes, los sentidos parecen estar destinados a que se los ignore. Cuanto mayores sean las oportunidades para desarrollar la sensibilidad y mayor la capacidad de agudizar todos los sentidos, mayor será también la oportunidad de aprender.

Sabemos demasiado bien que el aprendizaje y la memorización de hechos, si no pueden ser utilizados por una mente libre y flexible, no beneficiarán ni al individuo ni a la sociedad. Mientras los notables avances en campos especializados, particularmente en el de las ciencias, en un aspecto han mejorado nuestro nivel material de vida, en otro nos han apartado de aquellos valores que son responsables de nuestras necesidades emocionales y espirituales. Han introducido una falsa escala de valores que no atiende a las necesidades espirituales más íntimas del individuo. La educación artística, como parte esencial del proceso educativo, puede ser muy bien la que responda por la diferencia que existe entre un ser humano creador y sensible y otro que no tenga capacidad para aplicar sus conocimientos, que no disponga de recursos espirituales y que encuentre dificultades en sus relaciones con el ambiente.

El arte no es lo mismo para un niño que para un adulto. En los niños, el arte es un medio de expresión. No hay dos niños iguales y, en realidad, cada niño difiere incluso de sí mismo, a medida que va creciendo, que percibe, comprende e interpreta el medio circundante. Los niños son seres dinámicos; el arte es para ellos un lenguaje del pensamiento. Un niño ve el mundo en forma diferente y a medida que crece, su expresión cambia. La discrepancia entre los gustos del adulto y el modo en que se expresa el niño es la causa de la mayoría de los dificultados que surgen y que impiden que el niño utilice el arte como un verdadero medio de autoexpresión. Si los niños pudieran desenvolverse sin ninguna interferencia del mundo exterior, no sería necesario proporcionarles estímulo alguno para su trabajo creador. Todo niño emplearía sus impulsos creadores, profundamente arraigados, sin inhibición, seguro de sus propios medios de expresión.

LOS SENTIDOS COMO BASE DEL APRENDIZAJE

Solamente a través de los sentidos puede tener lugar el aprendizaje, Esto quizá parezca una cosa obvia; sin embargo, sus consecuencias aparentemente no se tienen en cuenta en nuestro sistema educacional. El hombre se está convirtiendo en un observador pasivo de su cultura, antes que en un constructor activo de ella.

Nuestros antepasados estaban constantemente en contacto con el medio. No sólo construían sus casas y cultivaban su alimento, sino que incluso hacían su arte y su propia música; actualmente los niños tienen muy pocas oportunidades de construir un dique en un arroyo, cavar un túnel o hacer una casa en un árbol. Está desapareciendo rápidamente la posibilidad de intervenir personalmente en un proyecto de naturaleza puramente física o sensorial. Los materiales pre planificados y pre recortados para el armado casero han convertido el arte en algo estéril.

Ver, tocar, oír, oler y saborear implican una activa participación del individuo. Es evidente que aun los niños pequeños no tienen muchas posibilidades de participar en estas experiencias. El niño poco aventajado quizá no haya sido nunca estimulado para ver, tocar o tomar contacto con el ambiente. Más que la simple existencia de sonidos que pueden escucharse, o la presencia de objetos que pueden verse y tocarse, es el estímulo de la interacción del niño y su ambiente a través de los sentidos, lo que diferencia al niño deseoso de explorar e investigar el medio que lo rodea, del que se encierra en sí mismo.

Aunque es obvio que para los niños pequeños los sentidos son muy importantes, el desarrollo de experiencias sensoriales más refinadas debe ser un proceso continuo, en cuyo desarrollo la educación debe desempeñar el papel principal. La educación artística es la única disciplina que realmente se concentra en el desarrollo de las experiencias sensoriales. El arte está lleno de la riqueza de las texturas, del entusiasmo de las formas y de la profusión del color, y un niño o un adulto deben estar capacitados para encontrar placer y alegría en estas experiencias.

Poseer sensibilidad auditiva significa escuchar con atención, no simplemente oír, tener sensibilidad visual implica captar diferencias y detalles, no el sólo hecho de reconocer, lo mismo puede decirse para el tacto y las demás experiencias sensoriales, y la educación artística tiene la misión de desarrollar en el individuo aquellas sensibilidades creadoras que hacen que la vida otorgue satisfacción y sea significante.

LA SECUNDARIA

CAMBIOS PSICOLOGICOS

Cuando los niños empiezan a dibujar y pintar, lo hacen sin ninguna inhibición, especialmente se observa esto en el jardín de infantes. Sin embargo, cuando el niño llega a cuarto, quinto y especialmente sexto grado, nos encontramos con que se ha hechos cada vez más consciente de su propia obra artística, y su expresión ya no es espontánea y libre de inhibiciones. En esta edad, el jovencito comienza a darse cuenta de la desdichada posición en que se encuentra, es decir, él es ahora un individuo consciente y que piensa, pero no está en condiciones de tomar ninguna actitud especial para cambiar el estado de cosas. Estos jóvenes son hostiles con sus padres, se hallan desilusionados de la escuela y a veces de sí mismos. No es de sorprenderse, por lo tanto, vemos que son críticos de sus propios trabajos artísticos.

En otras etapas anteriores, el niño intentaba el dibujo o la pintura sin ninguna inhibición, pero ahora que ha perdido esa capacidad se ha hecho muy consciente de sus actos. Es un período realmente crítico en su evolución: no ha desarrollado un análisis objetivo consciente de sus actos, pero al mismo tiempo se siente inseguro en su infantil aproximación al arte.

Existen, por supuesto, indicios que anuncian cuándo se empiezan a producir estos cambios: El alumno suele tapar su dibujo cuando un adulto se aproxima, se niega a mostrar algo o acepta con facilidad cualquier evaluación que se haga sobre su trabajo artístico. El estudiante secundario ya no está atado por el yo; para él, el éxito o el fracaso del dibujo estará probablemente determinado por la mayor o menor fidelidad con que resulta representada la naturaleza, la apariencia del dibujo o la construcción se ha vuelto mucho más importante para el alumno.

Una de las importantes tareas de la educación artística durante la escuela secundaria y en especial durante la primera parte de ésta, es proporcionar los medios para que el joven pueda continuar utilizando el arte y conservando la confianza en sus propios medios de expresión.

LA CAPACIDAD CREADORA

En los últimos años ha habido un aumento del interés demostrado por los educadores en el capo de la capacidad creadora. Se han introducido muchas innovaciones en la enseñanza de los temas de estudio usuales para lograr la respuesta creadora por parte de los estudiantes. Uno de los métodos ha consistido en plantear problemas que los alumnos tienen que analizar y resolver.

En el arte, siempre ha existido la impresión de que la creación es una parte esencial de la experiencia, pero a menos que se tenga la precaución de asegurarse que los estudiantes desarrollen una actitud creadora y de que las condiciones ambientales sean tales que alienten el proceso creador, no hay ninguna seguridad de que las experiencias artísticas en sí puedan dar origen a la creación.

La transición de una manera espontánea y natural de trabajar con materiales artísticos a otra forma con conciencia crítica de las propias acciones, exige un plan bien desarrollado para alentar la creación. Con los niños pequeños podemos alentar y proteger el entusiasmo y la libertad que parece ser una parte de la vida. En cambio, en la escuela secundaria, el desarrollo del pensamiento creador debe estar contemplado en un programa planificado, en el cual la flexibilidad, la fluidez, la originalidad y la facultad de pensar en forma independiente e imaginativa no se dejen a l azar. Es de primordial importancia desarrollar pautas de pensamiento creador a esta edad, puesto que las actitudes y valores que desarrollen estos jóvenes en este momento los acompañaran toda la vida.

No es suficiente que los alumnos produzcan, aun cuando estas producciones puedan llamarse arte. Es importante desarrollar la facultad de pensar en forma creadora, de aprender a crear. Para algunos estudiantes, esto puede ser una experiencia difícil, pues muchos han triunfado siguiendo las fórmulas o pautas ajenas. Esto puede ser así aun en el caso de jóvenes muy inteligentes.

EL PROFESOR DE ARTE

El profesor de arte tiene una situación favorable en las escuelas, Como el arte se considera como algo un tanto diferente, eso le permite al profesor convertirse en el docente más creativo. Así, encontramos que los profesores de arte suelen dar su clase en una forma muy personal, sin atraerse a las críticas de la administración. Aunque el maestro de arte deba consumir horas en preparar y planear su clase, no tiene la pesada carga de corregir pruebas o deberes, como es el caso de otros profesores de nivel secundario, entonces se supone que la tarea del profesor de arte es realmente deliciosa.

Sin embargo, los jóvenes de la secundaria esperan mucho más del maestro de artes, además de todas sus restantes responsabilidades, se exige que el profesor de arte sea un artista creador; los estudiantes son un reflejo de su maestro, entonces, el maestro de arte no puede exigir trabajos creativos si él mismo en su desempeño como docente no puede serlo; el

maestro de arte debe tener experiencias creativas personales para estar en mejores condiciones de brindar y propiciar un ambiente creativo.

CONCLUSIONES

El acto de dibujar o pintar es, en sí mismo, una experiencia de aprendizaje.

En cada trabajo artístico que ejecuta un niño o un joven, refleja sus sentimientos, su capacidad intelectual, su sensibilidad perceptiva, su capacidad creadora, su desarrollo social y su conciencia estética.

Los maestros y profesores pueden desempeñar un papel muy importante en el desarrollo, no sólo de arte infantil, sino de los mismos niños.

Sólo a través de un maestro que ayuda, estimula e intercambia ideas con los estudiantes se puede lograr una creciente sensibilidad hacia el medio circundante.

El espíritu creador de los estudiantes necesita ser reforzado, y es el maestro quien debe promover las condiciones ambientales que permitan que la experiencia artística se convierta en algo interesante.

El arte no puede tratar de competir con temas académicos, el arte debe mantener su integridad y permanecer siendo básicamente humano, debe ser el lugar al que dirija sus ojos el joven estudiante, sin la preocupación de que su trabajo sea evaluado, ni la sensación de que tiene que actuar de acuerdo con los cánones de otros.

El arte proporciona la oportunidad de evolucionar y progresar por caminos que no se permiten en otras materias o asignaturas.

El arte puede brindar el estímulo para una acción constructiva y la oportunidad para que cada individuo se vea a sí mismo como un ser aceptable.

El elemento esencial en todo el programa artístico es el estudiante, y la a educación artística despeña un papel vital en su desarrollo.

¿POR QUÉ EL CEREBRO HUMANO NECESITA EL ARTE?

El arte en todas sus manifestaciones constituye una característica esencial que identifica al ser humano, ha permitido transmitir la cultura en toda su extensión y ha sido y es básico para su supervivencia. Nuestro cerebro plástico necesita el arte. Ya en los primeros años y de forma natural el niño juega, canta, baila, dibuja y todas estas actividades son imprescindibles para su correcto desarrollo sensorial, motor, cognitivo, emocional y en definitiva cerebrales que le van a permitir aprender a aprender. Y realizando todas estas actividades el niño se divierte, muestra orgulloso sus resultados a los demás, intenta mejorar y ésta es una forma efectiva de entrenar una de las grandes virtudes del ser humano: el autocontrol. La educación artística es una necesidad no porque nos haga más inteligentes sino porque nos permite adquirir toda una serie de competencias y rutinas mentales que están en plena consonancia con la naturaleza social del ser humano y que son imprescindibles para el aprendizaje de cualquier contenido

curricular. Y esto es útil para todos los alumnos, por lo que se convierte en una forma estupenda de atender la diversidad en el aula.

EL CEREBRO ARTÍSTICO

Las neuroimágenes cerebrales revelan algunos indicios de por qué las actividades artísticas son tan importantes. Así, por ejemplo, se sabe que ciertas estructuras de la corteza auditiva solo responden a tonos musicales, que una parte importante del cerebro y del cerebelo interviene en la coordinación de todo tipo de movimientos, como en el baile, que en las recreaciones teatrales regiones del cerebro especializadas en el lenguaje oral que están conectadas con el sistema límbico nos proporcionan el componente emocional o, referido a las artes visuales, que nuestro sistema de procesamiento visual genera imágenes reales o ficticias con la misma facilidad.

Como podemos ver en la figura 1, cada actividad artística activa diferentes regiones cerebrales. La música se procesa en la corteza auditiva que está en el lóbulo temporal, las artes que conllevan movimiento como el baile o el teatro activan la corteza motora, las artes visuales como la pintura se procesan principalmente en los lóbulos occipital y temporal, mientras que la poesía o la prosa implican a las áreas de Broca y Wernicke relacionadas con el procesamiento lingüístico.

¿POR QUÉ ENSEÑAR LAS ARTES?

Los estudios que han analizado la implementación de la educación artística en el aula han revelado que los efectos más potentes se encuentran en aquellos programas que se integran plenamente en las asignaturas del currículo y que cuando ocurre esto se obtienen múltiples beneficios relacionados con el aprendizaje de los alumnos y su comportamiento. Rabkin y Redmond (2004) han identificado los más significativos:

Existe un mayor compromiso emocional de los alumnos en el aula.

Los alumnos trabajan de forma más activa y aprenden unos de otros.

Los grupos de aprendizaje cooperativo convierten las clases en comunidades de aprendizaje.

Se facilita el aprendizaje en todas las asignaturas a través de las artes.

Los profesores colaboran más y tienen mayores expectativas sobre sus alumnos.

El currículo se vuelve más real al basarse en un aprendizaje por proyectos.

La evaluación es más reflexiva y variada.

Las familias se involucran más.

Desde la perspectiva neuroeducativa, nos interesan especialmente tres factores imprescindibles para el aprendizaje que las artes pueden mejorar:

La memoria

En un estudio con alumnos de quinto grado (10-11 años) se diseñaron unidades didácticas relacionadas con materias científicas (astronomía y ecología) siguiendo dos procedimientos distintos: en uno se utilizó el enfoque tradicional y en el otro se integraron las artes en la unidad. Así, por ejemplo, en el segundo caso, los alumnos realizaban actividades con objetivos didácticos definidos que incluían actuaciones teatrales, dibujos de posters, recreación de movimientos o utilización de la música. El análisis de los resultados reveló que los alumnos que participaron en la unidad didáctica en la que estaban integradas las actividades artísticas mejoraron la llamada memoria a largo plazo, especialmente los alumnos con dificultades lectoras.

Las emociones

En un estudio longitudinal que duró tres años se quiso analizar cómo afectaba la integración de diferentes programas artísticos al desarrollo personal de alumnos con edades entre 9 y 15 años que pertenecían a entornos socioeconómicos desfavorecidos. En la primera parte del programa se permitió elegir a los alumnos del grupo experimental entre diferentes formas artísticas como la música, la pintura, la grabación de videos, la escritura de guiones o el diseño de máscaras; en la segunda se profundizó más en los medios elegidos a través de un trabajo cooperativo; y en la etapa final en la que intervenían todos los alumnos se escenificó una obra de teatro y se grabó un video sobre la propia comunidad escolar. Los tres años de aplicación del programa revelaron que los estudiantes mejoraron sus habilidades artísticas y sociales, redujeron sus problemas emocionales y, en general, desarrollaron más que el grupo de control toda una serie de competencias interpersonales como la comunicación, la cooperación o la resolución de conflictos.

La creatividad

Las artes enseñan a los niños que los problemas reales suelen tener más de una solución posible, que es necesario analizar las tareas desde diferentes perspectivas, que la imaginación es una poderosa guía en los procesos de resolución o que no siempre existen reglas definidas cuando tienen que tomar decisiones.

Cuando se integran las disciplinas artísticas en las prácticas pedagógicas se promueve el pensamiento creativo y divergente en los alumnos y no solo eso, sino que también desarrollan un pensamiento más profundo.

Comentamos, a continuación, aspectos relevantes sobre algunas de las disciplinas artísticas:

MÚSICA

La música nos produce bienestar porque estimula nuestro sistema de recompensa cerebral que libera dopamina y eso nos hace sentir bien. Es beneficioso desde la perspectiva emocional escuchar música, pero desde la perspectiva cognitiva es mejor practicarla. Así, por ejemplo, la activación simultánea de áreas sensoriales y motoras al tocar un instrumento musical conlleva la mejora de capacidades generales como la memoria de trabajo o la atención.

¿Nos hace la música más inteligente?

Hay diversos estudios que sugieren que los niños que reciben educación musical obtienen mejores resultados académicos. Sin embargo, la existencia de una correlación no significa que haya una causalidad. El niño puede obtener estos mejores resultados debido a otros factores relacionados, por ejemplo, con sus propias capacidades o con el entorno familiar en el que se desarrollan. Cuando se utilizan diseños experimentales rigurosos en los que existe un grupo de niños asignados de forma aleatoria que recibe instrucción musical y otro grupo de control que no la recibe, los resultados son diferentes. Y aunque pueda parecer sorprendente, ha habido muy pocos experimentos de este tipo y con resultados poco esclarecedores sobre los beneficios cognitivos que reporta la actividad musical.

ARTES VISUALES

El cerebro humano ha desarrollado una extraordinaria capacidad para crear imágenes mentales internas e incluso, se ha demostrado en estudios con neuroimágenes que se activan las mismas regiones cerebrales al ver una escena real que al imaginarla. Esto es muy interesante, porque la visualización es una herramienta potente en los procesos de memorización.

¿Qué puede aportar una clase de dibujo?

Si preguntáramos a los alumnos qué aprendieron en las clases de artes visuales seguramente la mayoría respondería que aprendieron a dibujar, a pintar o a representar algún gráfico. Es lógico que en las clases de arte se aprendan las técnicas artísticas correspondientes, sin embargo, se pueden aprender muchas más cosas. Winner y sus colaboradores (2006) han identificado ocho disposiciones (rutinas mentales) que los alumnos pueden desarrollar en las clases de artes visuales y que pueden transferirse a otros dominios del aprendizaje:

Utilización de herramientas y materiales: los alumnos aprenden las técnicas propias de la disciplina utilizando, por ejemplo, pinceles y lápices o pintura y arcilla.

Participación y perseverancia: los alumnos aprenden a comprometerse con la materia a través de los proyectos realizados.

Imaginación: los alumnos aprenden a visualizar e imaginar situaciones que se alejan de la mera observación.

Expresión: los alumnos aprenden a transmitir una visión personal en sus trabajos.

Observación: los alumnos aprenden a utilizar una mirada propia y a percibir detalles menos obvios.

Reflexión: los alumnos aprenden a explicar, justificar y evaluar lo que realizan con un espíritu crítico.

Exploración: los alumnos aprenden a ir más allá de sus creaciones, a tomar nuevos riesgos y a aprender de sus errores.

Comprensión del mundo artístico: los alumnos aprenden a relacionarse con el arte y a entender todo lo asociado a él como galerías, museos, etc.

ARTES ESCÉNICAS

De forma paradójica, las actividades escolares que implican movimiento, sean artísticas como cualquier estilo de baile o el teatro o deportivas como en el caso de la Educación Física, están siendo reducidas. Sin embargo, las investigaciones en neurociencia están demostrando su importancia a todos los niveles, incluido el cognitivo. Por ejemplo, la danza es una estupenda forma de desarrollar tres aspectos del pensamiento creativo: la fluidez, la originalidad y la capacidad de abstracción. Por otra parte, hoy sabemos que los mismos circuitos neurales que se activan al realizar una acción también lo hacen al observar a otra persona haciéndola. Estas neuronas espejo posibilitan la imitación, una poderosa forma de aprendizaje.

¿Vale la pena apuntar a mi hijo a teatro?

En una investigación en la que Catterall (2002) analizó los estudios realizados sobre los efectos del teatro en entornos escolares identificó muchos beneficios, algunos de ellos relacionados directamente con las materias curriculares y otros, que son los más importantes, con el desarrollo integral de la propia persona. Los más representativos son los siguientes:

Convierte los conceptos abstractos en conceptos concretos.

Aborda los contenidos curriculares desde una perspectiva más atractiva.

Mejora su vocabulario.

Acerca el aprendizaje al mundo real.

Permite reflexionar a los alumnos sobre lo que hacen y comparar sus opiniones con las de los demás.

Fomenta la tolerancia y el respeto por los demás.

Mejora su autocontrol y su autoestima.

Suministra un sentimiento de libertad acompañado de responsabilidad.

En mi caso particular, puedo asegurar que algunas de las mayores satisfacciones en mi experiencia docente provienen de haber comprobado como alumnos con dificultades para el aprendizaje o para relacionarse con los compañeros adquirían toda una serie de competencias

interpersonales a través del teatro que les hacían mejores alumnos y sobre todo personas más felices.

EN LA PRÁCTICA

Ya hemos hablado de la relevancia de las artes como tales, pero lo más importante es integrar las actividades artísticas en cada una de las diferentes materias curriculares asumiendo una perspectiva transdisciplinaria. Será un acto creativo (no podemos pedir a nuestros alumnos que sean creativos si nosotros no lo somos) que despertará la curiosidad del alumno. Y como tantas veces hemos comentado, esta carga emocional facilitará la atención y con ello el aprendizaje. Cuando estamos motivados, todo es más fácil.

Veamos algunos ejemplos concretos (más información en Sousa, 2011):

Artes visuales. El profesor de Química pide a sus alumnos que dibujen un organizador gráfico en el que se muestren las fases más importantes de un experimento.

Música. El profesor de Historia pide a sus alumnos que reflejen en la letra de una melodía popular los hechos más significativos de la Revolución Francesa.

Poesía. El profesor de Matemáticas pide a sus alumnos que escriban una estrofa de un poema sobre los pasos que hay que seguir al resolver una ecuación matemática.

Teatro. El profesor de inglés pide a sus alumnos que escriban un final alternativo de la obra Romeo y Julieta y que hagan una recreación teatral del mismo.

Y podemos seguir todo lo que nuestra imaginación nos permita. Podemos encontrar ejemplos en cualquier asignatura y en cualquier etapa educativa. Por otra parte, en el caso de currículos artísticos específicos, ya hemos comentado que el aprendizaje basado en proyectos es una muy buen opción porque fomenta más el trabajo cooperativo, la reflexión o la autoevaluación que los enfoques tradicionales, generando además una mayor motivación intrínseca en el alumno.

CONCLUSIONES FINALES

No se puede negar que las actividades artísticas estén arraigadas en el propio desarrollo del ser humano desde su nacimiento y que constituyan una recompensa cerebral natural necesaria para el aprendizaje. Porque la práctica de cualquiera de las manifestaciones artísticas lleva asociada un componente emocional que nos motiva y que nos permite contemplar el mundo que nos rodea desde una perspectiva diferente, más estética, más profunda. La Educación Artística resulta imprescindible porque permite a los alumnos adquirir toda una serie de competencias socioemocionales básicas para su desarrollo personal y que, además, les hacen más felices. Y ese es el verdadero aprendizaje, el que les prepara para la vida. El cerebro humano, que es un órgano complejo en continua reestructuración, agradece los retos y necesita el arte.