El arte contemporaneo en el aula
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2016
ARTE
VISUAL
UN AIRE CONTEMPORÁNEO EN
EL AULA
Material de apoyo docente
Artes Visuales
Material de apoyo al docente
TITULO
Un Aire Contemporáneo en el Aula
SUBTITULO
Material de Apoyo Docente
AUTORES
Celia de la Luz Bustamante Solís
María Jesús Hernández Galdames
ASESOR
Mario Ibarra Catalán
UNIVERSIDAD
Universidad de Playa Ancha, Ciencias de la Educación
Valparaíso, Chile 2015
«Si las obras de arte se colocaran directamente en un
contexto humano de estimación popular, tendrían una
atracción mucho más amplia de las que obtienen bajo el
dominio de las teorías que ponen al arte en las alturas».
John Dewey (1934)
El interés social creciente en las últimas manifestaciones artísticas, ha tenido también su
eco en las nuevas tendencias educativas de las que destaca sin lugar a dudas la cultura
visual. Como su nombre indica se basa en construir un dialogo social a través del análisis
de la información visual más cercana al educando, incorporando las nuevas tecnologías,
la publicidad, los vídeo juegos, etc., al currículo y reduciendo el análisis artístico formal de
obras consagradas, asociadas generalmente a criterios elitistas.
Esta guía didáctica aborda las manifestaciones participativas del arte contemporáneo
surgidas en torno a 1970 en especial el vínculo entre los géneros del Video Arte, la
Instalación Artística, el Performance y el Arte Povera, que, por sus características
específicas, puede contribuir positivamente a la compresión del accionar pedagógico del
arte contemporáneo en el entorno social del aula.
Todas las intervenciones didácticas (actividades) propuestas se enfocan hacia la creación
de metodologías que permitan acercar y relacionar las diferentes expresiones del arte
contemporáneo los distintos ámbitos educativos para contribuir en el área de la
didáctica del arte a los planes y programas del ministerio de educación para la
enseñanza media.
Así planteamos la necesidad e idoneidad de trabajar cuestiones relativas a lo visual y
audiovisual contemporáneo en todos los niveles de la enseñanza media obligatoria, por
su capacidad para desarrollar y fomentar discursos visuales y audiovisuales que hagan al
alumnado conocer más su entorno y adaptar sus formas de comunicación a éste. Lo
visual y audiovisual es el día a día de todos los que habitamos este mundo, conocemos e
interpretamos la realidad a través de sus imágenes y sonidos, nos relacionamos con los
demás a través de estos; por lo tanto, es prioritario desarrollar en las aulas una educación
visual y audiovisual creativa, critica y plena.
PRESENTACIÓN
Explorar las cualidades del arte contemporáneo, identificando los orígenes de sus
diferentes géneros e influencias, proponiendo actividades reflexivas, proporcionando
información visual de obras claves de artistas representativos de estas disciplinas
artísticas.
Aportar metodologías didácticas específicas para el proceso de enseñanza y aprendizaje
de las artes visuales, adecuadas a las nuevas realidades visuales contemporáneas.
Desarrollar la capacidad reflexiva y creativa de los alumnos y profesores a partir de las
problemáticas de su entorno social y simbólico.
Incentivar y orientar procesos creativos personales que renueven y amplíen la mirada
sobre el entorno.
Esta propuesta de guía didáctica para el apoyo del docente de artes visuales, presenta
actividades con una visión contemporánea, basadas en los planes y programas del
ministerio de educación, no se especifica actividad por curso, ni se hace una división
sistemática por etapas educativas, estas son aplicables a cualquier unidad o curso de
enseñanza media teniendo en cuenta que debe tener relación con el contenido a realizar
con dicho curso.
OBJETIVOS DE LA GUÍA
Límites de la Guía
La presente guía podría tener un resultado importante en el campo de la educación
artística, al establecer unas pautas didácticas para la disolución del aislamiento
pedagógico y artístico que todavía se vive.
Se pueden distinguir dos niveles:
En primer lugar, el positivo efecto que generaría un arte vinculado a las necesidades
sociales.
En segundo lugar, los beneficios que, sin duda, el arte, a largo plazo recibiría al disfrutar
de una educación crítica, artística, dinámica e integrada.
Esta guía presenta las siguientes particularidades:
Es un material didáctico que relaciona el arte contemporáneo y la educación artística,
contribuyendo al enriquecimiento de esta área que se encuentra muy desatendida en la
educación artística en Chile.
Las características del tema de la guía
En lo educativo
En lo artístico
Resultan significativas las aportaciones
alemanas en cuanto a la educación
artística, con la Bauhaus y el trabajo
artístico y educativo de Joseph Beuys.
Uno de los autores más
comprometidos con los aspectos
educativos del arte, que desarrollo una
importante e innovadora producción
artística en la instalación. Su peculiar y revolucionaria concepción del arte, unida al
desarrollo social, político y humano tuvieron una importancia fundamental, influyendo
en materiales posteriores y en la creación de este estudio. Luis Camnitzer, rescatando la
dimensión educativa del arte implícita en Beuys, ha desarrollado una actividad paralela
en el campo educativo y artístico, proponiendo una contaminación de las distintas
disciplinas artísticas y situando el arte y la educación artística en el mismo nivel.
RELACIONANDO LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA Y EL ARTE CONTEMPORÁNEO
«El vídeo no es una forma que tenga la realidad de estar ahí, es mil maneras que tienen
las imágenes de estar en otra parte». Jean Paul Fargier (2000)
Existe un consenso general en cómo entender Videoarte: toda obra en la que total o
parcialmente se utiliza la
tecnología del vídeo, bien sea
en formato electromagnético o
digital y cuya creación
audiovisual presente una
intencionalidad claramente
artística. Entendiendo por
intención artística, toda
aquella que añada un contenido experimental, formal, poético o filosófico, extra a la
creación audiovisual en sí, mediante la utilización de recursos técnicos, narrativos,
estéticos y conceptuales, no meramente comunicativos o informativos. Del mismo modo,
se puede hablar de Video creación o creación audiovisual, subrayando el sentido creativo
de la actividad que se dirige principalmente a los sentidos de la vista y del oído,
destacando siempre el interés artístico que sustentan sus autores.
La generalización en los últimos años del término Videoarte aparece unido también al
intenso debate en torno a su autoría que desplaza la consideración tradicional del artista
como autor único e incluye nuevas formas y estructuras como: el arte colectivo,
participativo, colaborativo y educativo.
Uno de los primeros debates planteados en los años 80 se centra en torno a las
VIDEOARTE
EL VIDEOARTE: PLANTEAMIENTOS INICIALES Y CONTROVERSIAS
impugnaciones relativas del término Videoarte. ¿Cuál es el origen de la palabra vídeo?
¿Qué connotaciones trae consigo que puedan esclarecer parte de su naturaleza?
Para responder a esta pregunta básica, es interesante detenernos en la raíz etimológica
del término, ya que la palabra “vídeo” corresponde a la primera persona del presente
indicativo del verbo latino, “video”, es decir “yo veo”. Nos encontramos por lo tanto ante
la idea de dicho medio como vehículo de una visión en primera persona, al contrario que
el concepto de “televisión” cuyo significado es “visión a distancia” denominación que lo
sitúa más próximo a comprenderse como medio de masas.
Mattalia plantea su comprensión como una tecnología capaz no sólo de grabar
imágenes, sino también de tratarlas y difundirlas, al margen de la vía televisiva, como un
medio similar al cine. El término plantea el problema de sus múltiples acepciones que
designan, al mismo tiempo, desde una técnica video a un producto acabado un vídeo,
además de poder ser
utilizado para
caracterizar una forma
artística, es decir: “el
video” como
Videoarte. La autora
plantea que la
consideración de esta
amplitud de funciones
proviene del conjunto
de prácticas
domésticas, artísticas, documentales, publicitarias, de vigilancia, etc., que el medio puede
vehicular. Como ella misma apunta: «estas múltiples acepciones ponen sobre la mesa la
pregunta de sí el vídeo es un medio, un soporte, una estética, una práctica artística, etc.».
(Rodríguez Mattalia, 2008: 139)
El término Videoarte fuese acuñado en la línea de otros términos surgidos en la misma
época como body-art, land-art, conceptual-art,etc. con el fin de nombrarlas actividades
videográficas que en el campo del arte comenzaron a tomar fuerza en los años 70.
Inicialmente la expresión, vídeo-tapes, identificó este tipo de creaciones, en alusión a los
dispositivos de cintas magnéticas donde quedaban registradas las grabaciones,
ampliándose al poco tiempo por otros términos como los de vídeo-esculturas, vídeo-
performances o autorretratos videográficos, que intentaban concretar a través de estas
combinaciones, definir el conjunto de acciones o intervenciones artísticas realizadas en
soporte videográfico. Finalmente, el término anglosajón Video art resultó ser la
convención más extendida con adaptaciones en diferentes idiomas como Videoarte en
español o Art video en francés.
No es hasta la década de los 80, con la incorporación de un buen número de realizadores
y teóricos que
venían de otros
ámbitos
profesionales
distintos al de las
Bellas Artes, que se
adopta el término
Video creación o
Vídeo de creación
para referirse a
este tipo de producciones audiovisuales artísticas, abandonando el original de Video art
por lo controvertido del término, que no respondía adecuadamente –según la nueva
generación de autores– al verdadero sentido de estas construcciones artísticas
audiovisuales, abriendo con ello, un largo debate terminológico aún no concluido.
(Rodríguez Mattalia, 2008: 140).
Podemos constatar, por ejemplo, como en países donde el videoarte despuntó más tarde
–España y la mayor parte de países de Latinoamérica– el término de video creación
tuvo una mayor acogida y mantuvo su influencia hasta la actualidad, probablemente
por la coincidencia cronológica de la irrupción del género en estos países y del debate
creado en los países donde si estaba consolidado como práctica artística generando una
particularidad dentro del arte realizado en vídeo de estas áreas periféricas.
Numerosos estudios que han revisado la evolución de este género artístico han concluido
en retomar el inicial de Videoarte o Video art como el término más apropiado para
hacer alusión a esta forma de arte.
Como conclusión, debemos destacar que
el carácter inestable del territorio video
arte ha trazado un campo de estudio
que participa igualmente de esta
inestabilidad y mixtura. En este sentido,
la imagen-vídeo está en continua
metamorfosis y evolución, haciendo
compleja la construcción de un estudio
estable sobre sus límites, concreciones y
contenidos propios. Nuestra investigación
viene a adherir un nuevo punto de vista y una decidida apuesta por incorporar nuevas
posibilidades del video arte dentro del territorio de la educación.
Consideramos que parte de la distancia, en lo que se refiere al acercamiento y
comprensión desde los contextos educativos al audiovisual contemporáneo, ya ha sido
recorrida. El entorno cotidiano en el que nos movemos, nos informamos y nos
comunicamos es audiovisual y los procesos de creación de imágenes ya no son exclusivos
del mundo profesional. El acceso a las nuevas tecnologías es hoy un hecho y el universo
de productos audiovisuales con los que interaccionamos inundan nuestro entorno. Por lo
tanto, los procesos de comprensión relacionados con su creación y reconocimiento, y la
interpretación de sus imágenes y códigos, pueden plantearse como un principio “latente”
que permite pensar en un planteamiento de estas formas del audiovisual
contemporáneo en los contextos educativos. Además, estas creaciones audiovisuales
mantienen las mismas posibilidades expresivas y la capacidad de desarrollar idénticos
procesos conceptuales que cualquier otra forma de arte. Esto no quiere decir que desde
aquí planteemos una Educación Artística que valore más unas formas y medios en
detrimento de otros, tan sólo exponemos la potencialidad de estos lenguajes para
aproximarnos al arte de nuestros días, y cómo no; para releer y reconstruir los del pasado.
Es preciso realizar una puntualización acerca del tema del video arte y de la educación
artística. El contenido de la guía se acoge a las relaciones y aspectos vinculados con el
arte contemporáneo, especialmente sus géneros, incluyendo todos los elementos que lo
relacionan con otras expresiones, lenguajes y movimientos del arte contemporáneo como
la instalación artística, el
performance y el arte povera,
aunque cuenten con
intenciones didácticas. Es decir,
el presente estudio no incluye
aquellas construcciones
atmosféricas propias de
algunas exposiciones temáticas
y divulgativas, que utilizan
elementos multidisciplinares,
multimedia, audiovisuales,
virtuales, interactivos, táctiles, olfativos, etc., para captar la atención del receptor y
comunicar su información de una manera más efectiva y agradable.
Primeramente, nos encontramos con el término Videoarte que hace referencia a un
movimiento artístico, surgido en Estados Unidos y Europa hacia 1963 y que inicia su
difusión en los escenarios del arte contemporáneo durante los años sesenta y setenta,
transformando y ampliando su campo de acción durante el resto del siglo XX hasta
nuestros días. En la actualidad,
lejos de ser en un movimiento,
se ha transformado en un
lenguaje propio dentro de las
artes visuales, escapando a la
lógica de la disciplina para
mostrarse complejo y
problemático en los intentos por
definirlo y acotarlo de forma precisa en gran medida por su carácter heterogéneo en el
CONSIDERACIONES SOBRE EL VIDEO-ARTE COMO RECURSO EDUCATIVO
que dialogan la creación artística y las nuevas tecnologías, además de su carácter
permeable que lo impregna de conceptos y formas de hacer de otras disciplinas como el
cine, la performance, la danza, la escultura, la arquitectura, la poesía, la animación o la
pintura, entre otros. Además, el videoarte desde sus orígenes esta asociado a formas
críticas de contra televisión, de activismo social y a nuevas realidades artísticas que
plantean otros canales de creación y difusión, como es el caso del net art, que nos obligan
a considerar otros entornos de acción como lo colectivo, que ampliaran las habituales
referencias a los mundos subjetivos de sus creadores. En definitiva, un espacio reticular
que se muestra escurridizo a toda indagación y que nos obliga a plantear otras formas
de búsqueda y definición de sus recursos para adaptarlos a la investigación educativa.
1. Establecer puntos de conexión entre el arte contemporáneo y la educación artística a
través del videoarte.
2. uso del Videoarte como estrategia didáctica, como lenguaje expresivo dentro del
contexto del arte contemporáneo
3. Promover un acercamiento del alumnado y profesorado a las diferentes formas de
expresión del arte contemporáneo, incorporando esta experiencia en su desarrollo vital y
profesional.
Surgen nuevas cuestiones relacionadas
con las formas y contenidos de una
Educación Artística que deberá de
abordar todas aquellas cuestiones
relativas a los nuevos lenguajes
audiovisuales generados desde el arte
Objetivos Específicos referidos a los ámbitos educativos en los
que vamos a desarrollar la guía:
¿Por qué el videoarte?
contemporáneo y desde los entornos más próximos a la comunicación audiovisual y el
estudio de los mass-media.
El origen de esta guía esta motivado por el interés profesional en el videoarte, en las
nuevas narrativas audiovisuales y en generar procedimientos para abordar su
implantación en la realidad escolar.
El lenguaje videografico forma parte de la vida diaria, donde la televisión se presenta
como el medio que más ha repercutido en la globalización. Su desarrollo define una
época y un modo de vida que influye en los contenidos informativos. La historia ya no
solo se escribe; es registrada en imágenes y exhibida a través de los medios de
comunicación que convierten a los ciudadanos en audiencias y los obliga a debatirse
ante la ley de la oferta y demanda de sus productos de consumo masivo.
Las características que convierten al Videoarte en un instrumento pedagógico en la
enseñanza audiovisual. Entre otras especificaciones señalamos:
1. Su capacidad para asimilar la cultura,
amplificando la capacidad para conocer,
comprender, apreciar y valorar críticamente las
diferentes manifestaciones culturales y artísticos
del entorno más inmediato y del contexto
internacional en las que están inscritas,
utilizándolas como fuente de enriquecimiento y
disfrute, considerándolas parte de nuestro
patrimonio universal.
2. La posibilidad de aprender al mismo tiempo
que se promueve una actitud crítica en todo el proceso de realización audiovisual.
Propiedades que convierten al videoarte en un proceso pedagógico
tan necesario en los contextos educativos actuales
3. Por último, la posibilidad de hacer visible un entorno de creación que motive al
alumnado en la búsqueda de soluciones, fomentando su iniciativa y autonomía personal
en una sociedad que plantea nuevos retos y que se encuentra en continua
transformación.
Muchos de los artistas iniciadores del videoarte fueron aquellos que estuvieron también
relacionados a movimientos del Arte conceptual, Performance, y cine experimental.
Entre estos se encontraban los norteamericanos Vitto Acconci, John Baldessari, Peter
Campus, Doris Totten Chase, Norman Cowie, Dan Graham, Joan Jonas, Bruce Nauman,
Nam June Paik, Martha Rosler, William Wegman, y muchos otros. Estaban también
Steina y Woody Vasulka que estaban interesados en las cualidades formales del video y
que emplearon video sintetizadores para crear trabajos abstractos.
Nam June Paink, (Seu l, Corea
del Sur, 1932- Miami, EEUU.,
2006) es sin duda una de las
figuras claves en el videoarte.
Pertenece a su historia mítica
del género que lo convirtió en
su progenitor. Aun así, lejos de
interesarnos por su
protagonismo en aquellos primeros años –es uno de los representantes de Fluxus–,
supone un punto de partida para ciertos planteamientos relacionados con la cultura de
las nuevas tecnologías electrónicas. Su campo creativo no se limitó al estético y
problematizo sobre la percepción y la desproporción sensorial provocada por las
extensiones tecnológicas. Paik, ya adelantaba la existencia de un nuevo videoarte en
Internet en el que las diferentes formas de arte se mezclaban: video y literatura, gráficos
y música dando forma al net.art. Por todo esto, Nam June Paik, es una referencia
Precursores:
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indiscutible en nuestra guía dentro y fuera del aula. El gran maestro de los remezclas,
integrante de Fluxus, que lejos de los postulados destructivos dirigidos hacia la televisión,
abanderados entre otros por Wolf Wostel, proponía una deconstrucción de la televisión,
adelantando en muchos sentidos el escenario actual en relación al fenómeno del
videoarte.
Nam June Paik at James Cohan, NYC (April 2009)
https://www.youtube.com/watch?v=Ra-OU33n434
Nam June Paik | TateShots
https://www.youtube.com/watch?v=5RE1ueYnSVc
For Nam June Paik´s Piano
Hans Richter (Berlín, Alemania, 1888 -
Muralto, Suiza, 1976), fue un artista y
cineasta vinculado al movimiento
Dada, es una referencia importante en
nuestro estudio porque defendía el
derecho de existir del cine experimental
y explicaba algunas de sus
particularidades. Además, actuó como
bisagra entre el cine de vanguardia
europeo y el norteamericano. Se dedicó
a la experimentación de contrapuntos
rítmicos y variaciones formales abstractas pintando “rollos” de papel y realizando filmes
experimentales abstractos, denominadas: Películas Rítmicas. (1923).
Películas Rítmicas. (1923) Hans Richter
https://www.youtube.com/watch?v=E_s2szMVAr0
Filmstudie (1926) - Hans Richter
https://www.youtube.com/watch?v=gT6x3WlxtPM&ebc=ANyPxKqFeA8YUIB2mEc
FoEm-USy-
Obras
para ver
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Obras
para ver
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WZA
Inflation (1927)- Hans Richter
https://www.youtube.com/watch?v=lBsW6PRYyDg
La figura de Cindy Sherman (New
Jersey, EEUU, 1954) es un magnífico
ejemplo de cómo la fotografía es
hoy una de los muestrarios de
expresión artística más ricos y
críticos, ya que desde la fotografía y
sólo desde ella, esta artista es hoy
uno de los referentes más
importantes del arte actual.
La estructura pedagógica: Juegos de
Identidad (Apartado 3.3) en la que
hemos creado una metodología de
aproximación a la imagen
contemporánea a través del foto-
ensayo y su capacidad para establecer un doble rol interpretativo basado en la memoria
y la identidad. Sus trabajos a través de los arquetipos de la mujer en los conocidos film
stills y los conocidos homenajes a personajes femeninos de la Historia del Arte, justifican el
diseño de algunas de las experiencias didácticas de esta guía.
Cindy Sherman Doll Clothes (1975)
https://www.youtube.com/watch?v=HUJlYsvdV7I
Obras
para ver
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Forma que utiliza el vídeo
como componente central y que relaciona la imagen video gráfica con otros objetos y
materiales, ocupando un espacio específico. La imagen de vídeo en este caso, desborda el
reducido marco de un televisor por su tamaño y forma, y no está condicionada ni tiene
relación alguna con la televisión en cuanto medio de comunicación. La vídeo-instalación
o instalación audiovisual cambia radicalmente las relaciones entre espectador e imagen
electrónica: entre audiencia y monitor. No se trata por lo tanto de ver las imágenes ante
una pantalla, sino de recorrer el espacio integrando las imágenes en los distintos
elementos de su contexto.
Podemos incluir en esta
categoría tanto la
vídeo- instalación y la
vídeo-proyección, como
otro tipo de
proyecciones
multimedia –
diapositivas, láser o
cine– que incluyan en su exhibición un componente sonoro.
Marialina García y Meyken Barreto definen la vídeo-instalación como aquellas obras
audiovisuales que exploran el soporte del artefacto, desde un punto de vista escultórico
y/o arquitectónico. En este caso se le otorga una importancia primordial al aspecto
espacial junto a la especificidad temporal del vídeo.
Las obras de este tipo utilizan de manera muy frecuente las posibilidades de emisión
múltiple –multicanal– y el circuito cerrado de emisión sincrónica (...) Además, emplean
materiales externos, distintos al dispositivo electrónico del vídeo, convirtiéndolos en
objetos artísticos y propiciando la participación del espectador por su forma abierta y
pública de presentación»
VIDEO ARTE EN RELACIÓN A SU DESARROLLO ESPACIAL:
Vídeo-instalación Instalación audiovisual
La vídeo-poesía es un género audiovisual que atiende de forma especial a la palabra, la
tipografía, el lenguaje, el discurso, lo poético, el signo y el símbolo.
Lenguaje poético que fusiona imágenes en
movimiento y textos literarios.
Creación artística experimental que se vale de los recursos de la video-poesía.
En los vídeos de animación se
construye un movimiento
inexistente imaginario, al contrario
de lo que hace el cine con la
imagen real que descompone el
movimiento existente. La
animación concede movimiento a
las figuras bidimensionales a través
del registro de cada fase creada que posteriormente es proyectada de forma continua.
La animación requiere el dominio de técnicas avanzadas para dos y tres dimensiones en
la creación de piezas gráficas animadas, que podrán aplicarse en los entornos televisivos,
el cine o Internet.
Video-poesía Vídeo-poema
Video-poesía
Video-poema
Vídeo-animación Animación digital de video
La vídeo-pintura es un concepto relativamente nuevo creado a partir de las obras
psicológicas de Hilary Lawson, filósofo y cineasta documental que trata de escapar de las
limitaciones narrativas del vídeo tradicional. Lawson en 2001 publica su Teoría del cierre,
donde desarrollaba la idea de que el mundo está abierto y al acercarnos a esta
apertura, el pensamiento y el lenguaje se transforman convirtiéndose en una expresión
de éste. La vídeo-pintura, por lo tanto, es la creación de una visión que utiliza el medio
visual como un lienzo, cuyos requisitos son: una cámara inmóvil con un punto de vista
fijo, sin diálogo ni sonido, donde el proceso es inexistente, obligando a tomas puras, con el
único contenido de lo natural como realidad que se captura en su forma original, sin
ningún tipo de edición, construcción o manipulación de la imagen por lo que suprime los
estilos narrativos comunes de la imagen en movimiento.
El concepto de vídeo-pintura se asocia también a producciones de vídeo-ambientes o
arte generativo donde se fusionan movimiento y tecnología digital a través de
expresiones que tratan de inscribir la expresión pictórica en el tiempo. La vídeo- pintura
retoma las ideas de Rothko y Pollock que plantean el lienzo como el lugar de la acción,
aunque, en este caso, sea un marco digital. Estas obras son animaciones que pueden ser
realizadas exclusivamente por el ordenador, utilizando algoritmos personalizados que
desarrollan formas fractales a través de software específico o animaciones de tipo más
tradicional ajenas a estas tecnologías. Las vídeo-pinturas son proyectadas en bucles
infinitos, sin fisuras, cuyo resultado es un “mundo visual” sin principio ni fin; una incursión
visual que envuelve al espectador en una hiperrealidad sublime.
Algunos de los videos artistas que trabajan en este campo de experimentación son:
Hilary Lawson y Shoja Azari.
Hilary Lawson Tribute
https://www.youtube.com/watch?v=CjyNJ0hwQFw
The day of judgment.mov - Shoja Azari
https://www.youtube.com/watch?v=zhTbzUtyj5Q
Obras
para ver
Video-pintura
Shoja Azari and Shahram Karimi The Mist.flv
https://www.youtube.com/watch?v=C9DHfi9trXY
Es una animación técnica que manipula físicamente un objeto que parece moverse por sí
mismo (animar un objeto estático). El objeto se mueve en pequeños incrementos entre
cuadros fotografiados individualmente, creando la ilusión de movimiento cuando se
juega la serie de fotogramas como
una secuencia continúa. Muñecas
con articulaciones móviles o arcilla
figuras se utilizan a menudo en
stop motion por su facilidad de
reposicionamiento. Detener la
animación de movimiento
utilizando plastilina se llama
animación con plastilina o
"arcillación". No todo el
movimiento de la parada requiere figuras o modelos; muchas películas de stop motion
pueden implicar el uso de los seres humanos, electrodomésticos y otras cosas para el
efecto cómico. Detener el movimiento utilizando objetos se refiere a veces como la
animación de objetos.
Jan Svankemajer, Hermanos Quay Stephen y Timothy.
STOP MOTION
Precursores:
(Praga, 4 de septiembre de
1934) es un artista gráfico,
escultor, diseñador y poeta
surrealista checo, célebre por
sus películas de animación, que
han influido en importantes
cineastas como Tim Burton,
Terry Gilliam, los Hermanos
Quay y muchos otros.
En sus películas, Svankmajer
trabaja con muñecos,
utilizando la técnica de stop-
motion. No obstante, ha
empleado también actores
reales, máquinas, figuras de
arcilla, muñecas antiguas,
esqueletos de animales y otras muchas cosas. Consigue crear un clima de pesadilla, lo que
no impide que sus filmes sean, al menos en cierto modo, divertidos. Se ha inspirado en las
obras de autores literarios como Edgar Allan Poe, Lewis Carroll y la leyenda germánica
del Doctor Fausto (que ha servido de inspiración a muchos autores también).
4 dark and light- Jan Svankmajer –
https://www.youtube.com/watch?v=el8RUqN_4Fw
Lunch- Jan Svankmajer
https://www.youtube.com/watch?v=8_y8257S62Q
Moznosti dialogu (Dimensions of Dialogue) Jan Svankmajer 1982
https://www.youtube.com/watch?v=bGp8xiB2-sg
Collage animación
https://www.youtube.com/watch?v=BJYS1x7WXGE&index=9&list=PLlQRVw8C0KKj
N2PxjXmYnleVaN7AiSlvB
Collage Animation 2014
https://www.youtube.com/watch?v=lgdaxO313dc
Obras
para ver
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Es preciso realizar una puntualización acerca del tema de la instalación y de la
educación artística. El contenido de la guía se acoge a las relaciones y aspectos
vinculados con la instalación artística, excluyendo todos los elementos relacionados con la
instalación o desarrollo sensorial perceptivo desprovistos de intención artística, aunque
cuenten con intenciones
didácticas. Es decir, el presente
estudio no incluye aquellas
construcciones atmosféricas
propias de algunas exposiciones
temáticas y divulgativas, que
utilizan elementos
multidisciplinares, multimedia,
audio visual, virtuales,
interactivos, táctiles, olfativos,
etc., para captar la atención del receptor y comunicar su información de una manera
más efectiva y agradable.
El arte de la instalación es un término se utiliza para describir las construcciones de
técnica mixta o conjuntos generalmente diseñadas para un lugar específico y por un
período de tiempo temporales un género de arte contemporáneo en el cual el artista
utiliza, como parte de la composición, el propio medio (como paredes, piso, luces e
instalaciones) además de objetos diversos. En muchas ocasiones, los materiales escogidos,
llenan más o menos el espacio y el espectador es invitado a moverse alrededor de la
obra o interactuar con la pieza, en esos casos el espectador mismo deviene parte de esa
Instalación Artística
CONSIDERACIONES SOBRE LA INSTALACIÓN COMO RECURSO EDUCATIVO
obra en ese preciso momento y ese preciso tiempo. A veces las instalaciones son frágiles
por lo que solo pueden ser vistas desde la puerta o un extremo del espacio.
Existen varios precedentes para este tipo de arte, pero no fue hasta los años 80 que los
artistas comenzaron a especializarse en las instalaciones. Materiales de todo tipo, luces y
sonido han seguido siendo elementos fundamentales para la instalación artística.
En los inicios, las instalaciones eran usualmente creaciones temporales; eran parte del
moderno movimiento que trataba de desechar la idea del arte como objeto
coleccionable. Esta tendencia es también vista en el Arte povera y en el Arte conceptual.
De cualquier forma, en
la actualidad, muchas
instalaciones artísticas
son realizadas para
muestras permanentes y
muchas de ellas han
sido compradas y
vendidas como las obras
de arte tradicionales.
Uno de los ejemplos más
conocidos es la obra “20:50” de Richard Wilson, que consistía en una habitación llena de
aceite de cárter y que fue creada en 1987 para la Matt´sGallery de Londres pero que fue
subsecuentemente exhibida en la Royal Scottish Academy de Edimburgo y luego
comprada por la colección Saatchi de Londres.
En primer lugar, se ha elegido la instalación por su capacidad integradora de varias
disciplinas, dotándola de una gran versatilidad para resolver el problema de aislamiento
del arte contemporáneo en la educación, pero lo que realmente interesa son las
características específicas que se dan en la instalación, que pueden ser empleadas para
desarrollar estructuras de pensamiento y procesos mentales susceptibles de ser aplicados
a la educación. De esta manera nos queda una puerta abierta a esas manifestaciones
¿Por qué la Instalación?
del arte contemporáneo, recordando que la motivación inicial es el acercamiento del
arte contemporáneo al público para solucionar esa separación entre el arte y la
sociedad.
Algunos artistas representativos son: Claes Oldenburg, Larry Bell, Richard Wilson, James
Turrell, Bill Viola, Donald Judd, Christo, Lara Almarcegui, Txomin Badiola, Mirosław
Bałka, Vanessa Beecroft, Lee Bul, Daniel Buren, Daniel Canogar, Jordi Colomer y Nacho
Criado.
Nacido el 28 de
enero de 1929, es
un escultor sueco,
pionero del Pop Art. Es
conocido sobre todo por
sus instalaciones de arte
público que representan
réplicas a gran escala de
objetos cotidianos. Otro
tema en su obra son las
versiones en escultura
blanda de objetos
normalmente duros.
Claes oldenburg STORE
https://www.youtube.com/watch?v=eB91flTprsI
Claes oldenburg
https://www.youtube.com/watch?v=1d3I_juszrs
Obras
para ver
Precursores:
C
L
A
E
S
O
L
D
E
N
B
U
R
G
Richard Wilson (nacido el
24 de mayo de 1953) es un
escultor Inglés, la instalación
del artista y músico.
Nacido en Londres, estudió
en la London College of
Printing, Hornsey College of
Art y la Universidad de
Reading. Fue el DAAD
residente en Berlín en 1992,
Maeda Visitante Artista en
la Architectural Association
en 1998 y nominado para el
Premio Turner en dos
ocasiones en 1988 y 1989.
Primera exposición individual de Wilson fue de 11 piezas, en la Galería de Prensa Coracle
en Londres en 1976. Desde entonces, ha tenido al menos 50 exposiciones individuales en
todo el mundo.
Turning the Place Over by Richard Wilson
https://www.youtube.com/watch?v=DBXwA0gcBm4
Obras
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En italiano significa “arte pobre“. El Arte Póvera surgió en Italia en 1967, se integran
actividades artísticas muy variadas, pero en general, todas ellas se caracterizan por un
común denominador, el hecho de que las obras se hallan constituidas por materiales
pobres o actualmente llamados reciclables.
El crítico y curador Germano Celant,
acuñó el término “arte povera” para
articularlo teóricamente e inscribirlo
en la cultura del mundo moderno
con regulares muestras, tanto
colectivas como individuales. Con ese
nominativo apareció por primera
vez en el catálogo escrito para la
exposición Arte Povera y Spazio (Galería La Bertesca, Génova) en septiembre de 1967.
Celant se inspiró en uno de los conceptos teatrales del dramaturgo polaco Jerzy
Grotowsky, para describir un nuevo arte libre de la mediación e imposiciones de las
construcciones lingüísticas y culturales.
El objetivo de Celant consistía, ante todo, en re lanzar de nuevo a Europa frente al poder
del arte americano que, en los años sesenta, se había impuesto de manera indiscutible.
Según el crítico italiano, el término Arte Povera poseía un carácter de "antidefinición” y
debía situarse siempre en relación al contexto sociopolítico de la etapa 1966-1968, aunque
en un momento inicial se hablara del movimiento Povera como algo específicamente
italiano, más tarde se advirtió que otros artistas europeos, como Joseph Beuys o algunos
de los representantes del Land art y del Body art, tenían puntos de contacto con la
Arte Povera
CONSIDERACIONES SOBRE ARTE POVERA COMO RECURSO EDUCATIVO
ideología del Arte Pobre en Italia. En cualquier caso, el propio Celant decidiría
abandonar el empleo del término en 1972, porque consideró que incluso los artistas más
representativos de dicha tendencia se habían alejado de las líneas de actuación inicial. Es
interesante advertir que más tarde, en los años ochenta, cuando el Arte Povera fue
atacado de manera sistemática por los artistas de la Transvanguardia italiana, dirigidos
por el crítico Achille Bonito Oliva, Germano Celant reivindicó la validez del concepto y lo
puso de nuevo en circulación.
Se trata de un arte objetual que aparece como consecuencia directa del arte minimal.
Están estrechamente ligados, pero hay una diferencia de conceptos, ya que el minimal
posee una geometría muy estricta y el arte povera rechaza esa frialdad profundizando
la energía que desprenden los materiales.
Es un arte intimista y personal muy
ligado al movimiento hippie y
underground de los años 60
italianos, de ahí la antipatía por
las nuevas tecnologías y la
modernidad excesiva. Parten de la
naturaleza para encontrar la
energía elemental.
Sus obras parten de una acción,
como modelar, estrujar, doblar,
etc. una transformación natural del material, o bien parten del propio material que con
un pequeño movimiento o acción se transforma, como por ejemplo el fuego o el hielo.
Es importante destacar que el arte povera abrió caminos radicalmente nuevos,
rompiendo con el pasado y entablando un fructífero diálogo con otras tendencias
artísticas.
¿Por qué el Arte Povera?
El arte povera es muy especial debido a la simplicidad de sus materiales, lo que lo hace
ver como una pieza única, especial e irrepetible. Y con relación a la educación artística
en chile, está vinculado con los intereses colectivos del chile de hoy, el reciclaje,
reutilización, y por sobre todo comunicar y expresar en un sentido visual etc.
Es fácil de trabajar dentro del área escolar por la facilidad de recolectar materiales, ya
que estos pueden ser de la naturaleza, industrial, pero en estado bruto, sin ningún tipo
de refinamiento, Barro, paja, madera, hojas, vidrio metal etc. Y no solo por los materiales
si no, por lo que se pueden hacer con ellos y al proceso que se pueden someter
Finalmente es importante recalcar
la importancia de tratar de
provocar una reflexión entre el
objeto y su forma a través de la
manipulación del material y la
observación e sus cualidades
específicas, su alto grado de
creatividad y espontaneidad e
implica una recuperación de la
inspiración, la energía, el placer, y
la ilusión convertida en utopía.
Alberto Burri, Piero Mazoni, Vik Muniz, Carolina Pavia, Modest Cuixart, Albert Vidal
García, Giovanni Anselmo, Carl Andre, Alighiero Boetti, Joseph Beuys, Pier Paolo
Calzolari, Rossella Cosentino, Walter De Maria, Jan Dibbets, Luciano Fabro, Hans Hacke,
Eva Hesse, Jose Maria Jujol, Jannis Kounellis, Richard Long, Mario Merz, Marisa Merz,
Robert Morris, Nam June Paik, Giulio Paolini, Pino Pascali, Giuseppe Penone,
Michelangelo Pistoletto, Wolf Vostell, Gilberto Zorio, Chantal De Rementería, Miguel
Segura, Maxi Miqueles, Sebastian von Unger, Pedro Naretto.
Precursores:
Piero Mazoni, se halla
próximo no sólo a la estética
povera, sino también al
contenido que pueda
desprenderse de la obra de
los artistas de esta tendencia.
De todas sus realizaciones, la
que más difusión tuvo fue, sin
duda, la célebre "Mierda de
artista", constituida por latas
en las que Manzoni había
colocado su propia
defecación. Una vez
rotuladas, se dedicó a enviarlas a las galerías italianas. Se trata de un acto que retoma
la ironía duchampiana, pero que, al mismo tiempo, va mucho más allá porque implica
un manifiesto rechazo del mercantilismo artístico que, en aquellos momentos, estaba
experimentando un auge extraordinario. En otras ocasiones, Manzoni trabajó con
materiales inusuales en el ámbito de la pintura, como se advierte en sus
Panecillos acromáticos,
obra en la que utilizó una
serie de panecillos,
dispuestos en franjas
perfectamente ordenadas
sobre un soporte, y que
pintó después de color blanco.
Piero Manzoni, el Artista del Arte Póvera!
https://www.youtube.com/watch?v=uUg5lu_wRME
Piero Manzoni a Palazzo Reale - La Merda d'artista e altre "intuizioni fulminanti"
https://www.youtube.com/watch?v=cDWPH_jCjn8
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Los informalistas
italianos Alberto Burri
y Lucio Fontana
pueden considerarse
como precursores del
Arte Povera. El
primero empleaba
tela de arpillera que, a
causa del tratamiento
al que se la había
sometido, llegaba a
parecer un material de
desecho. En cuanto a
la pintura espacialista
de Fontana, aparte de ser casi siempre
monocromática, integraba el orificio como
elemento esencial de las composiciones. La
austeridad de la obra de este artista es uno de
los factores que permiten considerada como
precedente de la de ciertos artistas "pobres".
Alberto Burri: Material Realism
https://www.youtube.com/watch?v=6Ar5t7ocHY4
Alberto Burri: Sacchi
https://www.youtube.com/watch?v=Hl8hzTUjFEQ
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Muniz fue conocido en 1997 por sus retratos de
la serie Chocolate y en 2006 los retratos con
desperdicios. En 2010, el documental Waste
Land, dirigido por Lucy Walker, contó con el
trabajo de Muniz en uno de los vertederos de
basura más grandes del mundo, Jardim
Gramacho, en las afueras de Río de Janeiro.
La película fue nominada para el Oscar a la
Mejor Película Documental en los Premios de
la Academia.
Vik Muniz a menudo se apropia de las imágenes que sirven como base para sus obras de
arte con obras de otros artistas de renombre. Por ejemplo, Muniz utiliza la jalea y
mantequilla de maní en la creación de la obra Doble Mona Lisa, después de Warhol, de
1999, sobre la base de una impresión de pantalla de 1963 por el artista pop Andy Warhol
y que, a su vez, era una apropiación de la
Mona Lisa de Leonardo da Vinci. En 1982
dio por terminada sus obras realizadas
con pequeños trozos de papel creando
una ilusión óptica en el espectador.
Waste Land (Vik Muniz)
https://www.youtube.com/watch?v=sBnatR06dDk
Vik Muniz, arte con basura, azúcar, diamantes, caviar o chocolate
https://www.youtube.com/watch?v=z4Y7bn0NMYM
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El libro de artista es una obra de Arte, realizada en su mayor parte o en su totalidad por
un artista plástico.
En un recorrido por la Historia del Arte, de la Prehistoria a nuestros días, encontramos
infinidad de obras, de todas las
épocas y culturas que, aunque
creadas con muy diferentes
fines son precursoras del
concepto actual de los libros de
artista: huesos tallados,
tablillas babilónicas, papiros
egipcios, libros de oración
tibetanos, libros de la cultura
cristiana como el Codex de
Kells o el Beato de Liébana,
etc... Una sucesión de obras
hasta llegar al concepto actual del libro como obra de Arte.
Este concepto comienza a concretarse con Mallarmé (Una tirada de dados nunca podrá
suprimir el azar, 1897), Apollinar (Caligramas de 1914); El Lissitzky (Dyla Golosa, 1923. Las
cuatro funciones aritméticas, 1928); Francis Picabia (391, 1924); Dieter Rot (Kinderbuch,
1954-57; Picture Book, 1956); hasta llegar a las obras actuales de artistas como Beuys,
Brossa, Cage, Lewitt.
Desde el punto de vista del artista, el concepto del Libro de Artista se puede definir
como un soporte más, “como un lienzo para el pintor o como la piedra o el bronce para
el escultor”, pero sus especiales características hacen de él un medio con unas
posibilidades mucho más amplias: el juego con el tiempo, al poder pasar sus páginas,
retroceder, desplegarlas y leer un discurso plástico en secuencias espacio-temporales; la
posibilidad de unión entre la pintura, la escultura, la poesía experimental, las artes
LIBRO DE ARTISTA
aplicadas, el libro de edición normal, y los más diversos procedimientos artísticos y
elementos plásticos tradicionales o innovadores como el CD o el video. Todas estas
múltiples combinaciones proporcionan un sentido lúdico y participativo a la obra, ya que
el libro de artista se puede ver, tocar,
oler, hojear, manipular y sentir.
El artista puede realizar sus obras no
sólo sobre papel, cartón o cartulina (los
materiales tradicionales del libro), sino
también sobre metacrilato, madera,
latón, pizarra, broce, etc. la
combinación múltiple de varias
materias o aportar materiales
reciclados impresos o encontrados.
Puede emplear todas las técnicas
artísticas posibles desde el óleo a la
holografía, desde la acuarela a la infografía, desde el aguafuerte a la electrografía...o la
conjunción de varias de ellas.
Este carácter interdisciplinar, permite al Libro de Artista ser el medio de expresión de
cualquier movimiento del Arte Contemporáneo, convertirse en poesía visual, en
happening, en soporte subversivo, en cuento infantil, en escultura móvil o hasta en
novela de ciencia-ficción. Se consigue, en definitiva, una libertad creativa total.
Las posibilidades tipológicas, formales, conceptuales y técnicas de los libros de artista son
muy variadas; sus infinitas formas creativas hacen necesario aventurarse a un intento de
clasificación, teniendo en cuenta que cualquier propuesta quedará siempre superada por
su variedad y complejidad (muchos libros podrán situarse en varios apartados
simultáneamente).
Tipos de libro de artista
La clasificación más primaria, pero importante por su clara diferencia, sería por el
número de ejemplares realizados de cada libro, tendríamos, por tanto, dos apartados:
El libro de artista de ejemplar único y el libro de artista seriado.
Esta denominación engloba, lógicamente, toda obra de un solo ejemplar que
normalmente irá firmado por el autor. El apartado podría subdividirse en:
Libro de artista original: Manteniendo una
estructura formal semejante a algunos de los
soportes tradicionales literarios, el artista
realiza una obra plástica única por cualquier
procedimiento.
Libro Objeto: La obra se realiza con vocación
tridimensional, contemplándose como una totalidad
en su forma.
Libro-montaje: Las obras que, situadas en
un espacio, actúan sobre ese espacio o que
sus dimensiones tridimensionales
sobrepasan el formato tradicional del libro,
condicionando al espectador en su relación
con el entorno.
Libro de ejemplar único
Libro reciclado: Partiendo de un libro de edición
normalizada, el artista manipula este libro hasta
convertirlo en una obra propia.
El libro de artista seriado (con un número de ejemplares que suele ir de cinco a mil
ejemplares), está realizado en su mayor parte o en su totalidad por un artista plástico
utilizando las más diversas técnicas de reproducción, desde la repetición manual a la
serigrafía, la litografía, la linografía, el aguafuerte, la xilografía, el offset, la electrografía,
impresoras de ordenador, etc. pero siempre controladas por el propio artista.
Otras posibilidades es la edición del libro por una editorial especializada en libros de
artista; para poder denominarlos así, la edición tendría que estar pensada, diseñada,
realizadas sus planchas o sus pantallas o sus prototipos por el artista, quedando la
editorial encargada de poner los medios para su reproducción exacta, bajo la supervisión
del propio artista. La tirada tendría que estar limitada y los ejemplares deberían estar
firmados y numerados por el artista, lo mismo que una obra gráfica.
La confusión entre el Libro de artista y el libro de Bibliofília se aclararía si el libro de
artista se realizara según lo anteriormente dicho, quedando la edición de Bibliofília
totalmente a cargo del editor en cuanto a la decisión temática, formato, materiales, etc.
Libro seriado
Arte en el que el medio es el propio cuerpo del artista y la obra de arte toma forma de
acción llevada a cabo por el artista. El Performance tiene sus orígenes en el Futurismo y
en el Dadaísmo, pero deviene un fenómeno mayor en los años 60 y 70, puede ser visto
como una rama del Arte conceptual. En Alemania y Austria fue conocido como
“Actionism”.
El término “Performance Art” tuvo sus inicios
en los años 60 en Estados Unidos. Fue
originalmente utilizado para describir
cualquier evento artístico en vivo que
incluyera poetas, músicos, cineastas, etc. en
adición a las artes visuales.
Es apropiado aclarar que, aunque estamos hablando de los 60, existieron tempranos
precedentes del Performance Art. En 1908 el Movimiento Futurista liderado por Marinetti
planteaba en su Manifiesto Futurista incorporar todas las disciplinas del mundo
intelectual y una de las características del Performance es que incluye poetas, artistas
visuales, músicos y actores. Luego los dadaista, en 1916, llevaron a cabo performance en
vivo que incluían poesía y artes visuales.
La escuela alemana del Bauhaus, fundada en 1919, incluyó un taller teatral para
explorar las relaciones entre espacio, sonido y luces. El Black Mountain College (fundado
en Estados Unidos) por instructores del Bauhaus exiliados, continuaron incorporando
estudios teatrales con las artes visuales esto, 20 años antes de los 60.
Performance
CONSIDERACIONES SOBRE LA PERFORMANCE COMO RECURSO EDUCATIVO
A finales de la década del 50 tuvieron lugar las acciones de Kaprow, Robert Morris
realizó performances en 1965, Yves Klein a finales de los 50 y durante los 60, Joseph Beuys
y Yoko Ono, fueron artistas asociados a Fluxus, un movimiento muy orientado hacia el
arte del performance. Aunque el término no habia sido acuñado, todas estas acciones
constituyeron antecedentes del arte de performance.
Ya en 1970, el “Performance Art” era un término global y su definición un poco más
específica, significaba que era en vivo y era arte, no teatro. También significaba que era
un arte que no podía ser comprado, vendido o intercambiado como comodidad.
Realmente, esta última característica era la de mayor importancia. Los artistas de
Performance veían (y ven) el movimiento como un medio para expresar su arte
directamente al público.
En adición a los artistas visuales, poetas, músicos y cineastas, el arte del Performance
incluyó, en la década del 70, la danza (sin perder de vista que no se trata de teatro). En
algunas ocasiones, todas estas expresiones artísticas son incluidas en una pieza de
Performance. Otra característica es que, como el Performance es en vivo, no hay dos
performances exactamente iguales.
En los 70 se hizo también popular el “Body Art” (una vertiente de Performance Art), que
comenzó en los 60. Desde inicios de los 80 y hasta nuestros días, el Performance ha ido
crecientemente incorporando medios tecnológicos a las piezas.
El arte del performance es aquel en el que
el trabajo lo constituyen las acciones de un
individuo o un grupo, en un lugar
determinado y durante un tiempo
concreto. La Performance o acción artística
puede ocurrir en cualquier lugar, iniciarse
en cualquier momento y puede tener
cualquier duración. Una acción es
cualquier situación que involucre cuatro
elementos básicos: tiempo, espacio, el cuerpo del artista y una relación entre el performer
y el público. En este sentido se opone a la pintura o la escultura, por ejemplo, en las que
un objeto constituye el foco de la obra artística. La performance tiene parentesco con la
acción poética, la intermedia, la poesía visual y otras expresiones del arte
contemporáneo. Algunos llaman a tales expresiones (idénticas o muy similares a la
performance): live art, action art, intervenciones y manoeuvres.
El sniggling es una forma activista y engañosa de performance art en público, que
típicamente se desarrolla de modo que los espectadores inicialmente no se dan cuenta
que se está ejecutando un performance. En el arte contemporáneo- que siempre busca
redefinir sus formas y maneras, se refiere a acción poética cuando se distingue un
performance de una acción basada en el sentido poético del arte, la literatura o la
cultura.
Debido a que constituye un accionar individual y grupal, en un lugar determinado y
durante un tiempo concreto. La Performance o acción artística puede ocurrir en
cualquier lugar, iniciarse en cualquier momento y puede tener cualquier duración, una
acción es cualquier situación que involucre cuatro elementos básicos: tiempo, espacio, el
cuerpo del artista y una
relación entre el performer
y el público, en este caso
todos estos puntos son
perfectamente aplicables
en cualquier
establecimiento
educacional para cualquier
nivel de enseñanza media,
aportando al desarrollo
emocional, de la personalidad, convivencia entre el alumnado.
¿Por qué performance?
El Arte Performance es una forma de expresión libre y surge como una alternativa más
de manifestarse en el Arte y es así como debemos tomar este tipo de arte más
contemporáneo llegando a la realidad social, cultural de los alumnos los ayudar a
pensar, analizar, conectar idea, ya que es un movimiento antiartístico
Chris Burden, nacido en Boston en 1946, estudió artes visuales, física y arquitectura en la
Universidad de Pomona (California). Para su tesis presentó la obra Five Day
LockerPiece, una performance en la que se encerró durante cinco días en su taquilla, lo
que provocó una gran polémica. Su reputación creció en los 70 debido a una serie de
controvertidas performances en las que el peligro personal era la idea principal. Su obra
más conocida fue “Shoot” en 1971 en la que su ayudante le disparó en su brazo izquierdo
a una distancia de 5 metros.
Joseph Beuys, artista alemán que trabajó con varios medios y técnicas como escultura,
performance, happening, vídeo e instalación y perteneció al grupo Fluxus. De 1946 a 1951
estudió en la Escuela de Bellas Artes de Düsseldorf, donde más tarde fue profesor de
escultura. En 1962 comenzó sus actividades con el movimiento neodadá Fluxus, del que
llegó a ser el miembro más significativo y famoso. Su mayor logro fue la socialización que
consiguió hacer del arte, acercándolo a todos los tipos de público.
Precursores:
Chris Burden, nacido en Boston en 1946,
estudió artes visuales, física y arquitectura en
la Universidad de Pomona (California). Para
su tesis presentó la obra Five Day Locker
Piece, una performance en la que se encerró
durante cinco días en su taquilla, lo que
provocó una gran polémica. Su reputación
creció en los 70 debido a una serie de
controvertidas performances en las que el
peligro personal era la idea principal. Su
obra más conocida fue “Shoot” en 1971 en la
que su ayudante le disparó en su brazo
izquierdo a una distancia de 5 metros.
Shoot 1971
https://www.youtube.com/watch?v=JE5u3ThYyl4
Bed piece
https://www.youtube.com/watch?v=KaE2erKBcKM
Artista alemán que trabajó con varios medios
y técnicas como escultura, performance,
happening, vídeo e instalación y perteneció al
grupo Fluxus. De 1946 a 1951 estudió en la
Escuela de Bellas Artes de Düsseldorf, donde
más tarde fue profesor de escultura. En 1962
comenzó sus actividades con el movimiento
neodadá Fluxus, del que llegó a ser el
miembro más significativo y famoso. Su mayor
logro fue la socialización que consiguió hacer
del arte, acercándolo a todos los tipos de
público.
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How to Explain Pictures to a Dead Hare 1/2
https://www.youtube.com/watch?v=Mo47lqk_QH0
I like america and america likes me 1974
https://www.youtube.com/watch?v=APyEeixk2e0
Yoko Ono estuvo presente en la década de los sesenta y
setenta −cuando todavía era minoritaria la presencia
de la mujer en la vanguardia del arte contemporáneo−
un papel protagonista y realmente influyente en la
gestación y desarrollo de las tendencias más
carismáticas del arte vanguardista de entonces: el arte
conceptual y el movimiento Fluxus., en éste, la
participación de las mujeres jugó un papel importante.
Se puede afirmar que es la primera vez en la historia en
la que la presencia activa de mujeres en el arte es tan
amplia, teniendo además en cuenta la envergadura de
sus propuestas. Sus trabajos no fueron únicamente
paralelos a los de otros miembros del grupo liderado por el artista lituano George
Maciunas, sino que en muchos casos supusieron las bases para el desarrollo posterior del
Performance Art tal y como lo entendemos hoy, y desde luego fueron las primicias, en
algunos de ellos, de lo que conocemos hoy como arte protofeminista.
“Como en el movimiento Fluxus, mis acciones las impregné de mi concepción del mundo.
Mi obra más conocida es la acción Cut Piece, o pieza para cortar, (1964), realizada por
vez primera en Kyoto, Japón, y en el Carnegie Hall de Nueva York un año después. En la
obra, yo me sentaba en el escenario, vestida, e invitaba a los espectadores a acercarse y
a cortarme la ropa con unas tijeras” (Yoko-Ono). La artista asocia a este trabajo un
lema muy importante para ella: “No quieres ser una víctima, aunque intentan
convertirte en víctima”.
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“A Hole” (2010) es otra de sus obras emblemáticas. Una frágil y, a su vez, violenta pieza,
que consiste en una instalación de cristal, en el cual quedó marcado el impacto de una
bala. Ono anima al espectador a tomar tanto la posición de agresor como de víctima,
dependiendo de qué lado del cristal se encuentra. “Con ella quiero advertir de la
violencia que hay en todo el mundo”, dijo la artista conceptual e invitó al público a
compartir su experiencia con la violencia. Quienes deseen participar de esta experiencia
artística encontrarán en el piso superior de la exposición, una habitación solamente con
sonrisas y es que las
sonrisas de los
visitantes se grabarán
en un vídeo que
podrá verse en la
muestra como
contrapartida de la
violencia. En adición,
la instalación muestra
siete abrigos utilizados
por gente en el
momento en que les dispararon a quemarropa, así como una pared en la que las
sombras de los espectadores se proyectan y se mezclan.
Someone like you by Adele (Yoko Ono cover)
https://www.youtube.com/watch?v=ZsgMbxyDmCY
Cut piece 1965
https://www.youtube.com/watch?v=lYJ3dPwa2tI
A Hole 2010
https://www.youtube.com/watch?v=cZrm8EUHbt4
Obras
para ver
Actividades
El objetivo de las siguientes actividades es ser un modelo o ayuda
para las planificaciones del profesor de artes visuales. Estas pueden
ser modificadas según la necesidad y/o característica del curso o
del contenido a desarrollar; además con la información previamente
entregada, se pueden ir mezclando actividades, ya que, como
característica principal, destaca su capacidad integradora, dando
paso a la construcción del aprendizaje y así generando mentes
críticas y reflexivas.
Actividad: Video- poema
-Cada alumno debe crear un video que refleje el
momento donde se ha sentido más en contacto con
la naturaleza, ya sea por una experiencia
importante o solo por el gusto que tiene por ese
lugar, por ejemplo, filmar el mar, la playa, el
oleaje, como la calma invade ese espacio, que para
quien hace el video representa su lugar de fuga, de
relajación, meditación, etc. Junto con las imágenes
en el video el alumno debe recitar un poema que
tenga relación con el lugar o con la experiencia
vivida allí.
El profesor debe…
1.- Explicar a los alumnos el concepto de video-poema.
2.-Ejemplificar el video-poema, a través de videos, exponer precursores nacionales e
internacionales.
3.-Estar presente durante todo el tiempo de desarrollo de la actividad, aportando ideas,
y propiciando un ambiente crítico y reflexivo dando paso a la construcción del
aprendizaje.
Actividad 1 Un aire contemporáneo en el aula
Objetivo: Incentivar la
experiencia estética, fomentar
una actitud receptiva frente a
la naturaleza, despertando los
sentidos y concentrando la
atención en las sensaciones que
percibimos.
Recursos: celular,
cámara fotográfica,
video, pc, programa
para editar que posea
el alumno.
Actividad:
-Los alumnos deben formar duplas, las
cuales tendrán que realizar un stop motion,
que muestre las etapas de un objeto de su
vida cotidiana, es decir, desde que este es
útil hasta que se vuelva un elemento
contaminante para nuestro planeta. Por
ejemplo, una botella de Coca-Cola: Se
toman imágenes desde el momento en que
se obtuvo la botella, la utilización de esta
(cuando se bebe el contenido) hasta el
momento en que es desechada y se vuelve
un contaminante para nuestro ecosistema.
El profesor debe…
1.- Explicar concepto stop motion y la realización de este.
2.- Ejemplificar actividad.
3.-Aconsejar a los alumnos respecto a los materiales a utilizar y sobre todo estar presente
durante el proceso de creación artística, propiciando un ambiente crítico y reflexivo en
torno al tema y objetivo de la actividad.
Objetivo: El propósito de este
contenido y actividad es concentrar la
atención visual para reconocer y
registrar diversas formas de
contaminación y destrucción de la
naturaleza. Se trata de agudizar las
capacidades perceptivas para formar
conciencia sobre este fenómeno, para
dar cuenta de un modo más lúcido del
daño estético, ecológico y moral que
esta situación involucra.
Actividad 2
Recursos
Cámara, PC, y los elementos
que ellos crean necesario
para desarrollar su
proyecto.
Actividad:
-Ejercicio de mecánica grupal.
-Los alumnos deben escoger una pintura que
represente un paisaje natural.
-Luego, realizan un performance, sobre la pintura
escogida, haciendo uso de la interpretación, ya sea
visual, transversal, el contexto social, etc.
-Los alumnos exponen en diferentes lugares del
establecimiento.
El profesor debe…
1.- Explicar a los alumnos el concepto de performance.
2.-Ejemplificar la práctica del performance, a través de videos sobre sus precursores
extranjeros y nacionales.
3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y
propiciando un ambiente crítico y reflexivo ayudando a la construcción del aprendizaje.
Actividad 3
Objetivo: Conocimiento de
diferentes modos de percibir y
representar el paisaje a través
de la mirada de grandes
pintores, pertenecientes a
diversas épocas, estilos y lugares
geográficos.
Recursos:
Libros, internet,
revistas y lo que estimen
conveniente para su
interpretación.
Actividad: parejas:
- Los alumnos tendrán que escoger un tema que
refleje su experiencia personal, social o cultural, con
la intención de comunicar y crear reacción en los
demás.
-Las parejas deben crear un graffiti, utilizando
elementos naturales o reciclables para su
construcción. Lo importante es que los materiales
tengan relación con el trasfondo del mensaje.
Ejemplo: Un mensaje en contra de la deforestación,
construido con lápices de maderas encontrados,
desechados, papeles, usados, cartón, etc.
El profesor debe…
1.- Explicar a los alumnos el concepto de
graffiti.
2.-Ejemplificar el graffiti a través de videos e
imágenes, dando a conocer los precursores
nacionales e internacionales.
3.-Estar presente durante todo el proceso de
la actividad, aportando ideas, y propiciando
un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a
la construcción del aprendizaje.
Actividad 4
Objetivo: Conocimiento del
lenguaje del graffiti, su origen y
diversas tendencias. Reflexión
crítica sobre el fenómeno del
graffiti considerando sus
dimensiones sociales, estéticas y
expresivas.
Recursos
Materiales que tengan
relación al mensaje a
transmitir.
Actividad individual:
-Crear una línea de tiempo de las diversas
interpretaciones de la figura humana a través de la
historia del arte.
-Las imágenes deben ser construidas con materiales
que tengan relación al contexto tiempo al cual
pertenecen.
-Para finalizar, los alumnos realizarán una instalación
de la línea de tiempo en el patio del colegio.
El profesor debe…
1.- Explicar a los alumnos el concepto de instalación y línea de tiempo.
2.-Ejemplificar la instalación a través de videos e imágenes.
3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y
propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del
aprendizaje.
Actividad 5
Objetivo: Experimentar con
diversos lenguajes técnicos y a
modo de creación artístico
visual, evaluar los procesos y
resultados en cuanto a la
capacidad de expresión
personal, originalidad,
perseverancia en la
investigación, oficio, etc.
Recursos: pc,
internet, materiales
a elección.
Actividad: grupal:
-Los alumnos deben realizar una video instalación,
donde el tema a atender será la contaminación en los
lugares de uso cotidiano, tales como, sala de clases,
casino del colegio, patio, el paradero, etc.
Por ejemplo: Un grupo de alumnos pedirá permiso a las
autoridades correspondientes para poder hacer una
instalación por un día dentro del casino, con el objetivo de
crear conciencia de la cantidad de desechos que dejamos a
diario. Los alumnos recolectarán los desechos generados en
3 días, luego deberán hacer una instalación figurativa con
los desechos obtenidos durante este tiempo, creando
conciencia ecológica. Grabaran la reacción que tienen los compañeros del
establecimiento, y recogiendo opiniones respecto a esto.
El profesor debe…
1.- Explicar a los alumnos el concepto de
instalación.
2.-Ejemplificar la instalación a través de
videos e imágenes, dando a conocer los
precursores nacionales e internacionales.
3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y
propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del
aprendizaje.
Actividad 6
Objetivo: Diseño gráfico,
audiovisual y/o afiche
publicitario: principios y
técnicas básicas. Respeto al
medio ambiente y al
entorno natural.
Recursos:
Video, cámara o
celular y desechos.
Actividad grupal:
-Los alumnos realizaran una instalación o
intervención urbana en lugares que frecuenten a
diario (plaza, paradero, asiento, árbol, etc.)
modificándolo físicamente sin que afecte de
manera negativa el lugar.
El profesor debe…
1.- Explicar a los alumnos el
concepto de intervención
urbana.
2.-Ejemplificar a través de
videos e imágenes.
3.-Estar presente durante todo
el proceso de la actividad,
aportando ideas, y propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la
construcción del aprendizaje.
Actividad 7
Objetivo: Diseñar proyectos
para remodelar espacios de
recreación juvenil, que
respondan a las necesidades
expresivas, emocionales,
preferencias y gustos del
alumnado. Seleccionar estos
proyectos teniendo presente
criterios estéticos y funcionales. Recursos: Materiales
a elección de acuerdo
a lo que requiere el
proyecto.
Actividad:
-Mediante el arte povera deberán construir una
escultura con desechos, que exprese ideas,
sentimientos y emociones respecto a un suceso que
les llame la atención en su realidad cotidiana.
El profesor debe…
1.- Explicar a los alumnos el
concepto de arte povera.
2.-Ejemplificar el arte
povera a través de videos e
imágenes, dando a conocer
los precursores nacionales e
internacionales.
3.-Estar presente durante
todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y propiciando un ambiente crítico y
reflexivo, dando paso a la construcción del aprendizaje.
Actividad 8
Objetivo: Crear, inventar
libremente y, si es posible,
producir objetos con o sin una
función determinada,
empleando diversos materiales,
técnicas o procedimientos.
Recursos: Materiales a
elección de acuerdo
al proyecto del alumno.
Actividad grupal:
-Elegir un tema costumbrista (año nuevo chino, la
tirana, carnavales, etc.) y diseñar o decorar máscaras
de yeso y con estas realizar una performance frente al
resto del curso.
El profesor debe…
1.- Explicar a los alumnos el
concepto de fiesta costumbrista y
performance.
2.-Ejemplificarlos a través de videos e imágenes.
3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y
propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del
aprendizaje.
Actividad 9
Objetivo: Trabajar con
imaginación y sensibilidad
expresando sentimientos,
emociones, ideas y actitudes.
Recursos: Internet, pc, mascara
de yeso, pinturas, tijeras (para la
máscara), para la performance
agregar vestimenta
complementaria.
Actividad individual:
-Realizar un video tipo cortometraje, intentado retratar
la personalidad de una persona a su elección, donde por
simples imágenes y pequeños actos lo represente en su
totalidad.
El profesor debe…
1.- Explicar a los alumnos el concepto de
cortometraje.
2.-Ejemplificar a través de videos e
imágenes, dando a conocer los precursores
nacionales e internacionales.
3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y
propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del
aprendizaje.
Actividad 10
Objetivo: Explorar y/o
reconocer cómo las ideas y
sentimientos pueden
expresarse a través de
imágenes, artefactos, etc.
Recursos: Celular o
cámara, pc, internet.
Data, etc.
Actividad grupal:
-Los alumnos deben escoger un objeto del colegio o
de su entorno cotidiano, Puede ser una bicicleta,
ropa, mesa, artefacto electrónico, etc.
-Deberán crear el mismo, pero con el diseño de una
época anterior, así los espectadores podrán
comparar el objeto y ver cómo ha ido
evolucionando la ergonomía en los diseños
cotidianos.
El profesor debe…
1.- Explicar a los alumnos el
concepto de ergonomía e
instalación.
2.-Ejemplificar a través de
videos e imágenes.
3.-Estar presente durante todo
el proceso de la actividad,
aportando ideas, y propiciando
un ambiente crítico y reflexivo,
dando paso a la construcción del aprendizaje.
Actividad 11
Objetivos: Apreciar y comparar
objetos correspondientes a
distintas épocas que cumplen
una función similar.
Recursos
Internet, libros,
materiales a elección.
Actividad:
-Los alumnos deberán escoger un artista y una
obra contemporánea que sea de su agrado, no solo
por lo estético, sino también por sus pensamientos,
opiniones o críticas que estén afines a las de él.
-Luego tendrán que recrear la obra escogida a
través de un libro de artista, mostrando lo esencial
de la obra, el trasfondo de esta, sin dejar de lado lo
visual, el color, forma y estilo.
-Finalmente, el libro debe ser instalado en
cualquier parte del establecimiento.
El profesor debe…
1.- Explicar a los alumnos el
concepto de libro de artista.
2.-Ejemplificar a través de videos
e imágenes, dando a conocer los
precursores nacionales e
internacionales.
3.-Estar presente durante todo el
proceso de la actividad, aportando ideas, y propiciando un ambiente crítico y reflexivo,
dando paso a la construcción del aprendizaje.
Actividad 12
Objetivo: Conocimiento y
selección de grandes hitos de las
artes visuales contemporáneas,
en particular de las últimas
décadas, a través de la
investigación de sus principales
precursores. Interpretación
personal de una obra, estilo o
tendencia artística por medio
de la elaboración de un
proyecto.
Recursos:
Libros, internet,
materiales a elección.
Actividad:
-El curso deberá ponerse de acuerdo y escoger una
idea o crítica social.
-Deberán hacer una instalación con elementos
reciclados en el patio del colegio, plasmar una imagen
en relación al tema que escogieron. Deberán repartirse deberes, tareas, y
juntar desechos en conjunto.
El profesor debe…
1.- Explicar a los alumnos el
concepto de instalación y trabajo
en grupo.
2.-Ejemplificar a través de videos e
imágenes.
3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y
propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del
aprendizaje.
Actividad 13
Objetivo: Recrear imágenes
con la finalidad de expresar
ideas, sentimientos o
emociones.
Recursos:
Elementos reciclables.
Actividad: Grupal
-Los alumnos deben hacer un cortometraje o
documental. Con el fin de comunicar o transmitir
una idea, pensamiento o crítica social, luego será
expuesto a los demás compañeros y comentado en
clases.
El profesor debe…
1.- Explicar a los alumnos
el concepto de
documental y
cortometraje
2.-Ejemplificar a través de
videos e imágenes, dando
a conocer los precursores
nacionales e
internacionales.
3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y
propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del
aprendizaje.
Actividad 14
Objetivo: Comprender las
características generales del
arte cinematográfico,
reconociéndolo como un
lenguaje que permite vincularse
con el mundo de una manera
especial y que se constituye en
un elemento cultural
fundamental de nuestro
tiempo.
Recursos:
Celular o cámara, PC,
vestimenta.
Actividad: individual
-Realizar un autorretrato mediante el arte povera,
buscando representarse a sí mismo en forma de
escultura con materiales reciclados que representen el
carácter o personalidad del alumno, de un tamaño
mínimo de 50 cm de altura, con los materiales que el
alumno requiera.
Por ejemplo, un alumno que le gusta el futbol puede
agregar pelotas.
El profesor debe…
1.- Explicar a los alumnos
el concepto de
autorretrato y arte
povera.
2.-Ejemplificar a través
de videos e imágenes,
dando a conocer los precursores nacionales e internacionales.
3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y
propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del
aprendizaje.
Actividad 15
Objetivo: Explorar distintos
medios y técnicas para
expresarse artísticamente en
tres dimensiones.
Recursos: personales del
alumno (barro, paja,
madera, cartón, tapas,
cajas, tarros, etc.)
Actividad: Individual
-Cada alumno deberá elegir algún momento
especial o importante en su vida que esté
relacionado con la naturaleza o solo ciertos
elementos de ella, a partir de esto deberán hacer
una performance que represente este momento,
a través de la interpretación personal.
El profesor debe…
1.- Explicar a los alumnos el concepto de
performance.
2.-Ejemplificar a través de videos e imágenes,
dando a conocer los precursores nacionales e
internacionales.
3.-Estar presente durante todo el proceso de la
actividad, aportando ideas, y propiciando un
ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la
construcción del aprendizaje.
Actividad 16
Objetivo: Facilitar la libre
expresión de los sentimientos y
emociones experimentados en
relación con algún(os) elemento(s)
natural(es), como por ejemplo los
árboles, las flores, las piedras, el
agua, la tierra, etc., a través de un
proyecto personal utilizando
diversos medios.
Recursos:
música, imágenes,
vestuario, maquillaje,
color materiales etc.
Actividad: grupal
-Los alumnos deben escoger uno de los
entornos naturales que conozcan y trasladarlo de
manera artística dentro del establecimiento.
-Los alumnos tendrán que hacer un boceto del lugar
que escogieron
-Deben elegir los materiales que utilizarán, de
manera libre según la necesidad que requieran por
el lugar que escogieron, pueden ser reciclables,
naturales, comprados etc.
El profesor debe…
1.- Explicar a los alumnos el
concepto de entorno natural y
sus elementos.
2.-Ejemplificara través de
videos e imágenes.
3.-Estar presente durante todo
el proceso de la actividad,
aportando ideas, y propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la
construcción del aprendizaje.
Actividad 17
Objetivo: el objetivo de esta
actividad es que los alumnos
a través de la instalación,
trasladen su entorno natural o
cotidiano al establecimiento
educacional.
Recursos:
Papel, lápices,
materiales a elección.
Actividad en pareja:
-Recorrer el entorno cotidiano y tomar fotografías de
obras arquitectónicas que consideren importantes o
significativas (museos, plazas, hospitales, edificios, calles,
casas particulares, etc.) para realizar un stop motion.
El profesor debe…
1.- Explicar a los alumnos el
concepto de stop motion.
2.-Ejemplificar a través de
videos e imágenes, dando a
conocer los precursores
nacionales e
internacionales.
3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y
propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del
aprendizaje.
Actividad 18
Objetivo: Seleccionar obras
relevantes del patrimonio
arquitectónico local y/o
regional de acuerdo a las
preferencias individuales
y/o grupales.
Recursos: cámara o
celular, programa
para editar y hacer
videos, pc, y data.
Actividad grupal:
-Realizar una performance donde se exprese sus
ideas o sentimientos sobre el cuerpo femenino y
masculino.
-Puede expresar los cambios físicos, psicológicos y
comportamientos
El profesor debe…
1.- Explicar a los alumnos el concepto de
performance.
2.-Ejemplificar a través de videos e
imágenes, dando a conocer los
precursores nacionales e internacionales.
3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y
propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del
aprendizaje.
Actividad 19
Objetivo: Expresar ideas y
sentimientos sobre el cuerpo
femenino y masculino. Trabajar
de un modo personal
demostrando originalidad y
sensibilidad.
Recursos: música, celular,
reproductor, y
vestimenta, de acuerdo a
las necesidades de los
alumnos.
Actividad: grupal
- Los alumnos deben elegir una de las estaciones
del año (invierno, primavera, verano u otoño),
para así hacer una instalación dentro de la sala de
clases o en los pasillos del colegio, que represente la
estación escogida, esto se debe transmitir a través
de las texturas que hay en ellas, colores, materiales
naturales, percepción emocional que las personas
sienten o demuestras durante la estación escogida,
por ejemplo, primavera amor, verano felicidad, etc.
El profesor debe…
1.- Explicar a los alumnos el
concepto de instalación.
2.-Ejemplificar las estaciones del
año y su percepción a través de
videos e imágenes, dando a
conocer los precursores
nacionales e internacionales.
3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y
propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del
aprendizaje.
Actividad 20
Objetivo: Este contenido se
centra en la observación y
comprensión de la materialidad
del entorno natural, explorando
cualidades tales como: forma,
estructura, tamaño, textura,
temperatura, peso y otras.
Recursos:
Materiales a elección.
Actividad: arte povera trabajo
individual.
-Los alumnos deben observar su entorno, la
naturaleza, colores, formas, que comiencen a
observar y entender lo que los rodea.
-Todo el curso junto con el profesor deben
conversar lo que observaron, que les llamo la
atención, el profesor debe estimular la observación,
el análisis, expresión, etc.
-Luego de saber qué es lo que más les llamo la
atención los alumnos deben hacer un colgante que
exprese los colores observados en su entorno los cuales
llamaron más su atención. Los materiales los deben
escoger según lo que quieran realizar, pero siempre
recordand
o que deben utilizar materiales naturales,
reutilizar elementos en su estado bruto, re-
utilizar y reciclar.
El profesor debe…
1.- Explicar a los alumnos a lo que se refiere
entorno natural, colgante y arte povera
2.-Ejemplificar a través de videos e imágenes.
3.-Estar presente durante todo el proceso de
la actividad, aportando ideas, y propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso
a la construcción del aprendizaje.
Actividad 21
Objetivo: Enseñar a ver,
disfrutar y reconocer los colores,
desarrollando hábitos de
observación y privilegiando el
valor de la experiencia por
sobre los resultados técnicos.
Estos contenidos y actividades
deben estimular la capacidad
de asombro a partir de la
experiencia cotidiana.
Recursos:
Materiales de desecho
Actividad: grupal
-Los alumnos deben hacer instalaciones en
el colegio donde todo el cuerpo estudiantil
del establecimiento pueda interactuar con
este, estimulando el tacto, la percepción
visual, volúmenes y la apreciación de estos
elementos a través de la escultura y
materiales que contribuyan a este ejercicio.
El profesor debe…
1.- Explicar a los alumnos el
concepto de instalación.
2.-Ejemplificar a través de
videos e imágenes, dando a
conocer los precursores
nacionales e internacionales.
3.-Estar presente durante
todo el proceso de la
actividad, aportando ideas, y propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a
la construcción del aprendizaje.
Actividad 22
Objetivo: Desarrollar hábitos de
observación y el sentido táctil hacia las
formas y los materiales que hacen
posible el lenguaje escultórico; y, por
otra, estimular la capacidad de
expresarse a través del volumen, a
partir de la experimentación y
búsqueda de soluciones plásticas que
surgen de la perseverancia en el
trabajo, una actitud imaginativa,
expresiva, y del desarrollo de
habilidades e intereses personales.
Recursos:
Materiales a elección
Actividad: individual- arte
povera
-Observar diseños y tallados artesanales:
madera, piedra, metal, de las esculturas
en la ciudad, ver la artesanía local.
-Luego según lo observado o lo que más
le gusto, deben diseñar una escultura
que represente la artesanía local con los
materiales que ellos estimen conveniente
para realizar su proyecto.
El profesor debe…
1.- Explicar a los alumnos el concepto
de artesanías los tipos que hay y el
arte povera.
2.-Ejemplificar a través de videos e
imágenes,
3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y
propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del
aprendizaje.
Actividad 23
Objetivo: valorar la escultura como uno de
los medios más importantes de expresión
de las artes visuales. Con este fin se
propone conocer distintas modalidades del
lenguaje escultórico, de acuerdo a diversos
materiales y técnicas. En este sentido, se
recomienda motivar al alumnado para
que explore diferentes tipos de esculturas,
intentando reconocer las características
más significativas de cada obra en relación
con sus aspectos formales y expresivos.
Recursos:
Cuaderno y materiales a
elección de desechos.
Actividad grupal:
-Los alumnos deberán escoger épocas de la historia
del arte (renacimiento, pop art, arte dada etc.)
con el fin de hacer una instalación de un elemento
o grupo de objetos que traigan esa estética a la
época actual. En algún lugar del establecimiento.
El profesor debe…
1.- Explicar a los alumnos el
concepto de todas las épocas de
la historia del arte
2.-Ejemplificar a través de videos
e imágenes, dando a conocer los
precursores nacionales e
internacionales.
3.-Estar presente durante todo el
proceso de la actividad, aportando ideas, y propiciando un ambiente crítico y reflexivo,
dando paso a la construcción del aprendizaje.
Actividad 24
Objetivo: Imaginar e
identificarse con diferentes
atmósferas (estéticas, históricas,
sociales) a partir de la
recreación de obras pictóricas y
fotográficas.
Recursos: Pc, internet, y
materiales que el grupo
requiera.
Actividad individual:
Realizar un libro de artista con diversos materiales
o técnicas, representando el cuerpo de diversas
maneras según sea su elección del diario de artista
que quieran realizar.
El profesor debe…
1.- Explicar a los alumnos ellos
diversos tipos de libros de artista
s.
2.-Ejemplificar a través de videos
e imágenes, dando a conocer los
precursores nacionales e
internacionales.
3.-Estar presente durante todo el
proceso de la actividad,
aportando ideas, y propiciando
un ambiente crítico y reflexivo,
dando paso a la construcción del
aprendizaje.
Actividad 25
Objetivos: Diseñar con diversos
medios, materiales y técnicas
para responder a las
necesidades del cuerpo.
Recursos: Libro o guía de
teléfono vieja, tijeras
pegamento, pinturas, etc.