El ángel de la luz - fundiciondesevilla.es · sido la abolición del mito de Adán, Eva y el...
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Programación adultos 2010 www.notecomaslamanzana.com | Duración 1h 10’ 7 al 17 Enero (jueves a sábado 21 h | domingo 20 h) Lilith, Adán y Eva o la rebelión del Edén texto original de Antonio Hernández Centeno Idea Original y Dirección Javier Osorio Con Asunción Sanz, Iñigo Núñez y Cynthia Martín Escenografía Gonzalo Carbona | Iluminación Ada Bonadey | Música Santiago Martínez Vestuario Isabel Arias | Peluquería y Maquillaje Manolo Cortés Una Producción SÍNTESIS PRODUCCIONES (Sevilla) En colaboración con XIII Festival Internacional de Teatro de Cazorla Nos encontramos en un futuro cercano, que tras una gran crisis mundial que ha servido para que toda la sociedad se replanteé su posición en el mundo. Esta crisis ha hecho que todo se renueve, y la Iglesia Católica no podía ser menos. Un nuevo Papa de etnia “negra caribeña” gobierna el Vaticano y ha convocado el Concilio Vaticano Tercero. Un Concilio que ha supuesto la renovación y la modernización de dicha institución. Una de las primeras decisiones que se ha tomado en él, ha sido la abolición del mito de Adán, Eva y el Paraíso. Ya que su historia ha dejado de tener sentido para la nueva sociedad. La iglesia rechaza la teoría de un padre y una madre blancos como origen de todo. La iglesia, por fin, está avanzando y se está dando, dos siglos y pico después, la mano con Darwin. Adán, Eva y Lilith, la primera mujer de la historia que fue ocultada por la propia Iglesia, están recogiendo y embalando el paraíso. Sus mitos han dejado de tener sentido y ya no tienen que seguir representando y reviviendo su historia para la humanidad. El mismo Dios les ha encargado que desmonten el escenario donde han representado una vez tras otra sus historias. Adán y Eva se sienten perdidos no saben como enfrentarse a su nueva vida, una vida donde se convierten en seres humanos y dejan de ser mitos y tendrán que vivir como seres anónimos dentro de la sociedad. www.alsuroeste.es | Duración 1h 10’ 21 al 24 Enero (jueves a sábado 21 h | domingo 20 h) El ángel de la luz De Miguel Murillo Dirección y Espacio Escénico Joâo Mota Con Juan Carlos Castillejo, Alberto Iglesias, Celiqa Nadal, Elías González y Ricardo Utrera Escenografía y atrezzo Paco Quesada | Iluminación Juanjo Llorens | Espacio Sonoro Hugo Franco Vestuario Maite Álvarez | Maquillaje y Caracterización Pepa Casado Una Producción Javier Leoni- AL SUROESTE TEATRO (Badajoz) En coproducción con Consej.Cultura y Turismo Junta de Extremadura | INAEM-Ministerio de Cultura “No hace mucho, conocí a Maneli. Fue en Portugal, en una taberna de Campomayor entre vino verde y queso de cabra. Maneli, el viejo contrabandista que bebió con nosotros hasta que le salieron los recuerdos del alma, me contó la historia, una historia que hablaba de España y Portugal, de fado y guerras, de oscuridad y tristes bombillas en aldeas solitarias, de aguas del Guadiana teñidas por el café...de un hombre, de un ángel, de alguien que recobró su identidad cuando la libertad llegó a su casa a través de un televisor y una Revolución de Claveles y sonrisas. Estaba obligado a contarla para demostrarme cómo la libertad rompe silencios y crea hombres y mujeres con voces y rostros.” Miguel Murillo Es una obra para mí, que soy portugués, preocupante. Habla de la Guerra Civil en España, de la guerra de África, del silencio, del 25 de abril en Portugal, sin duda un período muy negro en la historia de España y Portugal. Negro como el café negro, como el río negro, como la oscuridad de ese tiempo negro. También habla de los miserables, de los pobres de solemnidad, que viven sin esperanza alguna, pero esperando. Esperando que los que hácen política les devuelvan algún día sus derechos, los derechos humanos más elementales. En esta época de guerras, de personas que mueren de hambre, que no saben que les va a pasar mañana, ¿qué futuro les espera a los niños y a los jóvenes? Yo soy una persona que cree confianzudamente en el hombre, que tengo esperanza en la igualdad de los hombres, en que el grito de tristeza se transforme un día en grito de alegría y podamos cantar todos el Grándola Vila Morena. Joâo Mota
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Programación adultos 2010
www.notecomaslamanzana.com | Duración 1h 10’
7 al 17 Enero (jueves a sábado 21 h | domingo 20 h)
Lilith, Adán y Eva o la rebelión del
Edén texto original de Antonio Hernández Centeno Idea Original y Dirección Javier Osorio Con Asunción Sanz, Iñigo Núñez y Cynthia Martín Escenografía Gonzalo Carbona | Iluminación Ada Bonadey | Música Santiago Martínez Vestuario Isabel Arias | Peluquería y Maquillaje Manolo Cortés Una Producción SÍNTESIS PRODUCCIONES (Sevilla) En colaboración con XIII Festival Internacional de Teatro de Cazorla
Nos encontramos en un futuro cercano, que tras una gran crisis mundial que ha servido para que toda la sociedad se replanteé su posición en el mundo. Esta crisis ha hecho que todo se renueve, y la Iglesia Católica no podía ser menos. Un nuevo Papa de etnia “negra caribeña” gobierna el Vaticano y ha convocado el Concilio Vaticano Tercero. Un Concilio que ha supuesto la renovación y la modernización de dicha institución. Una de las primeras decisiones que se ha tomado en él, ha sido la abolición del mito de Adán, Eva y el Paraíso. Ya que su historia ha dejado de tener sentido para la nueva sociedad. La iglesia rechaza la teoría de un padre y una madre blancos como origen de todo. La iglesia, por fin, está avanzando y se está dando, dos siglos y pico después, la mano con Darwin.
Adán, Eva y Lilith, la primera mujer de la historia que fue ocultada por la propia Iglesia, están recogiendo y embalando el paraíso. Sus mitos han dejado de tener sentido y ya no tienen que seguir representando y reviviendo su historia para la humanidad. El mismo Dios les ha encargado que desmonten el escenario donde han representado una vez tras otra sus historias. Adán y Eva se sienten perdidos no saben como enfrentarse a su nueva vida, una vida donde se convierten en seres humanos y dejan de ser mitos y tendrán que vivir como seres anónimos dentro de la sociedad.
www.alsuroeste.es | Duración 1h 10’
21 al 24 Enero (jueves a sábado 21 h | domingo 20 h)
El ángel de la luz De Miguel Murillo Dirección y Espacio Escénico Joâo Mota Con Juan Carlos Castillejo, Alberto Iglesias, Celiqa Nadal, Elías González y Ricardo Utrera Escenografía y atrezzo Paco Quesada | Iluminación Juanjo Llorens | Espacio Sonoro Hugo Franco Vestuario Maite Álvarez | Maquillaje y Caracterización Pepa Casado Una Producción Javier Leoni- AL SUROESTE TEATRO (Badajoz) En coproducción con Consej.Cultura y Turismo Junta de Extremadura | INAEM-Ministerio de Cultura
“No hace mucho, conocí a Maneli. Fue en Portugal, en una taberna de Campomayor entre vino verde y queso de cabra. Maneli, el viejo contrabandista que bebió con nosotros hasta que le salieron los recuerdos del alma, me contó la historia, una historia que hablaba de España y Portugal, de fado y guerras, de oscuridad y tristes bombillas en aldeas solitarias, de aguas del Guadiana teñidas por el café...de un hombre, de un ángel, de alguien que recobró su identidad cuando la libertad llegó a su casa a través de un televisor y una Revolución de Claveles y sonrisas. Estaba obligado a contarla para demostrarme cómo la libertad rompe silencios y crea hombres y mujeres con voces y rostros.” Miguel Murillo
Es una obra para mí, que soy portugués, preocupante. Habla de la Guerra Civil en España, de la guerra de África, del silencio, del 25 de abril en Portugal, sin duda un período muy negro en la historia de España y Portugal. Negro como el café negro, como el río negro, como la oscuridad de ese tiempo negro. También habla de los miserables, de los pobres de solemnidad, que viven sin esperanza alguna, pero esperando. Esperando que los que hácen política les devuelvan algún día sus derechos, los derechos humanos más elementales. En esta época de guerras, de personas que mueren de hambre, que no saben que les va a pasar mañana, ¿qué futuro les espera a los niños y a los jóvenes? Yo soy una persona que cree confianzudamente en el hombre, que tengo esperanza en la igualdad de los hombres, en que el grito de tristeza se transforme un día en grito de alegría y podamos cantar todos el Grándola Vila Morena. Joâo Mota
www.cicus.us.es
Duración: 30 minutos (tras la función habrá una charla
con el coreógrafo)
Martes 26 Enero a las 21 h.
La flor de la vida (un encuentro con la creación) Interpretación y creación Víctor Zambrana (Sevilla, vive y trabaja en Barcelona) | Música Ilia Mayer
En el suelo un círculo, en el círculo los pies. Los pies, la raíz. La raíz, un árbol. Diez esferas que son diez pasos, diez pasos que contienen siete. Siete que es astral, astral que es emocional, emocional que es aire que es ritmo que es tiempo que es vida. Vida que es movimiento que vibra que resuena que es luz que es cuerpo. Cuerpo que sirve a cada paso. Proceso creativo que no tiene fin.
La huella del tiempo, una pisada sin trascendencia. No buscar a cada paso para encontrar a cada instante. Cadena de instantes que son causas que desencadenan efectos, cadenas que se rompen para volver a encadenarse. Cadenas que pesan, cadenas que son ligeras, cadenas de oro, cadenas de plata, cadenetas, caderas, cadiras, caduceos, caducos, camisas, caminos. Surcos en la tierra que dibujan senderos para recorrer con la mirada. Meter los dedos en cada yaga, arañar el tiempo y satisfacer el deseo de ser uno mismo en cada momento. No mentir. Sembrar un pensamiento y no mirar atrás.
“La flor de la vida (un encuentro con la creación)” es un trabajo que el artista comenzó durante una residencia en Ferrol con la cía. Malqueridas, allí se apuntó la dirección y ahora lo desarrolla, estrenando en Sevilla.
Al aire, agua. Al agua, tierra. A la tierra, fuego. Al fuego, vida. A la vida, muerte. A la muerte, aire. Al aire, agua. Al agua, tierra. A la tierra, fuego. Al fuego, vida. A la vida, muerte. A la muerte, aire. Al aire, agua. Al agua, tierra. A la tierra, fuego. Al fuego, vida. A la vida, muerte. A la muerte, aire. Al aire, agua. Al agua, tierra...
Una iniciativa de
Con el apoyo de
Fernando Lima Programación Alyson Maia Producción y Comunicación www.electricacultura.com
http://www.myspace.com/tanpanchoyconbrio
Duración 1 h 15’
28 al 31 Enero (jueves a sábado 21 h | domingo 20 h)
Dirección espacio-tiempo Luca Nicolaj Partícula y antipartícula Manolo Caro
Electrona de dirección Paloma Díaz Diseñador de fotones David Linde Foto instantón Luis Castilla Supercompañeras gráficas Cármen Moreno y Amaya Lalanda Una Producción CARO & NICOLAJ (Sevilla/Roma) En colaboración con Consej. Cultura Junta de Andalucía
En cuanto a mí: El personaje va dibujando en el escenario un mapa de la vida, invitándonos a explorar con él su sorprendente geografía.
Trotando entre pasado y futuro, juega con los sueños y hace malabarismos con la realidad, enredándonos en fantasías y locuras donde la risa siempre está al acecho. De repente el personaje se vuelve selvático, su mirada inquieta es la de una fiera. Imposible saber si está domesticada del todo. Tan pancho y con brío es un viaje tragicómico al centro del corazón, un viaje teatral desconcertante y sugerente en el que todos acabamos dándonos por aludidos.
“Yo no estoy enamorado de ti, estoy enamorado de la vida que pasa a través tuya”
“Yo no tengo palabras, por eso me las aprendo de memoria”
“Esto es como lo de las partículas y antipartículas: cada manolo tiene su antimanolo…”
“Y un buen día, uno de esos animalitos que no se decidía a volar, se puso sobre sus patas traseras, así. Era estremecedor. Y, por lo visto, de ahí vengo yo…”
www.8co80.com | Duración 1h 15’
4 al 14 Febrero (jueves a sábado 21 h | domingo 20 h)
En el monte del olvido De Alfonso Zurro PREMIO CREACIÓN 2009. Escenarios de Sevilla Dirección Alfonso Zurro Con Alex Peña, Nacho Bravo y Eloína Marcos Espacio escénico Javier García | Iluminación Florencio Ortiz | Música Luís Navarro Vestuario Isabel Arias | Video Jean-Gabriel Périot (de su film Dies Irae) | Imagen Manuel Cuervo Una Producción CAÍN CLUB TEATRO (Sevilla)
Los dos ladrones crucificados junto a Jesús ya están en sus cruces. Los soldados y el resto del personal que los han levantado sobre los maderos se han largado a buscar al auténtico protagonista. Se han quedado solos. Los ladrones se saben personajes secundarios ante la importancia del que está por llegar. Ni siquiera le conocen, pero han oído tanto de él, que esperan ansiosos su llegada…, su actitud ante esta dura prueba, sus palabras… Uno es un incrédulo, el otro, alberga alguna esperanza en su incierto futuro… El tiempo sobre la cruz se hace lento, quizá eterno…
LA CRÍTICA HA DICHO:
Valiente, sincero, directo y muy, muy clarito. Así habla el maestro Zurro por boca de Dimas, el ladrón bueno crucificado junto a Jesús. Sin pelos en la lengua ni cortapisas… sonreímos ante tanta verdad, tanta libertad. Escenario vacío, sembrado por telas color vino ensangrentado y las tres piedras indicadoras del lugar donde se plantará la cruz del Nazareno. Cuando texto e interpretación son excelentes, no hace falta más. Lara Martínez. (ABC)
Zurro, que vuelve a mostrar (también como autor) una sabiduría impropia de este tiempo, presenta también un espectáculo sobre la fe. Y crea, de nuevo, un sorprendente paralelismo entre ésta y el teatro al cuestionar su utilidad. El dramaturgo levanta así una defensa apasionada de la dimensión platónica del ser humano y a la vez la critica sin contemplaciones. Pablo Bujalance. (MALAGA HOY)
Toda esa locura llena de referencias a nuestra cultura, confluye en una pieza que se convierte en auténtico y buen teatro, sobre todo porque Alfonso Zurro, como los antiguos goliardos, posee la cultura, el talento, y la desvergüenza necesaria para lograrlo. La puesta en escena, también obra del antiguo director de La Jácara, es un ejemplo de sencillez apabullante. Zurro deja que sea el texto el que vaya proporcionando las sorpresas necesarias para mantener la atención del público hasta el difícil -o imposiblefinal. Rosalía Gómez (DIARIO DE SEVILLA)
8, 9 y 10 Febrero a las 12,30 h.
El Caballero Dramaturgia José Ramón Fernández | Dirección Escénica Fefa Noia Actrices / Actores David Luque, Andrea Soto, Marcos Tizón Damián Dirección de producción Santiago Pérez Carrera | Diseño Yaiza Pinillos Una Producción EscénaTe para la Biblioteca Nacional de España (Madrid)
Espectáculo teatral basado en la figura de Amadís de Gaula, producido con motivo de la exposición “Amadís de Gaula, 1508: quinientos años de libros de caballerías”, celebrada en la Biblioteca Nacional de España entre octubre 2008 y enero 2009.
Todos los relatos de aventuras que llenan nuestro imaginario tienen raíces en los libros de caballerías. El héroe que desconoce su verdadero origen; que parece elegido para una misión trascendente; que es especial: más valiente, más fuerte, más honrado; loa lealtad; la aventura. Y, sobre todo, el amor verdadero. Los cuatro libros de Amadís de Gaula, que cumplen ahora quinientos años, ocupan unas dos mil páginas y cientos de aventuras. Vamos a tratar de reflejar lo fascinante de Amadís en apenas siete mil palabras: un pequeño espectáculo teatral que cuenta con tres intérpretes maravillosos y la brillante dirección de Fefa Noia. Encontraremos a Amadís en dos de los momentos más importantes de su vida, aquellos en los que su identidad habita toda la importancia del relato. Junto a la grandeza de Amadís, la lealtad de sus escuderos, la magia de Urganda la Desconocida, el amor de la princesa Oriana … Una puerta para soñar.
www.cicus.us.es (tras la función habrá una charla
con el coreógrafo)
www.matxalenbilbao.com
Martes 16 Febrero a las 21 h.
SAST! Idea original, creación, coreografía e interpretación Matxalen Bilbao | Dirección Atxarte López de Munaín y Matxalen Bilbao Música Itziar Madariaga | Vídeo Leyre Llano | Diseño de Iluminación Gabriel Punzo | Foto Sibophot Producción Matxalen Bilbao, Gobierno Vasco (Bilbao) con el apoyo de CAPa, Centro de Artes Performativas do Algarve y la Sala La FuNdicIOn – Bilbao
(Sast: onomatopeya. Voz que hace referencia al sonido que se produce al introducir o rozar un cuerpo en otro) Pieza íntima, un solo acompañado. SAST! indaga en lo humano desde una visión abstracta del cuerpo, sin llegar a una historia, transita por las vivencias grabadas en el cuerpo. Pensar es pesar, el pensamiento no sobrevive sin la experiencia de la fuerza de gravedad. Experimentar el precario equilibrio y la rugosa fricción entre el cuerpo y el medio, hallando refugios en la fragilidad. Imágenes que median entre el espacio interior y el espacio exterior de la intérprete. “...Por un momento, a través del movimiento, recupero efímeramente mi estabilidad, sólo para volver a perderla a través del mismo movimiento. Como el árbol busco de manera incesante el equilibrio”.
Hay algo que permanece intacto en las obras de Matxalen Bilbao desde el principio y es el uso de la música original y de vídeo.
Una iniciativa de
Con el apoyo de
Fernando Lima Programación Alyson Maia Producción y Comunicación www.electricacultura.com
www.laturne.com | Duración 1h 15’
1 Marzo y 4 al 7 Marzo (jueves a sábado 21 h | domingo y lunes 1 20 h)
“El orfelinato”
Una comedia de terror o un terror de comedia, según se mire.
Guión e Interpretación Raquel Armayones y Maribel Chica Dirección Joan Estrader Escenografía y Utilería Ernesto de Ceane, María Chica | Espacio sonoro Sitín Vestuario Consuelo Bahamonde | Coreografía Mario Payán Una producción CÍA LA SANTA COMPAÑA (Sevilla)
URGE: Cocinera interna para el orfelinato High Hill Green Grass House. IMPRESCINDIBLE: Estar sola en este mundo, carecer de iniciativa propia y tener la discografía completa de Richard Claiderman. INTERESADAS acudir el martes 13 de noviembre a las 6 en punto. Gladys, nuestra protagonista, acude a la llamada del anuncio y se ve envuelta en una pesadilla. Los habitantes del orfelinato tienen un plan macabro y ella es su próxima victima. ¿Conseguirá escapar?
Nos hemos inspirado en los clásicos del cine de terror para crear ¡¡¡LA MEJOR COMEDIA DE SERIE B DE TODOS LOS TIEMPOS!!! La dirección, los elementos escenográficos, la interpretación y el espacio sonoro crean un lenguaje abierto y descarado que enganchan al espectador en el juego, desde el comienzo hasta el inesperado THE END.
Personajes: Srta Margaret Teacher, como la institutriz. | Sra Gladys Kitchen, como la cocinera | Sr William Garden, como el jardinero. Y en el papel de los “inocentes” huerfanitos: Amy, Basil, Claire, Desmond, Ernest, Fanny, George, Héctor, Ida, James, Kate, Leo, Maud, Neville, Olive, Prue, Quentin, Roda, Susan, Titus, Uma, Victor, Winnie, Xerxes, Yorik y Zilan
Duración 1h 05’
F E D E R I C O G A R C Í A L O R C A
Uno de los dos dramaturgos españoles más importantes, junto a Valle-Inclán, del pasado siglo XX, escribió esta obra revolucionaria para su tiempo en 1931, y junto a “El Público” y “Comedia sin título”, representa su teatro más rompedor y atrevido.
11 al 21 Marzo (jueves a sábado 21 h | domingo 20 h)
“Así que pasen cinco años” De Federico García Lorca
Con Amparo Marín y Manuel Monteagudo Dirección Antonio Campos | Dramaturgia Manuel Monteagudo Música Original Luís Navarro | Escenografía José María Sanchez Rey Iluminación Antonio Alonso Vestuario Cristina Simón | Ayudante de Dirección Isa Ramírez | Diseño Gráfico Ana Ropa Una producción CÍA. MANUEL MONTEAGUDO (Sevilla) En colaboración con Consej. Cultura Junta de Andalucía
En esta obra de Lorca, un hombre incapaz de vivir la realidad del presente, espera la llegada de un amor idealizado, de un sueño fabricado por él mismo, mientras que la vida, múltiple y extraña, se le escapa como un relámpago. Este espectáculo nos habla de la dificultad de vivir en el aquí y ahora, del miedo a entregarnos al amor, a crecer, a ser adultos y enfrentarnos con la propia vida, y por tanto con la propia muerte.
El mismo Lorca planteó que “Así que pasen cinco años” transcurre fuera del tiempo y la realidad: en la mente del personaje protagonista, y que todos los personajes están en su cabeza. Y de esta premisa parte nuestra propuesta en la que dos actores (un hombre y una mujer), dan vida a los diferentes personajes de la obra como reflejos y proyecciones del Joven protagonista (lo masculino en lo femenino, y lo femenino en lo masculino). Esta obra es terriblemente actual y conmovedora pues refleja todo lo que hacemos para no vivir la propia vida: inventándola, soñándola o postergándola.
El paso del tiempo, el rechazo a la realidad, el fracaso amoroso, los sueños imposibles, el miedo a la muerte son temas universales que atañen por igual al hombre del siglo XXI, y que Lorca supo reflejar de una manera poética, original y tremendamente bella. Todo ello lo hemos llevado a cabo de una manera intimista, y sutil, donde la conexión con el espectador no es a nivel racional, sino puramente emocional, y en la que la sencillez y elegancia de la puesta en escena hacen traspasar esta historia al patio de butacas.
CÍA. MANUEL MONTEAGUDO
Creó su propia productora en 1996, año en que estrenó “Tai Viginia”, un monólogo tragicómico sobre la vejez y la demencia, que consiguió tres premios de teatro, y más de quinientas representaciones. Éxito unánime de crítica y público. Se ha representado durante casi 10 años consecutivos. En 1999 crea “Del otro Lado”, un espectáculo de humor sin palabras, junto al actor Guillermo Jiménez, y con la dirección de la experta en clown Pepa Díaz- Meco, gira por toda Andalucía y de nuevo carcajadas aseguradas. En 2.000 lleva a escena “Ay Carmela”, con la colaboración de la actriz Maica Barroso y bajo la dirección de Pedro Casablanc, más de doscientas representaciones, premios mejor actriz y mejor dirección en Feria del Sur, y una vez más éxitos unánimes de crítica y público, en su gira por Andalucía y España durante 2001y 2002.
www.cicus.us.es
(tras la función habrá una charla con el coreógrafo)
Martes 23 Marzo a las 21 h.
Silent Bird + Christina´s world
MAIKO D.C. Susana Aguilar, Mar Andrés, Carina Martín y Paz Sabater Intérpretes Susana Aguilar, María del Mar Andrés y Carina Martín Música Paz Sabater | Iluminación Miguel Rubio Una Producción Cía. Maiko Danza (Granada)
Seleccionada para el 2º Certamen Nacional Coreográfico de Danza – Consejería de Cultura 2009
Silent Bird: Tres maneras de salir de lo convencional, tres formas de luchar contra lo impuesto, contra lo correcto, quizá en épocas diferentes, desde el anacronismo, pero también desde el sincronismo de la misma búsqueda de libertad, de derechos, de igualdad... de vivir. Distintos marcos para un mismo retrato, el de una mujer pensada e imaginada que lucha contra las construcciones sociales que, como frágiles jaulas de papel, la han transformado en un pájaro silencioso que sueña con volar muy lejos. Inspirada en el cuadro del genial artista norteamericano Andrew Wyeth, Christina's world se adentra en el imaginario que se esconde tras la rutina en la vida de dos hermanas, Christina y Helga, a finales de los años 40: Un hijo no deseado por una pero adorado por otra, un hombre ausente por culpa de la guerra, un amor escondido, un dolor agrio que las consume, el fantasma de la locura..Ambas juegan papeles cruzados de manera forzada, por la época que les ha tocado vivir, por los secretos que nunca se llegaron a contar y por una relación dependiente que las une, una relación de supervivencia. "¿Qué le estaría pasando a esa chica?"..Es sin duda la pregunta que nos hacemos al enfrentarnos a esta magnífica obra de Wyeth. Y la que presentamos hoy aquí, es una entre un millón de imaginarias respuestas…
Maiko Danza nace con el objetivo de incentivar y canalizar la creatividad de sus componentes, produciendo así espectáculos con sello propio a nivel coreográfico y a nivel musical. Silent Bird es el impulso con el que esta joven compañía arranca su proyecto.
Una iniciativa de
Con el apoyo de
Fernando Lima Programación Alyson Maia Producción y Comunicación www.electricacultura.com
24 al 27 Marzo (miércoles a sábado 21 h)
“Mi madre amadísima” Escrita y dirigida por Santiago Escalante
Alfredito Ramón Rivero Ayudante de dirección Antonio Morales Escenografía Francisco de Paula, Ramón Rivero e Irene Cantero | Vestuario Marina Sanz Carlos Montaje Musical Jaime Ramos | Iluminación Santiago Escalante Producción Charo Ramos | Fotografía Cármen Picazo Una producción TEATRO DEL MENTIDERO (Cádiz) En colaboración con Consej. Cultura Junta de Andalucía | INAEM-Ministerio de Cultura La Fundición |Fundación José Saramago
Alfredito, interpretado por Ramón Rivero, nos lleva de la mano por la Andalucía mas divertida, mas canalla y mas desoladora, siempre bajo la mirada de su madre, bajo la protección de su Virgen y el desamparo de su padre, los abandonos de sus amores, las amistades contadas, las batallas ganadas y las guerras perdidas, una niñez muy adulta, una juventud desorientada y una madurez infantil. Alfredo confiesa ante su Patrona secretos inconfesables, unos secretos tan fuertes y profundos como los que esconde la figura de su Virgen, que él sabe, nunca vino de donde vino, ni nunca fue donde fue, secretos a voces, verdades a medias y mentiras que convierten en engaño toda la existencia de las personas que se arrodillan ante su religiosa presencia.
Un homosexual cincuentón, vestidor de una Virgen andaluza negra de un pueblo del sur andaluz, ante su inminente acercamiento a una edad delicada, hace balance de su existencia con su confidente del alma, la Virgen que cada día escucha y soporta las alegrías y las penas de este ser encarcelado por si mismo en una vida llena de contrastes tan disparatados como el color de su Virgen y la blancura del Niño que porta.
Un espectáculo dividido en tres etapas del personaje, su niñez, su juventud, y el resultado de esas dos etapas en la actual, plasmados en el escenario en tres momentos del día, la mañana, la tarde y la noche. Días de estaciones distintas, la primavera, el verano y el otoño, envueltos en la iluminación que en las capillas se cuelan en esos diferentes horarios y épocas del año.
Una tragicomedia andaluza, una comunión privada entre el autor, el actor y la Virgen que los ampara… ¿O no?
Jueves 8 Abril a las 21 h.
Entre décimas yo sigo (recital audiovisual de poesía urbana)
De Niurka Rodríguez
www.eltalandon.com | Duración 1h
Textos, dirección, producción, interpretación, música, creación de ambientes y efectos sonoros de Niurka Rodirguez Visuales Carlos J. Vives | Dibujos Juan Carlos Cárdenas Vestuario Malayerba (Reyes González) | Iluminación y escenografía David Carmona
Una Producción EL TALANDON S.L.U. (Sevilla/Cuba)
Hablar de este recital es hablar de poesía, de humor, pasión, cercanía… y es hablar de fusionar. Es hablar de conquistas con magia y sin pretensiones. Es hablar de corazones, naturalidad y disfrute. Es decir: “Tremendo ‘tute’ de curro y de imaginaciones.”
Décimas: La hostelería y las tablas | Vaya madre de las Ciencias | Lázaro | Como el tabaco me fuma | Sexo en off | Análisis amoroso | La fullera | Mi fondo tocó tele | Una estrella me dio el norte | Con nosotras no hay agobios | Entre décimas yo vivo
“Entre Décimas Yo Sigo” es un singular recital de poesía urbana (décimas), que mezcla música, audiovisuales, artes plásticas, ambientación y efectos sonoros para crear una forma totalmente novedosa de presentar la poesía. Dicho recital lo dirige, produce e interpreta Niurka Rodríguez, cubana afincada en Sevilla. Los textos, música, creación de ambientes y efectos sonoros también son de su autoría. Un recital que no dejará a nadie indiferente por sus particularidades en cuanto a interpretación, puesta en escena y sus características visuales y sonoras. Así como por el refinado humor, y por la universalidad y atemporalidad de sus textos. Once historias que tratan temáticas de estos tiempos con un lenguaje coloquial y urbano pero escrito dentro de una métrica poética del siglo XVI y aderezado con recursos técnicos y sonoros propios del mundo cinematográfico, son esencialmente la garantía de diferenciación y de éxito de este producto.
9, 10 y 11 Abril ESTRENO EN SEVILLA (viernes y sábado 21 h | domingo 20 h)
El alma se serena (una tragicomedia fallera) De Lluïsa Cunillé y Paco Zarzoso
www.hongaresa.es | Duración 1h 10’
Dirección Paco Zarzoso Con Lola López, Pep Ricart y Ana Cediel Escenografía Damián Gonçalves | Iluminación Toni Sancho Vestuario, peluquería y maquillaje Josán Carbonell | Espacio sonoro Miguel Alarcón
Una Producción HONGARESA TEATRO (Valencia) Con la colaboración de INAEM (Ministerio de Cultura), TGV (Teatres de la Generalitat Valenciana), Ayuntament de Sagunt, Ayuntament de Badalona y Teatro Zorrilla de Badalona
Esta comedia se sitúa en la Valencia actual cuyos protagonistas son una azafata con vértigo, un ejecutivo en paro y una relojera cabaretera. Los últimos habitantes de una finca a punto de ser derruida y que intentan salvar de la especulación inmobiliaria entre ruidos de grúas, tracas y motores de fórmula 1. En el transcurso de la comedia, y a medida que la situación es más eses-perada, estos tres náufragos nos irán mostrando sus secretos y estrategias para resistir contra las políticas de una ciudad que definitivamente ha dado la espalda a sus ciudadanos.
La Companyia Hongaresa de Teatre, después de 14 años de trabajo continuado y 17 producciones propias, nos presenta esta tragicomedia fallera escrita por Lluïsa Cunillé y Paco Zarzoso. Manteniendo siempre un especial valor de la palabra en escena y resaltando el trabajo de interpretación de sus tres actores.
www.sevillafest.com
13 y 14 Abril a las 21 h. ESTRENO EN SEVILLA
EXITUS (comedia)
www.titzinateatro.com | Duración 1h 15 m
Dirección, Interpretación y Autoría Diego Lorca y Pako Merino Iluminación Miguel Muñoz | Escenografía Jordi Soler i Prim Sonido Jónatan Bernabéu | Vestuario Mireia Roy Técnicos luces y Sonido Albert Anglada y Jónatan Bernabéu
Una Producción TITZINA TEATRE S. L. (Barcelona)
EXITUS: es un término latino que significa «salida» y se emplea en medicina como simplificación de la expresión más correcta Exitus Letalis, que significa «salida mortal»
Un funerario, un hombre en busca de empleo, un directivo de un laboratorio farmacéutico y un abogado, entremezclan sus vidas sin que ellos mismos sean conscientes del destino común que los une. Cuatro personas que se enfrentan a la muerte desde puntos de vista tan diversos como el de una profesión, una tragedia o un acto irreversible de la vida.
TITZINA, tras ganar con sus anteriores creaciones numerosos premios nacionales, realizar más de 200 funciones con cada espectáculo y pasar por los festivales de teatro más importantes, vuelve a recorrer los escenarios con una nueva historia en la que múltiples personajes y escenas se suceden de forma dinámica, poética y con un estilo tragicómico de la mano de los creadores Diego Lorca y Pako Merino.
www.sevillafest.com
15*, 16 y 17 Abril a las 21 h. ESTRENO EN SEVILLA
Experiencias con un desconocido Show o Cómo experiencias se convierte en un programa piloto para TV
15* Conferencia performance sobre “Experiencias con un desconocido” (Entrada gratuita hasta completar aforo. Duración 40 m.)
www.soniagomez.com | Duración 1 h 15 m
Proyecto Sònia Gómez Creativos Txalo Toloza, José Luís Cañadas, Sònia Gómez Performers / realizadores Txalo Toloza, Sonia Gómez Dramaturgia y dirección Mose Hayward Clientes Buey, Rata, Mono, Cerdo, Tigre, Dragón + 1 invitado Asesoramiento musical djd! | Audiovisuales Txalo Toloza Textos Clientes / Sònia Gómez | Iluminación Edu Bolinches | Sonido Gat Documentación David Cauquil, David Rodríguez, David Barba | Espacio escénico Emily Fotografía y diseño grafico David Rodríguez
Una Producción M.O.M-El Vivero / CÍA.DANZA SÒNIA GÓMEZ (Barcelona) En Coproducción con Mercat de les Flors, CAER Reus, Festival MAPA Coproducció Segona Fase 2009 Centro Párraga
Etiqueta Art GeeK Chic Performances Esqueleto Bloque A ESPECTÁCULO | Bloque B “Experiencias con un desconocido” TV SHOW Material Las Experiencias con un desconocido 2007/2008 documentadas | Participación del público masculino y la complicidad del público femenino | Programa TV | Performances | Movimiento | Mundo Geek | Humor Absurdo | Textos | Música
¿QUIÉN ES SONIAGOMEZ? Una puta-escénico-metafísica de 34 añitos, morena, caucásica, sin pudor y al servicio de desconocidos.
¿DE QUÉ VA SU PROPUESTA? Art GeeK Chic Performances (AGCP)
¿QUÉ ES EXPERIENCIAS CON UN DESCONOCIDO SHOW? La puesta en escena de un programa piloto para TV realizado desde distintos teatros. Se trata de un producto artístico, personalizado y pergeñado en exclusiva para los desconocidos que contacten con soniagomez. Cualquier hombre puede tener acceso al producto, a ella, por tanto se trata de algo popular pero íntimo, algo único, irrepetible y muy personal. En definitiva, Experiencias con un Desconocido Show es la puesta en marcha de un artefacto-escénico-maquínico-experiencial del que las mujeres serán privilegiadas testigos de un misterio puesto en marcha para explorar y ser explorados en relación con los demás y con la posible o imposible intercambiabilidad entre los géneros masculino y/o femenino. Plan improvisado y hecho laboratorio emocional, somático, gestual y performativo sobre las tablas para ofrecer un excepcional artilugio deconstructivista donde lo cotidiano adquiere estatuto de milagro delirante y marciano.
www.cicus.us.es (tras la función habrá una charla con el
coreógrafo)
Martes 27 Abril a las 21 h. (danza)
Los zuecos van hacia sus buenos hábitos
Coreografía e iluminación Daniel Abreu Intérprete Roberto Torres Música Miguel Gil, Mozart, Fennesz y Klimerk | Fotografía Élida Dorta | Vestuario Dosinda Andrade
Una Producción CÍA. NÓMADA DANZA-TEATRO (Canarias)
www.elteatrovictoria.com | Duración 50 m
”…Resulta poco atractivo pensar que lo que uno avanza es un camino ya predicho por Otro. Los hábitos y las costumbres delimitan una postura personal y actitudinal ante los acontecimientos en los que uno existe. Uno es un amasijo de enseres y sus múltiples formas de usarlo. El color de los ojos delimita la manera en la que miro los paisajes, mi boca lo que puedo comer, mis manos lo que puedo agarrar y los brazos lo que tengo al alcance. Mis piernas son tan fuertes como los kilómetros recorridos, el estomago tiene la forma de lo que como, y mis pensamientos son fruto de las imágenes que recuerdo y reconstruyo para crear nuevos momentos. En todo uno intenta ajustar el molde de lo que es a los buenos hábitos y costumbres. Los paisajes tienen el verde que más se ajusta a lo que soy y entiendo; lo que soy capaz de construir. La barca, anclada en un mar poco profundo esculpe su forma en el agua. El cuerpo se esculpe en el aire y se presenta de mil maneras para ir modificando lo que se deja. Manifiesto en ello los modos de ser y de ver…”
Este trabajo coreográfico se adentra en el cuerpo y su presencia. Lo que es y lo que él explica. El uso de lo cotidiano puede tener un fin mayor que el del previsible. Coger un objeto y darle vueltas hasta ver en él lo poético de la existencia. El mantener con vida el uso y la costumbre, hecho que no deja de ser mas que un modo de estar.
Los zuecos van hacia sus buenos hábitos, se fundamenta en el trabajo de investigación del movimiento y en el cuerpo como motor de la acción y argumento coreográfico. Daniel Abreu ha desarrollado un estilo muy personal basado en la imagen y el desarrollo de las mismas como cuadros poéticos ajeno a los argumentos narrativos explícitos, ahondado en la parte más visceral y emocional del hecho fotográfico. La acción física y su exposición, ayudada de un trabajo particular de dirección, origina una composición en un formato cercano al cine.
Una iniciativa de
Con el apoyo de
Fernando Lima Programación Alyson Maia Producción y Comunicación www.electricacultura.com
www.sindromeclown.com | Duración 1 h 30 m
29, 30 Abril y 1, 2 Mayo (comedia) (jueves a sábado 21 h | domingo 20 h)
La prematura muerte de un viajante Idea original y Guión Práxedes Nieto, Víctor Carretero y Fernando Fabiani Actores Práxedes Nieto y Víctor Carretero Dirección Fernando Fabiani Luz y Sonido Angel Arispón “Arispy” | Escenografía Gonzalo I. Carbona
Una Producción SÍNDROME CLOWN (Sevilla)
Dos payasos intentan representar esta obra maestra del teatro contemporáneo. Raspa, el payaso que encarna a Willy Loman, quiere hacer una versión fiel a la obra original. Por el contrario, Rudo, el director, quiere hacer una obra basada en el “subtexto”. Willy Loman pasará por muchas y variopintas situaciones: Viajará en patera como un emigrante más. Irá de ventanilla en ventanilla haciendo colas interminables en el I.N.E.M. Será enviado en misión “muy especial” a la luna. Y terminará en el juzgado de guardia acusado de maltrato a su mujer, linda. Siempre buscando un trabajo que cambie su destino. Un destino ya escrito que sólo rudo conoce...
El resultado que se obtiene al enfrentar a una pareja de "Clowns" a un texto como la obra maestra del galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Letras, Arthur Miller, es lo que configura este montaje de Síndrome Clown. Esta compañía afronta desde la perspectiva del Clown la eterna dualidad de este Maestro indiscutible del drama contemporáneo que "siempre combinó la exigencia estética y el compromiso ético".
En el texto original de la obra, Willy Loman, viajante de comercio y protagonista de la pieza, encarna la tragedia de muchos hombres de a pie. Miller llevó al escenario a un hombre simple, agobiado por la cotidianeidad, preocupado por la relación con sus hijos. Pero el drama, lejos de quedar anticuado, sigue permaneciendo vigente, pues según las palabras del propio Miller, «Willy Loman es un personaje representativo de todos nosotros en la actualidad, en todas partes, y en todos los sistemas» y lo compara con algo tan cercano como el problema de la emigración -«ese sueño, en el que Willy Loman tanto creía, sigue siendo válido para muchos, como los inmigrantes que acuden en busca de un futuro mejor».
6 y 7 Mayo a las 21 h. ESTRENO EN SEVILLA (títeres)
Don Juan memoria amarga de mi
www.pelmanec.com
Dirección María Castillo Interpretación Miquel Gallardo Actrices video Doña Inés, Ingrid Domingo | Doña Ana de Pantoja, Annabel Totusaus | Carlota, Màrcia Cisteró | Isabela, María Castillo | Tisbea, Dolça Cos | Maturina, Laura Barba Texto Miquel Gallardo y Paco Bernal (a partir de textos de Tirso de Molina, José Zorrilla, Molière y Josep Palau i Fabre) Construcción Títeres Martí Doy | Escenografía Xavier Erra | Iluminación Fiorella Giudicessi Música Pep Pascual | Vestuario Susana Santos y Roser Puig | Proyecciones Armand López Técnico Iluminación, Sonido y Proyecciones Xavier Muñoz | Fotos y diseño imagen Tercer Polo
Una Producción PELMÀNEC TEATRE (Barcelona)
Con la colaboración del Ajuntament de la Vila de Piera, Teatre de l’Aurora y Teatre de Ponent.
Un Don Juan viejo, agotado por una larga y disoluta vida, y burlado por la muerte que lo huye, se retira a vivir a un convento franciscano a esperar que se cumpla su destino. Allí conocerá a Jacobo, un joven fraile que ha vivido desde su nacimiento apartado del mundo. Jacobo es el encargado de velar por la salud de Don Juan y, a pesar de que en principio el joven fraile teme al misterioso huésped, poco a poco su miedo se irá convirtiendo en admiración al escuchar sus historias. Todo eso es observado celosamente desde la oscuridad por el Padre Luis, el prior del convento y responsable de las medicinas que toma Don Juan para curar una misteriosa enfermedad. Durante su estancia en la celda del convento, Don Juan deberá enfrentarse a su turbio pasado, a las mujeres que engañó y, cómo no, a los espectros de las muertes que dejó tras de si. Sin saberlo, los tres tienen un pasado común mucho más cercano de lo que creen... y los tres tienen un futuro inmediato bien diferente del que se imaginan.
8 y 9 Mayo (sábado 21 h | domingo 20 h) ESTRENO EN SEVILLA (títeres)
Palabras de caramelo De María José Frías (a partir de la novela de Gonzalo Moure)
www.mariaparrato.com
Dirección Mauricio Zabaleta Música Kim Warsen Iluminación Marino Zabaleta Fotografía Chema Castelló Actriz/Manipuladora María José Frías
Una Producción TÍTERES DE MARÍA PARRATO (Segovia)
Con la colaboración del INAEM, Junta de Castilla y León y Fundación Siglo para las Artes Edades a partir de 6 años
Premio FETEN 2009 al Mejor Espectáculo
“Hay una historia… ¡un niño!.. te llamas Kori pero tú no lo sabes porque eres sordo.
Tu mejor amigo es un joven camello… el te enseñará a descubrir la poesía”
La tierra siempre presente, el viento mueve arena en forma de lluvia,
nos queda la leche y la carne. Todo vuelve a la tierra…
Una buscadora de historias del desierto encuentra, y nos cuenta, la de Kori, un niño sordo, y Caramelo, un joven camello. A través esa amistad Kori descubre la poesía. De la forma de contar ésta historia se evoca una forma de vida ejemplar como es la de los Saharauis; nómadas del desierto. Los espacios, las formas, los personajes, se arman y desarman con los objetos de la supervivencia diaria, de latas laminadas por las ruedas del desierto y palitos cincelados por el aire.
Martes 11 Mayo a las 21 h. (documental – entrada gratuita hasta
completar aforo)
Mirarse el ombligo
Dirección Pilar Gómez y Ana Álvarez-Ossorio Guionista Pilar Gómez
Productora EL MANDAÍTO PRODUCCIONES, S. L.
Productora ejecutiva Verónica Díaz Fotografía Miguel Aparicio | Sonido Carlos Pérez | Música Manolo Solo Montaje Ana Ávarez-Ossorio Duración 1 h 5 m
Una mujer de 34 años se plantea la maternidad, liberada de aquellos tiempos en los que la maternidad parecía un destino incuestionable para la mayoría de las mujeres. Indaga sobre la experiencia de tener un hijo y el por qué cuesta tanto tomar la decisión.¿Sólo es difícil para ella o es un signo de nuestro tiempo? ¿Siempre fue así? Mira a su alrededor y comienza su viaje personal, un recorrido interior. Necesita compartir su inquietud y comprobar qué les pasa a los demás cuando se plantean este tema. Son sus familiares y amigos los que conversarán con ella intentando descubrir porqué no ha sido madre hasta ahora. “Tanto si la mujer es madre como si no lo es, está articulada en la maternidad de alguna manera u otra, es como afirmar que la persona esta articulada en la sexualidad, sea sexualmente activa o abstinente”. (Velasco, 1995.)
www.belenmaya.com
Duración 1 h 5 m
13 al 16 Mayo (danza-teatro flamenco) (jueves a sábado 21 h | domingo 20 h)
La voz de su amo
Baile Belén Maya y Juan Carlos Lérida (artista invitado) Actor David Montero DJ y Música David J. Fonseca | Vestuario Carmen Sánchez y Pili Cordero Iluminación Ana Yacobi | Espacio escénico Santi Barber Dramaturgia David Montero | Coreografía Belén Maya y Juan Carlos Lérida Dirección David Montero, Juan Carlos Lérida y Belén Maya Ayte. Dirección Antonia Gómez
Una Producción CÍA. BELEN MAYA (Sevilla)
Coproducido por MERCAT DE LES FLORS con la colaboración del INAEM
Una bailaora, un bailarín, y un actor en una habitación, es decir, en ninguna parte. Un cuaderno escrito con letra menuda, retratos flamencos que hablan de hombres tímidos que no estaban seguros de querer cantar, como si Robert Walser hubiera nacido en Triana. Fragmentos de un tiempo que ya pasó, que pasará, que estaba pasando mientras se escribían estas letras. Hijos sin hijos releen como sonámbulos un viejo cuaderno. Las letras se hacen música y cuerpos que habitan el escenario y bailan y dudan y respiran y se callan.
Estamos ante un trabajo que probablemente funda una nueva línea de investigación en la que se multiplica la vitalidad de la danza flamenca contemporánea. Es importante reseñar la buena nueva que supone que una bailaora de la categoría y la proyección nacional e internacional de Belén Maya se embarque en un proyecto que trata de sacar al flamenco de su gueto de exhibición, entendiendo, con buen criterio, que el baile flamenco es una vertiente de la danza contemporánea y no una pieza de museo. La Compañía de Belén Maya apuesta, en este espectáculo, por integrar lenguajes, en un intento de difuminar las fronteras que sólo existen en los mapas. La bailaora da un paso hacia delante en la mezcla de géneros que determinan el arte escénico actual.
Para ello, se acompaña de Juan Carlos Lérida, bailarín y bailaor que lleva años de búsqueda para ampliar las claves coreográficas del flamenco y mantener un diálogo con las corrientes más actuales de la danza y las artes escénicas contemporáneas, y de David Montero, actor y dramaturgo sevillano que viene desarrollando una intensa y fructífera relación con lo flamenco, además de poseer una sólida carrera en el teatro andaluz jalonada con premios a su labor de escritura dramática, como el Carlos Arniches 2005.
En este empeño, los tres intérpretes han desarrollando un lenguaje que mezcla el vocabulario del baile flamenco con la danza contemporánea, la música electrónica, la palabra, el teatro físico, la performance… Todos estos elementos han abierto un proceso de investigación que está vivo y sigue creciendo en cada nueva representación, de forma que el espectáculo se acoge a una estructura y, a un tiempo, la subvierte, desembocando en una deconstrucción de “lo flamenco” que se sitúa en las claves del teatro-danza.
Belén Maya es hija de dos grandes artistas flamencos, Carmen Mora y Mario Maya. Inicia sus estudios de danza en Madrid. Formada en clásico, clásico español, jazz, contemporáneo y flamenco. Se traslada a Sevilla para centrarse en el flamenco, en la compañía de Mario Maya donde, en tres años, pasa del cuerpo de baile a primera bailarina y repetidora de la compañía. Abandona la compañía para formar su propio grupo y pasa seis meses en el tablao El flamenco de Tokio junto a importantes artistas: Yolanda Heredia, Rafael Jiménez ”Falo”, Jesús Torres, Alejandro Granados,… Al volver de Japón, ingresa como primera bailarina en la recién formada Compañía Andaluza de Danza. Participa en la película de Carlos Saura “Flamenco” representando a las nuevas generaciones. Es invitada a colaborar en compañías y espectáculos de importantes bailaores y coreógrafos como Javier Barón, Alejandro Granados, Manuel Reyes, Ricardo Franco, Andrés Marín, Manolete y Goyo Montero. También trabaja con Ramón Oller. En 1996, estrena con su propia compañía, su primer montaje “La Diosa en nosotras”, con Teresa Nieto como coreógrafa y Emilio de Diego de director musical. En el 2006 vuelve a crear su compañía y presenta “Dibujos”. Después de un largo periodo de estudio junto con Juan Carlos Lérida y David Montero, Belén presenta “Souvenir” y “La Voz de su Amo” en 2007. Actualmente se encuentra en una fructífera gira con ambas producciones.
www.elcalvoinvita.es | Duración 1 h 20 m
20 al 23 Mayo (comedia) (jueves a sábado 21 h | domingo 20 h)
No hay bar que por bien no venga
Idea original y guión El Calvo Invita Con Juande Ibáñez, Daniel Bargalló y Falín M. Galán Diseño e Iluminación Luis R. García Realización vestuario Deisy Realización escenografía Duna Decoración Asesor de expresión corporal Juan Motilla Arreglos musicales e interpretación SOAB Imagen y diseño gráfico Dharma Multimedia
Una producción CÍA. EL CALVO INVITA (Sevilla)
Una persona en su sano juicio diría que NO HAY BAR QUE POR BIEN NO VENGA, es tan sólo un cúmulo de disparatadas situaciones perpetradas por tres individuos con muy poca vergüenza. No le faltaría razón No le gustaría nada la verdadera historia entre el rey Arturo y el rey Felipe II de España, ni la leyenda nipona de las cenizas del dragón quemado y la idea de tres acróbatas de circo rusos venidos a menos le parecería completamente absurda, y si además a esta persona en plena posesión de sus facultades mentales le decimos que todo es articulado por un estúpida pandilla de vándalos urbanos, no dudaría en calificarnos como unos chiflados sin aspiraciones serias en la vida. Así que si lo que usted busca es armonía tranquilidad, sosiego y una bonita moraleja final , de verdad no venga a ver No Hay Bar Que Por Bien No Venga. Pero si lo que busca es…lo contrario, pues no lo dude, que no estamos como para perder el tiempo, y corra como el viento hasta su teatro de guardia más cercano, adquiera por un módico precio sus propias entradas y prepárese… ¿o que?
La Compañía nace en el año 2002, empezando a representar por bares y salas alternativas el boceto de lo que más tarde se convierte en su primera producción: “DE BAR EN PEOR”, estrenada en la sala La Fundición de Sevilla los días 13 y 14 de Junio de 2003, con una magnífica acogida. La experiencia de este contacto tan directo con el público marca las pautas del espectáculo y sienta las bases para un trabajo que tiene como superobjetivo captar desde el primer momento el interés del espectador y mantener a lo largo de la puesta en escena una interacción viva que garantice la frescura del montaje. La estructura dramática del espectáculo invita a una actitud relajada por parte del espectador, que así mismo logra conectar con las pequeñas historias que narran los actores, viéndose reflejado en la cotidianidad de los sucesos y a su vez reconociendo el tratamiento estilizado de los mismos.
www.cicus.us.es
(tras la función habrá una charla con el coreógrafo)
Martes 25 Mayo a las 21 h. (danza)
Two (estreno) + Dentro por fuera Coreografía e interpretación Manuela Nogales / Anna Paris Música Original Lehonidas Boskovec Iluminación Florencio Ortiz | Fotografía Juan Antonio Gámez Producción EL MANDAITO PROD. Para MANUELA NOGALES CÍA. DE DANZA (Sevilla) www.manuelanogales.com | Duración 60 m
Sonido como espacio sensible en sí mismo, elemento activo de expresión artística, generador de discursos que fabrican imágenes sonoras “espacializadas”, constructor de formas, volúmenes, necesidades... paisajes simbólicos donde acontecen acciones modalizadas y habilitadas por las relaciones intersubjetivas. Viviendo la corporeidad como una geografía multidireccional de relaciones consigo mismo y con el mundo, una red de conexiones sensoriales que dibuja todo un mapa de intensidades, trayectos de pensamiento que viajan a la concentración en un espacio intracorporal, sintiendo cada micromodificación de la textura corporal y psíquica.
Manuela Nogales es coreógrafa, bailarina y profesora de danza contemporánea. Su trayectoria profesional le lleva a la investigación en búsqueda de un lenguaje propio. Formada entre Bilbao, Barcelona, Madrid y Centro Andaluz de Danza ha tomado clases, entre otros, con los profesores: Avelina Argüelles, Carl Paris, Armgard V. Baedeleben, Tim Wengerd, Nelson Fernández, Julian Moss, Ramón Oller, Rick Merryl, Joe Alegado, Peter Goss, Jennifer Muller, Carolyn Carlson, David Zambrano,......Cursa estudios de Arte Dramático, Técnica Laban y Alexander, Cuerpo y Consciencia, Anatomía para el Movimiento, Quiromasaje, Quiropraxia, Yoga. Como coreógrafa ha realizado trabajos para: Centro Andaluz de Teatro, Centro Andaluz de Danza, Artes Escénicas de Diputación de Sevilla, Isla Mágica Parque Temático, Teatro Maestranza, Bienal de Flamenco, Teatro Villamarta de Jerez, Teatro Zarzuela de Madrid...
Una iniciativa de
Con el apoyo de
Fernando Lima Programación Alyson Maia Producción y Comunicación www.electricacultura.com
RED TEATROS ALTERNATIVOS
Duración 1 h 5 m
26 y 27 Mayo a las 21 h. ESTRENO EN SEVILLA (danza)
El arte de volar o The Magical Kschling-box
Una pieza de danza contemporánea y teatro de Dominik Borucki y Claudia Cardona Dirección, coreografía e interpretación Dominik Borucki Co-creación, coreografía e interpretación Claudia Cardona Música collage Técnica de luces Adriana Romero | Espacio de creación Centro Cultural de Cardedeu Agradecimientos Institut Ramon Llull, Laura Dorna, Guillem Rodri, Marc Cebollero, Alejandro Ardila, Sebastian, Gustavo Lesgart, Clara Leao, Conciudadania
Una producción CÍA. DOMINIK BORUCKI (Barcelona)
La solución de conflictos es nuestra prueba de fuego en cualquier ámbito de la vida, ya sea en la familia, en la pareja, en el trabajo o entre las naciones. Nuestra actitud frente a estas situaciones conflictivas, es la medida de nuestra capacidad para tratarnos bien a nosotros mismos y a otros. En cuanto entro en guerra con otros estoy en guerra conmigo mismo. La solución de conflictos requiere de todas nuestras capacidades. En situaciones donde llegamos a nuestros límites, al punto de dolor, de nuestros prejuicios e incapacidades, solamente podemos avanzar si nos ponemos a disposición de cambiar nosotros mismos y no solo esperar la solución desde el otro. Esto es bien difícil y a menudo se percibe como una caída, como caer, caemos desde donde pensamos que estamos nosotros mismos, o que deberíamos estar, desde donde pensamos cómo tiene que ser la solución y la situación. Pero aprendiendo esta caída lo podemos transformar en volar, en el arte de volar.
Borucki y Cardona trabajan juntos desde el año 2001. “El arte de volar” es la cuarta pieza que están estrenando juntos. Sus giras de las obras les llevaron desde Cataluña por toda España, a Alemania, Austria, Portugal, Colombia y México. Borucki enseña sus obras e imparte talleres de danza e improvisación en 15 paises de Europa y America. A Cardona otorgaron el premio Lladró como mejor interprete del festival Dansa Valencia 2002. Los dos actualmente residen en Cardedeu / Barcelona. Las obras de Borucki/Cardona se nutren de la Danza Contemporánea y del Teatro. Lo podemos llamar también danza teatro, o teatro de movimiento. La danza y el teatro lo entendemos como movimiento de todas las posibilidades que nos brinda el ser humano en cuerpo, voz, habla, canto, emoción y pensamiento. Esta obra se dedica al potencial creativo de los conflictos.
“En la vida de los seres humanos siempre se presentan conflictos, porque siempre habrá diversas maneras del ver el mundo. Pero un conflicto no tiene que ser una confrontación violenta, puede ser una oportunidad para entender las opiniones de los demás y transformar nuestros propios puntos de vista. De hecho un conflicto es una fuente de vida y creatividad, que la mayoría de las veces se resuelve pacíficamente, y no una condición negativa y fuente inexorable de problemas y violencia. Aceptar esto es reconciliarnos con nuestra condición humana, con nuestras experiencias y posibilidades.” (Conciudadania)
RED TEATROS ALTERNATIVOS
www.teatroensalle.com | Duración 1 h 30 m
28 y 29 Mayo a las 21 h. ESTRENO EN SEVILLA (teatro
contemporáneo)
105 pasos o la mecánica de la carne
Dirección y Dramaturgia Pedro Fresneda Con Raquel Hernández y Artús Rei Espacio escénico e Iluminación Pedro Fresneda Fotografía Iván Jeréz
Una Producción TEATRO ENSALLE (Vigo)
Con la colaboración de AGADIC (Agencia Galega das Industrias Culturais)
Las temáticas que toca 105 pasos... son todas relacionadas con el paso del tiempo frente al ser humano tanto en términos de tiempo limitado como en términos de especie. Se muestra cada momento, movimiento, como decisivo para el siguiente y que además genera distintas cadenas de acontecimientos con distinto resultado. ¿Por qué 105 pasos? Esos son exactamente los pasos que mide la plaza de mayo de Buenos Aires. Es un lugar emblemático en lo que a realidades paralelas se refiere, unos caminaban en círculo con su desgracia a cuestas y otros miraban como espectadores y pensaban que los caminantes se habían vuelto locos. Los 105 pasos miden el recorrido más corto porque fueron medidos por un turista europeo apresurado.
En 105 pasos o la mecánica de la carne hablamos de distancias, de la infinita distancia que existe entre el que sufre y el que mira, de los años que pasan en un segundo cuando de golpe se empieza a sufrir y se sabe que ya nada será igual, del mirar bovino de la gente que mira, a un lado de la plaza, como otros dan vueltas. Doy vueltas para reivindicar el movimiento, la no quietud. La distancia entre mi quehacer y tu mirada, que más quisiera yo que no tener este quehacer.
www.elcalvoinvita.es | Duración 1 h 15 m
3 al 6 Junio (comedia) (jueves a sábado 21 h | domingo 20 h)
Cienciación de vivir
Idea original EL CALVO INVITA Con Juande Ibañez, Daniel Bargalló y Falín M.Galán Dirección José Troncoso Textos Juande Ibañez (El Calvo Invita) Música original Falín M.Galán (El Calvo Invita) y Carlos del Pino Audiovisalues Serie Beta | Diseño de vestuario El Calvo Invita | Iluminación David Moya
Una producción CÍA. EL CALVO INVITA (Sevilla)
¿Qué es la ciencia? ¿Es fiable el método científico? ¿Es inherente al ser humano la curiosidad científica?... Ante todos estos interrogantes únicamente contamos con una certeza auténtica: En “El Calvo Invita” no tienen la más remota idea. Pero ¿Supondrá esto un impedimento para que reformulen y reinterpreten las teorías científicas mas importantes a través de un espectáculo-conferencia con estructura de sketches? Mucho me temo que no ¡Quien quiere científicos para reformular teorías científicas!
Duración 1 h
10 al 13 Junio ESTRENO EN SEVILLA (recital) (jueves a sábado 21 h | domingo 20 h)
Mágicos y Prodigiosos
recital sobre textos de El Alcalde de Zalamea CALDERÓN DE LA BARCA | El Burlador de Sevilla TIRSO DE MOLINA | Fuenteovejuna LOPE DE VEGA | Los Alcaldes de Daganzo CERVANTES | La Celestina FERNANDO DE ROJAS | Los Persas ESQUILO | El Rey Lear . La Tempestad SHAKESPEARE | Memorias de Adriano MARGUERITE YOURCENAR | Las Horas Inmóviles LUIS CERNUDA | Noche Oscura SAN JUAN DE LA CRUZ | Poesías SANTA TERESA DE JESÚS
Selección de textos, dirección e interpretación Roberto Quintana Producción Eugenio Jiménez, Bosco Lamadrid
Una producción PRODUCCIONES ODEÓN (Sevilla)
Con la colaboración de las JORNADAS DE TEATRO DEL SIGLO DE ORO DE ALMERÍA
A lo largo y ancho de mi buena amistad con Antonio Serrano, Director de las Jornadas de Teatro Clásico de Almería, ha sido un permanente deseo y propósito, más allá de colaboraciones puntuales -a través de mi participación en producciones de clásicos que hayan visitado las Jornadas-, hacer algo dedicado a señalar y valorar el esfuerzo y calado de un pequeño grupo de gentes singulares, empeñosas y obstinadas en el gusto y la complacencia por nuestros clásicos, capitaneadas por Antonio, en torno al esplendor poético de nuestros grandes del barroco.
Así, surgieron los primeros mágicos, deudores de mis alcaldes áureos que, en seguida, reclamaron la presencia del burlador, la celestina y los persas y a los que se sumaron dos clásicos de ayer, dos poetas de la más eminente prosa castellana y francesa; por todos he tenido la ocasión de circular con vehemencia en algún momento de mi vida sobre las tablas.
Y hoy, para el debut en la Sevilla de los corrales y las comedias, tres destellos esenciales se unen a este jubileo de la palabra: san Juan y santa Teresa, dos arrebatos del gozo; y William Shakespeare, donde el verbo se hizo carne.
Roberto Quintana
Duración 1 h 10 m
17 al 27 Junio (comedia) (jueves a sábado 21 h | domingo 20 h)
Taí Viginia
Actor Manuel Monteagudo Dramaturgia y Dirección Guillermo Rodríguez y Manuel Monteagudo
Una producción CÍA. MANUEL MONTEAGUDO (Sevilla)
Puedes ver un extracto en: http://www.youtube.com/watch?v=VFe5JNbRJw0
Esta obra nos cuenta una hora de la vida cotidiana de una anciana con alzheimer, que vive abandonada en su casa. Una historia que nos habla de la vejez, la soledad y la locura a través de un humor ácido y negro pero con un trasfondo dramático, donde todos podemos reflejarnos.
Manuel Monteagudo estrenó este espectáculo allá por el año 1996...han pasado casi 14 años y desde entonces... tres premios de teatro, más de 500 representaciones, éxito unánime de crítica y público. Un espectáculo que permanece absolutamente vigente. MANUEL MONTEGUDO Se formó en el Instituto de Teatro de Sevilla (84) y en la Escuela “Jacques Lecoq” de París(88). Comenzó su andadura en la Cía Esperpento, con la que representó: “Flash” (de Karl Valentin-Alvarez Ossorio). La Marquesa Rosalinda ( Valle-Inclán- Juan Carlos Sánchez) y Don Juan (Tirso/Zorrilla) Fue miembro fundador de la Cïa “Variedades Manhattan”(92). y ha trabajado para La Jácara ( Lulú), Imperdible (Ibn Jaldun), Los Ulen ( Cadáveres exquisitos) Cía Kiti Manver( Las bizarrías de Belisa), y el Centro Andaluz de Teatro: “Don Juan” (Pedro A.Ossorio), “Madre Caballo” ( Onetti-Emilio Hernández), “El rey de Algeciras” (Salvatierra-Julio Fraga), “Los siete pecados capitales” (Alfonso Zurro), In Nómine Dei ( Saramago- José Carlos Plaza ). Ha participado en cine y televisión: El Comisario, Amar en tiempos revueltos, Cuéntame, Los serrano, Los hombres de Paco, Hermanos y Detectives, La Familia Mata, Aída, etc. Premio Mejor Actor Andaluz por “Tai Viginia”(96), y Premio Imperdible de Oro a la Trayectoria (00)
bricAbrac Teatro (Sevilla)
www.bricabracteatro.com
23 Septiembre al 3 Octubre ESTRENO ABSOLUTO Comedia
jueves a sábado 21 h – domingo 20 h
Insomnio (ne me quitte pas el sueño)
Textos, Interpretación y Dirección Elena Bolaños Dirección en la creación del espectáculo Pepa Díaz Meco Asistente en la creación May Guzmán Diseño de Escenografía y de Vestuario bricAbrac Teatro Diseño de Iluminación Carmen Mori Música original Alejandro Cruz Benavides y Matthieu Berthelot Espacio Sonoro Matthieu Berthelot
+ info en www.myspace.com/bricabracteatro Con este espectáculo bricAbrac recupera las raíces de su primer espectáculo C´EST LA VIE, el principio... muy duro (que pudimos ver en LA FUNDICIÓN la temporada pasada), y en el que recupera a su personaje Irenita, pero esta vez, Irenita ha crecido, es una chica casi normal que está a punto de cumplir sus 30 años.
Irene ha vivido el peor día de su vida en la víspera de su 30 cumpleaños, agosto, ola de calor y una noche de insomnio a causa de una pregunta que le rondará en la cabeza, ¿Qué es la felicidad? Su gran fin será encontrar la respuesta. Nuestra protagonista intentará en esta noche de Insomnio recuperar las riendas de su vida y darle un sentido a su existencia. ¿Lo logrará?
CÍA. MANUEL MONTEAGUDO (Sevilla)
7 al 12 Octubre
Teatro jueves a sábado 21 h – domingo a martes 20 h
Así que pasen cinco años
De Federico García Lorca
Con Amparo Marín y Manuel Monteagudo Dirección Antonio Campos | Dramaturgia Manuel Monteagudo Música Original Luís Navarro | Escenografía José Mª Sánchez Rey Iluminación Antonio Alonso | Vestuario Cristina Simón En colaboración con Consej. Cultura Junta de Andalucía
Después de su éxito de la temporada pasada, reponemos este espectáculo emblemático de Lorca, y creado por Manuel Monteagudo, al que pudimos disfrutar en junio con TAÍ VIGINIA.
En esta obra de Lorca, un hombre incapaz de vivir la realidad del presente, espera la llegada de un amor idealizado, de un sueño fabricado por él mismo, mientras que la vida, múltiple y extraña, se le escapa como un relámpago. Este espectáculo nos habla de la dificultad de vivir en el aquí y ahora, del miedo a entregarnos al amor, a crecer, a ser adultos y enfrentarnos con la propia vida, y por tanto con la propia muerte.
La crítica ha dicho… «Así que pasen cinco años» nació de la pluma de Lorca en 1931, poco después de su viaje a Nueva York, en su etapa más atrevida. La Compañía de Manuel Monteagudo extrae la esencia y la acerca con la emoción que requieren las palabras del maestro. Partiendo de un texto excelente escrito por un autor universal, Monteagudo se rodea de buenos nombres para llevarlo a escena. Cada momento es poesía. La belleza del texto se sublima con la calidad de cada aspecto del montaje. Expresividad para conectar con cada corazón. (…) «Así que pasen…» está adaptada para tocar el alma con los dedos. El sueño reflexivo del que prefiere postergar, asustado ante la idea de encontrar, envejecer o morir. Lara Martínez. ABC 15/03/10
(…) Por eso, por eso, recomiendo ir a la adaptación que la Compañía de Manuel Monteagudo está haciendo de «Así que pasen cinco años» en La Fundición. Porque va a encontrarse con un tipo de teatro que hoy es difícil de encontrar en otro sitio. Sí, es una obra incómoda, sí, es una obra en la que no hay trama, sí parece que va contra el público, contra pasarlo bien, sí, sí, es el anfiteatro, el teatro que dispara contra el arte bienintencionado, pulcro, de risa fácil (…) Aquí está Lorca mostrándose en carne viva. (…) El sencillo atrezzo, la arena, el guiño a América, la voz de Amparo Marín -¡guau!-, el juego de máscaras, la música y las canciones, la altura interpretativa sobre todo cuando Monteagudo asume el rol ingenuo del niño o el paródico de galán de salón, son otros atractivos de esta adaptación que no gustará a la mayoría pero que es tan necesaria y tiene tanta vigencia hoy como entonces. Manuel Rosal. DIARIO DE SEVILLA 14/03/10
OFF MADRID (Madrid)
www.offmadrid.com
14 al 17 Octubre ESTRENO EN SEVILLA
Teatro
jueves a sábado 21 h – domingo 20 h
Suite
De Carles Batlle (Premio SGAE 1999) Con Pepa Sarsa, Abel Vitón, Jorge del Río y Clara Macías Dirección Luis Maluenda Escenografía Mar Ortiz | Vestuario Gracia Jarne Iluminación Carlos Marcos Con la colaboración de Consejería de las Artes-Comunidad de Madrid y del INAEM-Ministerio de Cultura
Una mirada poética, crítica sobre los ámbitos que nos construyen y nos conforman; la familia, nuestras relaciones, pero también las carencias que generan, nuestras ansias, sueños, amores perdidos, nuestras frustraciones.
La aparición de un viejo cuadro pone el pasado en cuestión y siembra de fantasmas el presente. Dos generaciones de mujeres (madre e hija) que se enfrentan al mundo doméstico de forma distinta: una se encierra en los libros y la otra decide tomar parte activa en su futuro. “Suite” es una “Casa de muñecas” del siglo XXI. “Suite” nos habla del deseo de vivir los sueños. La cohabitación de dos espacios en el mismo escenario consigue enigmáticas asociaciones y una elevada tensión dramática.
Suite es una obra llena de misterio que nos habla del eterno dilema entre el intento de realizar los sueños o la posibilidad de convertir en ficción literaria nuestro pasado. Un matrimonio celebra su trigésimo primer aniversario. Ella lee y recuerda el momento en que se conocieron; él construye una casa de muñecas. Inesperadamente, el marido de su hija les visita comunicándoles que ella ha abandonado el hogar que compartían desde hacía cinco años.
OFF MADRID es una Compañía asidua de LA FUNDICIÓN donde ha representado “El Arquitecto y el Relojero” de Jerónimo López Mozo, Premio Nacional de Literatura Dramática 1998 , “Los trabajos y Los días” de Michel Vinaver, “Orquesta” de Carmen Resino y la temporada pasada “Zona Catastrófica” de Ignacio del Moral, una obra que reflexiona sobre la xenofobia y las relaciones con el otro.
TEATRO DEL MENTIDERO (Cádiz)
20 al 24 Octubre ESTRENO ABSOLUTO Comedia
miércoles a sábado 21 h – domingo 20 h
El Betis, “la marcha verde”
De Antonio Hernández Con Ramón Rivero Adaptación y Dirección Santiago Escalante Escenografía, Vestuario e Iluminación Miguel Ángel Butler
Un antiguo peluquero sevillano, del Betis, claro, mientras hace su trabajo sobre un cliente en su antigua peluquería, en su terreno, terreno bético, proclama, explica, avasalla al señor con sus férreas ideas béticas, no solo las futbolísticas, las humanas, la del hombre de fútbol con un corazón diferente, mientras el cliente sereno ante tanta tijera, tanta navaja, el corte de pelo, el afeitado, calla en sus más profundos adentros un pecado en esos momentos inconfesables. Es Sevillista.
La “marcha verde” provoca una marea de risas trufadas de ternura, y en su intención, dibuja una Sevilla bética que es popular, costumbrista y aferrada a modos de vida muy peculiarmente andaluces. El texto despierta ecos de la Andalucía profunda e imaginativa, creativa y aferrada a sus modos de entender y ver la vida. El guión es tan sencillo como desternillante. Antonio Hernández ha entendido muy bien que escribir de fútbol como escribir de cualquier cosa, es escribir sobre algunos rincones del alma humana". Es una Sevilla alejada de ese mundo señoritil que tanto rechazo provoca en Andalucía, que se empeña en alejarse de la Sevilla sevillista, de la Sevilla “palangana”. El eje fundamental de la obra, con todo, es el Betis, a quien el autor definió "como un gallo que pone la piel de gallina", y por derivación, el beticismo, que tiene, a su juicio, "una psicología muy difícil de explicar".
Ramón Rivero y Santiago Escalante
La Legionaria, Alfredito, un homosexual vestidor de vírgenes den la época franquista reinventado para el cine y, ahora, un peluquero pecador. No hay personaje ni dramaturgia que se le resista a Ramón Rivero y Santiago Escalante. Mientras, su película “Madre Amadísima” (Pilar Távora) se pasea por los cines de toda España.
CÍA. DANIEL ABREU (Madrid)
www.danielabreu.com
29, 30 y 31 Octubre ESTRENO EN SEVILLA Danza-Teatro
viernes y sábado 21 h – domingo 20 h
Nuevamente ante ti fascinado
Idea, Dirección, Coreografía, Espacio e Iluminación Daniel Abreu Interpretación, creación y textos Roberto Leal y Daniel Abreu Con la colaboración de Provisional Danza-Carmen Werner, Aula de Danza Estrella Casero y Teatro El Canto de la Cabra
En este trabajo se mezclan el texto hablado y el del movimiento, ante la idea común de las apariencias. Una excusa para contar y hablar de la exposición, del mundo de la Revista, de Vicente, del final, de los anhelos, del amor, de la risa… Para hablar de un mundo en el que uno podría llegar a ser cualquier cosa y olvidarse de quién es en realidad, o no.
El Circuito es un programa impulsado por la Red de Teatros Alternativos con el apoyo del INAEM (Ministerio de Cultura) diseñado para la gira de las compañías por las salas de la Red, con el objetivo de impulsar la difusión de la creación contemporánea, identificando la escena alternativa con la excelencia y el riesgo artísticos y potenciando el intercambio territorial y el mestizaje cultural. En él participan 6 espectáculos de Teatro y 6 de Danza elegidos por las Salas de la Red entre más de 250 propuestas presentadas.
La Red de Teatros Alternativos es una asociación que agrupa a 35 salas y teatros de pequeño y mediano formato que están gestionados por un equipo privado con un proyecto innovador y de riesgo artístico. En los últimos años la Red ha crecido hasta lograr estar presente en 12 comunidades autónomas: Andalucía, Aragón, Baleares, Cataluña, Comunidad Valenciana, Galicia, Canarias, Madrid, Navarra, País Vasco, Castilla–La Mancha y Cantabria.
La crítica ha dicho… “Vemos a dos amigos que conversan, que ríen, que ironizan, que hablan de sí mismos aunque sólo sea para decir que no quieren hablar, que se conocen y se critican desde el cariño, que se muestran dulces y cercanos, duros y tristes cuando retratan sus miserias. Percibimos esa naturalidad de las relaciones que no necesitan explicarse porque ya tienen peso. Desde el punto de vista escénico, no sólo el espacio acaba de completar la pieza, sino el uso que los personajes hacen de él. No se escapa ningún punto de vista, ningún plano, ningún elemento. Mientras que Roberto está brillante en sus monólogos, baila, saca la risa del público o nos hace cómplices de la vida misma, Daniel decora la escena sobre una mesa, sobre una farola en increíbles equilibrios, sobre la arena en sus animales movimientos. O Daniel baila, largo, grande y elegante mientras que Roberto Leal se cambia de ropa para dar paso a una escena de vodevil, con el máximo gusto, a piel y kilos vivos” Nerea Aguilar Sanz, www.danzaballet.com
“La escena nacional encuentra en él a un comprometido creador que halla en el riesgo y la honestidad su punto de partida, y también el sustento de su talento. La búsqueda en el gesto, el movimiento, pero también en situaciones y nuevas facturas, envuelve la estructura y esencia de sus montajes, abstractos, alejados de lo fácil y conductores de imágenes que a Abreu le sirven para hablar de la vida y el ser humano.”
Mercedes López Caballero, Nº 16, Susy Q
TANTARANTANA TEATRE (Barcelona)
www.tantarantana.com
4 al 7 Noviembre ESTRENO EN SEVILLA
Teatro
jueves a sábado 21 h – domingo 20 h
De música y de hombres
De Helena Tornero Con Anna Briansó Dirección Julio Álvarez Espacio escénico Xesca Salvà |Iluminación Sylvia Kuchinow Espacio sonoro Laura Teruel | Figurinista Bàrbara Glaenzel Con la ayuda del Institut Català de les Indústries Culturals (I.C.I.C.) y Ministerio de Cultura (INAEM)
Patti ha encontrado al hombre de su vida. Esta es su última noche sola: mañana se van a vivir juntos. Pero quiere asegurarse de que esta vez – que ella intuye como su última oportunidad – todo salga bien. Y está dispuesta a hacer cualquier cosa para conseguirlo. CUALQUIER COSA. Ha planificado hasta el más mínimo detalle. Las velas. El incienso. La música. No puede fallar nada. Nada. Pero… ¿Y si se está equivocando? ¿Y si se ha olvidado de algún pequeño detalle?...
“De música y de hombres” es la historia de una mujer (presente), unos cuantos hombres (ausentes) y unas cuantas canciones (pop) que han acompañado sus vidas. Pero también es una historia de segundas oportunidades, de palabras no dichas o dichas a destiempo, de mensajes que no llegan, de coincidencias (trágicas y cómicas, necesarias e innecesarias), de encuentros y desencuentros. Y es también la historia de esta maldita manía humana, maravillosa, incomprensible, eterna y nunca exenta de grandes y pequeños obstáculos: el amor. Porque la gente tiene maneras muy extrañas de amar. ¿Podríamos vivir sin música? ¿Y sin amor? ¿Y sin humor? Bienvenidos a este pequeño viaje, vital y emocional, de la mano de la música, que, como decía Oscar Wilde, es el arte que más cercano se halla de las lágrimas y los recuerdos.
La Compañía titular del Teatre Tantarantana de Barcelona nos visitó la temporada pasada con el magnífico espectáculo “Eileen Shakespeare” y junto a Tranvía Teatro (Teatro de la Estación) de Zaragoza y Guirigai Teatro de Badajoz mantenemos un acuerdo de colaboración para el intercambio de producciones.
9 y 10 Noviembre Danza y Videocreación
martes y miércoles 21 h
Iskra Sukarova (Macedonia) Dejan Srhoj (Eslovenia)
Fórmula
Cía Masa Kolar (Croacia) y Zoran Markovic (Serbia)
Colour Lab
Proyeccion videocreación
Aleksandar Georgiev (Macedonia)
Heidi
www.mesdedanza.es
13 y 14 Noviembre Danza Sábado y domingo 22 h
Cia Manuela Nogales danza (Sevilla) www.manuelanogales.com
“…en lo humano…” Estreno
Un programa de
Organiza
Iskra Sukarova (Macedonia) y Dejan Srhoj (Eslovenia)
Fórmula
Coreografía Iskra Sukarova y Dejan Srhoj Intérpretes Iskra Sukarova y Aleksandar Georgiev Dramaturgia Ana Vujanovic Vestuario y Selección musical Iskra Sukarova y Dejan Srhoj Producción Biljana Tanurovska - Kjulavkovski Colabora Ministerio de Cultura de la República de Macedonia
Fórmula es un proceso que se inicia en el 2006 de la mano de Dejan Srhoj e Iskra Sukarova desarrollado en diferentes fases a través de distintas formas de colaboración con otros dramaturgos, teóricos, bailarines.. La primera “Fórmula2 se basó en la desconstrucción de algunos aspectos del ballet clásico, aspectos que posteriormente fueron redefinidos, invertidos, revelados. El resultado estaba lejos del ballet, pero conservaba su esencia en la precisión de la ejecución, la cualidad del tacto y del ser humano.
Fórmula incluye la improvisación estructurada como un método de danza, lo que tiene que ver con la búsqueda de diferentes discursos de comunicación, fórmulas para establecer relaciones entre distintos individuos en distintas condiciones, así como composición y descomposición de los códigos de convención El resultado es una forma de comunicación abierta; una forma de comunicación entre diferentes artistas.
Formula es la velocidad que usamos para crear y la velocidad que olvidamos para poder crear. Formula es un ser o no ser en el escenario. Formula es un soneto, un cuadrado, una diagonal.
En la más reciente fase de búsqueda y en el proceso de desarrollo de Formula, Sukarova y Srhoj invitaron a un nuevo bailarín, Aleksandar Georgiev, que junto con los autores (re)define las estructuras anteriores, articulando una nueva comunicación corporal dentro de su concepto. Sukarova y Srhoj, a través de la colaboración con Georgiev, están entrando en una nueva fase de Formula.
(LocoMotion Festival); Francia, Orléans (Gerard Philipe Theater y en el Travers Festival organizado por el centro coreográfico nacional de Orléans, dirección artística Josef Nadj); Grecia, Atenas (Balkan Dance Platform); Italia, Sienna (Dance Festival); Bornia y Herzegovina, Sarajevo (Zvrk Dance Festival); Eslovenia, Lyubljana (Theatre Glej), y en Croacia, Zagreb (27 Dance week Festival).
Cía Masa Kolar (Croacia) y Zoran Markovic (Serbia) Colour Lab - Proyeccion videocreación - 16’30’’
Director,camara, video, edición video y postproducción Vladimir Končar Idea, coreografía y performance Maša Kolar & Zoran Marković Vestuario y maquillaje Petra Dančević Composición musical y Performer The Cinematic Orchestra/ “Work it” (2003) /Giovanni Sollima “The family trees” (2008)/ Venetian Snares (Aaron Funk) “My half (2007) Producción: Kristalna kocka vedrine Sisak & Maša Kolar 2009 © BoNeT & authors
“A veces imagino los colores como si fueran ideas vivientes, seres de razón pura con los que me puedo comunicar. La naturaleza no está en la superficie, sino allá en la profundidad.” Paul Cézanne
Este cortometraje de danza sobre la percepción de los colores se situa en un laboratorio de experimentos que versan sobre los colores. Un excéntrico doctor elige a uno de los cobayas de la incubadora para ensayar un curioso método experimental. A través de numerosas pruebas le expone a todo el espectro de colores. El animal reacciona impredeciblemente, con movimientos y danza, dando como resultado distintas y muy interesantes situaciones con cambios en su comportamiento. Finalmente, el experimento fracasa al destruirse el equipamiento del laboratorio, entonces, el doctor, furioso, abandona toda experimentación, se introduce en la incubadora y se ofrece a sí mismo como sujeto de estudio.
Masa Kolar Estudió danza en la escuela de Ana Maletić en Zagreb y en Bélgica antes de unirse al Ballet de Dresden en 1992, donde alcanzó la categoría de solista en 1995. Recibió el premio Mary Wigman en 1997 y ha trabajado con John Neumeier,Stephan Thoss,Mats Ek. Ya como solista se desplazó a Kiel con la Thoss-TanzKompanie en 1998 y después a Hanover en 2001. Maša viajó de gira por Asia con Lyon Ballet, interpretando Mats Ek’s Carmen y en 2007 se unió a la compañía Aterballetto de Italia dónde trabajó con Mauro Bigonzetti, Ohad Naharin y Walter Matteini. Realizó tres creaciones coreográficas con Stephan Thoss para Queensland Ballet así como en el Thoss’s Swan Lake en Alemania. Ha trabajado en danza y coreografía en Australia, Croacia, Alemania , Serbia (Interval for National Ballet Belgrade, Othello for Bitef Dance Company) y Suecia. En 2008 fué galardonada con el Croatian Theater Prize en la categoría de mejor bailarina. Actualmente Maša está trabajando en la enseñanza de danza y coreografía en ZKM Zagreb, mientras, continúa afianzando su carrera como sólida artista internacional.
Zoran Marković
Se formó en el National Ballet School de Belgrado antes de ganar el 3er puesto en la competición Benetton, junto con una beca de dos años en el Hamburg Ballet School, con John Neumeier y aprendizaje de ballet con Marika Besobrasova en Montecarlo. Zoran se unió al Ballet Dresden en 1993, donde alcanzó la categoría de solista en 1997.En Dresden colaboró con John Neumeier,Stephan Thoss,Mats Ek,etc. En 1998 se desplazó a Kiel para trabajar con Stephan Thoss y más tarde a Hanover para unirse a la Thoss-TanzKompanie como solista y Maestro de ballet, en 2001. Zoran viajó de gira por Asia con Lyon Ballet, interpretando Mats Ek’s Carmen y después, en 2006, se incorporó al Netherlands Dance Theatre dónde trabajó con Jiri Kylian, Mats Ek, William Forsythe, Paul Lightfoot/Sol Leon, Crystal Pite etc. Zoran realizó tres creaciones coreográficas con Stephan Thoss para Queensland Ballet así como en el Thoss’s Swan Lake en Alemania. Participó como profesor invitado en el Ballet Nacional de Belgrado y Novi Sad , creó la coreografía "Interval" para el Ballet Nacional de Belgrado, y Othello para la Bitef Dance Company. Ha trabajado en Croacia,Serbia,Alemania y Australia. Actualmente continúa con su carrera internacional como artista independiente, así como coreógrafo y profesor. Vladimir Koncar
Formado en estudio del diseño en la facultad de Artes Gráficas en la Universidad de Zagreb. Junto a sus trabajos en el campo de nuevas tecnologías de la comunicación: (instalaciones, performances, video experimental, animación, interfaz interactiva para webs y diseño, soluciones multimedia para museos y arte conceptual), estudió pintura clásica durante cuatro años con el Prof. Frane Radak. En 1999 fundó entre otros, llegando a ser presidente, el Bjelovar Association for Cultural Activity - Buka (Noise) donde trabajó en la reactivación y promoción de la cultura dentro del marco de magazines AKT, Teatar Puknuti y otros trabajos de tipo creativo. Desde 2001 al 2005 fue miembro de multimedia artistic cartoon group Wild eye. En 2004 llegó a formar parte de la Croatian Association of Designers (HDD) y en 2005 de ULUPUH – en la categoría de multimedia e intermedia. Vladimir también es uno de los fundadores del multimedia design studio Revolution y es un miembro permanente de music ensemble TrianguliZona. Es autor de varias películas experimentales y documentales en formato corto. Hasta ahora sus obras se han exhibido en diecisiete exposiciones colectivas y en nueve exposiciones independientes, a nivel mundial. Koncar es el editor y uno de los coautores del CD-ROM interactivo "Tesla's Day" (junto con Slađan Lipovec). Y ha ganado varios premios por sus trabajos, incluyendo entre otros: Rector’s Award, WSA award, TTA nomine. Actualmente Vladimir vive y trabaja en Zagreb, Croatia.
Aleksandar Georgiev (Macedonia)
Heidi
Creador e intérprete Aleksandar Georgiev Música Giuseppe Tornatore Suite_ Malena (tema principal)/AIR – Run
Este proyecto trata sobre la estupidez, como palabra, así como desde el punto mental y de las sensaciones que nos provoca. Esta cuestión estará lejos de ser de las que salvan el mundo, pero seguro que nos aporta algo. Heidi es un personaje – “alguien” que simboliza y representa la ingenuidad, la pureza, la idiotez y la alegría en todos sus significados posibles. Me siento tentado por averiguar si Heidi puede ser encantadoramente estúpida, aunque sea demasiado linda para que le digan “estúpida”.
Los creadores
Dejan Srhoj
Diplomado en Humanidad, Bailarín y coreógrafo, actualmente está implicado en proyectos relacionados con la cuestión de la copia y la originalidad. En esta dirección interpreta como bailarín en “Pupilija Papa Pupilo y Pupilceks y Fake it” dirigido por Janez Jansa, y desarrolla su labor como dramaturgo en “Hommage a trois”, una pieza de danza-teatro dirigida por Dragana Alfirevic.
A Dejan le interesa la danza como un no-producto y por otro lado le interesa la creación de piezas de danza que funcionen con un buen producto. Siente un profundo interés hacia la región de las Balcanes y es co-fundador del proyecto regional NDA-Nomad Dance Academy. Actualmente sigue desarrollando su proyecto “Fórmula” con la coreografa Iskra Sukarova en el actual dueto de danza de “Formula”.
Iskra Sukarova
Consolidada solista principal y coreógrafa del Macedonian Opera and Ballet. Estudió danza contemporánea en el National Conservatorium Superior in Lyon, Francia, y en 2002 obtuvo su graduado en el Laban Center in London, RU. Ha realizado diferentes actividades formativas, seminarios de danza contemporánea con: Susanne Linke, Mark Tompkins, Joe Alegado, Milli Biterli, Mia Lawrence, Ivan Wolfe, Jennifer Lacey etc. Ha colaborado con Yoshiko Chuma (The School of Hard Knocks, New York); Allyson Green (New York); Bert Gstettner (Tanzhotel, Vienna); Cathy Weis (New York); Alice Castillio (London). En 2003 fué invitada para ejecutar su pieza de solo Off at a Tangentat el Tanztenzenden, Germany, en la segunda edición de Balkan Dance Platform - Bucharest y en Fivizzano, Italia, fue galardonada con the Golden Dolphin. Con su nueva producción Ouch Couch y llevó en gira por Sarajevo (Teatar fest), Malmö (Dansstationen), Sofia (Redhouse), Belgrade (Dom omladine), Durrës (un festival internacional). Por su investigación en el campo de la danza comtemporánea ha sido premiada en el Arts Link Fellowship en 1996 y el DanceWeb grant en 2000. Sobre su trabajo como docente, Sukarova ha sido profesora de danza contemporánea en la Secondary Ballet School ienSkopje y directora artística del Ballet en el Macedonian National Theatre en Skopje durante dos años. En 2003, junto con Biljana Tanurovska Kjulavkovski y Nataša Dimitrievska, fundó Lokomotiva - Centre for New Initiatives in Arts and Culture. En Lokomotiva fué contratada como directora de arte de danza contemporánea..Es una de las fundadoras de Balkan Dance Network y the NOMAD Dance Academy project.
Aleksandar Georgiev (Macedonia)
Formado en danza y teatro en Sofia en la New Bulgarian University. Después de su graduación asistió a diferentes cursos de formación y trabajos con Robert Tannion, Jurij Konjar, Anita Cvetkova y otros. Siguió el programa formativo Nomad Dance Academy 2009 y allí se inició en el proceso creativo. Su primera pieza como coreógrafo, es “Treshol” (in process “d”) donde trabajó con la idea del dolor. Su segunda pieza “Heidi” fué un solo dónde se centró en el tema de la estupidez y la ingenuidad. Su siguiente y más reciente trabajo como autor ha sido una colaboración con Igor Koruga, con quien realizó una residencia en el trafo Theatre de Budapest dentro de Jardin D’Europe Project. Allí Georgiev and Koruga desarrollan su pieza “Store at room temperature” trabajando con el concepto de “pathos” (patético). Durante este periodo particpa en el programa Danceweb en Vienna a la vez que se forma con David Zambrano durante 3 meses en Costa Rica.
Cia Manuela Nogales danza (Sevilla) Estreno
“…en lo humano…”
Proyecto y dirección artística Manuela Nogales Pintura Fernando Roldán Coreografía e interpretación Fernando Lima, Anna Paris, Itxaso Etxepeteleku, Inma Marín Actor Fran Machado | Imagen Guillermo Marrufo Música Original Lehonidas Boskovec Fotografía Juan Antonio Gámez | Poemas Roberto Juarroz Iluminación Jose Luis Palomino
“…en lo humano…” da título a un trabajo de investigación sobre los procesos de creación. Una obra compleja, sincera, vertiginosa, que apuesta por la hibridación artística. Bucea en la relación mestiza que se establece en un mismo tiempo y lugar por diferentes autores y disciplinas, siendo las artes plásticas su aglutinante; esta yuxtaposición interdisciplinar, los artistas y la interrelación con el público, son fundamento de este trabajo.
Manuela Nogales y Fernando Roldán, autores de este proyecto, llevan tres años colaborando en el estudio de la sintonización de las artes como apuesta de un lenguaje contemporáneo.
Manuela Nogales Coreógrafa, bailarina, profesora de danza contemporánea y movimiento. Formada entre Bilbao, Barcelona, Madrid y Centro Andaluz de Danza, ha tomado clases entre otros, con Avelina Argüelles, Carl Paris, Armgard V. Baedeleben, Tim Wengerd, Nelson Fernández, Julian Moss, Ramón Oller, RIck Merryl, Joe Alegado, Peter Goss, Carolyn Carlson, David Zambrano… Estudia Arte Dramático, Técnica Laban y Alexander, Cuerpo y Consciencia, Anatomía para el movimiento, quiromasaje, quiropraxia y yoga. Como profesora lleva 20 años impartiendo su trabajo, entre otros, en el instituto de Teatro de Sevilla, Territorio Nuevos tiempos, Centro Endanza, Universidad de Sevilla y Cádiz, La Platea Centro de Artes Escénicas de Madrid… En 1997 crea su propio estudio en Sevilla estableciendo uno de los pilares básicos en la formación de bailarines andaluces Como coreógrafa ha realizado trabajos para Centro Andaluz de Teatro, Centro Andaluz de Danza, Teatro Maestranza, Bienal de Flamenco, Teatro Villamarta de Jerez, Teatro de la Zarzuela de Madrid. Con su compañía, Cía Manuela Nogales Danza cuenta con un extenso número de creaciones,“La Voz“ Mención Especial a la Sinceridad Coreográfica en el Certamen Coreográfico de Madrid 1994 “Marzo 3“ (1995), “Drusilla“ (1995). Premio al bailarín sobresaliente, “De luces y hombres“ Certamen Coreográfico de Madrid 1996. Premio a la bailarina sobresaliente, “Pétrea“ (1997), “ El ángel que no nos guarda“ (1997),“Rosas “(1998-99), “Palabras para un cuerpo“ (1999), “De metales y ángeles” (2002), “Purificando la Memoria” (2001), “Pájaros” (2003), “Blanco” (2003), “Efímera” (2005), “Gravitación ” (2006), “Gravitaciones” (2007), “La Mirada Líquida” (2007), “La huella intermitente” (2008).
Fernando Roldán
Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona, se diploma en 1991 en The Arts students of New York especializándose en
Composición, Forma y Color. Desde 1979 hasta la actualidad ha ido desarrollando diferentes exposiciones como pintor de arte
contemporáneo. Desde 1988 ejerce como profesor de dibujo y pintura en distintos centros. En 1992 funda la galería Cavecanem. Ha
presentado su trabajo desde 1996 hasta 2003 en la feria internacional de arte contemporáneo ARCO.
Entre sus exposiciones individuales destacan “Esto va a tener que cambiar” (2005), “Acuarela” (2001), “Como pez en la botella” (1997), “S/T”
(1987), “S/T” (1987), “S/T” Freiburg (Alemania).
Participa en creaciones escénicas como “La Huella intermitente” con la cía Manuela Nogales Danza.
Entre su obra audiovisual, “La mirada intermitente/4. Anael” (2009), “HFM#” (2009), “La mirada intermitente” (2006), “Pornografía” (2000).
FUNDICIÓN PRODUCCIONES (Sevilla)
www.fundiciondesevilla.es
Hiltrud Hengst in memoriam
18 al 28 Noviembre Comedia jueves a sábado 21 h – domingo 20 h
Versión y Dirección Pedro Álvarez-Ossorio
Con José Chaves, Emilio Alonso, Ana G. Morales, Guillermo Weickert e Isa Ramírez Escenografía Vicente Palacios | Vestuario Margarita Ruesga Iluminación Ada Bonadei | Coreografía Guillermo Weickert Diseño Musical Santi Martínez e Isa Ramírez Con la colaboración de Cons. Cultura Junta de Andalucía y INAEM-Ministerio de Cultura
Perlimplín viene a ser el rito de iniciación desde el amor a la muerte de una joven, todo deseo, y un adulto, todo espíritu, en un rito cargado de símbolos de acuerdo con el gusto de Lorca por los elementos tradicionales. Esta versión respeta el texto original de “Amor de Don Perlimplín con Belisa en su jardín” en su integridad, donde la palabra se hace poesía, e introducimos además el diálogo de “La doncella, el marinero y el estudiante” y algunas frases de la “Conferencia sobre el duende”.
Perlimplín es un soltero ya mayor al que le apasionan los libros y tiene miedo a las mujeres. Vive con su fiel criada Marcolfa, que se mueve entre los pucheros y controla toda la casa, por miedo a que su patrón muera dejándola sin casa ni empleo, urde un plan para que se case con una joven vecina. Aturdida ante la proposición, la chica ni lo acepta ni se rebela, pero su madre toma la decisión de emparentar a Belisa con el anciano. El enlace se celebra y llega la noche de bodas, que le sirve a Belisa para despertar al sexo, sin que su marido sea capaz de satisfacerla, porque a Perlimplín se le despierta el miedo. Para apagar sus fuertes deseos, y para que su esposa no se eche en los brazos de sus pretendientes, Perlimplín idea con la cizañera sirvienta una trama de engaños a lo Cyrano de Bergerac, que tendrá trágicas consecuencias pero que le servirá para que la chica se dé cuenta de su amor. Son testigos del drama dos invisibles duendes que constantemente persiguen a una rata.
Fundición Producciones reponemos este espectáculo de Lorca que ya cosechó una gran acogida en temporadas pasadas y que junto al Así que pasen cinco años, de Manuel Monteagudo, queremos que sirva para contrastar con el público dos visiones contemporáneas y diferentes de la obra lorquiana.
TITZINA TEATRE (Barcelona)
www.titzinateatro.com
2 al 10 Diciembre Comedia jueves a sábado 21 h – domingo 20 h
EXITUS
Dirección, Interpretación y Autoría Diego Lorca y Pako Merino Iluminación Miguel Muñoz | Escenografía Jordi Soler i Prim Sonido Jónatan Bernabéu | Vestuario Mireia Roy Con la colaboración del Institut Català de les Industries Culturais
Vuelven después de su éxito en la última edición del fėSt
EXITUS: es un término latino que significa «salida» y se emplea en medicina como simplificación de la expresión más correcta Exitus Letalis, que significa «salida mortal»
Un funerario, un hombre en busca de empleo, un directivo de un laboratorio farmacéutico y un abogado, entremezclan sus vidas sin que ellos mismos sean conscientes del destino común que los une. Cuatro personas que se enfrentan a la muerte desde puntos de vista tan diversos como el de una profesión, una tragedia o un acto irreversible de la vida.
“Emocionan, pero sin manipular al público. Lo hacen con un teatro que parece tímido, como para no molestar, pero que encierra una melodía interna que va como un reloj.” (El Diario Vasco)
“Texto, movimiento, espacio escénico, iluminación van construyendo un perfecto juguete escénico en donde brillan, sin alardes, los dos creadores e intérpretes. Una delicia que nadie debería perderse.” Carlos GIL (Revista ARTEZ)
“Un espectáculo impactante tanto por el desarrollo de la acción, como por la variedad de registros de los actores, como por el tema en sí mismo.“ (La Tribuna de Puertollano)
-PÚBLICO-
“Hace mucho tiempo que no sentía tantas emociones viendo una obra de teatro, gracias” (Antonio Oriol)
“Brillante guión, brillantes actores… sencillamente emocionante” (Jordi Borrell/Palma de Mallorca)
“De las mejores obras y compañías que nunca he visto. Gracias por el amor al teatro, a la vida, por este magnífico trabajo… Un beso y un gran abrazo” (Silvia/Zaragoza)
La obra EXITUS se presentó por primera vez en Baleares durante la Fira de Manacor, donde fue un éxito. Si no tuviste la oportunidad de ver el último trabajo de Titzina Teatre o quieres repetir aprovecha la oportunidad de ver el espectáculo revelación 2009/2010.
PROYECTO HANDKE (Sevilla)
www.proyectohandke.com
11 y 12 Diciembre Teatro sábado 21 h – domingo 20 h
Patadas
De Antonio Álamo
Con Josu Eguskiza Dirección Ramón Bocanegra Proyecciones y fotografía Agustín Hutado Espacio Escénico Proyectohandke | Vestuario Astore Sonido Carlos Pérez Valero | Música Ramón Bocanegra Iluminación A. Alonso En coproducción con Cons.Cultura Junta de Andalucía
El escenario representa el área de meta de un campo de fútbol, con su portería de 7´32 metros de largo por 2´44 metros de altura. Los potentes reflectores alumbran el mar césped, que resplandece. Debajo de los palos está el portero, Josu Terreros. Es el hombre más solo del mundo: le rodea la multitud y, a once metros, en el punto de penalti, le amenaza el esférico. Josu Terreros, aunque con los pies bien anclados en el césped, se balancea a derecha e izquierda. Está al límite de sus fuerzas físicas y psicológicas. Está siendo el partido más duro de toda su carrera deportiva, una carrera errática y llena de altibajos y contratiempos. Ahora debe tomar la última de las decisiones, y quizás su gloria final depende de ella: debe tirarse a la derecha o a la izquierda.
Partíamos de una imagen que nos sugería el título de Peter Handke: “El miedo del portero al penalti”. Y de un sentimiento: el miedo. Eso era todo. Y una sospecha: a todos nos amenaza un esférico en la mancha de cal. ¿Perdemos porque nos hemos olvidado de jugar? ¿Perdemos porque sólo queremos ganar? Aparentemente Patadas es una obra para un solo actor. Pero también está la multitud. Y la pelota. Y sus once enemigos.
La compañía Proyectohandke, una propuesta de Josu Eguskiza (actor) y Ramón Bocanegra (director), surge de la necesidad de resolver dos cuestiones. La primera, intentar entender qué es lo que lleva al género humano a cometer ciertos actos incomprensibles aunque habituales para penetrar en la más profunda crueldad, oscuridad y sordidez que la mente pueda ofrecer. Se trata de buscar en las entrañas de un monstruo que nadie quisiera tener cerca. La segunda viene dada por una necesidad artística de expresión y evolución personal de los integrantes de este proyecto. Eguskiza y Bocanegra quieren hacer un ejercicio de interpretación y explorar sus límites. Asumir durante todo el proceso la responsabilidad que implica usar el arte como método de expresión. Conscientes de la evolución técnica de la expresión escénica, Proyectohandke asume el riesgo de conseguir la comunión dramatúrgica de la palabra y la acción con la imagen, el espacio sonoro y el silencio, vistos también como motor de la acción dramática.
EL CALVO INVITA (Sevilla)
www.elcalvoinvita.es
16 al 30 Diciembre ESTRENO ABSOLUTO Comedia a las 21 h – domingo 20 h
Suin
Idea original EL CALVO INVITA Con Juande Ibañez, Daniel Bargalló y Falín M.Galán
Después de explotarnos la cabeza con De bar en peor, No hay bar que por bien no venga y Cienciación de vivir, los del Calvo amenazan con su cuarto espectáculo, en esta ocasión bajo la dirección de Pepe Quero, componente y director de Los Ulen, con lo que la risa estará doblemente asegurada.
En “Suin”, El Calvo Invita junto con Jazz de Marras hacen que la música swing y el clown se den la mano para dar una vuelta de tuerca más al concepto de espectáculo cómico-musical. ¿Es un concierto? No sabría que decirle, ¿Es un espectáculo de clown? Y yo que sé…de hecho, le hemos contado todo lo que sabemos. El resto, pues…Usted lo ve y ya nos cuenta.
Ha llegado el día. Miles de “progres” aficionados al jazz esperaban el momento en el que este prestigioso cuarteto de swing llegara a su localidad. Desafortunadamente para los músicos, los de El Calvo Invita también los estaban esperando. Un cuarteto de músicos versus un trío de payasos… A todas luces eso forma un septeto de algo aunque aun nadie ha podido definir de qué… Pero ¿Sabe lo que le digo? Que si de verdad quiere usted formarse su propia opinión libre de prejuicios (que ya es usted mayorcito/a) venga a verlo y oírlo con sus propios ojos y orejas (en ese orden).
Aileen Hamilton (Irlanda/Sevilla)
www.aileenhamilton.eu www.aileenhamilton.blogspot.com
28 Septiembre al 14 Noviembre Exposición
Pinturas
Irlandesa, residente en Sevilla desde 2006. Licenciada en Bellas Artes, National College of Art and Design, Dublín, Irlanda
Pinturas recientes (acrílico sobre lienzo) La idea de espacio, la profundidad, es lo que ha inspirado y motivado estas obras. Algo que ocupa y se mueve dentro de un espacio diminuto, o la manera en que un espacio infinito es confinado a los límites de un lienzo. Me interesan las imágenes que están abiertas a la interpretación, imágenes sugeridas, que dependen de lo que el observador le aporta… espacios construidos a partir de recuerdos.
La serie de dibujos nuevos (técnica mixta) Para esta exposición en la fundición, estoy preparando una serie de dibujos que usan el “teatro” como punto de partida. Los elementos de la escena son la base de cada composición y, partiendo de aquí, se pueden desarrollar toda clase de entornos y narrativas.
Técnica Mi obra incluye pintura, dibujos, ilustraciones e instalaciones. Para aplicar color, uso principalmente pintura acrílica – agregando los colores en capas aguadas transparentes y dejando otras áreas opacas. El dibujo de las líneas también es importante y para esto uso lápiz y carboncillo, mezclando las líneas con el color.
