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La FuNdicIOn

Francesc Macià 1-3 48014 BILBAO Tf.: 944 753 327 Fax: 944 759 115

http://www.dantzaldia. org info@lafundicion.org

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PREMIO MAX 2006 de las Nuevas Tendencias PREMIO ERCILLA 2006 a la Mejor Labor Teatral

Francesc Macià 1-3 48014 BILBAO Tf.: 944 753 327 Fax: 944 759 115

http://www.lafundicion.org info@lafundicion.org NOTAS INTRODUCTORIAS …“ AÑOS EN LA VANGUARDIA DE LA DANZA” La danza sigue dando mucho que hablar porque da mucho que pensar: dónde están los límites. No hay límites. El cuerpo expresado, el pensamiento en movimiento, la investigación formal, la narrativa a través del cuerpo, la realidad del entorno, la investigación técnica, los otros lenguajes: visuales, sonoros, la relación cuerpo-música, cuerpo-sonidos, la relación con el público, la danza y el cuerpo social, la puesta en escena, representación o presencia, improvisación o pautas cerradas... Un abanico de tendencias y estilos que es tan amplio como el de las preguntas que se plantean los creadores y las soluciones que dan a sus planteamientos. QUE SE ARTICULAN A TRAVÉS DE LOS SIGUIENTES PROYECTOS: * La Temporada de Danza en LA FuNdiciOn, que celebrará en 2009 su vigésimo tercer año en la línea de difusión y colaboración de/con las Nuevas Tendencias. * Festival DANTZALDIA 2009, El festival, ya consolidado desde sus inicios en el 2000, en estrecha colaboración con el Dpto. de Cultura de la Diputación Foral de Bizkaia, que celebra este año su décima edición. * Festival LEKUZ LEKU de danza en Espacios Urbanos y que realizará este año su quinta edición. Añadir que los tres son internacionales, y que cada uno toma un espacio significativo de presentación así como en el propio calendario anual, configurando así una Programación complementaria en formatos y estilos a lo largo del año.

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1- TEMPORADA EN La FuNdicIOn FECHAS : Temporada teatral de septiembre a junio. Las Temporadas en el teatro La Fundición continúan con su objetivo inicial de trabajar, además de la difusión-exhibición, la formación y la información. De colaborar, a modo de Centro de Recursos y a través de Residencias para la producción, de seguimiento de trayectorias y de colaboraciones para creación, en los registros I+D+i. De mantener ese proyecto de riesgo en formatos y lenguajes que colabora a producir sustrato artístico, y al mantenimiento y definición de trayectorias, así como a la renovación de los "emergentes". De trabajar desde lo local hacia lo estatal e internacional, en corrientes de doble sentido, con información fluída. De mantener y fomentar el trabajo en RED, conectando con estructuras similares con las que crear sinergias , ya sean de programación o de recursos artísticos, tanto para las actividades propias como para otras trasladables a los artistas "colaborados".

2- DANTZALDIA 2009 Hasta ahora realizado en otoño. Nos hemos planteado salir de la enorme oferta de esta estación y celebrarlo en primavera, a partir de esta edición 2009. Como décima edición que es, la planteamos como una celebración de danza que parte de un cambio conceptual que modificará los contenidos en adelante: se abre la gama de estilos para diseñar en posteriores ediciones un festival donde tendrán cabida todos los tipos de danza: contemporánea, clásica, tradicional, hip hop…. para todas las sensibilidades artísticas y todas las edades. La danza y sus procesos, en el contexto de la creación contemporánea, ofrecen un panorama muy amplio de propuestas vivas, inquietantes, sorprendentes... del que DANTZALDIA, como único FESTIVAL específico de danza en Bizkaia y en la CAV, se quiere hacer eco. Es por ello por lo que el Festival va ampliando sus propuestas. Para crear un espacio de acciones que supere la exclusiva presentación, que contacte con el público en diferentes facetas, que aporte más información técnica y de procesos para la profesión local, que suponga un lugar para el pensamiento/reflexión sobre lo contemporáneo, que sirva como plataforma de oportunidad para nuevas creaciones,

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Para ello se presentan: - espectáculos en espacios diferenciados: Euskalduna Jauregia, como centro de operaciones y otros como el Museo Guggenheim Bilbao o diversos lugares que pudieran aportar diferentes formatos de acogida para las piezas. - sesiones de vídeo que nos conectan con otros creadores y sus puntos de vista de creación de la imagen, y de sentido espacial. - Master clases que posibilitan la formación permanente y fomentan la comunicación entre equipos artísticos: los profesionales locales y las compañías invitadas al festival. - Conversaciones con los artístas, lo que nos permite acercar a los profesionales y al público a sus procesos creativos. "Internacionalidad, espacios para la reflexión e investigación, comunicación, puente para la colaboración institucional, fomento de la creación, visibilidad de los creadores... continuarían siendo, de todas formas, las palabras claves de esta X edición.”

DANTZALDIA 2009 / OBJETIVOS -Presentar compañías internacionales que, con una circulación habitual en los teatros del mundo, todavía no han tenido la oportunidad de ser vistas por el público de Bizkaia. -Actualizar la cartelera de danza con Compañías ya "clásicas" en la historia de la danza de creación que no formaban, todavía, parte de un proyecto sobre la información a recibir por el público. - Continuar y reforzar la línea de colaboraciones internacionales de cara a proyectar a nuestros Creadores hacia el exterior.

-Plantear el FESTIVAL como lugar atractivo para Estrenos totales, que después tienen repercusión no sólo en la Comunidad, sino en el Estado. -Ampliar los registros de la programación de Artes Escénicas y más especialmente con danza, en este programa bien específico en cuanto a línea, aunque generalista en cuanto a posibilidades de estilo. - Equiparar el panorama general de la programación de danza en el sentido de darle una equivalencia, en cuanto a presencia e importancia, con respecto a otros Festivales y Teatros Públicos. -Convocar a los medios, que han demostrado un gran interés, como se puede comprobar por el dossier de prensa anexo. -Conectar con los nuevos públicos por la vía de la intersección "Espacios Urbanos- Nuevas tendencias de la Danza", dadas las características del edificio, y del material presentado y su interés. -Ampliar la gama de usuarios de la danza en la habitualidad de la oferta cultural, utilizando estrategias de comunicación y equipos humanos.

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- Buscar la implicación de otros organismos en la financiación de proyectos culturales. Da cuenta ello la implicación de los tres niveles administrativos de la Comunidad Autónoma Vasca, a los que se suma también el apoyo del Ministerio de Cultura en sus 2 Direcciones. Las colaboraciones del Instituto Francés, el British Council, la Embajada Francesa, La A.f.A.A., la Embajada Holandesa, la Embajada Canadiense... Y el caso de Iberia, Renfe, Metro Bilbao, Bilbao Bizkaia Kutxa, Canal Bizkaia TV, Telebilbao- Meteoric, Aisge, y otros...

3- LEKUZ LEKU FECHAS : en verano, finales de junio. Un festival que se crea de la mano de CQD (Ciudades Que Danzan) con el objetivo de conectar con una RED internacional geográficamente muy amplia, ya constituida, que nos coloca en otros mapas artísticos y además, puede posibilitar la proyección de nuestros creadores, cuya presencia en el festival es uno de los objetivos básicos, hacia el exterior. Le siguen el hecho de sacar la danza a los espacios públicos, de provocar la implicación de la ciudad, o en este caso una zona muy concreta, el Paseo Abando Ibarra, como sujeto arquitectónico. Encontrar-provocar otras miradas desde el público-paseante, dada esta combinación de elementos visuales y artísticos. Crear imagen y memoria a través de diferentes formatos de videocreación y/o video.

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2009 - X Edición EUSKALDUNA JAUREGIA BILBAO PALACIO DE CONGRESOS Y DE LA MÚSICA MUSEO GUGGENHEIM BILBAO

PROGRAMA

19 ABRIL / 20:00h Sala A1 / Palacio Euskalduna

EVA YERBABUENA – BALLET FLAMENCO (Sevilla)

"Yerbabuena"

3 MAYO / 20:00h Sala A1 / Palacio Euskalduna

CCN - BALLET DE LORRAINE (Nancy)

"Steptext" + "Broken Man"+"Les ombres d´une guerre sans nom"

8, 9, 10 MAYO / varias sesiones Lugar: a concertar en cita previa

Sra. POLAROISKA - RUEMANIAK (Bilbao)

"Apuntes sobre animales, encuentros y autopistas"

19 MAYO / 20:00h Auditorio / Palacio Euskalduna

LUCIA LACARRA E INVITADOS (Munich)

"Lucía Lacarra presenta..."

27 MAYO / 20:00h Auditorio / Museo Guggenheim Bilbao

DANS. KIAS - SASKIA HÖLBLING (Viena)

"cat freeze 2"

31 MAYO / 20:00h Sala A3 / Palacio Euskalduna

VASCOS DESDE FRANKFURT:

Jone San Martin + Amancio Gonzalez + Inma Rubio (Frankfurt) "Derivado" + "Sin-king in me" +

"Vision divided"+ "The vile parody of a dress"

OTRAS ACTIVIDADES

MASTER CLASS ABIERTAS

VIDEO-DANZA

CONVERSACIONES CON LOS CREADORES

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2009 - X Edición EUSKALDUNA JAUREGIA BILBAO PALACIO DE CONGRESOS Y DE LA MÚSICA MUSEO GUGGENHEIM BILBAO DANTZALDIA 2009 Ya hemos llegado a las dos manos. En este aniversario de sus diez años el festival anuncia cambios: cambia de estación y además lo celebra con un programa que marca la ampliación de la gama de contenidos. Una fiesta para muchas sensibilidades y diferentes gustos: Eva Yerbabuena nos acercará al mundo del flamenco con sus mejores solos; Lucía Lacarra nos presentará famosos dúos de la historia del ballet clásico interpretados por estrellas de compañías conocidas mundialmente; Sra. Polaroiska nos hará viajar, literalmente, por un espacio insólito; el Ballet de Lorraine-Centro Coreográfico Nacional francés interpretará coreografías de nombres tan conocidos como William Forsythe, Hervé Robbe y Stephen Petronio; Saskia Hölbling nos congelará con su dispositivo sonoro y de video-creación y también tendremos la oportunidad de reencontrarnos con bailarines vascos que viven y bailan en Frankfurt y que nos regalarán una velada muy especial. Espectáculos, sesiones de vídeo, master clases, conversaciones con los artistas y sus procesos creativos completan un festival donde internacionalidad, espacios para la reflexión e investigación, comunicación, puente para la colaboración institucional, fomento de la creación, visibilidad de los creadores... continúan siendo palabras claves.

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2009 - X Edición EUSKALDUNA JAUREGIA BILBAO PALACIO DE CONGRESOS Y DE LA MÚSICA MUSEO GUGGENHEIM BILBAO Sala A1 – Palacio Euskalduna Domingo 19 abril - 20:00h

EVA YERBABUENA - BALLET FLAMENCO / Sevilla “YERBABUENA” DE LA CAVA (Seguirilla) ENCUENTRO (Bulería) ESPUMAS DEL RECUERDO (Mirabras) INTRUMENTAL (Guitarra) QUIERO Y NO QUIERO (Tientos Tangos) CADENCIA (Soleá / Bulería) Una música genuina, fuerte, sensible, en tres cantaores que con sus voces golpean en el interior de la bailaora y que le ayudan arrancar de su interior sentimientos muy dispares. Cante, Danza, Guitarra, de una forma pura y sin concesiones. “La luz se muere, se pierde el sonido, se van las formas y me quedo sola, vahída entre penumbras, con el saber certero desde mis centros de la temporalidad del flamenco”. Eva Yerbabuena Al baile, coreografía e idea original: Eva Yerbabuena Guitarras: Paco Jarana, Manuel de la Luz Cantaores: Jose Valencia, Pepe de Pura, Jeromo Segura Percusión: Manuel Jose Muñoz “Pájaro” Dirección musical: Paco Jarana Diseño de iluminación: Florencio Ortiz Diseño de sonido: Manu Meñaca Diseño de vestuario y confección: Manuel y Gabriel Sonido: Manu Meñaca, Angel Olalla, Kike Seco Iluminación: Florencio Ortiz Regiduría / maquinaria: Daniel Estrada Sastrería: Manuel y Gabriel Producción y distribución: Eva Hierbabuena S. L.: Marta Román, Cristóbal Ortega Prensa y comunicación: Relabel Comunicación, Anabel Mateos

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EVA YERBABUENA Nace en 1970 en Frankfurt, Alemania. Sus padres la trasladan a Granada quince días después. Bailaora de cierta formación autodidacta, comienza a desarrollar su faceta de coreógrafa desde muy joven. Este interés le lleva a crear su propia compañía en 1998. Eva (1998), 5 Mujeres 5 (2000), La Voz del Silencio (2002), A Cuatro Voces (2004), El Huso de la Memoria (2006) y Santo y Seña (2007) son los seis espectáculos creados por Eva Yerbabuena para su compañía. Sus inicios están marcados por la experiencia de grandes maestros como Enrique “El Canastero” , Angustillas “La Mona”, Mariquilla y Mario Maya. Simultanea los estudios de danza con otras disciplinas como el arte dramático y la coreografía, esta última en La Habana (Cuba) de la mano de Johannes García. En 1985, comienza su trayectoria profesional en la compañía de Rafael Aguilar con Diquela de la Alhambra. Algunos años más tarde, pasa a formar parte de la compañía de Paco Moyano interpretando Ausencia, A tomar café, y De Leyenda. A partir de 1990 colabora esporádicamente con Javier Latorre, Manolete, El Güito y con Merche Esmeralda en Mujeres. Artistas de la talla de Pina Bausch y Carolyn Carlson admiran su trabajo y demandan su colaboración. En el caso de Pina Bausch, Eva participa desde 2001 en los festivales que la coreógrafa alemana organiza en Wuppertal, sede de su compañía, al lado de figuras como Sylvie Guillem, Ana Laguna, Marie Claude Pietragalla o Mikhail Baryshnikov. Carolyn Carlson cuenta con Eva para la creación de una coreografía en la Bienal de Venecia de 1999. Flamenco Women (1997), del director británico Mike Figgis, supone su primer contacto con el cine. La colaboración en este documental no deja indiferente a su director quien la convoca nuevamente para Hotel (2001), largometraje de ficción donde Eva comparte experiencias con John Malkovich entre otros. Desde la creación de su compañía, Eva realiza giras mundiales y nacionales por los mejores teatros del mundo y de España; desde el teatro de la Zarzuela, donde El Huso de la Memoria inauguró su 150 aniversario, hasta la Opera de Sydney donde Eva fue testigo de la primera presencia de la danza flamenca en este templo de la música, pasando por el teatro de la Ville, Sadler’s Wells, Royal Albert Hall, City Center, Opera de Dusseldorf, Teatro Municipal de Sao Paulo... Eva Yerbabuena Ballet Flamenco mantiene vivo todo su repertorio. La proyección tanto nacional como internacional de estos trabajos y la labor de Yerbabuena como bailaora y coreógrafa es reflejo de los numerosos e importantes galardones recibidos. Entre ellos cabe citar, el premio Flamenco Hoy, en la categoría de mejor Bailaora, en los años 1999, 2000 y 2001; el premio Nacional de Danza en 2001, premios Giraldillos de la XII Bienal de Flamenco de Sevilla, como mejor Intérprete y Bailaora, en 2002; de la XIV Bienal de Flamenco al mejor baile, en 2006; premio Time Out, como Mejor Intérprete Femenina de danza, en 2003; premios Max de las Artes Escénicas como mejor Intérprete Femenina de Danza y Mejor Espectáculo de Danza, por Eva: A cal y canto, 2005; premios Max de las Artes Escénicas como mejor Intérprete Femenina de Danza, 2006 por A Cuatro Voces. Medalla de Andalucía, concedida en febrero de 2007.

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Durante el 2008 Eva Yerbabuena Ballet Flamenco ha estado de gira por las principales ciudades de Estados Unidos, participando en la programación del Festival Flamenco de Nueva York y ha llevado una gira por Brasil y Chile dentro de la programación de los principales teatros de Santiago de Chile, Sao Paulo, Rio de Janeiro y Brasilia entre otros. El pasado mes de septiembre fue invitada por Pedro Almodóvar para participar en el homenaje que el Ayuntamiento de Madrid le hacía al director manchego. PACO JARANA Nace en Sevilla en 1966. Sus primeros contactos con la guitarra y el flamenco se producen a los ocho años de la mano de su padre, Luis Franco. Completó sus conocimientos de la guitarra flamenca con los estudios en el Conservatorio Superior de Música de Sevilla, donde conoció la guitarra de concierto. Su interés por la composición es patente y así lo demuestran los numerosos encargos que recibe de grandes figuras de la danza flamenca, como Mario Maya, Farruco, Matilde Coral, Javier Latorre... Asimismo y desde 1998 es compositor de la música de los espectáculos de Eva Yerbabuena Ballet Flamenco (Eva, 5 Mujeres 5, La Voz del Silencio, A Cuatro Voces y El Huso de la Memoria) por los que ha recibido el reconocimiento de los profesionales con premios como el Giraldillo 2004 a la mejor música original, por A Cuatro Voces. La Bienal de Sevilla 2006 le otorga el Giraldillo al mejor toque. En el 2008 ha presentado junto a Segundo Falcón su primer trabajo en solitario –En el bar Iberia–, dentro de la Bienal de Flamenco de Sevilla.

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2009 - X Edición EUSKALDUNA JAUREGIA BILBAO PALACIO DE CONGRESOS Y DE LA MÚSICA MUSEO GUGGENHEIM BILBAO Sala A1 – Palacio Euskalduna Domingo 3 mayo - 20:00h BALLET DE LORRAINE /Centro Coreográfico Nacional - Nancy Director artístico: Didier Deschamps

“STEPTEXT” “BROKENMAN” “LES OMBRES D´UNE GUERRE SANS NOM”

“STEPTEXT” - William Forsythe 20 min. Creada en 1985 para Aterballetto, de Reggio Emilia, Italia Coreografía, escenografía, iluminación, vestuario: William Forsythe Música: Juan-Sebastian Bach, chacona de la 4ª sonata para violín solo en re menor Bailarines: Gregory Beaumont, Mikaël Conte, Fabio Dolce, Nina Khokham «Fuga de la mecánica del ritual teatral, Steptext juega a romper los mecanismos, tanto los fundamentales como los accesorios, de la interpretación que tradicionalmente han determinado la estructura de la representación teatral. De aquí surge una serie de suspenses musicales, escenográficos y coreográficos dislocados que crean un ambiente de densa narración para mujer y tres hombres».

William Forsythe

«StepText –Paso de texto–: la palabra está en el paso. Primero los misteriosos e insistentes discursos silenciosos de las manos y los brazos en semáforos. Después el sublime pas à deux tomado de Artifact, obra maestra entre las obras maestras. Estiramientos infinitos, ronds de jambe a 360º, grand jetés a ras de suelo y girando alrededor del partenaire. Cuatro intérpretes tensos como las cuerdas del violín de la Sonata en re menor de Bach, cuya austera y desgarradora belleza sale al encuentro de la danza futurista de Forsythe. El músico y el coreógrafo se burlan de las etiquetas: ambos son a la vez clásicos y modernos».

Sylvie de Nussac

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William Forsythe Si Merce Cunningham es el padre de la danza contemporánea, William Forsythe es el enfant terrible y el niño prodigio. La particularidad de la obra de Forsythe es que integra todas las rupturas de la historia de la danza con el fin de llegar más lejos. El coreógrafo ha descompuesto el ballet haciendo surgir una danza radical, elegante, de una geometría única, concitando públicos clásicos y contemporáneos. Nacido en 1949 en New York, Forsythe creció en la época del rock and roll y de las comedias musicales, que le encantaban. Estudió danza en la Universidad de Jacksonville, y más tarde en la Escuela del Joffrey Ballet donde se integra en 1971. Comienza quedando fascinado por el estilo complejo y abstracto de Balanchine, que aprende de un antiguo bailarín del American Ballet. Contaba ya con unas veinte piezas en su haber cuando tomó la dirección del Ballet de Frankfurt, compañía residente de la Opera de Frankfurt, en 1984. Marcó resueltamente su rúbrica con Artifact, pieza que rompe todos los códigos teatrales y revela una danza excitante, y que continúa con Steptext (1985). Paralelamente, Forsythe responde a encargos de numerosas y prestigiosas compañías, entre ellas: el Ballet de la Opera de París, el New York City Ballet, el Ballet Nacional de Canadá... La reputación del coreógrafo tiene que ver con su capacidad para reinventar el lenguaje del ballet llevando los límites mucho más allá del estilo neoclásico. No busca perpetuar el ballet, sino decorticar su vocabulario para poner al día una mecánica totalmente abstracta que se articula alrededor de la rapidez de ejecución, del desequilibrio de los cuerpos, de la ruptura de los movimientos y de las trayectorias, para reconstruirlas después de un modo aleatorio.

Frédérique Doyon (Extractos)

“BROKENMAN” - Stephen Petronio 6 min. Estreno el 15 de octubre de 2002 en el Joyce Theater de New York Coreografía: Stephen Petronio Música: Blixa Bargeld Bailarín: Dmitri Domojirov Vestuario: Tara Subkoff/Imitation of Christ Iluminación: Ken Tabachnick Maestro de ensayos: Jarmo Penttila «Un impresionante tour de force para Stephen Petronio. Pero lo que atrae al ojo y toca el corazón son los bruscos pasajes desde una inmovilidad casi total a los movimientos rotos, elegantemente alargados, sostenidos o convulsivos. A veces decidido y directo, a veces desilusionado, BrokenMan traduce una tristeza envolvente y una incertidumbre vital que van directos al corazón de los recuerdos y de los miedos originados por el 11 de septiembre».

Jennifer Dunning - The New York Times

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Stephen Petronio

Nacido en Newark, en New Jersey, Stephen Petronio (director artístico y coreógrafo) se diploma en Hampshire College de Amherst, Massachusetts, donde descubre la danza en 1974. Profundamente influenciado por el trabajos de Steve Paxton, Stephen Petronio es el primer hombre contratado como bailarín en la compañía de Trisha Brown, con la que trabaja de 1979 a 1986. Funda la Stephen Petronio Company en 1984 y desde entonces obtiene un reconocimiento internacional por sus coreografías de vanguardia. La compañía gira regularmente por Estados Unidos, Canadá, Méjico, Europa, América del Sur y Rusia, entre otros países. A lo largo de su carrera, Stephen Petronio ha colaborado con los artistas Cindy Sherman, Anish Kapoor, Donald Baechler, Stephen Hannock, Justin Terzi, Charles Atlas, Tal Yarden y Trisha Fox; con los compositores Laurie Anderson, Lou Reed, Michael Nyman, James Lavelle, Wire, Diamanda Galás, Sheila Chandra, Lenny Pickett, David Linton; con los creadores Tara Subkoff/Imitation of Christ, Leigh Bowery, Manolo, Paul Compitus y Tanya Sarne/Ghost; así como con Ken Tabachnick, diseñador de iluminación y colaborador suyo desde hace mucho tiempo. “LES OMBRES D'UNE GUERRE SANS NOM” - Hervé Robbe Creada en febrero 2009 Coreografía: Hervé Robbe Música: Andréa Cera Bailarines: Agnes Boulanger, Mickaël Conte, Justin Cumine, Valérie Ly-Cuong, Dmitri Domojirov, Laure Lescoffy Vestuario: Hervé Robbe Vestuario realizado por: l’Atelier Costumes du CCN - Ballet de Lorraine Maestro de ensayos: Jarmo Pentilla Les ombres d´une guerre sans nom… Las sombras de una guerra sin nombre Yo te mostraré algo que no es Ni tu sombra por la mañana caminando detrás de ti, Ni tu sombra por la tarde saliendo a tu encuentro, Te mostraré tu espanto en un puñado de polvo.

T. S. Elliot «La antecámara de la barbarie es a veces un espacio donde se ejerce y se agota una retórica erudita. En estos lugares el cuerpo del héroe porta ya los estigmas de una tragedia anunciada.

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Dibujan y firman recitados obsesivos hasta el manierismo, y se pierden en la infernal espiral de una dialéctica imposible. Su conflicto no tiene nombre y sus enemigos no tienen rostro. En esta puerta cerrada, enigmática, a la deriva planean las sombras de un coro guerrero. Pájaros de malos augurios habitan ese mundo con una indiferencia obstinada. Juegan infinitamente a la ceremonia de un ritual fatídico».

Hervé Robbe Amante del concepto pero voluptuoso en su relación con el cuerpo, el coreógrafo Hervé Robbe reivindica una danza incisiva, con un continuo de acciones dinámicas ritmadas por accidentes contradictorios. Hervé Robbe Nace en Lille en 1961. Después de unos años de estudios de arquitectura, Hervé Robbe se decide por la danza. Su formación básica fue en Mudra, la escuela de Maurice Béjart en Bruselas. Comienza su carrera como intérprete bailando repertorio neoclásico y más tarde colabora con diferentes compañías contemporáneas. En 1987 funda su compañía: Marietta secret. Sus proyectos, obras polisémicas, adquieren formas múltiples: espectáculos frontales, espectáculos móviles e instalaciones. El lugar que ocupa el público, su presencia y su mirada son determinantes, y por ello el espacio se cuestiona de continuo. Su llegada a la dirección del Centro Coreográfico Nacional del Havre Haute-Normandie refuerza las posibilidades de su investigación. En 1999 crea el solo autobiográfico Polaroïd. En 2000 explora la temática de la casa con Permis de construire - Avis de démolition, díptico compuesto por una instalación y un espectáculo. Más tarde, en 2002, aborda la temática del jardín, con Des horizons perdus, en un universo construido por pantallas, receptáculos de cuerpos virtuales. En 2004 retoma el trabajo de grupo con Mutating score, con una ocupación común del espacio escénico por parte no sólo de los intérpretes, sino también del público. Esta pieza-instalación utiliza nuevas tecnologías, integradas en el espectáculo en tiempo real. En 2006 crea la instalación So long as baby… love and songs will be. Hervé Robbe toma distancia respecto del escenario en su creación de 2007 Là, on y danse. En 2008 la exposición Double Je - Nous comme entre deux es la ocasión de retomar los retos coreográficos de un cuerpo virtual, con cinco instalaciones. Mientras continúa con sus producciones, responde también a los encargos de la Ópera de Lyon, del Ballet Gulbenkian, el Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris (CNSMDP) y la Academy of Performing Arts de Hong Kong.

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2009 - X Edición EUSKALDUNA JAUREGIA BILBAO PALACIO DE CONGRESOS Y DE LA MÚSICA MUSEO GUGGENHEIM BILBAO Lugar: a concertar en cita previa Viernes 8, sábado 9 y domingo 10 mayo Hora: A CONVENIR CON CADA ESPECTADOR

SRA. POLAROISKA EN SILLÓN DE TALLER en colaboración con RUEMANIAK / Bilbao APUNTES SOBRE ANIMALES, ENCUENTROS Y AUTOPISTAS

En este nuevo proyecto escénico, cuya creación está en manos de Izaskun Santamaria, Alaitz Arenzana, Jorge Lastra y Maria Ibarretxe, el colectivo sigue buscando otros espacios y lenguajes de representación donde desarrollar sus inquietudes e ideas, tanto políticas como estéticas, a través del cine, la performance, la coreografía y la danza. Una pieza-experiencia que sumerge al espectador en el viaje planteado por la compañía, entendido el viaje desde múltiples aspectos. Nos hemos hecho esas preguntas en tu casa y en mi casa, porque tú y yo no nos acordamos. DISPOSITIVO: Se realizarán cinco pases al día, uno cada hora, para tres espectadores, a los cuales se les citará previamente un día, a una hora concreta y en un lugar insólito e incógnito. Para que el público pueda asistir al espectáculo, se anunciará en Internet, en los programas, etc... con las fechas de presentación y se dará un correo electrónico para que quien desee asistir devuelva un e-mail con sus datos personales para ser anotado en la lista. Más tarde, los organizadores enviarán un e-mail de vuelta con la fecha, la hora y el lugar de cita para cada una de las personas que asistirán como público. Es importante que ninguna plaza se quede vacía, por eso es necesario que el espectador confirme su asistencia.

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Creación: Alaitz Arenzana, María Ibarretxe, Jorge Lastra, Izaskun Santamaría Intérpretes: Izaskun Santamaria, Jorge Lastra, Maria Ibarretxe, Natxo Montero, Arrate Etxebarria, Amaia Pascual Coreografía: Izaskun Santamaria, Jorge Lastra, Maria Ibarretxe Video-realización: Alaitz Arenzana Diseño de iluminación: Borja Ruiz Grijalba Dirección: María Ibarretxe Producción: Sra. Polaroiska en Sillón de Taller, en colaboración con Ruemaniak Subvencionado por: Dpto. de Cultura del Gobierno Vasco, con la colaboración de la Fundación Bilboarte JORGE LASTRA (Bilbao, 1976) Licenciado en Psicología y en Artes Escénicas. Se forma en danza contemporánea con diversos coreográf@s-bailarin@s como Ted Stoffer, Chrysa Parkinson, Win Vandekeybus, Steve Paxton, Jordi Cortés, Cía. Mal pelo, Katie Duck, Germán & Jorge Jauregui, Dennis O´Connor, Claire O´Neill, entre Bilbao, Berlín y Bruselas. Ha creado piezas escénicas como Naranjas del tiempo (2004), junto a Natxo Montero y Caídos del Cielo (2006-07). En los últimos años viene trabajando en piezas de danza contemporánea en diferentes formatos con Beatriz Fernández (Restos de Miss Series - 2008), Blanca Arrieta - Cía. Ciento cincuenta cuerdas (Silvery Snot - 2006, Memoria - 2006-07, Rest - 2007), La intrusa - Damián Muñoz & Virginia García (El guateque 2004, Staff - 2007), Asier Zabaleta - Ertza (Babia - 2005-06). Crea diferentes piezas de intervención urbana y prácticas artísticas de acción con la colaboración del colectivo Zubiak. Actualmente está desarrollando el proyecto audiovisual En busca de Patt / Patt ya no vive aquí. IZASKUN SANTAMARÍA (Portugalete, 1972) En 1992 obtiene el título oficial de la Real Escuela Superior de Arte Dramático y Danza de Madrid. Crea Silencio junto a Isidro Zapatero y su primera pieza en solitario –A tientas– dentro de la V y VII edición de la Muestra de Coreógrafos Vascos. Ha trabajado como bailarina e intérprete en las compañías de Damián Muñoz,

Matxalen Bilbao, Steak Tartar y Blanca Arrieta.

Desde el año 2004 es bailarina en la compañía Organik con ES3IN, +ES3 y Lilas.

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En el año 2008 trabaja como ayudante de dirección de la pieza Malditas (Organik) y co-dirige junto a Miren Gaztañaga El lobo y el Alma de Gabriel Ocina, estrenado en el festival BAD (Bilbo Antzerkia Dantza). Paralelamente imparte clases de danza contemporánea en Muelle 3 (Bilbao). MARIA IBARRETXE DEL VAL (Bilbao, 1977) Diplomada en Arte Dramático (BAI & Basauriko Antzerki Eskola). Cursa estudios de Performance y Coreografía en Barcelona, Berlín y Sevilla. Dirección escénica en la EITV, San Antonio de los baños, Cuba. Co-coreógrafa e intérprete junto a Koen De Preter en We Dance To Forget, Fabuleus, Stuk Arts Centre, Leuven, Belgium (Julidans 07, Aerowaves 08...). Componente de La Pez danza-teatro. Crea junto a Jorge Lastra los Site Specific: Hule y Bilbao es una mala copia, Zubiak para Periferiak 05/07. Ha trabajado como intérprete con Asier Zabaleta, Eva Vidal, Martina Von Hold y

Shizuka Hariu.

Crea Txatxorra`s Cube junto a Patricia Fuentes, y Bloody M keeps the gun in the forest, para el seminario La repolitización del espacio sexual en las prácticas artísticas contemporáneas. Coreógrafa del cortometraje 7:35 de la mañana, de Nacho Vigalondo. Paralelamente realiza su trabajo junto a Alaitz Arenzana en el colectivo Sra. Polaroiska en Sillón de Taller. (Ver Sra. Polaroiska). ALAITZ ARENZANA (1976) Licenciada en Comunicación Audiovisual por la UPV. Cursa taller con Pascal Aubier en la EITV, San Antonio de los baños, Cuba. Alterna la creación en cine y vídeo experimental con la realización de programas, reportajes y documentales con la productora K2000 para la televisión. Obtiene la Beca Artes Visuales e Imagen de Síntesis de la Diputación Foral de Bizkaia, realizando Un día de descanso o la mancha. CALYPSO. Procesos de aprendizaje artístico. Sala Rekalde. Paralelamente realiza su trabajo junto a María Ibarretxe en el colectivo Sra. Polaroiska en Sillón de Taller. (Ver Sra. Polaroiska).

NATXO MONTERO MATÍA (Bilbao, 1972) En 1995 comienza estudios de danza contemporánea con Matxalen Bilbao, Cristina Quijera, Idoia Zabaleta, Olaf Keler y Didier Sihol. Continúa su formación entre Bruselas, Barcelona y Francia (David Zambrano, Ted Stoffer, Wim Vandekeybus, German & Jorge Jauregi, Alexis Eupierre, Lipi Hernández, Iñaki Azpillaga, Roxanne Huildman, Martin Kilvadi y Rasmus Ölme, entre otr@s.

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Ha trabajado como intérprete en la compañías Organik, Steak Tartar, Marcelo Ordonez’s Ballet, Ex Nihilo, Sofie Saller y Felix Ruckert Company. Crea y baila junto a Jorge Lastra Naranjas del tiempo, seleccionada en la VIII Muestra de Creación Coreográfica de Euskadi. Miembro de la Cía. Rialto Fabrik Nomade: Islavat (proyecto europeo Transeurope - 2004-07), Desordre (proyecto franco-polaco) y Un Peuple de Promeneurs (Finlandia). En 2008 es bailarín en la pieza El kiosko de las almas perdidas, dirigida por Roberto Oliván (Centro Coreográfico Galego) y crea e interpreta Cuadra–T, Festival Empape (A Coruña). Finalista en el Certamen Coreográfico de Madrid 2008. Paralelamente es profesor de danza contemporánea y bailarín de danza tradicional vasca. SRA. POLAROISKA EN SILLÓN DE TALLER es una asociación para el desarrollo de proyectos artísticos que trabaja fundamentalmente entre el cine experimental, el video-danza y la performance. En el año 2008 obtienen la beca de residencia en la Fundación Bilbao Arte, donde desarrollan además de la pieza coreográfica Apuntes sobre Animales Encuentros y Autopistas, la pieza audiovisual Sleeping Over Plastic. También les conceden la beca AIR, en Varsovia en el Centro CSW, Ujazdowski, donde realizan en 35 mm Exhibición 19. Obtienen el primer premio por la serie fotográfica Dios es una chavala manca II, organizado por Pripublikarrak & Nontzeberri. Participan en el ciclo D-generaciones (Instituto Cervantes de Praga, Dublín, Touluse, Manchester, Milán, Estocolmo), organizado por Josetxo Cerdán y Antonio Weinrichter. Imparten el taller Cámara y Cuerpo en la Universidad de BBAA de Cuenca. En el 2003 obtienen el primer premio audiovisual INJUVE, por Pero tú...¿eres tú? No, yo soy su... y su obra se ha exhibido en festivales y exposiciones como Indielisboa 07, Festival des Cinémas Différents Paris 07, Incógnitas-Cartografías del Arte Contemporáneo en Euskadi (Guggenheim Bilbao 07), VAD Girona 07, Videofronteras 07, Taste Festival, Leuven 07, ITS/Amsterdam/Bruselas/ Pend fringe, Edimburgo 1, 2, 3…Vanguardias (Sala Rekalde).

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2009 - X Edición EUSKALDUNA JAUREGIA BILBAO PALACIO DE CONGRESOS Y DE LA MÚSICA MUSEO GUGGENHEIM BILBAO Auditorio – Palacio Euskalduna Martes 19 mayo - 20:00h

LUCIA LACARRA e INVITADOS / Munich “LUCIA LACARRA PRESENTA …” Con este programa Lucía Lacarra acerca al festival todo un despliegue de piezas del repertorio clásico, todo un paseo por la historia del ballet, en una velada a la que ha invitado a un equipo extraordinario de intérpretes, todos colegas y amigos, estrellas de grandes compañías como...: la Opera Garnier de París, la Opera de Berlín, el Ballet Nacional de Cuba, el English Nacional Ballet y la suya, el Ballet de la Opera de Munich, con los que comparte profesión y el placer de bailar. FESTIVAL DE FLORES DE GENZANO Coreografía: Bournonville Música: Eduard Helsted IANA SALENKO y MARIAN WALTER Primeros bailarines de la Opera de Berlín AGUAS PRIMAVERALES Coreografía: Asaf Messerer Música: Rachmaninov ROMEL FRÓMETA y EVA SUAREZ Primer bailarín y solista del Ballet Nacional de Cuba APOLO Coreografía: Balanchine Música: Stravinsky YAT-SEN CHANG y CRYSTAL COSTA Primer bailarín y solista del English Nacional Ballet EL CORSARIO Coreografía: Petipa Música: Drigo ROMEL FROMETA y EVA SUAREZ Primer bailarín y solista del Ballet Nacional de Cuba

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EL CISNE NEGRO Coreografía: Ray Barra Música: Tchaikovsky MARLON DINO y DARIA SUKHORUKOVA Solistas del Ballet de la Opera de Munich PAUSA EL ESPECTRO DE LA ROSA Coreografía: Fokine Música: Carl Maria von Weber YAT-SEN CHANG y CRYSTAL COSTA Primer bailarín y solista del English Nacional Ballet EL CISNE BLANCO Coreografía: Ray Barra Música: Tchaikovsky MARLON DINO y DARIA SUKHORUKOVA Solistas del Ballet de la Opera de Munich DIANA Y ACTEÓN Coreografía: Vaganova Música: Drigo ROMEL FROMETA y EVA SUAREZ Primer bailarín y solista del Ballet Nacional de Cuba LA ESMERALDA Coreografía: Ben Stevenson Música: Drigo IANA SALENKO y MARIAN WALTER Primeros bailarines de la Opera de Berlín GISELLE Coreografía: Nureyev Música: Adam JOSE CARLOS MARTINEZ y AGNES LETESTU Estrellas de la Opera Garnier de París

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RÓMEL FRÓMETA Primer Bailarín del Ballet Nacional de Cuba Nacido en La Habana, inició sus estudios en 1992 en la Escuela Provincial de Ballet "Alejo Carpentier" y los continuó, en 1998, en la Escuela Nacional de Ballet. En 1999 obtuvo la Medalla de Oro en el Concurso Vignale-Danza para Jóvenes Talentos, celebrado en Italia y en el 2000 la Medalla de Bronce en el Concurso Internacional de Ballet de Varna, Bulgaria. En el 2001, luego de su graduación, pasó a integrar el elenco del Ballet Nacional de Cuba, bajo la dirección artística de Alicia Alonso. MARLON DINO Solista del Ballet de la Opera de Munich Marlon Dino nació en Albania y estudia danza en la Escuela de Coreografía y Ballet de Tirana. En 1998 se incorpora al Genève Dance Center bajo la dirección de David Allen. En 2001 es bailarín del Ballet de la Opera de Viena. Entró a formar parte del Cuerpo de baile del Ballet de la Opera de Munich en 2002, donde ya bailó un solo de Jiří Kylián Six Dances. También ha creado dos coreografías para el programa State Ballet’s Young Choreographers. Fue promovido a Solista en 2005, y Primer Solista en 2007. MARIAN WALTER Primer Bailarín de la Opera de Berlín Nace en Alemania en 1981 y estudia danza en el Berlin State Ballet School, graduándose en el 2000 como bailarín profesional. Desde el año 2000 al 2002 trabaja en el Ballet de la Opera de Munich. En el 2002 se une al Ballet de la Opera de Berlín como Solista y en 2003 es promovido a Primer Bailarín. YAT-SEN CHANG Primer Bailarín del English Nacional Ballet Yat Sen Chang estudió danza en la Escuela del Ballet Nacional de Cuba a la edad de nueve años. En 1989 se gradúa como bailarín y profesor, y se una a la compañía bajo la dirección de Alicia Alonso. En 1992 es invitado al International Dance Festival de La Baule, Francia. Después se une al Jeune Ballet de France. En 1993 es contratado por el English National Ballet como Primer Bailarín.

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EVA SUÁREZ Solista del Ballet Nacional de Cuba Inicia sus estudios de Ballet en 1992 en la Escuela Vocacional de Arte, y los continuó en 1937 en la Escuela Nacional de Ballet de La Habana. En el año 2000 pasó a integrar el elenco del Ballet Nacional de Cuba. En el año 2002 fue promovida a Solista. DARIA SUKHORUKOVA Solista del Ballet de la Opera de Munich Nace en San Petersburgo, y empieza sus estudios de ballet en la prestigiosa Academia Vaganova y recibe un contrato en el Teatro Marinsky en 2001. En 2007 se una al Ballet de la Opera de Munich como Solista. IANA SALENKO Primera Bailarina de la Opera de Berlín Nace en Kiev en 1983. Desde 1995 es alumna del Pisarev Ballet School y se gradúa en el 2000 como bailarina profesional. Desde el 2000 al 2002 es Solista y después Primera Bailarina del Ballet Nacional de la Opera de Kiev. En 2005 se une al Ballet de la Opera de Berlín como Solista y en 2007 es promovida Primera Bailarina. CRYSTAL COSTA Solista del English Nacional Ballet Nace en Vancuver, Canada. Como bailarina profesional, se gradúa en el National Ballet School de Canada. Crystal se une al Hong Kong Ballet en 2001 como Solista y en 2005 como Primera Bailarina. En el año 2007 es contratada por el English Nacional Ballet.

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LUCÍA LACARRA Primera Bailarina del Ballet de la Opera de Munich Su cuerpo grácil, delgado, entrenado, delata su profesión de bailarina por convicción. A sus 34 años, Lucía Lacarra ha conseguido con mucha disciplina y madurez llegar a lo más alto en la danza internacional, y poseer premios tan importantes como el “Prix Nijinsky” en 2002 –similar al Oscar de la danza clásica y única bailarina española en la historia que lo posee– o el “Benois de la Danse” del Teatro Bolshoi de Moscú en 2003, entre otros. Desde muy pequeña, Lucía Lacarra lo tenía claro: la danza sería su vida, aunque le costase sudor y lágrimas. A los 10 años, y tras algunos berrinches, consiguió sus primeras clases de baile en su pueblo, Zumaia, en el País Vasco. Con 13 ya empezó a destacar, y recibió clases en la academia de Mentxu Medel en San Sebastián. Y con 14 supo que la danza exige muchos sacrificios, no sólo físicos, sino también emocionales, como el separarse de su familia para seguir su formación en Madrid, en la escuela de Víctor Ullate, una de las más prestigiosas. Consigue un año más tarde, en 1990, su primer contrato en la compañía de Víctor Ullate como primera bailarina en el Ballet de la Comunidad de Madrid. De Víctor Ullate, Lucía destaca su agradecimiento por darle la necesaria confianza en si misma, y a partir de ahí, la carrera de Lucía Lacarra ha continuado en ascenso. En 1994 se va a Marsella a trabajar en el Ballet Nacional de Roland Petit, un genio de la danza, según la propia Lacarra, donde se queda tres años. Roland Petit enseguida la convierte en su estrella y crea para ella los ballets “Bolero”, “El Gatopardo”, “Et la Lune” y “Mere Mediterranee”, además de interpretar las otras obras de su repertorio. De Roland Petit aprendió sobretodo a estar emocionalmente presente en el escenario, y que todo se baila de una manera más que técnicamente clásico. Además es estrella invitada en compañías como la Opera de Paris –única bailarina española nombrada como Etoile-, Scala de Milán, Bolshoi de Moscú, San Carlo de Nápoles, Opera Nacional de China, Asami Maki Ballet de Tokyo, y New National Theatre de Tokyo. Su vida de bailarina nómada, y abierta a otras enseñanzas y estilos de baile, la lleva en 1997 hasta Estados Unidos, donde se integra en el San Francisco Ballet como primera bailarina, interpretando los grandes neoclásicos y contemporáneos de Forsythe, Robbins, Duato y Balanchine. En 2002, se traslada a Munich, donde es actualmente la bailarina estelar en el Ballet de la Ópera de Munich. Lucía Lacarra está en su mejor momento profesional y personal. Su reconocimiento como bailarina lo obtiene del público y de la crítica cada vez que interpreta las obras de los grandes coreógrafos, además de estrella invitada también en el Stuttgart Ballet e English National Ballet, y en galas de ballet por todo el mundo. Lucía Lacarra sabe que el esfuerzo realizado tiene su recompensa, y es galardonada por el Ministerio de Cultura español con el Premio Nacional de Danza en Noviembre de 2005. La Orquesta Filarmónica de Viena y el Ballet de la Opera de Viena le invitan como bailarina estrella en el Concierto de Año Nuevo de 2007 dirigido por Zubin Mehta.

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2009- X Edición EUSKALDUNA JAUREGIA BILBAO PALACIO DE CONGRESOS Y DE LA MÚSICA MUSEO GUGGENHEIM BILBAO Auditorio – Museo Guggenheim Bilbao Miércoles 27 mayo - 20:00h

DANS.KIAS – SASKIA HÖLBLING / Viena “CAT FREEZE 2” En la performance Cat freeze 2, Saskia Hölbling (danza), junto con Heinz Ditsch (música), Doron Goldfarb (vídeo) y Krisha (iluminación), se plantea una expedición por las zonas intermedias y convergentes. Es un viaje en el frío, hacia paisajes virtuales, en los que el cuerpo se disuelve a la vez que da lugar a un devenir donde la duración y la transformación son también elementos que dirigen la pieza. Concepto, coreografía, interpretación: Saskia Hölbling Música: Heinz Ditsch Vídeo: Doron Goldfarb Iluminación: Krisha Sonido: Moritz Cizek Asesoría artística: Peter Kollreider Cat freeze 2 es una producción de DANS.KIAS. DANS.KIAS cuenta con el apoyo del Cultural Department of the City of Vienna.

SASKIA HÖLBLING / DANS.KIAS Nacida en Viena en 1971, Saskia Hölbling presentó ya sus primeras coreografías mientras estudiaba en el conservatorio de Viena. Continuó sus estudios en P.A.R.T.S Dance Academy, dirigida por Anne Teresa De Keersmaeker en Bruselas. Sendeschluss, escrita en 1995, fue el punto de partida para la fundación del colectivo DANS.KIAS, para el que creó los siguientes trabajos: Duras-Trilogie (1995 -1997), Do your desires still burn (1998), Distance.Two.Near (1999), Chat Gap (1999), in.tent//frame I (2000), in.tent//frame II (2001), Other feature (2002), Exposition corps (2003), Superposition corps (2004), Your body is the shoreline (2005), Jours Blancs (2006), F on a pale ground (2007), Cat in a deep freeze (2007), Secret sight (2008) y Cat freeze 2 (2008).

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En paralelo a la creación de sus propias piezas, Saskia Hölbling ha trabajado con Bob Wilson (USA), Cía. W. Dorner (Austria), Laurent Pichaud (Francia) y Benoît Lachambre (Canadá). En 1999 coreografió Out of between para la Vienna Staatsopernballett y en 2001 Emerge behind your eyes para el TanzTheater Wien. En 2000 recibió el Prix d’auteur du Conseil Général de Seine-Saint-Denis / Bagnolet por Do your desires still burn. En 2002 recibió el Austrian Dance Production Prize por Other feature. En 2001, en cooperación con el coreógrafo canadiense Benoît Lachambre y el video-artista francés Laurent Goldring, su solo rrr… (reading, readings, reading) fué producido y presentado en la apertura del Tanzquartier Wien. En 2002 tomó parte en el AJ project, un proyecto de intercambio cultural entre Austria y Japón. En el mismo año, en el marco del festival Wien Modern colaboró para la puesta en escena de las óperas II Combattimento di Tancredi e Clorinda (Monteverdi) y A-ronne (Luciano Berio), un proyecto de cooperación con el Vienna Taschenoper. En 2004 realiza una segunda pieza –Labyrinth– en colaboración con el Vienna Taschenoper, trabajando con Wolfgang Mitterer (composición) y Alexej Paryla (vídeo). En 2005 participa en un proyecto de filosofía en escena iniciado por el filósofo austriaco Arno Böhler y la actriz Susanne Granzer, presentando la lectura-performance Vom Sinn des Sinns. En 2006 se publicó el DVD DANS.KIAS.DOC, un documental acerca del trabajo artístico de la compañía. En el mismo año Saskia Hölbling giró con la pieza Lugares comunes, de Benoît Lachambre. En 2007 el DANS.KIAS STUDIO abrió sus puertas ofreciendo las primeras residencias artísticas a jóvenes artistas. En 2008 Saskia Hölbling creó el dúo Fiction in between junto con el coreógrafo y bailarín francés Fabrice Ramalingom. Su último trabajo ha sido la puesta en escena de tres piezas de Luciano Berio: Naturale, Visage, Sequenza V, que se han presentado el 12, 14 y 15 de Febrero de 2009 en el Vienna Konzerthaus / Neuer Saal, en colaboración con el Vienna Taschenoper.

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2009 - X Edición EUSKALDUNA JAUREGIA BILBAO PALACIO DE CONGRESOS Y DE LA MÚSICA MUSEO GUGGENHEIM BILBAO Sala A3 – Palacio Euskalduna Domingo 31 mayo - 20:00h ... DESDE FRANKFURT: JONE SAN MARTIN – AMANCIO GONZALEZ – INMA RUBIO / Frankfurt

“DERIVADO” “SIN-KING IN ME” “VISION DIVIDED” “THE VILE PARODY OF ADRESS” Reunimos en este programa a tres intérpretes que dejaron sus ciudades de origen (Jone y Amancio en el País Vasco, Inma es valenciana) para desarrollar sus carreras en el extranjero y acabaron trabajando juntos en Frankfurt, en The Forsythe Company, bajo la dirección de William Forsythe. El conocido coreógrafo y director de la compañía que lleva su nombre les ha cedido amablemente la coreografía The Vile Parody of Address, que fué estrenada el 26 de noviembre de 1988 por el Frankfurt Ballett, para acompañar a los trabajos de creación personal que los tres mostrarán en Dantzaldia. También tendremos la oportunidad de hablar con ellos sobre sus trayectorias y sobre la experiencia de hacer el recorrido profesional en otro país. “DERIVADO” Coreografía e interpretación: Jone San Martín Sonido: Niels Lang 15 min / estreno Derivado es un trabajo que surge a través de un proceso de destilación al que es sometida la anterior pieza creada por Jone San Martín junto con Agnes Chekroun en diciembre de 2007 (Bockenheimer Depot, Frankfurt), llamada Hostis. Derivado propone un cambio desde el interior mismo del trabajo precedente, que lo desvía de la dirección original. En este trabajo San Martín se abandona a merced de las circunstancias provocadas por ella misma y que consolidan un viaje en ese espacio creado: dualidad. Entre lo que pudo ser y lo que es, entre lo ajeno a la voluntad o su consecuente, derivado.

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“SIN-KING IN ME” Coreografía e interpretación: Amancio González Música: Gavin Bryars - The sinking of the Titanic 15 min / estreno Necesito Tengo Quiero Prefiero “VISION DIVIDED” Coreografía e interpretación: Inma Rubio 13 min / estreno Reflexión sobre la dualidad de la mente que piensa nuestra realidad. El lenguaje actúa como conector. El lenguaje que los movimientos crean en forma de mantra. Desde la parálisis hacia la libertad para el cambio. “THE VILE PARODY OF ADRESS” Coreografía: William Forsythe Intérpretes: Amancio González y Jone San Martín Música: J. S. Bach, Wohltemperiertes Klavier / Fuge nr. 22 B-Moll, Buch 1. Interpretada por Glenn Gould 15 min

The Vile Parody of Adress es una pieza basada fundamentalmente en la capacidad de improvisación. El papel de cada intérprete tiene una personalidad clara y definida, que a su vez está contaminada por la identidad real de cada bailarín, y que contrasta y al mismo tiempo se confunde en cierto modo con el papel de su pareja en el escenario. Despite what I keep saying it doesn´t have to be this way the doctor and I are fully aware of the precious condition of your other head. The Vile Parody of Adress fue estrenada el 26 noviembre de 1988 por el Frankfurt Ballett.

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AMANCIO GONZALEZ MINON Nacido en Bilbao Formación Estudio de danza Ion Beitia, Las Arenas, (España) Centre international de danse Rosella Hightower, Cannes, (Francia) Compañías Scottish Ballet, Glasgow (Escocia) NAPAC Dance Co., Durban (Sudáfrica) De Rotterdamse Dansgroep, Rotterdam (Holanda) Reflex Dansgeselschaft, Groningen (Holanda) Scapino Ballet Rotterdam, Rotterdam (Holanda) Frankfurt Ballett, Frankfurt (Alemania) The Forsythe Co., Frankfurt (Alemania) Creaciones coreográficas SIAMES, Durban (Sudáfrica) 5 SONNTAGS AM BAHNHOF, Frankfurt (Alemania) UN HAPPEN NESS, Turín (Italia)

JONE SAN MARTIN Donostia / San Sebastián -1966 Formación Mentxu Medel (Donostia / San Sebastián) Institut del Teatre (Barcelona) Mudra Internacional, Maurice Bejart (Bruselas) Compañías Ballet de Barcelona, 1986-87 Ballet Nacional de España, 1987 Ulmer Teather, Philippe Talard (Alemania) 1988-89 Archipel Sud (Bélgica) 1989-90 Cia. Jose Besprosvany (Bélgica) 1990-91 Cia. Jacopo Godani (Bélgica) 1990-91 Ballet de Charleroi (Bélgica) 1990-91 Ballett Frankfurt, William Forsythe (Alemania) 1992 - 2004 The Forsythe Company, actualmente y desde 2005

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Colaboraciones y creaciones con W. Forsythe en el Ballet de Frankfurt y en The Forsythe Company As a garden in this setting 1, Quinttet, Ali(e)n action, The The, Sleepers Guts, Small Void, Opus 31, Hipothetical stream 1, Eidos: Telos, Endless House Workwithinwork, Kammer Kammer Double –Single 7 to 10 Passages, We Live Here, The room as it was, Decreation, Thre Atmospheric Studies, Clouds After Cranach, Heterotopia, Human Writes, Angolo Oscuro, Yes We Can’t, I don’t belive in Outer Space. Coreografías Juana la otra, Bockenheimer Depot, Frankfurt (2000) Ser estar y parecer, Bockenheimer Depot, Frankfurt (2001) Remote Versions, colaboración con Agnes Chekroun y Fabrice Mazliah, Bockenheimer Depot, Frankfurt (2003) Double B(l)ind, colaboración con Agnes Chekroun y Fabrice Mazliah, Bockenheimer Depot, Frankfurt (2004) Hostis, colaboración con Agnes Chekroun Bockenheimer Depot, Frankfurt (2007) Bailarina invitada Como bailarina ha sido invitada a inaugurar la exposición de Francis Bacon junto con W. Forsythe, Dana Caspersen y Kristine Burkle en el Museo Haus der Kunst, en Munich, 1996. En la Fundación Cartier, para la exposición de Issey Miyake, junto con Kristina Burkle, París, 1999. Invitada al Festival de Avignon con la coreografía Tourlourou, de Carlotta Sagna, en 2004. Películas y vídeos The Mind of Doctor Forsythe, instalación, Film Fabric, Bélgica. The way of the Seed, película, Film Fabric, Bélgica. Jonemanak, película de Nerea Pagola, Donostia –San Sebastián. Meat me, cortometraje para Arte, de Lutz Gregor, colaboración con Agnes Chekroun y Fabrice Mazliah. Jone San Martín fue IV. Premio de la Danza, de la Asociación profesionales de Guipúzcoa.

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INMA RUBIO TOMAS Formación Humanities and Psychology, por The Open University y UOC. Real Conservatorio de Música y Danza, Valencia (España). Diplomada. Royal Conservatorium of Music and Dance, Den Haag (Holanda) Premios Entre otros: Distinction Prize Original Choreography Pending contact/while awaiting, otorgado por The Onassis Foundation, Grecia (2006). Compañías Varias compañías en España Scapino Ballet Rotterdam (1991-2001) Performer, assistant and close collaborator con Anthony Rizzi (1996- ) Guest at The Forsythe Company (2008) Creaciones coreográficas Varios trabajos del repertorio de Scapino Ballet Rótterdam, 1993-2000, Holanda International Dance Day, Praha State Opera Festival, City of Culture 2000, Rep. Checa Día Internacional de la Danza, Madrid, España Best Production of the Year 2000, Schouwburg Theater, Rotterdam, Holanda Bienal de las Artes Valencia, C.C.C.V., España Festival Danza Valencia, España Festival Madrid en Danza, España Korzo Theater Voorjaarsontwaken Festival, Holanda Lantaren Venster/Dansateliers open Podium Festival, Holanda Balletto Dell’Esperia, Italia Festival Brescia, Italia Miami Festival, USA The Choreographic Institut of New York/American Ballet School, USA Centro Coreográfico Comunidad Valenciana TGV, España MDR Leipzig Festival, Alemania Johannesburg Jomba Dance Festival and University Cape Town School of Dance, Sudáfrica Rochester City Ballet, USA The Ballet of Flanders, Bélgica Festival Torinodanza, Italia

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Otros Intérprete para la Opera Life, de Ruychi Sakamoto, Coreografía: Tony Rizzi, Japón Baila en el film Lost, de Willen van de Sande Bakhuyzen, Holanda. Asesora artística e intérprete en numerosas producciones de Tonny Rizzi en Kunstlerhuize Mousonturm Frankfurt, Impulstanz Wien, Black Box Theater Oslo, Dance2004 Festival Tanzlabot Munich Ballet, Zagreb Festival, Boston VisualDanceArt Festival. Voz para Frida Kahlo en Dead Orange Walk de Quade/Paiva en el Korzo and Spui Theaters en Den Haag. Intérprete en la Milan fashion week, C'N'C' Costume International, de Stephen Galloway.