ÓPERA

José Ferrero dará un recital para AAAO • Mozart esencial, nuevo ciclo de conferencias y visionados • Temporadas de ópera en España 2012—2013 • Temporada de Ópera del MET en Vialia Albacete •

Adiós a Dietrich Fischer. Dieskau • Ir a la ópera por primera vez • Maati Salminen • DVD.

65 Boletín informativo de la Asociación Albacetense de Amigos de la Ópera

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Se fue para siempreDietrich fischer—Dieskau

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AAAO

El tenor albaceteño José Ferrero lleva una actividad fre-nética; su amplitud de miras a la hora de enfrentarse a los diferentes repertorios, su constancia y la sabiduría

que ha adquirido manejando el metal de su voz le hacen ser solicitado por directores y teatros dentro y fuera de nuestras fronteras. Repasamos en estas líneas su periplo feliz como cantante de ópera que culminará en breve cantando en la Staatsoper de Berlín bajo la batuta de Daniel Baremboim. Una trayectoria imparable.

Realizó su debut operístico en Düsseldorf (Alemania), con el papel de Don José en Carmen de Bizet en 1997. En 1998 interpretó el papel principal de Los cuentos de Hoffmann de Offenbach. En el 2000 interpretó el papel de Pinkerton de Madama Butterfly en el Festival Puccini de Valencia, igual-mente este rol fue su debut en Londres. Ese mismo año, en el Palau de Valencia, interpreta El Murciélago (Die Fledermaus) de Johann Strauss en el papel de “Alfred”.

Ha participado en la primera grabación de la ópera Merlín de Isaac Albéniz (ganadora de un Grammy) junto a Plácido Domingo. En 2001 canta Madama Butterfly en el Teatro La Fenice de Venecia y ha participado con esta compañía en una gira por Japón con la Traviata de Verdi. Ha interpretado el papel de Faust de la ópera de Berlioz La Damnation de Faust en la Musical Donostiarra.

Ha cantado La vida breve de Falla, en el Teatro San Carlos de Lisboa y en el Festival de Ópera de La Coruña, con Josep Pons y Victor Pablo, respectivamente.

En noviembre del 2002 debuta en el Teatro de la Zar-zuela con La Bruja de Chapí, en el rol de Leonardo. Participa, durante el 2003, en el Festival Mozart de la Coruña en el rol de Tamino de La Flauta Mágica con Víctor Pablo Pérez y en la cantata de Debussy L´enfant prodige, con Phillippe Entre-mont en el Palau de la Música de Valencia.

En 2004 canta Don Giovanni de Mozart en Valencia. Con Alberto Zedda canta Gli Amori di Apollo e Dafne de Cava-lli en el Festival Mozart de La Coruña del 2004 (editada en NAXOS) y esta misma producción en Valladolid en el Teatro Calderón en diciembre de 2004.

Canta María Egipcíaca de Respighi en el Palau de Valen-cia en 2005, bajo la dirección de García Asensio. También este año interpreta El retablo de Maese Pedro de Falla con el maestro García Asensio. También en 2005 canta en el “Fes-tival Mozart” de La Coruña L’Orfeo de Sartorio bajo la direc-ción de Alberto Zedda e Idomeneo de Mozart.

En 2006 canta en París con la Orquesta de París y bajo la dirección de Frübeck de Burgos La vida breve de Falla. En ese mismo año interpreta Il tutore burlato de Martín y Soler

en la producción del Teatro Real de Madrid en el Auditorio Carlos III de Leganés. Participa en el Festival de Granada con la ópera Andrómaca de Martín y Soler.

En 2007 canta con la Orquesta de la RAI de Torino La Vida breve de Falla bajo la dirección del maestro Frühbeck de Burgos y en el Teatro Real de nuevo Il tutore burlato de Martín y Soler. En 2008 canta en el Teatro de la Maestranza de Sevilla la ópera Doktor Faust de Busoni, bajo la dirección de Pedro Halffter. En 2009 canta en el Liceo de Barcelona Die Meistersinger von Nürnberg, bajo la dirección musical de Sebastián Weigle. Asimismo en 2009 interpreta el papel de Cavaradossi de Tosca en Oviedo dirigido por Friedrich Hai-der. En 2010 canta el papel titular de Idomeneo en el Teatro Regio de Turín bajo la dirección de Tomas Netopil. En Murcia, con el maestro Hernandez-Silva, canta el rol de Tamino de Die Zauberflöte de Mozart. En noviembre de 2010 canta el rol de Froh en Das Rheingold en el Teatro de la Maestranza de Sevilla con el maestro Pedro Halffter. Con Michel Plasson en Madrid y con Günther Neuhold en Bilbao canta el La damna-tion de Faust de Berlioz en 2011. En el Teatro del Liceo de Bar-celona canta el rol de Turiddu de Cavalleria rusticana bajo la dirección de Daniele Callegari, por el que es premiado con el “Premio al cantante revelación” 2010-2011 por la crítica den-tro de los Premios Amics del Liceu. Canta el rol de Siegmund de Die Walküre en Sevilla en 2011 bajo la dirección de Pedro Halffter. Recibe también el “Premio Opera Actual 2011”.

En el interesante programa que ofrecerá en Albacete se incluyen canciones de Tosti, Jordi Cervelló, Manuel de Falla (1876-1946) y Joaquín Turina. La segunda parte, plenamen-te operística incluye el aria Kuda, Kuda de Eugen Onegin de Tchaikovsky, Dos arias de La Walquiria de Wagner y dos de Puccini de Le Willi y Tosca —la celebérrima E Lucevan le ste-lle—. Le acompañará al piano Rubén Fernández Aguirre. La entrada al recital será libre. Un recital para no perdérselo.

JOSÉ FERRERO CANTARÁ EN EL AUDITORIO UN RECITAL EL 5 DE NOVIEMBRE PARA AAAO

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AAAO

MOZART ESENCIALDe nuevo nuestra asociación

aborda un ciclo sobre óperas de Mozart. La anterior vez se

escogieron las óperas de la trilogía de Mozart–Da Ponte, además de El rapto del Serrallo y la Flauta Mági-ca. Pero de aquello hace ya más de década y media. Una eternidad tra-tándose de uno de los compositores más importantes de la historia del género. Por ello nos hemos decanta-do por las que a nuestro juicio son las más populares entre los aficiona-dos a la ópera.

Mozart compuso 22 óperas en diferentes géneros musicales. Van desde las obras a pequeña esca-la –derivadas de las que compuso en su juventud– a las óperas de mayor envergadura de su madurez. Tres de las obras fueron abandonadas antes de terminar su com-posición y no fueron representadas hasta muchos años después de la muerte de su creador. Todas sus óperas de madurez son consideradas obras clásicas y siempre forman parte del repertorio de los teatros de ópera de todo el mundo.

Los rasgos centrales del estilo clásico están todos pre-sentes en la música de Mozart. La claridad, el equilibrio y la transparencia son los sellos de su trabajo, pero cualquier noción simplista de su delicadeza enmascara el poder ex-cepcional de sus obras maestras más finas, como las ópe-ras Le Nozze di Figaro, Don Giovanni y Die Zauberflöte que hemos seleccionado para este ciclo. También, quizás, por ser las más representadas en todos los teatros del mundo y las más reconocidas por melómanos y neófitos de este género tan extraordinario que es la ópera.

ProgramaMiércoles, 10 de octubre, a las 20h. Le Nozze di Figaro (Las Bodas de Fígaro). Conferencia a cargo de Luis Suñen. Que como editor, ha sido Director Adjunto de la editorial Agui-lar, Director Editorial de Alfaguara, Acento y Espasa Calpe y Director General de Alianza Editorial. Luis Suñén ha ejer-cido la crítica literaria en los diarios Informaciones y El País y en la revista Ínsula. Actualmente es director de la revista Scherzo, colaborador del diario El País, la revista El Ciervo y Radio Clásica (Radio Nacional de España).

Martes, 16 de octubre a las 19h. Visionado de Le Nozze di Figaro (Las Bodas de Fígaro).

Miércoles, 17 de octubre, a las 20h. Die Zauberflöte (La flauta Mágica). Conferencia de Laia Falcón, soprano pre-miada por el Mozarteum de Salzburgo (2010). Laia Fal-cón, desarrolla actividades artísticas, de Investigación y de docencia; como soprano, premiada por el Mozarteum de Salzburgo (2010), la Asociación de Intérpretes y Ejecutan-tes de España (AIE, 2010, 2011) y la Escuela Superior de Música Reina Sofía (2009), ha actuado en la sala Tosca-nini de la Scala de Milán, en las del Auditorio Nacional y Gayarre del Teatro Real, en Madrid, Auditorio Nacional en Lisboa, Maestranza en Sevilla y en París, Amsterdam, Bil-bao, Salamanca, Santander, Salzburgo, Hamburgo, Neuss, Berlín, Róterdam, Amberes. Es profesora e investigadora, en la Universidad Complutense de Madrid (UCM) y en otros centros europeos: Sorbona, (París) y Universidad Humbol-dt (Berlín).

Martes, 23 de octubre, a las 19h. Visionado de Die Zau-berflöte (La flauta Mágica).

Miércoles, 24 de octubre, a las 20h. Don Giovanni (Don Juan). Conferencia a cargo de José Luis Téllez, musicólogo y un veterano comentarista de música clásica y ópera para Radio Clásica1 de Radio Nacional de España y TVE.2. Asi-mismo, fue guionista para la serie “Acercarse a la música” incluido dentro del espacio cultural “La aventura del saber” emitida por La 2 en la década de 1990 y posteriormente retrasmitida en el Canal Internacional de TVE.2.

Martes, 30 de octubre, a las 19h. Visionado de la versión de Don Giovanni.

Todas las sesiones se realizarán en el Salón de Actos Centro Cultural CCM, centro dependiente de la Fundación CCM que colabora en este ciclo. Entrada libre.

NueVO cicLO De cONfereNcias+VisiONaDOs De tres De Las ÓPeras DeL cOMPOsitOr

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Teatro Real de Madrid, segunda temporada de MortierBoris Godunov, Mussorgski (Del 28 de septiembre al 18 de octubre). Por primera vez en el Real se representará la ópera completa con sus diez escenas, acto polaco inclui-do. La dirección musical será de Hartmut Haenchen y el director de escena, Johan Simons.

Il prigionero, Dallapiccola y Suor Angelica, Puccini, en programa doble. (Del 22 de octubre al 15 de noviembre). Dirección musical de Ingo Metzmacher y escénica de Lluís Pasqual.

Macbeth, Verdi (del 2 de diciembre al 23 del mismo mes). Es una producción de Dmitri Tcherniakov para la Ópera de Novosibirsk y la Opéra National de París que dirigirá musicalmente Theodor Currentzis.

The Perfect American, Philip Glass (22 de enero de 2013 hasta 6 febrero). Estreno mundial. Se trata de un en-cargo del Teatro Real y la ENO de Londres a Philip Glass sobre la novela homonima de Peter Stephan Jungk, el ar-gumento gira sobre la persona de Walt Disney. La direc-ción correrá a cargo de Denis Russel Davies.

Così fan tutte, Mozart (Del 23 de febrero al 17 de mar-zo) Es una nueva producción del director de cine Michael Haneke. El director musical será Sylvain Cambreling.

Don Giovanni, Mozart (del 3 al 24 de abril) Producción de Dmitri Tcherniakov estrenada en el Festival de Aix—en—Provence, que contará con la dirección musical de Alejo Pérez.

La rappresaglia, Mercadante (Del 13 al 19 de mayo). La Orquesta Giovanile Luigi Cherubini estará dirigida por Riccardo Muti.

Wozzeck, Berg (Del 3 al 20 de junio) Interpretada por Simon Keenlyside y Nadja Michael. Dirección musical de Sylvain Cambreling, y producción de Christoph Marthaler para la Ópera de París.

Die Zauberflöte, Mozart (Del 29 de junio al 4 de julio). El reparto será: Dmitry Ivaschenko, Joseph Kaiser, José van Dam, Simone Kermes, Camilla Tilling, Magdalena Ko-zena, Nathalie Stutzmann, Annick Massis y Michael Nagy. La Orquesta Filarmónica de Berlín estará dirigida por Si-mon Rattle y la producción es de Robert Carsen para el Festival de Baden—Baden.

Il postino, Daniel Catán (Del 17 al 28 de julio) Contará con el siguiente elenco: Plácido Domingo, Charles Castro-

novo, Cristina Gallardo—Domâs y Nancy Fabiola Herrera, con dirección musical de Pablo Heras Casado y escénica de Ron Daniels para la Ópera de Los Angeles.

El teatro del Liceu rendirá tributo a Wagner y Verdi, en el bicentenario de sus nacimientos.Así, dentro de la temporada encontramos la representa-ción de Das Rheingold y Rienzi (ésta en versión de con-cierto).

Para conmemorar también el bicentenario de Verdi se ha programado una nueva producción de La forza del destino, con Renato Palumbo como director musical. Se incorporarán al Liceu tres óperas que faltaban aún en su trayectoria: Il turco in Italia, ópera de juventud de Gio-achino Rossini; Iolanta, de Tchaikovsky, en versión de con-cierto por la Orquesta y Coro del Teatro Mariinski de Sant Petersburgo, con las figuras de Valeri Gergiev, y la sopra-no Anna Netrebko, que debuta así en el Liceu; y Street Scene de Kurt Weill. Entre las óperas que completan la temporada debemos citar tres óperas italianas: Madama Butterfly, de Puccini, en una coproducción con el Royal Opera House Covent Garden de Londres; Il pirata de Be-llini con Mariella Devia; y L’elisir d’amore de Donizetti, en la propuesta de Mario Gas y protagonizada por Rolando Villazón. La ópera francesa estará representada por Les contes d’Hoffmann de Offenbach, con Natalie Dessay en una nueva coprodución del Liceu con la Ópera de San Francisco, que será dirigida escénicamente por Laurent Pelly. Y de la ópera checa nos llegará una producción de Rusalka, de Dvórak, con dirección musical de Andrew Da-vis y dirección de escena de Stefan Herheim. La tempora-da finalizará con Lucio Silla, ópera seria de un jovencísimo Mozart.

Plácido Domingo abre con ‘Thaïs’ la temporada del Tea-tro MaestranzaAdemás, Halffter ha puesto de relieve que esta tempo-rada “habrá una ópera más que la anterior”, hasta un to-tal de cinco. Así, la primera será Thaïs de Jules Massenet en octubre, con Plácido Domingo. En diciembre, el turno será para Sigfrido de Wagner, con dirección de escena de Carlus Padrissa —La Fura del Baus—, y Lance Ryan, “el mejor Sigfrido del mundo”, entre los intérpretes princi-

ÓPERA EN ESPAÑA

ÓPERA EN ESPAÑA 2012-2013

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pales; en febrero llegará el estreno en España del díptico Sarka y Cavalleria rusticana; en mayo El gato montés, de Manuel Penella; y en junio Rigoletto de Verdi, con Leo Nucci, Mariola Cantarero e Ismael Jordi, entre sus intér-pretes principales.

También habrá zarzuela con Entre Sevilla y Triana, de Pablo Sorozábal, una producción del Teatro Arriaga de Bilbao, en coproducción, entre otros, con el Teatro de la Maestranza.

Palau de les Arts rinde tributo a Giuseppe Verdi Rigoletto, con dirección de Omer Meir Wellber y puesta en escena de Gilbert Deflo, inaugura el séptimo curso líri-co en Valencia. Tras el éxito cosechado por su participa-ción en el Il trovatore en el pasado Festival del Mediterra-ni, el barítono onubense Juan Jesús Rodríguez interpreta en Valencia a Rigoletto, el bufón jorobado de la corte del Ducado de Mantua.

Riccardo Chailly protagoniza la oferta lírica del Pa-lau de les Arts en el mes de diciembre. El titular de la Gewandhaus de Leipzig debuta, finalmente, al frente de la OCV con un nuevo montaje de La Bohème, de Puccini. Se han programado siete funciones de esta coproducción con la Ópera de Filadelfia los días 2, 5, 8, 12, 15, 18 y 21 de diciembre.

Plácido Domingo vuelve en los meses de enero y febre-ro con un nuevo papel de barítono en su inmenso reperto-rio. El cantante debuta en Europa como Francesco Foscari, duque de Venecia, en I due Foscari. El ascendente director de escena estadounidense Thaddeus Strassberger presenta esta coproducción valenciana con Los Angeles Opera, el Co-vent Garden londinense y el Theater an der Wien austriaco. El Palau de les Arts acoge seis representaciones los días 24, 27 y 30 enero, y 2, 5 y 8 de febrero de 2013.

Damiano Michieletto será el director escénico de la colorista versión de Il barbiere di Siviglia, que realizó, con aplauso de público y crítica, en 2010 para el Grand Théâtre de Gèneve, en Suiza. Omer Meir Wellber, en el foso, aborda su primera ópera rossiniana en el Palau de les Arts, que cuenta con el barítono Mario Cassi en el pa-pel de Figaro y que se representará los días 28 de febrero y 3, 6, 9, 12 y 15 de marzo.

Después de la excelente acogida del público valencia-no de la Trilogía Mozart—Da Ponte, el Palau de les Arts Reina Sofía cerrará su oferta lírica para la Temporada 2012—2013 con Die Zauberflöte (La flauta mágica), la ópera más representada del genio de Salzburgo con una producción del británico Stephen Medcalf para el Teatro Regio di Parma. Se ofrecerán seis funciones los días 14, 18. 21, 24, 27 y 30 de abril.

ÓPERA EN ESPAÑA

ciNes YeLMO PrOYecta La teMPOraDa 2012/2013 DeL Met

Elixir dE Amor. Con Anna Netrebko y mateo Polenzani. dirigido por maurizio Benini. Sábado 13 de octubre a las 19:00 horas.

otEllo. Con Johan Botha, renée Fleming, y Falk Struck-mann. dirigida por Semyon Bychkov. Sábado 27 de octu-bre a las 19:00 horas.

lA tEmPEStAd. El compositor thomas Adès lleva a cabo el estreno de su trabajo de 2004, la tempestad, que ha sido elogiada como una obra maestra moderna. Sábado 10 de noviembre a las 19:00 horas.

UN BAilE dE máSCArAS. Con marcelo álvarez, Sondra radvanovsky, dmitri Hvorostovsky, Kathleen Kim, dolora Zajick y Blythe Stephanie. dirigida por Fabio luisi. Sába-do 8 de diciembre a las 19:00 horas.

AidA. Con liudmyla monastyrska, Hui He, marco Berti, roberto Alagna, dolora Zajick y olga Borodina. Fabio luisi dirige musicalmente. Sábado 15 de diciembre a las 19:00 horas.

loS troyANoS. Con deborah Voigt, Susan Graham, mar-cello Giordani y dwayne Croft. Sábado 5 de enero a las 18:00 horas.

riGolEtto. El director michael mayer ha puesto su nue-va producción de la gran tragedia de Verdi en las Vegas en 1960. Cuenta con Piotr Beczala, Zeljko lucic diana da-mrau. dirigida por michelle mariotti. Sábado 16 de febre-ro a las 19:00 horas.

PArSiFAl. Con puesta en escena de François Girard, cuenta en el reparto con Jonas Kaufmann Katarina da-layman, Peter mattei y rené Pape. Sábado 2 de marzo a las 18:00 horas.

FrANCESCA dE rimiNi. la ópera más importante de Zandonai, Con Eva—maria Westbroek y marcello Giorda-ni. Sábado 16 de marzo a las 19:00 horas.

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Hay toda una generación de melómanos, en la cual me incluyo, en la que se dan cuatro característi-cas comunes: frisamos los sesenta, nacimos y nos

criamos en pequeñas capitales de provincia, en el seno de familias con pocos recursos –normalmente con muchas bocas que alimentar de un solo sueldo– y, siendo unos privilegiados, desde nuestra infancia estuvimos envueltos en música clásica.

Me refiero a esos aficionados a los que la música les llegó con los últimos discos de carbón en la gramola, los primeros vinilos en el tocadiscos con altavoz incor-porado y, sobre todo, mucha RNE en aquellos recep-tores de válvulas y transistores. Cada primero de mes

acudíamos presurosos al Centro Emisor de RNE para recoger el Boletín de Radio 2 con toda la programación del mes.

Pues bien, para todo este conjunto de aficionados la asociación música–nombres, era y es inevitable: la flauta era Jean–Pierre Rampal; Vivaldi, I Musici; el oboe, Pierre Pierlot; la trompa, Gerd Seifert; el clarinete Karl Leister, Beethoven y Brahms, Karajan; el piano, Rubinstein; Mo-zart, Karl Böhm; la guitarra, Andrés Segovia, el violon-cello Pau Casals, la zarzuela, Ataulfo Argenta, todas las heroínas de la ópera que en el mundo han sido, Joan Su-therland… y sobre todo, el lied romántico, básicamente, Schubert, Dietrich Fischer–Dieskau.

Cantante de ópera excepcional y el mejor liederista del siglo XX, falleció el pasado mes de mayoAdiós a Dietrich Fischer–DieskauCANTANTES LEGENDARIOS

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CANTANTES LEGENDARIOS-HOY

Fischer–Dieskau, nacido en Berlín en 1925, falleció el pasado 18 de Mayo en su casa de Berg en Baviera y lo lloramos como se lamenta la muerte de un padre o una madre.

Se harán, en los días venideros, muchos análisis glo-sando tan egregia figura del canto, una de las más gran-des de todos los tiempos, sobre su maravillosa media voz, y en muchos de ellos aprenderemos acerca de su arte, se nos desvelarán sus claves y nos ayudarán a disfrutar, más si cabe, de sus grabaciones. Por ello, sería pretencioso por mi parte, siquiera unas palabras de laudatorias, desde el punto de vista musical.

Aportaré mi granito de arena, no obstante, destacan-do dos cualidades que estimo bien arrai-gadas en la personalidad del cantante: su originalidad y su versatilidad.

Dieskau cantó –y grabó– decenas de veces las mismas canciones (Winterreise hasta ocho veces) pero al final sus inter-pretaciones siempre eran originales hasta el punto de hacerte oír una música diferen-te siendo la misma. Una inflexión de la voz, un silencio más prolongado, un pequeño matiz, y Die Forelle se transformaba. Quizá uno de los ejemplos más claros sea el ciclo Die Schöne Magelone, el op. 33 de Brahms que era particularmente apreciado por el cantante. Al menos existen dos grabacio-nes oficiales de esta obra: la primera de ellas, del año 1964 para EMI en una producción del Festival de Salzbur-go de ese año acompañado de su Gerald Moore al piano; la segunda de principios de los años 1980 para Deutche Grammophon para la edición completa de las obras de Johannes Brahms con motivo del 150 aniversario de su nacimiento, acompañado en esta ocasión por Daniel Ba-renboim al piano. Entre ambas median más de 25 años. Las dos extraordinarias interpretaciones a la par que di-ferentes: vibrante, juvenil, incisiva, la primera; madura, re-posada, un punto irónica, la segunda.

Qué decir de su versatilidad, su capacidad de adaptar la interpretación a cualquier tipo de música, con la única condición de que fuera buena.

Dieskau supo cantar, siempre con resultados apabu-llantes, todo tipo de repertorio. Cantó el barroco (Cima-rrosa –El matrimonio secreto–, las cantatas y pasiones de Bach, Haendel…), los clásicos (Mozart, Haydn, claro),

todos los románticos: Mahler, Loewe, Schubert, Brahms, Beethoven, Wolf, Schumann, Liszt, Wagner (Wotan, Sasch, Kurwenal), Verdi…etc. Con todo lo más loable es que también se atrevió con la música del siglo XX. Y lo hizo no solo interpretando aquellas composiciones de estética que podríamos denominar post romántica o neoclásica, como los Carmina Burana de Carl Orff –con Jochum– o el Palestrina de Hans Pfitzner (su Carlos Bo-rromeo es sencillamente sensacional) o las canciones de Richard Strauss. Se atrevió, con magníficos resultados, con obras de estética expresionista e incluso atonal tan alejada de la armonía romántica. En este sentido recordar la excelsa grabación que realizó con su última esposa, Ju-

lia Varady, de la Sinfonía Lírica sobre tex-tos de Rabindranath Tagore de Alexander von Zemlinsky con la Orquesta Filarmóni-ca de Berlín y Lorin Maazel para Deutche Grammophon, la no menos encomiable grabación del War Requiem de Britten con Pears, Vishnevskaya y la Orquesta Sinfónica de Londres dirigida por el autor para Decca. Con todo y con ello quizá el culmen de su capacidad de adaptación in-terpretativa a la nueva música lo constitu-ye su interpretación de la obra de Aribert Reimann (Berlín, 1936). Con este pianista y compositor alemán le unió una especial relación llegando a ser dedicatario de su

obra vocal más importante, la ópera Rey Lear, la cual, como es lógico estrenó en Munich en el año 1978 con una producción de Jean–Pierre Ponnelle y dirección musical de otro grande de la música del siglo XX, Gerd Albretcht. Dieskau agradeció la dedicatoria y la compensó graban-do en el año 1988 la obra Unrevealed con texto de Lord Byron, para barítono y cuarteto de cuerda con el Cuarteto Querubini y en 1990 la obra Shine and Dark sobre textos de James Joyce para barítono y piano (mano izquierda) acompañado por el propio Reimann al piano, en la que, con seguridad, debió ser su última visita a un estudio de grabación. Ambas obras recogidas en un estupendo CD del sello Orfeo. En fin, además de hacernos disfrutar de la música de los siglos anteriores, nos abrió, un poco, las puertas de la música del siglo XXI.

Gracias, Dietrich, te llevaremos siempre en el cora-zón.

Fernando Álvarez Bel.

Cantante de ópera excepcional y el mejor liederista del siglo XX, falleció el pasado mes de mayoAdiós a Dietrich Fischer–Dieskau

Qué decir de su versatilidad, su capacidad de adaptar la

interpretación a cualquier tipo de

música, con la única condición de

que fuera buena

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ÓPERA EN ESPAÑAESTUDIO

IR A LA ÓPERA POR PRIMERA VEZLa ópera es un tipo de espectáculo antiguo, tiene

ya cuatrocientos años. En un principio se originó entre la nobleza italiana (por un error al intentar

recuperar el teatro griego) pero rápidamente adquirió (aunque siempre estuvo financiada por los cortesanos y los príncipes) un carácter popular; en el siglo XIX se vinculó también con la alta burguesía que, junto con los príncipes y los nobles, la financiaba o al menos contri-buía a incrementar sus recursos económicos alquilando sus palcos, pero no dejó nunca de ser un entretenimien-to de masas como hoy puede serlo el cine.

La ópera es un espectáculo complejo, siempre tuvo grandes necesidades financieras, había que dotar a cada teatro de su orquesta, su coro y su ballet y además debía tener su equipo de talleres dedicado a su escenografía, vestuario...; esta necesidad de financiación servía al mis-mo tiempo para que las clases pudientes pudie-ran hacer ostentación de su riqueza, de ahí que habitualmente se relacionara, aunque fuera por la vía del tópico, a la ópera como un espectáculo de élites o de clase.

En pleno siglo XXI prácticamente la totalidad de las manifestaciones artísticas se han demo-cratizado y pueden estar al alcance de todo tipo de público (al menos ha sido así hasta la llegada de la crisis actual). Sin embargo parece que al ciudadano medio le sigue imponiendo asistir a los teatros de ópera y cuando tiene que hacerlo, o quiere hacerlo, se siente inseguro; y es cierto que algunos espectadores, los menos, para asistir a una representación operística visten sus mejores galas y hacen ostentación de sus riquezas, como también lo es que utilizan el acontecimiento operístico como una for-ma de establecer relaciones sociales de clase, pero esto no lo debemos tomar más que como una manifestación más de provincianismo y papanatería de unos pocos.

Hoy en día la inmensa mayoría de los teatros de ópe-ra, las orquestas, coros, escenografías y personal (ma-quilladores, peluqueros, utilleros...) están financiados con recursos públicos o mediante el patrocinio o con-tribución de grandes sociedades privadas por acciones (con la disminución de la asignación presupuestaria de entidades públicas recurrir al mecenazgo se está convir-tiendo en la principal alternativa a la crisis financiera de

los teatros de ópera actuales), con lo que todo adquiere una perspectiva diferente en relación a lo que ocurría en épocas anteriores, así la ópera se ha convertido, por lo menos en Europa, en un espectáculo público en un do-ble sentido: tanto por su tipo de financiación como por su destinatario final.

No hay que tener miedo a ir a la ópera. Aunque a algunos pueda parezca extraño todavía hay gente que se acerca al mundo de la ópera con muchos prejuicios, cau-telas, miedos o inseguridades, más de una vez nos hemos encontrado con gente que al tener conocimiento de mi pasión por este mundo me han acribillado a preguntas, de lo cual se deduce que para muchos la ópera es una ac-tividad extraña y misteriosa. No debería ser así, por eso hemos decidido dar una serie de consejos por si alguien encuentra este boletín y se hace estas preguntas:

1) ¿Es caro ir a la ópera? Depende, si lo que quie-res es estar situado en el patio de butacas o en un sitio privilegiado no cabe duda de que no es un espectáculo barato, porque los recursos necesarios para ponerlo en marcha tampoco lo son, pero todos los teatros disponen de zonas en las que adquirir una localidad es económico o políticas de reducción del precio si se adquieren las entradas poco antes de la función. Pensemos en lo que nos están ofreciendo, al asistir a una ópera no vemos, como en el cine, a un grupo de actores que representa-ron unas escenas durante unas semanas o meses cuyas imágenes quedaron registradas y organizadas en una película que hoy nos pasan por la sala, sino que ante nuestros ojos tenemos a un conjunto de músicos y can-

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ÓPERA EN ESPAÑAESTUDIO

tantes dirigidos por un señor que en ese preciso mo-mento están haciendo posible la representación y detrás de ellos una infraestructura encargada de la peluquería y el maquillaje, la iluminación, el movimientos escénico, la coreografía etc... Y todo eso tiene un coste que con la recaudación en taquillas no queda cubierto.

Los precios de las entradas. Veamos los precios de algunos teatros de ópera españoles para una ópera ha-bitual en el repertorio en un día que no sea de estreno: Gran Teatre del Liceu, según la zona hay localidades por 194, 154, 119, 86, 56, 41, 30 y 10,5 €. Teatro Real, locali-dades según zona por 172, 152, 107, 76, 54, 29, 19 y 7 €. Palau de les Arts, los precios oscilan entre 135, 119, 95, 76, 38 y 15 €. Teatro de la Maestranza, los precios son 96, 92, 82, 74, 64, 60, 50 y 40 €. Ópera de Oviedo, según zonas: 145, 140, 105, 95, 85, 55, 45, 40 y 15 €.

Por 7, 10 ó 15 euros, dependiendo del teatro, pode-mos ir a la ópera, no nos vale la excusa de que es un espectáculo caro, en el Maestranza quizás tendrían que rebajar un poco las localidades más baratas.

2) Las entradas salen a la venta con mucha antelación y cuando decido ir seguramente ya están agotadas. No temas por no poder organizar tu agenda con antelación, no siempre se agotan las localidades y si esto ocurre los teatros siempre reservan un porcentaje para el día de la representación, están obligados por ley.

3) ¿Cómo debe uno vestir cuando va a la ópera? Como lo hace habitualmente, lo verdaderamente impor-tante es ir limpio, en los teatros de ópera dejan entrar a todo el mundo independientemente de cómo va vestido, no hay que cumplir ningún requisito que no haya que cumplir para asistir al cine, al teatro o a un restaurante, evidentemente no se trata de ir en chándal o en chanclas y bañador. Unos mocasines, unos vaqueros y una cami-sa pueden valer perfectamente, tanto como un traje y corbata. Si tú no te sientes disfrazado y te encuentras cómodo para mezclarte con todo tipo de gente segura-mente es que vas bien vestido.

4) ¿Qué ópera elegir? Dar una respuesta a esta pregun-ta es difícil. No hay reglas, cada persona es un mundo y re-acciona de distinta manera a iguales estímulos, para iniciar-se puede valer perfectamente cualquier ópera se programe con frecuencia en los teatros, son las llamadas óperas de repertorio: La Traviata, Don Carlo, Fidelio, Norma, El Elisir de Amor, El Barbero de Sevilla, La Flauta Mágica, Las Bodas de Figaro, Lohengrin, Tristán e Isolda, Lucia di Lammermoor, Werther, La Bohème, Turandot, Salomé, El Caballero de la Rosa... Entre unas y otras hay diferencias que en algunos casos pueden ser abismales, así que sería conveniente ir tanteando antes de elegir recurriendo a la escucha de CDs

o el visionado de vídeos y así dar con el estilo más afín a cada cual. Conozco aficionados a la música barroca que nunca asistirían a una ópera de Wagner, y viceversa, y es que la ópera es caleidoscópica, podemos hacer múltiples subdivisiones según su estilo, estructura, época o idioma (opera barroca inicial del “recitar cantando”, veneciana, napolitana, tragedia lírica francesa, seria, bufa, reformada, cómica, singspiel, gran ópera, romántica italiana, drama wagneriano, rusa, verista, opereta, zarzuela, comedia musi-cal...), seguro que en su diversidad encuentras la que mejor se adapta a tus gustos, para eso deberás probar. No te con-tentes si asistes un día y la función no te gusta.

5) ¿Y qué pasa si no entiendo nada? ¿Tengo que pre-pararme antes? Lo ideal sería conocer la obra antes de asistir, la música se aprecia mejor conforme van suce-diéndose las escuchas, así podemos prestar más aten-ción al detalle, pero no es imprescindible. Actualmente todos los teatros de ópera disponen de la tecnología ne-cesaria para ofrecer sobretitulado con objeto de que los espectadores puedan seguir lo que sucede en escena en tiempo real, incluso, como ocurre en el Palau de les Arts, podemos elegir entre varios idiomas disponibles, entre ellos el original.

6) ¿Cuándo aplaudir? Esto es sencillísimo, como dice el refrán “allá donde fueres haz lo que vieres”, dejarse llevar por los demás y no anticiparse en cualquier arre-bato de pasión que se pueda sentir (la ópera puede pro-vocar las sensaciones más insospechadas) es lo mejor y lo que todos hemos hecho al principio. Con el tiempo ya iremos aprendiendo cuándo se puede o no aplaudir.

Aplaudir al final de los actos o al final del espectaculo es habitual, pero antes de pegar el golpe de manos ase-gúrate de que la música ha acabado totalmente, es algo que incluso aficionados de toda la vida suelen descuidar.

7) ¿Cómo comportarse en un teatro de ópera? Lo que no se puede nunca hacer durante la representación. Los aficionados a la ópera asistimos para ver la función pero también para escucharla, así que durante la re-presentación nunca hay que hacer comentarios, lanzar exclamaciones cuando nos suena una melodía archifa-mosa, tararear, quitar el envoltorio a los caramelos, abrir un abanico cuando se tiene calor y ventilarse dándose golpes con él en el pecho, toser desmesuradamente y sin control (hay remedios para que las toses queden mitigadas y siempre podemos, ante un ataque de tos, ausentarnos de la sala), buscar cualquier tipo de objeto en una bolsa de plástico, dejar puesta una alarma en el reloj, el móvil sin silenciar... Se trata de molestar al próji-mo lo menos posible para que tenga la sensación de que está solo en la sala. DIVA

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CANTANTES LEGENDARIOS

Los lectores de Diva conocen mi admiración por Matti Salminen (Turku, Finlandia, 1945). En el número 60, de Enero de 2010, glosaba elogiosamente al bajo

finés a propósito de un magnífico disco con canciones populares de su país para Ondine. Me atrevo de nuevo.

La propuesta es arriesgada, el razonamiento discutible y la conclusión, seguramente, parcial por subjetiva. Pero audaces fortuna iubat. Así que ahí va: ¿es Matti Salminen el mejor bajo dramático del panorama operístico de la actualidad? Rotundamente sí. Es más: de la actualidad y de, probablemente, varios lustros venideros.

¿Cómo he llegado a esta conclusión? De entre los muchos papeles de ópera escritos para el bajo profundo he elegido los cinco que me parecen más relevantes, tanto por la dificultad en el canto como en lo escénico ya que, como se verá, no son precisamente papeles muy teatrales. És-tos son: Zaccaría (Nabucco/Verdi), Boris (Godunov/Mussorgsky), Gurnemanz (Parsifal/Wagner), Sarastro (Zauberflote/Mozart) e Inquisidor (Don Carlo/Verdi).

El primero nada nos aporta a los fines aquí interesa-dos, puesto que no tengo conocimiento de que Salmi-nen haya registrado —ni siquiera cantado—, este papel. En cualquier caso parece difícil que en este rol puedan superarse las prestaciones de dos grandes bajos ya fue-ra de escena: Ruggero Raimondi y Evgeny Nesterenko, este último sobre todo en la extraordinaria versión con Sinopoli para D.G. (inigualable “D´Egitto là sui lidi”).

Sin embargo en los otros cuatro sí que se puede afirmar que, hoy día, no hay igual.

La última interpretación registrada por el cantante del Boris lo fue precisamente en España, en el Teatro del Liceo de Bar-celona en 2004. Espléndida. La ejecución de Boris ha venido marcada los últimos 50 años por la extraordinaria interpretación de Boris Christoff en 1962 con André Clu-ytens (EMI) donde el cantante búlgaro, ya fallecido, interpreta los tres papeles, Boris,

Pimen y Varlaam. Por decirlo de una manera gráfica, el Boris de estos años se ha interpretado al estilo Christoff. Así, entre otras, las extraordinarias interpretaciones del también fallecido bajo búlgaro Nicolai Ghiaurov y del ruso Anatoly Kotcherga en el papel principal. Pues bien, Salminen reinventa el personaje (solamente canta Boris, lógicamente, ya que se trata de una representación en directo de la que existe grabación en DVD) haciéndolo más humano, menos frío, más popular, no tan ruso, si se

me permite la expresión. Magnifico en lo vocal, aprovechando al máximo la oscu-ridad y agilidad de su voz para impregnar el personaje de matices captando todas y cada una de las emociones del drama.

Parsifal se debía haber llamado Gur-nemanz toda vez que es con diferencia éste el personaje más importante de esta ópera—oratorio. Se termina el diccionario de sinónimos para loar la versión que de este personaje hace el bajo finés en el Par-

sifal de 2007 con Bernard Haitink. No nos engañemos, la música de Wagner para Parsifal es maravillosa pero la escena es un auténtico “ladrillo”. De hecho, casi siempre se interpreta en versión concierto. Pues bien, creo que el mayor elogio que se puede decir es que a pesar de ello, cantando Salminen este personaje, hasta la puesta en es-cena resulta atractiva. Su dominio del personaje, su línea de canto, es tan elegante y versátil que insufla de vigor la escena, contagia a los restantes personajes, es el alma

de la representación. Se tiene la sensación de que, utilizando el símil futbolístico, es ese medio centro perfecto que hace jugar a sus compañeros.

Maravilloso Sarastro de La Flauta Má-gica de Zurich, también de 2007. La inter-pretación es extraordinaria aunque en este caso es de justicia repartir los méritos. En primer lugar y principalmente con Harnon-court. Su dirección es pasmosa. Con las in-terpretaciones de Harnoncourt (Genoveva/Schumann, Fidelio/Beethoven, reciente-mente La Clemenza de Tito/Mozart, etc.), siempre se tiene la sensación de oír más música que con ningún otro director, como

Matti SALMINEN

…¿es matti Salminen el mejor

bajo dramático del panorama operístico de la actualidad?

rotundamente sí.

…cantando Salminen este

personaje, hasta la puesta en escena resulta atractiva. Su dominio del

personaje, su línea de canto, es tan

elegante y versátil que insufla de vigor

la escena…

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CANTANTES LEGENDARIOS

si la partitura fuera otra, tal es su capacidad de desentra-ñar texturas, matizar acordes, apianar acompañamientos, ajustar voces… En segundo lugar, también debe compartir el premio la producción de Martin Kusej que es realmen-te muy original y divertida. Aquí nuestro bajo se muestra, tanto en lo vocal como en lo escénico rotundo, poderoso, sobrado de medios, pero —y esto es lo difícil— sin alardes innecesarios. Recrea un Sarastro severo pero tierno y pa-ternal al mismo tiempo, enormemente atractivo.

Me dejo para el final mi preferido. Aquí no admito réplica: desaparecido Raimondi e incluso antes que este Matti Salminen es la excelencia hecha inquisidor. El papel es breve pero Salmi-nen sabe ser un inquisidor frío y malva-do. Con independencia, claro está, de los magníficos medios vocales que pone a su servicio, la gran virtud de esta interpreta-ción, la que aporta ese plus de grandeza es que, haya sido el que haya sido el can-tante que ha incorporado su desolado partenaire (Filippo II), la confrontación a dos con él, el contraste de voces, el tono del desgarrado diálogo en ese conmove-dor acto cuarto resulta fascinante. Máxi-me si se tiene en cuenta la dificultad al

tratarse de voces de la misma tesitura hasta el punto de ser papeles que los intérpretes se han intercambiado con frecuencia. En este sentido resulta absolutamente recomendable el Don Carlo de la Scala de Milan con nuestro inquisidor y Ferruccio Furlanetto en el papel de Filippo bajo la dirección de Daniele Gatti del año 2010 que los afi-cionados pudimos ver en directo en la pantalla cinematográfica de los cines Yelmo de Albacete en Diciembre de ese año y del que ya se ha editado el DVD.

De la talla de nuestro bajo (su arte es heredero directo de otro grande, el también finés Martti Talvela (1935—1989) da testimonio el hecho de haber incorporado, en su dilatada carrera mu-sical, con éxito, todos los papeles para bajo profundo de Wagner, que son bastantes. En Bayreuth, en el templo wagneriano, entre finales de los sesen-ta y mediados de los ochenta del pasa-do siglo, Salminen cantó reiteradamen-te Rey Marke/Tristán e Isolda, Titurel/

Parsifal, Hagen /Ocaso de los Dioses, Fasolt&Fafner/Oro del Rin—Sigfrido, Veit Pogner/Maestros Cantores, Dalan/Holandés errante (curiosamente nunca, que yo sepa, can-tó el Holandés, quizá porque entonces no era un papel adecuado a su voz, yo creo que hoy sí). De su magnífico Hunding de la Valkiria tenemos testimonio en la graba-ción en DVD de la integral de la Tetralogia de Bayreuth de 1980 del binomio Pierre Boulez/Patrice Chéreau. Y, lo que es más extraordinario, en 2007 —prácticamente treinta años después de haber debutado en el papel— cantó un extraordinario Hagen del Ocaso de los Dioses en la pro-

ducción del Palau de les Arts de Valencia de Zubin Mehta /La Fura dels Baus, del que también existe grabación en DVD.

Y, claro está, el Comendador en Don Giovanni, recientemente con Nikolaus Har-noncourt disponible en DVD, Conde Alma-viva en las Bodas de Fígaro, Felipe II de Don Carlo, etc.

Creo, sinceramente, que las antedichas son razones más que suficientes para man-tener mi aserto inicial y es de desear que nos siga ofreciendo lecciones de este cali-bre por mucho tiempo.

Fernando Álvarez Bel.

Matti SALMINEN

…desaparecido raimondi e incluso

antes que este matti Salminen es

la excelencia hecha inquisidor. El papel

es breve pero Salminen sabe ser un inquisidor frío y

malvado

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En su primer macbeth en la roH, An-tonio Pappano combina las versiones

de 1847 y 1865 liderando con tempos rápidos, atentísimo al drama en escena para generar una espectacular respuesta por parte de orquesta, coro y cantantes.

indudablemente, es en la pareja real donde la versión tiene su principal atracción. El macbeth de Simon Keenly-side es otra muestra del crecimiento

continuado de este extraordinario intér-prete. Sin la garra vocal del clásico, hoy practicamente extinguido, tradicional barítono verdiano, el Billy Budd, Papa-geno, Hamlet y Próspero de su genera-ción, compone un rey de suaves aristas, enajenado, casi ausente, con un legato irreprochable en “Sangue a me”.

la sorpresa es la sensacional lady de liudmyla monastyrska, quien parece no intimidarse con las sobradas dificul-tades vocales del papel sino gozarlas a pleno con una batería de recursos que deja pálidas a sus predecesoras eslavas. Caudalosa, en instancias estentórea, intrépida, con trinos, staccatos, y un perfecto pianisimo coronando la esce-na del sonambulismo, la soprano ucra-niana, cuyas dotes histriónicas se hallan por debajo de las vocales, se lleva las palmas. los secundan eficaces ray-mond Aceto (Banquo), dimitri Pittas

(macduff) y el soberbio coro del teatro.la escenografía y vestuario de An-

thony Ward acierta en su atemporali-dad y parca gama cromática reducida a oros, rojos y negros con las brujas emparentadas con el teatro Noh japo-nés. Un alegórico cubo (o jaula de oro) de barrotes dorados sirve de trono y prisión a la vez contribuyendo a pintar un audaz, moderno fresco gótico de ribetes aterradores que sin ofender la tradición, se instaura como una opción perfectamente viable.

Una edición recomendable que se ubica entre las primeras opciones de macbeth en dVd☼recto y el de la butaca de casa llegue a reír con los cantantes. El trío Florez/damrau/didonato está soberbio tanto vocal como teatralmen-te. recomiendo no perderse esta repre-sentación. me lo agradecerán.

Sebastian Spreng

No se equivocaba maureen Forrester convencida de que si un teatro de

ópera quería salir de deudas debía es-cenificar la versión de massenet de Ceni-cienta, más fiel al cuento de Perrault que la sátira de rossini (la Cenerentola).

Con la escenografía de laurent Pelly se ha consagrado en la Ópera de Santa Fe con esta puesta en escena emblemá-tica que recalaría luego en Bruselas, li-lle, Barcelona, París y el Covent Garden

londinense, teatro donde se origina el presente dVd. El máximo acierto del di-rector francés es mantenerse alejado de toda connotación “disney” e imprimirle un sello tierno, disparatado, pop y kitsch personalísimo, donde prima el clima festivo y un contagioso disfrute general que realza la deliciosa partitura de mas-senet, de experta factura aunque sin la envergadura de manon o Werther.

Según Bertrand de Billy, espléndido director musical a cargo de la versión, massenet propone un paseo musical que abarca tres siglos. desde la pom-posa obertura con connotaciones barro-cas –incluída una parodia a lully y ra-meau– pasando por acentos a la rossini, Wagner, Bruckner, r. Strauss (el trío de Cenicienta—Príncipe—Hada madrina re-cuerda al de rosenkavalier) al impresio-nismo francés y la opereta de offenbach. Cendrillon funciona como compendio y homenaje del compositor al género. Siendo una ópera sin arias especialmen-

te memorables triunfa como pieza de conjunto con protagónicos bien defini-dos y roles de carácter sin desperdicio. Pelly y de Billy lo saben y lo explotan al máximo, realzando sus valores y subsa-nando ciertos errores estructurales.

Al igual que la “Angelina” (Cene-rentola) de rossini, massenet escribe “lucette” (Cendrillon) para una mezzo lirica y Joyce didonato, experta en am-bos compositores, hace una Cenicienta adorable, absolutamente ideal, digna de incorporar a sus mejores creacio-nes. Como el príncipe, la mezzo Alice Coote es el contraste justo. Cerrando el triángulo, conquista el personal timbre de Eglise Gutiérrez como hada madri-na con toda la coloratura a su servicio e intención. Cabe recordar que tanto la soprano cubana como la mezzo ameri-cana fueron parte del estreno santafesi-no de 2006 y la experiencia se constata en la fluidez y complicidad entre hada y sirvienta. Sebastian Spreng

UN MACBETH DE COLECCIÓN

CENDRILLON: UN TRIUNFO MERECIDO