Centro Dramático Nacional Director: Gerardo Vera

Temporada 2011-2012 Teatro María Guerrero

Teatro Valle-Inclán

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TEMPORADA 2011-2012 – CALENDARIO

Yo, el heredero de Eduardo De Filippo | Dirección: Francesco Saponaro TEATRO MARÍA GUERRERO Viernes 16 de septiembre a domingo 23 de octubre de 2011 Product de Mark Ravenhill |Dirección: Julio Manrique TEATRO MARÍA GUERRERO | SALA DE LA PRINCESA Viernes 23 de septiembre a domingo 30 de octubre de 2011 La costa de Utopía de Tom Stoppard | Dirección: Alexei Borodin Teatro Valle-Inclán | UNA MIRADA AL MUNDO Miércoles 28 de septiembre a sábado 1 de octubre de 2011 ±0 (Más menos cero) Dirección: Christoph Marthaler Teatro Valle-Inclán | UNA MIRADA AL MUNDO Jueves 6 a domingo 9 de octubre de 2011 Cuatrienal de Praga: Pabellón de España Teatro Valle-Inclán | Sala Francisco Nieva UNA MIRADA AL MUNDO Jueves 6 a sábado 15 de octubre de 2011 El proceso de Franz Kafka | Dirección: Andreas Kriegenburg Teatro Valle-Inclán | UNA MIRADA AL MUNDO Viernes 14 a domingo 16 de octubre de 2011 Lecturas de autores polacos contemporáneos Teatro Valle-Inclán | UNA MIRADA AL MUNDO Jueves 20 a domingo 22 de octubre de 2011 Lecturas de autores mexicanos contemporáneos Jueves 27 a domingo 30 de octubre de 2011 Teatro Valle-Inclán | UNA MIRADA AL MUNDO Perséfone Comediants | Dirección: Joan Font TEATRO MARÍA GUERRERO Martes 1 de noviembre a domingo 4 de diciembre de 2011 Miedzy nami dobrze jest (Entre nosotros, todo va bien) de Dorota Masłowska | Dirección: Grzegorz Jarzyna Teatro Valle-Inclán | UNA MIRADA AL MUNDO Viernes 4 a domingo 6 de noviembre de 2011 protAgonizo Texto y dirección: Ester Bellver TEATRO MARÍA GUERRERO | SALA DE LA PRINCESA Viernes 4 noviembre a domingo 20 de noviembre de 2011 Münchhausen de Lucía Vilanova | Dirección: Salva Bolta Teatro Valle-Inclán | Sala Francisco Nieva Viernes 11 de noviembre a viernes 23 de diciembre de 2011

Contraacciones de Mike Bartlett | Dirección: Pilar Massa TEATRO MARÍA GUERRERO | SALA DE LA PRINCESA Viernes 2 de diciembre de 2011 a domingo 15 de enero de 2012 Agosto (Condado de Osage) de Tracy Letts | Dirección: Gerardo Vera Teatro Valle-Inclán Miércoles 7 de diciembre de 2011 a domingo 19 de febrero de 2012 La mecedora de Jean-Claude Brisville | Dirección: Josep Maria Flotats Viernes 13 de enero a domingo 19 de febrero de 2012 Teatro Valle-Inclán | Sala Francisco Nieva Luces de Bohemia de Ramón María del Valle-Inclán | Dirección Lluís Homar TEATRO MARÍA GUERRERO Viernes 20 de enero a domingo 25 de marzo de 2012 Pendiente de votación de Roger Bernat Teatro Valle-Inclán | Sala Francisco Nieva Miércoles 29 de febrero a domingo 4 de marzo de 2012 Quit (Las personas no razonables están en vías de extinción) de Peter Handke | Dirección: Lluís Pasqual Teatro Valle-Inclán Miércoles 7 de marzo a domingo 1 abril 2012 Extraño anuncio de Adolfo Marsillach | Dirección: Mercedes Lezcano Teatro Valle-Inclán | Sala Francisco Nieva Viernes 16 de marzo a domingo 29 de abril de 2012 La piel en llamas de Guillem Clua | Dirección: José Luis Arellano TEATRO MARÍA GUERRERO | SALA DE LA PRINCESA Viernes 30 de marzo a domingo 6 de mayo de 2012 La loba de Lillian Hellman | Dirección: Gerardo Vera TEATRO MARÍA GUERRERO Viernes 20 de abril a domingo 10 de junio de 2012 El inspector de Nikolai Gogol | Dirección: Miguel del Arco Teatro Valle-Inclán Viernes 4 de mayo a domingo 17 de junio de 2012 Exposición de Vitín Cortezo Teatro Valle-Inclán | Sala Francisco Nieva Viernes 11 de mayo a domingo 17 de junio de 2012 Titirimundi Festival Internacional de Títeres Titirimundi Teatro María Guerrrero | Sala de la Princesa 17 de mayo a 17 de junio de 2012

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Yo, el heredero

de Eduardo De Filippo

Dirección Francesco Saponaro (Teatri Uniti-Napoli) Versión Juan Carlos Plaza-Asperilla Iluminación Juan Gómez-Cornejo Vestuario Ana Rodrigo Escenografía Andrea D’Odorico Canciones Enzo Moscato Reparto (por orden alfabético) Lorenzo Fidel Almansa Ludovico Ernesto Alterio Primera Señora Beatrice Binotti Dorotea Concha Cuetos Segunda Señora África García Ernesto José Luis Martínez Bea Rebeca Matellán Caterina Natalie Pinot Amadeo José Manuel Seda Adele Mikele Urruz Margherita Yoima Valdés Cassese Abel Vitón

Producción: Andrea D'Odorico

Yo, el heredero, comedia escrita en napolitano e interpretada por Eduardo De Filippo en 1942, cierra el ciclo de obras que el autor denominó Cantata dei giorni pari (Cantata de los días pares). El propio De Filippo reescribió el texto en italiano en 1972. La obra comienza con una reunión familiar presidida por el abogado Amedeo Selciano para conmemorar la muerte de Prospero Ribera, que durante treinta y siete años ha vivido en la casa como huésped del generoso padre del abogado, benefactor de los desheredados. El hijo de Prospero Ribera, Ludovico, como legítimo heredero suyo, reclama ser acogido igualmente por la acaudalada familia Selciano. Ante la negativa de los Selciano, Ludovico les acusa de haber convertido a su padre en un parásito, pero luego consigue convencerlos de que sigan ejerciendo con él su hipócrita labor de beneficencia. Pero de este modo, al igual que su padre, Ludovico se convertirá en objeto de burla y desprecio, como una especie de bufón, aunque a cambio vive a costa de la familia y disfruta de los favores de una de las mujeres de la familia, como ya había sucedido con el fallecido Prospero.

Viernes 16 de septiembre a domingo 23 de octubre de 2011

TEATRO MARÍA GUERRERO

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Yo, el heredero (Io, l'erede, 1942) El protagonista consigue perpetuar una situación idéntica a la pasada por una familia, que él mismo ha juzgado y condenado: la caridad que la familia ha dispensado durante años a su presunto padre, al que han mantenido, caridad que él pretende «heredar». Sin embargo, hay otro personaje que gozaba en la familia del mismo tratamiento benéfico que el protagonista: una joven, Bice, para quien la aparición del protagonista, Ludovico, sirve de revulsivo y la lleva a la independencia.

Ana Isabel Fernández Valbuena, Eduardo De Filippo: un teatro, un tiempo (Fundamentos, 2004).

Eduardo De Filippo Autor

Eduardo De Filippo (Nápoles, 24 de mayo de 1900–Roma, 31 de octubre de 1984) desarrolló a lo largo de su vida una extensa carrera como actor, autor teatral y director de cine. Era hijo del actor y comediógrafo Eduardo Scarpetta y de Luisa De Filippo. Creció en el ambiente teatral napolitano junto a sus hermanos Titina y Peppino De Filippo. Los tres hermanos trabajaron juntos en los años veinte, en teatro y variedades. En 1946 escribió Filumena Marturano, la obra de teatro que le dará mayor celebridad, situada en la Nápoles de la posguerra, que se convertiría en uno de los símbolos del neorrealismo italiano. Fue objeto de dos adaptaciones cinematográficas, la primera de ellas dirigida por el propio De Filippo en 1951 y protagonizada por su hermana Titina. En 1964 fue llevada al cine nuevamente con el título de Matrimonio a la italiana, dirigida por Vittorio de Sica y protagonizada por Sophia Loren y Marcello Mastroianni. Entre sus numerosas obras destacan títulos como Chi è cchiu' felice 'e me! (1929; Natale in casa Cupiello (1931); Io, l’erede (1942); Napoli milionaria! (1945); Questi fantasmi! (1946); Filumena Marturano (1946); Le bugie con le gambe lunghe (1947); La grande magia (1948); Le voci di dentro (1948); La paura número uno (1950); Sabato, domenica e lunedì (1959); L'arte della commedia (1964) y Gli esami non finiscono mai (1973). Desarrolló también una extensa carrera en cine y televisión.

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Yo, el heredero es una comedia amarga sobre la herencia y sobre la caridad cristiana, sobre todo el patrimonio de «falsos valores» que una familia de jóvenes, ya envejecidos en su papel, transmite y conserva de generación en generación. Es la historia de un extranjero venido del mar, cuya llegada alcanza en casa de los Selciano las proporciones de un acontecimiento revolucionario, como un viento de tramontana que altera y corroe la fachada respetable y bien educada de la burguesía. Eduardo somete su dramaturgia a la métrica del teatro puro. Tiene plena conciencia de los sentimientos humanos y pasa con soltura del registro dramático al cómico. Lo hace prestando a los personajes que representa la sonrisa agria del desencanto y su sabiduría de gran actor. Más que un autor de escritorio es un analista cáustico y feroz, irónico y descarado, que registra con precisión obsesiva las contradicciones y las paradojas del género humano, dándole la vuelta al sentido común detrás del cual se esconde una verdad que nunca resulta consoladora. Con Yo, el heredero afronto por primera vez un texto de Eduardo De Filippo, tras haberlo amado y deseado durante años, como se desea el encuentro con un compañero secreto con quien se sueña a menudo. FRANCESCO SAPONARO Traducir a Eduardo De Filippo supone un gran placer. Además de dramaturgo, es actor. Eso hace que todos sus diálogos desprendan una brillante naturalidad. Eduardo es inteligente, reflexivo, incisivo, tierno. Terriblemente napolitano. Luminoso. Busca tanto el disfrute del actor como el del público. En Yo, el heredero, un misterioso personaje, Ludovico Ribera, irá descubriendo con gran ironía, las maldades, mentiras y errores de una familia de la burguesía acomodada. La comedia, inspirada en un hecho real que le ocurrió al autor, culmina de manera ingeniosa e insólita. La crítica especializada ha observado en ella influencias de Molière, Feydeau, Ionesco, e incluso una anticipación del mejor Pinter. Teatro universal con la inequívoca marca de De Filippo. Un De Filippo «secreto, intrigante, sorprendente y siempre divertido». JUAN CARLOS PLAZA-ASPERILLA

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Product

de Mark Ravenhill

Traducción: Cristina Genebat Dirección: Julio Manrique

Equipo artístico

Escenografía Lluc Castells Vestuario Maria Armengol Iluminación Jaume Ventura Espacio sonoro Dani Aznar Vídeo Marc Lleixà Ayudante de escenografía Marta Castells Ayudante de producción Cai Felip Reparto (por orden alfabético)

La actriz Sandra Monclús El secretario Norbert Martínez El productor David Selvas

Producción: La Troca

(Espectáculo estrenado el 12 de marzo de 2009 en la Sala Beckett de Barcelona)

Sinopsis Un productor de cine intenta convencer a una joven actriz que pasa por un mal momento profesional de que interprete el papel protagonista en su próximo proyecto: un filme de acción que mezcla una tórrida historia de amor con el terrorismo islámico. En la película, la protagonista se enamora de Mohamed, un joven miembro de Al Qaeda. Su amor por Mohamed la llevará incluso a participar en un terrible atentado en Disneylandia…

Viernes 23 de septiembre a domingo 30 de octubre de 2011 TEATRO MARÍA GUERRERO | SALA DE LA PRINCESA

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Mark Ravenhill Nacido en 1966 en Haywards Heath, en West Sussex, Marc Ravenhill estudió teatro y literatura inglesa en la Universidad de Bristol, entre 1984 y 1987. Entró a trabajar como asistente administrativo en la Soho Poly donde rápidamente llevó a cabo sus primeras direcciones teatrales, que más adelante se ampliarían a producciones de La Bohème y Rigoletto, con la Opera East. Inició su carrera de autor escribiendo sketches y textos breves, uno de los cuales captó el interés del director Max Stafford-Clark, de la renovadora compañía Out of Joint. Stafford-Clark le sugirió que escribiese una obra de duración normal. El resultado fue Shopping and Fucking, estrenada en octubre de 1996 en el Royal Court’s Upstairs, que se encontraba entonces en el Ambassadors, en un espacio que contaba sólo con 60 localidades. Después de una temporada de éxito y una gira por Gran Bretaña, el montaje se presenta en el teatro Gielgud, en el West End. El éxito se convierte en internacional con el estreno de la pieza en Nueva York y demás producciones en distintos países de Europa y del resto del mundo. Su segunda obra, Faust is Dead, es una versión del mito de Fausto producida por ATC en 1997. Participa después en Sleeping Around, una obra escrita conjuntamente con otros tres autores y producida por la Donmar Warehouse. Su siguiente obra, Handbag, estrenada en 1998 por la Actors Touring Company, es una comedia de enredo realizada a partir de historias y personajes de la obra de Oscar Wilde The Importance of Being Earnest. Su siguiente montaje, Some Explicit Polaroids, se estrenó en 1999 en el New Ambassadors y supuso su consagración. En septiembre de 2001 estrena, en la sala Lyttelton del National Theatre, Mother Clap’s Molly House, una obra que fue una vez más objeto de polémica, tanto por su contenido como por sus fuentes de inspiración. La obra de Ravenhill se transforma y se desarrolla con distintos experimentos formales y una mayor abstracción. Así, Product, una especie de one-man-show satírico alrededor del tema del terrorismo islámico, se estrena en 2005, en el marco del Edinburgh Fringe Festival. En 2006 estrena The Cut, en el Donmar Warehouse, protagonizada por Ian McKellen, una obra de gran ambigüedad que suscitó una gran división de opiniones en la crítica. Una ambigüedad similar es también la que caracterizará sus recientes obras cortas para adolescentes agrupadas en Ravenhill for Breakfast. Sus obras más recientes son Scenes From Family Life (2007), Shoot/Get Treasure/Repeat (2008), Over There (2009) y The Experiment (2009).

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Product Product es una obra hilarante, brutalmente divertida. Una pieza breve y despiadada sobre el conflicto entre Oriente y Occidente y la amenaza terrorista. Y sobre nuestra mirada al respecto, una mirada a menudo pueril, llena de tópicos y lugares comunes. Y llena de miedo, recelo y culpa. Product es también una obra de estructura extraordinariamente simple. Un monólogo a través del cual un productor de cine explica a la actriz a quien desea contratar para su última película el argumento de ésta: una delirante historia de amor entre una joven burguesa occidental (que perdió a su novio en el atentado contra las Torres Gemelas del 11-S) y un terrorista islámico llamado Mohamed. Como apunta el mismo Ravenhill, «es como si Bridget Jones se metiese en la Yihad». Un disparate de proporciones mastodónticas, está claro, pero... ¿iríamos a ver una peli como esta? ¿Es lícita la pretensión de combinar entretenimiento y espectáculo con unos hechos tan dramáticamente reales? ¿Quién cojones se cree que es este Ravenhill, haciendo broma y provocándonos de una manera tan frívola, valiéndose de un tema tan escabroso, hostia, tan delicado? ¿O tal vez no pretendía ser frívolo? ¿Qué pretendía entonces? Y el productor... ¿es un cínico o un ingenuo? ¿Cree realmente en su historia? ¿Cree que hay alguna verdad detrás de su historia? Y por otra parte, ¿qué significa «creer» en este nuestro primer mundo tan descreído? ¿Nos quedan todavía historias por explicar o ya sólo hay productos? ¿Nos queda todavía una pizca de auténtica curiosidad o ya sólo existe voracidad para consumir? Y, finalmente, tonterías al margen... ¿qué vio Bridget Jones en un terrorista suicida? ¿Nos la imaginamos rezando en dirección a la Meca? ¿Qué le sucede a Bridget Jones? ¿Qué le falta?

JULIO MANRIQUE

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La costa de Utopía

Viaje Naufragio

Rescate

de Tom Stoppard

Dirección: Alexei Borodin

Escenografía

Stanislav Benediktov

Producción: RAMT (Teatro Académico de la Juventud de Rusia)

Esta producción rusa de La costa de Utopía de Tom Stoppard se estrenó en el RAMT de Moscú en octubre de 2007. Las tres partes de La costa de Utopía (Viaje, Naufragio y Rescate) pueden verse como obras independientes, aunque en ellas aparece el mismo grupo de personajes de la Rusia del siglo XIX a lo largo de un periodo de treinta años, en distintos escenarios de Rusia, Inglaterra y Francia. La trilogía en su integridad tiene una duración de ocho horas. Los personajes de esta trilogía –el revolucionario Alexander Herzen, el poeta Nikolai Ogarev, el filósofo idealista Nikola Stankevich, el político Nikolai Sazonov, el anarquista Mijail Bakunin, el crítico literario Vissarion Belinski, el escritor Ivan Turgenev y muchos otros– mantuvieron posiciones políticas muy distintas y ejercieron una marcada influencia en el desarrollo de la sociedad rusa. Los personajes principales de la trilogía viven el derrumbamiento de las ilusiones políticas y profundos dramas personales. 28 de septiembre: Viaje 29 de septiembre: Naufragio 30 de septiembre: Rescate 1 de octubre: la trilogía completa

Miércoles 28 de septiembre a sábado 1 de octubre 2011 TEATRO VALLE-INCLÁN | UNA MIRADA AL MUNDO

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«La trilogía de Stoppard no es un comentario de la Rusia actual. Stoppard no cae en la moralización y no dispara al azar contra la situación actual del país». «La fascinación por la trilogía de Stoppard reside en que se trata del panorama de Rusia visto con los ojos del dramaturgo británico». «Stoppard devuelve a Rusia su propio retrato. Pero este retrato nos recuerda nuestros propios rasgos perdidos», dice uno de los traductores rusos de Stoppard, Arkadi Ostrovski. La costa de Utopía ha sido traducida al ruso por los hermanos Arkadi y Sergei Ostrovski. El Centro Dramático Nacional ha publicado el texto íntegro en castellano (números 24, 25 y 26 de su colección de libros), en traducción de Juan V. Martínez Luciano. En su versión original en inglés se representó en 2002 en el Royal National Theatre de Londres y en 2007 en el Lincoln Center Theatre de Nueva York. El RAMT (Teatro Académico de la Juventud de Rusia) es uno de los teatros más populares de Moscú. Sus actores Peter Krasilov, Irina Nizina, Alexander Ustjugov, Darja Semenova, Ilja Isajev, Nelli Uvarova y muchos otros han recibido a menudo distinciones y premios de prestigio profesional. El repertorio actual de la compañía incluye producciones de obras de autores tan diversos como Eugene Schwartz y Alexei Arbuzov, Alfred de Musset y Tennessee Williams, Fedor Dostoievski y Anton Chéjov, Mark Twain y Nikolai Nosov, Eugene Ionesco y William Golding, Boris Vasiljev y Boris Akunin. Este último, Boris Akukin, ha escrito especialmente para el RAMT sus obras Yin-Yang. Versión blanca y Yin-Yang. Versión negra. Alexei Borodin es director artístico del RAMT desde hace 25 años. Durante muchos años ha sido también profesor en la Academia Rusia de Arte Teatral (RATI) y muchos de sus alumnos trabajan actualmente en el RAMT. También ha trabajado fuera de Rusia, especialmente en teatros de Berlín y Reikiavik.

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±0 (Más menos cero) CAMPAMENTO BASE SUBÁRTICO, UN CAMBIO CLIMÁTICO MUSICAL

Christoph Marthaler

Equipo artístico

Dirección Christoph Marthaler Escenografía y vestuario Anna Viebrock Dirección musical Rosemary Hardy Ayudante musical Bendix Dethleffsen Colaboración en la dirección Gerhard Alt Iluminación Phoenix (Andreas Hofer) Sonido Fritz Rickenbacher Dramaturgia Stefanie Carp, Malte Ubenauf Investigación Solveig Gade

Dirección técnica Peter Riis Mørk Ayudante de dirección Sophie Zeuschner Ayudante de escenografía y vestuario Ramallah Aubrecht Maquillaje Puk Zakariasen, Bolethe Hendriksen Documentación vídeo Hans-Peter Böffgen Ingeniero de construcción Philipp Bösch Escultura Stefan Möllers Taller Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz

Reparto Marc Bodnar, Raphael Clamer, Bendix Dethleffsen, Rosemary Hardy, Ueli Jäggi, Kassaaluq Qaavigaq, Jürg Kienberger, Sasha Rau, Bettina Stucky, Nukâka Coster

Waldau

Producción: Unlimited Performing Arts/Nicolai Vemming Coproducción: Katuaq, Nuuk, Wiener Festwochen, Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz de

Berlín, Festspillene i Bergen, Thèâtre de la Ville de París/Festival de Otoño de París, Det Kongelige Teater de Copenhague, Stockholms Stadsteater, London 2012 Festival y Edinburgh International

Festival, Kampnagel Hamburg. Con ayuda de Nordic Culture Fund, Nordic Culture Point y Freedom of Expression Foundation.

Idioma: Alemán, groenlandés, francés e inglés, con sobretítulos en castellano.

Duración: 2 horas y 15 minutos, sin intermedio. Espectáculo estrenado en Nuuk (Groenlandia), el 27 de abril de 2011.

Jueves 6 a domingo 9 de octubre de 2011

TEATRO VALLE-INCLÁN | UNA MIRADA AL MUNDO

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* * * En esta creación subtitulada «Campamento base subártico, un cambio climático musical», Christoph Marthaler se acerca a Groenlandia, un territorio casi totalmente cubierto de hielo, con la mayor tasa de suicidios del mundo. Marthaler se ha interesado por sus gentes y sus paisajes olvidados... y por su música. Para la mayoría de los europeos, Groenlandia es un lugar mágico de hielo eterno y naturaleza virgen. En general, la gente sabe poco sobre los habitantes de Groenlandia y sobre la antigua y difícil historia de la isla. Groenlandia es también el lugar donde la capa de hielo se funde y donde las consecuencias catastróficas de los cambios climáticos se manifiestan y dejan de ser fenómenos abstractos. Estas condiciones de vida son lo que interesa al director de escena suizo. Los sonidos y las conversaciones de esta parte del mundo constituyen el núcleo central de esta producción.

* * * ±0 –más menos cero – es el punto donde lo sólido y lo líquido se unen, donde el suelo sólido se convierte en fina capa de hielo. Pocos lugares del mundo conocen mejor esta «zona gris» que Groenlandia, donde las extremas condiciones naturales y el aislamiento social son los elementos predominantes en la vida cotidiana, y la diferencia entre más y menos puede ser la diferencia entre la vida y la muerte. Pero ¿cómo adaptarse cuando tus cimientos comienzan a fundirse? ¿Cómo encontrar un punto de referencia cuando tanto el paisaje político como el físico están cambiando? En la primavera de 2011, Christoph Marthaler viajó a Groenlandia para conocer personalmente la «situación ±0». A lo largo de los últimos veinte años, Marthaler se ha consolidado como uno de los artistas escénicos más respetados de Europa. Junto con la escenógrafa Anna Viebrock, su propia compañía de actores y artistas locales de Nuuk y Uummannaq, ha desarrollado un proyecto teatral en la isla más grande del mundo. Alejados de los centros de cultura europeos, la expedición de Marthaler se puso en contacto con las historias olvidadas, las gentes olvidadas y la música olvidada de Groenlandia. Con el mundo mítico y las tradiciones de Groenlandia como telón de fondo, esta producción musical hace confluir distintas experiencias y perspectivas sobre el futuro. Después de su estreno mundial en Nuuk, la producción se ha presentado en el Festwochen de Viena y en el Festival Internacional de Bergen. En otoño se podrá ver en París, Berlín, Copenhague y Estocolmo y Madrid.

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* * * Qué es lo que sucede exactamente cuando innumerables moléculas de agua se condensan para formar hielo es un misterio. Christoph Marthaler ha querido exponerse a esta zona de temperatura dominada por la fragilidad. Si la capa de hielo de Groenlandia comienza a derretirse, la isla ascenderá mientras otros lugares de nuestro planeta quedarán sumergidos bajo el agua. Todos los empleados públicos de Groenlandia son también cazadores y pescadores. Groenlandia (con una población de unos 57.500 habitantes) es la región del mundo con la tasa de suicidios más elevada. Christoph Marthaler y su equipo no sabían apenas nada sobre Groenlandia, la cultura de los inuit y los riesgos a los que está expuesta. Por supuesto, han obtenido información, han estudiado mapas, han leído cuentos de hadas, crónicas de viajes y anécdotas. Pero ¿qué peso tiene todo eso frente al hecho de que los visitantes de Europa central, hasta ahora, han pasado poco tiempo en la isla? Conscientes de que el hielo que pisan es una capa realmente fina, su relato nos habla sobre la imposibilidad de la llegada. Junto con artistas de Nuuk y Kangerlussuaq, llevaron a cabo cortos paseos radiales por aquel territorio helado, cazando y reuniendo las piezas de un rompecabezas que no encajan.

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Cuatrienal de Praga: Pabellón de España La Cuatrienal de Praga es el certamen más importante del mundo dedicado a la escenografía y la arquitectura teatral. Desde su inauguración en 1967 esta exposición viene presentando el trabajo de los cinco continentes en las disciplinas de diseño de vestuario, escenografía, iluminación, sonido y arquitectura teatral. Un total de 64 países mostrarán sus trabajos en tres secciones: países y regiones, arquitectura escénica y estudiantes, que se desarrollan en diferentes espacios de la capital checa. La Cuatrienal de 2011 se celebra entre los días 16 y 26 de junio. Este mismo año, entre los días 6 y 15 de octubre, la Sala Francisco Nieva del Teatro Valle-Inclán acoge una selección de los materiales relacionados con el Pabellón de España en esta Cuatrienal. Escenografía artesanal En esta edición la escenografía estará representada por catorce talleres de realización de elementos vinculados a las artes del espectáculo, los auténticos responsables de la transformación de las ideas del diseño en componentes escénicos. Durante los días del certamen se organizarán debates, charlas y demostraciones a los asistentes sobre el trabajo que hay entre el proyecto y el estreno de un espectáculo, sobre cómo se consigue que un sueño se convierta en materia, es decir: la trayectoria «después del diseño». Rehabilitación arquitectónica Siguiendo las pautas del trabajo humano como motivo de expresión, la exposición de arquitectura muestra este año seis proyectos de rehabilitación de ámbitos laborales, como fábricas, almacenes, acuartelamientos, etcétera, habitados ahora por trabajadores de la cultura y del espectáculo: las Naves del Matadero (Madrid); el Centro Párraga (Murcia); La Alhóndiga (Bilbao); la Coma Cros (Girona); el Teatro de Navalmoral de la Mata (Cáceres); las Naus de Sagunt (Valencia). En la sección de Estudiantes destaca la exposición conjunta de las cinco Escuelas Superiores Españolas de Arte Dramático en las que se imparte la especialidad de Escenografía. Además, todas las actividades protagonizadas por los estudiantes en el marco de Scenofest, que incluye numerosos talleres, conferencias, presentaciones, performances, teatro de calle y clases magistrales dedicadas a los futuros escenógrafos por los profesionales más relevantes del mundo. Vestido interactivo comestible España no sólo participará en las secciones de Escenografía, Arquitectura Teatral y Estudiantes. Nuestro país participará también en la exposición de «Indumentaria extrema» (Extreme Costumes), con un vestido interactivo comestible, creado por Mariaelena Roqué para la performance/homenaje al pintor Josep Guinovart, fallecido en 2007.

Jueves 6 a sábado 15 de de octubre de 2011 TEATRO VALLE-INCLÁN | SALA FRANCISCO NIEVA | UNA MIRADA AL MUNDO

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El proceso (Der Prozess)

de

Franz Kafka

Dirección Andreas Kriegenburg

Adaptación teatral de la novela de Kafka El proceso,

en una espectacular producción de Andreas Kriegenburg.

Dirección y escenografía Andreas Kriegenburg Vestuario Andrea Schraad Iluminación Björn Gerum Dramaturgia Matthias Günther Música Laurent Simonetti (1959–2008) Reparto

Walter Hess Sylvana Krappatsch Lena Lauzemis Oliver Mallison Stefan Merki Annette Paulmann Katharina Schubert Edmund Telgenkämper

Producción Münchner Kammerspiele

Espectáculo estrenado el 25 de septiembre de 2008 en la sala principal (Schauspielhaus) del Kammerspiele de Múnich. Duración: 3 horas, incluido intermedio. Idioma: alemán, con sobretítulos en castellano.

Viernes 14 a domingo 16 octubre 2011 TEATRO VALLE-INCLÁN | UNA MIRADA AL MUNDO

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El proceso El proceso es una de las obras póstumas inacabadas de Franz Kafka (1883-1924), escrita entre 1914 y 1917 y no publicada hasta 1925, un año después de su muerte, por su amigo Max Brod (pese al deseo del autor de que sus obras fueran destruidas). Compuesto por distintos fragmentos, El proceso es una especie de rompecabezas literario que, junto con El castillo, La metamorfosis y América, forma parte de las grandes obras de un autor que inventó un estilo único y no desprovisto de humor para expresar las angustias y las incomprensiones del ser humano en la cotidianeidad de un mundo que suscita aislamiento e inquietud, un mundo frío y opresivo.

Andreas Kriegenburg Originario de la antigua República Democrática Alemana, Andreas Kriegenburg, después de formarse como carpintero, decidió incorporarse al teatro de su ciudad natal, Magdeburgo, como posible espacio de libertad. Fue técnico antes de convertirse, a los 21 años, en ayudante de dirección en 1984, primero en la ciudad de Zittau y posteriormente en Fráncfort del Óder. Allí fue donde cuatro años más tarde dirigió su primera puesta en escena. Después de la caída del muro, trabajó en la Volksbühne de Berlín entre 1991 y 1996. Pasó por la Schauspiel de Hanóver y posteriormente por el célebre Burgtheater de Viena, que abandonó en 2001 para convertirse en el principal director de escena del Thalia Theater de Hamburgo. En la actualidad es Haussregisseur (artista asociado) del Deutsches Theater de Berlín. Durante todos estos años ha realizado obras de los más diversos géneros, desde la tragedia griega, el teatro de Shakespeare y de Chéjov, hasta obras del teatro contemporáneo alemán y europeo. Su especial relación con la autora Dea Loher le ha llevado a presentar una decena de sus obras con gran éxito, en particular en su última producción, Diebe (Ladrones) en enero de 2010. Su trabajo se caracteriza por una investigación estética de gran calidad, así como por su curiosidad por textos no dramáticos adaptados al teatro, como es el caso de Der Prozess (El proceso) de Kafka, que puso en escena en 2008 por invitación de la Kammerspiele de Múnich, una de las grandes compañías de actores del teatro alemán. Ambos, la Kammerspiele y Kriegenburg, fueron invitados al Festival de Aviñón en 2010.

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«Cuando nos hizo oír a sus amigos –entre quienes me encontraba– el primer capítulo de El proceso, todos fuimos presa de una risa irresistible, y él mismo se reía tanto que por momentos no podía seguir leyendo». Así es como relata Max Brod la primera lectura de El proceso por Kafka. Para la adaptación teatral de este texto mítico, Andreas Kriegenburg se acordó de este relato y recordó también el interés mostrado por Kafka hacia el cine mudo que entonces hacía su aparición. Construido en torno a ocho personajes que representan cada uno de ellos un aspecto de la personalidad difractada del héroe Josep K., su espectáculo es una inmersión en el cerebro de ese hombre enfrentado a una situación inextricable, «acusado» pero con «libertad» de movimientos. Esta paradoja de origen lo lleva a todas las hipótesis, todas las suposiciones, todo tipo de explicaciones. Sin éxito, pues cada respuesta posible, cada resolución imaginable, le lleva a un nuevo cuestionamiento. Al convertir a todos los protagonistas en clones de K., atrapados también ellos en un universo oscilante entre opresión estática y depresión neurótica, el director de escena conserva la ambigüedad de la novela, que nos acerca a la humanidad de K., nuestro hermano, y en un mismo movimiento nos mantiene a distancia y nos hace espectadores de sus aventuras. Frente a un dispositivo escénico móvil y especialmente eficaz, que nos permite sentir muy intensamente el desequilibrio permanente de los personajes que pueblan el universo kafkiano, no reímos ante su caída, nos reímos de su extrañeza, nos divertimos con esa comicidad de la repetición al estilo de Buster Keaton. Muy delicadamente diseñadas, a la manera de los soberbios dibujos realizados por el propio Kafka, las siluetas habitadas por los actores se mueven en una coreografía elegante, que crea un verdadero idioma del espacio y el cuerpo. Un idioma poético hecho de humor y de angustiosa chifladura, el idioma de un Kafka al margen de toda caricatura. Aquí no hay duda posible, K. se parece a nosotros y nosotros nos parecemos a K.

JEAN-FRANÇOIS PERRIER (texto extraído del programa del Festival de Aviñón 2010)

En su producción de una adaptación de El proceso de Franz Kafka, el propio Kriegenburg ha diseñado la escenografía y ha convertido el escenario giratorio de la Kammerspiele de Múnich en una de esas atracciones de feria al estilo de «La rueda del diablo» –un enorme disco giratorio que oscila bruscamente para expulsar a todas las personas sentadas encima. Sobre este disco giratorio encontramos a los actores –sentados, tumbados, de un lado a otro– como si Der Prozess fuera una obra que presenta la figura de Franz Kafka, Josef K., como un pequeño montón de humanidad: simplemente está allí colgado, como una escultura en la pared.

JÜRGEN BERGER, crítico teatral y literario independiente, escribe para medios alemanes como Süddeutsche Zeitung, Tageszeitung y Theater Heute.

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Lecturas de autores polacos contemporáneos Con la colaboración del Instituto Polaco de Cultura y Agencja Dramatu

La muerte del hombre ardilla (Śmierć czlowieka wiewiórki) de Malgorzata Sikorska-Miszczuk

Esta obra dramática de Sikorska-Miszczuk ofrece una visión artística de la vida y muerte de Ulrike Meinhof, terrorista alemana de extrema izquierda, cofundadora de la Fracción del Ejército Rojo (RAF) y responsable de asesinato de más de diez personas.

Dirección: Raúl Fuertes Día 20 de octubre a las 19,30 horas

La muerte del contribuyente (Śmierć podatnika) de Pawel Demirski

La obra dramática de Pawel Demirski retrata la pesadilla de la democracia neoliberal hecha realidad: un mundo en el cual el último contribuyente renuncia a seguir cumpliendo con su función y una república donde sólo quedan dictadores, asesores y financieros.

Dirección: Fefa Noia Día 21 de octubre a las 19,30 horas

La muerte de Calibán de Magda Fertacz

Magda Fertacz, nacida en Varsovia en 1975, es además autora de las obras tituladas Kurz, Absynt, Trash Story, Białe Baloniki (Balones blancos) y Pinokio.

Dirección: Celia León Día 22 de octubre a las 19,30 horas

Jueves 20 a Sábado 22 octubre 2011 TEATRO VALLE-INCLÁN | UNA MIRADA AL MUNDO

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Lecturas de autores mexicanos contemporáneos Con la colaboración de la Embajada de México

Civilización

de Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterio, LEGOM «Entre mis últimas obras dicen que se destacan Demetrius, Odio a los putos mexicanos y Civilización». (...) Civilización «es una obra extraña porque es demasiado convencional, es la obra más canónica que he escrito, la más aristotélica. Para algunas personas trata sobre la corrupción, según yo trata sobre la imposibilidad de hacer cosas grandes, sobre la imposibilidad de trascender y sobre el proceso de corrupción de un hombre bueno».

Dirección: Raúl Fuertes

Día 27 de octubre a las 19,30 horas

Cuerdas

de Bárbara Colio En Cuerdas, cada personaje encierra un recuerdo del padre que los abandonó, un resentimiento o un cariño que se contrapone y los lleva a la búsqueda de respuestas; la búsqueda de una identidad. O como dice Bárbara: «asumiendo el papel del otro puedes observar más allá de lo que uno habla de sí mismo».

Roberto Sosa, en InterEscena.com Dirección: Fefa Noia

Día 28 de octubre a las 19,30 horas

Ternura suite

de Edgar Chías Ternura suite es la historia de un visitante que abusa de su anfitrión. A fuerza de mentiras comenzamos a conocer las verdades. El dramaturgo nos confronta con una problemática enorme, histórica, descomunal en México, la desigualdad social, que deriva en otro tema central: la delincuencia y la alusión al crimen organizado. Edgar Chías: «Desde donde lo veo yo, todo es político. Hablar de temas de la realidad inmediata reformulados en la ficción es político. Evitarlos a toda costa en un ejercicio estrábico para consagrarse a la fantasía, también es político. Decir o no decir nada es una decisión política».

Dirección: Celia León Día 29 de octubre a las 19,30 horas

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Todo lo que encontré en el agua de Conchi León

«Todo lo que encontré en el agua... refrendó la potencialidad creadora de esta autora, actriz y directora que ya nos había aleccionado con Mestiza Power y ahora –en calidad únicamente de dramaturga– da un giro de 160 grados en su propuesta textual, para entregarnos una pieza de corte poético, con personajes de carne y hueso, y una situación donde misterio y erotismo se conjugan para forjar un todo de intensidades viscerales y crepitantes ecos líricos. (...) Estamos ante una obra de primer nivel y frente a una dramaturga mexicana que sin duda continuará aportando elementos destacados al devenir de la literatura dramática de nuestro país.

Gonzalo Valdéz Medellín, en la revista Tramoya (2009).

Dirección: Guillermo Heras

Día 30 de octubre a las 19,30 horas

Jueves 27 a domingo 30 octubre 2011

TEATRO VALLE-INCLÁN | UNA MIRADA AL MUNDO

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Perséfone

Comediants

Equipo artístico

Idea y creación Comediants Dirección Joan Font Guión Jaume Bernadet Joan Font Miguel Ibáñez Monroy Asesor de dramaturgia Jordi Prat Composición musical Ramón Calduch Escenografía Jordi Bulbena Iluminación Albert Faura Imagen y vídeo Banzai Studio Adjunta a dirección y coreografía Montse Colomé Letra canciones David Pintó, Ramón Calduch

Reparto

Meritxell Duró

Àngels Gonyalons Jordi Llordella Laia Oliveras

Marc Pujol Ramón Calduch (músico)

Coproducción de Centro Dramático Nacional, Comediants, Teatre Lliure y Festival

Internacional Chéjov de Moscú

con el apoyo del Teatre-Auditori Sant Cugat y el Teatre Joventut de l'Hospitalet y con la colaboración del Ministerio de Cultura de la Federación Rusa en el marco del Año

Rusia-España 2011

Martes 1 de noviembre a domingo 4 de diciembre de 2011 TEATRO MARÍA GUERRERO

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Sinopsis Perséfone, reina del inframundo, hace siglos que ejerce su trabajo con precisión y dedicación. Cada persona que muere es conducida por ella al reino de los muertos. Ella conoce como nadie al ser humano, sus anhelos y miedos. Guiados por ella, viajaremos por la delgada línea que une la vida y la muerte. Y descubriremos paisajes de mundos nuevos, personajes extravagantes y conflictos relacionados con nuestro destino final: la muerte.

Introducción: Comediants y la muerte Comediants siempre ha escogido temas universales para sus creaciones: La fiesta, el sol, el fuego, la noche, el agua, los sueños, el tiempo, el mar, el juego. La vida y la muerte. La muerte ha ido apareciendo en nuestros trabajos de forma intermitente y a la que ahora, movidos por la reflexión del paso del tiempo y por la constatación de que es algo ineludible, le queremos dar el protagonismo que se merece abordándola como nuestro lenguaje escénico y nuestra manera de concebir el arte. Para ello hemos escogido una guía excepcional: Perséfone, que fue raptada del Olimpo por Hades (dios de la muerte) cuando era la bella Core obligándola a casarse con él y convirtiéndola en la reina del inframundo. De su mano viajamos por un desfile de personajes, acciones y situaciones que nos muestran costumbres, creencias, mitos y leyendas sobre la muerte. Constatamos con ironía cómo nuestra civilización, obsesionada por alargar la esperanza de vida, mata más que nunca y encima se niega a mirar a la muerte cara a cara, porque es un tema tabú.

Estructura del espectáculo Perséfone es un espectáculo inspirado, de manera conceptual, en el mundo y modelo del varietés y centrado en el tema de la muerte. La protagonista y maestra de ceremonias es la propia Perséfone, personaje extraído de la mitología griega. Alguien a quién todos conoceremos ya que tarde o temprano nos acompañará en un viaje sin retorno. Perséfone es fuerte, poderosa, atractiva y con una historia tan cautivadora que es decisiva a la hora de estructurar el espectáculo. Así, a lo largo de la representación, las diferentes escenas se suceden con un desorden lógico que nos permite conocerla a ella y su historia en mayor profundidad. Durante el espectáculo, abordamos diferentes temas relacionados con la muerte: La primera parte, EL RITO DE LA MUERTE, se centra en todo aquello que hacemos los vivos cuando nos enfrentamos a una muerte: el funeral, los homenajes, el entierro... Mediante los diferentes números que ocupan este primer bloque, asistimos a algo que nos es tristemente familiar, pero que gracias a la musicalidad y el humor cobran

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un aire más ligero, irónico y surrealista. Al mismo tiempo viviremos la transformación de Core a Perséfone y como ésta, una vez convertida en la reina del inframundo se prepara para hacer su triunfal aparición e interactuar de manera discreta con estos ritos para hacer su trabajo, trasladar el difunto al Hades. La segunda parte, LA MUERTE Y EL MÁS ALLÁ, es un viaje en dos direcciones. Por una parte seguiremos el cuerpo del finado en su camino a la descomposición total. Y por otra parte viajaremos con su alma al reino de los muertos donde deberá pasar una serie de trámites antes de alcanzar el tan ansiado descanso eterno. Al mismo tiempo seremos testigos de cómo Perséfone nos abre su corazón y nos invita a conocerla más de cerca. La tercera parte, LA MUERTE ES JUSTA (O NO) supone un mosaico de diferentes muertes que suceden a cualquier hora y en cualquier lugar del mundo. Muertes que dan vida, muertes prematuras, accidentales, buscadas, frustradas, lógicas, crueles. En todas ellas encontramos a Perséfone que, consciente del trágico final, aguarda para cumplir su cometido. Este mosaico de muertes ejemplifica la omnipresencia de la muerte en cualquier lugar. Sea justo o no, tenemos marcada una hora para nuestro viaje, y ni podremos convencer a Perséfone para alargar nuestra vida ni para que nos lleve con ella antes de tiempo. La cuarta parte, LOS ALIADOS DE LA MUERTE, (Los cuatro jinetes del Apocalipsis a día de hoy) sucede en un mundo onírico, el mundo de Perséfone. Los factores que intervienen en la muerte masiva (hambre, guerras, accidentes, adicciones…) adquieren forma física e interactúan con Perséfone, en una relación de dependencia mutua. La quinta parte, LA VIDA, supone la afirmación de que no podemos hablar de la muerte sin hablar de la vida, y viceversa. Los números que la componen nos hablan de los motivos que nos invitan a vivir. De la suerte que tenemos de estar vivos y de cómo hay que celebrarlo a diario. Y es Perséfone quien nos invita, puesto que como reina del inframundo es muerte, pero cuando se transforma en Core, es vida. Ella necesita que vivamos y muramos, que muramos y vivamos ya que, sin este ciclo, ¿qué haría Perséfone? ¿qué haría Core?

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Miedzy nami dobrze jest (Entre nosotros, todo va bien)

de Dorota Masłowska

Dirección Grzegorz Jarzyna

Equipo artístico Dirección Grzegorz Jarzyna Escenografía Magdalena Maciejewska Vestuario Magdalena Musiał Iluminación Jacqueline Sobiszewski Arreglos musicales Piotr Domiński, Grzegorz Jarzyna Vídeo Cókierek, Pani K.

Reparto

Roma Gąsiorowska Maria Maj Magdalena Kuta Agnieszka Podsiadlik Aleksandra Popławska Danuta Szaflarska Katarzyna Warnke Rafał Maćkowiak Adam Woronowicz Lech Łotocki (voz radiofónica)

Es una coproducción de TR Warszawa (Polonia) y Schaubühne am Lehniner Platz, estrenada el 26 de marzo de 2009 en la Schaubühne am Lehniner Platz de Berlín, en cooperación con el programa Varsovia Capital Europea de la Cultura 2016. http://www.trwarszawa.pl/en/

Viernes 4 a domingo 6 noviembre 2011 TEATRO VALLE-INCLÁN | UNA MIRADA AL MUNDO

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«Confronté generaciones: idiomas, formas de pensar y actuar, diferentes realidades cotidianas para resaltar la discordia, la inexistencia de alguien que podría ser descrito como «el Polo estadístico», la ausencia de una plataforma sobre la que todo esto pudiera reunirse y describirse con la palabra «nosotros». Todo en la obra es bastante truculento y exagerado, pero me parece que, de hecho, por primera vez digo algo potencialmente bueno. Desde luego no expreso un mensaje directamente positivo, pero este es el primer texto en el que no escribo: «¡Oh, en qué país tan horrible vivimos, qué monótono!». Por el contrario, esta es mi afirmación sobre el hecho de ser polacos y sobre la poloneidad, que en la actualidad es algo totalmente desdeñado y objeto de crítica negativa, tratado, al menos en mi generación, como un defecto, como una bofetada del destino... DOROTA MASŁOWSKA en una entrevista con el diario Dziennik Cuando se lee la obra de Masłowska por primera vez, parece como sus otras obras: una mezcla de citas –subversivamente transformadas– de la cultura pop y los estereotipos nacionales. (…) No hay acción en el sentido tradicional, en su lugar hay una conversación inconexa que nos recuerda los diálogos grotescos de las obras de Werner Schwab contra la burguesía austriaca. (…) Al igual que en El loro de la Reina [su segunda novela], expone, de forma magistral, la falsedad del lenguaje de los anuncios publicitarios, las revistas ilustradas y la prensa sensacionalista; enfrenta los sueños consumistas con la realidad de una familia que vive muy por debajo del nivel de subsistencia. Se burla también de los medios de comunicación, representados en la obra por un cínico director del denominado «cine socialmente comprometido» y por una estúpida presentadora que le hace una entrevista. Todo ello no es más que una superficie bajo la cual se esconde un interrogante más esencial: sobre «nosotros», nuestra identidad nacional. (…) Parece que a los polacos les une... su aversión a Polonia y una profunda frustración causada por el mero hecho de ser polacos. Pero no solo eso, hay otro aspecto de esta controversia sobre la poloneidad: un monólogo sobre la retórica de la emisora Radio Maryja. El locutor explica a los oyentes que en un principio todos eran polacos: los franceses, los alemanes, los rusos. Solo después su tierra les fue arrebatada y les dejaron únicamente un pequeño trozo de territorio junto al río Vístula. Podemos ver en la obra tanto un absoluto rechazo de la poloneidad (la «Pequeña chica metálica» declara: «¡No somos polacos, somos europeos, gente corriente!») como una absurda idolización de la poloneidad basada en la aversión. Entre esas dos actitudes se mueve toda la obra. ROMAN PAWŁOWSKI, Gazeta Wyborcza

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Dorota Masłowska Dorota Masłowska nació en 1983 en Wejherowo, Pomerania. Tras abandonar la carrera de psicología en la Universidad de Gdansk se instaló en Varsovia donde estudia en el Instituto de la Cultura Polaca. Por su primera novela (Blanco nieve, rojo Rusia), Masłowska recibió el premio Paszport de la revista Polityka y la nominación al Premio Literario Nike (el premio literario más importante de Polonia). Blanco nieve, rojo Rusia ha sido traducida a catorce idiomas. En España ha sido traducida por Joanna Orzechowska para la editorial Mondadori. Se han hecho diversas adaptaciones en teatros de Polonia y Chequia. También se ha adaptado al cine con dirección de Xawery Zulawski. Su segunda novela, Paw Krolowej (Pavo de la Reina), no tuvo tanto éxito, aunque con ella obtuvo el premio NIKE en 2006. Masłowska colabora desde años con la revista literaria Lampa. Es autora de las obras teatrales Dos rumanos pobres que hablan polaco (2005) y Entre nosotros, todo va bien (2008).

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protAgonizo

Texto y dirección Ester Bellver

Equipo artístico

Texto, dirección, vestuario y escenografía Ester Bellver Técnico de luces Rosa Herrero Carpintería José Ramón Salguero Fotografía Tomi Osuna Ayudante de dirección Tito Luqueti Ayudante de escenografía Borja Riquelme Ayudante de vestuario Nidia Tusal Reparto La actriz prota-agonizante Ester Bellver

Producción Rotura Producciones

Duración: 90 minutos

Rotura Producciones es una compañía creada por Ester Bellver, actriz con 26 años de trayectoria profesional en las artes escénicas, como fruto de la necesidad de crear producciones propias que permitan explorar el teatro bajo un criterio no puramente comercial. El primer proyecto parte de un texto propio titulado protAgonizo.

Viernes 4 a domingo 20 noviembre 2011 TEATRO MARÍA GUERRERO | SALA DE LA PRINCESA

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protAgonizo – El espectáculo Es una obra teatral basada en un texto nacido de la rotura personal que, por unos y otros motivos, un día le acontece a cualquiera. La vida pareciera detenerse y entonces se puede contemplar con asombro el personaje que le ha tocado representar en esta farsa. El descubrimiento de que uno no es uno. Su desmoronamiento. El abismo de no saber.

Sinopsis

Una actriz contempla extrañada su imagen frente al espejo del camerino. En él se le irán apareciendo, como en una película, los diferentes escenarios transitados en su vida,

reviviendo con ello los papeles representados en el teatro y en la revista de los años 80, género en el que debutó como artista. De la laguna de su memoria resurgen escenas y

recuerdos de su infancia: la niña que fue. Ilusiones y desilusiones desfilarán como pasos de Semana Santa. Amores y desamores van conformando un vía crucis que le hará

desembocar en un «Juicio final». Contemplar con asombro el resentimiento, los miedos, el éxito y fracaso del personaje que representa su vida y las múltiples caras que ha

interpretado en la escena le hacen poner en cuestión su propia identidad. La actriz, enfrentada a sí misma, sospecha: «Esa no soy yo». Una rotura del espejo en mil pedazos,

en mil caritas, anuncia su «última representación».

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Münchhausen

de Lucía Vilanova

Dirección Salva Bolta

Equipo artístico

Texto Lucía Vilanova Dirección Salva Bolta Escenografía Paco Azorín Vestuario Ikerne Giménez Iluminación Luis Perdiguero Diseño de sonido y música original Luis Miguel Cobo Ayudante de dirección Luis Luque Ayudante de escenografía y vestuario David Pizarro

Reparto Carmen Conesa Teresa Lozano y otros Producción: Centro Dramático Nacional

Viernes 11 noviembre a viernes 23 diciembre 2011 TEATRO VALLE-INCLÁN | SALA FRANCISCO NIEVA

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Sobre Münchhausen Nik, el niño protagonista de esta historia, no tiene un caballo como el Barón de Münchhausen, ni recorre con sus aventuras la infinitud del universo. Nik no es intrépido como el Barón que vuela en su caballo. Nik sabe lo que es el miedo porque es un niño enfermo al que se le pasan largos los días y los años prisionero de los peligros que acechan por el largo pasillo y las estancias de su casa... Pero... Nik está empecinado en esclarecer lo que ocultan y sugieren los laberintos vitales que transita con su familia acomodada y provinciana. Nik nos hace ver por sus ojos y nos introduce en los diversos espacios de su mundo, haciéndonos recorrer con él siete años de su vida. Un pequeño viaje heroico que va desde su nacimiento hasta su séptimo cumpleaños. Nos sumerge así en el oscuro universo cotidiano de una familia donde imperan comportamientos patológicos y sistémicos transmitidos de generación en generación. Un entorno enfermo que produce enfermos sin cura que se comunican para distanciarse, en el que el lenguaje paradójico constituye la mejor defensa, y donde el diálogo sólo sirve para hacer evidente lo que los enfrenta. «Las familias felices son todas iguales; y las que no lo son, tienen su propia manera de infelicidad», así empieza Tolstoi su Ana Karenina... Desde La Orestiada, en la historia de la literatura dramática, no existe, creo, ninguna obra protagonizada por una familia feliz. No sé si porque todas las historias serían iguales, como dice Tolstoi, o porque, sencillamente, las familias felices no existen. Münchhausen es el retrato de una familia profundamente infeliz. Una familia en que las mujeres, representantes de tres generaciones distintas –abuela, madre e hija– víctimas y, a la vez, verdugos, manifiestan que no cabe compasión entre ellas. Retrato de un matrimonio enfermo que, lejos de cortar su relación enferma, la perpetúa a base de constantes adaptaciones dolorosas. Retrato de un sistema patológico de relación –inquietantemente usual y perceptible en nuestra sociedad– que supone la prisión en un círculo vicioso y perpetuo. Un siniestro juego sin fin, porque en los sistemas patológicos se juega a un juego que no dispone de ninguna regla para la modificación de sus patógenas reglas. Pero, Nik, como el Barón de Münchhausen, ha sido precavido: a medida que juega y vaga por su casa, a medida que se va acercando a lo que sospecha y a lo que teme, ha sabido, como el Barón, dejarse crecer una coleta. Para izarse a sí mismo en un admirable salto cuando las cosas se ponen realmente feas. Una coleta de la que tirar para suspenderse, para elevarse, para emular la proeza del Barón que asiéndose de su coleta se salvó de caer en la ciénaga. LUCÍA VILANOVA

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El inconsciente terrible y fantástico Lucía Vilanova ha escrito en Münchhausen un conjunto de elaboradas tramas: una familia encerrada en una atmósfera de introversión y secretos entre las cuatro paredes de un hogar que es una caja de monstruos; un universo infantil inocente, que fluctúa entre la realidad y la fantasía, con niños que sueñan que vuelan o reconocen el dolor de su corazón en la poesía de Verlaine; un asunto misterioso, casi una anécdota criminal que aun siendo el hecho más trascendental y dramático de la historia se diluye en el universo oscuro y enfermo de lo más misterioso del ser humano. Y además ha rociado la historia con un sentido del humor que la aligera y humaniza; cáustico y despiadado en algunos personajes e ingenuo y entrañable en otros. Todo para desembocar en un final inesperado, que remata la pieza a la altura del interés que despierta a medida que se va desarrollando. Su lectura me provoca una reflexión sobre la condición del ser humano y sobre cómo, ante determinados comportamientos ajenos, reaccionamos juzgándolos de inmediato y situándolos a un lado o a otro de una delgada línea subjetiva en todo caso: unas veces trazada por la ley, otras por la ética, otras por la moral, otras por la educación, otras por la confesión religiosa... Ahora bien, esta manera de juzgar se me queda corta y aquí está la muestra: basta con ampliar el plano, con profundizar en un hecho y en sus posibles circunstancias, y premiar o castigar a los personajes, a las personas, se convierte en algo en extremo complejo. En Münchhausen hay personajes en una lucha interior tremenda, a los que no siempre su pensamiento y sus sentimientos les ayudan a elegir aquello que consiga hacerlos más felices. Hacen lo que pueden. A uno se le va la mano, aunque a cualquiera de ellos le podría suceder. Es tan difícil para algunos de nosotros tener siempre enfocado el plano... Me pregunto si hay alguien que esté a salvo. Yo mismo, siempre temo que en cualquier momento algo pueda confundir mi pensamiento o mis sentimientos y que sea a mí al que se le vaya la mano. Por qué no... Nick es un muchacho encantador e inocente, intentando conciliar opuestos. Observa tímido tras las veladas paredes de su cárcel-hogar desde sus ojos curiosos y asustados, a través de los cuales nos pasea por la historia montado en su animal fantástico que le lleva a su descubrimiento final. Y en su descubrimiento hacemos nosotros otro: lo único que pretendía Nick, en definitiva, era algo muy sencillo; amar y ser amado. Y quién no... Yo os invito a acompañarlo por esta historia, imaginando que no es sino un cuento, trepidante como los protagonizados por el Barón de Münchhausen. Y que, como en sus cuentos, los personajes son solo mentirosos, bribones, malandrines, locos, luchando en los más disparatados combates contra sus terribles fieras. Y que, también como en los cuentos, el final es feliz y fantástico, porque hay veces que la mejor idea, aunque no lo parezca, es sacarse de la charca tirando de nuestra propia coleta. Aunque duela. SALVA BOLTA

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Contraacciones

de Mike Bartlett

Dirección: Pilar Massa Equipo artístico

Versión Lucy Collin Escenografía y vestuario Rafael Garrigós Iluminación Francisco Ruiz Ariza Ayudante de producción Inés Enciso

Reparto

Directora Pilar Massa Emma Goizalde Núñez

Producción: Carallada Show y Prem Teatro

Sinopsis Estamos en la oficina de una gran compañía multinacional. La directora está esperando a su empleada Emma para mantener una reunión informal. En esta primera entrevista se le recuerda que en el párrafo quinto de la página tres, en el contrato que firmó, se lee claramente que están prohibidas las relaciones románticas y, por supuesto, sexuales entre los empleados, supuestamente para poder salvaguardar conductas injustas o discriminatorias. Pero en el tercero de sus catorce encuentros los hechos dan un giro mórbido: la directora pregunta a Emma por una cena romántica que su compañero Darren dice que disfrutaron juntos. Y los acontecimientos se convierten en «preocupantes» cuando la directora le pregunta por sus relaciones sexuales como si de un estricto cuestionario de trabajo se tratara.

Mike Bartlett Mike Bartlett es un joven dramaturgo y director teatral británico, codirector artístico de la compañía de teatro Shapeshifter. En 2007, como «escritor residente» en el Royal Court de Londres, estrenó su obra My Child. Con su debut se descubrió a uno de los más innovadores y prometedores talentos de la dramaturgia británica de los últimos tiempos. Ha ganado el premio Old Vic de jóvenes talentos y los premios Quild, Imison y Tinniswood por su obra radiofónica Not talking. Sus obras Contractions y Cock se están representando en teatros de todo el mundo.

Viernes 2 de diciembre de 2011 a domingo 15 de enero de 2012 TEATRO MARÍA GUERRERO | SALA DE LA PRINCESA

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Agosto (Condado de Osage)

de Tracy Letts

Dirección Gerardo Vera

Versión

Luis García Montero

Equipo artístico

Dirección Gerardo Vera Versión Luis García Montero Traducción Ana Riera Escenografía Max Glaenzel Iluminación Felipe Ramos Sonido Roc Mateu Videoescena Álvaro Luna Ayudante de dirección José Luis Arellano Ayudante de escenografía Silvia de Marta

Reparto

Amparo Baró Irene Escolar

Gabriel Garbisu Carmen Machi Markos Marín Clara Sanchis

Marina Seresesky Abel Vitón

y otros

Miércoles 7 diciembre de 2011 a domingo 19 febrero 2012 TEATRO VALLE-INCLÁN

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Historia de la obra La obra de Tracy Letts, Agosto (Condado de Osage) fue saludada por el New York Times como «... la nueva obra americana más apasionante que Broadway ha visto en años». Recibió el premio Pulitzer de Teatro en 2008. Se estrenó el 28 de junio de 2007 en el Steppenwolf Theatre de Chicago y posteriormente se representó con enorme éxito en dos teatros de Broadway, dirigida por Anna D. Shapiro, con un total de 648 representaciones. Obtuvo el número 1 en la lista de «Diez espectáculos más destacados» de la revista Time en 2007, año en el que además obtuvo cinco premios Tony, incluido el de mejor obra del año y mejor director (Anna D. Shapiro). En la obra, calificada como «comedia de humor negro» y ambientada en una gran mansión en las afueras de Pawhuska, Oklahoma, una familia se enfrenta con su pasado y su presente. Se ha representado con gran éxito en numerosos países, entre ellos Reino Unido (Royal National Theatre de Londres, dirigida también por Anna D. Saphiro), Israel (Habima Theatre de Tel Aviv), Puerto Rico, Australia, Austria (con el título de Una familia, protagonizada por Kirsten Dene), Argentina (protagonizada por Norma Aleandro), Suecia, Dinamarca, Uruguay, Perú, Nueva Zelanda... Los productores Harvey Weinstein y Jean Doumanian están preparando una adaptación cinematográfica de August: Osage County, que al parecer, a partir de un guion del propio Tracy Letts, será dirigida por John Wells y protagonizada por Meryl Streep en el papel de Violet Weston y Julia Roberts en el papel de su hija Barbara Weston.

Sobre el origen del título de la obra

El título de la obra coincide con el título de un poema del escritor Howard Starks (1929-2003). A este respecto, Tracy Letts ha declarado: «Jamás se me habría ocurrido un título tan brillante como Agosto: Condado de Osage. El señor Howard Starks, caballero, profesor, poeta, genio, mentor, amigo, creó ese título para un extraordinario poema que es una de las inspiraciones de mi obra. Robo el título con respeto pero sin sentimiento de culpa – seguro que Howard no esperaría otra cosa– y dedico esta obra a su memoria».

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Tracy Letts – Biografía

Dramaturgo y actor nacido en 1965 en Tulsa (Oklahoma, EE UU). Es hijo de la escritora Billie Letts y del profesor y actor Dennis Letts. Su hermano Shawn es músico de jazz y compositor. Se trasladó a Chicago a los veinte años de edad y trabajó durante 11 años como actor en dos de las compañías de teatro de aquella ciudad, Steppenwolf y Famous Door. Hoy en día sigue siendo miembro activo de Steppenwolf. También ha sido miembro fundador de Bang Bang Spontaneous Theatre. En 1991 escribió su obra Killer Joe, que dos años más tarde tuvo un notable éxito en Chicago y Nueva York y que posteriormente se ha representado en al menos 15 países y 12 idiomas distintos. Es autor de las siguientes obras: Killer Joe (1993), Bug (1996), Man from Nebraska (2003), August: Osage County (2007) y Superior Donuts (2008). En 2009 llevó a cabo una adaptación de Tres hermanas de Chéjov. Letts ganó un Tony y el Pulitzer de Teatro por August: Osage County en 2008. Años antes, en 2004, había obtenido una nominación al Pulitzer de Teatro por Man from Nebraska. Los personajes de las obras de Letts se plantean dilemas morales y espirituales. El autor ha manifestado sentirse inspirado por las obras de Tennessee Williams y las novelas de William Faulkner y Jim Thompson. Ha desarrollado también una amplia carrera como actor de teatro, cine y televisión.

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La mecedora

de Jean-Claude Brisville

Dirección Josep Maria Flotats

Traducción

Mauro Armiño

Producción: Centro Dramático Nacional

Jean-Claude Brisville – La mecedora (Le Fauteuil à bascule)

La mecedora reúne a tres personajes que viven en el mundo de la edición. Un Lector editorial, que acaba de ser despedido, fuerza un encuentro y se presenta en casa del Director para saber el motivo de ese despido. Cuando aparece un tercer personaje, un Ilustrador que se encarga de hacer cubiertas para los libros, los otros dos ya han planteado en buena medida el eje de La mecedora: la incomunicación de ambos y la situación de los grandes grupos industriales –en este caso el del libro–, que buscan el abaratamiento de costes por encima de todo, prescindiendo de cualquier consideración de valía personal o estima mutua, en aras de productos cada vez más baratos para el gran público, y cada vez peor elaborados, sin el menor control de calidad. El Lector ha sido sacrificado a las demandas del mercado, a la exigencia de abaratamiento de costes, al desprecio por la calidad del mundo empresarial, y es enviado al paro, del que su edad le impedirá salir. Se oponen, así, el Director, que no ha leído un solo libro de los que publica, y el Lector, que emite sus informes en función de la calidad o la belleza de los libros. Lo mismo ocurre con el Ilustrador, que ve negado el valor de su trabajo. Por la obra discurre, además, la sutil relación humana que relaciona a los tres personajes, hecha de encuentros o desencuentros.

Viernes 13 enero a domingo 19 febrero de 2012 TEATRO VALLE-INCLÁN | SALA FRANCISCO NIEVA

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Jean-Claude Brisville (Autor) Jean-Claude Brisville, dramaturgo francés nacido en Bois-Colombes en 1922, hizo toda

su carrera literaria en el mundo de la edición (Hachette, Julliard, director literario de Le Livre de Poche, 1976-1981). Se inició como periodista literario y se presentó en el teatro con Saint-Just (1955), obra patrocinada por Albert Camus. Esta obra contiene ya las líneas básicas de las creaciones escénicas de Brisville: un fondo dramático ocupado por protagonistas de la historia, de la literatura y del pensamiento, donde se debaten ideas y situaciones con diálogos sobrios que unen la ironía, el humor y el arte de los sobrentendidos. Autor de piezas para televisión, consiguió el éxito del gran público con La Fauteuil à bascule (La mecedora, 1981), donde desvela los entresijos del mundo de la edición.

A partir de entonces, Brisville ha querido hacer un «teatro de Historia que no sea solamente retrospectivo», enfrentando ideas y caracteres de grandes protagonistas de la historia: L’Entretien de M Descartes avec M. Pascal Jeune (El encuentro de Descartes con Pascal joven, 1985), que pone frente a frente a los dos mayores filósofos de su siglo; Le Souper (La cena, 1989), sobre el tema del «vicio apoyado en el brazo del crimen», con Talleyrand y Fouché como protagonistas diabólicos de un momento muy concreto de la historia de Francia; L’Antichambre (La antecámara, 1991), donde se enfrentan de manera encarnizada Mme. du Deffand y Julie de Lespinasse para controlar desde sus salones el mundo de la Ilustración. Otras obras suyas son: Contre-jour au Studio des Champs-Élysées (1993) ; el guión cinematográfico Beaumarchais l’insolent (Beaumarchais, el insolente), Sept comédies en quête d’acteurs (Siete comedias en busca de actores, 2007), etcétera.

El director de cine Edouard Molinaro ha llevado a la pantalla La cena y Beaumarchais el insolente. Como adaptador teatral, a Jean-Claude Brisville se debe la versión francesa de Las amistades peligrosas de Christopher Hampton.

Obtuvo el Gran Premio de teatro de la Academia Francesa en 1989 por el conjunto de su obra.

Es además autor de varias obras narrativas: D’un amour, La Fuite au Danemark, Zone d’ombre ; de ensayos: La Présence réelle et Camus ; y de libros de memorias y recuerdos como De Mémoire, (1998) Quartiers d’hiver (2006) y Rien n’est jamais fini (2009) ; y de libros de recuerdos: De mémoire (1998), Quartiers d’hiver (2006) y Rien n’est jamais fini (2009).

En los escenarios españoles Josep Maria Flotats ha estrenado dos de sus obras: La cena (2004) y El encuentro de Descartes con Pascal joven (2009).

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Luces de Bohemia

de Ramón María del Valle-Inclán

Dirección Lluís Homar

Equipo artístico

Dirección Lluís Homar Dramaturgia Xavier Albertí Composición musical Xavier Albertí Escenografía y vestuario Lluc Castells Iluminación Albert Faura Diseño de sonido Roc Mateu Movimiento Oscar Valsecchi Ayudante de dirección Tito Luqueti Ayudante de escenografía Borja Riquelme Ayudante de vestuario Nidia Tusal

Reparto

Enric Benavent Gonzalo de Castro

Gonzalo Cunill y otros

Producción: Centro Dramático Nacional El esperpento tiene mucho de amargo y cruel (aunque nunca le falten luminosos puntos de ternura). Pero la visión esperpéntica casi no deforma nada, sino que deja al desnudo, en toda su miseria, la realidad misma (o cierta zona suya). La bohemia literaria (la «golfemia», como decían los castizos), la del aguardiente, los sueños sin salida y la vergonzante pobreza, fue tal como se pinta. Y verdaderas parece que fueron las sustancias elementales, a menudo grotescas, de que estaba constituida aquella indeseada España. Hacerla mejor, regenerarla, es lo que quisiera Valle-Inclán. Y esa es la lección que nos deja el esperpento. Alonso Zamora Vicente La realidad esperpéntica (aproximación a Luces de Bohemia)

Viernes 20 de enero a domingo 25 de marzo de 2012 TEATRO MARÍA GUERRERO

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Asedio a Luces de Bohemia «... el esperpento. Palabra traída de una zona del habla cotidiana, familiar, que, de pronto, pasa a designar una actitud artística, una ladera de accidentados escarpes, y asciende a esa vaga comarca de los conceptos abstractos: esperpento, una nueva maquinaria en la aventura artística. «Es Luces de bohemia la primera producción llamada de esa manera. Apareció en la revista España, en entregas semanales, entre el 31 de julio y el 23 de octubre de 1920. En libro (con notorias e importantísimas variantes) salió en 1924. Para el lector acostumbrado a Valle Inclán, el nuevo libro suponía una clara profundización en algunos rasgos exagerados y, a primera vista, caricaturescos, que ya se habían hecho presentes en algunas obras anteriores (La pipa de kif, 1919; Farsa de la enamorada del Rey, de 1920; Farsa de la Reina Castiza, también publicada en entregas en La Pluma, agosto y octubre, 1920). Ante los ojos del lector, quizá nostálgico del Valle comedido y refinado de las Sonatas, se aguzaban las muecas desorbitadas de los nuevos personajes, moviéndose en violentos esguinces, resolviéndose muchas veces en muñequería triste y gesticulante. Ante la curiosidad en carne viva, se ofrecía la palabreja nueva, desazonadora: esperpento. En Luces de bohemia, los personajes hablan tumultuosamente, todos a la vez, en ocasiones chillando, gesticulando. Es la «deformación» correspondiente a la pausada entonación recitativa de las Sonatas, convertida en interjecciones, sobreentendidos, blasfemias, balbuceos, alaridos. Y, correlativamente, colocamos al lado de este idioma torrencial el aspaviento oportuno. Inevitablemente se nos viene a la memoria el cine primerizo, hecho a base de gesticulación exagerada y veloz. Habrá que contar ya para siempre con el cine, de una u otra forma. Las películas rancias, caídas, carreras, sustos, muertes grotescas, guiños apresurados y torpones, tolvaneras de inesperada emoción, etcétera, logran tangible corporeidad en las páginas del esperpento. El entierro triste, la huelga callejera, los vidrios rotos, la gritería, los contrastes de luz y de sombra, de amargura y de burla, recuerdan al cine del tiempo. He aquí el ángulo de modernidad más sangrante del esperpento. Todo el arte del siglo XIX hablaba de elementos mucho más tranquilizadores que el nuestro: se hablaba, con aplomo, de progreso, de fluidez, de evolución. Artísticamente, el matiz era decisivo. Pero el siglo XX nos ha enseñado un mundo en el que no tienen cabida tan seguras actitudes, sino que resulta el dominio total del absurdo, una complicada máquina en la que nexos y concatenaciones son imprevisibles, azarosos, ilógicos: Vivimos en el imperio de lo discontinuo, lo revolucionario. (...) Vemos ahora en el esperpento primerizo el alarido de una libertad recién conquistada. Ramón del Valle Inclán ha saltado la verja que ceñía su arte, verja de peligrosas lanzas, con interiores de biblioteca y de horizontes de ensueño, y descubre, ya en la calle, la luz de los atardeceres en la esquina con taberna, con solares sucios, con gentes desgreñadas esperando el milagro de cada amanecida. Es la vida desciñéndose caudalosa, redondo azar inesquivable. (...) palabras verdaderas, unas pocas, sí, pero humildes y dolidas como la indecible pesadumbre que acarrean, nos parece hoy Luces de bohemia. Toda esa porfiada protesta se

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nos desnuda hoy, ascendida a la cumbre de una corriente literaria y como manifestación suprema de un espacio humano que, por los cambios naturales de la sensibilidad o de las metas literarias, estaba a punto de hacerse ininteligible. Como ocurre en el arte de Quevedo, las alusiones, los juegos de palabras, en muchas ocasiones, estaban abocados a convertirse en oscuros malabarismos, avaramente plagados de secretos. Entretejida con ellos, yacía la realidad de una vida difícil, empobrecida y soñadora, que, en el cruce de los siglos XIX y XX, arrastró su desencanto y sus ratos de entusiasmo por los cafés, las callejas y las comisarías madrileñas. Ramón del Valle Inclán nos lo cuenta con el escalofrío de lo irreparable, con la brutal simplicidad con que desearíamos dejar para siempre los recuerdos ingratos. No hablemos más de «deformación». En todo caso, de lección avisadora. Asistimos a la génesis de un penoso «episodio nacional» fascinante vestidura de un parsimonioso desfile de sombras, cuerpo de humo fugitivo y transitorio, detrás del que una mirada disculpadora vislumbra el mejor y más puro invento del hombre: la esperanza. Esperanza, donde apoyará su cara, en qué muro enhiesto, impracticable, rebotará su risa. Pero tengámosla. Que la noche de Max Estrella no sea más que un viento último, volandera ceniza, pero esperanza, sí, esperanza por un mundo más cordial y desprendido, donde haya siempre tendida una mano al infortunio.

ALONSO ZAMORA VICENTE «Asedio a Luces de Bohemia, primer esperpento de Ramón del Valle Inclán». Discurso leído el 28 de mayo de 1967 ante la Real Academia Española de la Lengua. Texto íntegro en: http://www.cervantesvirtual.com/obra-visor/asedio-a-luces-de-bohemia-primer-esperpento-de-ramn-del-valle-incln-0/html/

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Pendiente de votación

de Roger Bernat

Dirección Roger Bernat y colaboradores Dramaturgia Roberto Fratini Visualización de datos Jaume Nualart Dirección técnica Txalo Toloza Coordinación Helena Febrés Agradecimientos Marga Socias

Coproducción: Centro Dramático Nacional | Teatre Lliure | CECN/Le Manège (Mons/ Maubeuge, Francia) y Elèctrica Produccions

El teatro se transforma en un Parlamento donde cada uno de los espectadores, armado con un mando a distancia con el que votar, gobierna el teatro en un hemiciclo en el que los colores políticos están por definir. En la política actual la función de la palabra es no convencer a nadie mientras las cosas cambian movidas por poderes que no se dicen y que después de todo no dialogan. Veamos qué sucede si de pronto, a falta de todo poder efectivo, el papel de la palabra vuelve a ser aquel, exquisitamente, originalmente político, de convencer a quien la escucha. Quizá la última playa de la política verdadera se encuentre en esa ausencia total de poder práctico. Pendiente de votación trata de ser esa última playa. No ya la versión falsa de un verdadero debate parlamentario, sino la versión verdadera del falso debate vigente. No ya ficción de la política, sino política de la ficción: políticos verdaderos contra los verdaderos políticos; o política verdadera contra toda forma de realpolitik. ¿Teatro de inmersión? Más bien, teatro de emersión.

Miércoles 29 febrero a domingo 4 marzo 2012 TEATRO VALLE-INCLÁN | SALA FRANCISCO NIEVA

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Quit (Las personas no razonables están en vías de extinción)

de Peter Handke

Dirección Lluís Pasqual

Escenografía Paco Azorín Vestuario Isidre Prunés Reparto (por orden alfabético)

Andreu Benito Jordi Boixaderas Jordi Bosch Eduard Fernández Míriam Iscla Nora Navas Boris Ruiz

Coproducción: Centro Dramático Nacional y Teatre Lliure

«En primer lugar, hay demasiados productos, el mercado se ha vuelto incontrolable. ¿Quién produce demasiado? ¿Uno de nosotros? Ridículo. ¿Quién, entonces? Los demás, naturalmente. Haremos que el mercado vuelva a ser dominable. En segundo lugar: ya no hay demasiados productos, sino demasiadas unidades de menos productos. Los almacenes frigoríficos rebosan de mantequilla. Lo he leído hoy desayunando. ¿Nuestra oferta es demasiado grande? No, la demanda es demasiado pequeña y este es el hallazgo que debe hacernos vivir. En tercer lugar: ¿la demanda es demasiado pequeña porque los precios son demasiado altos? Sin duda. Y los precios son demasiado altos porque los salarios son excesivamente elevados, ¿no es así? Por lo tanto, tendremos que pagar salarios más bajos. (...) La demanda crecerá y podremos reajustar nuestros precios. En cuarto lugar: podremos ir a menudo a pasear por el bosque para sentirnos, mientras tanto, seres humanos en plena naturaleza».

Miércoles 7 de marzo a domingo 1 de abril de 2012

TEATRO VALLE-INCLÁN

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Peter Handke Peter Handke (Griffen, Carintia, Austria, 1942), es novelista, dramaturgo, poeta y director de cine. Estas son algunas de sus obras publicadas en castellano: Los avispones; Gaspar; El pupilo quiere ser tutor; Insultos al público; El miedo del portero al penalty; Carta breve para un largo adiós; Desgracia impeorable; Cuando desear todavía era útil; El momento de la sensación verdadera; La mujer zurda; El peso del mundo; Lento regreso; La doctrina del Sainte-Victoire; Por los pueblos; Historia de niños; Historia del lápiz: vida y escritura; El chino del dolor; La repetición; Poema a la duración La ausencia; La tarde de un escritor; Ensayo sobre el cansancio; Ensayo sobre el jukebox; Ensayo sobre el día logrado; El año que pasé en la bahía de nadie; Un viaje de invierno a los ríos Danubio, Save, Morava y Drina o Justicia para Serbia; En una noche oscura salí de mi casa sosegada; Lucie en el bosque con estas cosas de ahí; La perdida de la imagen o por la Sierra de Gredos; Don Juan (contado por él mismo); Vivir sin poesía. Como director de cine, ha realizado La mujer zurda y La ausencia. También ha colaborado como guionista con el realizador Wim Wenders, en películas como El miedo del portero ante el penalty, Falso movimiento o Cielo sobre Berlín. Algunos de sus textos más recientes son Die Kuckucke von Velika Hoca (2009, «Los cucos de Velika Hoca», reportaje sobre un enclave serbio en Kosovo); Immer noch Sturm (2010, «Todavía tempestad», una obra teatral sobre el levantamiento esloveno contra Hitler en 1945) y Der grosse Fall («La gran caída», novela que narra 24 horas en la vida de un actor, una novela, según precisa su autor, «sobre la última visión de las cosas»).

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«Las personas no razonables están en vías de desaparición es (...) una aplicación del esquema de la tragedia shakespeariana de la desesperación al mundo de la empresa», dice Isabelle Bernard-Eymard en su libro Peter Handke: la sagesse déraisonnable.

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Extraño anuncio

de Adolfo Marsillach

Dirección Mercedes Lezcano

Equipo artístico

Escenografía Javier Aoiz Vestuario Ana Lezcano Iluminación Juan Gómez-Cornejo Audiovisuales Kike de la Peña Coordinación general Jacinto Bravo Reparto (por orden alfabético) Mabel Ana María Barbany El individuo José Carabias López Alonso Manuel Galiana Tipo 1 Óscar Olmeda Tipo 2 y El portero Kiko Sánchez La chica

Producción: Metrópolis Teatro

Viernes 16 de marzo a domingo 29 de abril de 2012 TEATRO VALLE-INCLÁN | SALA FRANCISCO NIEVA

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Extraño anuncio: Nota del autor Una obra de teatro no existe como tal hasta que se estrena. Mientras, debe conformarse con pertenecer –si se publica– a la literatura dramática. Es lógico y comprensible que los autores aspiren a ver representados sus textos, aunque dicha aspiración esté cargada de peligros. Una novela –como un poema– llega a las manos del lector prácticamente intacta. (La edición puede ser mala o buena, pero nada más). Las palabras son siempre las mismas por mucho que varíe el estado de ánimo de quien las lee. En este sentido, el teatro es un género esencialmente impuro. La inevitable –y necesaria– colaboración de los directores, los intérpretes, los escenógrafos y el público modifica la obra original hasta extremos en ocasiones insospechados. Por esta razón, los defensores de la pureza de los textos tienen –¡y lo saben!– la batalla perdida. El teatro es un cúmulo de admirables –o bochornosas– traiciones. Desconocer esta evidencia es como negarse a aceptar la muerte porque se supone que es malísima para la salud. Así hay que entender este juego escénico titulado Extraño anuncio: una idea, un argumento, unos personajes y unas frases que, con suerte, pueden facilitar la posibilidad de un buen espectáculo. Solo esto. La continuación será cosa del talento de todos los que intervengan en él. Desde la modestia de quien comprende que, por ahora, únicamente forma parte de un propósito, el autor de la obra declara que se divirtió mucho al escribirla tal vez porque es un individuo que cree que lo mejor de la vida –lo menos malo, diríamos– es su capacidad de sorprendernos. La teatralidad de vivir es lo que mantiene nuestro interés por continuar, a pesar de conocer el desenlace. La biología es una excelente autora de teatro porque nos sorprende todas las mañanas: nada más fascinante que un buen dolor de cabeza cuando nos hemos acostado con un estupendo dolor de estómago. Extraño anuncio quisiera llegar a convertirse en una sorprendida investigación sobre la inconsistencia de la realidad; un juego –conviene insistir en esta palabra- en el límite entre lo que ha ocurrido, lo que ocurre y lo que ocurrirá. Nadie es uno entero y de una vez; el fraccionamiento alucinante de nosotros mismos nos convierte al mismo tiempo en actores y público, en observadores y observados, en vivos y muertos. Es posible que nunca hayamos existido. Y es probable, por lo tanto, que esta obra no se haya escrito nunca. O que se esté escribiendo todos los días.

ADOLFO MARSILLACH Madrid, 27 de septiembre de 1992

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Extraño anuncio: Nota de la directora Este es un texto singular, atrevido, inquietante, desconcertante y poco frecuente en nuestros escenarios. Adolfo entendía el teatro como un juego y una pasión intelectual. Esta obra cuya carpintería teatral está muy elaborada se mueve en el terreno del suspense, de la duda, salpicada de ironía y de un humor elegante con el que el autor nos envuelve y arrastra, inquietándonos, y dejándonos a nosotros el hallazgo de la respuesta. Extraño anuncio es un teatro imaginativo, complejo, sin explicaciones realistas. Un texto con el que Marsillach intenta averiguar el hecho misterioso y apasionante de saber si estamos vivos o muertos. Investiga sobre la inconsistencia de la realidad, moviéndose en un terreno pantanoso que oscila entre la vigilia y el sueño; en el tiempo como engaño perceptivo. Nos pregunta: ¿únicamente recordamos el pasado? ¿O somos capaces de recordar el futuro? Estamos seguros de que a los amantes del teatro Extraño anuncio y Marsillach no les defraudará. MERCEDES LEZCANO

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La piel en llamas

de Guillem Clua

Dirección

José Luis Arellano Frederick Salomon, un fotoperiodista que consiguió la fama al capturar la imagen de una niña volando por los aires como consecuencia de una explosión, vuelve al país donde veinte años antes había tomado la conocida fotografía . Vuelve allí para recoger un premio, ya que muchos lo consideran clave en los recientes esfuerzos para conseguir la paz en el problemático país, pero una periodista local, Hanna, no está de acuerdo. Mientras la mujer entrevista a Salomon en una habitación de hotel, ambos debaten y cuestionan el papel de Naciones Unidas en su relación con los países del Tercer Mundo, el merchandising de las imágenes violentas y, por encima de todo, qué ocurrió exactamente el día fatídico en el que se tomó la foto. Simultáneamente, en el mismo espacio teatral tiene lugar la historia de otra pareja. Pero ésta no es consciente de la presencia de la otra. El doctor Brown hace una visita de rutina a una mujer local, Ida, cuya hija está en coma en un hospital de la ciudad. Ida ofrece sus favores sexuales a cambio del tratamiento médico que puede salvar la vida de su hija o incluso, trasladarla a vivir a Occidente. Las dos escenas contrapuestas de engaño y desesperación van tejiendo poco a poco un argumento que el público construye con los fragmentos que la guerra ha dejado tras de sí. ¿Quién era la niña de la fotografía? ¿Cómo cambió su vida, y la de su país, y la del mundo, aquella imagen? ¿Y qué resultados tendrán los horribles dilemas a los cuales se enfrentan todos los personajes? La piel en llamas conduce a los espectadores en un viaje emocional e intelectual que se acaba convirtiendo en todo un reto, que les obliga a considerar y cuestionar la línea que divide a poderosos de necesitados.

Producción Centro Dramático Nacional

Viernes 30 de marzo a domingo 6 de mayo de 2012 TEATRO MARÍA GUERRERO | SALA DE LA PRINCESA

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La loba

de Lillian Hellman

Dirección

Gerardo Vera Versión Ernesto Caballero Escenografía Gerardo Vera Iluminación Juan Gómez-Cornejo Diseño de sonido Roc Mateu Vestuario Franca Squarciapino Piano Mariano Marín Videoescena Álvaro Luna Ayudante de dirección Fefa Noia Ayudante de escenografía Toni Romero

Reparto

Nuria Espert

y otros

Coproducción Centro Dramático Nacional

y Juanjo Seoane Producciones

Viernes 20 de abril a domingo 10 de junio de 2012

TEATRO MARÍA GUERRERO

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La loba

Little foxes (La Loba), de Lillian Helman, es todo un clásico de la literatura dramática norteamericana. Con claras reminiscencias chejovianas, la obra es un gran mural de las clases adineradas del Sur en los primeros años del siglo veinte. La autora fustiga la ambición desmedida y la falta de escrúpulos de muchos voraces especuladores que tras la guerra civil estadounidense se lucraron, fundamentalmente, con la industria algodonera. En la figura de Regina Giddens, potentada sureña, se condensa la codicia, la manipulación y, sobre todo, la inteligencia al servicio del lucro y enriquecimiento personal; sus tramas, sus intencionados silencios, su calculada afabilidad, su refinada psicología, la convierten en uno de los personajes más complejos y sugestivos del teatro contemporáneo. Es sin duda una heroína (o antiheroína) de nuestros días que termina tomando conciencia de que los hilos que mueven su compulsiva trayectoria -la implacable y feroz competitividad financiera-, conducen inexorablemente a un destino de frustración y soledad. La obra, por tanto, pone de relieve eso que el sociólogo Richard Sennet denomina corrosión del carácter en el capitalismo, y lo hace en un vibrante hervidero de emociones, ambiciones, anhelos y frustraciones de una próspera familia de una pequeña ciudad del sur de los Estados Unidos a principios del siglo pasado. Nuestra versión se inicia cuando, al cabo del tiempo, la protagonista se reencuentra con su hija, Alexandra, que acaba de dar cuenta de todo lo acontecido con sus progenitores en una novela de inminente publicación. Regina Giddens Hubbard, entonces, tendrá ocasión de volver a desplegar sus enormes dotes de sagacidad y persuasión poniendo en cuestión la propia interpretación de los hechos que se desprenden del texto original. Y es que nuestra loba sabe que hoy en día de nada sirve hacerse con el monopolio de los medios de producción si uno no llega a controlar algo más valioso e inmaterial: el relato de la realidad. ERNESTO CABALLERO

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El inspector

de Nikolai Gogol

Dirección y versión Miguel del Arco

Producción

Centro Dramático Nacional En su pieza corta A la salida del teatro, Gogol esconde en un rincón del hall de un teatro al autor de la representación que acaba de ofrecerse – queda claro que se trata de El inspector–, para escuchar los comentarios del variopinto público que ha asistido. Un espectador que se ha visto reflejado dice muy ofendido: «Con la risa no pueden gastarse bromas. Esto equivale a destruir todo respeto. Ni más ni menos. Después de esto, se me acercará cualquiera en la calle y me dirá: se ríen de vosotros. Tú tienes la misma categoría, así que ¡toma una bofetada!». Otro dice: «El autor no ha sacado a un hombre honrado siquiera. No se ven más que pillos y pillos». Tras escuchar todo tipo de opiniones y congratulado por la diversidad de éstas: «Feliz el autor que nació en una nación donde la sociedad no se ha fundido aún en una masa inmóvil», reflexiona, sin embargo, sobre la tristeza que se adueña de su corazón: «Nadie ha advertido a un personaje honrado que figura en mi comedia. Es la risa. La risa era noble porque se decidió a mostrarse a pesar del bajo concepto que de ella se tiene en el mundo. La risa tiene más valor y es más profunda de lo que se piensa. No la risa ligera que sirve de distracción y diversión a los hombres que no tienen nada que hacer. Me refiero a la risa que brota de la diáfana naturaleza humana, que profundiza el tema de que se trate y hace resaltar lo que de otro modo pasaría inadvertido, sin la penetrante fuerza de la cual no asustarían tanto al hombre la pequeñez y el vacío de la vida. Lo despreciable e insignificante, ante lo cual pasa con indiferencia a diario, no se convertiría para él en una fuerza terrible, casi caricaturesca, y no exclamaría estremecido: ‘¿Es posible que existan tales seres?’, siendo así que su propia conciencia le dice que los hay incluso peores todavía. No, la risa no es indigna. Indigna lo tenebroso, mientras que la risa es luz. Las burlas son lo que más temen incluso los que nada temen en el mundo». El inspector, estrenada en 1836, parece heredera de El retablo de las maravillas y antesala de Bienvenido Mr. Marshall. Una comedia delirante que, como dijo otro maestro, intentaremos abordar con rigurosa y absoluta seriedad. MIGUEL DEL ARCO

Viernes 4 de mayo a domingo 17 junio 2012 TEATRO VALLE-INCLÁN

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Exposición de Vitín Cortezo Vitín Cortezo (Víctor María Cortezo, 1908-1978) fue un destacado escenógrafo, figurinista y pintor. En su juventud fue amigo de Federico García Lorca, Luis Cernuda, Adolfo Salazar y Jean Cocteau. En París trabajó en los Estudios Gaumont. Diseñó escenografías y figurines de innumerables obras de teatro, especialmente en los Teatros Nacionales, así como de danza, especialmente con Antonio Ruiz Soler y Pilar López (Concierto de Aranjuez, 1978). De él ha dicho Francisco Nieva: «El teatro fue su vida y no su estrategia para vivir, y se rio de quienes solo veían en él al figurinista... Casi no se sabía ni quería saberse que muchas noches de teatro le debían todo su prestigio visual, que habían sido imaginadas por él en su totalidad».

Exposición organizada por Museo del Teatro de Almagro

Viernes 11 de mayo a domingo 17 de junio de 2012 TEATRO VALLE-INCLÁN | SALA FRANCISCO NIEVA

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Titirimundi

Selección de espectáculos del Festival Internacional de Teatro de Títeres Tititimundi

Jueves 17 de mayo a domingo 17 de junio de 2012 TEATRO MARÍA GUERRERO | SALA DE LA PRINCESA