EL ARTE CONTEMPORÁNEODE LOS AÑOS CINCUENTA A LA ACTUALIDAD

Los horrores de la Segunda

Guerra Mundial forzaron a

miles de personas a

abandonar Europa, entre

ellos, a muchos científicos,

escritores y artistas. La

ciudad de París quedó

destruida por la Guerra y la

ocupación de que fuera

objeto por las fuerzas

alemanas. De esta manera,

muchos pintores emigraron a

Nueva York, donde

encontrarían apoyo en los

artistas norteamericanos.

De hecho, ya había

existido un contacto

anterior entre los artistas

de ambos continentes, el

llamado Armory Show en

1913, donde por primera

vez se exhibieron obras

del arte contemporáneo

en tierras americanas, lo

que causó sorpresa y a

veces disgusto entre el

público, pero llamó la

atención a los jóvenes

pintores

estadounidenses.

Estas influencias, así

como la presencia de

los muralistas

mexicanos Orozco y

Rivera en Nueva York

y otras ciudades,

terminarían de

conformar las

influencias que darían

forma a la llamada

Escuela de Nueva

York y en general al

arte contemporáneo

de la segunda mitad

del siglo XX.

A partir de la llegada de los

inmigrantes europeos, el arte se

revitaliza, y Nueva York se convierte

en la nueva capital artística mundial.

Sin embargo, no son solamente las

guerras lo que propicia la aparición

de estas nuevas vanguardias, sino

muchos otros factores combinados,

como la aceleración de la vida

cotidiana, la velocidad en las

comunicaciones, los problemas de

las grandes urbes citadinas…

…la publicidad en los

medios de comunicación

masiva, la creciente

enajenación, la era nuclear,

la Guerra Fría y sus

constantes conflictos, como

Corea, Vietnam, Medio

Oriente, Cuba, etc. El arte

de este periodo histórico es

fiel reflejo del mundo

contemporáneo, con todas

sus contradicciones.

De esta manera, El

expresionismo abstracto,

también llamado action painting

es una de las tendencias que

surgen a finales de los años

cuarenta y principio de los

cincuenta.

Un famoso representante es

Jackson Pollock, quien admiraba

la obra de los muralistas Siqueiros

y Orozco, por lo que pensó en dar

a sus obras dimensiones muy

grandes, como si se tratara de

murales, además de buscar el

automatismo.

Sin embargo, estas obras son absolutamente

abstractas, y se basan en el automatismo predicado

anteriormente por dadaístas y surrealistas, en cuanto a

que la obra artística debe hacerse sin un plan

preconcebido, sino dejando salir los impulsos del momento de manera libre.

De los indios

norteamericanos extrajo

la idea de pintar grandes

masas de color, pero a

diferencia de aquéllos,

Pollock chorreaba

pinturas de diversos

colores en grandes

lienzos colocados en el

suelo. Otro representante

de esta tendencia es Willem de Kooning.

Una variante del Expresionismo

abstracto es la llamada Color Field

Painting o “pintura de campos de

color”. Consisten en grandes áreas

coloreadas de tonos que se

mezclan sutilmente entre sí. El

mayor representante de esta

tendencia es Mark Rothko. Más

tarde aparecerían pintores que

mezclaran ambas tendencias, tanto

la dinámica Action Painting como la

pasiva Color Field Paintig. Esta

fusión se manifiesta en las obras de

Robert Motherwell, entre otros

artistas.

A finales de los años cincuenta surge

en Inglaterra una tendencia artística

que se basa en las imágenes del cine,

en los productos comerciales y en la

publicidad. Se llamó Pop Art. Sin

embargo, tuvo más desarrollo y

popularidad en los Estados Unidos

durante la década de los sesenta,

especialmente en los trabajos de su

mayor representante, Andy Warhol,

quien causara gran revuelo con sus

obras donde representa latas de sopas

Campbells, botellas de Coca Cola, y

otros productos comerciales,

que repetía en sus obras hasta la

saturación.

También realizó trabajos usando

los rostros de famosas figuras del

cine, como Marylin Monroe, Elvis

Presley o Elizabeth Taylor.

Algunos críticos consideran esta

tendencia como una crítica a la

sociedad de consumo, mientras

que otros opinan que el Pop Art

es todo lo contrario, un arte

consumista y comercial.

Representante de esta tendencia

es también Roy Lichtenstein,

quien usara los comics como

medio de expresión en sus obras.

También desde los años

cincuenta, pero más

frecuentemente en los

sesenta se elaboran

instalaciones, que suelen

consistir en combinar

objetos de grande o

pequeño formato en las

paredes del museo o

fuera de éste, elaborando

a veces verdaderas

escenografías, para de

esta manera brindar una

experiencia de mayor

vitalidad al espectador.

Las instalaciones iban frecuentemente combinadas

con los happenings, actuaciones personales o de

grupo que solían presentar actitudes absurdas o con

significados poco evidentes. Ambas actividades

parecen tener sus raíces en los eventos dadaístas que

se realizaron a partir de la Primera Guerra Mundial. El

iniciador de ambas tendencias fue el norteamericano

Allan Kaprov. Otro representante es George Segal

quien armaba extensas escenografías de maniquíes.

En los sesenta se presenta

también el Op Art, que consiste

en engañar al ojo con ilusiones

ópticas a través de pinturas,

esculturas o móviles, siempre

abstractos. El más distinguido

representante de esta

tendencia fue Victor Vasarely,

un pintor de origen tanto

francés como húngaro, quien

inspirado en Mondrian y

Kandinski quiso seguir sus

propias investigaciones sobre

la percepción de formas y

colores.

El MINIMALISMO se desarrolló en los años sesenta y

setenta, buscando expresarse con la menor cantidad de

elementos, tanto en pintura como en escultura. Encontramos

obras grandes, de pocos elementos, muy geometrizadas,

colores planos y poco cambiantes. Son obras muy puras y

racionales. Un artista de esta tendencia es Frank Stella

Sin embargo, algunas de estas obras, cuando

interactúan con el paisaje, el movimiento del sol o

algunos elementos luminosos dentro de las salas del museo, cobran movimiento y se hacen más vitales.

Durante los años setenta sucede

una reacción contra la rigidez del

minimalismo. De esta manera

nace el arte conceptual. Esta

corriente artística propone una

idea o reflexión a través de

distintos medios plásticos,

generalmente instalaciones, que

llevan al espectador al análisis de

ideas, conceptos y situaciones.

Un representante de esta

corriente es Joseph Kosuth quien

en su obra Una y tres sillas, invita

a la reflexión al presentar la silla

esencial, la silla virtual y la silla

real.

El arte conceptual se amplía

cuando los creadores

realizan lo que va a

llamarse a partir de los años

setenta el performance art,

donde los conceptos suelen

expresarse a través de

actuaciones, danzas,

cantos, acciones similares a

las ejecutadas en los

happenings, y a veces

combinando todo esto con alguna escenografía.

Yves Klein

Un destacado representante

de esta tendencia es Joseph

Beuys, quien se sentó durante

horas en un museo con la cara

pintada hablando sobre el arte

a un conejo muerto.

Dentro del Performance

se encuentra el Body

art, que implicaba una

actuación de profundos

alcances físicos y

orgánicos.

Representante de esta

tendencia es Chis

Burden, quien se

electrocutó a sí mismo

para realizar una

imagen llamada Puerta

al cielo.

Marina Abramovic es una

artista del Performance

desde los años setenta.

Con su novio Ulay realizó

muchas obras dentro de

los museos. Su separación

amorosa fue un

performance también,

desde la Muralla China

hasta el desierto de Gobi.

Se reencontraron años

después, de manera

sorpresiva para ella.

Siguiendo otras inspiraciones, algunos artistas

desarrollaron instalaciones instalando objetos a

veces efímeros y a veces permanentes en lagos,

ríos, montañas, cráteres, bosques, etc. Se busca

una comunión de lo cultural con lo natural.

Christo

Christo

También surge el Land art o Earthwork que se

aproxima, modifica y dialoga con los espacios

naturales.

Robert Smithson

Estas tendencias provocaron una reacción en los

pintores y escultores que aún deseaban expresarse de

maneras más tradicionales, por lo que algunos pintan

con la exactitud de una fotografía en el llamado

hiperrealismo.

Richard Estes

Ron Mueck

Otros artistas reviven e reinterpretan el expresionismo,

el cubismo o el surrealismo y algunas tendencias del

pasado, formulando nuevas propuestas llamadas

neoexpresionismo, neosurrealismo, neocubismo, etc.

Ricardo

Pulido

Desde los años setenta del

siglo XX hasta el presente se

aprecia una gran exploración

artística, una búsqueda

incansable de técnicas y

materiales nuevos, en

especial, el uso de la basura

y los desechos domésticos e

industriales, como en el Arte

Povera, que nace en Italia y

después aparece su

contraparte, la

Transvanguardia, con temas

pictóricos, que incluyen obras

del pasado clásico.

Michelangelo

Pistoletto

Carlo María

Mariani

Algunos artistas continúan

explorando las vanguardias

anteriores, mientras que

otros reaccionan

violentamente ante ellas.

Estas tendencias persisten

hasta el comienzo del siglo

XXI, con búsquedas que

quieren sintetizar o

contradecir de maneras

novedosas las expresiones

artísticas consagradas por

los maestros del pasado

que han logrado la

inmortalidad.

Tigran Tsitoghdzyan