Marina Alonso López

Nace en 1599 en Sevilla, fue bautizado el 6 de junio, y fallece en 1660 enMadrid.

El 17 de noviembre de 1611 su padre firma su contrato de aprendizaje con F.Pacheco, pintor culto, con muy buenas relaciones con los intelectuales de laépoca como Francisco de Rioja o Juan Fonseca.

El 14 de marzo de 1617 le conceden el título de maestro de pintura e imagineríatras examinarse frente a un tribunal formado por varios maestros de pintura.

Su producción artística se puede dividir en varios periodos:

Primer periodo sevillano: desde 1599 hasta 1622-23 con su marcha a Madrid.

Sexenio madrileño: de 1623 a 1629

Primer viaje a Italia: de 1629 a 1631

El siguiente periodo abarca varios años y se puede dividir en dos partes:

Desde 1631 a 1648: hasta 1639 trabajará muchísimo en la decoración delPalacio del Buen Retiro y la Torre de la Parada. De 1640 a 1648 apenaspinta.

Segundo viaje a Italia: de 1648 a 1651 año en el que regresa a Madriddonde fallece en 1660.

Las obras de este periodo tienen un influjo caravaggista o tenebrista, sonbodegones, con figuras de clase social baja, rodeadas de utensilios y alimentos.Algunas obras de este periodo son, “Almuerzo”, “Vieja friendo huevos”, “Bodegóncon Cristo con los discípulos de Emaús”, “Adoración de los Magos”: y algúnretrato:

“Almuerzo” “Vieja friendo huevos”

Posible retrato de Francisco Pacheco

“Adoración de los Magos”

“Bodegón con Cristo con los discípulos de Emaús ”

Pacheco nos cuenta que Velázquez es llamado a Madrid, en 1623, por Juan deFonseca y Figueroa, y gracias a un retrato que le realiza y que es mostrado antela corte logra un encargo del propio monarca Felipe IV. En agradecimientoVelázquez le regala la pintura “Un Aguador” a Fonseca.

Durante estos años recibe numerosas mercedes por parte de Felipe IV, queprotege al pintor de forma desmesurada. Está realmente encantado con todoslos retratos que le realiza , tanto a él como a miembros importantes de la corte.

Además de los numerosos retratos, también realizará alguna pintura religiosa ysu obra “Baco coronando a un borracho”, no especialmente buena en cuanto ala construcción del espacio pero de un realismo asombroso, ese es el rasgocaracterístico de Velázquez, da igual la condición del personaje siempre lostrata con gran realismo.

Gracias a su entrada en la corte y a la gran consideración que le tenía elmonarca, pudo acceder a la colección real y estudiar las grandes obras que seconservaban en palacio, además de conocer a grandes personajes europeoscomo Rubens.

Rubens dejó una fuerte impresión en Velázquez, hizo que éste se interesara porlas obras de Tiziano, seguramente también le recomendó viajar a Italia, dosmeses después de su encuentro solicitó el permiso para marchar allí. Velázquezcomprobó que Rubens era más que un pintor, era un diplomático, uncortesano, y quiso emularlo.

Retrato de Felipe IV

“Baco coronando a un borracho”

“Un Aguador”Retrato del Conde Duque de Olivares

Velázquez embarca, junto al general Spínola que también marchaba a Italia, el10 de agosto de 1629 en Barcelona, el monarca ordena que se conserven todassus mercedes y el Conde Duque le proporciona varias cartas de recomendación.

Tras pasar por varias ciudades como Milán, Venecia, Ferrara, Loreto, llega aRoma a finales de 1629. En un principio se aloja en los palacios Vaticanosgracias al Cardenal Barberini, allí estudia las obras de Rafael, Miguel Ángel y laestatuaria clásica. En el verano de 1630 traslada su residencia a la villa Medici.

De la estatuaria clásica aprendió mucha anatomía, de Miguel Ángel el carácterescultórico de las figuras, de Rafael cuestiones compositivas. En cuanto a lacorriente caravaggista, que en Italia ya estaba en decadencia, Velázquez se diocuenta de que ya lo había realizado en Sevilla durante sus primeros años comopintor, y se centró en la visión contraria, el clasicismo (G. Reni, Domenichino,etc.). En cuestiones de paisaje le influyó mucho Pietro da Cortona, sabemosque lo conoció en este primer viaje.

Velázquez no buscó ningún cliente o mecenas, fue a Italia para aprender yevolucionar , las obras que realizó las pintó para él, son: dos vistas del jardín dela villa Medici, “La túnica de José” y “La fragua de Vulcano”. Se tienen noticiasde algún otro cuadro pero su atribución no es segura.

Este largo periodo lo dividiremos en dos fases: 1631-1639 y 1640-1648.

1631-1639 Entre 1631 y 1633 realiza retratos de la familia real y grandes cortesanos, también

recibe encargos de obras religiosas por parte de personajes de alta posiciónsocial.

Estos retratos suelen tener fondos neutros, en los reales coloca un cortinajecomo símbolo de poder y los personajes suelen aparecer con una de sus manosapoyadas en algún elemento, una silla, la empuñadura de la espada, con labengala de mando. Destacan por la gran calidad de las vestimentas, por lasoltura en la pincelada y por supuesto por el gran realismo.

Durante estos años realizará tres obras religiosas: “Cristo crucificado muerto”,“Cristo crucificado vivo” y “La tentación de Santo Tomás de Aquino”. En ambosCristos Velázquez realiza una preparación muy cuidadosa del lienzo y lospigmentos, son obras devocionales, no pretende narrar nada. Existendiferencias, la principal es que en uno de los cuadros Cristo está vivo y serecorta sobre un fondo de paisaje. En cuanto al otro cuadro nos encontramosante una escena narrativa, en la que destacan los magníficos colores de losmantos de los ángeles.

“La tentación de Santo Tomás”

Retrato de Baltasar Carlos

“Cristo crucificado muerto”

Entre 1633 y 1636 trabajará intensamente para la decoración del Palacio del BuenRetiro por orden real, y realizará alguna obra aislada como “La coronación de laVirgen” para la reina.

Para la decoración del Palacio del Buen Retiro realizó varios cuadros de diversatemática, religiosa, retratos de los hombres de placer de la corte (llamados así en losdocumentos), los retratos ecuestres de los monarcas, y la “Rendición de Breda”.

“San Pablo ermitaño visitado por San Antonio Abad” lo realizó para una de lasermitas del jardín del palacio. Destaca por el magnífico trabajo de paisaje. Entre losretratos de los hombres de placer de la corte destaca el de Pablo de Valladolid por lacapacidad de asentar al personaje en un espacio en el que no se diferencia el suelode la pared, está rodeado de aire sólo su sombra en el suelo lo ubica en el espacio.

Para el salón de Reinos pinta los retratos ecuestres de Felipe IV y Baltasar Carlos ,considerados de su autoría, en el resto de retratos existe la intervención de otroartista seguramente Juan Bautista Martínez del Mazo. Destaca la posición delcaballo de Baltasar, da la sensación de que el caballo se lanza hacia fuera.

En cuanto a la “Rendición de Breda”, rompe completamente con la tradición derepresentar triunfos en batallas. Composición compleja, los dos grupos están enplano de igualdad, no exalta al vencedor.

Alguna obra aislada: Retrato ecuestre del Conde Duque, “Lección de equitación delpríncipe Baltasar Carlos” y “La coronación de la Virgen”.

“San Pablo ermitaño visitado por San Antonio Abad”

Retrato ecuestre de Baltasar Carlos

Retrato de Pablo de Valladolid

“La rendición de Breda”

“La coronación de la Virgen”

Entre 1636 y 1639 trabajará en la decoración de la Torre de la Parada y tambiénrealizará algún retrato de personajes que llegan a la corte de Madrid.

Para la Torre de la Parada vuelve a realizar algún retrato de los hombres deplacer de la corte, destacan el retrato de Don Diego de Acedo y FranciscoLezcano. Destacan por la pincelada suelta, el cromatismo y los fondos depaisaje.

Al ser un lugar de descanso para la caza se le encargan tres retratos, de FelipeIV, del Cardenal Infante, y de Baltasar Carlos, los tres ataviados de cazador. Decomposición similar, cambia las posiciones del arcabuz , los tres presentan unagama de colores oscuros.

Para la propia alcoba del rey en la Torre de la Parada realizará tres pinturas,“Dios Marte”, “Menipo” y “Esopo”. Existe una controversia en cuanto a susignificado, la pintura del dios Marte se puede relacionar con la guerra y la caza.Los dos filósofos, según la leyenda, reaccionan ante la actitud de los hombresque sólo se dedican a cosas vanas, como por ejemplo la caza, Menipo, sonríeirónicamente y Esopo se entristece, así aparecen retratados. En conjunto elmensaje sería una recomendación para el monarca que no debe dedicarse sólo alas vanidades, por ello aparece la guerra, no debe olvidarse de ella.

En cuanto a los retratos destacarían el de la Duquesa de Chevreuse y el delDuque de Módena, Francesco d´Este.

Retrato del Cardenal Infante

Retrato de Felipe IV

Retrato de Baltasar Carlos

Esopo Dios MarteMenipo

1640-1648 Será un periodo poco fecundo, nada que ver con el periodo anterior de 1631 a

1639. Realizará un cuadro por año.

Durante estos años recibirá más mercedes por parte del monarca y seránombrado ayuda de cámara, además de otros oficios.

Realiza dos retratos importantes, uno de Felipe IV y otro de Sebastián deMorra, un enano de la corte. Destacan por el cromatismo y la luminosidad,ilumina el rostro de ambos personajes.

Durante estos años pintará la “Venus del espejo” y “La fábula de Aracne”, a laque dedicaremos un estudio más pormenorizado. En la “Venus del espejo”, unedos iconografías, las Venus recostadas desarrolladas en Venecia, y el arreglo dela diosa frente al espejo. Pero Velázquez no pinta a una diosa, si no a una mujerreal. Compositivamente tiene un sentido ondulante. En cuanto ainterpretaciones existen varias: unos defienden que es una alegoría de lavanidad, otros que la realizó en Italia y representan a su amante y a su hijoilegítimo, o que es el amor vencido por la belleza basándose en que Cupidotiene las manos atadas con una cinta al espejo.

“La Venus del espejo”

Retrato de Sebastián de Morra.

Este viaje es concebido por Felipe IV, Velázquez tiene la misión de encargarcopias de esculturas clásicas para el Alcázar, comprar alguna pintura yencontrar a un pintor que trabajara el fresco para enviarlo a España.

Velázquez encontró alguna dificultad a la hora de encargar las copias de lasesculturas ya que los coleccionistas que las poseían eran recelosos, a pesar deello consiguió dieciséis copias, doce leones de bronce dorados y diez bustos deemperadores. En cuanto a las pinturas compró de Tintoretto seis historias delAntiguo Testamento, una copia del “Paraíso”, y algunos retratos. Del Veronéscompró “Venus y Adonis”, “Céfalo y Procris” y “Jesús entre los apóstoles”. Comopintores contrató a dos artistas de Bolonia, Agustino Mitelli y Colonna.

Finalizada su misión se dedicó a retratar a varios pontífices y al Papa para que lebeneficiaran en su deseo de ingresar en la Orden de Santiago. Retrata al PapaInocencio X y al cardenal Camilo Astali Panfili. También existe alguna pinturade carácter más personal e intimista como “Mujer que hace labor”, junto con unautorretrato.

Autorretrato

“Mujer que hace labor”

Retrato del Papa Inocencio X

Retrato del Cardenal Panfili

Al regresar de Italia recibe el cargo de aposentador de palacio, una merced másrecibida del monarca.

Decorará varias salas del Alcázar, y recibirá el encargo de trasladar varias pinturas alEscorial obtenidas en la almoneda de los bienes de Carlos I.

Realizará algunos retratos más de la familia real como “La reina doña Mariana deAustria”, “La infanta María Teresa” y los últimos retratos de Felipe IV. Los dosretratos de las damas destacan por la pincelada suelta y por la gran calidad de lasvestimentas al igual que por la textura tan lograda de los dos paños blancos quesujetan. En cuanto a los retratos de Felipe IV son de carácter intimista, nosmuestran la decadencia de un monarca ya agotado.

Durante estos años pintará una de sus grandes obras “Las Meninas” en las que nospresenta una escena creada a través de unas pinceladas sueltas que definenperfectamente todos los elementos observando la pintura a cierta distancia. Estetipo de pincelada tendrá una enorme influencia en pintores del siglo XIX comoÉdouard Manet.

Su último acto oficial fue acompañar a la corte española a la frontera francesa conmotivo del matrimonio entre la infanta María Teresa y Luis XIV.

Al regresar a Madrid cayó enfermo y falleció el 6 de agosto de 1660. Su cuerpo fueamortajado con el uniforme de la Orden de Santiago que le habían impuesto en1659, su gran sueño.

Retrato de la infanta María Teresa

Retrato de Felipe IV

“Las Meninas”

Conocido como “Las Hilanderas”, título del siglo XIX, este cuadro está rodeado decontroversias. En 1948 se resolvieron algunas dudas respecto al encargo de estapintura.

Se descubre un documento de 1664, un pintor, Pedro de Villafranca tasa las pinturasde Don Pedro de Arce, la más cara es un Velázquez, “La fábula de Aracne”, valoradaen 5.500 reales.

A partir de aquí se afirma que Don Pedro de Arce fue el que encargó la pintura, perotras investigar sobre su vida y oficios es poco probable ya que el personaje que laencargara debía formar parte de la intelectualidad de la época y conocerpersonalmente a Velázquez debido a la carga simbólica de la pintura.

Don Pedro de Arce era hijo de un platero, nació en Madrid pero su familia era deEspinosa de los Monteros, los que nacían en esta ciudad tenían el derecho a sermonteros de cámara del Rey, velaban el sueño del monarca. Don Pedro lo fue peroporque compró el oficio.

Se casó en dos ocasiones y con dos viudas ya mayores y muy ricas que poseíanmuchas obras de arte . En 1657 se realiza el inventario de los bienes de su primeraesposa, y el cuadro no aparece mencionado. De 1664 es el inventario yamencionado, en el que aparece el cuadro y se realiza al casarse con su segundaesposa, por lo tanto la pintura no pertenecía a ninguna de las dos mujeres.

Por ese inventario de 1664 se deduce que no era un gran coleccionista, nitampoco un personaje culto, no aparece ni un solo libro entre sus bienes.

Seguramente el cuadro acabó en sus manos por una deuda no saldada ya queera un prestamista. Si la persona a la que había prestado dinero no se lodevolvía recibía a cambio bienes materiales como joyas o cuadros.

Junto a ese inventario aparecen documentos relacionados con una deuda delMarqués de la Lapilla, Don Fernando Ruiz de Contreras, Secretario de Estado.

Este personaje encaja perfectamente en el perfil de mecenas de esta pintura, eraun hombre muy culto, tenía relación con Velázquez, le escribió a Italia, ademásPalomino nos cuenta que le retrató.

Don Fernando Ruiz de Contreras fue el que le encargó la obra a Velázquez oéste se la regaló y posteriormente se vio obligado a entregársela a Don Pedro deArce para saldar sus deudas.

La fábula de Aracne se narra en el libro V de las Metamorfosis de Ovidio, y porlos inventarios sabemos que Velázquez poseía dos ejemplares. En el tapiz delfondo se representa “El rapto de Europa”, pintura de Tiziano y que Rubenscopió. Según la fábula, Aracne tejió muchos tapices pero el primerorepresentaba el rapto de Europa.

Como preparación del lienzo Velázquezempleó albayalde. En cuanto a lospigmentos empleó tres tipos diferentes deazul, en la falda de la devanadora, mujerque aparece en la imagen, empleólapislázuri.

Compositivamente es una obra muy bienequilibrada, muy estudiada, coloca al fondocinco figuras de pie y en primer términocinco figuras sentadas o inclinadas.

Coloca unas escaleras para elevar la escenadel fondo y que sea visible. Para no dejaruna hueco muy amplio en el centro de lapintura coloca a una mujer sentada, lacardadora, también la pierna de otra de lasmujeres , un gato y un ovillo de lana.

Consigue profundidad al fondo gracias a untapiz que cuelga de una de las paredeslaterales y la viola, pero sobre todo gracias ala luz.

En la escena del primer término pinta unosfondos color gris ocre amarronado, en la pared yen el suelo. Estos colores los va manchando contonos de carácter rojizo como la cortina, la faldade la mujer que la aparta y la falda de lacardadora. A su vez estos tonos rojizos losalterna con toques blancos como la camisa de ladevanadora y el azul de su falda.

En el segundo espacio encontramos azules,amarillos y tonos verdosos, como la falda deAracne. Por lo tanto, estamos ante una paletamuy amplia con una alternancia de colores enprimer término que se culmina en el segundoespacio.

La maestría de Velázquez se observa en losrostros que apenas tienen pasta, estánemborronados, como se observa en la imagen,toda la pintura es de factura desecha.

La luz es fundamental para el color y elespacio, al igual que en “Las Meninas”,busca el espacio por juegos luminososcomo una perspectiva aérea.

Es un estudio muy complejo de luces ysombras.

En primer término la luz proviene de laizquierda muy oblicua.

En el segundo término la luz proviene demanera más fuerte de la izquierda, perotambién existe un foco desde la derechaquedando esta parte de la pintura másiluminada.

Hay un aspecto muy dinámico, la ruecaparece en movimiento al igual que lasmanos de la devanadora que estánmoviendo los hilos. Se ha dicho que estosaspectos se deben a suciedades de lapintura, pero no es cierto, Velázquez loconsiguió gracias a esa pincelada tandesecha.

Como fuente para el tapiz del fondo tenemos aTiziano y a Rubens. Para el resto de figuras sebarajan varias estampas, para las dos figuras delprimer término se considera como fuente unapareja de muchachos de la Capilla Sixtina.

En cuanto a los personajes es obvio que al fondotenemos a la diosa Palas Atenea y a Aracne en elmomento culminante del mito cuando va a serconvertida en araña.

Se ha dicho que las dos figuras del primertérmino son Palas Atenea y Aracne tejiendo eltapiz, pero es poco probable ya que basándonosen la narración cuando ambas mujeres estáncreando su tapiz las diosa ya no está disfrazada deanciana.

Existen numerosas interpretaciones:

Se ha dicho que la escena representa un taller detapices, la fábrica de tapices de Santa Isabel, peroes poco probable ya que cerró en 1612.

También se ha hablado de un carácter político en relación con el mito deAracne. El mensaje sería que los súbditos deben de ser sumisos y no levantarsecontra el poder. Esta teoría no sería correcta ya que esta pintura no fue unencargo real. A partir de este argumento se habla de que representa el castigo ala soberbia.

Tomando como base de la interpretación el tapiz del rapto de Europa, pintadotanto por Tiziano como por Rubens, se afirma que esta obra es el reflejo deltriunfo de los modernos sobre los antiguos. Aracne sería lo moderno y Atenealo antiguo, por lo tanto Velázquez sería el moderno que triunfa sobre Rubens yTiziano que serían lo antiguo. Es una interpretación con un carácter negativo,nos muestra a un Velázquez ambicioso y prepotente. Seguramente lainterpretación correcta tiene esa comparación, pero no negativa, es unhomenaje a ellos, a sus maestros, por ello escoge el rapto de Europa, porque lopintaron los dos.

La interpretación más correcta defiende que esta pintura es un alegato a laliberalidad de la pintura. Palas Atenea es la liberalidad del arte y Aracne, juntoal resto de mujeres, es el oficio práctico. El tema de la liberalidad de la pinturaestaba al orden del día en el siglo XVII. Velázquez defiende esa liberalidad através del trabajo del tapiz, ya que en esos años Gaspar Gutiérrez publicó unaobra sobre este tema y también empleó como ejemplo la tapicería ya que era eloficio de su padre. Esta obra fue importantísima, todo el mundo tenía unejemplar, entre ellos Velázquez. Por lo tanto escogió este tema honrando aGaspar Gutiérrez por defender la liberalidad de la pintura y además el mito erael adecuado ya que pudo homenajear también a sus maestros, Rubens yTiziano.

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