DIAPOSITIVAS COMENTADAS pintura gótica

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DIAPOSITIVAS COMENTADAS pintura gótica Inmaculada Navarro I.E.S.Dr Lluis Simarro Xativa Curso 2011/12

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DIAPOSITIVAS COMENTADASpintura gótica

Inmaculada NavarroI.E.S.Dr Lluis Simarro Xativa

Curso 2011/12

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PINTURA GOTICAGIOTTO DI BONDONE- La resurrecció de Lázaro

JOAN VAN EYCK- El matrimonio ArnolfiniEL BOSCO- El Jardin de las Delicias

PERE SERRA- Retablo del Espíritu SantoLLUIS DALMAU- La Virgen dels Consellers

BARTOLOMÉ BERMEJO- Snto Domingo de Silos

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ELEMENTOS DEL ANÁLISIS PICTÓRICO:La PINTURA se analiza desde el punto de vista formal o plástico, de su contenido y significado. Para ello ha de conocerse el soporte (tabla, tela, muro...), la técnica (fresco, óleo, acuarela...) y la estructura de la obra (composición, perspectiva, tipo de luz y color).A ello se une el contenido y significado de la pintura (mágico, religioso, civil, paisaje…). Para la comprensión de un tema es esencial el conocimiento de la iconografía y comprender el significado de los signos. La pintura posee una finalidad (decorativa, conmemorativa, totémica, religiosa, didáctica…), que se tiene que relacionar con una época histórica.

FICHA TÉCNICA: Autor, Epoca , Titulo ,EscuelaANÁLISIS FORMAL:*Composicion,*Perspectiva .• La luz, colorANÁLISIS CONCEPTUAL:•Tema• Simbologia•Iconografia•FunciónANÁLISIS TÉCNICO:•Técnica usada•Ubicación de la obra o soporte•Modelos anteriores que han influido en ella y como ella ha influido en obras posteriores.

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Titulo: LaResurrección de LázaroAutor:GiottoCronologiá 1304-6Estilo: ItalogóticoTécnica: Fresco sobre muroCapilla Escrovegni, Padua

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TEMA: Religioso La Resurreccion de Lazaro

ANALISIS CONCEPTUAL

DESCRIPCION La escena se basa en el relato del antiguo testamento según el cual ,Jesús resucitó a Lazaro que salió de su tumba cubierto por el sudario.La importancia y la novedad esta en el tratamiento que Giotto hace de este temaCristo situado a la izquierda levanta su mano bendiciendo a Lázaro que envuelto en un sudario y muy palido está rodeado por sus familiares , que lo observan admirados.Frente a Jesus y en el centro de la escena , Maria y Marta, las hermanas de Lazaro se arrodillan ante Jesus como muestra de agradecimiento.Giotto consigue humanizar la escena y hacerla verosímil y próxima al espectador a la escena religiosa y lo hace participe , mediante la ruptura de las normas de la pintura gótica:La figura de Cristo es del mismo tamaño que el resto . Jesus es un personaje más de la escena , una escena en la que los personajes muestran su parte humana, sorpresa , agradecimiento , incredulidad etc.El fondo ya no es el dorado neutro , sino un paisaje , que aunque muy escueto muestra el lugar la puerta de la cueva donde había sido enterrado Lázaro, el dorado solo lo utiliza en las aureolas de los personajes.Las figuras están en movimiento expresando con sus gestos su reacción ante la escena, son rostros individualizados .Los ropajesy las túnicas , muy clásicas están matizadas y los pliegues tienen volumen.

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ANALISIS FORMALHay un intento de perspectiva geométrica, los personajes ocupan planos distintos y se tapan unos a otros, y en primer plano hay un personaje inclinado sujetando la losa que es un intento de escorzoLa composición es triangular . los personajes forman un triangulo invertido, manteniendo la simetría entre el grupo de Jesús y el de Lázaro, que se cierra en las figuras del primer planoUtiliza colores muy suaves que crean una luz que ayuda a la precepción de perspectiva.

. Giotto es el gran renovador de la pintura, aunque se le considera un pintor del gótico el introduce todas las novedades que se consideran renacentistas:la humanización de los temas religiosos , el naturalismo , la prespectiva , el paisaje.utilizó, en esta obra, colores sumamente matizados. la luz, cuidadosamente tratada,persigue un efecto espacial que dota a la escena de una todavía incierto sensación de perspectiva. Las figuras, vestidas con amplias túnicas, destacan por su corporeidad, fruto del estudio anatómico de modelos reales, y por un cierto monumentalismo.

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AUTOR: GiottoTITULO: El Entierro de CristoEPOCA: TRECENTO (1304-6)ESTILO: Italo GoticoUBICACIÓN: Capilla de la Arena PaduaFORMATO: Pintura mural al fresco ( sobre el estuco húmedo)TEMA: Es una pintura religiosa Su tema es el entierro de Jesús

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La novedad de Giotto di Bondone es el tratamiento del tema.Giotto redescubrió el arte de crear ilusión de la profundidad sobre una superficie plana.Lo que le permitió cambiar el concepto de la pintura.La pintura libro de la EM, deja paso a la ilusión de que el tema religioso ocurre allí mismo frente al espectador.TEMA: En este cuadro se ve a Jesucristo, descendido de la cruz, rodeado por las mujeres y los apóstoles. Están juntos los rostro de Cristo muerto y de su madre María, quebrada por el dolor, que mira intensamente el cadáver de su hijo. Las demás figuras expresan su dolor, cada una a su manera: unas se muestran dobladas sobre sí mismas del dolor, otras hacen gestos. Así, san Juan aparece con los brazos abiertos, mientras que María Magdalena, sentada en el suelo, coge con afecto los pies del muerto. Incluso los diez ángeles que aparecen en el cielo, en escorzo, se unen a estas diversas manifestaciones de la desesperación: lloran, se mesan los cabellos o se cubren el rostro.

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COMPOSICION: La composición del cuadro está al servicio del drama humano que allí está ocurriendo en el centro el cuerpo desnudo de Jesús, cuya horizontal dispone al resto de personajes. El suceso tiene lugar en un paisaje abierto a donde acuden incluso unos ángeles que se unen al dolor del momento.

El grupo doliente del extremo izquierdo, de pie, compensa la elevación de la otra parte, el macizo rocoso de la derecha. Las actitudes de las santas mujeres, de Nicodemo, de San José de Arimatea o del Evangelista, son un trasunto del dolor más extremo de María, que levanta con los brazos a su hijo muerto. Las mujeres que se presentan de espaldas al espectador ayudan a dar la sensación de espacialidad, junto con los colores, que se distribuyen en varios planos. Pero todo ello está figurado para ilustrar más claramente el verdadero motivo del cuadro: las expresiones de dolor, tragedia y drama se ponen al servicio de la composición, para mostrar el sufrimiento humano ante la muerte. Nunca en la pintura anterior se había presentado una expresión más viva como en el arte de Giotto. Los personajes cubiertos por amplias túnicas, construyen la escena en un espacio volumétrico y espacial.

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OBRA: EL MATRIMONIO ARNOLFINI. NATIONAL GALLERY LONDRES.AUTOR: JAN VAN EYCK (1390-1441).

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Obra: El matrimonio Arnolfini. National Gallery Londres.Autor: Jan Van Eyck (1390-1441). Estilo: Arte Gótico. Flamenco.Género: Pintura al óleo sobre tabla.Cronología: Siglo XV (1434). Flandes (Brujas).Otras obras: El retablo del cordero místico de San Bavón de Gante (junto a su hermano Huberto), Virgen del Canciller Rollín, Virgen del Canónigo Van der Paele.

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Análisis:

Se trata de un pequeño cuadro (pues no llega al metro de altura), pintado al óleo sobre tabla de roble. Este cuadro representa una escena que se desarrolla en una pequeña estancia. En primer plano aparecen los protagonistas de dicha escena, un hombre y una mujer en actitud solemne, cogidos de la mano. Él, descalzo, con tocado y ropajes oscuros, eleva su mano derecha, y ella, ataviada con un vestido de abundantes pliegues y cubierta con una toca blanca, deja descansar la mano que tiene libre sobre su vientre, mientras un pequeño perro nos mira desde sus pies. Sobre ellos pende un candelabro de seis brazos con una sola vela encendida que no consigue iluminar la estancia, ya que esta función se haya encomendada a un ventanal que se abre a nuestra izquierda. Sobre el arcón bajo la ventana descansan unas piezas de fruta. Frente a la ventana, en el extremo opuesto de la estancia, aparece una cama con dosel vestida con telas de un rojo intenso y, en el último plano, un sillón adosado a la pared, del que sobresalen un par de zapatos en su parte inferior. Sobre este sillón se sitúa un rosario de hermosas cuentas de cristal y, algo más arriba, un espejo convexo parece presidir la escena, por su posición central. En él se reflejan, no sólo las figuras de sus protagonistas y la estancia en la que ésta se desarrolla, sino que también lo hacen un personaje vestido de azul, identificado por los críticos como el autor del cuadro, y un joven de rojo, situados ambos en el umbral de la puerta de entrada.

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* DESCRIPCIÓN GENERAL: El famosos cuadro de los Arnolfini nos presenta a la pareja en el momento de contraer matromonio. Ambos personajes, retratados en primer plano, se sitúan en una estancia con suelo de madera, e iluminada por una ventana que se abre a la izquierda. A los pies de la pareja aparece un perro y, en un segundo plano pueden observarse la esquina de una alfombra y el dosel de una cama. En el centro de la composición figura una lámpara que cuelga del techo y, en la pared del fondo, un espejo en el que se refleja todo el contenido de la habitación. A su izquierda cuelgan unos rosarios y, sobre el marco, encontramos una inscripción en latín, en caracteres góticos, con el siguiente texto: "Johanes de Eyck fuit hic, 1434" (Jan van Eyck estuvo aquí, 1434).

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Giovanni Arnolfini aparece retratado en actitud seria, ricamente ataviado en color oscuro, con capa y amplio sombrero. Su mano derecha, levantada, parece jurar o bendecir, mientras la izquierda sostiene la de su esposa Giovanna, también ricamente vestida en color verde vivo, con velo blanco. Su abultado vientre, sobre el que apoya su otra mano, parece manifestar con claridad que se encuentra embarazada.Una suave luz envuelve la escena, dando de lleno en el rostro femenino, mientras se atenúa en torno al del mercader.

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B) Análisis simbólico: El cuadro de los Arnolfini ha originado una gran controversia entre los historiadores del arte, por la gran cantidad de elementos simbólicos que incluye y la dificultad de interpretación de algunos de ellos, hasta el punto de que los especialistas debaten si la obra contiene realmente la escena de la celebración de un matrimonio, siendo como una especie de acta del mismo, o una ceremonia de exorcismo de una pareja que trata de alejar de sí el mal de no haber tenido descendencia. Entre los elementos simbólicos, destacan los siguientes: * Algunos de los objetos que

figuran el el cuadro, así como la propia ambientación de la escena, aluden a la riqueza del mercader Arnolfini: la ropa, el mobiliario, la alfombra, la decoración de la estancia o la presencia de naranjas junto a la ventana lo que, dada su procedencia del sur de Europa, puede considerarse un verdadero lujo en la Flandes del siglo XV.

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* Los dos pares de zuecos (los de ella, junto a la cama; los de él, en primer plano, a la izquierda) relacionan a los esposos con el hogar y el hecho de que los supongamos descalzos alude a una idea de fertilidad, muy común en la época en la que el cuadro fue pintado. * Los colores predominantes son también claramente simbólicos: mientras el verde alude a la fertilidad, el rojo lo hace a la pasión. * El perro es una alusión evidente a la idea de fidelidad dentro del matrimonio. * La lámpara, en la cual sólo encontramos una vela encendida (cuya luz pasaría desapercibida en pleno día), es una clara referencia a Jesucristo y, al mismo tiempo, viene a representar también la llama del amor, que puede consumirse. * Los rosarios, situados a la izquierda del espejo, aluden a la necesidad de perseverar en la oración.

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* El espejo, de forma circular, y en cuyo marco se nos muestran diez de las catorce estaciones del Víacrucis, muestra la escena de la habitación desde una perspectiva inversa, pudiéndose apreciar la parte trasera de la pareja, así como la presencia de otras dos personas, las cuales podrían asistir como testigos a una ceremonia para la cual, en aquella época, no era necesario un sacerdote. Por tanto, el espejo contendría el elemento esencial para identificar correctamente la escena representada: un enlace matrimonial en presencia de testigos, uno de los cuales podría ser el propio pintor.* Tanto la borla que cuelga de la cama como el abultado vientre de Giovanna son claras alusiones a la fertilidad. Precisamente, sobre la borla, en el cabecero de la cama, aparece una figura femenina que podría ser Santa Margarita (patrona de los partos) o Santa Marta (patrona del hogar). * Sobre las manos de la pareja aparece una gárgola en actitud sonriente. Algunos autores consideran que este elemento es básico para comprender el significado del cuadro: un exorcismo mediante el que se pretende alejar el mal que atenaza a la pareja: la falta de descendencia.

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C) Análisis sociológico: Giovanni Arnolfini fue un rico mercader italiano, procedente de Lucca, que se asentó en la ciudad de Brujas (Flandes) atraido por las posibilidades comerciales de la zona, en la que logró una extraordinaria fortuna, de la cual el cuadro que comentamos en buen reflejo. Los objetos representados son, en si mismos, exponentes de las extensas relaciones geográficas de su propietario.Este es, precisamente, el contexto en el que se desarrolla la pintura de los artistas denominados "primitivos flamencos", de los cuales van Eyck es el máximo exponente: una burguesía consolidada, próspera en los negocios, atraida por la moda de la decoración de interiores mediante tapices y, como en este caso, cuadros, entre los cuales los retratos ocupan un importante papel..

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Se trata de una pintura al óleo sobre tabla, técnica muy frecuente en la pintura flamenca. De pincelada corta y precisa y de textura lisa, la línea no aparece como silueta o trazo negro aunque sí delimita de forma suave y natural los contornos. El dibujo es extraordinariamente preciso y define con minucioso detalle cada uno de los elementos que integran la composición, individualizando cada rasgo u objeto con una meticulosidad propia de un miniaturista.

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Desde el punto de vista estilístico, el matrimonio Arnolfini posee gran parte de los elementos propios de la escuela flamenca del siglo XV. Los pintores flamencos se caracterizan por el gusto por la suntuosidad y el rico colorido, gran interés por representar la realidad, empleo exclusivo de la tabla tanto en obras religiosas (Trípticos y Polípticos) como en retratos, gran calidad en la ejecución tanto en las representaciones de los rostros como en cualquier objeto representado, ya que el artista flamenco siente interés por todo, desde un objeto hasta un rasgo humano. Así, en las figuras de los Arnolfini hallamos el gusto por los largos ropajes que se dejan caer, produciendo un sinnúmero de curvas y contracurvas. También encontramos aquí otra de las notas que caracterizan la pintura de los primitivos flamencos: gusto por la minuciosidad y por los pequeños detalles, con tendencia al naturalismo, y que es fruto del trabajo realizado por estos artistas en los códices de sus señores borgoñones.

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El modelado representa perfectamente el volumen con gradaciones de color y suaves contrastes de luz, una luz natural que penetra por una ventana situada a la izquierda pero que no produce una luz focal y dura, siendo los contrastes lumínicos muy suaves. La gama cromática es muy rica y abarca todo el espectro, desde los colores fríos (verde y azul de la indumentaria femenina) hasta los cálidos (rojo del banco, cama y dosel). Su combinación es equilibrada y transmite serenidad. No obstante, el lado derecho del cuadro concentra los colores más vivos y contrastados (rojo y verde), que resaltan la figura femenina y el lado derecho de la estancia. Esta estancia aparece en su dimensión espacial gracias a una perspectiva muy cuidada, con los muebles y el suelo en líneas de fuga. La composición es sencilla, equilibrado y responde a un eje de simetría vertical que parte de la lámpara, continúa en el espejo de la pared y termina en la figura del perro; a un lado y otro se disponen las dos figuras del cuadro, unidas a través de las manos.

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Comentario: El tema de este cuadro es un retrato de carácter privado en el que una pareja de ricos burgueses contrae matrimonio en su propio hogar. Conviene tener en cuenta que, hasta mediados del siglo XVI, la ceremonia nupcial no requería la presencia de un sacerdote, sino tan solo un juramento recíproco entre los cónyuges ante testigos. Éstos testigos aparecen reflejados en el espejo del fondo y el cuadro equivale así a un documento notarial, ya que el propio pintor coloca por encima del espejo la inscripción «Johannes de Eyck fuit hic. 1434», (Johannes de Eyck estuvo aquí, 1434).

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El jardin de las deliciasEL BOSCO

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Tríptico del Jardín de las delicias terrenas.Caract.: Pintura sobre tabla, 220x97 cm (compartimentos laterales) y 220x195 cm (compartimento central). Museo del Prado - Madrid.Es el Jardín de las Delicias una de las grandes obras maestras de El Bosco. Parece esta obra haber sido condenada a sufrir falsas interpretaciones.

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las tablas plegadas. En un tono gris muy suave, la actividad del tercer día de la Creación se desarrolla dentro de un globo transparente. Dios Padre aparece diminuto en la lejanía, con el fin consciente de dar más grandiosidad a su obra creadora.Las pinturas exteriores de los paneles laterales representan la creación divina del mundo y contienen una inscripción divina procedente de los Salmos: Ipse dixit et facta sunt/Ipse mandavit et creata sunt (Él dijo y fue hecho/Él ordenó y fue creado).

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Abierto el triptico, en el panel de la izquierda vemos el jardín del Edén; en primer término se halla Cristo entre nuestros primeros padres, una escena que probablemente debe interpretarse como el matrimonio de Adán y Eva. Aunque en esta ocasión El Bosco no representó el pecado ni la expulsión del paraíso, pueden observarse una serie de detalles curiosos que dejan entrever que las cosas van a dar un giro desfavorable: justo en la mitad del panel un búho observa con aspecto siniestro; a la derecha de éste hay una extraña roca antropomórfica con aspecto de cabeza humana con una serpiente en las proximidades; y por último algunos animales se comportan de un modo inaceptablemente agresivo. La parte superior describe el quinto día de la creación, aparecieron el aire, el agua, la tierra y los animales. Bosch refleja a Cristo, hijo de Dios, en vez de a Dios Padre. Cristo mira al espectador de frente y fijamente, para introducirse en su conciencia. Es la única forma de amonestación pintada por el autor.

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En el panel central se puede observar una vasta llanura poblada por innumerables hombres y mujeres desnudos que parecen estar divirtiéndose y llevando a cabo una serie de acciones poco habituales: comen frutos gigantescos, se arrastran entre cortezas, vegetales y conchas de mar, montan sobre enormes pájaros o se azotan las nalgas con flores los unos a los otros. También se muestra un carrusel de jinetes masculinos a lomos de diferentes tipos de animales, dando vueltas en torno a un pequeño estanque lleno de mujeres bañándose. En la parte superior de la pintura captan nuestra atención edificios fantasmagóricos.No obstante, la pista para una correcta interpretación del tríptico en su conjunto se halla en otro lugar: en la esquina inferior derecha de este panel central vemos a una mujer con una manzana y detrás de ella a un hombre que la señala acusadoramente con el dedo. Se trata de Adán acusando a su mujer de haber introducido el pecado en el mundo, interpretación confirmada por el hecho de que los cuerpos de ambos están enteramente cubiertos de pelo (parte del castigo que Dios infligió a Adán y Eva tras su expulsión del Edén).

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Las figuras claras flotando en el ambiente, en este panel central, simbolizan la ponderación, el equilibrio, la armonía entre mundo material y espiritual.Las primeras grietas en la fuente de la vida nos llevan a pensar a su próxima ruina.El búho ya no anida en el zócalo, del que se han apoderado los hombres. Las partes de la fuente se unen por un círculo de oro, símbolo de sabiduría y constancia. Los cuatro ríos del mundo quedan fuera del lago.Se aprecia en las figuras desnudas una inspiración en la sexualidad y el gozo, pero sin conciencia de culpabilidad. Hay una omnipresencia del amor, sabiduría y verdad de Dios; por otra parte se advierte la decadencia por los instintos incontrolados del hombre.

Una imagen estilizada en el centro del retablo recuerda el valor de la fuente de la vida, que mana del paraíso y da nacimiento a los cuatro ríos del mundo. En un orificio excavado en el zócalo de dicha fontana se encuentra el búho, símbolo de sabiduría.

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El Infierno

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En el panel derecho El Bosco representó un infierno, sin duda alguna la más lúgubre y al mismo tiempo la más fascinante imagen del mundo de las sombras que se haya pintado jamás. Basta con verla una vez para no olvidar el enorme monstruo que, como salido de una pesadilla, aparece en el centro mismo del infierno, sobre piernas como árboles muertos y pies como barcazas, con una cabeza humana pegada a un cuerpo que combina el aspecto de una cáscara de huevo rota con el de un ganso desplumado. La parte superior de este panel derecho nos recuerda que El Bosco era un experto a la hora de pintar paisajes infernales, a parte de experto en demonios.

La fuente de la vida aparece deformada, ha perdido todo su sentido y no es capaz de hacer surgir ni una gota de agua, como ya se advertía en el panel central. Las torres son presa de las llamas y el humo invade toda la atmósfera.

Con todo este análisis detallado de cada parte del tríptico, incluido el tríptico plegado, se puede decir que el significado del tríptico queda claro: lo que se ve en el panel central es la depravación humana antes del diluvio, que es el resultado del pecado de Adán y Eva (en el panel izquierdo), y que contrasta fuertemente con la obediencia del cosmos de los paneles exteriores. Todo ello pretende ser una edificante advertencia del Juicio Final dirigida a los contemporáneos de El Bosco: el pecado y la lujuria acabarán por ser castigados en el infierno. Se trata de un mensaje básico que se asemeja mucho a otro de sus trípticos: el Carro del heno.

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PINTURA GOTICA ESPAÑOLA

PERE SERRALLUIS ADALMAU

BARTOLOME BERMEJO

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Pere Serra (1400-50)Estilo ItalogóticoCronologia 1393-4 Temple sobre tabla

Composiciones amables, de gran riqueza cromática, rostros idealizados-Tema central Pentecostés, sobre ella la coronacion de la virgen, en el altillo el calvarioLas imágenes laterales muestran motivos del antiguo y del nuevo testamento.Todas las calles aparecen coronadas por un angel.

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El Consejo Municipal de Barcelona encarga a Lluis Dalmau la magnífica Virgen dels Consellers. La escena queda enmarcada en una arquitectura goticista de evidente aire flamenco. La Virgen, con el Niño desnudo en su regazo, se sienta en un trono, apoyado sobre cuatro leones y decorado con figuras de profetas. Entre las ventanas del fondo encontramos a dos grupos de ángeles cantores mientras que en los laterales se sitúan los santos que presentan a los consellers: en la derecha San Andrés y en la izquierda, santa Eulalia, ambos con las cruces que simbolizan su martirio. Arrodillados y en actitud de oración observamos a los cinco consellers que encargaron la obra: Johan Lull, Francesc Llobet, Mosen Johan de Junyent, Ramón Saavall y Antoni de Vilatorta. Cada uno de los consejeros dirige su mirada a la Virgen y viste la gramalla característica de sus cargos.Dalmau busca la inspiración en los modelos de Jan Van Eyck, tanto en la iconografía como en la caracterización de los retratos, buscando el máximo realismo tal y como se le exigía en el contrato. Otros aspectos a destacar son la riqueza cromática, la importancia concedida al espacio o la minuciosidad y el detallismo con el que se trabajan las indumentarias. Con el tiempo, Dalmau llega a liberarse del mimetismo respecto a sus modelos.

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Santo Domingo de Silos entronizado como Abad. 1474-1477. Lienzo. 242 x 130 cm. Museo del Prado. 1474, retablo pintadi para la iglesia de Santo Domingo en Daroca. La tabla central es donde aparece sentado el santo y está rodeado por las siete virtudes. Los laterales los terminó su discípulo Martín Bernat. En esta obra aparecen algunas características que aprendió en Flandes seguramente, aplicadas por Bermejo con una gran perfección. Algunas de ellas son la técnica al óleo y esa capacidad de pintar con un gran realismo, muy típico del mundo flamenco. Es un realismo que se ve en las arrugas de las mejillas, en la barba recién afeitada. Sus obras, sin embargo, se diferencian de las flamencas en que estos cuadros tienen un formato pequeño mientras que las dimensiones de los cuadros de Bermejo son bastante grandes, al tiempo que hallamos un peculiar contraste entre las luces y las sombras, siendo ésta una característica más bien del primer Renacimiento italiano. Otro aspecto que diferencia a Bermejo del mundo flamenco lo encontramos en los colores. Las tonalidades de Bermejo son más oscuras y con menos variedad que los flamencos.

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La virgen de la LecheBartolome BermejoMuseo de bellas artes de Valencia

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Virgen de la Leche. S.XV • Valentín MontoliuPreciosa y majestuosa presenta Valentín Montoliu a la Virgen de la Leche, rodeada de ángeles que expresan con su música la alegría del Cielo por el Misterio de la Encarnación. Es de inmensa belleza el artista ha querido vestir a la Virgen con un elegante manto que el mismo repetirá en varias de sus obras; destaca a la Virgen María como verdadera Madre de Jesús amamantándolo y expresar a la vez la maternidad divina de María, ella es verdadera Madre de Dios.

Iglesia de San Pedro de Xativa

FIN DE LA PRESENTACION