S_T A F FDirección generalENID SÁNCHEZ ORTEGAenid@df-in.com.mxLUIS ALDO SÁNCHEZ ORTEGAaldo@df-in.com.mx

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Guía DFin espacios y artificios es una revista de publicación mensual. Marzo 2009. Editor Responsable: Alicia Enid Sánchez Ortega. Número de certificado de reserva, otorgado por el Instituto Nacional de Derechos de Autor: 04-2009-011612061200-102. Número de certificado de licitud de título: 14372. Número de certificado de licitud de contenido: 11945. Domicilio de la publicación: Renan 36 int. 104 Col. Anzures C.P. 11590. México D.F. Delegación Miguel Hidalgo. Imprenta y distribución: Grupo Simpaq S.A. de C.V. Azafrán No. 306, Col. Granjas, México D.F. Delegación Iztacalco, C.P. 08400. Tiraje: 20,000 ejemplares.Los textos aquí publicados son en su totalidad responsabilidad del autor. Prohibida la reproducción total o parcial. Ejemplar de distribución gratuita. Prohibida su venta.Guía DFin espacios y artificios es una producción de Kaleidoscopio medios S.A. de C.V.

Enid _ SánchezE d i t o r a

La oferta cultural de la ciudad de México, nos lleva de un lado a otro… y aunque pareciera interminable la tarea de tratar de llevarles un

cachito de ésta. En este número damos un recorrido desde las notas e intimidad de un talentoso y fuera de serie Horacio Franco, hasta el saber que una de las bandas mas

reconocidas a nivel mundial, comenzó sin que nadie les hiciera caso e incluso tocando en lugares que nunca hubiéramos imaginado, merecedores de nuestra portada de este mes.

Descubriendo nuevos portafolios y propuestas en la sección de DFiniciones, así como lo último de las galletas que te pondrán al tanto de las novedades alrededor del mundo; no sin antes llevarlos a

los mejores conciertos y propuestas literarias generadas desde el mundo de las letras, así como las mejores recomendaciones para los niños, cine, danza y más.

La sustentabilidad en nuestra ciudad es un tema que nos concierne a todos, y este número nos invita a reflexionar en varios temas, pero sobre todo, los invitamos a participar de la convoca-

toria de apagar una hora la luz este 28 de marzo, dándole un pequeño respiro a nuestro planeta en unión con otros países.

El 14 de abril de 1912, dos violines, dos violas y dos violonchelos fueron engullidos por las heladas aguas del Atlántico Norte. Los músicos que las hacían sonar, ofrecían una última serenata, fúnebre y resignada, sobre la cubierta del RMS Titanic, el mítico trasatlánti-co, El Insumergible, que esa noche encalló contra un iceberg y acabó por hundirse. Eran los miembros de la orquesta del barco que en ese entonces era el más prestigiosa del mundo, quie-nes no pararon de tocar sobre la cubierta, en medio del caos y del pánico colectivo. Con excepción de los dos pianistas que completaban el conjunto, pues no podían cargar consigo sus instrumentos; su última pieza fue, según testigos, el himno episcopal Otoño. Un acto heroico que no los salvó, pero los convirtió en leyenda. A partir de las investigaciones, testimonios y espe-culaciones en torno a esta tragedia, el inglés Gavin Bryars (Yorkshire, 1943) comenzó a recopilar materiales sonoros, tales como entrevistas con los sobrevivien-tes, secuencias en Clave Morse, música escocesa e irlandesa para gaita, efectos sonoros para emular el choque con el iceberg e incluso con la especulación poética: ¿cómo se escucharía ese sexteto de cuerdas dentro del agua? Todo ello para crear, en 1969, una de las obras que se han convertido en una de las obras más importantes y conocidas del siglo XX: The sinking of the Titanic (El hundimiento del Titanic), en respuesta a una exploración y una inquietud: ¿cuál podría ser el equivalente musical al arte conceptual de los años sesenta? Aunque la nave tardó 2 horas con 40 minutos en desaparecer en las aguas árticas, la pieza puede durar 25 minutos, tal vez 40 e incluso más de una hora. Y para hacerla sonar, aunque no existe una instrumenta-ción determinada, es posible emplear cintas de audio, un ensamble de cuerdas, percusiones, un metal muy grave, cuarteto de metales, clarinete bajo, cintas de

Y SU OBRA CLÁSICA SOBRE EL TITANIC, EN MÉXICOLos sonidos del hundimientoSergio Raúl López

CUATRO

cassette con conversaciones, un teclado, diapositivas de 35 milímetros, efectos sonoros en vivo y una caja de música. Hasta 1972 Bryars hizo una versión para interpretarse en vivo, en el Queen Elizabeth Hall, de Londres. Y en 1975, realizó la primera grabación de la misma, producida para el sello Obscure Label, del mú-sico Brian Eno –para quien ese año grabó otra de sus obras emblemáticas, Jesus' blood never failed me yet–. Existe otra grabación en vivo que data de 1990, durante el Festival de Primavera de Bourgues, en un depósito de agua vacío de la época napoleónica. “Pese a que concebí la pieza hace muchos años, continué disfrutando nuevas maneras de buscar en el material y de dar la bienvenida a este tipo de oportunida-des como el presente disco para refrescarla”, dice Bryars. Esta conocida pieza será interpretada por primera vez en vivo en el país, de mano del propio composi-tor y del Gavin Bryars Ensemble, en su primera visita al país, en la Sala Nezahualcóyotl de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Además, interpretará otras destacadas piezas suyas como Lauda, Adnan Songbook y Wonderlawn. Contrario a lo que ocurre con la mayoría de los compositores contemporáneos, Bryars no contrata a intérpretes talentosos, sino que manteniéndose fiel al principio con el que presentó en sus primeros trabajos: reúne únicamente a músicos con los que quiere trabajar e incorporar a sus amigos; característica del ensamble.

Esta ética de trabajo, proviene del inicio de su carrera, en los años setenta, cuando solía trabajar con sus amigos músicos, como John White, Dave Smith y Christopher Hobbs. De esta manera podían tocar su propia música y después adaptarla a otras forma-ciones musicales más específicas. Actualmente el ensamble se integra, dependiendo del repertorio, de entre 6 y 12 músicos. Tras la salida del violinista Alexander Balanescu, llegó el violista Bill Hawkes, (miembro del cuarteto Ba-lanescu), para quien rescribió la música originalmente pensada para violín, y poco después la chelista Sophie Harris y el guitarrista James Woodrow, lo que estableció la nueva sonoridad del grupo, de cuerdas graves. La formación de esta época, con dos violas, chelo, contrabajo, guitarra eléctrica, clarinete, teclado, per-cusiones y voz se ha mantenido en los últimos siete años. Para los cuales ha escrito sus trabajos recientes, “pensando en su personalidad musical particular y en sus sonidos específicos” y también ha redefinido viejas piezas como The sinking of the Titanic. Gavin Bryars ha compuesto una serie de trabajos vocales para The Hilliard Ensemble como Glorious hill, Incipit vita Nova y The first book of Madrigals, además de tres cuartetos de cuerdas y obras sinfónicas como The green ray, The war in Heaven y The Porazzi fragment, además de conciertos para violín y contrabajo.

Al inicio de su carrera, en los años sesenta, Gavin Bryars fue un conoci-do bajista de jazz, al lado de dos grandes improvisadores: Derek Bailey y Tony Oxley. En 1966 abandonó su carrera para ir a Estados Unidos a trabajar al lado de John Cage, un compositor que le ayudó a cambiar el modo de pensar y concebir las fronteras entre música y el ruido para la cultura occidental. Será una experiencia única, casi como escuchar a un sexteto de músi-cos durante la tragedia de un hundimiento. Un milagro sonoro. El Gavin Bryars Ensemble ofrecerá dos conciertos. El primero de ellos, con las obras Lauda, Adnan songbook y Wonderlawn, el miércoles 18 de marzo, a las 20:30 horas. El segundo, está integrado por una versión com-pleta de The sinking of the Titanic el jueves 19 de marzo a las 20:30 horas.

Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario de la UNAM (Insurgentes Sur 3000 en Coyoacán). $360.00.Boletos a la venta en Ticketmaster (53259000) y en las oficinas del Festival de México en el Centro Histórico (Benjamín Franklin 176, colonia Escandón. Más informes a los teléfonos: 52760145 y 52760368).www.festival.org.mx

¿Qué hubiera pensado Mozart, el afiebrado genio de la música clásica, si hubiera asistido a una función actual de ópera? Seguramente hubiera estallado en carcajadas al mirar un público tan serio y callado, tan circunspecto. Y se hubiera aburrido pronto de la forma en que la orquesta moderna interpreta sus obras: lentas, pesadas, grandi-locuentes. Su chispeante discurso sonoro merece otros timbres, otras medidas rítmicas, la ligereza de su forma casi perfecta. La Orquesta de la Ópera de Bellas Artes tendrá uno de los retos más demandantes de su existencia al abordar una de las obras más interpretadas del repertorio operístico pero con nuevos criterios de estilo. El Don Juan (Don Gio-vanni en el original italiano) de Wolfgang Amadeus Mozart. Porque nunca antes habían tenido en su podio a un director como el inglés Philip Pickett (Londres, 1950), especialista en investigar y ejecutar el repertorio pasado recuperando las formas musicales y las técnicas interpre-tativas que se empleaban en la época del más importan-te autor de la escuela del clasicismo vienés. De este modo la orquesta y el coro de Bellas Artes iniciarán una aventura por la que no habían transitado antes: olvidarse de la estética del romanticismo del siglo XX y retornar a las formas y prácticas comunes en la Viena imperial que se estilaba en la segunda mitad del siglo XVIII, cuando era la gran capital europea de la música y en ella habitaban autores como Haydn, Salieri o Albrechtsberger. Pero esta moda de realizar interpretaciones aproxima-das al original histórico tanto del repertorio renacentista y barroco, así como del neoclásico y del romántico tempra-no, no significa simplemente una manera de preservar

o de momificar el sonido original de los intérpretes y compositores del pasado, sino una nueva actitud para encarar la música de concierto que implica mayor libertad, individualidad y participación de los músicos, opuesta a los criterios rígidos e incluso burocráticos que privan en las grandes agrupaciones sinfónicas. Incluso les permite impro-visar y acercarse a la flexibilidad interpretativa de lo popular. Mientras otros directores especializados en la interpre-tación de música antigua con criterios de época tienen la vista puesta en el pasado, Pickett presume de trabajar “hacia adelante”, es decir, intentando comprender a fondo este repertorio para lograr entender los desarrollos posteriores de la música. “De esta manera comprendo las conexiones profundas entre la música de Heinrich Ignaz Biber y Ludwig van Beethoven o incluso de Anton Bruckner. Realmente no encuentro una gran diferencia entre ellos, pues su música se encuentra enraizada en la cultura de su país y en su música popular, y eso se escucha. Lo mismo Brahms, que en su segunda sinfonía glosa música tradicional muy antigua de Eslovenia y al reconocerlo sabemos de dónde proviene como músico”, plantea.Esta nueva producción, que se presentará en el Teatro de la Ciudad, con la dirección de escena de Mauricio García Lozano, Jorge Ballina en la escenografía y Víctor Zapatero en la iluminación. Philip Pickett inició como trompetista, pero un acciden-te le obligó a mudarse a la flauta de pico, que le abrió el panorama a la interpretación del repertorio antiguo.También abrazó la carrera de director con sus propios ensambles: el New London Consort –con los que graba para el sello Decca– y Musiciens of the Globe –artistas de la Philips Classics.

Pickett redescubre al Mozart original en la Ópera de Bellas Artes

Don Juan, revivido

Sergio Raúl López

Otras recomendaciones del Festival de México en el Centro Histórico: Cuarteto Latinoamericano presenta Eduardo Mata: Sus maestros, sus amigos, su música. Miércoles 25 de marzo a las 20:30 horas. Palacio de Medicina (República de Bra-sil 33 esquina con República de Venezuela en el Centro Histórico). $100.00. Trío Mediæval presenta Notre Damme. Templo de Regina Coelli (Regina y Bolívar, Centro Histórico). Miércoles 25 de marzo. 20:30 horas. $160.00. Christine Schornsheim interpreta a Haydn en el forte-piano. Jueves 19, viernes 20 y sábado 21 de marzo. 20:30 horas. Museo Nacional de Arte (Tacuba 8, en el Centro Histórico). $100.00

Don Giovanni de Wolfgang Amadeus Mozart bajo la direc-ción concertadora de Philip Pickett.Teatro de la Ciudad (Donceles 36 en el Centro Histórico de la Ciudad de México). Jueves 12 y 19 de marzo a las 20:00 horas, y los domingos 15 y 22 de marzo a las 17:00 horas. $200.00 hasta $800.00.Boletos a la venta en Ticketmaster (53259000) y en las ofi-cinas del Festival de México en el Centro Histórico (Benjamín Franklin 176, colonia Escandón. 52760145 y 52760368).www.festival.org.mx

seis

¿Qué tan parecida es la voz humana al sonido dulce y suave de la flauta de pico?Es algo, verdaderamente difícil de establecer. Lo cierto es que suena profunda-mente humana en manos de Horacio Franco, una de las más naturales y atractivas figuras mexicanas de la música de concierto. Un virtuoso de gran prestigio internacional que el año anterior cumplió 30 años de carrera como concertista.Sorprendentemente, la mitad de ese tiempo lo ha dedicado a la dirección. Hace 15 años formó un en-samble vocal con músicos muy jóvenes: La Capella Cervantina. Y es que pocos podrían imaginar al gran virtuoso mexicano arriba del podio, pues nos hemos acostumbrado a sus actuaciones espectaculares y a su extraordinaria facultad para realizar prodigios con el instrumento, interpretando repertorio barroco o a compositores contemporáneos. Ahora emprenderá una de las más difíciles aventuras con la batuta, de esas que tanto le gusta encarar: estará al frente de una renovada Capella Cervantina y de la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México para conducir una de las obras que el gran compositor vienés, Franz Joseph Haydn (1732-1809), nos heredó en su ple-na madurez creativa: el oratorio Las Estaciones.

La obra maestra, compuesta entre 1798 y 1801, fue escrita para tres voces solistas (soprano, tenor y bajo), coros, orquesta y pianoforte, sobre textos del barón Gottfried van Swieten basados en un poema de James Thompson, y celebrará el segundo centenario luctuoso del gran Papá Haydn, maestro de Mozart y Beethoven, quien estableció las formas de la música clásica, en la Viena de finales del siglo XVIII.–-En el siglo XVIII -– relata Horacio Franco en entrevista -–, los directores eran los mismos compositores e intérpretes. Antes, los músicos no necesitábamos de un director, sino de alguien que diera las entradas porque éramos creadores y recreadores. Pero en el siglo XIX las profesiones musi-cales de compositor e intérprete se bifurcaron porque el compositor necesitaba tiempo y reflexión, ya no era un concierto para la festividad de un santo o una cantata de Bach o Vivaldi. Mahler tenía que escribir una sinfonía con una meticulosidad que le llevaba muchos años y no una semana. Lo mismo Brahms. Los músicos eran peones, obreros y muy pocos com-positores que conozco, en el siglo XXI, saben solfear o decir sus obras.

Horacio Franco sin flauta y en el podioSergio Raúl López

El oratorioLas Estaciones de Haydn

OCHO

-La carrera del virtuoso es muy demandante, ¿por qué decidiste abrazar también la de director?-Me encanta dirigir. Soy un comuni-cador de ideas muy padre para los músicos, me encanta hacerlo y a ellos les gusta. No tengo la escuela del muñequito, no me interesa: me gusta lograr la comunión de ideas, me fascina ser catalizador de la emoción de cantantes y músicos.Además, tengo una carga gené-tica muy fuerte. Mi papá murió de diabetes, sin las dos piernas, y mi mamá era hipertensa y cayó de un derrame cerebral, pero además tenía artritis reumatoide degenerati-va. Yo no quería esa carga que con la edad se te va aumentando, vas teniendo más riesgos. Por eso me puse a hacer ejercicio, finalmente por salud y vanidad. No creo en ninguno de los pecados capitales, pienso que son tendencias natura-les en el ser humano a tener o a ser, y que son tendencias instintivas que las pusieron más bien como medida de control. Me gusta verme bien, sentirme bien viéndome bien y tengo una imagen que vender, o sea, mercadotecnia.

-Muchos músicos clásicos son más bien sedentarios.-Sí, por supuesto. Pero es que noso-tros somos cuerpo y mente. Desde que hago ejercicio aprendí que el intelecto puede funcionar muy bien, pero que en un momento dado tu cuerpo te empieza a minar las facultades expresivas y mentales. Es verdad eso de mente sana en cuerpo sano, finalmente somos entes físicos y mentales, cuando descubres esto lo puedes poner en práctica, ya eres tú mismo haciendo la dirección.

-Es un dilema de las orquestas sin-fónicas, las sociedades democráti-cas ya no pueden aceptar la figura del director-dictador.-El poder totalitario del director de orquesta se tiene que acabar porque no funciona con artistas, funciona con obreros altamente calificados que ya no quieren serlo. Yo tengo la fortuna, por el instru-mento que toco, de no trabajar en una orquesta, pero si tuviera que hacerlo sería terrible, es un sistema vertical y muy ingrato. Es una men-talidad de mecenazgo verdade-ramente poco funcional para una sociedad que está cambiando y vislumbrándose a ser más demo-crática y plural.

-Al ser flautista en activo tienes empatía con los músicos.-Yo trato a los músicos como artistas, les pido lo que quiero pero les demuestro que sé hacerlo y ellos también pueden mostrarme cómo lo hacen. No estoy pidiendo que hagan a fuerza las cosas, si no les gusta les pregunto. La incompetencia de parte de los directores se debe al miedo a que castren su autoridad y eso los hace prepotentes, groseros o intran-sigentes. Además, no estudié para ser un muñequito en el podio, aprendí de gente como Franz Brüggen y Gustav Leonhardt que pueden tocar y tienen su razón para pedir las cosas.

-Además, eres una figura pública muy definida y congruente con su vida privada.-Como artista tengo una responsa-bilidad social y debo cuidar mi ima-gen para que no sea diferente de lo que soy. De lo contrario ya tendría esposa e hijos y estaría viviendo el patrón de lo que Nietszche llamó el “lamentable bienestar de la familia clasemediera”. No puedo ser quien no soy. No voy a negar que soy gay, librepensador ni de la izquierda que existía hace 10 o 15 años, agnóstico y muy respetuoso de todas las creencias.

Horacio Franco dirige a la Filarmónica de la Ciudad de México y a la Capella Cervantina.Viernes 27 de marzo. 19 hs. Catedral Metropolitana de la Ciudad de México.$300.00 pesos. Sábado 28 de marzo. 18 hs. Zócalo capitalino. Entrada libre. www.horaciofranco.com

Gardellino interpretado por Horacio Franco y la Camerata Aguascalientes (1996).Música Barroca Mexicana interpreta-do por la Capella Cervantina bajo la dirección de Horacio Franco (1996).Música Barroca Mexicana Vol. 2 interpretado por la Capella Cervantina bajo la dirección de Horacio Franco (1998) editado por Discos K 617 de Francia.Del Medioevo al Danzón interpretado por Horacio Franco y Víctor Flores (2002).Solo Bach obras para flauta sola interpretados por Horacio Franco (2004).Sones de Tierra y Nube con la Banda Filarmónica Mixe del CECAM de Santa María de Tlahuitoltepec (2005) editado por Discos Xquenda.Capella Puebla con Horacio Franco como director y solista (2005).De Bach a los Beatles y otros más con Horacio Franco y Víctor Flores (2005).* Editadas por Quindecim Recordings a menos que se indique lo contrario.

DOCE

Hay dos razones por las que la directora teatral Claudia Ríos (Ciudad de México, 1965) decidió llevar a escena el Otelo de William Shakespeare; primero: fue la obra que se planteó dirigir al momento en el que decidió dedicar-se a esta actividad, aunque… “tuvo que pasar mucho tiempo para que me sintiera suficientemente fuerte y experimentada para llevarla a escena, a pesar de que he tenido otros dos acercamientos fuertes al teatro clásico con La Celestina, en el año 2000, y La vida es sueño, de Calderón de la Barca, en el 2004”. La segunda razón es personal, pues ella misma ha padecido los celos, tema principal de esta tragedia shakesperiana escrita aproximadamente en 1603. “Los celos son una enfermedad muy grave y entiendo que su origen es una baja autoestima, la inseguridad y una imaginación muy florida que da pie a atar cabos que son mentiras”. De ahí que su lectura sea diferente a las acostum-bradas, que suelen tratar a Otelo como la víctima de las intrigas de Yago. “Pero la verdadera víctima es Desdé-mona, que es maltratada, golpeada y finalmente muere estrangulada por el hombre que ama. Esto, desgracia-damente, está pasando mucho. Shakespeare lo detectó desde su época y desgraciadamente aún sucede”. Y ésa es precisamente la virtud de los clásicos, asegu-ra Ríos: “estos autores, que eran unos genios, conocían de tal manera la naturaleza del ser humano que todas sus obras, sea que hablen de traición, política, amor o celos, resultan verdaderamente contemporáneas porque el ser humano sigue siendo igual: traicionero, celoso, amoroso”. Para ella, resulta vital que las nuevas generaciones conozcan la literatura universal, “sobre todo en estas épocas en que México padece de tanta formación crítica y de valores. La Universidad (la UNAM, en cuyo centro cultural se presenta la obra) considera, y estamos seguros que es su deber y obligación, promover la cultura y educación del ser humano. Éste es un proyecto evidentemente universitario”. En el Teatro Juan Ruiz de Alarcón del Centro Cultural Universitario se presenta un montaje con escenografía minimalista (de María Fernanda Dibildox y Janet Maggi) y un reparto que incluye a Ana de la Reguera en el papel de Desdémona, Cecilia Suárez como Emilia, Carlos Corona como Yago y Hernán Mendoza como Otelo. “Para transformar un equipo de actores que puedan interpretar a Shakespeare lo primero que se necesita es personas que hayan tenido experiencias teatrales, que tengan mucho talento y una metodología, pero sobre todo una gran pasión y mucho respeto por el lenguaje,

así como curiosidad por los impulsos del ser humano porque para crear relaciones completas, personajes también completos y situaciones límite se necesita tomar riesgos en escena”, dice Ríos. Y eso, asegura, no es fácil. Los actores deben entre-garse totalmente en todos los aspectos, sin excepción. Y aunque habrá quienes piensen que la inclusión de Ana de la Reguera en el elenco responde a una cuestión de taquilla (hay que recordar que acaba de estrenar en cine El traspatio), Ríos explica que no es así. “La invita-ción que le hice a Ana de la Reguera fue por su talento, por su compromiso y trabajo, y por ser una persona que siempre quiere evolucionar como actriz. De hecho, Ceci Suárez fue quien le comentó a Ana que ella estaba en Otelo haciendo a Emilia, y Ana le preguntó quién hacía a Desdémona y al saber que nadie, sin que la conociera personalmente, me llamó pidiéndome la oportunidad de hacer el personaje”. Y continúa: “Llevamos cinco meses ensayando y nin-guno de los actores jamás ha faltado a un ensayo. Los actores están haciendo una inversión en su carrera y están haciendo una retroalimentación espiritual muy fuerte que probablemente en otros proyectos no se les dé”. En cuanto a la escenografía, la directora está con-vencida de que el minimalismo es casi como una regla no escrita en estos casos. “Cuando vas a estrenar una obra de espacios y de tiempos diferentes lo mejor es que no haya nada. Haces una escenografía minimalis-ta, que a veces parece que en escena es mucho más barato, pero a veces sucede lo contrario porque todos los materiales deben estar bien hechos. El espectáculo es el texto y su dimensión poética, que va a lanzar al público a otro plano de lo que es la literatura, el cual pocas veces se puede ver”. La traducción del texto fue hecha especialmente para esta puesta en escena de Otelo lo hizo Alfredo Michel, doctor en literatura y único miembro mexicano de la International Shakespeare Conference. “Obviamente él sabe perfectamente todas las connotaciones de lo que quiso decir Shakespeare; hizo una traducción especial para nosotros, para nuestro español, muy fiel pero con un español que se acomoda más con la cadencia con la que hablamos. No hay ninguna adaptación, la obra es tal y como la conocemos: Otelo, el moro de Venecia, que se enamora de Desdémona, juntos van a Chipre. Tuvimos que adaptarla porque la obra original dura mucho: la lectura nos llevó tres horas y cuarto, y eso, en escena, equivalía a cinco horas. Ahora está durando más menos 2 horas 40, así que le tuvimos que hacer cortes en función del público, pero sin sacrificar los con-flictos ni la complejidad del personaje”, concluye Ríos.

En el Teatro Juan Ruiz de Alarcón se presenta el clásico de ShakespeareEl reparto incluye a Ana de la Reguera como DesdémonaPor Javier Pérez

Un Otelo arriesgado

Otelo se presenta en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón del Centro Cultural Universitario de la UNAM (Insurgentes Sur 3000), Ju a sá 19 h; do, 18 h. $100. Descuento a estudiantes y trabajadores de la UNAM y a miembros del INAPAM. Ju, $30. Boletos en taquilla.

El ser humano sigue siendo igual: traicionero, celoso, amoroso.Fotografía en ensayo

catorce

Para el prestigiado grupo dancístico australiano Chunky Move, uno de los platos fuertes del Festival de Méxi-co en el Centro Histórico, todo es consecuencia de la realidad del cambio permanente. Y eso es lo que intentan plasmar en su espectáculo Mortal Engine, uno de sus trabajos más recientes, con el cual debu-tarán en México. La propuesta es arriesgada, pues no se limita a la mera exploración de la danza contemporánea, sino que se inscribe en los terrenos del arte multidisciplina-rio al emplear la tecnología como un elemento más del discurso narrativo a partir de diversas intensidades en el manejo de luz y sonido, trabajado por Frieder Weiss con un sentido literalmente interactivo. De ahí que cada una de las cuatro funciones que Chunky Move ofrecerá en el teatro Julio Castillo será distinta, pues los elementos de sonido, video y láser empleados no se utilizan con base en un guión esta-blecido, pues, salvo algunas frases, todo se construye en tiempo real a partir del movimiento de los bailarines (su intensidad generará las luces y sonidos ad hoc gra-cias a las virtudes del software). Su director, Gideon Obarzanek, pretende así estable-cer un lazo, una comunión en la que se haga evidente que la evolución de las relaciones humanas se cons-truye lo mismo de la perfección cosmogónica que de los accidentes grotescos. Y hablará del futuro y de la luz y sombra que cubre el desenvolvimiento del hom-

bre. Y pondrá en comunión lo primitivo con lo contemporáneo a través de su

aseveración de que “los lími-tes del cuerpo humano son una ilusión”.

El grupo de danza contemporánea Chunky Move se presenta por primera vez en México

Perfección accidentada

En el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque (Reforma y Campo Marte s/n). Ju 19 y vi 20 a las 20:30 hs.; sá 21, 17 y 20:30 hs. $250, $350 y $450. Boletos en taquilla. Informes: www.festival.org.mx

La violencia, inevitablemente, se está convirtiendo en un tema recurrente de nuestros días. Aunque en la obra del argentino Daniel Veronese parece una constante que lo ha llevado incluso a una exploración con la for-ma y la realidad sociopolítica. “Me considero un creador de teatro, autor y director, que produce en función de lo que tiene”, ha dicho, y es que de un tiempo a la fecha, su obra, predominantemente del circuito alternativo, ha acaparado las marquesinas de los foros comerciales. Al Festival de México en el Centro Histórico viene a dirigir una coproducción entre su compañía, Teatro Línea de Sombra, el propio festival y la Coordinación de Teatro del Inba en la que participan actores consagra-dos en las tablas mexicanas, como Rosa María Bianchi y Arturo Ríos: Mujeres soñaron caballos.La violencia en esta obra viene más de fondo, es aque-lla que subyace en el inconsciente, que provoca actitu-des aparentemente inconcebibles y que, en palabras del dramaturgo, hacen que el hombre se encuentre “en el aire”, atentando incluso contra sí mismo. La anécdota parte de una noticia que reportaba el suici-dio colectivo de un grupo de “cuadrúpedos”. Veronese quería explorar esa parte, la introspección, el elemento que, escondido en la moral y la hipocresía, detona lo que el autor califica como salto al acantilado. Al final, lo que Veronese, un dramaturgo consa-grado en el teatro latinoamericano contemporáneo, intenta con Mujeres soñaron caballos es lo que persi-gue con su obra en términos generales: la creación de formas, incluso inútiles (porque tal vez a él le sirvan y a nadie más), pero que le funcionan para encontrarse con emociones distintas.

Teatro El Galeón del Centro Cultural del Bosque (Reforma y Campo Marte s/n). Del mi 18 al sá 21, 20:30 hs.; do 22, 18 hs. $200. Boletos en taquilla. Informes: www.festival.org.mx

Aunque más conocido por sus cuentos que por su trabajo en la dramática, las obras de Anton Ché-jov (1860-1904) no dejan de tener gran resonancia mundial, principalmente en los países de habla inglesa y española. Una nueva propuesta escénica de su Ivanov, ésta de una de las compañías de mayor reconocimiento en Alemania, la Volksbühne de Berlín, afamada por sus controvertidas propuestas, se pre-sentará como parte del programa teatral del Festival de México en el Centro Histórico.

Chéjov, como escritor ruso, no escapó de la melan-colía que caracteriza la literatura de aquel país, así que circunscribió la mayor parte de su obra en los terrenos de la tragedia, aunque aquella que se vincula con la vida diaria. Eso sí, sin olvidarse de momentos de regoci-jo y buen humor. Ivanov, su primera obra (de 1887), que lo hizo mere-cedor de reconocimiento y lo vinculó con el Teatro de Arte de Moscú, es una historia trágica sobre la vida de un joven que busca la manera de desapegarse de una mujer en estado terminal refugiándose en los brazos de la hija de su vecino. Dimiter Gotscheff, sexagenario director búlgaro que ha hecho una destacada carrera en el teatro alemán, acentúa la desesperación existencial del personaje haciendo evidente el vacío (emocional, sentimental) del personaje y apostando por la economía (sin dejar de lado la innovación) de recursos escénicos. Incluso, la propuesta que se representará en el Teatro de la Ciudad apuesta por la vigencia que hace grandes a los clásicos al destacar aquellos temas que aun hoy siguen arras-trándose con nosotros: la inseguridad, la incertidumbre, la incapacidad.

En el Teatro de la Ciudad (Donceles 36, Centro Histórico), del ju 26 al sá 28, 20:30 hs.; do 29, 18 hs. $150, $200, $250 y $300. Boletos en taquilla. Informes: www.festival.org.mx

Daniel Veronese presenta Mujeres soñaron caballos

Introspección violentaLa primera obra del dramaturgo y cuentista ruso es llevada a escena por la compañía Volksbühne

Reponen a Chéjov

Si uno consulta la Wikipedia algo acerca de Rigo Tovar, lo primero que sale es “innovador y visionario”, pero Rigo Tovar fue más que eso fue la quintaesencia del naquismo, elevó el término naco a una superposición y fue uno de los responsables de que se le considera-ra una categoría estética. Claro como todo artista se le vilipendió y despreció, su trabajo no fue entendidohasta que pasó por el tamiz del tiempo, cuando los críticos ya contaban con las herramientas necesarias para entender la importancia de su obra. Con el grito de batalla “Rigo es amor” y con el salto de compás marcó en el inconsciente colectivo una huella im-borrable que perdura hasta nuestros días; este cantante es en síntesis el Papa de la música grupera, de la tropical y romántica, su influencia marcó a varias generaciones de músicos, teniendo en Rigo Domínguez, su alumno más aventajado. En su obra introdujo instrumentos atí-picos a los usados en la música popular, como : guitarra eléctrica, sintetizador, bajo, sampleos, cuerdas clásicas y batería eléctrica, entre otros, dotando a este género musical de modernidad y vigencia. Rigoberto Tovar García nace la tarde del domingo 29 de marzo de 1946, en la ciudad de Matamoros, Tamaulipas, con la que se fusionó hasta el grado de que se pensó cambiarle el nombre a Matamoros de Tovar, nada más. Canciones como El sirenito, Mi Matamoros querido, Mi amiga, mi esposa y mi amante, Lamento de amor, Oh que gusto de volverte a ver, Pérdoname mi amor, El testa-mento y Quítate la máscara, entre muchos otros, forman parte de su legado. Rigo logró tener 445 clubs de fanáticos y tiene el récord de más gente reunida para un concierto, 400 mil asis-tentes en Monterrey, Nuevo León y un millón en Texcoco, Texcoco, ambos en 1979.

Tiene el privilegio de ser el primer cantante en grabar un documental estrenado en los cines comerciales, con Rigo: una confesión total, en 1979; rodó otras cintas como Vivir para amar, Rigo es amor y El gran triunfo, todas fueron éxitos de taquilla. En el documental recordamos un pasaje, la secuencia de cómo compone, él sentado en la esquina de una cama dice: “Así”, la cámara lo toma en contrapicada Rigo en primer plano y una ventana al fon-do que deja ver una Luna espectacular. El músico suelta: “Yo de noche le pregunto a las estrellas...”; impresionante. Rigo muere en marzo de 2005, en la ciudad de México y como los grandes fue despedido. Todos los medios de comunicación dieron cuenta de su deceso, pero el titular del matutina El Gráfico se llevó las palmas: Su esposa, su amiga y su amante, en referencia a las tres mujeres que llegaron a su funeral reclamando el trono de ser la efectiva de Rigo. Un año después varios músicos le rindieron un ho-menaje en el disco Rigo es amor, un compendio de 17 temas del cantante tamaulipeco; irregular pero efectivo en donde el primer track, Mi Matamoros querido, de Plastilina Mosh, metió un discurso de que deja ver lo adelantado que estaba este cantante. Otra sobresaliente es Cómo será la mujer, de La Lupita; Lamento de amor, de Panteón Rococó y de She’s a Tease; Perdóname mi amor por ser tan guapo, de Riesgo de Contagio, Carita de ángel, de María Daniela y su Sonido Lasser; y El testamento, de su paisano Jaime López, verdaderamente impresionante. Por esto y muchas cosas más, hay que revisitar a este icono básico del art nacó.

Por: Jorge Caballero.

DIECISÉIS

DIECIOCHO

No hay cine más independiente como el cine inde-pendiente gringo. Esto porque todo el cine estadu-nidense es autónomo: por un lado las majors son compañías privadas con amplios capitales y, por otro, casi todas las producciones hollywoodenses vienen de un cúmulo de compañías pequeñas, unas más orientadas hacia el mainstream y otras -pocas menos en términos reales- con intereses en los círculos de arte. Pero las posibilidades son tan amplias, que el cine estadunidense ha sido el sitio ideal para el desarrollo de una vanguardia que no corresponde ni a las salas de exhibición ni a los festivales y filmotecas, que a menudo está en un espacio intermedio entre la cinematografía y las ar-tes plásticas. Esta tradición radica en producir imá-genes abstractas (frente a las imágenes realistas de casi todo el cine) y tiende a la anarratividad.

Mekas y Andy Warhol -aunque para él se trataba de una posibilidad pop más. Y dos de estos tres cineas-tas están presentes en LA. S.U.bversión, el ciclo de películas de cine experimental estadunidense, que presenta Cinema Global en el Marco del Festival del Centro Histórico. Nunca se ha visto suficiente el cine de vanguardia de nuestro país vecino y siempre son bienvenidas estas propuestas. Vale la pena detenerse a ver a Stan Brakhage, uno de los cineastas más relevantes y ocultos del siglo XX. Se presenta su trabajo Antici-pación de la noche (Anticipation of the Night, 1958), una película donde el ritmo es más importante que la narrativa, donde un personaje aparece y desaparece sin terminar de pertenecer al mundo de imágenes con el que se topa. La principal característica de su cine es que da la impresión de haber leído poesía.

Por: Abel Muñoz Hénonin

P. Adams Sitney, quien escribió Visionary Film, el libro clásico sobre el tema, reconoce en Maya Deren el origen de esta escuela. En su película Mallas de la tarde (Meshes of the Afternoon, 1943), codirigida por Alexander Hammid, su marido de entonces, se sientan las bases estéticas y de distribución del cine que, además de vanguardis-ta, se ha denominado underground. La cinta es un corto que crea sentido con imágenes inconexas: una mujer sueña con una flor en una carretera, un cuchillo en una hogaza de pan, una figura con una capucha y un espejo en vez de cara; des-pierta y un hombre pone una flor en la hogaza. Sus imágenes, en blanco y negro y con el grano reventado, tienen un poder de ensueño bastante novedoso aunque tenga un toque surrealista. Al mismo tiempo al autoproducir y autopromocionar sus trabajos encontró un nicho nuevo para este tipo de cine en universidades y galerías, hasta que en 1946 se estableció un programa permanente en el Museo de Arte Moderno de San Francisco.Varias personas copiaron la manera de producir y el ánimo experimental y luego fueron acogidas en museos y galerías. Destacan Stan Brakhage, Jonas

Muy distinto a este trabajo es Las chicas del Chel-sea (The Chelsea Girls, 1966) de Andy Warhol. Una película que se proyecta simultáneamente desde dos aparatos pero sólo reproduce el sonido de uno (elegido al azar) y que es simplemente una suce-sión de personas haciendo algo frente a la cámara. Sólo algunos de los filmados son estrellas; ellos y el resto se encuentran en el Chelsea, un hotel neoyorquino que era un sitio de encuentro entre personajes famosos en las décadas de los sesenta y setenta, por lo tanto un lugar pop. El cine de Warhol es un trabajo de largas observaciones, que de algún modo se emparenta con parte del cine de festival más reciente (por ejemplo, en las largas ob-servaciones de En la ciudad de Sylvia, de José Luis Guerin -por otro lado, una mucho mejor película).

Pero el centro de esta muestra, es el trabajo de un cineasta joven: Jem Cohen; vinculado al videoclip y al documental sobre grupos de rock, que ha mezclado ése género musical con una visión única cierto tipo de documental que bien podría ser cualquier otra cosa. Cohen, por ejemplo, es el responsable de dos videos de R.E.M. The E-Bow Letter y Night Swimming, pero prefiere considerar-los interpretaciones hechas con base en la música del grupo a simples videos. Incluso, sus trabajos no coinciden con la duración del video como en MTV. Pero también es autor de instalaciones y de videos de simpleza abrumadora (revisen su página: www.jemcohenflims.com/wp/). Pero su lista de filmados es enorme y mayormente muy alternativa: Figazi, The Ex, Bold Redhead, Patti Smith, Godspeed You Black Emperor! Cohen se ha dedicado a redimen-sionar el rock como arte desde el cine más extremo.Este es un ciclo que se agradece, de un cine fuera de cualquier medida y que incluso es poco visto en festivales.

La. S.U.bversión, ciclo de Cinema Global se presentará en el Centro Cultural Tlatelolco y el Museo de la Ciudad de México del 17 al 22 y del 24 al 29 de marzo. Inauguración el 17 en el Museo y brunch de cierre el 29 en el Centro Cultural.

Los bastardosPor: Abel Muñoz Hénonin

Amat Escalante vuelve al cine con Los bastardos, después de su exitoso debut, Sangre (2005). La historia trata de dos inmigrantes mexicanos en Los Ángeles, que son contratados por un gringo para matar a su mujer. Al final, ya en casa de ella, disfrutan por un tiempo con la vida que soñaron hasta que la quiebran por accidente. Escalante ha elegido ser un autor y ha decidido que su estilo sea una narrativa superlenta, con una especie de desencanto en la actuación y la fotografía, ade-más con algo de violencia y sexo explícito. Es un cineasta con ideas sobre qué debe ser el cine, pero sin capacidad de revelar nada sobre la naturaleza humana, un cineasta posmo en el peor sentido. Sin embargo, hay algo que invita a no perderlo de vista. Quizá a la tercera logre una buena película, como Carlos Reygadas.

LOS BASTARDOS. México / Francia / Estados Unidos, 2008. Dirige: Amat Escalante. Con: Jesús Moisés Rodrí-guez, Rubén Sosa, Nina Zavarin. 90 min.

LA BODA DE RACHELPor: David Ramírez García

Jonathan Demme quien en 1991 nos impactó con El silencio de los inocentes (The Silence of the Lambs), ahora nos presenta El casamiento de Raquel (Rachel Getting Married), película que ha cautivado a la crítica estadunidense, donde nos cuenta una historia muy humana sobre Kym (Anne Hathaway), una adicta en rehabilitación, quien re-gresa a la casa familiar porque su hermana Rachel (Rosemarie Dewitt) se va a casar. Un relato donde la reunión de una familia después una separación larga, saca “lo mejor o lo peor” de cada uno. Por eso mismo, no es sólo una película rosa sobre una boda, sino una donde las situaciones dramáticas se encuentran con lados más gozosos de la vida. Además Anne Hathaway está nominada al Óscar a mejor actriz por su actuación en esta cinta. Cuando se estrene sabremos si lo obtuvo o no. LA BODA DE RACHEL (Rachel Getting Married). Estados Unidos, 2008. Director: Jonathan Demme. Con: Anne Hathaway, Rosemarie Dewitt, Debra Winger. 114 min.

VEINTE

Amar a morirPor: David Ramírez García

Fernando Lebrija, -hasta ahora director de video-clips- nos presenta su opera prima, Amar a morir, una historia de amor imposible. Alejandro (José María de Tavira), un joven de clase alta que después de una noche de fiesta experimenta un suceso que cambiar su forma de pensar, se embarca en una aventura y llega al pueblo de Ocelotitlán, donde se encuentra con Rosa (Martina García) una pueblerina de quien se enamora a primera vista, pero su amor se complicará porque en el pueblo el narcotráfico manda. Cine mexicano de buena manufactura, que muestra una historia de amor casi imposible tanto por el choteadísimo tema de la diferencia de clases, como por situar esta historia en el contexto del nar-cotráfico: nuestros Schwartzenegger salvarán a sus familias del crimen organizado. Todo con su buena dosis de acción y mucho drama.

AMAR A MORIR. México / Colombia, 2009. Director: Fernando Lebrija. Con: José María de Tavira, Martina García, Alberto Estrella. 90 min.

Los VigilantesPor: David Ramírez García

Una de las películas más esperadas por cinéfi-los y lectores de comics de este 2009 llega a los cines este mes -después de una batalla legal entre distribuidoras- la adaptación fílmica de la novela gráfica de culto Watchmen; establecida en 1985 en un universo alterno una grupo de superhéroes trata de esclarecer el asesinato de uno de ellos, mientras Estados Unidos esta apunto de una guerra con la Unión Soviética. Dirigida por Zack Snyder (300), estamos -al igual que en su anterior película- ante una estética muy cuidada, así como unos efectos visuales impactantes, de los que (obvio) te tendrán al borde de la butaca; pero eso sí acompañados de música del maestro Bob Dylan. Alan Moore, creador de la novela gráfica, se quejó -como hace siempre- de la adaptación, como si una película tu-viera que reproducir, cuadro por cuadro, su trabajo.

LOS VIGILANTES (Watchmen). Estado Unidos / Reino Unido / Canadá, 2009. Director: Zack Snyder. Con: Carla Gugino, Jeffrey Dean Morgan, Patrick Wilson. 163 min.

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Radiohead, vuelven 15 años despuésJorge Caballero

Hace 15 años, los empresarios de la casa disco-gráfica EMI Music rogaban y casi suplicaban, a los reporteros de la fuente que entrevistaran a una banda prometedora que venía de Inglaterra. Habían llegado a México para darse a conocer. El resultado fue el desprecio general a esos roqueros y que sus conciertos pasaran sin pena ni gloria. Incluso actua-ron en la colonia Ojo de Agua, en Tecámac, Estado de México, en un antro llamado Trastorno, y en una pequeña disco de Guanajuato. Ahora muchos piensan que es leyenda urbana; pero lo cierto es que nadie se imaginó que ese grupo se convertiría en una de las bandas más impresionantes y exitosas de la década de los 90 y de los dos miles.

Se llamaban RADIOHEADConforme se convertía en una banda grande e im-prescindible el grueso del público mexicano haría lo que fuera por verlos en vivo. Y sólo ahora el sueño se hace realidad: Radiohead se presentará el 15 y 16 de marzo en el Foro Sol de la ciudad de México. Radiohead es, tal vez, la más reciente de las súper bandas. Su impresionante trabajo a tres guitarras ha marcado a toda una generación de seguidores y músicos. Sus letras introspectivas y dolidas son tan características como sus videos y esa pared sonora que nadie ha podido igualar. Desde su formación en los confines de la Uni-versidad de Oxford en 1988 hasta la actualidad, la suya ha sido una historia ascendente, llena de momentos memorables y detalles legendarios. Para muchos son el grupo más influyente de los noventa.

VEINTIDÓS

Radiohead, quizás la banda más esperada de los últimos años, final-mente tocará en México un concierto masivo ante miles de seguidores.

La banda debutó discográficamente en 1992 con el EP Drill. Ahí ya estaba grabada Creep, la canción daría la vuelta al mundo un año más tarde, cuando finalmente apareció en el mercado su primer larga duración, Pablo Honey, mismo que rápidamente se convirtió en Disco de Oro en Estados Unidos y que abrió las puertas para que el quinteto hiciera una extensa gira mundial. Su segundo trabajo fue The Bends en 1995. Las críticas fueron excelentes, sin embargo, por diver-sas razones el disco tardó en despegar. Hicieron una gira como abridores de R.E.M., y poco a poco llevaron los temas de ese trabajo a miles de per-sonas. Eventualmente, el disco terminó dentro de cientos de listas de lo mejor del año, se consolidó como un gran producto y se convirtió en súper éxito de ventas. El tercer disco fue OK Computer, lanzado al mer-cado en 1997. Una vez más, el trabajo llenó de júbilo a sus seguidores y a los críticos. Cada vez eran más los halagos hacia su capacidad de combinar elementos del rock progresivo con la rabia del punk y las texturas que, para entonces, ya eran la carac-

terística definitiva del quinteto. Quedaba claro que Radiohead estaba mucho más allá de sus contem-poráneos, y que tarde o temprano, todo explotaría en su favor. Para el año 2000 sorprendieron a todos con Kid A. El disco no era un compendio de sencillos para la radio, pero debutó en el número 1 de las listas de Billboard. Radiohead se había convertido ya en una banda que tenía un público fiel, mismo que no hace caso de críticas o comentarios adversos. En otro movimiento desafiante, apenas un año más tarde, el quinteto lanzó al mercado un disco más (2001) bajo el nombre de Amnesiac. Se trataba de un compendio de temas grabados en las mismas sesiones que Kid A, aunque aclararon vehemente-mente que no era un disco de deshechos En el 2003 lanzaron Hail to the Thief, sexto en orden de sus discos en estudio y tercero consecuti-vo en debutar en el número 1 de las listas británicas. De nuevo el éxito fue enorme. Luego, en el 2007, volvieron a dar de que hablar al anunciar que su séptimo disco, In Rainbows, estaría disponible para descargar por Internet dejando a criterio de sus seguidores el precio que quisieran pagar por él. Radiohead, quizás la banda más esperada de los últimos años, finalmente tocará en México un con-cierto masivo ante miles de seguidores. La cita con el quinteto será el próximo domingo 15 y lunes 16 de marzo en el Foro Sol. Los boletos ya están agota-dos y sólo tendrá que encomendarse a la reventa si quiere asistir a este histórico concierto.

El recuerdo de las presentaciones del legendario músico británico Peter Gabriel en el Auditorio Nacional en 2002 y el Palacio de los Deportes en 1993 aún permanecen in-delebles en la corteza cerebral colectiva. Esta vez regresa a México para ofrecer dos conciertos: el viernes 27 de marzo en el Foro Sol y el domingo 29 en la Arena VFG de Guadalajara, y tendrá como telonero a Travis. De la prime-ra presentación atesoramos el dúo que hizo con Sinead O’Connor al tema Blood of Eden y de la segunda los brincos que pegó dentro de la esfera en la que apareció al iniciar el memorable recital, dos enormes momentos en la historia de los conciertos de rock en México. A pesar de que miles lo conocen de su etapa solista (misma que suma ya poco más de 25 años de carrera), Gabriel fue una de las piezas clave en la conformación y definición del llamado rock progresivo, o art rock. Fueron siete años en los cuales Génesis puso las primeras piedras de dicho movimiento, hasta que Gabriel deci-dió alejarse por voluntad propia, en 1975. Hicieron seis discos y uno de ellos, The Lamb Lies Down on Broadway, frecuentemente aparece en las listas de los mejores de todos los tiempos. Dejar a Génesis no supuso que Gabriel dejara de hacer música. Comenzó una carrera solista en la que sus pri-meros cuatro discos no llevaban nombre, sólo un número consecutivo. Así, la idea era más llevar un orden conse-cutivo o periódico que títulos específicos. Sin embargo los fans los distinguen, además del número, por ciertas características de la portada. Gabriel 1 es conocido como Car (Coche), el 2 es Scratch (Rasguño), al 3 le llaman Melt (Derretir, derretido) y al cuarto, Security (Seguridad). A pesar de que todos fueron muy exitosos, fue hasta el quinto de ellos, llamado So, obtuvo ventas millonarias. En la década de los años 80 se metió de lleno a los ritmos del mundo, lo cual le transformó en pionero entre los roqueros de público masivo en incorporar diversos estilos musicales en su ámbito. De esa pasión le vino el concep-to WOMAD, World Of Music, Artes and Dance (Mundo de la Música, Artes y Danza). El concepto mismo y luego los festivales musicales así llamados han sido recibidos de manera fenomenal por todo el mundo ya que retratan, desde el escenario, la diversidad cultural del planeta. Además, Gabriel suele decir que “la música es un idioma universal que reúne a la gente y demuestra, tanto como cualquier otra cosa, la estupidez del racismo”.

La música de Peter Gabriel ha estado presente también en el mundo del cine. Apasionado del séptimo arte, siempre que lo han invitado, ha creado piezas y obras enteras me-morables. Algunos de sus trabajos incluyen la excéntrica cinta Birdy (Alas de Libertad), de Alan Parker; Rabbit Proof Fence (el disco se llama Long Walk Home), de Philip Noyce y The Last Temptation of Christ (La Última Tentación de Cristo), de Martín Scorsese. Además ha compuesto canciones para infinidad de capítulos de series televisivas como South Park, Beavis and Butthead, Criminal Minds, The Bone Collector entre otras, además de temas sueltos para cintas como Gremlins, Philadelphia, Wall-E, Natural Born Killers, Strange Days, Until the End of the World y muchas más. Su más reciente producción es Hit, una especie de autobiografía musical de 30 temas que rescata sus grandes éxitos, temas inéditos y la remezcla de algunas canciones previamente grabadas. Con todo ese bagaje musical, lo que siempre que-da claro es que sus conciertos son experiencias sensoriales únicas. Peter Gabriel regresa a México, acompañado de la banda Travis, para ofrecer dos conciertos imperdibles.

Peter Gabriel aviva los buenos recuerdos

Redacción Dfin.

Los boletos para ambas fechas están disponibles en Ticketmaster, Mix Up, Discolandia, Liverpool, Gandhi, al teléfono 5325 9000 y en el sitio www.ticketmaster.com.mx

El guitarrista mexicano Carlos San-tana vuelve al país para presentar-se en cuatro ciudades diferentes: el 19 de marzo en el Foro Imperial de Acapulco; el 21 en el Auditorio Siglo XXI de Puebla; el 22 en el Palacio de los Deportes del Distrito Federal y el 24 en el Auditorio Telmex de Guadalajara. A pesar de vivir en los Estados Unidos desde hace más de 40 años, Santana ha llevado la bandera mexicana por todo el mundo, quizás con mucho más éxito del que se le reconoce. Carlos Santana nació en Autlán de Navarro, Jalisco, en 1947. Su gus-to por la música le viene de familia, pues su padre era un reconocido violinista de mariachi. De niño se mudó a Tijuana y ahí descubrió su pasión por la guitarra al escuchar a los grandes genios del blues como John Lee Hooker, T Bone Walker y B.B King. A los 14 años se mudó con su familia a San Francisco y fue justo ahí donde comenzó la leyenda. Empapado del movimien-to psicodélico de la década, para 1966 fundó la Santana Blues Band y ofreció al mundo los primeros atisbos de lo que sería a la postre su mayor legado: la mezcla de blues y rock con influencias latinas, con énfasis en las percusiones.

En 1969 llegó el primer momento definitorio de su carrera: la presen-tación que ofreció en el festival de Woodstock marcó para siempre al mundo, mostró el talento de la banda y dejó patente que Santana estaba para ser leyenda. Ese mismo año y mes (agosto de 1969) debutó discográficamente con un álbum llamado simplemente Santana. El tema Jingo alcanzó el Top 40 de Billboard mientras que Evil Ways alcanzó un sitio dentro del Top 10.

conseguido por Michael Jackson en 1983. Antes había ganado como Mejor Presentación Instrumental de Rock en 1988 por la hermosa can-ción Blues for Salvador, y después, en el 2002, junto a Michelle Branch por el tema The Game of Love, del disco Shaman. Además, su nombre forma parte del Salón de la Fama del Rock and Roll desde 1998. Así, con más de 90 millones de discos vendidos, una carrera de más de cuatro décadas y ho-menajes tales como la canción Variations on the Carlos Santana Secret Chord Progresión, de Frank Zappa, ha dejado su huella. Pocos como él en la guitarra, pocos con el sentimiento que transmite, con su capacidad evolutiva e incluyente. Santana fue de los primeros mú-sicos internacionales que mezcló ritmos de todo el mundo en piezas únicas, lo que de alguna manera es piedra angular del llamado movi-miento World Music.

Los boletos para todas las fechas están disponibles desde ya en el sis-tema Ticketmaster, Mix Up, Discolan-dia, Liverpool, al teléfono 5325 9000 y en el sitio www.ticketmaster.com.mx

Santana, siempre vigente

Redacción Dfin.

Su versión de Soul Sacrifice se usó como uno de los puntos clave del documental sobre Woodstock. Santana había entrado al mundo del rock con el pie derecho. Exactamente 30 años después, en junio de 1999, tras una exitosa carrera con su banda y como solis-ta, el éxito mundial sin precedentes volvió a llegar a los pies de Carlos. La edición de Supernatural, un disco lleno de colaboraciones especiales (Eagle-Eye Cherry, Wyclef Jean, Eric Clapton, Lauryn Hill, Rob Thomas de Matchbox 20, Everlast y Dave Matthews) le valió 11 nominaciones a los Grammy, de los cuales ganó nueve (entre ellos Disco del Año y Canción del Año), cifra que igualó el récord histórico

VEINTIcINCO

Tras su apoteósico y arrollador éxito en el Palacio de los Deportes, el pasado 30 de octubre, donde en menos de una semana se vendieron todas las localidades de su concier-to, el músico zaragozano, Enrique Bunbury, regresa de nueva cuenta a México para complacer a sus cientos de seguidores, quienes sin duda se volverán locos, literalmente, por ver de nueva cuenta en vivo y a todo co-lor a uno de sus ídolos más queridos, quien se presentará dentro de la gira Hellville de Lux Tour 09. Bunbury visi-tará un gran número de ciudades de la República Mexicana y en la capital la cita con el ex vocalista de Héroes del Silencio será el domingo 29 de marzo en el Foro Sol. El arranque de su gira por Nortea-mérica inició el pasado 17 de febrero en Nueva York. De ahí siguió por Chicago, Houston, Los Ángeles y Las Vegas. Su primer punto de encuentro con los mexicanos se realizará el 3 de marzo en Tijuana, donde tendrá como recinto El Foro. El 11 de marzo su música se adue-ñará de las instalaciones de la Arena VFG de Guadalajara; el 14 de marzo el paradisiaco puerto de Acapulco se rendirá a sus pies cuando actúe en el Mundo Imperial.

El 20 de marzo llegará a la Arena Monterrey, mientras que el 25 sus fervientes seguidores poblanos lo contem-plarán en el Auditorio Siglo XXI. Para el 29 de marzo, el Distrito Federal lo recibirá con los brazos abiertos. Esta vez el punto de reunión es el Foro Sol. 48 horas después, 31 de marzo, el Domo de la Feria de León será un hervidero. El últimolugar de su gira mexicana, bajo el marco de su Hellville de Tour 09, es La Plaza de Toros Santa María de Querétaro. Cuatro años después de dar vida a su último álbum de estudio, El Viaje a Ninguna Parte, Enrique regresó con el excelso disco Hellville de Luxe, que ha sido certificado en España y México con Disco de Oro por sus altas ventas. Los sencillos que se han desprendido son El hombre delgado que no flaqueará jamás y Hay muy poca gente que es una sátira contra la violencia. El nombre de esta producción corresponde a la casa-estudio que tiene el músico español en el Puerto de Santa María. La produc-ción estuvo a cargo del ex integrante de la banda Roxy Music, Phil Manzanera. Asimismo, en esta gira, Bunbury es acompañado por su nueva banda, tras la disolución de El Huracán Ambulante. Los músicos que lo han acompañado y acompañarán durante su Hellville de Lux Tour 09 son Álvaro Suite, gui-tarra y mandolina (Suite y Bunbury & Vegas), Jordi Mena, guitarra, banjo, mandolina, lap steel y dobro (Escalones, Big Mama, Sau y Jarabe de Palo), Roberto Castellanos, bajo (Carrots y Suite), Jorge “Rebe” Rebenaque, piano y acordeón (Los Rebeldes, Jarabe de Palo y Bunbury & Vegas) y Ramón Gacías, batería y percusión (El Huracán Ambulante y Bunbury & Vegas). Por otro lado, no todo es música para el cantante ibé-rico. Para darle mayor placer a sus seguidores, Bunbury dio vida a un cortometraje, El hombre delgado que no flaqueará jamás, que fue dirigido por el francés Edouard Salier. Este mini-filme, de siete minutos de duración, está lleno de psicodelia y sangre y fue filmado en el Desierto de Salton Lake de California. La actuación principal corre a cargo del mismo Bunbury. El fenómeno Bunbury en nuestro país se ha convertido en casi una religión obligada. Después de España, su tierra natal, México es el país que le ha brindado y mos-trado su cariño, apoyo, admiración y respeto. Basta solo recordar que en cada una de sus visitas, anteriormente, el zaragozano siempre ha colgado el letrero de “localida-des agotadas”. Amado por muchos y odiado por otros, Enrique vuelve a la carga, con lo que hasta ahora muchos críticos coinciden, es su mejor y definitivo disco.

Para mayores informes y calendario completo de las presen-taciones visite la página las páginas www.ocesa.com.mx y www.vivelatino.com.mx

Bunbury

y su larga gira mexicanaRedacción Dfin.

VEINTISÉIS

Una revisión a la poesía de Tomás SegoviaPor Darío González

Dentro de los géneros literarios, el lírico es el que lleva la peor parte en materia de lectores. Quienes gustan de leer poesía conforman un pequeño grupo del ya de por sí reducido número de personas que aprecian la literatura. Pero, por fortuna, esto no significa la extinción del género. Mientras exista humanidad habrá poetas que sigan encontrando la belleza en la vida, en la naturaleza, en la mujer y, en realidad, en todo lo circundante. Así ha sido desde tiempos antiguos y así también ahora, como puede advertirse en Siempre todavía, recopilación de poemas de 2006 a 2007 escritos por Tomás Segovia, poeta que, si bien nació en la provincia española de Valencia, allá por 1927, debido a su estancia y el amor por nuestro país también puede considerársele mexicano. La producción segoviana supera la veintena de obras, quince de las cuales están publicadas en México por el sello Ediciones sin Nombre, de donde procede la citada obra compuesta por cerca de 80 poemas, todos ellos cortos y de lectura ágil, pero no por eso menos interesantes, ni menos bellos.Siempre todavía se estructura en tres partes: Fin del túnel, Hoy es siempre y Gestos de amor. Como pue-de adivinarse por los títulos, la constante en la obra es un jubiloso canto al encuentro con la armonía, una reconciliación con la vida.

Siempre todavía, es editado por Ediciones sin Nombre, además de otros títulos del mismo autor. Si desea más información de las obras de Tomás Segovia u otros poetas, consulte el nuevo portal de la casa editora: www.edicionessinnombre.com, no se arrepentirá.

VEINTIOCHO

“Tan lindo el día y todo él tan sano/ Tan sin blandu-ra tan sin ñoñería/ Dignamente contento de estar vivo/ Altamente seguro/ De ir a cumplirlo limpia-mente todo/ Sin sospechosos guiños/ Sin buscar turbios pactos con la sombra/ Sonriendo en su fuerza tan reciente/ La fuerza de una luz que por milagro/ Es fuerza ya y es aún inocencia/ Y ensan-cha de un frescor todo él por venir/ Nuestro pulmón enamorado/ La fuerza de un encanto diáfano hasta el meollo/ De una alegría entera que arrastra nuestro mundo/ Mas sin caer en culpa alguna.” (Inhalación ).

Para quienes ya conocen la obra de Segovia, les será familiar encontrar uno de los temas recurrentes que si bien es escasamente abordado en este poemario, no deja de aparecer, sobre todo en el apartado final (Gestos de amor): la mujer. No es casual que en el último poema del libro, el autor deje clara su postura con respecto a ellas:

“Hay ratos en que soy una rica banderaOndeo al viento me despliegoMe mezo confiadoPero sé bien qué asta me sostieneUn asta femeninaUn asta que no es mía sino que soy de ellaY ondeo sostenido por su gran certidumbreFuerte como una leyComo la otra leyComo la otra fuerza que no tiene banderaQue es asta toda ella” (Astabandera).

Poesía de preguntas y descubrimientos, versos senci-llos pero que nunca caen en lo superficial, imágenes diáfanas, luminosas y, en general, un canto jubiloso por vivir son algunos de los aspectos que no dejan de aparecer en este poemario, debidamente adaptado a libro de bolsillo de modo que esté a la mano en todo momento.

El mismo autor del conocido poema Besos, ha optado esta vez por explorar otra faceta del erotismo y consagrarse a la reflexión de sí:

“Otra vez puedo detenerme un ratoA mirar simplementeA oler a oír a sentir en mi pielY otra vez como siempre se despierta en míEse cauto husmear tras las palabrasEsta certeza de que desde alláMe están pidiendo que responda [...]” (Como siempre ).

La introspección es también una búsqueda de verdades, el poeta en ese ejercicio se percata de la necesidad de celebrar un acto cotidiano, simple, tantas veces olvidado pero de una rotundez inne-gable: estar vivo.

“Ah síCuidaré de que viva intactaEsta audaz gratitud desprotegidaNo me hundiré en la inerciaDe pensar que es tan sólo porque salgoDe la turba desgraciaPor lo que una vez másComo en aquellas límpidas mañanas de mi tiempoVuelve a estallar en mi plexo el asombroDe despertar al día y de encontrarme vivoBajo la fresca luz de un joven sol jovial

Ah noNo humillaré la maravilla” (Plexo ).

Con la pericia de quien ha dedicado décadas escri-biendo poemas, labor que ha sido reconocida con galardones importantes como el Premio Octavio Paz de Poesía y Ensayo (2000), el Premio Juan Rulfo de Literatura Americana y del Caribe (2005) y recientemente el Premio García Lorca de Poesía (2008), los poemas de Siempre todavía también miran hacia la naturaleza, hacia el exterior del hombre, sin eliminarlo, antes bien destacando la unión dichosa de ambos en una relación amorosa intensa, sin odios ni culpas:

El pez dorado J.M.G. Le Clézio Tusquets EditoresAlejamiento de la clásica visión del inmigrante africano, habitualmente realizada a partir de la lejanía de la tercera persona o en masculino, desde la perspectiva de la frágil secuestra-da Laila que huye de la casa de su ama cuando fallece y es aceptada entre “princesas” de alquiler, quienes la protegen y le enseñan el arte de hurtar. Alejamiento de la esperanza de libertad y educación frente a un mundo adverso que obliga a seguir el camino de la migración convirtiéndola en desterrada. Alejamiento de las esperanzas puestas en el primer mundo parisino, enterradas en el mundillo subterráneo de inmigrantes ilegales imposibilita-dos de poner pie fuera de los bajos fondos. Alejamiento de la creencia en la bondad cuando todo alrededor es abyecto. Alejamiento del estilo soso de las novelas complacientes que opta por el dinamismo de las descripciones, en medio de la dificultad de la narración en primera persona y el hallazgo de una voz femenina que, impecablemente, transpone la voz masculina del Premio Nobel, Le Clézio, en una frágil, sorda y sensible artista.

Mi querido Mijael Amos Oz SiruelaAlejamiento de una posición condescendiente que mira las historias románticas con conmovida banalidad para elaborar un relato complejo sobre el resquebrajamiento de una historia amorosa, enfocada en los matices psicológicos. Alejamiento de las frases hechas para entregar verdaderas sentencias que critican y redondean la visión de un autor comple-to, tipo “el tiempo y la memoria se compadecen de las palabras banales”. Alejamiento del olvido como mejor carta para superar los problemas y frustraciones para enfrentarlo desde la postura de que “olvidar significa morir”. Alejamiento de la posición meliflua y melcochosa para adentrarse en la enmarañada psicología de la protagonista y voz de la novela Jana, de su universo pesadillesco que la acompaña en todo momento, en esas visiones funestas de sus amigos de la infancia, mientras su capacidad de amar se extingue en medio de una conflictiva ciudad de Jerusalén de los años 50. Alejamiento que transpone la voz masculina del israelí

Amos Oz en una oscura voz femenina.

Retrato de una dama Henry James CátedraAlejamiento de los clásicos personajes femeninos de las novelas de finales del siglo XIX, reducidos mayoritariamente a planos secundarios, para darle voz y forma a uno de ellos, la mítica Isabel Archer. Alejamiento de la rigidez de una sociedad cuadrada y mojigata que reduce a la mujer a un simple objeto de disputa varonil hacia una dimensión que le otorga la capacidad de elegir su propio destino, con todo y que “los convencionalismos te dejaron hecha trizas”. Alejamiento de la ingenuidad hacia los derroteros del salvajismo capitalista que destroza los ideales románticos de la protagonista victimizada por una sociedad ajena incluso a pequeños atisbos de libertad. Alejamiento del registro de la realidad en beneficio del registro de una individualidad, enriqueciendo la psicología y sentimientos del personaje principal. Alejamiento de la lectura complaciente de clásicos por cortesía de editorial Cátedra para entregar un estudio crítico pormenorizado de este escritor, considerado entre los más importantes de su tiempo, Henry James, transpuesto impecablemente en su voz femenina.

Transposiciones de voces masculinas en voces femeninas realizadas imperceptible e impecablemente a partir del alejamiento de los lugares comunes.

LLÉVATE UNO DE LOS TRES LIBROS DE LA CUARENTENA DE J.M.G. LE CLÉZIO QUE EDITORIAL TUSQUETS, REGALA A LAS PERSONAS QUE MENCIONEN TRES TÍTULOS DE ESTE MISMO AUTOR Y SU AÑO DE PUBLICACIÓN.Envía tus respuestas a : redaccion@df-in.com.mx

Es licenciado en Artes Visuales de la Escuela Nacio-nal de Artes Plásticas de la UNAM. Posteriormente

cursó el seminario de pintura contemporánea a cargo del maestro Ignacio Salazar Arroyo en la misma

institución. Ha participado en más de 20 exposiciones colectivas en México y otros países, entre las que se

destacan la IX bienal de gráfica de pequeño formato y ex libris en Ostrow Wielkopolski, Polonia, 2001; el fes-tival Jolgorio en Querétaro, 2002; Luna…una expresión artística, parte de los reconocimientos anuales Lunas

del Auditorio, 2004; Creación en Movimiento 2003-2004 y Art-Field en 2008. Ha exhibido en distintas

ferias internacionales como MACO 2007 y FEMACO 2008. Ha realizado 6 exposiciones individuales, las

más recientes son “Respetable” e “Inasible” en la galería “La Refaccionaria” en la cuidad de México.

Su obra ha sido seleccionada en distintas subastas de arte contemporáneo como las ediciones 2007 y

2008 del “Grupo de los dieciséis”. Fue becario del programa Jóvenes Creadores del FONCA en la gene-

ración 2003-2004.

CRIA CUERVOS...Oleo y grafito sobre panel.

153 x 200 cm.2008.

México D.F. 1977

TREINTA

M2Oleo y grafito sobre panel.

153 x 200 cm.2008.

SIN TÍTULOOleo y grafito sobre panel.153 x 244 cm.2008.

DETRÁS DE LA RAYAOleo y grafito sobre panel.

(Tríptico), 105 x 600 cm.2008.

Juegos de guerrillaLa guerrilla venezolana de mediados de los años sesenta fue tan sangrienta y terriblemente contrarrestada por los gobiernos dictatoriales como en el resto de la América Latina, incluyendo México. Pero la directora Mariana Rondón, hija ella misma de un guerrillero y que ha documentado el tema, decidió contarlo de manera distinta, mediante la mirada infantil. Es así que con mapas secretos, con la invención refugios y nombres clave, con disfraces y personalidades encubiertas, juegan el juego de los espías. Mientras, sus padres, ocultos en la montaña, perseguidos por el gobierno, no saben si volverán. Y los juegos al menos sirven para enterrar ese miedo a nunca volver a ver a los suyos.

Postales de Leningrado (Venezuela, 2007) de Mariana Rondón. Con Laureano Olivares, Greisy Mena, William Cifu-entes y Haydee Faverola. Zafra Video.

Bush no sabe cantarEran tres. Eran talentosas. Eran muy guapas. Y estaban en el punto más alto del éxito. Las Dixie Chiks encarnaban, con su juventud y sus raíces, lo mejor de la música country en los Estados Unidos con ciertos coque-teos hacia el pop. Con más de 12 millones de discos vendidos y varios temas en el número uno de las listas de popularidad, pronunciaron una frase sincera en un concierto en Londres en marzo del 2003: “Estamos avergonzadas de que el Presidente de Estados Unidos sea de Texas”. A partir de ahí, la extrema derecha estadounidense se lanzó contra ellas, las boicoteo, destruyó sus discos, mientras estrellas como Bruce Springsteen y Madonna defendían su derecho a la libre expresión. Este documental de muy buena factura muestra los sucesos en torno a estos hechos.

Cállate y canta (Shut Up and Sing, Estados Unidos, 2006) de Barbara Kopple y Cecilia Peck. Fotografía de Chris Burrill. Producción de David Cassidy. Con Natalie Maines, Emily Robinson y Martie Maguire. Zima Entertainment.

GÁNATE uno de los 5 DVDS de CALLATE Y CANTA que Zima Entertainment regala a las primeras personas que contesten:el nombre (integrante) e instrumento que toca cada una de las DIXIE CHIKS

Ver, o ir y g o z a r

TREINTA y dos

Ver, o ir y g o z a r

Uno y los otrosQuién hubiera pensado que hace ya diez años que la Matriz parió una de las cintas más espectaculares de la historia del cine de Ciencia-Ficción. La fábula del señor Thomas Anderson convirtiéndose en el Elegido a fuerza de aprendizajes virtuales –con todo y duelos de Kung Fú incluídos– resultó toda una innovación con sus tomas circulares de 360 grados, su súper cámara lenta, sus balas al por mayor y su mezcla de religiones, filo-sofías y New Age circulando a toda velocidad por los circuitos integrados de una computadora. Pero una década después bastó para que los fascinantes efec-tos visuales de Matrix y su mezcla de película de karatecas con una pasarela de modas virtual y un mundo futurista y decadente haya sido imitada hasta en las cintas de Shrek. Puede que el mundo real no exista y que la gran computadora nos haya engañado. Pero en lugar de tomar la píldora azul la ocasión se conmemora con la salida de la película de los Hermanos Wachowsky en Blu-Ray con todos los extras y noveda-des que esa tecnología implica, incluyendo comentarios de filósofos, críticos y de sus creadores. Ah, y un libro de 37 páginas con ensayos, fotografías y datos curiosos.

Matrix (The Matrix, Estados Unidos, 1989) de Andy y Larry Wachowsky. Con Keanu Reeves, Laurence Fish-burne, Carrie-Anne Moss y Hugo Weaving. Warner Home Video.

El menos favorito de los marcianosAsí como Keanu Reeves se convirtió en uno de los nuevos personajes de referencia en las películas de Ciencia-Ficción al convertirse en Neo. Mostró que puede ser un experto en el arte del actor inexpresivo al tomar el papel de un agente extraterrestre que aterrizó aparatosamente en el Central Park de Nueva York con una simple misión: defender al planeta Tierra de su peor amenaza, los humanos. Pero no es lo miso mostrar a un inmóvil Klaatu cuando las cintas de aventuras tenían un ritmo semilento y diálogos que pretendían despertar conciencia en el agitado despertar de la Segunda Guerra Mundial, en 1951, con la clásica El día que la Tierra se detuvo de Robert Wise, que realizar una segunda versión, medio siglo después, con los vertiginosos efectos especiales digitales. Al menos, los nostálgicos pudieron mirar al mismo robot Gort, con un tamaño mayor, corres-pondiente al consumismo de esta época. Además de DVD, también estará disponible en Blu-ray.

El día que la Tierra se detuvo (The Day the Earth Stood Still, Estados Unidos, 2008) de Scott Derrickson. Con Keanu Reeves, Jennifer Connelly y Kathy Bates. 20th. Century Fox Video.

LLÉVATE uno de los 5 DVDS de la película POSTALES DE LENINGRADO que Zafra Video obsequia a las personas que contesten: ¿qué premios y nominaciones ha obtenido este largometraje alrededor del mundo? (por lo menos 2)

Envía tus respuestas a : redaccion@df-in.com.mx

TREINTA Y CUATRO

Actualmente, caen diariamente al relleno sanitario Bordo Poniente, 12 mil toneladas de basura, sin cesar, de las cuales el Distrito Federal es responsable de 10.5 mil y el remanente del estado de México. Un relleno sanitario es un lugar donde se confinan los residuos, que desde ahora llamaremos correcta-mente residuos sólidos, en grandes terrenos espe-cialmente diseñados para ello. Los residuos sólidos se compactan y se ponen en capas alternadas con capas de tierra hasta un punto en el que se satura y se cierra. Los suelos son aislados como preparación antes de comenzar a depositar la basura. Estos con-finamientos producen gases como metano, líquidos como los lixiviados; que son los resultantes de la descomposición de los residuos al paso del agua de lluvia que se va infiltrando; y olores no muy agrada-bles. El de esta ciudad se encuentra fuera del Distrito Federal, al oriente de la urbe, en el municipio de Ne-zahualcóyotl, muy cerca del Aeropuerto Internacional, realmente dentro de la zona conurbada y al día de hoy está completamente saturado. La saturación y cierre de Bordo Poniente debió reali-zarse en 2005, pero gracias a las prorrogas y negocia-ciones sigue en operación. El gran riesgo de continuar arrojando desechos, compactándolos y poniendo tierra, es que el peso de todo esto puede romper el

aislamiento con el suelo colocado en su construcción; llamado geomembrana; y llegar a los mantos freáticos de la ciudad, contaminando gravemente el agua y provocando problemas a la salud de la población y daños ambientales irreversibles, verdaderamente una catástrofe para la vida en la capital. El Bordo comenzó operaciones a principios de los años 80, existen estudios realizados por el Instituto de Ingeniería de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) que señalan que se han depositado alrededor de 65 millones de metros cúbicos de basu-ra, habría que verlo para poder imaginarlo, alrededor de 700 hectáreas llenas con una capa de 12 metros de basura compactada; y se han generado a la par más de 20 mil millones de metros cúbicos de gases efecto invernadero. Todas estas dimensiones pueden parecer com-pletamente alejadas de nuestro entendimiento pero hagamos un ejercicio con algunas cosas familiares. Si tomamos un departamento de 100 metros cua-drados, bastante estándar, con un techo de tres me-tros, tenemos en Bordo 280 mil departamentos llenos y rellenos de residuos compactados. Vayamos más lejos, si lo convertimos en edificios de 50 pisos, como la Torre Mayor, con ocho departamentos por piso, obtenemos la inverosímil cantidad de 700 edificios de

En el primer número de esta guía hablamos del even-to que podría marcar la historia contemporánea de la capital, el cierre del Bordo, el gran tiradero de basura de la ciudad. En este número ahondaremos en esta realidad que pronto nos alcanzará si no tomamos decisiones rápidas y asertivas sobre el tema. Hablaremos del relleno sanitario para poder dimensionar el tamaño del problema, haciendo referencias más específicas que nos ayuden a entender mejor nuestra posición frente a la basura que producimos todos los días

Más allá del BordoPor Alan Favero

150 metros de altura como este, repletos de basura; y emitiendo gases en esa misma magnitud. El cierre del relleno sanitario, previsto para el 15 de enero de este año ha tenido un nuevo y reciente revés. El gobierno capitalino anunció siete días antes de la clausura que en este momento no se cerrará, aunque aseguró que resueltas las negociaciones y pagos para el fin de operaciones adecuado se procederá a clausurarlo; no sabemos si esto es verdad o ficción, tampoco sabemos en donde se depositará la basura cuando este inminente cierre suceda en los próximos meses del año. Es claro que hay un atraso y una falta de responsabilidad por parte de las autoridades tan grave como nuestra inconsciencia y desinformación sobre el tema. A pesar de esto; y porque no todo es negativo; existe la intención de crear el primer Centro Integral de Reciclaje y Energía (CIRE) en la ciudad. El proyecto se encuentra en evaluación y se están buscando terre-nos para poder construirlo, aseguró la Secretaría de Obras y Servicios local. Se pretenden construir en total cinco centros como este para cambiar radicalmente la manera en que se disponen los residuos sólidos y aprovechar al máximo de ellos. Los CIRE contarán con tecnología de punta para garantizar el cuidado del medio ambiente, no son rellenos sanitarios y se estima poder construirlos en periodos de 20 meses cada uno. Estos centros pro-ducirán energía eléctrica mediante el gas que generan

los desechos en descomposición, composta para la restitución de suelos y separarán y reciclarán los residuos susceptibles de hacerlo, que son una gran mayoría. Se planea el aprovechamiento de más del 80 por ciento de todos los residuos sólidos. Como bien dicen los que conocen la cultura mexicana, hasta no ver no creer. En México ya existen experiencias pioneras en esta materia, en Monterrey la línea dos del Metro es impul-sada por la energía que produce el relleno sanitario de esa ciudad, ¿Qué parte sí entendieron en Monte-rrey que aquí no hemos asimilado? Pionera en esta materia, la segunda ciudad más importante del país adopta medidas sin precedentes y crea un proyecto que beneficiará a toda la población, la ciudad, y más todavía, al mundo entero. En este Distrito Federal, nuestra ciudad, no hemos aún entendido que los problemas medio ambientales son una responsabilidad nuestra y no de los ambien-talistas. Podemos encontrarnos en una situación de riesgo y amenaza a nuestras vidas de seguir inmersos en la inacción e inconsciencia, ¿Será necesario vivir un colapso para lograr entender? ¿Qué pasaría si el agua se vuelve intomable, el aire irrespirable y la tierra estéril? Si seguimos así, pronto lo sabremos. Tenemos finalmente libertad de decidir.

TREINTA Y SEIS

¿Para qué separo la basura si nadie lo hace?Algunas estadísticas dicen que alrededor del 20 por ciento de la población en el Distrito Federal separa su basura. Sin embargo la ley de residuos sólidos tiene más de dos años de haber sido creada y “aplicada”. Esta ley obliga a toda la gente e industrias a separar su basura en orgánica e inorgánica. Todos sabemos que los de-sechos orgánicos son los desperdicios generados por alimentos y jardinería, mientras que los desechos inor-gánicos son todos los demás. No es complicado, no te-nemos que tener un doctorado o estudios profesionales para entenderlo y a pesar de eso no lo hacemos. “¿Para qué lo hago si el señor de la basura se lo lleva junto?…” esa es la mejor excusa que he oído y todas sus variacio-nes. ¿Hasta qué punto seguiremos preocupados por lo que el otro hace o deja de hacer? ¿Por qué no sólo hace-mos lo que debemos, pues finalmente es un beneficio común el que nuestro único planeta no siga recibiendo los cientos de miles de toneladas de basura diarios que lo están asfixiando? Hasta el día de hoy, no he encon-trado esta respuesta más allá de la inconsciencia colec-tiva que a muchas personas les genera el tema de la basura; ¡Como si con tirar una lata fuera del coche fuera a desaparecer para siempre, pero no! La lata sigue ahí, afuera, acumulándose con otras arrojadas; pronto llegará el día en que todas entrarán por las ventanas de las casas y llenarán los ríos de agua que bebemos convir-tiéndolos en basure- ros, ¿Será en ese momento cuando nos daremos cuenta?

¿En Metrooo? ¿Yooo? En otros países sí nos subimos al Metro porque “¡Allá sí está bien!” Pocos saben que el Metro de la ciudad de México es el más barato y de los mejores del mundo. Es mucho más limpio y simple que el de Nueva York, no hue-le mal como el de París, ni se tarda diez minutos en lle-gar como el de Bruselas. La gente tiene terror de subirse al Metro, con la justificación que es inseguro, huele mal y siempre está lleno. Sin embargo me atrevería a decir que casi nunca he escuchado de casos de personas asalta-das o asesinadas en el Metro, cuando en la calle en el co-che y aún teniendo guaruras es el pan de cada día. ¿Por qué nos sentimos más seguros en un coche? ¿No será solamente algo que nos han hecho creer? ¿De dónde vie-

¿Has visitado alguna vez el Parque Cerro de la Estrella?Continuando con el circuito de los bosques y gran-des áreas verdes citadinas, en esta ocasión iremos hacia el oriente de la ciudad. Sí, a Iztapalapa, donde se encuentra un parque en la cima de un cerro. Aunque parezca mentira este parque se erige en una de las zonas con mayor población de la capital. Con vistas realmente impresionantes del Distrito Fe-deral, este parque ha sobrevivido al constante agran-damiento de la mancha urbana. Declarado Parque Nacional por el presidente Lázaro Cárdenas en 1938 y con una extensión inicial de más de mil hectáreas, actualmente es utilizado para numerosas activida-des escolares y representaciones religiosas pero poco para el simple disfrute de sus vistas y la som-bra de sus árboles. No dejes pasar la oportunidad de conocerlo y gastar unas horas contemplando el gran Valle de México entre los árboles que lo enmarcan por arriba de sus copas.

ne el prejuicio que subirse al Metro sólo es para la gente que no puede comprarse un coche? Desde que me mudé a la ciudad utilizo el Metro y además de lo eficiente que es, disfruto de poder salir de las estaciones y estar en los mejores lugares de paseo del Distrito Federal. Cuando sa-les de la estación Bellas Artes y te encuentras de frente con el Palacio o cuando a la salida te espera el Zócalo con esas construcciones inigualables o bien te lleva hasta la zona de museos del Bosque de Chapultepec sin tener que pensar dónde estacionar el auto, el tráfico que tendría que atravesar con todo lo que implica o cuánto tendré que pa-gar para dejarlo ahí, únicamente sales, disfrutas y tienes libertad total. ¿Te atreves? www.metro.df.gob.mx

FUENTES:Secretaría de Medio Ambiente del DF y GDFINVENTARIO DE RESIDUOS SÓLIDOS DEL DISTRITO FEDERALMéxico 2006

Secretaría del Medio Ambiente del DFPROGRAMA DE GESTIÓN INTEGRAL DE LOS RESIDUOS SÓLIDOS PARA EL DISTRITO FEDERAL 2004 – 2008México 2004

Una caminadita por el AjuscoPocas ciudades en el mundo podrían jactarse de tener lo que el Distrito Federal ofrece. Al mismo tiempo de ser una de las capitales más grandes del mundo y tener un nivel de urbanización altísimo, también tiene lugares como el Ajusco, uno de los bosques de la ciudad. Algunos sólo lo conocen de nombre y pocos han ido a explorar sus bos-ques. En este lugar podrás llevar a cabo el ejercicio que más te guste, correr, caminar, hacer bicicleta de montaña o algunos más extremos como escalar o jugar en campos de gotcha. Si lo que te gusta es solamente estar tranquilo, comer rico y respirar algo más que smog todos los días, también hay lugar para eso en el Ajusco. Toma unos bue-nos libros, un tapete grande, tu canasta de picnic y ve a hacer tuyo este lugar que te hará olvidar que vives en una ciudad con más de 22 millones de habitantes.

El UniversalDiputados piden el cierre del Bordo PonienteMéxico, 19 de diciembre de 2008

www.economista.com.mxRetrasan el cierre del Bordo PonienteMéxico, 8 de enero de 2009

www.exoline.com.mx La licitación del Centro Integral de Energía y Reciclaje, está listaMéxico, 28 de septiembre de 2008

La recuperación de la memoria, la vuelta a los orígenes y el reencuentro con la vida fueron las motivaciones que encontró el dramaturgo David Olguín en ¿Quién teme a Espantapájaros?, obra original de Maribel Carrasco que tiene por rara virtud estar dirigida a un público habitualmente olvidado: el adolescente.

De hecho, según expresa el fundador de una de las editoriales independientes más prestigiosas (El Milagro, que edita bastantes textos teatrales), el teatro para adolescentes no se ha trabajado consistentemente en el país. “Que la obra tenga el horario de la una en el Centro Cultural del Bosque ha dificultado hallarle a su público al espectáculo”. Y es que no es un teatro cuyo contenido sea para adultos, lo pueden disfrutar, y mucho menos para niños pequeños porque plantea una realidad muy cruda (la edad mínima para entrar es 12 años).

“En esa franja intermedia está el nicho para este tipo de temas y sucesos. La UNAM ha trabajado teatro para adolescentes de manera más natural porque mucho de su público, lo conforman preparatorianos, pero es todo un universo a trabajar, a explorar. A esa edad, se reúnen ideas, indignaciones y el teatro puede hacer mucho en ese sentido. Es un tino que el Inba haya tomado ese riesgo de hacerlo así”.

El tema; el reclutamiento de niños como carne de cañón en los ejércitos, es crudo, pero abordado con inteligencia por la autora de la obra. Explica Olguín, director de la puesta en escena: “El texto abordaba el tema de manera indirecta, a través de un mundo que construye la denuncia a partir de la imaginación y la ensoñación, sin dejar de poner el dedo en la llaga”.

Eso se hace evidente en la manera como se desarrolla la obra, por medio de dos historias que se entrecruzan y, en palabras de Olguín, coexisten en un mismo espacio. La escenografía de Gabriel Pascal, un panel con un hoyo en medio, una silla con lámpara y una mesa, contribuye a lograrlo. “Sentía que la austeridad le venía mejor a ese texto, como también apostarle mucho más al trabajo de los actores. Hay momentos en que esto deja más en la conciencia del espectador que haber construido paisajes totalmente realistas”, dice en entrevista.

La autora, explica: el director, partió de los supues-tos procesos de reintegración de los niños a la sociedad sólo para reflejar que al momento de comparar los resultados de estos procesos con las cifras crudas (“se habla de medio millón de niños soldados en activo y una especie de doble juego de los intentos de regeneración”), entonces se topa con un problema. “Yo lo mezclé más, tratando de que coexistieran los espacios y tiempo. Quise reforzar el juego de identidades: que el papel de víctimas y victimarios se mezclara un poco”. Y es que se trata de dos segmentos de una misma

En ¿Quién teme a Espantapájaros?, David Olguín aborda el tema de los niños soldadosPor Javier Pérez

TREINTA Y ocho

realidad: el pasado que sigue siendo presente y que tiene como vocero a un ex niño soldado que es interrogado en época de “paz”, y el de la guerra, donde Espantapájaros presume sus crímenes. Aunque coexisten, ambos espacios se diferencian en la manera como son tratados, en los diálogos, en la dramaturgia.

“Hay momentos donde el texto tiene mucho vuelo lírico –dice Olguín–. Pero también hubo partes que sentíamos demasiado recargadas y optamos por matizar y hasta cortar.

Aunque no está habituado a dirigir obras infantiles (con todo y que ésta, explica, se sale de los lugares comunes y a veces no lo parece), Olguín se sintió atraído por la experiencia cobijándose en una obra que, dice, está en la frontera entre “lo oscuro y lo luminoso” y que tiene una gran sencillez en sus recursos y medios. “Logra construir una serie de imágenes en el espectáculo que me gustan. Es necesario insistir en temas que dan la impresión de que no nos incumben, pero con la globalización tenemos al lado estos temas”.

Y Olguín da un ejemplo: “recuerdo una nota en Aguascalientes, en la que el DIF local estaba asus-tado porque los niños ya juegan a secuestrado y

secuestradores, a sicarios y víctimas, son señales de alerta. Hay que poner focos rojos sobre esas reali-dades, y la crudísima realidad del medio millón de combatientes que andan aquí y alla. Me quedo con esa experiencia de haber explorado esa sencillez de recursos y la necesidad de hablar del tema”.

En ¿Quién teme a Espantapájaros? , el tema raya en los que pertenecen sólo a los adultos. “Pero si piensas a lo que están sometidos los niños de hoy, con los altos índices de violencia, la reflexión tiene sentido. Tengo dos hijos, uno casi adolescente, y me resulta curioso verlo frente a las máquinas de videojuegos matando hasta con cierta alegría a sus enemigos. Esta tecnología es parte de su genera-ción pero resulta atractivo dar el otro punto de vista. Me sedujo la idea de acercarme a ver cómo es el lenguaje para llegarle al público joven. La obra es reflexiva, con un carácter un poco mas lento a lo que estos chavos están acostumbrados en su mundo de imágenes vertiginosas, pero tiene un tema sufi-cientemente fuerte para conmover”.

¿Quién teme a Espantapájaros?, en la sala Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque (Reforma y Campo Marte), sábado y domingo, 13 h. Edad mínima: 12 años. $70. Descuentos a estudiantes, maestros y beneficiarios del INAPAM.

se habla de medio millón de niños soldados en activo y una especie de doble juego de los intentos de regeneración

Pachanga guapachosaPor Rosalba Pérez

Siendo un grupo integrado por 10 músicos de nacio-nalidades diversas (México, Colombia, Brasil y Estados Unidos), Bandula refleja lo irreverente, divertido y versátil de esta mezcla en sus letras y música, que invitan a los niños y sus padres a desenchufarse del televisor y a no dejar de ser niños con el güije del relajo. Comandados por Carlos Rivarola, la agrupación ha logrado publicar cuatro discos llenos de ritmo, relajo, crítica y sabor: Qué chévere guateque, El carnaval de la lectura, Arcoíris y Luna pequimé. A partir de ritmos tan diversos como el chachachá, cumbia, sones y hasta corrido, y con mucha pachanga, sus presentaciones en vivo resultan movidamente inolvidables.

Refugiado en el GraneroEl Grupo 55 presenta Hombrecito, obra infantil lúdica y didáctica.Por Julieta Sánchez Quiroz.

Alejado de su país natal debido a cuestiones bélicas y políticas, el hombrecito que le da título a la obra dirigida y escrita por el dramaturgo argentino Larry Silberman llega a un país cuyo idioma y costumbres ignora, y debe adaptarse a las mismas tan rápido como pueda.

En escena, la soledad y el aislamiento obvios de esta situación no se ven tan crudos, sino que son tratados con humor y cierta ironía, sin perder el sello lúdico dis-tintivo del trabajo de Silberman. Hombrecito, la cual se presenta en el Teatro el Granero del Centro Cultural del Bosque hasta el 29 de marzo, se basa en el cuento: The store of a little old man.

Y aunque el tema son los refugiados; la amistad, la comprensión y la tolerancia también juegan un papel importante. Además, a la obra no le son necesarias las palabras; la música de Juan José Rodríguez va dando la pauta, así como la actuación de Tizoc Arroyo en el pa-pel principal (lleno de mímica) y la de sus tres soportes.

Silberman es miembro del Grupo 55, compañía pro-ductora y creadora de puestas en escena dirigidas a niños y jóvenes que se preocupa por resaltar el sentido lúdico-didáctico. Fundada en Argentina en 1987, su labor ya lleva 18 años en nuestro país y busca ahora nuevos derroteros en Canadá para sus distintos proyectos.

El domingo 15 en la calle de Guatemala, Centro Histórico. A las 13 h. Entrada libre.

Teatro El Granero Xavier Rojas del Centro Cultural del Bosque (Paseo de la Reforma y Campo Marte s/n, Chapultepec Polanco). Hasta el 29 de marzoe. Funciones: sábados y domingos, 12:30 horas. Edad mínima: 4 años. $70.

Matinée que provoca a la imaginaciónEn el Foro La Gruta, y como parte del festi-val, se presenta Mundos secretosPor Julieta Sánchez

La sencillez, eficacia e inteligencia se reúnen en Mundos secretos, obra dirigida al público infantil que cuenta la vida de cuatro niños que se sienten solos y aislados, aunque viven momentos de juego y diversión. En esta obra encontrarás monstruos, animales de circo, peces, buzos, carreras de coches y todo lo que tu imaginación quiera ver.

Mundos secretos es la ópera prima del grupo Teatro Al Vacío. Se trata de un trabajo colectivo bajo la dirección de la también titiritera Haydé Boetto cuyo objetivo es “abrir un espacio de reflexión conjunto donde los niños y niñas juegan un papel principal, acerca de valores como el respeto a la diferencia, la tolerancia y la solidaridad”.

En resumen, la compañía busca ser una opción diferente para el público infantil y juvenil en cuanto a teatro se refiere. Los actores que se mueven por el escenario son Adriana Hernández, Carolina Garibay, Virginia Smith y José Agüero, cada uno creador de su personaje, pues no existe un guión que memorizar, sino que sus cuerpos y acciones narran la historia; sólo hay diálogos certeros y precisos.

La música es una composición original de Íker Arce, y juega un papel muy importante, según explicó en otro momento la directora: “este montaje se apoya en la música como provocadora de la imaginación y detonadora de la ficción”.

Domingos a las 13 horas en el Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico (Revolución 1500, Guadalupe Inn), hasta el 29 de marzo. $90. Función gratuita como parte del Festival de México en el Centro Histórico, do 22 a las 13 h en Calle Regina.

CUARENTA Y UNO

EL NUEVO PIZARRÓN MÁGICODOODLE KIDS Exitosa aplicación para iPhone creada por un niño de 9 años de edad. Un programa creado por un niño de nueve años, se encuentra entre las aplicaciones más descargadas desde la tienda digital Apple Store. Lim Ding Wen, de Singapur, desarrolló una utilidad para el teléfono celular de última tecnología para iPhone que se ha convertido en un auténtico éxito y todo para dar gusto a sus pequeñas hermanas a las que les encanta dibujar. Es una aplicación de entretenimiento, la cual permite crear dibujos con los dedos sobre la pantalla del iPhone y luego borrarlos con tan sólo dar una pequeña sacudida al aparato. Con más de cinco mil descargas en tan sólo las últimas dos semanas, ya cuenta con 27 mil usuarios en el mundo.

METALLICA EN GUITAR HEROPara todos aquellos rockeros de consola…, METALLICA Guitar Hero World Tour está confirmado. Activisión anuncia el lanzamiento del METALLICA Guitar Hero para el 29 de Marzo, por lo que en un par de semanas después, lo tendremos en tierra azteca. En el sitio oficial de la banda podrás encontrar la lista de las canciones así como el trailer del mismo, donde te podrás dar una clara idea, de lo que te espera. !Comienza a ensayar tus mejores notas!www.metallica.com

SONY LANZA LA POCKET STYLE PCComo su nombre lo dice: te cabe literlamente en la bolsa trasera de un pantalon de mezclilla, cuenta con un procesador Intel Atom de 1.33 GHz, memoria RAM de 2 gigas y disco duro de 60 gigabytes. No tie-ne lector de discos y su pantalla es de 8 pulgadas widescreen. Pesa tan solo 620 gramos y viene caragada con Windows Vista. El brillo de la pantalla y su resolución es increíble, así como la totali-dad de su diseño, y aunque es tamaño bolsillo, no es para todos los bolsillos ya que el precio oscila entre los 15 y 17,000 pesos.Buena opción en términos de comodidad y vanguardia, pero cara para la utilidad real de la misma http://vaio.sony-latin.com/vaiop/microsite/

CUARENTA Y TRES

En el mes de Marzo la Ciudad de México se llena de música y color, principalmente en el Centro Histórico, ya que se tiene programadas dos fechas especiales: el día de la primavera -21 y la hora del planeta 28-. La fiesta comienza con el festival de primavera de la Ciudad de México que terminará hasta la mañana del domingo, donde podremos disfrutar de diferentes eventos y espectáculos, desde el Zócalo hasta la Alameda, pasando por el corre-dor cultural Regina.

Por otro lado La Hora del Planeta, consiste en el apagado de luces no esenciales el próximo 28 de marzo de las 20:30 a las 21:30 horas en diversas ciudades y naciones del mundo. En 2008 participaron 50 millones de personas de 371 ciudades en 35 países y en 2009 lo harán más de 500 urbes de 35 naciones, entre ellas Londres, Hong Kong, Las Vegas, Toronto, Dubai, Beijing, Roma, Manila, Estambul, Los Angeles y Moscú. A través de la participación de estas ciudades, WWF (Fondo Mundial para la Naturaleza), llama

a los líderes mundiales para adoptar políticas que mitiguen el calentamiento global.

2009 es un año crucial para el futuro del planeta, ya que se debe firmar

un compromiso internacional para la adopción de medidas más es-

trictas y ambiciosas tendientes a reducir los gases de efecto invernadero. Además se presentará en el Zócalo capitalino, Horacio Franco, que interpretará Las Estaciones, de Joseph Haydn, en compañía de la Orques-ta Filarmónica de la Ciudad de México y el Coro Capella

Cervantina, a las 18:00 horas, previo a que las luces de los

edificios más emblemáticos de la ciudad apaguen sus luces por una

hora.

Por: redacción Dfin

CUARENTA Y CUATRO

Un buen pretexto para salir de la ciudad y de paso disfrutar de las cálidas playas del Estado de Guerrero, es el el 6º Festival Fránces que se llevará a cabo en el puerto de Acapulco del 26 al 29 de marzo. Donde podrás encontrar todo tipo de expresiones de éste país: moda, gastronomía, cine, música, entre otras.

Fue creado en 2004 con la finalidad de reforzar las relaciones franco-mexicanas a través de eventos relacionados con el cine, la gastrono-mía, la música, la moda y la literatura. Cuenta con la participación de directores, productores y distribuidores de cine, chefs, gastrónomos, disc-jockeys, diseñadores de moda, modelos, escritores, investigadores, promotores cultura-les y periodistas. Los eventos se llevan a cabo en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón, el Centro de Convenciones de Acapulco, salas de cine, áreas del Hotel El Cano, restaurantes, discote-cas y centros culturales. Organizan el Festival Francés, S. de R.L., con el apoyo del Conaculta, a través de la Dirección General de Vinculación Cultural, la Alianza Francesa de Acapulco, la Embajada de Francia en México y la Secretaría de Turismo del Estado de Guerrero.Para mayor información puedes visitar la pagina web: www.festivalfrances.com

6º FESTIVAL FRANCÉS eNACAPULCO GUERRERO

Sistema Nacional de Creadores de Arte FONCAMultidisciplinariaConvoca: la Secretaría de Educación Pública, a través del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes.

Busca propiciar mejores condiciones para la creación artística y otorgar reconocimiento y estímulo a aquellos artistas que han realizado contribuciones significativas a la cultura mexicana. La convocatoria está dirigida a los artistas dedicados a la creación en las siguientes disciplinas: letras, coreografía, teatro, medios audiovisuales, artes visuales, composición musical y arquitectura. Estímulo: hasta 78 estímulos (la asignación y entrega de los estímulos económicos, estarán sujetos a la disponibilidad presupuestal del SNCA).

Recepción de solicitudes hasta el 27 de marzo de 2009.

InformaciónDirección de Estímulos a la Creación Artística del FONCARep. de Argentina 12 esq. Donceles Centro Histórico CP 06020, Cuauhtémoc, Distrito FederalTels. (55) 41 55 07 30pfpc@correo.conaculta.gob.mxdeca@correo.conaculta.gob.mx

Premio Nacional de la JuventudMultidisciplinariaConvoca: el Gobierno de los Estados Unidos Mexicanos, a través de la Secretaría de Educación Pública.

Convoca a jóvenes mexicanos y a sus organizaciones, a los integrantes del Congreso de la Unión, a los integran-tes de los congresos de los estados de la Federación y de la Asamblea Legislativa del Distrito Federal, a los integrantes de los poderes judiciales de la Federación y de las entidades federativas, a los ayuntamientos, a las dependencias y entidades de la Administración Pública Federal, a los gobiernos estatales y del Distrito Federal, a las organizaciones obreras, campesinas, populares y empresariales, a las instituciones y asociaciones de servicio social, a las instituciones educativas, a los colegios y asociaciones profesionales y, en general, a todas las instituciones que, teniendo residencia legal en el país, de alguna manera contribuyen a la formación de nuevas generaciones de mexicanos, para que propongan a este Consejo a quien o quienes se estime con merecimientos para recibir este Premio.

Premios: medalla y roseta de oro Ley 0.900 y $130,000 para cada una de las categorías en Contratos de Co-misión Mercantil y Depósito de Títulos en Custodia y Administración.

Recepción de candidaturas hasta el 30 de marzo de 2009.

InformaciónProsecretaría Técnica del Instituto Mexicano de la Juventud Serapio Rendón 76 San RafaelCP 06470, Cuauhtémoc, Distrito FederalTels. (55) 15 00 13 00, Lada sin costo 01 800 22 800 92premio@imjuventud.gob.mx

Bienal de Fotografía Puebla de los ÁngelesArtes Plásticas y VisualesConvoca: la Universidad Iberoamericana campus Puebla.

Pueden participar artistas visuales de nacionalidad mexicana y extranjeros con más de cinco años de radicar en el país (de manera individual o en grupo). La disciplina abierta a concurso es la fotografía. El tema es Arte, convergencias y divergencias entre lo imaginario y lo concreto.

Premio: $25,000.

Recepción de propuestas: del 27 de marzo al 14 de abril de 2009.

InformaciónUniversidad Iberoamericana PueblaBlvd. Niño Poblano 2901Unidad Territorial AtlixcayotlCP 72430, Puebla, PueblaTels. (222) 229 07 00 exts. 345, 429bienal@iberopuebla.edu.mx

CONVOC

ATOR

IAS

CUARENTA Y SEIS

CUARENTA Y OCHO