Cultura Blues No.22 Marzo 2013

www.culturablues.com

Marzo 2013 Número 22 Página 2

Contenido

PORTADA Nacidos Bajo un Buen Signo Blues Fest 2013- Fotos: Yonathan Amador, Daniel Reséndiz y Emiliano Juárez (1 y 2) 1

CONTENIDO (2) 2

EDITORIAL (2) 3

MENTES EN CONSTRUCCIÓN Eureka! (Civil War) (3) 4 TORNAMESA Alegrar al espíritu con Habib Koité (4) 7 BLUES A LA CARTA Nominados a los premios de la Blues Foundation I - 36 discos favoritos de blues & rock

Parte XI - Nacidos Bajo un Buen Signo. El video (2) 8

FOTOGALERÍA (1 y 2) 15

HUELLA AZUL Síncopa Blues=Yonathan Amador (5) 24

OTRO ARCHIVO GRÁFICO José Ray Juárez Rivera (4 y 6) 28

MEXICO CITY BLUES A ras de piso: entrevista con F. Steel Parte dos (7) 31

BLUES EN RADIO E INTERNET (2) 36 EL BLUES Y LA PALABRA Pinetop Perkins. Hay Boogie Woogie en el cielo (8) 37 SEMBLANZAS Aberdeen Mississippi Blues. Bukka White (9) 39

UNA EXPERIENCIA Strange Fruit. Segunda parte (10) 41

EXTRA!!! Grammy al mejor álbum de blues 2013(2) 46

MAGIC SLIM (1937-2013) (11) 47

SUPLEMENTO ESPECIAL

PERSONAJES DEL BLUES 49

CARTELERA 53

Cultura Blues. La revista electrónica “Un concepto distinto del blues y algo más…” www.culturablues.com

Año 3 Núm. 22 – marzo de 2013 - Derechos Reservados

Dirección general y edición: José Luis García Fernández

Consejo editorial: Alfredo “Freddy” Reyes, Luis Eduardo Alcántara, José Luis García Vázquez, Mario Martínez Valdez y María Luisa Méndez.

Administrador web y diseño de portadas: José Luis García Vázquez ([email protected]) Todos y cada uno de los artículos son responsabilidad de quienes los firman.

Colaboradores en este número:

1. José Luis García Vázquez 2. José Luis García Fernández 3. Alfredo “Freddy” Reyes 4. Luis Eduardo Alcántara 5. María Luisa Méndez 6. José Ray Juárez Rivera 7. Ángel Armenta López 8. Jesús Martín Camacho 9. Javier Caneda 10. Héctor Martínez González 11. Raúl Reyes Zúñiga



Editorial Cultura Blues. La Revista Electrónica

“Un concepto distinto del blues y algo más…”

Es un placer poder seguir haciendo “cosas de blues”, los proyectos fluyen, las metas se cumplen. En tan poco tiempo en Cultura Blues hemos podido consolidar más objetivos que otros, ¡en toda su vida de blues! Esto ha sido posible sin la insistencia de imponer “cómo deben hacerse las cosas en el blues-jazz-rock mexicano”, hacerlo nos mantendría empantanados. La fórmula es muy sencilla: hacer y dejar hacer, eso nos libera automáticamente de toda frustración y amargura acumulada, lo demás viene solo. No nos parece adecuado mencionar siempre revueltos estos géneros que tienen sus claras diferencias en el panorama mexicano, el rock ha tomado un giro netamente comercial y determinado, el jazz tiene sus espacios y organización definidos, nosotros los del blues seguimos en un plano marginal, siempre apenas despegando, no hay más, hay que hacer y no tratar de “instituir reglas” y hacer “analogías con la realidad nacional”. Eso no es hacer blues, nada que ver. Pero bueno si alguien se aferra y lo quiere ver así, pues está bien y sí alguien no, yo creo que también. Nosotros nos respetamos y respetamos e impulsamos lo que hacen los demás en el terreno cultural y artístico en general, y aún más con respecto a lo que rodea al blues. Si alguien quiere musicalmente regresar a las raíces de África o del Delta o hacer siempre los clásicos al estilo de Chicago pues qué bien, pero si otros desean mirar su blues hacia adelante o a partir de lo contemporáneo y con nuevas fusiones musicales, instrumentales o en nuestro idioma ¿qué tiene de malo?: hacer y dejar hacer, es la clave ¿dónde está lo difícil? Se puede. En este número contamos con las acostumbradas columnas, que cimentan la base de la publicación: Mentes en construcción que con su narrativa, sutil crítica y recuerdos de discos clásicos nos entrega Eureka! (Civil War), Tornamesa nos recomienda el CD “Baro” de Habib Koité, Blues a la carta muestra la primera parte de los nominados 2013 a los premios de la Blues Foundation, continúa con la reseña de los discos favoritos y para terminar algo acerca del video “Nacidos Bajo un Buen Signo”, Huella azul brinda su espacio a la entrevista con Yonathan Amador, titular del programa de radio por internet “Síncopa Blues”. Desde España el acostumbrado repaso por los caminos del blues clásico, en El blues y la palabra: Pinetop Perkins, en Semblanzas: Bukka White y en Una experiencia: la segunda parte de Strange Fruit. Las colaboraciones especiales en México City Blues con la segunda parte de la entrevista a F. Steel y lo nuevo con Otro Archivo Gráfico de José Ray Juárez Rivera y algo del recién fallecido Magic Slim de Raúl Reyes Zúñiga. Se presenta una extensa sección de fotografías, que van dejando rastro de lo sucedido en el blues de México y para culminar con el suplemento especial: Personajes del Blues I. La cartelera de hoy nos invita entre otros eventos, al “Nacidos Bajo un Buen Signo Blues Fest 2013”, dos tocadas al estilo Cultura Blues, blues de calidad con organización exclusiva.

¡Allá nos vemos!

JOSÉ LUIS GARCÍA FERNÁNDEZ

1 de marzo de 2013



Eureka! (Civil War)

Alfredo “Freddy” Reyes [email protected]

Harto de arriesgar la vida cuidando dinero ajeno, decidí en aquél lejano 1990 tomar un periodo sabático (al menos en lo que encontraba otra chamba), mi labor como fotógrafo “free-lance” me llevaba cada vez más cerca de casos relevantes que antes ni siquiera me había dado cuenta de que existían, mi amigo me pagaba muy buenos pesos por las fotos que tomaba en actos políticos llámense marchas, plantones, protestas y un largo número de etcéteras que no viene al caso enlistar.

Aquella mañana salí a comprar el periódico tratando de encontrar en las ofertas de empleo, alguno que me hiciera millonario sin salir de casa, el encabezado o “La de Ocho” como le llaman los periodistas mencionaba con bombo y platillo y muy al estilo del viejo (hoy reposicionado) régimen, la expedición de un decreto presidencial que creaba o más bien re-creaba la “Comisión Nacional de los Derechos Humanos”.

Un organismo que surgía como consecuencia de los reclamos que hacían diversas organizaciones civiles, casi todas unidas por un común denominador a saber: la desaparición forzada de familiares o amigos como consecuencia directa de la llamada “Guerra Sucia” de los años setenta y alargada durante dos décadas por la impunidad con que se manejaban (¿?) las diferentes áreas de contra-insurgencia oficiales.

557 desaparecidos reclamaba (y hasta hoy sigue reclamando) la organización civil “Eureka” encabezada por doña Rosario Ibarra de Piedra, quinientas cincuenta y siete ausencias que dieron lugar al nacimiento de una Comisión Nacional de Derechos Humanos, que (en teoría) se encargaría de investigar el porqué sin guerra formal declarada de por medio, sin atalayas físicas que defender, habían desaparecido esas personas sólo así, como si nada.



Por azares del destino, en aquellos años mis andares transcurrían por rumbos diferentes para mí, colonias nuevas, rutas distintas a la tan sobada línea 2 del metro; el eje 3 oriente aún conservaba un amplio camellón al centro, no había asomo de que en un futuro por ahí correría la línea 8 del metro, los autobuses que cubrían la ruta Puente Negro-Xochimilco, hacían su recorrido en horarios que tal vez hoy ni a Bruce Willis ,por muy duro de matar que sea, se le antojaría probar.

23 años después nuevamente “La de Ocho” menciona cifras, números que escapan a la imaginación, números que se pueden recrear de la siguiente manera: imaginemos un partido de futbol entre los mejores equipos del futbol nacional en el estadio azteca, lleno hasta el palomar, atiborrado en sus 100 mil lugares, de pronto el cielo se nubla sobre una parte del graderío y cuando se asoma el sol nuevamente, de repente, así como si nada, la cuarta parte del público ha desaparecido, ¿irreal no?

De aquellos tiempos no encuentro mejor referente musical (por su significado y actualidad) que la rolita de Guns N´ Roses titulada “Civil War”, esta banda oriunda de Hollywood, California, mutada y recreada tantas y tantas veces hasta quedar al frente de la misma solo uno de sus miembros fundadores -el vocalista Axl Rose- tuvo su apogeo en la década de los noventa, ha vendido más de cien millones de discos a lo largo de su historia, rolas como Welcome to the Jungle, Sweet Child o' Mine, Paradise City aún siguen haciendo las delicias de fanáticos y seguidores de la banda.

Originalmente estaba conformada por integrantes de dos bandas “Hollywood Rose” y “L.A. Guns” y pudiera ser una de las bandas que más movimientos y cambios de integrantes tiene en su historia, una historia llena de escenas decadentes, de presentaciones canceladas como aquella en la que tuvo que retirarse de un concierto en Nueva York organizado en pro de las víctimas del VIH y todo por la letra de una sola canción: “One in a Million”, misma que al más puro estilo gabacho critica y mete en un mismo costal a homosexuales, policías e indocumentados.



Después de una desaparición forzada de casi siete años, debido a los constantes cambios en la integración de la banda, Axl Rose reaparece en el 2001 con su renovada plantilla de músicos, renaciendo, reinventándose a sí mismo, reaparece y contra todo pronóstico… gusta.

Esperemos que por el bien del rock deje de lado los escándalos, la droga y el alcohol.

La letra de “Civil War” peca de una sola cosa llamada intemporalidad, bien puedes escucharla desde los noventas hasta hoy y no cambiarle una coma a la misma, de la misma manera en que siguen desapareciendo personas desde entonces y hasta la fecha, de la misma manera en que desaparecen camellones, rutas de camión, sindicatos o compañías de luz y fuerza, casi por decreto, como si de por medio esta vez sí hubiese habido una declaración formal de guerra, pero .¿veintisiete mil personas en menos de seis años?, son un friego, ¿no?

Si por menos de seiscientas desapariciones se creó una CNDH en aquellos lejanos años, ¿cuántas Comisiones más habrán de surgir derivadas de tan espantoso número? ¿de qué iremos a ser testigos después de transcurrido apenas un Katún?

¿Habrá resultados confiables ésta vez?

Blues y Fuerza (¡a fuerza!)

Bibliografía y Links

http://www.sonidox.com/guns_n_roses/civil_war

http://www.youtube.com/watch?v=VxbILUWCFFk

http://es.wikipedia.org/wiki/Guns_N'_Roses

http://es.wikipedia.org/wiki/Comisi%C3%B3n_Nacional

_de_los_Derechos_Humanos_(M%C3%A9xico)

http://www.derechoshumanos.gob.mx/es/Derechos_H

umanos/Antecedentes

http://tribunaqroo.com/nacion/por-la-lucha-antinarco-

34-bajas-colaterales-cndh/15661/

http://absentizofreniko-

musicaenferma.blogspot.com/2011/08/guns-n-roses-

appetite-for-destruction.html

http://my.opera.com/sismo28/albums/slideshow/?alb

um=10013082&picture=135038602

http://unamenrebeldia.blogspot.com/2011/10/fotos-

marcha-2-de-octubre-por-la.html

*************************************

¡PRÓXIMAMENTE!

blues al estilo

*************************************

http://www.sonidox.com/guns_n_roses/civil_war

http://www.youtube.com/watch?v=VxbILUWCFFk

http://es.wikipedia.org/wiki/Guns_N'_Roses

http://es.wikipedia.org/wiki/Comisi%C3%B3n_Nacional_de_los_Derechos_Humanos_(M%C3%A9xico)

http://es.wikipedia.org/wiki/Comisi%C3%B3n_Nacional_de_los_Derechos_Humanos_(M%C3%A9xico)

http://www.derechoshumanos.gob.mx/es/Derechos_Humanos/Antecedentes

http://www.derechoshumanos.gob.mx/es/Derechos_Humanos/Antecedentes

http://tribunaqroo.com/nacion/por-la-lucha-antinarco-34-bajas-colaterales-cndh/15661/

http://tribunaqroo.com/nacion/por-la-lucha-antinarco-34-bajas-colaterales-cndh/15661/

http://absentizofreniko-musicaenferma.blogspot.com/2011/08/guns-n-roses-appetite-for-destruction.html



http://my.opera.com/sismo28/albums/slideshow/?album=10013082&picture=135038602

http://my.opera.com/sismo28/albums/slideshow/?album=10013082&picture=135038602

http://unamenrebeldia.blogspot.com/2011/10/fotos-marcha-2-de-octubre-por-la.html

http://unamenrebeldia.blogspot.com/2011/10/fotos-marcha-2-de-octubre-por-la.html



TORNAMESA

Alegrar el Espíritu con Habib Koité

Luis Eduardo Alcántara [email protected]

Cuando se ha cumplido un aniversario más de la independencia de Mali, posiblemente el país con mayor diversidad musical en el continente africano, Putumayo Records reedita “Baro” el álbum fundamental de uno de los artistas más famosos de este lugar, el gran guitarrista, compositor y cantante Habib Koité.

Nacido en el año de 1958, Koité es considerado un griot moderno, es decir un juglar que canta y recrea la cotidianidad de su pueblo con un estilo propio, lleno de vitalidad pero también ternura.

Desde hace más de veinte años, en compañía de su grupo llamado Bamada, Koité adoptó los acordes del kamala n´goni tradicional (arpa juvenil de aquellos lugares) a su guitarra eléctrica, mientras profundizaba en las ricas tradiciones de Mali, fusionando los sonidos del tama (tambor que habla) y del bala (xilofón africano) con la música de las regiones Bambara, norte de Takamba y Songhai.

Curiosamente, para los públicos que gustan del rock, el nombre de Habib Koité también les resulta familiar debido a que su técnica guitarrística suele estar emparentada con el estilo que prevalecía en los “dioses” de los años sesenta y setenta, sin embargo, en el álbum Baro, ofrece únicamente melodías tradicionales de esta región africana, tratadas con un estilo acústico contemporáneo, fluido y de gran riqueza sonora. Bajo ésta premisa tenemos piezas muy hermosas, como: Batoumambe, Kanawa, Wari, Sin djen djen, Cigarette abana, Woulaba y Baro.

Habib Koité procede de una gran familia de griots malineses y ha trabajado con reconocidos músicos como Keletigui Diabaté, y el ganador de un premio Grammy, Toumani Diabaté. Su álbum "Muso Ko" (Contrejour, 1995) lo llevó rápidamente a la cima de las listas europeas de éxitos de músicas del mundo. Le siguen, ya con distribución en todo el mundo, "Ma Ya" (Contrejour, 1998) y "Baro" (Putumayo, 2001) con gran aceptación de crítica y público, de los cuales se vendieron más de 250,000 copias, además de significarle jugosos contratos para presentarse en las principales metrópolis del mundo.

En otros países africanos, generalmente predomina un único ritmo popular –m'balax senegalés-, soukouss congoleño o el makosa camerunés. En Mali, en cambio, hay muchísimos ritmos populares. Dice Koité: “Hago como un viaje musical a través de Mali. Me tomo la libertad de saltar de un ritmo a otro. Durante muchos años, he tocado diferentes géneros africanos y occidentales, pero finalmente decidí concentrarme en la música malinesa. Tenemos tantos ritmos en Mali que no nos hace falta tocar música de otras latitudes. Creo que esto es una cosa que todos los artistas africanos tendrían que considerar. Sólo es cuestión de hacer un esfuerzo". En suma, estamos en presencia de un disco para enaltecer el espíritu, pero también para hacer gozar el oído.

BARO, HABIB KOITÉ - PUTUMAYO, 2009



Blues a la Carta

José Luis García Fernández [email protected]

Nominados a los premios de la Blues Foundation 34ª entrega de los Blues Music Awards – Parte I

La Blues Foundation se complace en anunciar sus nominaciones para los premios anuales de la Música Blues, la ceremonia, concierto y cena de gala se llevará a cabo en el Cook Convention Center ubicado en el centro de Memphis, TN el 9 de mayo de 2013. A continuación conoce aquí a los nominados en las 25 diferentes categorías: 1. Álbum acústico

Billy Boy Arnold Sings Big Bill Broonzy - Billy Boy Arnold, Blues on Solid Ground - John Primer, Deeper in the Well - Eric Bibb, Not Alone - Ann Rabson con Bob Margolin y Talking Guitar - Paul Rishell.

2. Artista acústico

Carolina Chocolate Drops, Doug MacLeod, Eric Bibb, Harrison Kennedy y Paul Rishell. 3. Álbum

And Still I Rise - Heritage Blues Orchestra, Double Dynamite - The Mannish Boys, Show of Strength - Michael Burks, Son of the Seventh Son - Mud Morganfield y Stronger For It - Janiva Magness.



4. Premio B.B. King: Artista

Curtis Salgado, Janiva Magness, Joe Louis Walker, John Nemeth y Rick Estrin. 5. Banda

Lil' Ed & the Blues Imperials, Phantom Blues Band, Rick Estrin & the Nightcats, Tedeschi Trucks Band y The Mannish Boys

6. Artista nuevo

24 Hour Blues - Charles "CD" Davis, They Call Me Big Llou - Big LLou Johnson, Turning on the Naughty - Paula Harris Uphill from Anywhere - Brad Hatfield y Wanna Feel Somethin' - Mary Bridget Davies



7. Álbum de blues contemporáneo

Blak & Blu - Gary Clark, Jr., Blues Live - John Nemeth, Candy Store Kid - Ian Siegal & the Mississippi Mudbloods Hellfire - Joe Louis Walker, Show of Strength - Michael Burks y Stronger For It - Janiva Magness

8. Artista mujer de blues contemporáneo

Bettye LaVette, Janiva Magness, Shakura S'Aida, Shemekia Copeland y Susan Tedeschi

9. Artista hombre de blues contemporáneo

Gary Clark, Jr., Joe Louis Walker, Michael Burks, Robert Cray y Tab Benoit

10. DVD

The Lucky Peterson Band feat. Tamara Peterson: Live at the 55 Arts Club Berlin by Lucky Peterson, We Juke Up in Here! Mississippi's Juke Joint Culture at the Crossroads, That's My Thing - Elvin Bishop Live in Concert by Elvin Bishop, Live at Checkerboard Lounge by Muddy Waters & The Rolling Stones y Beacon Theatre - Live from New York by Joe Bonamassa

CONTINUARÁ



36 DISCOS FAVORITOS DE

BLUES & ROCK PARTE XI

Deuces Wild/B.B. KING

1. If You Love Me 2. The Thrill Is Gone 3. Rock Me Baby 4. Please Send Me Someone to Love 5. Baby I Love You 6. Ain’t Nobody Home 7. There Must Be A Better World Somewhere 8. Confessin’ The Blues 9. Paying the Cost to Be the Boss 10. Dangerous Mood 11. Keep It Coming 12. Cryin’ Won’t Help You Babe 13. Night Life

B.B. King, es probablemente la mayor celebridad viviente del blues, ha recorrido un largo camino desde su natal Itta Bena, Mississippi, y este CD ilustra lo lejos que ha llegado. Aparecen una serie de artistas invitados como Van Morrison, Tracy Chapman, Eric Clapton, Mick Hucknall, Bonnie Raitt, D´ Angelo, Dr. John (recién ganador del Grammy), Marty Stuart, Rolling Stones, Joe Cocker, Heavy D & The Boyz, David Gilmour & Paul Carrack y Willie Nelson.

Deuces Wild se aleja del estilo de blues que “El Rey” tocó en la década de los ' 40 y ' 50. Sin embargo, es un concepto de álbum interesante pero tal vez no muy aceptado, que algunos dicen se salva por cosas, como la aparición entre otros, de los bateristas, Steve Jordan, Jim Keltner y Charlie Watts. Indudablemente lo tengo entre mis favoritos, no sólo porque es uno de mis ídolos, sino porque es de temas clásicos del “Rey”, interpretados junto a otros grandes músicos con arreglos al estilo del blues contemporáneo. Fácilmente digerible, para una mañana soleada de sábado en casa descansando del stress de la semana, pero también para escuchar en el carro rumbo a los diversos y espinosos destinos. If you Love me, con una versión destacada de Van Morrison a la voz y una discreta pero emocionante armónica; La Clásica Thrill is gone con una Tracy Chapman inspirada; una machacante Rock me baby al lado de otro gran guitarrista: Eric Clapton; Please Send … con un Mick Hucknall (Simple Red) y un destacado piano; la sensual Bonnie Raitt en voz y guitarra slide con Baby I Love You; con D´Angelo destacado artista del soul, r&b y funk en Ain´t Nobody Home; con el magnífico veterano compositor, cantante y pianista Dr. John en There Must Be… ; la gran Confessin´ the blues al lado del cantautor de country Marty Stewart; la sublime Paying the Cost… , con la legendaria banda stoniana, Dangerous Mood con el viejo cantante de rock & blues Joe Cocker; un hip-hop con Heavy D & The Boyz: Keep it coming; un gran blues, Cryin´ Won´t… para compensar la sorpresa del track anterior con David Gilmour gran guitarrista y compositor de Pink Floyd además del tecladista inglés Paul Carrak; y para el final Night Life junto al compositor, letrista, cantante y guitarrista estadounidense de música country: Willie Nelson.



A Night At The Opera/Queen

1. Death on Two Legs (Dedicated to...) 2. Lazing on a Sunday Afternoon 3. I’m in Love with My Car 4. You’re My Best Friend 5. 39 6. Sweet Lady 7. Seaside Rendezvous 8. The Prophet’s Song 9. Love of My Life 10. Good Company 11. Bohemian Rhapsody 12. God Save the Queen

A Night at the Opera (Una noche en la ópera) es el cuarto álbum de estudio de la banda británica de rock Queen, publicado originalmente en 1975, co-producido por Ray Thomas Baker y Queen, el disco fue en el tiempo de su lanzamiento la producción más cara producida. Un éxito sin duda comercial, el ábum fue votado por el público y citado por publicaciones musicales como uno de los excelentes trabajos de Queen.

Toma el nombre de la película “Una noche en la ópera” de los hermanos Marx, que la banda vio en el complejo de estudios durante la grabación. Es famoso por tener los éxitos “Bohemian Rhapsody” y “You’re My Best Friend”, además de canciones conocidas del grupo como “Love of My Life”, Death on Two Legs”, “Prophet’s Song”, “I’m in Love With My Car” y la versión de May y Taylor a un fragmento del himno británico. Ha sido catalogado como el disco más caro hecho hasta la fecha de su publicación. A mediados de los años setentas, cuando tocaba algo de blues y rock clásicos con mi banda, llego a mis manos este espléndido lp en un intercambio de regalos decembrino, justo al final de una breve temporada de una pastorela en la cual participé musicalizándola. Un verdadero impacto para mí como seguramente le debe haber sucedido a muchos rockanroleros de la época. Tal vez con este disco fue como se dio a conocer en México la propuesta musical de esta legendaria banda que ocupa ya un lugar especial en la historia del rock mundial. Considerado por la revista Rolling Stone como el álbum número 231 dentro de los 500 mejores discos de todos los tiempos y en donde se menciona: “Freddy Mercury quería que Queen fuera el Cecil B. de Mille del rock, y aquí es donde la banda suelta sus tendencias sobreactuadas –especialmente en Bohemian Rhapsody, la canción rock más operística que existe.”

De cualquier forma es un gran álbum digno, como lo he dicho en otras ocasiones, de formar parte de una colección básica de rock.



Love / The Beatles

1. Because 2. Get Back 3. Glass Onion 4. Eleanor Rigby/Julia 5. I Am the Walrus 6. I Want to Hold Your Hand 7. Drive My Car/The Word/What You're Doing, 8. Gnik Nus, Gnik Nus 9. Something/Blue Jay Way 10. Being for the Benefit of Mr. Kite!/I Want

You (She's So Heavy) 11. Help! 12. Blackbird/Yesterday 13. Strawberry Fields Forever 14. Within You Without You/Tomorrow Never

Knows 15. Lucy in the Sky with Diamonds 16. Octopus's Garden 17. Lady Madonna 18. Here Comes the Sun/The Inner Light 19. Come Together/Dear Prudence/Cry Baby

Cry 20. Revolution 21. Back in the U.S.S.R. 22. While My Guitar Gently Weeps 23. A Day in the Life 24. Hey Jude 25. Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band

(Reprise) 26. All You Need Is Love

Love es un álbum ganador del premio Grammy, que contiene un remix de los temas más conocidos de The Beatles y es la banda sonora del show del Cirque du Soleil con el mismo nombre. Fue publicado el 20 de noviembre de 2006 y producido por Sir George Martin, y su hijo Giles. Actualmente se presenta aún el espectáculo en La Vegas, Nevada USA, justamente en el Theatre at The Mirage Hotel and Casino. Vea aquí más información y un pequeño preview: www.cirquedusoleil.com/en/shows/love/default.aspx

En particular me parece un álbum y proyecto sumamente interesante, para mantener por siempre vivo el fenómeno social-cultural-musical llamado The Beatles.

La música original de la banda tratada de manera magistral por padre e hijo Martin, cuidando todos y cada uno de los detalles es único.

Su trabajo así como en general el del espectáculo puede verse y deleitarse en un documental fabuloso llamado: All Together Now. A Documentary Film.

Escuchar el dvd edición especial en 5.1 es otra experiencia sensacional. Yo creo no sólo apto para beatlemanos, sino para todos aquellos que apreciamos por siempre la música rock. El próximo será el capítulo final de esta serie con: Livin´ Proof/Buddy Guy; Teaser & The Firecat/Cat Stevens y Ringo/Ringo Starr.

http://es.wikipedia.org/wiki/Grammy

http://es.wikipedia.org/wiki/The_Beatles

http://es.wikipedia.org/wiki/Banda_sonora

http://es.wikipedia.org/wiki/Cirque_du_Soleil

http://es.wikipedia.org/wiki/2006

http://es.wikipedia.org/wiki/Sir_George_Martin

http://www.cirquedusoleil.com/en/shows/love/default.aspx



Nacidos Bajo un Buen Signo El video

Introducción

Siempre que se empieza a gestar un proyecto de cualquier clase, existen una serie de consideraciones a tomarse en cuenta para lograrlo.

En este caso la premisa resulta muy simple, hacer una recopilación de videos de las bandas integrantes del cd homónimo, previamente realizados.

El resultado también es sencillo, sin mayor pretensión, pero que resulta un producto novedoso, en donde se pueden ver las bandas con sus propuestas tanto musicales como visuales.

Repito puede parecer intrascendente, pero vuelve a marcar algo que no se había hecho hasta la fecha en relación a las bandas de blues en México.

Ojalá sirva como ejemplo y que puedan producirse en un futuro, muchos y mejores videos de las bandas mexicanas, así como acoplados con producciones exclusivas para tal fin.

Este dvd promocional de colección, de edición limitada y sin fines de lucro se estará obsequiando en la compra de algún disco original de las bandas mexicanas, durante el Festival “Nacidos Bajo Un Buen Signo”, los días 9 y 16 de marzo de 2013, en Los Alebrijes, Xochimilco y en La Casona D’ Coyoacán, respectivamente.

El contenido

1. Naranjito Blues – Gate-Over Blues

2. Serpiente Elástica – Caminando Caminando

3. Sirena Blues – Ni el Diablo

4. T44 Blues Band – Holiday Blues

5. La Rambla – El Puente Viejo

6. Zamhertime – Jazz Me Blues

7. Monroy Blues – A Ti Con Amor

8. Solaris Blue – Amor Con Silencio

9. JC Cortés Band – Caneluneros

10. Amigos del Blues – Still Got The Blues

11. The Fart Blues – Luciana

12. Los Cerdos Lúdicos – Blues De Lo Que Pasa

En La Casa

Bonus tracks

13. Circo Blue – La Tregua Blues

14. Blues Local – Tu Lugar



Fotogalería

BLUES DEMONS EN COYOACÁN (1 DE FEBRERO 2013)



CULTURA BLUES EN LOS ALEBRIJES (2 DE FEBRERO 2013)

HÍKURI



FREDDY EN EL JAM CON HÍKURI

BLUES DEMONS



CICLO DE BLUES EN “LA CASONA D´ COYOACÁN”

1 DE FEBRERO 2013

Yellow Dog

Jimena Segovia y Los Sabrosos



8 DE FEBRERO 2013

Yellow Dog + Invitados (Jimena Segovia y Emiliano Juárez)

Los Swing Breakers? Los Mind Lagunas?: Alfonso Robledo, Jordi Méndez y Emiliano Juárez



15 DE FEBRERO 2013 Yellow Dog

The Rhinoceros Bluesband + invitado (Freddy Reyes)



22 DE FEBRERO 2013

Yellow Dog (Edgar Luna – Enrique Garza)

La Dalia Negra (Víctor Gil, Raymundo Pérez, Daniel Reséndiz y Daniel Elvira) + invitado: Elihú Quintero



Omniblues. Ex Convento de Santo Domingo. Feria de La Candelaria 2013

Tlaquiltenango, Morelos

Fotos cortesía: Juan Ávila



¡Felicidades MC Angeles y Demonios por su 2° Aniversario!

The Rhinoceros Bluesband (con Freddy Reyes) en concierto

Fotos: facebook Phil Daniels

http://www.facebook.com/media/set/?set=a.10200605670969998.204660.1406301337&type=1



Huella Azul

Síncopa Blues = Yonathan Amador

María Luisa Méndez [email protected]

Fotos cortesía: Yonathan Amador y JL García F

Hoy tenemos la entrevista con nuestro amigo Yonathan Amador, que tiene un poco más de diez años en el mundo de la radio y el periodismo, su experiencia se extiende al ámbito de la ciencia y las noticias, pasando por los programas musicales y culturales.

Produjo para la Coordinación de la Investigación Científica de la Universidad Nacional Autónoma de México diversas series de divulgación científica a cargo del Dr. René Drucker Colìn y la Dra. Julieta Fierro.

Para la Radio de los Ciudadanos, del Instituto Mexicano de la Radio (IMER), produjo la serie “Ciencia Sí, Para servirle a Ud.”.

En el área de noticias ha producido informativos en Radio 13, Radio Fórmula, el periódico El Universal y en Grupo Radio Centro, donde laboró como co-productor del noticiario “La Red de Radio Red”, con Sergio Sarmiento y Guadalupe Juárez.

Su gran pasión la música ha estado presente en su carrera profesional. Condujo y coprodujo el programa cultural y musical “Entronque”, que se transmitió por Chilangaradio.com y en Radio Tribuna, estuvo al aire su columna musical “Notas Híbridas”. En la actualidad es conductor en Código DF Radio Cultural en Línea, de los programas Ecléctico y Síncopa Blues.



LA ENTREVISTA ML: ¿Cómo se autodefine Yonathan Amador? YA: Es una persona divertida, sociable, trabajadora... parece que es lo que uno escribiría en el currículum para buscar trabajo... sencillamente se puede decir que trato de ser auténtico, como todos tengo defectos y virtudes, (no me toca decir a mí en qué proporción), para mejores referencias pregunten a quien me conoce. ML: ¿Cómo nace Síncopa Blues? YA: En 2009, e incluso actualmente, existían y existen pocos espacios en los medios de comunicación dedicados a difundir lo que en materia de blues y al jazz se está haciendo a nivel local en la Ciudad de México y en el resto del país. Es con esa idea y objetivo que surge el programa a finales del 2009 teniendo como foro Código DF Radio Cultural en Línea, estación de la Secretaría de Cultura del Distrito Federal, que por medio de su primer convocatoria de programas ciudadanos, dio espacio al programa y hasta la fecha se mantiene los jueves a partir de las 9 de la noche.

ML: ¿Cuál es la propuesta y contenido del programa? YA: La idea central detrás del programa es ser una ventana por medio de la cual los músicos blueseros y jazzistas puedan dar a conocer sus trabajos, su música, sus proyectos y de esta manera difundir el jazz y blues mexicano o hecho en México (para evitar abrir el debate). En Síncopa Blues tenemos a los músicos como invitados, platicamos sobre sus propuestas, presentaciones y escuchamos tracks de sus materiales discográficos o de sus proyectos en caso de que no tengan disco grabado. ML: ¿Quiénes conforman el equipo de producción? YA: Síncopa Blues es producido por José Luis Sotelo y conducido por un servidor. ML: ¿Qué tanto espacio se da a éstos géneros en Código DF? YA: El blues y el jazz son géneros fundamentales en la programación de Código DF, diario ya sea en nuestras barras musicales como en los programas en vivo podrás escuchar un mucho de blues y de jazz. ML: ¿De dónde nace la inquietud de proponer un programa de jazz y blues? YA: Para abreviar, del gusto propio. Hay un dicho que versa “zapatero a tu zapato”, es decir no puedes hablar de algo que desconoces o de algo que te es ajeno y no te gusta. Cada proyecto en la vida tiene su historia propia, el de Síncopa Blues es muy sencillo el enorme gusto que tengo por estos dos géneros, y como ya comenté en la falta de espacios para difundir el trabajo de los músicos mexicanos.



ML: ¿Quiénes han pasado por ejemplo a entrevista durante el programa? YA: En los poco más de tres años que llevamos al aire, han pasado por la cabina, tanto músicos consolidados como jóvenes promesas, que en un abrir y cerrar de ojos se convierten de promesa a una realidad para la música en nuestro país. Específicamente de blues han estado Betsy Pecanins, Guillermo Briseño, José Cruz, Callejón Azul, Daniel Reséndiz, Ángel D’ Mayo, Vieja Estación, Eliúh Quintero, Nancy Zamher, Los Reyes del K.O., y muchos más; en cuanto a jazzistas han desfilado Tino Contreras, Alberto Zuckerman, Javier Reséndiz, Proyecto Gecko, Brass Street Boys, Sho Trio, Aarón Cruz, Remi Álvarez, Hernán Hetch, y un largo etcétera. ML: ¿Cuál es tú diagnóstico o el panorama que visualizas en México acerca de estos estilos musicales? YA: El blues y el jazz siempre han sido géneros musicales marginados del mainstream, sin embargo siempre han tenido una audiencia importante y pese a no tener acceso a medios de difusión masiva, la gente que los conoce y los disfruta los busca. Veo en la Ciudad de México una escena en crecimiento, con más lugares donde tocar (aunque no es suficiente), mucho talento, jóvenes interesados y comprometidos con sus proyectos, y sobre todo gracias a la tecnología, una era en la que estamos recogiendo muchas grabaciones de diversa índole, lo cual consideraría es lo más destacado. ML: ¿Quiénes son tus artistas nacionales o internacionales favoritos de jazz y blues? YA: A ver… déjenme pensar…

Faltaría a la verdad si dijera que tengo un top 10 de bandas favoritas, porque en mi caso tengo bandas o discos favoritos por temporada. Recientemente disfruto mucho escuchar el disco “Entretiempos” de Juan Cristóbal Pérez Grobet, el “Caracolito” de Iraida Noriega, “The Watcher” de Alejandro Mercado, el “Hot Pelucho Sounds” de Los Migthy Calacas, “Going Down to Mexico” de Vieja Estación o a Betsy Pecanins y Guillermo Briseño con su maravilloso disco “Nada que Perder”. ML: ¿Cuáles son tus 10 temas preferidos de ambos géneros? YA: Me pasa igual que con las bandas, tengo muchas canciones favoritas pero por temporadas. Three Degrees con Eric Clapton, o la versión de Wynton Marsalis y Clapton de Layla, Herbie Hancock con Watermelon Man, Art Blakey con Moain’, Azul con Real de Catorce, María Juana con Octavio Soto “El Charro”, por mencionar algunas. ML: ¿Cuáles son los proyectos a corto y mediano plazo del programa? YA: En octubre cumpliremos 4 años al aire y seguiremos en la misma línea de apoyar los proyectos mexicanos y hechos en México que surjan tanto de jazz como de blues. Código DF, ha abierto canales de difusión que en ningún otro lado existen, nuestra ciberaudiencia ha crecido, la estación ha logrado posicionarse, hemos recibido reconocimientos y los bluesistas y jazzistas que no estén enterados que sepan que aquí siempre contarán con apoyo y difusión de sus proyectos y eventos.

ML: ¿Qué propuesta harías a la gente de jazz y blues incluyendo músicos, promotores y seguidores para que estos géneros dejen de ser subterráneos y de minorías?



YA: Decía unas líneas más arriba que la naturaleza del jazz y el blues es ser géneros marginales y de minorías, aunque es muy subjetivo el término, ya que solo basta ver los conciertos de Eurojazz en los jardines del CENART, los conciertos del Festival de Jazz de Montreal o los conciertos de blues que ha organizado Raúl de la Rosa hace algunos años o Cultura Blues recientemente, la gente ahí está y no hablamos de diez o veinte, sino de decenas por no decir que centenares de personas ávidas de escuchar jazz o blues. Los músicos tienen que ser fieles a sus ideas y proyectos; los promotores, que en ocasiones suelen ser los mismos músicos, deben de pelear por abrir espacios y ser una especie de “encantadores de serpientes”, persuadir, convencer que éstos géneros pueden hacer ganar dinero a los empresarios, y los seguidores no dejar de apoyar a sus bandas y músicos, deben de adquirir conciencia de que sin su apoyo los lugares cierran y el círculo del consumo cultural queda inconcluso.

SÍNCOPA BLUES: Jueves 9:00 – 10:00 pm Código DF, radio cultural en línea

Ml. ¿Algún mensaje o algo más que agregar para la comunidad de Cultura Blues? YA: Una enorme felicitación a todos los que forman parte de este gran proyecto que es Cultura Blues, hacen una labor titánica por la difusión y la promoción del blues, sin mencionar el apoyo que les brindan a bandas sin distinción.

Nos despedimos con gusto de Yonathan, deseándole lo mejor en sus programas, y en especial en Síncopa Blues que se ha convertido en una plataforma importante para el blues y el jazz en México.

¡Hasta la próxima!

******************************

Visita en Xochimilco

Café-Restaurante y

Foro Cultural

Av. 5 de Mayo 82, esq. Cuauhtémoc a 4 cuadras de la estación Xochimilco del tren ligero

******************************



Otro Archivo Gráfico

Primera Carpeta

Fotos: José Ray Juárez Rivera Comentarios: Luis Eduardo Alcántara

[email protected]

Y bien amigos, continuamos con nuestra gustada sección de documentos fotográficos, mediante la cual queremos rendirle un pequeño tributo a esos artistas de la lente que han sabido capturar, en imágenes formidables, momentos únicos de nuestra vasta historia musical. Hoy ponemos a su consideración la carpeta de José Ray Juárez Rivera, un destacado fotógrafo de calidad incuestionable pues sus imágenes lo mismo han servido para ilustrar portadas de discos que distintos magazines y revistas.

De formación universitaria como arquitecto, José Ray cuenta con la ventaja de haber participado como músico en grupos como Rebel´D Punk, Slamkers y Briaggers Stones, lo cual le proporciona la sensibilidad necesaria para traducir en fotografías los momentos culminantes del ambiente musical. En palabras suyas, es "un rocker de corazón". En esta primera entrega les ofrecemos una interesante carpeta enfocada a blusistas mexicanos, que servirá de preámbulo para las próximas entregas que seguramente les sorprenderán. Muchas gracias a nuestro amigo por su aportación.

Los Blues Boys, en la época en la que además de Eleazar y Víctor Betancourt, contaba entre sus filas con Toño Lira, un poderoso vocalista que seguiría por separado su carrera solista.

Relacionada con el movimiento rupestre, Nina Galindo ha destacado también por ser una fina y sensible intérprete de blues, rodeada casi siempre por músicos de primera categoría.



Otro experimentado artista que ha abrevado de diferentes corrientes para terminar siendo uno de los jefes de la guitarra, es Juan Hernández, pionero blusista y responsable de toda una escuela musical que ha tenido diversos adeptos.

Todos coinciden: Baby Bátiz es la jefa más constante de las cantantes de blues y rock de nuestro país. Chaparrita pero fogosa, presenciar su espectáculo siempre equivale a transportarse a otra dimensión.

Y lo mismo se puede decir de su hermano, Javier Bátiz, el eterno brujo cósmico, uno de los responsables de dar a conocer el blues a las grandes audiencias mexicanas, además de proporcionar ciertas lecciones a su amigo Carlos Santana.

Interesante cartel promocional colgado en la entrada del legendario Wendy's Pub, un foro primordial en la difusión de la música alternativa en la década de los años ochenta.



Otro artista que ha trabajado muy duro para ocupar el actual puesto que ostenta es Guillermo Briseño. Compositor, pianista, cantante y docente, Briseño siempre ha peleado por abrir brecha para el talento mexicano, además de apoyar a sus colegas en diferentes proyectos que hoy resultan indispensables.

A Antonio Velázquez, el Gato, se le relaciona de inmediato con Lira'n'Rol, sin embargo sus orígenes se remontan a una anterior guitarra blusera, surgida de las lecciones que le proporcionó Ernesto de León. Actualmente Toño es uno de los ingenieros de sonido de El Tri, de Alex Lora.

A primera vista, éste sería un animado grupo de rockeros de Tlalnepantla. Sin embargo, el primero de la izquierda es Rubén Varela, conocido en los bajos fondos como "El Vicius", el promotor del blues en aquella zona y, sin duda, uno de los mejores intérpretes mexicanos de Little Walter en la armónica.

Uno de los héroes musicales de la juventud en la zona metropolitana es Lalo Blues, fiero requinto de la popular Banda Bostik.



MÉXICO CITY BLUES

A Ras de Piso: entrevista con F. Steel

Parte dos

Ángel Armenta López [email protected]

¿A qué se debe, tan pocas presentaciones en vivo sobre tu proyecto?

Se debe a que hay pocos foros que se adapten a mi música. Sin embargo he tenido buenas experiencias. Presenté en un pequeño teatro un montaje titulado Música Incidental, basado en la proyección de transparencias tomadas por mí, en Chiapas, mientras de fondo se reproducía Hurbanisteria. La presentación concluyó con una improvisación en vivo con guitarra acústica.

Años después presenté una audición con tres canciones inéditas, que nunca fueron grabadas, y una improvisación prolongada que fue precedida por una explicación muy convincente en la que advertía al público sobre los efectos de esa música.

Al final de la audición muchos de los asistentes aseguraron haber tenido un viaje sin drogas hacia su interior.

Participé también con un grupo literario que me invitó a musicalizar una lectura de poesía de Jaime Sabines. De igual manera, mi música contribuyó a proveer una carga dramática eficiente.

En realidad, la música que hago, requiere, por principio de cuentas, un marco adecuado que me garantice que el asunto va a ser tomado en serio por los organizadores y por la audiencia. No me gusta correr riesgos innecesarios ni perder el control de las audiencias.

Los requerimientos técnicos deben ser cubiertos satisfactoriamente, de manera que se pueda contar con buen audio, iluminación y ubicación escénica. Lo demás déjenlo por mi cuenta.

¿Realmente existe la escena underground en México?

Prefiero llamarle estado subterráneo. Es una condición inherente al Arte mismo, de hecho, toda expresión proviene de lo subterráneo.

“Cuando un joven escribe un poema de amor en su cuaderno y no se lo muestra a nadie, no importa si es un buen poema o no, lo importante es su estado subterráneo.

Cuando alguno de sus amigos lee ese poema y le parece bueno, lo comenta con los demás y la obra empieza a escarbar hacia la superficie. Esa misma obra llega a manos de uno de los maestros y felicita a su autor, le dice entonces que lo publicará en el periódico mural de la escuela. En esta etapa, sus compañeros le empiezan a llamar poeta y tiempo después se edita su primer poemario que resulta exitoso”.



Finalmente, en este ejemplo, la obra deja de ser subterránea y se mueve en la superficie contando con la anuencia de la gente.

Ahora bien, volvamos a leer desde donde dice: Cuando un joven escribe un poema…

Pero ahora cambiemos las palabras: un poema de amor, por: un poema subversivo. ¿El resto del párrafo seguiría igual?

Lo subterráneo no es bello, se le llama subterráneo porque no emerge con la misma facilidad que lo hacen las cosas correctamente estéticas.

El estado subterráneo es un estado de gracia, se presenta en todas las sociedades, a veces, inevitablemente se convierte en motivo de culto, pero mientras sea considerado un asunto proscrito, cumplirá la función social que se le tiene asignada.

Un estado de gracia, o puede ser también ¿un estado de sitio?

Esto suena interesante. Tiene dos posibles lecturas:

1.- Que el artista esté sitiando a las audiencias.

2.- Que el contexto esté sitiando al artista. Cualquiera de las dos cumple con otro de mis preceptos, que es el de la territorialidad, entendido como el contexto material cotidiano que te rodea e integra a tu comportamiento habitual.

Todos vivimos sitiados, y “estado de gracia” es un mero adjetivo aplicado a tu estado de sitio, pero aplicado a la función subjetiva.

¿Cómo se vive del Underground?

El estado subterráneo alimenta el alma, con eso es suficiente.

Alguno de los títulos de tus discos son: “Vida” “Nómada” “Flagelación” “Mamá se fue a la Selva” ¿Qué te lleva a nombrar de esa forma tus discos?

Busco títulos sencillos, que sea una palabra la que trate de definir la intención de cada trabajo. Además, una canción debe tener el mismo nombre del disco para crear algún referente cuando sea escuchado. No hay algún criterio para que la pieza que se titula igual que el disco sea la que más me guste, simplemente esa es la pieza que define el estado de ánimo y la intención principal de ese grupo de piezas.

¿Qué adjetivos te gustan, para señalar el tema de tus discos?

El adjetivo que más me gusta es: introspectivo. Todos mis trabajos provienen de una búsqueda interna de escenarios insólitos. Hay mucho surrealismo en mi trabajo. Las estructuras musicales se planean en base a sonidos imaginados y posteriormente se materializan a través de la ejecución y de la manipulación de los sonidos en la computadora.

Sin embargo, el producto final, es decir la post producción, lo manejo en un plano diferente, como si otra persona hubiese hecho la grabación. En esta parte del proceso procuro que exista musicalidad, pues la experimentación por la experimentación no es lo que busco. Me interesa crear mi propia identidad musical, no parecerme a otros músicos y, que a la vez, los oyentes disfruten escuchando el resultado de mi organización de ideas, sonidos y sentimientos.

¿Crees en el poder curativo del arte? En específico ¿De la música?

Estoy convencido de que la música tiene el poder de curar, pero también el de enfermar.



En ella conviven los polos opuestos, ni es buena ni es mala, simplemente es una forma de lenguaje, de manera que los poderes de la música residen en el mensaje que contiene, y no propiamente en su condición de música.

¿El mensaje eres tú?

No soy el mensaje, soy el fabricante del mensaje y a la vez el mensajero.

¿Al escuchar tu música, fue inevitable pensar en gente como Brian Eno, Stockhausen, pero también gente cómo Julián Carrillo, qué puedes decir de tus influencias?

He desarrollado mi propia teoría sobre la creación colectiva; en ella establezco que no existe la creación que pueda ser atribuida a un solo individuo. Se aplica a la creación artística pero también a la tecnológica e incluso a la magia y a la religión.

La cadena de conocimientos se alarga en la medida que se agregan nuevos eslabones. Estamos acostumbrados a pensar que los conocimientos se transmiten a través de procesos educativos, pero olvidamos que también se transmiten de manera genética. En realidad somos la suma del conocimiento adquirido y del conocimiento genéticamente heredado.

Todo esto está muy bien, pero también olvidamos los planos contextuales. Nosotros, como creadores disponemos del conocimiento adquirido y del conocimiento heredado. Tenemos que expresarnos en un plano real de espacio-tiempo en el que convivimos con personas afines a nosotros, no importa que no las conozcamos personalmente, esas personas forman parte de nuestro contexto.

A lo anterior debemos agregar que las circunstancias del contexto presente durante el proceso creativo son la influencia general.

Los creadores, al compartir un contexto común, influyen unos en otros y se retroalimentan, de manera que toman ideas ajenas, que en la realidad no tienen dueño, y las re crean.

Cíclicamente los creadores enfrentan estados de insatisfacción, los cuales son producidos por el mismo contexto común. El colectivo creador piensa que no tiene sentido caminar sobre los caminos que alguien ha establecido, y decide romper con esas rutas para caminar por los propios senderos que tienen que ser abiertos en tierra que nadie jamás ha pisado.

De acuerdo a esto, considero que mis influencias más útiles son las de aquellos que no desean caminar las rutas establecidas. El creador tiene la posibilidad de re inventar todo, de cuestionar todo y de intentarlo todo. No se trata de enloquecer tratando de hacerlo, sino de estar loco antes de hacerlo.

Continuando con Julián Carrillo, alguna vez leí que su sueño era que la gente escribiera música como se escribe una carta, y leyera música como se lee un periódico, ¿Qué opinión te merece?

Es una aspiración fundamentada y con posibilidad de convertirse en realidad. Proviene de un estudioso y conocedor de la materia que comprendió que la música es un lenguaje.

Sin embargo, no tiene ningún sentido saber escribir o saber leer música, si ésta va a ser escuchada a través de nuestros oídos. La representación gráfica de la música es innecesaria, pues es una manera de encarcelar a la música.

El hombre moderno ha sometido a la música, la ha criminalizado al grabarla y reproducirla de una manera indiscriminada. La música debe ser considerada como un elemento más de la naturaleza.



La música debe de ser el resultado de un acto efímero, reproducida en su momento y jamás repetida de igual manera.

Un día, viendo un documental sobre Pink Floyd, David Gilmour, dijo algo que me pareció conmovedor, al ser parte de la creación del legendario disco “dark side of the moon” dijo sentir envidia de la persona que escucha por primera vez el disco, esa constante sorpresa y regocijo, ¿te ha pasado algo similar con tu propio trabajo?

En cierta medida el que hace música trata de predecir la primera reacción de quien escucha su trabajo, sea grabado o ejecutado en vivo.

El músico trata de inducir reacciones en el oyente a través de la provocación, luego entonces, un creador que no ejerce su derecho a provocar estará perdiendo una valiosa oportunidad

¿Cómo te nutres, con qué discos, con qué libros, con qué autores?

Prefiero ante todo lo complicado, sea música, literatura, cine o artes plásticas. Entre más compleja es una obra, la posibilidad de sus significados es más variada.

Mi posición al respecto es, que nada me gusta tanto como para fanatizarme, ni nada me desagrada tanto como para agredirlo.

Quienes hacemos música subterránea debemos ser los primeros en practicar la tolerancia, entendiendo que cada tipo de expresión tiene su destinatario ideal, y que no es posible que algún género guste a todos ni que todos odien alguna expresión.

Sin embargo, pienso que lo complejo atrae la atención de la gente inteligente. No quiero decir que sean unos tontos los que buscan lo sencillo.

El caso es que, a través de sus gustos musicales, las personas reflejan el tipo de relación que desean establecer con el arte en general y que están dispuestas a contribuir con su razonamiento a la construcción de las obras.

Pero a pesar de luchar en contra del fanatismo, cada uno tiene sus propias preferencias. En mi caso, tengo mis advocaciones propias. Contemplo el arte como un ejercicio religioso y profeso respeto, cariño y admiración por dos músicos en particular: Frank Zappa y Robert Fripp.

Esto no quiere decir que pierda mi sentido crítico hacia su obra, sino más bien establece el compromiso de tratar de comprender su estructura musical y tratar de expandir los límites que ellos establecieron.

Pero ni Zappa ni Fripp son los únicos músicos en el mundo; sería injusto pensar así. Por lo tanto, en materia musical, suelo moverme al extremo opuesto y asegurar que mi verdadera única fuente de inspiración es la música étnica y todo lo que de ella deriva.

La tierra es generadora de música. Me encanta la idea de ser nutrido por todos los músicos anónimos que han dejando a un lado los tecnicismos y se han expresado con el corazón. Me agrada pensar que la música no se hace por dinero, sino como una manera de agradecer todo lo que la vida nos ha dado.

En cuanto a la literatura, de igual manera me gusta lo complicado y lo que se aleja de la realidad. Luego fue fortalecida en gran medida por el descubrimiento de Boris Vian, que a la vez me conectó con Sartre y otros filósofos. Entonces volví a leer libros de filosofía pero ahora con una actitud diferente.



Aparte de mi Blog, frecuentemente escribo fragmentos aislados de una novela que nunca será editada; se llama Realidad, y es un homenaje a Vian, que incluso es el personaje en torno al cual narro mi autobiografía.

Otro creador muy importante para mí es el pintor suizo Paul Klee. Me sucedió que, cuando lo descubrí, mi manera de pintar cambió radicalmente en todos los sentidos. Descubrí que la acuarela es mi única meta como artista plástico, y que se me facilita mucho más que la música y la escritura, de manera que he reservado esa actividad, la de pintor, para cuando sea grande.

Pero todas esas influencias no tendrían sentido sin la principal de ellas, que aparentemente no tiene relación con el arte, pero para mí es indispensable. Me refiero a San Francisco de Asís, que por alguna extraña razón es mi copiloto y consejero en todas las cosas de mi vida.

Francisco de Asís es un buen ejemplo de mi forma de pensar: En apariencia es el hombre más sencillo y humilde del mundo, pero en realidad es uno de los más complicados que hayan existido.

¿En qué momento encuentras armonía entre la música, la escritura y la pintura?

En el momento en que sus coincidencias son palpables. Cada una de ellas tiene una frecuencia determinada, y pueden parecer incompatibles, pero existe punto de coincidencia que se convierte en un nodo, y a partir de ese punto cada disciplina parte en direcciones opuestas. Es algo así como los rayos del Sol.

¿Cómo sientes el papel de las academias e institutos en el terreno de las artes?

Soy un crítico del academismo. No me parece que la excelsitud deba de ser la meta del arte. Prefiero al hombre que por las mañanas siembra el campo y por las tardes toca un violín. Las instituciones fortalecen la idea equivocada de que son muy pocos los elegidos para crear arte y que se tiene que dejar de trabajar para ser considerado un artista. Además te hace estudiar mucho y terminas convertido en un robot sin corazón. Por si fuera poco, tienes que pagar para que te enseñen.

Todo lo anterior no cancela la figura del Maestro, siempre y cuando esté acompañada de la figura del aprendiz. Esto implica la aplicación del sistema de enseñanza “hacerlo juntos”. El Maestro te dice cómo aprender en un año lo que te llevaría a ti aprenderlo de manera autodidacta en diez años, pero el Maestro no va a enseñarte a sentir la música, solamente te va a enseñar el lenguaje y la técnica para expresarlo.

¿Qué mensaje te gustaría que la humanidad recibiera de tu parte, de tu trabajo y tu persona?

Mi mejor recompensa es que la gente sonría al enfrentar mi aportación. Debo de dejar un rastro de buen humor en todo lo que hago. Debo provocar un cuestionamiento y cierto grado de duda en las audiencias. Quiero que se pregunten si lo hice en serio o estaba bromeando.

Para finalizar, apruebas o desapruebas la siguiente oración: “Si miras al cielo, terminarás por tener alas”

La apruebo considerando la condición humana y su postura religiosa, sin embargo, el análisis racional indica que si miras al cielo podrías tener daños en tu visión, lo cual no forzosamente te convertiría en un visionario.



Blues en Radio e Internet

Por ROCKANROLARIO RADIO. TU ESPACIO MUSICAL “Origen. Y en el principio fue… El Blues.” con Axel Ricardo Márquez, Miércoles de 21:00 a 23:00 hrs. http://rockanrolario.com/

En 104.3 Red Radio Universidad de Guadalajara, Jalisco. Centro Universitario de la Costa Puerto Vallarta, México. Miércoles de 21:00 a 22:00 hrs. Píntalo de Negro con Juan Carlos Velázquez. http://tunein.com/radio/Radio-Universidad-1043-s2805/

En IMAGINA RADIO Y TV WEB desde Saltillo, Coahuila “Raíces” Los orígenes del Rock. La casa del Blues con Jorge González Vargas Miércoles 19:00 hrs. y sábados 20:00 hrs. http://radioimagina.webs.com

En Código D.F. Radio Cultural en Línea de la Secretaría de Cultura del Gobierno del Distrito Federal. Jueves de 21:00 a 22:00 hrs. “Síncopa Blues” con Yonathan Amador. http://www.codigoradio.cultura.df.gob.mx

HORIZONTE 107.9 FM “Por los Senderos del Blues” con Raúl de la Rosa. Viernes de 20:00 a 22:00 hrs. http://www.imer.gob.mx/phpwrappers/player5/info.php?emisora=3 En RADIO UAQ 89.5 FM “Hábitos Nocturnos” con Pepe Andrade, Gustavo Huerta y Toño Martínez. Viernes de 22:30 a 24:00 hrs. http://radio.uaq.mx

En RADIO NUEVO LEÓN - OPUS 102 FM "Tiempo de Blues" con Gerardo Cortés Sábados de 23:00 a 24:00 hrs. http://www.radionuevoleon.com.mx/opus.html

Por RADIO UNAM 96.1 FM “El Blues Inmortal” con Mario Compañet Lunes de 16:00 a 17:00 hrs. http://www.radiounam.unam.mx/site/wmpfm.html

http://rockanrolario.com/

http://tunein.com/radio/Radio-Universidad-1043-s2805/

http://tunein.com/radio/Radio-Universidad-1043-s2805/

http://radioimagina.webs.com/

http://www.codigoradio.cultura.df.gob.mx/

http://www.imer.gob.mx/phpwrappers/player5/info.php?emisora=3

http://www.imer.gob.mx/phpwrappers/player5/info.php?emisora=3

http://radio.uaq.mx/

http://www.radionuevoleon.com.mx/opus.html

http://www.radiounam.unam.mx/site/wmpfm.html

http://www.radiounam.unam.mx/site/wmpfm.html



EL BLUES Y LA PALABRA

PINETOP PERKINS Hay Boogie Woogie en el cielo

Texto y fotos: Jesús Martín Camacho [email protected]

www.elbluesylapalabra.blogspot.com

Desde que lo conocí en el Festival

Bluescazorla de 2007, Pinetop Perkins ha

estado entre mis favoritos y le he tenido un

cariño muy especial.

Hoy estoy triste, muy triste. Y no se me va de

la cabeza.

Pinetop Perkins cumplió a principios de julio

(de 2010) 97 años. A los 14 empezó a tocar el

piano. Hoy día es uno de los más acreditados

pianistas de blues del mundo, pero no

publicó su primer álbum en solitario hasta

1988, cuando contaba 72 años.

Aunque lo he visto actuar y hablar, sé que

nunca podré entrevistarlo. Por tanto, las

palabras y los gestos que siguen no las dijo ni

los hizo él; los he sentido yo a partir de un

par de fotos que saqué de su rostro y sus

manos.

Probablemente serán verdad.

- Aghhr… chico, el bourbon ya no sabe a

humo.

1913, Belzoni, Mississippi.

- El blues se cansó de esperarme y tuve que

nacerle. Él aún no sabía que se llamaría así.

Las calles todavía apestaban al bochornoso y

anticuado jazz. Música loca, vertiginosa la

llamaban. Joder, ¡qué ridiculez de locura!

Risas. Encías. Apenas tres dientes.

- Vine al mundo y me retrasé poco para

buscarle. Al blues, claro. Sólo un poco.

Dedo en alto, ojos cerrados, boca seria. Trece

años después ya aporreaba el piano.

Dignidad de pillo. La guitarra, no podía.

Levanta, brazos fláccidos, el brazo izquierdo,

que no puede extender del todo; lo señala.

- ¡Maldito asno! Me lo destrozó del todo.

Así eran las bromas en aquellos tiempos. Y ya

han pasado casi cien años. Intenta silbar,

pero sólo aire y saliva. Apenas tres dientes.

- No te voy a decir todo lo que puedes leer en

las revistas. Han sido ochenta años.

Su rostro, que juega a mostrarse entre

gracioso y orgulloso, no puede ocultar la

falta de memoria que ya hace mella.

- Ahora me da igual tocar en el Delta, en

Chicago o al otro lado del charco. Lo

indispensable: tocar todas las noches.

Pero el tabaco ya no me seca el remojo; el

bourbon no está velado.

http://www.elbluesylapalabra.blogspot.com/



- Tras esos ochenta años sigo maltratando

las teclas con mimos resbalados: negra,

blanca, negra, blanca, blanca, negra.

Une los labios, las arrugas se retrotraen e

imita el sonido de un bajo.

- Ay, pero mis ojos no distinguen las negras

de las blancas desde hace tiempo.

La mano recorre la comisura de los labios

descolgados. El bajo ya no suena.

- Pero el trago bueno del malo, ay chico, ¡ése

no se me escapa!

Aunque hace ya cuatro años que no lo

acompaña la calada. El tabaco o el bourbon,

me dijo. Y fue el tabaco. Achina los ojos, baja

la voz. De todos modos el humo acompaña

en el bar de Williamson cada noche.

- A cada trago del licor, hincho los pulmones

–gesto de flaca aspiración– y recojo las

bocanadas de todo el garito –risotada de

ingeniosa inspiración–. Y el oído. No hay

vista, pero sí oído.

Se pasea los dedos de una mano sobre los de

la otra.

- Y tacto. Me queda poco. Mira mis manos.

Más que dedos son nudos. Su color es el de la

tierra. Regreso al suelo. Va siendo hora.

Cada vez que termino de tocar, me es más

difícil levantarlos de las teclas.

- Quieren volverse raíces, volver a la tierra. La

buscan. Pero en su camino está el piano:

negra, blanca, negra, negra, blanca. Su voz

es queda. Sus manos, no.

Escribí las palabras anteriores el pasado julio,

pero ahora me pregunto, no, Te pregunto:

¿Te has cobrado venganza? ¡Sí, Tú que se

supone andas por ahí arriba! ¿Castigas mis

palabras?

Sí, en verano le escribí un "vivituario”

celebrando precisamente eso, que doblando

la mitad de su novena década siguiera tan

activo y prolífico; hace apenas veinte días

contaba yo también que… "en Joined at the

hip no sólo hay pasado, sino sobre todo

presente y, mientras Dios, o mejor, Pinetop

quiera que la vida siga disfrutando de él,

futuro".

¿Tanto Te dolió, que Te lo tuviste que llevar?

Pues sabe bien que hoy habrás de ponerte

tapones en Tus omniscientes oídos, porque

sonará su Boogie Woogie por allí. Mr. Perkins

tiene ganas de seguir tocando a diario".

Pinetop Perkins. Belzoni, Mississippi, 7-VII-

1913 - Austin, Texas, 21-III-2011.

Que la tierra te sea ligera.



Semblanzas

Aberdeen Mississippi Blues Bukka White

Javier Caneda

[email protected] http://acarondoblues.blogspot.mx

Una mirada al blues más clásico

Poco después de abandonar la tristemente célebre prisión de Mississippi, Parchman Farm, concretamente los días 7 y 8 de marzo de 1940, Bukka White graba en Chicago, en compañía de "Washboard" Sam, doce temas que contrastan abiertamente con el sonido más habitual en el blues de la época, con una insólita pasión vocal comparable sólo a algunos muy contados de entre los grandes bluesmen, y que constituyen, al mismo tiempo, una colección de composiciones fuera de serie en el aspecto lírico y musical. Estos doce temas constituyen una de las mejores sesiones de preguerra en la historia del blues.

Resulta sumamente reveladora una observación atenta a los textos de algunas de estas canciones. Las referencias a la prisión constituyen el tema principal de "Where Can I Change My Clothes" y "District Attorney Blues", y también por supuesto del demoledor "Parchman Blues":

Judge gave me life this mornin´ down on Parchman Farm (x2)

I wouldn´t hate it so bad but I felt my wife in mourn.

Oh, Listen all you men, I don´t mean no harm (x2)

If you wanna do good you better stay off o´Parchman Farm.

We go to work in the mornin´ just at dawn of day (x2)

Just at the settin´ of the sun that´s when our work is done.

I´m down on ol´Parchman Farm but I sure wanna go back home (x2)

But I hope some day I will overcome.

El juez me perdonó la vida esta mañana en Parchman Farm (x2)

Lo que más odio me producía era imaginarme a mi mujer de luto.

Escuchadme todos, no quiero haceros ningún daño (x2)

Si queréis que os vaya bien, es mejor que os alejéis de Parchman Farm.

Empezamos a trabajar por la mañana, al despuntar el día (x2)

Y no terminamos de trabajar hasta que se pone el sol.

Estoy en Parchman Farm, y lo que más deseo es regresar a casa (x2)

Espero conseguirlo algún día.

El otro tema dominante en estas sesiones ha fascinado siempre a estudiosos y aficionados, principalmente por lo personal de su punto de vista, algo relativamente inusual en este tipo de composiciones.



El blues es una tradición oral, y la construcción de versos y estrofas completamente originales es menos habitual de lo que habitualmente se piensa, pero los blues de Bukka White sobre la muerte son de elaboración propia casi en su totalidad. "Strange Place Blues" relata la muerte de su madre, acaecida en 1933, mientras que "Good Gin Blues" está dedicado a la memoria de un amigo de borracheras, Tod Walker, que sucumbió por su adicción a la ginebra. La muerte de una novia de Bukka, llamada Mary Johnson, a manos de la fiebre amarilla, le inspiró "High Fever Blues". Por fin, "Fixin´ To Die", composición en recuerdo de otro amigo desaparecido, Flem Smith, incluye un soberbio trabajo a la guitarra complementando su inusual texto:

I´m lookin´ far in mind, I believe I´m fixin´ to die, I believe I´m fixin´ to die. I´m lookin´ far in mind,

I believe I´m fixin´ to die. I know I was born to die,

but I hate to leave my children cryin´.

Me lo estoy imaginando,

Creo que me estoy resignando a morir, Creo que me estoy resignando a morir.

Me lo estoy imaginando, Creo que me estoy resignando a morir.

Sé que nací para morir algún día, Pero odio dejar a mis hijos llorando.

Más de la mitad de las piezas grabadas por Bukka en 1940 reflejan experiencias autobiográficas, en absoluto diluidas o yuxtapuestas con versos del acervo común. Considerando que estos discos salieron al mercado en la década de los 40, indudablemente no tienen parangón entre el blues grabado de la época, con el añadido de un acompañamiento de guitarra y washboard (tabla de lavar) del más alto nivel.

Entre las restantes piezas, destacan dos originales blues de trenes con un toque de guitarra de increíble complejidad, y "Aberdeen Mississippi Blues", el título que facilitaría el descubrimiento del bluesman para un nuevo público más de veinte años después.

Fuente: "Solo Blues" nº 19 (1998)

Curiosidades: Cuando Bukka White entró al pequeño estudio situado en el South Side de Chicago, lo hizo con una guitarra Gibson que le había prestado Big Bill Broonzy. El material que había preparado para las sesiones no fue del agrado del productor Lester Melrose, por ser demasiado parecidas a los típicos blues que todo el mundo conocía, y pidió a Bukka que se tomase un par de días de descanso en un hotel cercano. Dos días después, White se presentó ante él con un repertorio totalmente nuevo. El productor se quedó mudo ante el espectacular cambio. Como contaría años más tarde el propio Bukka: "Nunca antes me había ocurrido que un hombre, negro o blanco, me besara en plena boca, pero eso fue lo que hizo. Me dijo: "Tío, por Dios, los has hecho perfecto. Llevo treinta y cinco años en este trabajo y nunca había visto a nadie hacer lo que tú has hecho en dos días. ¿Cómo demonios lo has conseguido?. ¿De dónde lo has sacado?". Aunque en su época los temas no tuvieron ningún tipo de repercusión en el mercado discográfico, en la actualidad son muchos los cds que recogen estas históricas grabaciones pero, por su calidad y por su indudable atractivo, yo os recomendaría el cd número 33 de la colección Saga-Blues, publicado en el 2007 bajo el significativo título "Aberdeen Mississippi Blues".

Un fantástico disco que recoge los doce temas grabados en 1940 y todas las grabaciones que Bukka hizo en los años treinta, incluyendo su primer gran éxito, "Shake ´Em On Down".



Una Experiencia

Héctor Martínez González [email protected]

http://www.thefortynighters.com

STRANGE FRUIT

Segunda parte

Tanto Billie Holiday como Josh White, cuando grabaron Strange Fruit, lo hicieron en Nueva York, una ciudad en la que las leyes Jim Crow y los linchamientos eran una realidad lejana. Lo mismo sucede con otra de las canciones más populares sobre el tema: Mississippi Goddam (Maldito Mississippi), de Nina Simone. Escrita en 1963 y grabada en el Carnegie Hall de Nueva York al año siguiente, fue la respuesta de esta cantante y pianista al asesinato de cuatro niños negros por la explosión de una bomba lanzada dentro de una iglesia en Birmingham, Alabama. Nina Simone prefirió canalizar su ira a través de la música, desechando su primer impulso de salir a la calle con una pistola y matar a cuantos blancos se cruzasen en su camino. La canción se convirtió en un alegato anti-racista, con una letra conmovedora y muy muy dura, aunque en el fondo no dejaba de ser una canción de ciudad, salida de las calles de la Gran Manzana y no de los pueblos rurales del Sur: Mississippi Goddam, de Nina Simone (1963) …

Hound dogs on my trail School children sitting in jail

Black cat cross my path I think every day's gonna be my last Lord have mercy on this land of mine

We all gonna get it in due time I don't belong here I don't belong there

I've even stopped believing in prayer …

Picket lines School boycotts

They try to say it's a communist plot All I want is equality

for my sister my brother my people and me Yes you lied to me all these years

You told me to wash and clean my ears And talk real fine just like a lady

And you'd stop calling me Sister Sadie …

La sucesión de este tipo de ataques fue también la gota que colmó el vaso para uno de los mejores y más combativos músicos salidos del Mississippi. Se trata de J. B. Lenoir, quien entre 1965 y 1966 realizó en Chicago, junto a Willie Dixon y Fred Below las grabaciones más críticas realizadas hasta la fecha por un músico de blues. Entre las canciones que grabó se encuentra Alabama Blues, en la que declara que nunca volverá a Alabama, ese no es su sitio pues allí los policías matan a los negros impunemente:

Alabama Blues, de J. B. Lenoir (1965) I never will go back to Alabama, that is not the

place for me I never will go back to Alabama, that is not the

place for me You know they killed my sister and my brother, and the whole world let them peoples go down

there free I never will love Alabama, Alabama seem to

never have loved poor me



I never will love Alabama, Alabama seem to

never have loved poor me Oh God I wish you would rise up one day,

lead my peoples to the land of pea' My brother was taken up for my mother, and a

police officer shot him down My brother was taken up for my mother, and a

police officer shot him down I can't help but to sit down and cry sometime, think about how my poor brother lost his life Alabama, Alabama, why you want to be so

mean Alabama, Alabama, why you want to be so

mean You got my people behind a barbwire fence,

now you tryin' to take my freedom away from me

Otras canciones grabadas en aquellas sesiones, como Down In Mississippi o Born Dead

(con su frase demoledora: “todos los niños negros nacidos en el Mississippi, ya sabes, los niños pobres, nacen muertos”), también hacen una crítica a la situación social de los negros en el Sur de los EEUU: Born Dead, de J. B. Lenoir (1966)

Lord why was I born in Mississippi, when it's so hard to get ahead Why was I born in Mississippi, when it's so hard to get ahead

Every black child born in Mississippi you know the poor child is born dead

When he came into the world The doctor spank him, the black baby cry

When he came into the world The doctor spank him, the black baby cry

Everybody thought he had a life And that's why the black baby died

…

Merece la pena ser mencionada también la canción grabada en la sesión del año 1966 Shot on James Meredith, que cuenta el intento de asesinato del activista James Meredith durante una marcha antirracista llamada March Against Fear (Marcha Contra el Miedo).

Esta marcha en solitario pretendía cubrir los trescientos cincuenta kilómetros que unen Memphis, Tennessee, y Jackson, Mississippi, con la intención de motivar a los negros para que perdiesen el miedo y votasen defendiendo sus derechos. Al poco de comenzar la marcha un individuo disparó contra Meredith. Mientras éste se recuperaba en el hospital, cientos de activistas decidieron de forma espontánea continuar la marcha que había comenzado su compañero, no sin dificultades (detenciones, prohibiciones de paso y acampada, cargas policiales desproporcionadas… ¿no les recuerda a algo?). Finalmente, veinte días después de ser disparado, Meredith pudo abandonar el hospital y terminar la marcha. J. B. canta: ellos le dispararon como a un perro; Sr. Presidente, me gustaría saber qué va a hacer ahora; creo que no hará nada (They shot James Meredith down just like a dog; Mr. President I wonder what are you gonna do

know?; I don't believe you're gonna do nothing at all):

Shot on James Meredith, de J. B. Lenoir (1966) They shot James Meredith down just like a dog Mr. President I wonder what are you gonna do

know? I don't believe you're gonna do nothing at all

He was marching to mississippi Lead my peoples what he thought was right

last I heard of my boy James Meredith some evil man shot to take his life

I was looking this morning He said I had to take a plane

The newspaper man asked what do you think you gonna prove

He said I'm gonna lead this people just like James' murders do



Shooting of James Meredith, Hernando, Mississippi, Jack R. Thornell, 1966

El hostigamiento a los defensores de los derechos civiles, como Meredith, fue una constante durante los años 60. Triste es el recuerdo del asesinato de Malcolm X en la mismísima Nueva York en 1965 o el de Martin Luther King Jr., en 1968 en el Hotel Lorraine de Memphis, Tennessee, a unas pocas calles de los míticos estudios Sun Records. A éstos hay que añadir el de Medgar Evers, héroe de guerra durante la II Guerra Mundial y líder de la NAACP (National Association for the Advancement of Colored Peopel), una asociación con más de 100 años de historia dedicada a la defensa de los derechos civiles. Este papel en la NAACP y tareas como investigar el asesinato de Emmett Till pusieron su nombre en los primeros puestos de la death list de los supremacistas blancos. Emmett Till: Joven de 14 años linchado brutalmente en 1955 por silbar a una mujer blanca (ver el artículo High Water Blues). Su asesinato conmocionó a la opinión pública y supuso un punto de inflexión en la lucha por la igualdad. El movimiento intelectual afroamericano, con el Harlem Renaissance a la cabeza, estuvo muy presente en los actos que siguieron a la muerte, como el juicio a sus asesinos o el entierro del muchacho, al que también acudieron músicos como Willie Dixon y Dinah Washington.

Tal es así que en la noche del 12 de junio de 1963, el mismo día que John F. Kennedy dio su discurso en apoyo a la lucha por los derechos civiles, Evers fue disparado por la espalda en la puerta de su casa por un miembro del White Citizens' Council, un grupo racista con lazos con el Klan, nacido en los años 50 para luchar contra la integración en las aulas.

Widow of Medgar Evers comforts her son Darrell during the funeral, Jackson, Mississippi, John Loengard , 1963

Charles Evers, hermano mayor de Medgar también fue un firme defensor de los derechos civiles, motivo por el que fue acosado por los segregacionistas hasta que, en 1956, abandonó el pueblo de Philadelphia, Mississippi, así como su negocio funerario y su carrera como disk jockey en un programa de blues de una emisora local.



Se trasladó a Chicago, donde abrió varios garitos en los que contrataba para sus actuaciones a músicos nacidos en el Mississippi que habían emigrado a Chicago buscando una oportunidad: Muddy Waters, Elmore James, B. B. King… Cuando su hermano fue asesinado, regresó al Sur para ocupar su puesto en la NAACP y consiguió ser el primer alcalde negro de los EEUU, concretamente del pueblo de Fayette, Mississippi. Diez años después del asesinato de Medgar, su gran amigo B. B. King le propuso crear el Medgar Evers Homecoming, un memorial de tres días en el que se realizan conciertos, desfiles y barbacoas que sirven para mantener vivo el recuerdo de su hermano. Este año 2012 se cumple la cuadragésimo octava edición (48th). El libro de Andrew Szanton Have No Fear: The Charles Evers Story, cuenta todos estos hechos de la vida de Charles Evers a través de docenas de entrevistas.

Charles Evers and B. B. King at a press conference for the Homecoming

Ni siquiera los blancos preocupados por la situación de sus semejantes de afroamericanos podían considerarse a salvo: los supremacistas veían un pecado gravísimo confraternizar con los negros y, en algunos casos, lo pagaron con su vida.

Viola Liuzzo era una mujer blanca de Detroit, madre de cinco hijos y comprometida con la lucha por los derechos civiles. En 1965 participó en la tercera de las conocidas como Selma to Montgomery marches, tres marchas que tuvieron lugar aquel año para pedir el voto de los ciudadanos negros. La primera de ellas fue conocida como el Bloody Sunday, debido a la brutal carga policial que terminó con cientos de heridos. Cuando Liuzzo se dirigía en coche, tras la tercera marcha, rumbo a Selma, Alabama, ayudando a un chico de 19 años, Leroy Moton, a llevar trabajadores que habían participado en la marcha de nuevo a su ciudad, un coche se puso a su altura, les sacó de la carretera y cuatro hombres armados del Klan, dispararon contra Viola y Leroy. Dos balas impactaron en la cabeza de Viola, acabando con su vida en el acto. Leroy tuvo más suerte y, aunque herido, sobrevivió gracias a que simuló estar muerto cuando los valientes hombres del Klan, se acercaron a rematar posibles supervivientes. La investigación que se llevó a cabo, demostró que uno de los asesinos era un informante del FBI. Dos semanas después del funeral de Viola Liuzzo, una cruz ardiendo fue colocada por el Klan en el jardín de su casa familiar… Color Blind Angel, de Robin Rogers (2007)

Viola, Viola, you laid your young life down. From Selma to heaven, 3 Ks took you out.

Color blind angel battled bigotry. Viola, Viola lives on in history.

Left your home in the winterland, southbound with a dream.

Edmund Pettis bridge, violence on the screen. Freedom summer of '65 is where you had to be, Stand up for your fellow man, erase hypocrisy. March 25, Alabama, along a lonesome road,



Shots rang out on a hate-filled night, now the

world would know: Motor City mother, lily-white and sincere,

Gave her life for the civil rights, fought against the fear.

Walkin' for the right to vote seems old-fashioned now,

Martin's vision reigns supreme, all colors can be proud.

The legacy of all that fought goes on eternally. Women and men from walks of life live on in

history.

Otro activista de la época fue Johnny Otis, el gran músico de blues y rhythm and blues: a pesar de no ser negro (era de ascendencia griega), al crecer en un barrio negro de California, siempre se identificó a sí mismo como un black by persuasion (negro por elección propia), participando de la comunidad afroamericana como uno más y defendiendo allí donde iba sus derechos. Otis se llevó un enorme susto el día que el Ku-Klux-Klan le prendió fuego a una cruz en su jardín. Según cuenta su biógrafo George Lipsitz en Midnight at the Barrelhouse: The Johnny Otis Story, esto no impidió que Otis escribiese un libro sobre los disturbios raciales de Watss (Watts Riots), señalando como desencadenantes de los mismos la brutalidad policial y el control de los señores del ghetto.

Watts Riots: Disturbios raciales ocurridos en el barrio de Watts, el más pobre de Los Ángeles en 1965. Durante los mismos murieron 34 personas.

Si en los años 60 este era el panorama que había, para los negros del Sur del primer tercio de siglo XX, tomarse si quiera la libertad de hablar públicamente de los linchamientos suponía pasar de ser un mero narrador a protagonista de uno de ellos. Muchos músicos lo vivieron muy de cerca, en sus familias o en sus propias carnes, y algunos de ellos tuvieron que convivir con esta pesadilla durante el resto de sus vidas, pues nunca abandonaron aquellas tierras. Lousiana Red, que perdió a su padre linchado a manos del Ku-Klux-Klan cuando sólo tenía 5 años, o Champion Jack Dupree, cuyos padres murieron en un incendio que éste siempre aseguró fue provocado por los hombres del KKK son dos tristes ejemplos de esta realidad. Otro músico de blues, Otis Taylor, al ser de una generación más reciente, sí pudo plasmar en una canción, sin temer a las represalias, su queja amarga por el asesinato de su bisabuelo a manos de una turba. La canción se llama Saint Martha’s Blues, en honor a su bisabuela, que tuvo que ir al pueblo a buscar a su marido y bajar su cuerpo destrozado de la rama de un árbol: Saint Martha’ Blues, de Otis Taylor (2001)

My great grandfather : Back in Lake Provence,

Louisiana He was lynched.

Not only was he lynched : They took his body, and they tore it apart, and they went to

his wife, Martha Jones. And told her where she could find her husband.

Poor, poor Martha : Poor Martha… poor Martha Jones



She got to go downtown : Oooh she got to go,

she got to go and find him, her husband. They came to the door : The took him, they took

him away And hung him!

The hung him from, the hung him form the highest tree

They tore… they tore his poor body… they tore his poor body apart

Oh they tore… they tore his poor body apart.

La forma en la que los músicos negros del Sur se referían a estos hechos en los peores años de persecución racial en los Estados Unidos intentaba ser sutil, hablar en clave y no poner en evidencia a quien interpretase la canción. Por ejemplo, cuando en 1960 se publicó una canción titulada Tom Moore’s Farm, Mack McCormick, que fue quien la recogió en A Treasury of Field Recordings, mantuvo en el anonimato el nombre del autor para protegerle a él y a su familia. Esta canción era una crítica a Tom Moore, el patrono de una plantación de Texas, famoso por su desprecio a los negros y por la brutalidad con la que los trataba. Más tarde se supo que este músico “anónimo” era Mance Lipscomb y la canción, una pieza fundamental en el repertorio de los músicos del Condado de Grimes. En las notas de McCormick se dice que el músico vivía y trabajaba a pocas millas de la granja de Tom Moore, bajo su radio de influencia, motivo por el que se mantenía el anonimato. Lo cierto es que Mance estuvo trabajando en la granja de Moore, pero tuvo que huir de ese lugar en 1956 para evitar ser linchado tras tener una pelea con uno de los capataces de Moore. Mance regresó 2 años después a la zona y se compró una pequeña granja donde pasó el resto de su vida.

Según comentó Mance en una entrevista, a Tom Moore le importaba muy poco la vida de sus trabajadores: “Muere una mula, se compra otra. Muere un negrata, se contrata otro” (Mule die, they buy another one, ni-g-ger die; they hire another one). Otro músico que estuvo trabajando en esa granja fue Lightnin’ Hopkins, que tras la boda con su primera esposa, fue contratado junto a su mujer para trabajar allí. Hopkins, que conocía a Mance desde los años treinta, también incorporaba en su repertorio habitual la mencionada canción Hopkins temía, al igual que Mance, a Tom Moore, incluso en una de las grabaciones existentes, cuando Hopkins presenta el tema, advierte que, de enterarse Tom Moore que estaba tocando aquella canción, enviaría a alguien a Houston para matarle. De hecho, la primera versión que Hopkins grabó de este tema en 1948 cambia el nombre de Tom a Tim (Tim Moore’s Farm) para no ofender al iracundo patrono.

CONTINUARÁ…

*************************

Extra!!! Grammy al mejor Álbum de Blues 2013



Magic Slim (1937-2013)

Colaboración especial de Raúl Reyes Zúñiga

El ocaso llegó agarrado de la mano con uno de esos días de los que nunca esperas y ni te imaginas que pueda suceder, pero que es inevitable, uno de esos días que cuando sabes lo que ha ocurrido sigues sin entender la naturaleza de las cosas. Hoy el Blues llora porque uno de sus hijos a partido para siempre, hoy existe un sentimiento rotundo por la muerte de uno de los grandes expositores de la música negra.

“Magic Slim” ha dejado este mundo para incorporarse con los grandes bluseros de antaño, seguramente desde arriba se incorporará de nuevo a los coros de los ángeles quienes se regocijaran con la llegada de este magnífico músico y que seguramente, le harán un espacio para que se incorpore al blues star de los fallecidos al lado de: Willie Dixon, Koko Taylor, Muddy Waters, Sonny Boy Williamson, entre otros grandes.

Nuestro país tuvo la oportunidad de ver a este músico cuando el organizador de conciertos de Blues, Raúl De la Rosa, preparaba para los días 4, 5, 6 y 7 de agosto del 82, uno de los carteles de peso completo de músicos negros para el cuarto festival de Blues en el Auditorio Nacional.

Una década de los 80´s, que jamás se olvidará porque a las 20: horas del día 4 de agosto “Magic Slim” despedazaba el Auditorio Nacional, además de compartir cartel, al lado de “Big Joe” Williams y Larry Davis, en una gran época cuando los conciertos de Blues, tenían sentido, peso, sabor y pasión por la talla de los músicos que visitaban nuestra ciudad, (hoy cómo extrañamos esos días).

“Magic Slim”, fue todo un personaje que se supo sobreponer a las inclemencias de la vida, en donde jamás se dio por vencido y a todo hallaba una respuesta a como fuera el precio, como ejemplo tenemos aquel fatídico día en que perdió uno de sus dedos por lo que se vio impedido de tocar uno de sus instrumentos preferidos que era el piano, sin embargo, su gusto por la vida y su amor apasionado por la música lo llevó a buscar nuevos horizontes.



Y no tardó mucho en encontrarse con la guitarra de la cual elaboró e interpretó magistrales temas que hoy sin duda quedaran como parte de un patrimonio cultural de la humanidad.

Los grandes cada vez se extinguen. En enero 20 del 2012, Etta James dejaba este mundo y el 20 de febrero del 2013, la magia portentosa de la guitarra de Magic, ha dejado de sonar; sin embargo, su legado seguirá para futuras generaciones, no quisiera despedirme sin antes recordar esta frase que él hizo famosa: "Yo confío en que los músicos ya consagrados les den a los jóvenes que empiezan algo para que continúen tocando blues, porque el blues nunca morirá, pero alguien tiene que mantenerlo vivo, ya que, como la demás gente de mi edad, yo ya no estaré en este mundo para seguir haciéndolo."

Discografía: LPs y CDs

1) Magic Slim Vol. 1 Born On A Bad Sign – MCM / Storyville 1976 2) Magic Slim Vol. 2 Let Me Love You – MCM / Storyville 1976 3) Magic Slim & The Teardrops, Joe Carter with Sunnyland Slim: That Ain’t Right – Delmark 1977 4) Highway Is My Home – Black & Blue 1978 5) Living Chicago Blues Vol. 2 – Alligator 1978 (4 canciones)

6) Grand Slam – Rooster 1982 (con los 3 temas del EP) Blues Award 1983 Album Blues Contemporáneo 7) The Zoo Bar Collection Vol 1: Don’t Tell Me About Your Troubles – Wolf 1979 8) Live ‘N Blue – Candy Apple 1980 9) In The Heart Of The Blues – Isabel 1980 10) Doing Fine – Isabel 1980 11) Raw Magic – Alligator 1980 (recopilación de los dos LPs de Isabel) 12) The Zoo Bar Collection Vol 2: See What You’re Doin’ To Me – Wolf 1979 y 1982 13) The Zoo Bar Collection Vol 3: Teardrop – Wolf 1982 14) T. V. Dinner Blues – Blue Dog 1982 15) Blues From The Zoo Bar – Blue Dog 1982 16) Alone & Unplugged – Wolf 1984 17) The Zoo Bar Collection Vol 4: Spider In My Stew – Wolf aprox. 1985 18) Live At B.L.U.E.S – Blues R&B 1986 19) The Zoo Bar Collection Vol 5: Highway Is My Home – Wolf finales años 80 20) Magic Slim & The Teardrops – Wolf 1986 y 1987 Blues Award 1987 Album Blues Contemporáneo 21) Magic Slim And Nick Holt & The Teardrops – Wolf 1989 y 1991 Blues Award 1990 Album Blues Contemporáneo 22) Live And On The Road – Wolf 1990 Blues Award 1991 Album Blues Contemporáneo 23) Gravel Road – Blind Pig 1990 24) Magic Blues: The Blues Of A Magic Man – Wolf 1991 25) Blues Guitar Summit – Charly 1991 (con Son Seals y Lonnie Brooks, filmado en el Buddy Guy’s Legends para una serie de TV) 26) Tin Pan Alley – Wolf 1992, 1994 y 1998 (Recopilación) 27) 44 Blues – Wolf 1992 28) Scufflin’ – Blind Pig 1995 29) Black Tornado – Blind Pig 1998 30) Snakebite – Blind Pig 1999 31) Blue Magic – Blind Pig 2002 32) Anything Can Happen – Blind Pig 2004 33) Magic Slim The Essential – Blind Pig 2007 34) Midnight Blues – Blind Pig 2008 35) Rough Dried Woman – Wolf 2009 (Las mejores 14 canciones) 36) Raising The Bar – Blind Pig 2010



SUPLEMENTO ESPECIAL

José Luis García Fernández

Personajes del blues

Iniciamos con mucho gusto y de manera especial, esta nueva sección en donde encontrarás breves biografías de los personajes de blues, muchos de ellos poco conocidos, pero que han favorecido el desarrollo del género a través de sus grabaciones.

Fuente: The Penguin Guide to Blues Recordings. Tony Rusell y Chris Smith con Neil Slaven, Ricky Rusell y Joe Faulkner, Penguin Books, 2006.

1. MARION ABERNATHY Cantante (1918-1977)

Abernathy fue popular en los años 40, principalmente en los clubes de la Avenida Central de Los Ángeles. Grabó para varias compañías discográficas de LA entre 1945 y 1949, pero sus actividades posteriores fueron poco conocidas.

Discografía: Marion Abernathy 1947-1949.

2. THE ACES Grupo (1950´s-1970’s)

El trío de Louis Myers, su hermano Dave Myers y Fred Below, fue formado para respaldar a Junior Wells y acompañarlo en algunas de sus primeras grabaciones. Llegaron a ser considerados como el grupo más acoplado en Chicago, particularmente cuando se juntaban con Little Walter.

Discografía: Chicago Beat, The Aces And Their Guests.

3. ARTHUR ADAMS Cantante, guitarrista (1943)

Establecido en LA desde 1964, el originario de Tennessee, primero hizo su fama como músico de estudio, y por su trabajo en tv y soundtracks de cine, para posteriormente dedicarse al blues.

Discografía: Back on Track.



4. JO-JO ADAMS Cantante (1918-1988)

Naci do

Nacido en Alabama, Adams encontró el camino a Chicago a la mitad de los 40´s, donde fue muy bien reconocido por una década más o menos como cantante, bailarín y comediante. Aunque en apariencia y estilo de vestir no era parecido a Cab Calloway, su obra en las grabaciones fue principalmente al estilo del jump-blues.

Discografía: Jo-Jo Adams 1946-1953.

5. GAYE ADEGBALOLA Cantante, guitarrista y armonicista (1944)

Naci do

Nacido en Virginia bajo el nombre de Gaye Todd, Adegbalola trabajó en la educación y el teatro antes de unirse a Saffire – La Engreída Mujer del Blues. Continúa a la fecha enseñando técnicas de canto e historia del blues, y además tiene un largo historial como activista política, en los movimientos por los Derechos Civiles y el Poder Negro y como feminista.

Discografía: Bitter Sweet Blues (1999), Neo-Classic Blues (2004).

6. MOZELLE ALDERSON Cantante (¿-?)

Tanto Georgia Tom Dorsey y Big Bill Broonzy la recordaban por su nombre, pero se dejó a los productores de discos para utilizar un seudónimo bajo el cual Mozelle hizo más grabaciones, como Hanna May, Jane Lucas y Kansas City Kitty. Presumiblemente desapareció de Chicago, al terminar algunas grabaciones que ahí realizó.

Discografía: Blue Girls – Vol. 2 (1928-1930), Kansas City Kitty & Georgia Tom (1930-1934).

7. HERMAN ALEXANDER Cantante, guitarrista y armonicista (1925)

Los viajes para hacer grabaciones de campo, proliferaron entre los años 70 y 90 y, aunque muchos músicos interesantes y exitosos fueron descubiertos, con el tiempo se convirtieron en nuevos talentos que se vinieron abajo. Lamentablemente, el residente de Memphis, Herman Alexander es un ejemplo típico. Al igual que Robert Cage y Scott Dunbar, es un músico ingenuo con una capacidad musical muy limitada y con un recuerdo imperfecto de las canciones que se apropiaba.

Discografía: Highway 61 (1990).



8. TEXAS ALEXANDER Cantante (1900-1954)

La voz de Alger “Texas” Alexander era multitonal y fuerte, recopiló varias canciones de las plantaciones y evocó en sus letras la dura vida de los emigrantes y trotamundos. Cantaba en las calles y bares usualmente acompañado de un guitarrista. Entre los músicos que tocaron con él en su última etapa fueron Lowell Fulson y su primo Lightnin´ Hopkins.

Discografía: Texas Alexander Vol.1 (1927-1928), Texas Alexander Vol.2 (1928-1930), Texas Alexander Vol.3 (1930-1950).

9. BERNARD ALLISON Cantante, guitarrista (1965)

Siendo adolescente realizó dos giras con la banda Blues Machine de Koko Taylor antes de unirse a la agrupación de su padre Luther. Desde entonces, ha variado su estilo por su cuenta y ha realizado una serie de álbumes que se resisten a una definición precisa. Ha heredado el enfoque ecléctico de su padre hacia el blues. Discografía: Hang On! (1992), Funkifino (1996), Born With The Blues (1997), Times Are Changing (1998), Kentucky Fried Blues (1999), Across The Water (2000), Storms of Life (2002), entre otros. El más reciente: The Otherside (2010).

10. LUTHER ALLISON Cantante, guitarrista, armonicista (1939-1997)

Guitarrista de blues impresionante cuyo estilo se asemejaba al de Jimi Hendrix. Aprendió a tocar gracias a su hermano, y acompañaría a músicos como Muddy Waters, Jimmy Dawkins o Howlin´ Wolf en los locales de Chicago. Los primeros discos para el sello Delmark y la ovación en el concierto Ann Arbor Festival le llevaron a firmar para la marca Motown. Desde 1984 hasta 1994 vivió en Francia donde murió de cáncer cuando parecía que su regreso era inminente. Discografía: Love me Mama (1969), Love me Papa (1977), Live in Paris (1979), Here I come (1985), Live in Montreux - Where Have You Been? (1976-1994), Songs From the Road (2009).

11. ALBERT AMMONS Cantante, pianista (1907-1949)

Sus padres eran pianistas y a los diez años lo iniciaron en el instrumento. Poco después de la Primera Guerra Mundial comenzó a aprender a tocar blues, y llegó a escuchar a pianistas como Jimmy Yancey y Hersal Thomas, quienes resultaron para él una gran motivación. Desde los años veinte tocó en clubes locales y trabajó como taxista. En 1934 formó su propia banda, los Rhythm Kings, para tocar en el club De Lisa y dos años después inició su carrera discográfica con la grabación de "Boogie-Woogie Stomp", uno de los temas emblemáticos del boogie-woogie. Discografía: Albert Ammons (1936-1946).

http://es.wikipedia.org/wiki/Primera_Guerra_Mundial

http://es.wikipedia.org/wiki/Blues

http://es.wikipedia.org/wiki/Jimmy_Yancey

http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Hersal_Thomas&action=edit&redlink=1

http://es.wikipedia.org/wiki/1934

http://es.wikipedia.org/wiki/Boogie-woogie



12. MIKE ANDERSEN BAND Grupo

Mike Andersen nació en Dinamarca en 1977, es un habilidoso cantante de soul clásico y de canciones de R&B, así como un distinguido guitarrista. Ha participado en muchos festivales de blues en Europa y trabaja en diversos proyectos. El baterista Mads Andersen (hermano de Mike), el bajista Dave Stevens, fundador de los Kingsnakes de Paul Lamb y el propio Mike han viajado de gira con Otis Grand.

Discografía: My Love For The Blues (2002), Tomorrow (2004), Echoes (2010).

13. MILDRED ANDERSON Cantante (¿?)

Una buena cantante de blues y baladas que nunca alcanzó el estrellato, ni fue particularmente influyente. La fama le llegó cuando grabó con el gigante del boogie-woogie, Albert Ammons en 1946. Tuvo un par de discos exitosos en 1960, uno donde ella estaba respaldada por el organista Shirley Scott y el otro tocando con el apoyo incondicional del saxofonista Shirley Scott.

Discografía: Person to Person (1960), No More In Life (1960).

14. PINK ANDERSON Cantante, guitarrista (1900-1974)

Pink Anderson, cuyo nombre completo era Pinkney Anderson fue un cantante y guitarrista de blues estadounidense. Comenzó a tocar blues a los catorce años en espectáculos ambulantes organizados por charlatanes que se decían médicos.

Discografía: Gospel, Blues And Streets Songs (1950), Vol. 1 Carolina Blues Man (1961), Vol. 2 Medicine Show Man (1961), The Blues Of Pink Anderson: Ballad And Folksinger Vol. 3 (1961).

15. LITTLE PINK ANDERSON Cantante, guitarrista (1954)

Nació en el Blues el 13 de julio de 1954 en Spartanburg, Carolina del Sur. Es hijo del legendario artista del Piedmont blues "Pink Anderson". Su carrera musical comenzó a la edad de tres con su padre en la época del Medicine Show, como un bailarín y cantando con él. Fue en este tiempo que le comenzó a enseñar a tocar la guitarra acústica.

Discografía: Carolina Bluesman (2002).



CARTELERA

Cultura Blues No.22 Marzo 2013

Documents

Transcript of Cultura Blues No.22 Marzo 2013