Cubismo Mono Final
-
Upload
jessica-nar -
Category
Documents
-
view
556 -
download
0
Transcript of Cubismo Mono Final
Cubismo, vanguardia artística del siglo XX
Introducción:
El cubismo surge en oposición al impresionismo, pero también es una manera de
reaccionar contra el fauvismo del que algunos cubistas procedían. Los cubistas
reprochaban a los pintores impresionistas su ingenuo y elemental positivismo y le
exigían una verdad científica superior. Al pintor impresionista le interesaba la luz y el
color con indiferencia, en muchos casos, de los objetos que reflejaban dicha luz, y
color. Criticaban, ante todo, la importancia que le daban a la apariencia de la cosa
más que el objeto mismo. Los cubistas querían representar objetos menos inestables,
la apariencia visual de una forma se sustituyó por lo que creían que era la calidad
misma de la forma.
En el contexto histórico:
“Nos hallamos en la época en que se difunden por Europa las teorías empírico-criticistas
y fenomenológicas. En Francia, Boutroux empieza a defender la interpretación
subjetivista de las leyes de la naturaleza y Bergson formula sus teorías sobre la duración
de la simultaneidad: así pues, el idealismo y el espiritualismo reaparecen como un serio
elemento de crítica a las concepciones macizas del positivismo.”(3)
El Cubismo, rompe nada menos que con la perspectiva, convención que había estado
vigente en la pintura desde hacía siglos. Por ello, puede afirmarse que desde la
creación de la perspectiva como medio pictórico, en la época del Renacimiento, no se
había dado otro hallazgo tan importante.
Se plantea el sentido de una dimensión que excluía la idea de la distancia, del vacío y
de la medida en proporción a esta. Se lleva a un espacio evocativo, no ilusionista como
se estaba acostumbrado a ver; los objetos podían explayarse y superponerse,
trastocando las reglas de la imitación y permitiendo al artista la nueva creación del
mundo según su criterio.
El cubismo es un movimiento esencialmente intelectual. Un arte formalista preocupado
por reinventar los valores pictóricos.
“El cubismo se diferencia de la antigua pintura porque no es arte de imitación, sino de
pensamiento que tiende a elevarse hasta la creación.” (1)
Los principales exponentes de este movimiento son Pablo Picasso y Georges Braque.
Estos pintores aliados en su manera de representar abren un nuevo panorama dentro
de la historia del arte del último siglo.
En la exposición colectiva del Salón de los Independientes de 1911 y a finales de ese año
en el Salón de Otoño, coincidieron algunos artistas con afinidades cubistas, entre ellos:
Henri Le Fauconnier, Francis Picabia, Frank Kupka, Auguste Herbin, Roger de La
Fresnaye, André Lhote, Jacques Villon,Louis Marcoussis, Marcel Duchamp, Albert Gleizes,
Jean Metzinger. Algunos de los pintores que se adscribieron al cubismo, de especial
talento, innovaron desde dentro de este estilo. Este es el caso de Juan Gris y también el de
Fernand Léger. Además de la adscripción de Robert Delaunay, que realiza una lectura
muy singular del cubismo y tiene importancia como artista teórico.
El nombre de este movimiento aparece cuando Henri Matisse al ver un cuadro en
1908, se sintió impresionado por las formas cúbicas de las casas y nombró al
movimiento como cubismo. Seguidamente el crítico Louis Vauxcelles escribió un
artículo dando a conocer este nuevo movimiento, a partir de las obras de Braque.
Las obras de los pintores cubistas están fuertemente influenciadas por las
composiciones del pintor Cézanne, considerado el padre del arte moderno, por su
marcada influencia en los artistas de esta vanguardia.
Una de las principales características de estos cuadros reside en las formas
geométricas y cúbicas.
El volumen y la estructura fueron las dos primeras preocupaciones de los cubistas.
Picasso y las Demoiselles d’Avignon
El cuadro las Demoiselles d’Avignon, marca decididamente el comienzo del
movimiento cubista. Picasso comenzó a trabajar en él hacia 1906 para terminarlo al
año siguiente.
“…parece que Picasso se dio cuenta de que las Demoiselles no sería una obra
cualquiera. Era el lienzo más grande con el que se había enfrentado…” (2)
En esta obra Picasso, expone los principales problemas que el cubismo deberá enfrentar.
En la forma diferente de representar volúmenes tridimensionales en una superficie
bidimensional revela una manera de crear sus propias leyes, dictando nuevos cánones
estéticos de belleza, destruyendo así, los ya conocidos y tradicionales conceptos de lo bello
y lo feo.
Influencias en Picasso para las Demoiselles:
“En primer lugar, el prototipo más cercano de este tipo de composición con mujeres desnudas
y parcialmente cubiertas por paños se encuentra en la obra de Cézanne; de hecho, la figura
en cuclillas de la esquina inferior derecha, con todo lo extraordinariamente deformada que
está, estaba originalmente basada en una figura de un pequeño Cézanne, propiedad de
Matisse.” (2)
Cézanne se había diferenciado de los anteriores pintores impresionistas, representando la
realidad de una manera más concreta, sólida y definitiva. Este artista había de proponer
otra manera de representar de cómo venían haciendo sus contemporáneos, dándole
importancia a las formas del dibujo y dejando de lado la obsesión impresionista del
momento y lo episódico. Sus dibujos estaban definidos a través del volumen de los objetos,
conseguidos por medio de la pintura y el color. Sus objetos parecían casi tangibles y esto
es la base de la marcada diferencia contra el estilo impresionista.
“…todavía más importante desde el punto de vista del desarrollo subsiguiente de Picasso
como artista es el hecho de que, mientras estaba trabajando en las Demoiselles, entrara en
contacto con la escultura africana.” (2)
El arte “primitivo” se encuentra de gran influencia en lo que fue el desarrollo del cubismo, ya
que es un arte inspirado en las formas conceptuales; las ideas que se tiene acerca del tema
a representar son mucho más importantes para el artista que la representación naturalista
del mismo. Esto lleva a la abstracción, a la estilización y a imágenes simbólicas.
“Darse cuenta de esto habría de estimular a los cubistas, en los años venideros, a crear un
arte que era más puramente abstracto que nada de lo que había precedido, y que al mismo
tiempo era un arte realista, que se ocupaba de la representación del mundo material que los
rodeaba” (2)
Las figuras de las Demoiselles están representadas desde varios puntos de vista (visión
simultánea), así algunas de las cabezas que miran al espectador tienen narices puestas de
perfil o si la cabeza mira hacia un costado, presenta un ojo de frente. Es la técnica de
síntesis óptica. En cuanto a la figura en cuclillas, considerada la más importante y
representativa de este cuadro:
“Picasso ha rajado o abierto el cuerpo a lo largo del eje central de la columna y ha retorcido
hacia arriba a la pierna y al brazo de más atrás para que queden sobre el plano de la pintura,
sugiriendo además una visión directamente posterior y anormalmente estirada o desplegada;
la cabeza, también, ha sido retorcida para que mire de frente al espectador” (2)
“Picasso estudia un objeto como un cirujano diseca un cadáver. “(1)
Este cuadro resume en cierta medida las características de todo el movimiento. Las
imágenes en discontinuidad y cortes abruptos expresan una manera diferente de
representar la realidad, se trata de una reinterpretación del mundo. No se trata de reflejar la
realidad misma, sino la idea de realidad que posee el artista.
“Las mujeres desnudas quedan inextricablemente envueltas en un fluir de formas o planos que
se inclinan hacia detrás y hacia delante de la superficie bidimensional, produciendo una
sensación muy parecida a la de una compleja escultura en bajorrelieve.” (2)
La perspectiva aparece fragmentada por los cuerpos trabajados en cuanto a sus
volúmenes, marcándolos en los contornos o atenuándolos en otros casos, incidiendo el uno
en el otro.
“La estriación negroide de las formas, que Picasso emplea para modelar el cuerpo, se ve
casada, casi imperceptiblemente, con una técnica cézannesca de rayados o pinceladas
paralelas más pequeñas, que van tanteando su camino por encima y en torno a los
volúmenes.” (2)
En todo el arte de Picasso y particularmente en las Demoiselles d’Avignon, las técnicas
empleadas heredadas y evolucionadas de Cézanne, Gauguin y/o Courbet, más su interés
por el arte negro, reflejan los conceptos fundamentales de todo el movimiento cubista; una
nueva manera de representar el espacio y la realidad a partir de los componentes
esencialmente pictóricos e intelectuales y el empeño de transmitir una multiplicidad de
información en cada objeto pintado.
Braque
“En el verano de 1908 Braque hizo un peregrinaje a L’Estanque, uno de los lugares de retiro
favoritos de cézanne, y allí realizó una serie de paisajes y naturalezas muertas; son las
pinturas que, cuando fueron expuestas más tarde en ese mismo año en la galería de
Kahnweiler, harían que el cubismo se ganara su nombre. En estas obras sacrificó el color y la
inmediatez de su anterior manera fauve para realizar un tipo de pintura más conceptual,
disciplinado y geométrico.” (2)
Estas obras son representaciones de objetos que toman las formas geométricas
simplificadas y en los paisajes particularmente, estas formas anulan la sensación de
profundidad con objetos superpuestos de diferentes tamaños todos en un mismo plano.
El concepto de Braque coincide con el del cubismo al priorizar la idea de puntos de vistas
variables llevados hacia un mismo plano, rechazando la perspectiva tradicional del punto de
vista único. Sus obras influenciadas en cuanto a los temas por el fauvismo (paisajes),y sus
naturalezas muertas, llevan la técnica de quebrar en algunos casos, los contornos de los
objetos; de esta manera el espacio en el que se encuentran se filtra entre ellos. Cuadros
que presentan naturalezas muertas, instrumentos musicales, copas abanicos y periódicos,
todos objetos de su experiencia cotidiana, que evocan una sensación táctil.
“Para Braque las zonas de espacio “vacío”, lo que se podría llamar “vacío renacentista”,
pasaron a ser importantes como los propios asuntos. En sus primeras pinturas cubistas, y
desde luego en toda su obra posterior, el propósito de Braque era adelantar ese espacio hacia
el espectador.” (2)
Este pintor-artista como ya se ha dicho, estuvo al igual que todos los cubistas, influenciado
fuertemente por la obra de Cézanne. La diferencia entre los cubistas y Cézanne reside en
que este último no parecía darse cuenta de las distorsiones pictóricas que aparecían tras
su visión; mientras que en el caso de Picasso y Braque, ellos eran plenamente consiente
de esto y de que habían roto con la antigua concepción del arte.
“Es significativo que, habiendo sido el color el centro y la base del arte y técnica de Cézanne,
los cubistas abandonaran hasta ahora el color y prefirieran una paleta casi monocroma; en el
caso de Picasso, porque el color le parecía secundario en relación con las propiedades
escultóricas de los asuntos que pintaba; en el de Braque, porque sentía que iba a “estorbar” a
las sensaciones espaciales que le tenían obsesionado.” (2)
Luego de 1914 (primera etapa del cubismo) Braque evoluciona y abandona en cierto modo
lo puramente geométrico para centrarse en las maneras más armónicas del cubismo.
Expresa un mundo poético apasionado por la naturaleza. Tenía un temperamento filosófico
que lo conduce a través de sus obras a una especulación abstracta rozando el misticismo.
“Amo la regla que corrige la emoción, amo la emoción que corrige la regla”. Es éste el axioma
estético que Braque anuncia y al que se adapta a partir de esos años.” (3)
Dos fases principales del arte cubista:
“Hace ya tiempo que los críticos distinguen entre dos fases principales del arte cubista; una
primera fase “analítica” y una subsiguiente fase “sintética”- distinción elaborada inicialmente en
el arte y los escritos de Juan Gris, el tercero del triunvirato de grandes pintores cubistas.” (2)
El cubismo sintético habría de ser tan importante para el desarrollo de la pintura de
posguerra como lo había sido el cubismo analítico para la pintura de preguerra.
Fase analítica
En este período las obras cubistas se encuentran fuertemente influenciadas por Cézanne y
el arte africano (en el caso de Picasso). Lo que conocemos por cubismo analítico afecta a
las obras de Braque y Picasso en el período comprendido entre 1909 y 1912, en procesos
de experimentación similares y simultáneos. Se subordinaba la realidad en favor de la
unidad estructural del cuadro. Esta fase se llamó también fase “hermética” ya que los
cuadros monocromos se hacían difíciles de descifrar.
La técnica del facetado fue uno de los recursos primordiales. El facetado, consiste en
presentar el espacio por facetas, esto es, a modo de visión fragmentada, por parcelas,
reunidas en el cuadro como en el fondo de un ojo facetado, nombre por el que se conoce el
aparato óptico de los insectos. A partir de aspectos de las cosas, según se presenten
desde distintos ángulos, se perfilaban los esquemas básicos.
El análisis implica la descomposición conceptual de una unidad, de un conjunto en sus
componentes, de un acontecimiento en sus diversos estadios o de un contenido de la
conciencia en sus distintivos.
La fase analítica del cubismo esta basada en estos conceptos, y se desarrolla a partir de
los objetos representándolos en sus formas múltiples y geométricas. La obra de Braque
sirve aún más para ejemplificar este período analítico.
“A los nuevos artistas-pintores se les han reprochado vivamente sus preocupaciones
geométricas.
Sin embargo, las figuras de la geometría son la base del dibujo. La geometría, ciencia que
tiene por objeto el espacio, su medida y sus relaciones, fue en todo tiempo la regla misma de
la pintura.”
“Pero se puede decir que la geometría es a las artes plásticas lo que la gramática es al arte
del escritor.” (1)
Es el estudio del espacio pictórico mismo, en contraposición del espacio real. Cerrando el
cuadro sobre sí mismo, dándole validez estética autónoma.
El cubismo analítico no muestra formas reconocibles fácilmente de lo representado, sus
cuadros son juegos que combinan las formas en una estructura típicamente cubista. Se
sigue la lógica propia del cuadro y al pasar los años estas obras se fueron haciendo
marcadamente más abstractas. También se le llamó a este período cubismo hermético, ya
que se hacía más difícil llegar a la descodificación de los elementos figurativos para
reconstruirlos mentalmente en los objetos que representaban.
Los artistas trataban de equilibrar la figuración y la abstracción.
“Sin duda es cierto que no sólo sus afirmaciones del momento, sino toda su obra subsiguiente,
que se sirvió de los descubrimientos del cubismo para crear un nuevo estilo a veces en alto
grado antinaturalista, pero siempre manifiestamente figurativo, confirmaron las intenciones
realistas del movimiento”. (2)
El tratamiento del color, en esta fase, es casi monocromo entre grises y ocres
generalmente. En este momento los colores no interesaban a los pintores ya que se
centraban en el estudio de las formas y el espacio.
Fase sintética.
Esta fase final del cubismo se desarrolló entre 1912 y 1914. Es el período de los collages y
los papier collé; los pintores comenzaron una nueva búsqueda dentro de sus
composiciones, Picasso inventa los collages, que se definen como la incorporación a la
superficie del cuadro de cualquier materia ajena a la pintura, y Braque creó el papier collé
que es una forma específica de collage, donde el material que se incorpora se basa en
papeles recortados en tiras que plegadas darían sensaciones táctiles distintas, o
fragmentos recortados con formas que interactúan con las otras formas de la pintura. Ya se
habían insertado las letras como signos de realidad, se incorporan ahora otros elementos
reales; se simulan vetas de mármol, la superficie de una chapa de madera y otras texturas.
“…el sello de correos, la tela encerada, trozos de tapicería, sobres y otros materiales
aplicados sobre el lienzo en medio de los otros colores son como la introducción de un
elemento desde mucho tiempo antes empapado de humanidad, que, por ello, enriquece el
cuadro con un nuevo pathos, creando el contraste entre verdad y artificio”, Apollinaire. (3)
Picasso usa papeles de pared como manteles, pedazos de periódico como violines,
mientras que Braque y Gris se mantienen fieles al material usándolos de manera análoga a
la realidad, por ejemplo un trozo de madera como una mesa o una guitarra.
Lo que permite al pintor estas técnicas es integrar al cuadro un pedacito de realidad, el
espectador al mirar un collage no se limita a contemplarlo únicamente, sino que lo
reconstruye en base a las pistas que se le han dado mediante estos trocitos de objetos
reales. Cuando lo que se adhiere a la pintura son trozos de madera, plástico, metales o
materiales tridimensionales, nos encontramos ante el ensamblaje (objetos encontrados que
mezclados entre sí crean un propio objeto nuevo), esta técnica fue usada a partir de este
momento durante varios movimientos que le siguieron principalmente en obras escultóricas.
“En la obra de Braque, subestructura abstracta y asunto superpuesto están fundidos uno con
otro y se interrelacionan, pero es posible imaginar a cada uno de ellos existiendo por
separado, aunque sea en una forma debilitada. En el cubismo sintético de Picasso los
elementos están fundidos entre sí para formar una representación única de la que son
inseparables.”. (2)
La técnica de Braque variaba en cuanto a la de Picasso. Braque comenzaba con las tiras
de papel sobre la pintura que al retirarlas éstas le sugerían un tema, al que él llegaba
dibujando sobre la superficie del cuadro y superponiendo papeles diversos.
Picasso, agrupaba formas abstractas para crear una imagen, su método era más directo.
La influencia del arte africano lo llevo a poner formas abstractas de una manera figurativa
por medio del ordenamiento simbólico y su interrelación; así emplea figuras planas de
formas y colores heterogéneos para construir cuerpos humanos u objetos cotidianos.
“…la manera en que Picasso utilizaría las nuevas técnicas y materiales iba a ser más
fantasiosa y atrevida que las de Braque y Gris; pues mientras en la obra de éstos los
fragmentos de collage se emplean de una manera lógica y en la mayoría de los casos realista,
Picasso se complace en utilizarlos de una manera paradójica, convirtiendo a una sustancia en
otra y extrayendo de las formas significados insospechados al combinarlas de nuevos modos.”
(2)
Los diferentes materiales dialogaban entre sí, y permitían a los cubistas resolver en cierta
medida el problema del color que les venía afectando desde la fase analítica, el collage y el
papier collé, liberaron al color de las convenciones del naturalismo. La forma y el color se
funden y aparecen colores más brillantes en algunos casos o más oscuros y elegantes en
otros.
Las técnicas variaron con la aparición de éstas nuevas formas, el proceso se invirtió; en la
época analítica el pintor comenzaba el cuadro a partir de una imagen real y abstraía esa
imagen a favor de los conceptos cubistas de espacio y forma. Ahora comenzaban con
objetos abstractos y llegaban a una figuración. Se transforma el proceso analítico en un
procedimiento sintético.
“Los collages y los lienzos con mucho relieve hechos por Picasso en los años 1913-1914 son
quizás los que ilustran mejor y más obviamente la obsesión de los cubistas por el “tableau-
objet”, es decir, por el concepto de la pintura en cuanto objeto o entidad fabricada, construida,
con una vida propia e independiente, que no repite o imita al mundo exterior, sino que lo
recrea de un modo independiente.” (2)
Son los cubistas los primeros que inventaron la noción de “cuadro-objeto”, un cuadro debía
tener lo absoluto y lo concreto de un auténtico objeto, debía vivir como un objeto
plásticamente definido, de indiscutible realidad, era una expresión de arte lo que buscaban
los cubistas, no una simple provocación como lo harían más adelante los dadaístas. El
cuadro-objeto, tendrá su propia independencia dejando de suscitar la idea de la
comparación de acuerdo con la verosimilitud.
Apollinaire realiza otras distinciones para caracterizar al cubismo y presenta cuatro
tendencias:
El cubismo científico es una de las tendencias puras. Es el arte de pintar composiciones
nuevas con elementos tomados, no de la realiad visual, sino de la realidad del
conocimiento. El aspecto geométrico que impresionó a quienes vieron la primeras telas
científicas deriva del hecho de que la realidad esencial se ofrecía en ellos con gran pureza
y se eliminaba totalmente el elemento visual y anecdótico. Pertenecen a esta tendecia:
Picasso, Braque, Metzinger, Gleizes, Laurencin y Juan Gris.
El cubismo físico, pintar composiciones con elementos extraídos en su mayor parte de la
realidad visual. Depende del cubismo en su disciplina constructiva. Su función social está
bien delineada, no es arte puro. En él se confunde el tema con las imágenes. Crea esta
tendencia Le Fauconnier.
El cubismo órfico realiza composiciones nuevas con elementos no tomados de la realidad
sino enteramente creados por el artista y dotados por él de una poderosa realidad. Ofrecen
el placer estético puro con un significado sublime, en su tema. Es arte puro. Las obras de
Picasso, Robert Delanuay lo inventa y tienden también Fernand Léger, Francis Picabia y
Marcel Duchamp.
El cubismo instintivo, cuadros inspirados no en la realidad sino en la sugerida al artista
por el instinto y la intuición, tiende al orfismo.(1)
La escultura cubista
La escultura plantea la estética de la pintura cubista llevada a las tres dimensiones, se
caracteriza por la intersección de planos y volúmenes en la descomposición de las formas.
Se pueden nombrar dentro de los escultores cubistas a Picasso, Cabeza, Mujer, Cabeza de
toro y a Braque, Mujer de pie. Se destacan también Alexander Archipenko, Torso negro,
Cabeza, Estatuas de hierro, Jacques Lipchitz, Marinero con guitarra, Raymond Duchamp-
Villon, Torso de hombre joven; entre otros.
Estas esculturas fueron directamente influenciadas por las técnicas del collage del cubismo
sintético, se empezó a construir a partir de materiales de desecho muy heterogéneos a
diferencia de la escultura como ya se conocía, donde los artistas elaboraban su objeto a
partir de un solo bloque de piedra, mármol, hierro, etc.
“Otro importante e influyente aspecto de la escultura cubista, la sustitución del espacio sólido
por el vacío y del vacío por el sólido, puede encontrarse no sólo en las construcciones de
Picasso, sino además en las pinturas contemporáneas de ambos artistas. Así Braque recorta
la silueta de una pipa de un pedazo de periódico, desecha lo recortado e incorpora el periódico
a la naturaleza muerta en modo tal que percibimos la presencia de la pipa por su ausencia.”(2)
Henri Laurens, experimentó la combinación de formas geométricas puras talladas en
madera, ensambladas y pintadas, El Clawn, también combinó la madera con el metal, su
mejor correlato pictórico se halla en los cuadros de Juan Gris, cuya elaborada sencillez le
es afín. Laurens colocó en tres dimensiones la pintura del cubismo sintético. Al aplicar el
color sobre los materiales fijaba las relaciones entre volúmenes y planos como en la
pintura, diferenciándolos y evitando que la iluminación alterara la mixtura de los
componentes. Traspuso después el efecto del papier collé, mezclando texturas en la
superficie de piedra. Había encontrado soluciones en los distintos ensamblajes de
materiales con volúmenes sólidos; La cabeza de 1917, Mujer con guitarra de 1918 son
algunos ejemplos dentro de su gran cantidad de obras.
Juan Gris
Es el tercer gran exponente del cubismo, su enfoque es muy independiente y
decididamente intelectual. Hasta 1910 se dedicó al dibujo humorístico y a la ilustración
gráfica. Hubo que esperar hasta 1912 para verlo emerger en el movimiento cubista. Su
pintura es más lineal y abstracta donde las formas y el espacio se ínter penetran y encajan.
“…se recompone el objeto para obtener una imagen que es más sistemáticamente analítica y
más literal que todas las que vemos en la obra de Picasso o de Braque. Gris nunca prescindió
del color en la medida en que lo hicieron aquellos, y la manera que tiene de emplearlo es una
vez más, más naturalista y descriptiva. No existe una fuente de luz única en sus pinturas, pero
dentro de áreas aisladas se sirve de la luz también de una manera naturalista para obtener
una sensación de relieve.” (2)
Gris trabajó sus cuadros de acuerdo con las teorías matemáticas de entonces. Al cambiar
de punto de vista los objetos se mostraban completamente diferentes. Una mesa podría
aparecer como un rectángulo perfecto al ser vista desde un plano cenital, por ejemplo, o un
vaso seria un círculo. Afirmaba pintar no partiendo de la realidad, sino de la idea.
Cuando Picasso y Braque ya trabajaban en un cubismo sintético, Gris seguía de una
manera analítica: empezando con una idea preconcebida del asunto desde una imagen
naturalista que luego abstraía y analizaba de acuerdo con los principios de la “visión
simultánea”.
Posteriormente le siguió su etapa sintética, con sus “dibujos matemáticos” que son el
estudio que preparaban sus obras; a partir de 1913, hay en ellos una marcada voluntad de
sistematizar el procedimiento cubista, desde allí él conseguía composiciones armoniosas
en términos puramente abstractos. Encuentra formulaciones esquemáticas muy personales
a base de planos traslúcidos superpuestos, en los que se funden las formas de los objetos
y el espacio circundante.
En 1912 expuso en el Salón de los Independientes con los pintores del cubismo y participó
en la Sección de Oro, que fue un importante eslabón para el movimiento cubista en su
conjunto.
Su tema predilecto será, el bodegón, asunto que encajaba perfectamente con el intimismo
arquitectónico de sus cuadros. Los modelos de Gris aparecen mucho más literales y
concretos que los de Braque o Picasso.
“Y la importancia que para él tenía el papier collé residía, en definitiva, en el hecho de que las
posibilidades de abstracción que ofrecía el medio fortalecían su afán de un arte de mayor
perfectibilidad formal.” (2)
Su característica más distintiva está en el uso del color, esto lo acerca a sus
contemporáneos Léger y Delaunay, los colores puros y preparados adquirían esplendor.
Emplea el color de una manera naturalista y descriptiva, no existe una fuente de luz única,
sino áreas de luz para obtener una sensación de relieve.
"Así la estética que es la materia y la técnica que es el número. El tono y el color pertenecen a
la técnica, el color local a la estética. No es una materia la que debe hacerse color, sino un
color el que debe convertirse en materia. El estilo no es más que el perfecto equilibrio entre la
estética y la técnica". (4)
Gris fue formulando sus ideas en una serie de ensayos intentando explicar las
preocupaciones del cubismo durante las últimas fases del movimiento. Exponía:
“En primer lugar estaba la “arquitectura”, es decir, la composición o subestructura abstracta de
la pintura, concebida a base de formas coloreadas planas…Esa “arquitectura coloreada plana”
era el medio. El fin, por otra parte, era el aspecto representacional del lienzo o su asunto, éste
venía sugerido por la propia arquitectura coloreada y plana, pero en otras ocasiones podía
superponerse a ella.” (2)
Opinaba que al convertirse las formas abstractas en objetos se hacían concretas y
poderosas, el asunto era importante y éste modificaba a la subestructura abstracta, que
estaba calculada con más frialdad.
“Pero mientras que el cubismo de Picasso y de Braque, a pesar de su alto contenido
intelectual y su posterior sofisticación, siguió siendo fiel a las doctrinas del instinto y la intuición
características de principios del siglo XX, moderadas por un sentido de disciplina de raíz
mediterránea, el enfoque intelectual que Gris da a los problemas formales emparenta a su
cubismo sintético con la obra de artistas como Mondrian, Malevich y Lissitzky, con su creencia
platónica en la perfectibilidad de la forma.” (2)
Hacia 1915, recrea los objetos de sus cuadros de una manera más libre y menos literal, son
productos de su mente y no versiones de objetos concretos. Metzinger, Gleizes y Herbin
fueron influenciados por Gris, también Laurens y Lipchitz buscaron en él una guía para
desarrollar sus esculturas.
"Yo trabajo con los elementos del espíritu, con la imaginación, trato de concretar lo que es
abstracto, voy de lo general a lo particular, lo cual quiere decir que parto de una abstracción
para llegar a un hecho real. Mi arte es un arte de síntesis, un arte deductivo.”(4)
Conclusión
“Los procedimientos de composición del cubismo analítico sugerían un nuevo modo de
organizar o articular la superficie del cuadro. Y antes de que estallase la guerra en 1914 ese
aspecto del cubismo había influido directa e indirectamente en casi todos los jóvenes artistas
notables que trabajaban en Europa.” (2)
Léger, por su parte, mezcló la influencia cubista con el estilo que surgía entonces en Italia,
el futurismo. Las formas cubistas con la velocidad y el movimiento de los futuristas.
Los artistas Jaques Villon y Marcel Duchamp también ofrecieron un arte entre futurista y
cubista, al mismo tiempo que Duchamp comenzó a mostrar su lado protodadá para pronto
rechazar estas influencias y crear su propia mitología personal de un marcado sesgo
intelectual.
La evolución de Picasso fue agitada y diversa, desde su intelectual manera en el cubismo
analítico hasta las obras más alegres y coloreadas tan llamativamente decorativas;
volviendo nuevamente a un estilo más sencillo y monumental. Hacia 1920 se fundieron
estas dos corrientes arquitectónicas y decorativas, para producir por ejemplo los Tres
músicos. Sus logros no acabaron a lo largo de su vida, se puede considerar a la serie de
bodegones delante de ventanas como un arte neoclásico claramente cubista, realizado en
1924.
Braque evolucionó de manera diferente a su compañero Picasso, una de sus obras de
posguerra, innovan en sus formas verticales de naturalezas muertas sobre mesas que
dejan ver toda su longitud, los Guéridons. A lo largo de 1920 la obra de Braque se fue
haciendo tan personal que no se puede encajar en ninguna categoría estilística rígida.
El año 1925 marca el fin de la época cubista. Es cuando Picasso pinta sus Tres bailarinas
que lo transporta hacia el surrealismo.
“…el cubismo fue un arte de experimentación…creando sin miedo un nuevo género de
realidad. Había desarrollado un tipo de figuración completamente original y antinaturalista, que
al mismo tiempo había dejado al descubierto los mecanismos de la creación pictórica, y en
ese proceso había avanzado mucho hacia la destrucción de las barreras artificiales que
separaban a la abstracción de la representación.” (2)
El movimiento cubista parte del concepto fundamental basado en el deseo de representar
la realidad de una manera completamente diferente a como se venía haciendo en la historia
de la pintura. Sus metas eran claras: romper con las tradiciones del arte. Construir una
nueva perspectiva que no intente imitar a la visión humana del cuadro observado como
desde una ventana. Los espacios se confunden a favor de los objetos que se quiere
representar. Por medio de las técnicas ya comentadas, estos ideales se desarrollaron a lo
largo de los dos períodos o las cuatro tendencias. Los aportes del cubismo marcaron un
antes y un después en la historia del arte, los movimientos contemporáneos a este
siguieron desarrollando sus postulados agregándoles otros estudios de las formas.
“Creo que la moderna escuela de pintura es la más audaz que haya existido. Ha planteado el
problema de la belleza en sí. Quiere imaginarse lo bello liberado del placer que el hombre
procura al hombre, y desde el comienzo de los tiempos históricos ningún artista europeo se
había atrevido a ello.” (1)
Bibliografía:
1) Las vanguardias artísticas del siglo XX, Mario De Micheli (manifiestos), La pintura cubista,
Apollinaire.
2) Conceptos de arte moderno, compilación de Nikos Stangos, Cubismo, John Golding.
3) Las vanguardias artísticas del siglo XX, Mario De Micheli, Capitulo 7, La lección cubista.
4) Internet: www.artehistoria.es
Monografía:
Cubismo, aspectos formales y técnicos
Materia: Historia del arte
Escuela de cine, video y T.V. U.N.T.
Alumna: Jessica Naranjo
Julio, 2010.