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COMPENDIO DE

HISTORIA DEL ARTE

APRECIACIÓN DE LAS ARTES PLÁSTICAS

Equipo de docentes de Actividad Formativa III

Trujillo – Perú

2011

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EL ARTE, DEFINICIÓN E IMPORTANCIA

El término arte procede del término latino “ars”. En la antigüedad se consideró el arte como la pericia y habilidad en la producción de algo. Es hasta finales del siglo XV, durante el Renacimiento italiano, cuando por primera vez se hace la distinción entre el artesano y el artista (artesanía y bellas artes) y, equivalentemente, entre artesano (productor de obras múltiples), y artista (productor de obras únicas). Es también en este período cuando quedan clasificadas las artes liberales (bellas artes) en tres oficios: escultores, pintores y arquitectos.

A finales del siglo XVIII, y sobre todo, a mediados del XIX (primera industrialización), aparece una

verdadera oposición entre el producto artístico (trabajo global con carácter exclusivo) y el industrial (trabajo parcelado y producido en serie). En este período se dio un notable incremento de las colecciones privadas, se crearon las primeras academias de arte (sin acceso para las mujeres hasta principios del siglo XX), surgió la idea de patrimonio, con la aparición de los primeros museos, y de los 'especialistas' como críticos, galeristas y coleccionistas. Es a partir de 1920 cuando por primera vez se hace distinción entre las "bellas artes" y las "artes nobles".

Según principios estéticos, el concepto de Arte va asociado al concepto de Obra de arte, que no es otra cosa que el producto o mensaje considerado primariamente en función de su forma o estructura sensible (estética). Por otro lado se considera el Arte como acto o la facultad mediante la cual el hombre imita o expresa y crea copiando o fantaseando, aquello que es material o inmaterial, haciendo uso de la materia, la imagen, el sonido, la expresión corporal, etc., o, simplemente, incitando la imaginación de los demás. En este sentido, un arte es una expresión de la actividad humana mediante la cual se manifiesta una visión personal sobre lo real o imaginado.

Sin duda frente al término “Arte” se encuentran diversas acepciones así se considera al arte como una actividad de la inteligencia por la que se expresa la creatividad mediante signos o acciones para intentar una comunicación de múltiples niveles, no sometida a reglas concretas; multiplicidad y carencia de reglas que impide afirmar si un suceso o acción es o no artístico y, el arte como una actividad humana específica, para la que se recurre a ciertas facultades sensoriales, estéticas e intelectuales.

Ha sido común analizar el arte como un fenómeno cuya inteligibilidad está dada únicamente por el estudio de sus elementos formales. Esta posición generó diversas teorías que consideran al arte como algo cerrado en sí mismo, desvinculado de sus orígenes como de sus intenciones. Arte por el arte, arte desinteresado, juicios solamente estéticos, estructura del arte, son algunos de los enunciados que ocasionalmente definieron al

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fenómeno “Arte”. Frente a ello, una corriente más reciente piensa que el contexto social y psicológico en que se desenvuelve el arte es esencial para comprenderlo. Origina una sociología y una psicología del arte que estudian esos factores sin descuidar lo formal.

A. Hauser fue un iniciador de una corriente que se encarga de analizar el arte ligado a la evolución histórica de la producción artística en la que se funden sus aspectos formales, psicológicos y sociales. Aplicando una sociología del arte, incluye en sus estudios al público de arte y los intermediarios entre éste y el artista. Acepta la noción formal de estilo, sugiriendo que el motor de su evolución se encuentra en lo social, en las interacciones y en los cambios de las capas sociales que gustan del arte. Al mismo tiempo, sostiene que la única manera en que los factores sociales pueden incidir en lo formal, es a través de su paso por el psiquismo de público y artistas. Lo psicológico media lo social y lo formal (elementos compositivos presentes en la obra, como abstracción, imagen manifiesta, contenido simbólico, equilibrios formales, géneros, etc).

L. Tolstoi frente al concepto de Arte y sus interpretaciones románticas, asume una postura

crítica y sus reflexiones comienzan por expresar igualmente una crítica a la sociedad

europea, tratando de derrumbar supuestos mitos que intentaron dar una definición positiva

de lo que es el arte. "El arte igual a belleza" o "arte igual a placer" son ecuaciones que no le

satisfacen. Tolstoi relaciona el arte con una visión subjetiva. Pero no habla de la subjetividad

que nos produce placer, sino de aquella que nos comunica emociones.

Si se define el arte por el placer que produce en el hombre determinada obra, se llegaría a

una definición inexacta; es como el alimento, ilustra Tolstoi, no todo lo que comemos nos

gusta, no todo lo que nos gusta es bueno, por lo tanto, no todo lo que no nos gusta deja por

ello de ser arte.

El arte supone una comunicación de tipo intuitivo: ver más allá de lo que aparece; es algo

así como la función perceptiva y sugerente del símbolo religioso. El hombre es capaz de

percibir y experimentar todas las emociones humanas, pero sólo unas cuantas de ellas

puede trasmitir a otros. Es allí, cuando lo subjetivo se objetiva en el "objeto" comunicativo,

como un vehículo ideal y, desde allí, penetra en el alma del receptor que contempla una

obra que él llama "de arte". A este objeto en sí lo llamamos "obra de arte". No sólo por

estar cargado de las emociones del autor, sino por comunicar las mismas al espectador de la

obra.

Podemos decir, que para Tolstoi, hay arte en la naturaleza, en la sonrisa de un niño, en una

palabra expresada en el instante adecuado, en el sonido de la música, en toda faceta de la

existencia humana, pero siempre y cuando éstas se reflejen en el espíritu sensible.

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Arte y estética

Según Arnold Hauser, las «obras de arte son provocaciones con las cuales polemizamos». Las interpretamos de acuerdo con nuestras propias finalidades y aspiraciones, les trasladamos un sentido cuyo origen está en nuestras formas de vida y hábitos mentales.

Hoy día, el arte ha establecido un conjunto de relaciones que permiten englobar dentro de una sola interacción la obra de arte, el artista o creador y el público receptor o destinatario. Hegel, intentó definir la trascendencia de esta relación diciendo que : «la belleza artística es más elevada que la belleza de la naturaleza, ya que cambia las formas ilusorias de este mundo imperfecto, donde la verdad se esconde tras las falsas apariencias para alcanzar una verdad más elevada creada por el espíritu».

El arte se transforma así en la prolongación de la acción, ya que no trata de imitar o reproducir, sino que traduce una realidad “metasensible” para poner lo espiritual en la experiencia cotidiana.

El arte es también un juego con las apariencias sensibles, los colores, las formas, los volúmenes, los sonidos, etc. Es un juego gratuito donde se crea de la nada o de poco más que la nada una apariencia que no pretende otra cosa que engañarnos. Es un juego placentero que satisface nuestras necesidades eternas de simetría, de ritmo o de sorpresa.

Para Ernst Gombrich, «El arte, en realidad no existe. Únicamente hay artistas.». además nos dice que no tiene nada de malo que nos deleitemos en el cuadro de un paisaje porque nos recuerda nuestra casa o en un retrato porque nos recuerda un amigo, ya que como hombres que somos, cuando miramos una obra de arte estamos sometidos a un conjunto de recuerdos que para bien o para mal influyen sobre nuestros gustos. Siguiendo las ideas de Gombrich, vemos como a los artistas también les sucede algo parecido : en el retrato de su hijo Nicolás, el gran pintor flamenco Rubens, lo representó hermoso ya que seguramente se sentía orgulloso del aspecto del niño y nos quiso transmitir su pasión de padre a la vez que artista; en el retrato de su madre, el gran pintor alemán Durero, la dibujó con la misma devoción y amor que Rubens sentía por su hijo, pero aquí vemos un estudio fiel de la cara de una mujer vieja, no hay belleza natural, sin embargo Durero, con su enorme sinceridad, creó una gran obra de arte.

El fenómeno que llamamos arte es, desde luego, exclusivamente humano: sólo el hombre tiene conciencia de la emoción del arte, así como sólo el hombre tiene conciencia de la muerte. En todo fenómeno artístico encontramos la presencia de tres elementos: el creador, la obra y el contemplador. El creador está dotado de potencia, pero además, de la voluntad de crear la obra de arte, en la cual prolonga su espíritu. La obra es el vínculo que ata al creador con el mundo externo. El contemplador está dotado de una potencia o capacidad que le permite apreciar, juzgar, criticar, pero sobre todo sentir la emoción del arte. Sólo cuando estos tres factores existen y se contemplan, puede decirse con toda propiedad que se ha verificado íntegramente el fenómeno que llamamos arte.

El arte es un fenómeno social. Como todos los hombres poseen un mayor o menor poder de arte, y como la emoción produce este fenómeno, conmueve profundamente al sentimiento

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humano. Cada grupo social y cada época posee sus artistas propios, quienes han creado una historia de la humanidad expresada en idioma artístico.

El arte nos enseña a apreciar el mundo, nos invita a contemplar las obras de los artistas que tradujeron en ellas las emociones de su época. A través de la abundancia de obras de arte realizadas y la calidad tan elevada de algunas, nos damos cuenta de cómo el arte trasmite el carácter de la humanidad en cada época histórica por la que atraviesa, y del grado de cultura que en muchas etapas de las mismas ha alcanzado. A veces, el declive del arte coincide con las grandes crisis de la humanidad: los períodos de guerras, de epidemias, de desgracias, etc., que son desfavorables para el desarrollo del mismo. Sin embargo, en variadas ocasiones, estas desgracias conmueven al artista y despiertan en él emociones de insospechado vigor; en las dificultades su personalidad parece enaltecerse, y es así como en su tela o en el mármol, manifiesta sus visiones terroríficas o grandiosas de lo que capta su espíritu. La triste experiencia humana queda entonces plasmada en las obras de los artistas. Es por esta razón que existen períodos en los que el arte florece más rico y exuberante que en otros períodos de la historia.

Teorías sobre la función del arte

El arte como enseñanza moral: La concepción moralista se basa en el que el arte ha de estar al servicio de la moralidad, y se llega a considerar incluso que debe ser rechazado todo arte que no promueva valores morales que se consideren aceptables. El moralismo en el arte se remonta a Platón (siglo IV a.C), para quien las tres ideas fundamentales a las que debe aspirar el ser humano son las de Belleza, Bondad y Justicia, habiendo entre ellas una íntima relación. Aristóteles de Estagira desarrolló este concepto, defendiendo que el arte debía presentar al hombre y al mundo "como podría ser y debería ser". En la actualidad sigue viva la polémica sobre los efectos morales del arte y sobre la legitimidad o no de censurar el arte basándose en criterios morales y no estéticos.

El arte por el arte: El arte tiene su sentido y finalidad en sí mismo. Según esta teoría, el artista es alguien dotado de unas extraordinarias cualidades creativas y su principal obligación es perfeccionar su obra. Esta teoría fue defendida por algunos románticos alemanes de siglo XIX.

El arte como fuerza social: Es opuesta a la anterior. El artista tiene una gran responsabilidad social y ha de estar "comprometido" con su tiempo. Esta teoría fue defendida por los socialistas franceses del siglo XIX, y pronto se extendió a otros países. En la URSS y en todo el bloque socialista se creó la escuela oficial de arte de estos países, llamada realismo socialista.

El arte como destino de comunicación: La obra de arte es el medio del que se vale el artista para transmitir sentimientos y emociones al espectador, y tiene como fundamento la capacidad que poseen las personas para experimentar como propios los sentimientos ajenos. Así, por ejemplo, nos compadecemos del dolor de alguien que ha sufrido una desgracia, y una obra de arte puede rememorarnos dicho duelo.

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El arte como constructo cultural: Mirando con mayor perspectiva las apasionadas declaraciones post-románticas y modernas sobre la naturaleza del arte, algunos pensadores se han alejado de la consideración del arte como parte consubstancial del espíritu humano y lo han interpretado como una invención cultural. Quizás el representante más conocido de estas tendencias sea George Dickie, con su "teoría institucional del arte". También destaca Larry Shiner con su libro La invención del arte.

Como vemos a la pregunta: ¿Qué es el arte? Se dan respuestas múltiples, sacadas de

diversas obras de estética. Todas estas contestaciones o casi todas, están de acuerdo

para proclamar que el fin del arte es la belleza, que ésta se conoce por el placer que

produce, y que el placer, a su vez, es una cosa importante por el solo hecho de ser un

placer. Por extraño que pueda parecer, a pesar de las montañas de libros escritos

acerca del arte, no se ha dado de éste ninguna definición verdadera. Estriba la razón

de esto en que siempre se ha fundado la concepción del arte sobre la de la belleza.

Arte existe en un hombre, si habiendo

experimentado miedo o deseo, en realidad o

imaginariamente, expone sus sentimientos en

la tela o en el mármol, de modo que hace que

otros experimenten esos sentimientos. Arte

hay si un hombre luego de sentir o creer

sentir alegrías, tristeza, desesperación, valor

o abatimiento...expresa todo eso por medio

de sonidos que permitan a otros sentir lo que

él sintió.

Los sentimientos que el artista comunica a otros pueden ser de distinta especie,

fuertes o débiles, importantes o insignificantes, buenos o malos; pueden ser de

patriotismo, de resignación, de piedad; pueden expresarse por medio de un drama, de

una novela, de una pintura, de un baile, de un paisaje, de una fábula. Toda obra que

los exprese así, es obra de arte. Desde que los espectadores o los oyentes

experimentan los sentimientos que el autor expresa, hay obra de arte.

Evocar en sí mismo un sentimiento experimentado y comunicado a otros por medio de

líneas, colores, imágenes verbales, tal es el objeto propio del arte. Esta es una forma

de la actividad humana que consiste en trasmitir a otro los sentimientos de un

hombre, consiente y voluntariamente por medio de ciertos signos exteriores.

Si no tuviéramos la capacidad de conocer los pensamientos concebidos por los

hombres que nos precedieron y de trasmitir a otros nuestros propios pensamientos,

seríamos como animales salvajes. Si no tuviéramos la capacidad de conmovernos con

los sentimientos ajenos por medio del arte, seríamos casi más salvajes aún, estaríamos

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separados uno de otro, nos mostraríamos hostiles a nuestros semejantes. De ahí

resulta que el arte es una cosa de las más importante, tan importante como el mismo

lenguaje.

Respecto a las Bellas Artes y su clasificación

Charles Batteaux (1474) fue el inventor del término "bellas artes", que aplicó originalmente a la danza, la floricultura, la escultura, la música, la pintura y la poesía, añadiendo posteriormente la arquitectura y la elocuencia. Posteriormente, la lista sufriría cambios según los distintos autores que añadirían o quitarían artes a esta lista. Ricciotto Canudo, el primer teórico del cine, fue el primero en calificar al cine como el séptimo arte en 1911.

Las bellas artes pueden clasificarse de diversas maneras; pero la naturaleza del medio en que se crean tal vez sea el criterio más seguro. Las artes auditivas incluyen todas las artes del sonido que, para todas las finalidades prácticas, utiliza la música. La música consta de tonos musicales -es decir, sonidos de un tono determinado- junto con silencios, presentados en un orden temporalmente sucesivo.

Las artes visuales incluyen todas aquellas artes que constan, fenomenalmente, de percepciones visuales. Su reclamo se dirige de forma primaria a la vista, aunque no exclusivamente, porque algunas pueden también estimular el sentido del tacto. Las artes visuales incluyen gran variedad de géneros: pintura, escultura, arquitectura, y virtualmente todas las artes útiles.

La literatura es mucho más difícil de clasificar. Indudablemente, no es un arte visual: de hecho, un poema no necesita ser escrito. Tampoco es un arte auditivo. Ocurre a menudo que el efecto de un poema aumenta cuando es leído en voz alta, pero su valor no disminuye cuando no es leído así, ni precisa ser leído en voz alta para actuar como poema. Si la literatura fuese un arte auditivo, pertenecería al arte de la música; y para un auditorio entendido, el placer de la poesía difícilmente puede compararse con el de las composiciones musicales.

La literatura ha sido llamada arte simbólico; el carácter distintivo de su medio se debe al hecho de que todos sus elementos son palabras, y las palabras no son meros ruidos o trazos de pluma, sino ruidos con significados que han de conocerse para poder entender o valorar el poema.

Las artes mixtas incluyen todas aquellas artes que combinan uno o más de los medios anteriores. Así, la ópera incluye música, palabras e imágenes visuales, aunque con predominio de la música. Las representaciones teatrales combinan el arte literario con la habilidad escénica y las imágenes visuales. En la danza predomina generalmente lo visual, mientras que la música sirve de acompañamiento. En el cine están presentes todos los elementos.

El tipo de trabajo que cada arte puede realizar depende primariamente de la naturaleza del medio. Así, las artes visuales en general son artes del espacio, y pueden

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reproducir el aspecto visual o «apariencia» de los objetos mucho mejor que cualquier descripción. Por otra parte, no pueden representar el movimiento, o la sucesión de actos en el tiempo; esto puede hacerlo la literatura, donde el orden de los elementos en el medio es temporalmente secuencial. En una obra pictórica nuestra atención es secuencial porque podemos concentrarnos ahora en una parte y después en otra. Sin embargo, el cuadro entero se halla ante nosotros todo el tiempo, y no se nos impone ningún orden para contemplarlo. El efecto de la contemplación de una escultura depende a menudo de la dirección que sigamos al movernos en torno a ella; y al no poder contemplar todo el objeto tridimensional de una vez, el aspecto temporal es más importante que en la pintura. La música está inseparablemente vinculada al orden temporal de los tonos, como la literatura al orden temporal de las palabras; no podemos invertir el orden de dos tonos en una melodía, y tampoco el de dos palabras en una frase.

Aunque las artes mixtas combinan más de un tipo de medios, poseen funciones distintivas que no se repiten en las otras artes. El cine tiene una enorme ventaja con su medio, porque puede reproducir relaciones espaciales y secuencias temporales de los hechos al mismo tiempo.

El teatro puede hacer otro tanto. Sin embargo, lo que es adecuado para el medio teatral puede no serlo para el medio cinematográfico. Una excelente representación teatral, si se traslada directamente a la pantalla, resultará de ordinario una película mediocre; la principal ventaja del teatro -su contacto vivo con actores vivos- se pierde por completo en el medio más impersonal del cine, que puede, sin embargo, subsanar esta desventaja con innumerables recursos no accesibles para el teatro.

Una mirada panorámica sobre el desarrollo histórico de la clasificación de las artes que

se establece en la cultura occidental, permite apreciar que ciertos principios y

categorías se repiten a través del tiempo, incluso manteniendo su vigencia hasta el día

de hoy. Uno de estos elementos es la valoración superlativa que se les da a las artes

que se asocian con el intelecto, mientras que las artes más ligadas al trabajo manual y

a la dimensión artesanal han sido continuamente relegadas a un espacio de despectiva

valoración académica, profesional y social, incluso hasta el día de hoy.

Ya en la Antigüedad, los Sofistas clasificaban las artes en útiles y agradables. Las

primeras correspondían a aquellas prácticas que servían para satisfacer necesidades

concretas, como el barbero, el zapatero, los arquitectos, etc., mientras que las

segundas eran consideradas más elevadas, espirituales y se asociaban a la creación de

bienes no necesarios y de mayor complejidad intelectual como la pintura, la escultura,

la geometría, la música, la lógica y el derecho. También Galeno (Grecia hacia el 120 y

200 a.C.) realiza una importante clasificación de las artes que tendrían una gran

perduración en el tiempo. Define a las artes como serviles (o vulgares) y liberales. Las

artes serviles eran realizadas por los esclavos griegos e implicaban un activo trabajo

físico y manual para realizar las prácticas que hoy consideramos simplemente como

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oficios. Por su parte, las artes liberales suponían un mayor uso del intelecto por sobre

la mera fuerza, y podían ser realizados por los hombres libres. Geometría y astronomía

serían dos ejemplos de esta segunda clasificación. Durante la Ilustración, el teórico

Charles Batteaux clasifica a las artes en Bellas Artes (o de deleite), y Artes Mecánicas

(o de utilidad). Entre las primeras se encontraban la pintura, la escultura, la poesía, la

música y la danza; mientras que entre las segundas se encontraban la vivienda,

retórica, herramientas, medicina, agricultura y "venatio" (caza). De más está decir que

la posición social y el reconocimiento colectivo también dependía de la práctica que al

artista realizara, siendo mucho más importante para la comunidad (y mejor

remunerada) las Bellas Artes que las Artes Menores. O sea el intelecto es más

importante y elevado que el acto físico.

Esta actitud que jerarquiza las facultades humanas en vez de integrarlas

empáticamente, es sostenida durante la modernidad. Mucha de la institucionalidad

cultural es estructurada sobre esta concepción, como por ejemplo en la constitución

de las academias de artes cuya rígida reglamentación y formato político entronizan

esta postura. Si bien es cierto que durante el S. XX las innovaciones y diversas crisis de

sentido tienden a disminuir esta situación, muchos de estos prejuicios se mantienen

vigentes hasta el día de hoy, en donde en muchas escuelas de arte e incluso en la

concepción del público general, artes como la pintura y la escultura son mucho más

importantes y complejas que "artes menores" como la orfebrería, la cerámica e incluso

el grabado, reiterando el reconocimiento y valoración social moderna.

Clasificación de las artes

Las bellas artes se han clasificado siguiente diferentes criterios, hay infinidad de

clasificaciones. Atendiendo al sentido con que son percibidas se les divide en artes del

oído (música y poesía), artes de la vista (arquitectura, pintura, escultura y dibujo) y artes

mixtas (danza, teatro y ópera). Atendiendo al grado de imitación que hagan de la

naturaleza se ha pensado que son: esencialmente creadoras (arquitectura, música y

poesía), esencialmente imitadoras (escultura y pintura), y artes que participan del afán

creador y del imitador (danza, teatro y opera).

Otra clasificación se basa en el material con que se lleva a cabo la expresión: espirituales,

que tienen un material espiritual inmaterial (música y literatura); y materiales, que

tienen un material palpable (pintura, escultura y arquitectura). Se les ha clasificado en

artes del sonido (música, artes del lenguaje (literatura) y artes del dibujo (pintura,

escultura y arquitectura). Existe otra división: artes musicales (música, canto y ópera),

artes plásticas (arquitectura, pintura y escultura), literarias (poesía) y complejas (danza,

drama, comedia, cine...). Esta última división está muy difundida.

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No se puede pasar por alto la clasificación de Challayè que por una parte considera la

usual distinción entre las bellas artes que aspiran a crear objetos cuya única finalidad es

satisfacer la necesidad de belleza que siente el alma humana y por otra, las artes

industriales que producen objetos útiles a los que se les dota así mismo de cierta

armonía para que resulten agradable.

Las artes fonéticas hablan al espíritu por medio del oído, sus obras se deslizan en el tiempo, su principio es la sucesión, son artes más espirituales y subjetivas, en ellas la belleza parece interior, son: música, arte que crea la belleza por medio del sonido, y literatura, que la crea en virtud de la palabra en poesía o en prosa. Las artes del movimiento son las que se realizan simultáneamente en el tiempo y en el espacio, llegan al espíritu como las plásticas, pero sus creaciones se desarrollan en el tiempo como las fonéticas; las artes del movimiento comprenden la danza y el ballet, que son la creación de belleza precisamente por el movimiento. Las artes del gesto aspiran a crear belleza por medio de la expresión y los movimientos, se comprenden dentro de éstas: el teatro en todas sus variantes (tragedia, drama y comedia) y el cine, que es el arte que tiende a provocar emociones gracias a una sucesión de imágenes proyectadas en la pantalla.

CLASIFICACIÓN DE LAS ARTES A TRAVES DE LA HISTORIA

En las siguientes líneas citaremos algunas clasificaciones de las artes generadas en distintos momentos de la historia de la cultura. En esta línea veremos lo que se pensó en la Antigüedad clásica, en la Edad Media, en el Renacimiento y en la Ilustración, para concluir con algunas de las propuestas elaboradas durante el siglo XIX y el XX.

EN LA ANTIGÜEDAD CLÁSICA

1. Atendiendo a los objetivos de las artes, los sofistas las clasificaron en "útiles" y "agradables". Las primeras estaban orientadas a cubrir necesidades (barberos, arquitectos, pintores, zapateros, etc.). Las segundas pretendían generar bienes agradables no necesarios (pintura, escultura, música, oratoria, geometría, lógica, derecho).

2. Platón y Aristóteles clasifican las artes según su vinculación con la realidad. Así tenemos "artes materiales", que utilizan instrumentos para medir, como es el caso de la arquitectura, y "artes espirituales", que buscan la formación del hombre y suponen el manejo de conceptos tales como la proporción y la simetría. Por otra parte, la vinculación del arte con lo material se expresa en otra clasificación. Es el caso de las "artes pro-ductivas" (arquitectura) y las "artes imitativas" (pintura).

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3. Galeno maneja como criterio clasificatorio el esfuerzo físico que la realización de un determinado arte demanda. Las "artes serviles" (o vulgares) eran desempeñadas por esclavos y tenían relación con lo que hoy conocemos como "oficios" (barbería, zapatería, etc.). Las "artes liberales" eran realizadas por los hombres libres y suponía el uso del intelecto por encima de la fuerza física (geometría, astronomía). A esta clasificación Séneca agrega otra: las artes destinadas a la "instrucción" ("pueriles") y las destinadas a la "diversión" ("ludicrae").

4. Quintiliano (S. I d.C.) dividió las artes en tres grupos según cuál fuera el producto buscado. El esquema siguiente da cuenta de esta postura:

Inspectio Artes Teoréticas (pensamiento): Astronomía

Actus Prácticas(acción): Danza

Effectus Ars Poiética (resultado): Pintura

5. Cicerón basa su clasificación en los "valores" de las artes. El esquema que él propone es el siguiente:

Artes Superiores: Política, milicia

Artes Mediocres Filosofía, poesía, oratoria

Artes Menores: Escultura, pintura, música, teatro, atletismo

6. Plotino, filósofo neoplatónico, clasifica las artes según su "grado de espiritualización":

Artes que producen objeto físicos: Arquitectura

Artes que ayudan a la naturaleza: Medicina, agricultura

Artes que imitan a la naturaleza: Pintura

Artes que mejoran la acción humana: Retórica, política

Artes puramente intelectuales: Geometría

Todos los intentos de clasificación arriba señalados constituyen una muestra del interés desplegado en la Antigüedad por resolver el problema de la naturaleza del arte. Cada clasificación supone dejar al descubierto algún ángulo oscuro de la realidad del arte, sin lograr nunca clarificar por completo su misterio.

EN LA EDAD MEDIA

Heredera de las teorías elaboradas en la Antigüedad, la Edad Media buscó funda-mentalmente dos cosas: definir el arte desde una perspectiva filosófica y clasificar las artes de acuerdo a un criterio más refinado.

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Concepción de arte

De las variadas definiciones de arte que se dieron a lo largo de la Edad Media, recordemos algunas de las más importantes:

"Recto ordenamiento de la razón" (Santo Tomás). "Recta idea de aquello que ha de producirse" (Scoto). "Habilidad de producir basándose en principios verdaderos" (Scoto). "Conocimiento que consiste en reglas y reglamentos" (Hugo de San Victor).

Al analizar estas definiciones, salta a la vista la importancia que se da a lo racional y a la necesidad que los autores plantean de reglamentar la acción creadora acomodándola a pautas prefijadas.

Clasificación de las artes en la eddad media

Siguiendo la tradición latina, la escolástica medieval asumió como propia la clasificación de las artes en dos grandes secciones:

TRIVIUM CUADRIVIUM

Dialéctica Aritmética

Lógica Geometría

Gramática Música, Astronomía

Mirando el problema desde otra perspectiva, la Escolástica clasifica las artes en liberales y mecánicas, distinción que será retomada en la Ilustración:

ARTES LIBERALES ARTES MECÁNICAS

Lógica lanificium (vivienda, herramientas)

retórica agricultura (producción alimentos)

gramática venatio (alimentación vía caza)

aritmética navigatio (desplazamiento)

geometría medicina (salud)

astronomía theatrica (entretención)

música armatura (arquitectura)

EN EL RENACIMIENTO

El Renacimiento mantuvo a grandes rasgos las clasificaciones medievales, inten-tando en algunas ocasiones incorporar nuevos criterios, según vemos en el siguiente cuadro:

ARTES:

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principales (arquitectura) subordinadas (pintura)

inventivas (escultura) instrumentales (utensilios)

mentales (matemática) manuales (escultura)

antiguas (agricultura) nuevas (imprenta)

necesarias (pastoreo) innecesarias (interpretación)

honestas (pintura) deshonestas (proxenetismo)

Posteriormente, Francis Bacon (S. XVII) propuso una clasificación de las artes según las cualidades del alma puestas en juego o la capacidad de goce del individuo:

RAZÓN MEMORIA IMAGINACIÓN FRUICIÓN

Ciencias Historia Poesía Música (Oído) Pintura (ojos)

EN LA ÉPOCA DE LA ILUSTRACIÓN

Con la Ilustración se empieza a hablar de "Bellas Artes". Ello permite ganar preci-sión en la tarea de clasificar las artes.

Una de las clasificaciones más destacadas de este período es la que establece Ch. Batteaux, que retoma modelos de la Edad Media e incorpora nuevos criterios taxonómicos:

BELLAS ARTES

(deleite)

ARTES MECÁNICAS

(utilidad)

ARTES MIXTAS

(Placer y utilidad)

Música Vivienda

Retórica Arquitectura

Poesía Herramientas

Pintura Navigatio

Escultura Medicina

Danza Agricultura y "venatio"

(=caza)

KANT (S. XVIII).

Kant establece distintos criterios de clasificación, lo que le permite hablar de "artes estéticas" y "artes mecánicas"; de "artes placenteras" y de "bellas artes", divididas estas últimas en "artes de la verdad" (arquitectura) y "artes de la apariencia" (pintura). Sin embargo, lo más original en él es la clasificación de las artes según los modos de expresión. El esquema es el siguiente:

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ARTES DE LA PALABRA Poesía y retórica

ARTE DE LOS SONIDOS Música

ARTE DE LOS GESTOS Pintura, escultura, arquitectura

Esta clasificación será retomada en el siglo XX, con las correspondientes modifica-ciones que el avance de la disciplina estética supone.

EN EL SIGLO XIX

A comienzos de siglo , Hegel había hecho una división de las artes clasificándolas en simbólicas, clásicas y románticas. Esta clasificación no tuvo seguidores en atención a que no atendía tanto a las artes en sí cuanto a los estilos que habían aparecido en el curso del tiempo. A mediados de siglo, K. Libelt clasificó las artes según el ideal buscado por ellas (belleza, verdad, bien) y el ámbito de su manifestación (espacio, tiempo, vida). Estos criterios dan lugar al siguiente cuadro:

ARTES FORMALES

Arquitectura: expresa belleza

Escultura: expresa verdad en el espacio

Pintura: expresa bien

ARTES NARRATIVAS

Música: expresa belleza

Poesía: expresa verdad en el tiempo

Retórica expresa bien

ARTES SOCIALES

Idealización de la naturaleza expresa belleza

Educación estética expresa verdad en la vida

Idealización social expresa bien

EN EL SIGLO XX

Durante el siglo XX diversos autores trataron de clasificar las artes. Los múltiples intentos realizados en esta línea ilustran la dificultad de la empresa. En el cuadro que sigue se señalan algunas de estas clasificaciones:

Alain Artes sociales y artes solitarias

Souriou Artes visuales y artes rítmicas

Munro Artes geométricas y artes biométricas

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P. RAIMUNDO KUPAREO

Una síntesis brillante y sugerente es la que propone el P. Kupareo, esteta de origen croata y fuerte impulsor del desarrollo de la disciplina estética en Chile:

MEDIO DE EXPRESIÓN COMÚN

MEDIO DE EXPRESIÓN ESPECÍFICO

SÍMBOLO CLASE DE ARTE

Palabra

Monólogo metáfora

sonido

Poesia

Diálogo personaje Drama

narración acontecimiento

ideativo

Novela

Movimiento

sonido melodía Música

paso melodia

danzable

danza

fotograma encuadre Filme

Línea

forma espacial orden Arquitectura

volumen figura Escultura

color atmósfera Pintura

Respecto a las Bellas Artes, actualmente, se suele considerar la siguiente lista de clases o formas de artes:

Seis primeras Artes que son la arquitectura, danza, escultura, música, pintura y poesía (literatura) según la clasificación usada en la antigua Grecia.

El séptimo arte que es la cinematografía. La octava arte es la fotografía, aunque se alega que es una extensión de la

pintura. La novena es la historieta, aunque se alega que es un puente entre la pintura y

el cine.

Algunos consideran otras artes en la lista, como los graffiti, la televisión, la moda, la publicidad e incluso los videojuegos.

Disciplinas artísticas:

Respecto a las disciplinas artísticas que se derivan del quehacer de los artistas que

pertenecen a una corriente o forma particular de hacer arte, podemos clasificarlas de

la siguiente manera:

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Arte contemporáneo o Arte interactivo o Arte conceptual o Arte digital o Dibujo o Escultura o Fotografía o Instalación

o Intervención o Performance o Pintura o Realismo Romántico o Net.art o Arte.red o Videoarte

Arquitectura o Arquitectura civil o Arquitectura popular o Arquitectura militar

o Arquitectura naval o Arquitectura religiosa

Artesanía: o Arte Popular o Alfarería o Cestería o Cristalería o Glíptica o Ebanistería

o Marquetería o Taracea o Mosaico o Orfebrería o Tapicería o Realización de vidrieras

Artes gráficas: o Caligrafía o Grabado o Humor gráfico o Tipografía

o Diseño gráfico o Diseño de páginas web o Ilustración o Impresión

Cinematografía o Cine de animación, drama, comedia, ficción, etc.

Danza Historieta Literatura Música:

o Música clásica o Música Selecta

o Música tradicional o M. popular, etc

Teatro

UNA CRONOLOGÍA DEL ARTE

EL ARTE DE LA PREHISTORIA Arte prehistórico (Prehistoria)

ARTE ANTIGUO (5000 a.C.-0) Arte egipcio Arte mesopotámico

ARTE CLÁSICO (2000 a.C.-300 d.C.) Arte griego Arte romano

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ALTA EDAD MEDIA (300-900) Arte paleocristiano

Arte bizantino

Arte Carolingio

Arte Otomano

BAJA EDAD MEDIA (900-1400) Arte románico

Arte gótico

Arte musulmán

EDAD MODERNA (1400-1800)

Arte del Renacimiento

Arte barroco

Arte Hispano-Americano

Siglo XIX Neoclasicismo

Romanticismo

Realismo

Impresionismo

Post-Impresionismo

Siglo XX Arte del Siglo XX

Modernismo

Vanguardias (1905-1942)

Expresionismo

Surrealismo

Arte abstracto

De Stijl (Arquitectura)

Arte moderno (1942-2000)

Expresionismo abstracto

Arte pop

Arte Naïf

Arte posmoderno

Minimalismo

Land Art Arte de la tierra y naturaleza

Realismo Romántico

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SIGLO XXI

Arte del Siglo XXI: Performance Arte interactivo, airwritting, graffiti, comics, pintura digital, bodypaint, light graffiti, animaciones, etc.

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TEMA N°01

GENERALIDADES

Arte.- El concepto proviene de la palabra "ARS" originada en la lengua latina. Tradicionalmente se consideró al arte como la habilidad o maestría de una persona para elaborar algo.

Arte concepto actual.- Es la facultad humana, mediante la cual el hombre se expresa bellamente, valiéndose de la materia (pintura, escultura, arquitectura, danza) o la inmateria (música, luces e imágenes en el espacio, letras entre otros).

Importancia del arte en la vida del hombre:

Estudiar arte y practicarlo, hace más humano al hombre, el arte alimenta el alma, haciéndole con el color, las formas, la música, los olores, los sabores, más agradable y llevadera a la vida; la cual está llena de necesidades, carencias, sufrimientos, preocupaciones.

Clasificación:

El arte se clasifica en artes mayores y arte menores (Clasificación Tradicional).

Arte mayores:

De las cinco mayores, tres se manifiestan en la dimensión del espacio (pintura, escultura y arquitectura) y las otras dos en la dimensión del tiempo (música y danza). Sin embargo, actualmente los artistas de hoy en día tratan de minar esta antigua clasificación. Integrando a las disciplinas hasta hoy separadas, enfrentando al público a experiencias multisensoriales que integran aspectos de varias disciplinas hasta ahora separadas (artes visuales), ejemplo: el performance, instalación, etc.

Arte menores: El grabado, tallado, cerámica, vidrio, vitrales, etc.

Artes Visuales: (Clasificación Actual)

El concepto de artes visuales se gesta a fines de la Segunda Guerra Mundial, cuando los artistas europeos que habían emigrado a New York, asientan una producción estética que se relaciona con la libertad expresiva, esta libertad integra a la pintura o escultura, otros recursos y lenguajes diversos, tales como sonido, escritura, imágenes en movimiento, etc.

Esto naturalmente genera una amplia cantidad de formas posibles de hacer arte, ya que los criterios de producción y clasificación son abiertos e integrados.

Artes Acústicas:

Oír es percibir por medio del oído, escuchar es oír prestando atención; así pues se puede “oír sin escuchar". Es la expresión más sublime, es la forma como los hombres exteriorizan, sus sentimientos, (artes acústicas), afectos y emociones mediante la emisión de sonidos ejecutados por su propia voz, y la vibración del cuerpo (aplausos), o apoyados por instrumentos musicales.

La música es el lenguaje universal que se fundamenta en la combinación del ritmo y la melodía.

Arte Literario:

Es la expresión de la belleza mediante la palabra escrita y hablada.

La Estética, se ocupa de analizar y resolver todas aquellas cuestiones relativas a la belleza. Otros estudiosos manifiestan que su objeto es el estudio de la percepción de la belleza.

Artes Compuestas: Formada por la combinación de la Danza, Teatro, Drama musical.

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TEMA Nª 02:

FACTORES QUE INTERVIENEN EN LA PRODUCCIÓN ARTÍSTICA

INTRÍNSECOS: se manifiesta cuando el individuo realiza una actividad artística por el simple placer de realizarla, sin que nadie de manera obvia le de algún incentivo externo, Ejemplo: Un hobby es un ejemplo típico, así como la sensación de placer, la auto superación o la sensación de éxito.

EXTRÍNSECOS: Aparece cuando lo que atrae no es la acción, que se realiza en sí, sino lo que se recibirá a cambio de la actividad realizada, por ejemplo: dinero, comida o cualquier otra forma de recompensa. Algunos autores manifiestan que “estos factores se unen para producir al máximo y con calidad”.“Lo intrínseco es útil para iniciar una actividad, y lo extrínseco mantiene esta actividad hasta llevarla a su culminación”.

LAS ARTES VISUALES

El concepto de artes visuales se gesta a fines de la Segunda Guerra Mundial cuando los artistas europeos que habían emigrado a Nueva York (a mediados del siglo XX), asientan una producción estética que se relaciona con la libertad expresiva esta libertad integra a la pintura o escultura, a otros recursos y lenguajes diversos, tales como sonido, escritura, imágenes en movimiento. Esto genera una amplia cantidad de formas posibles de hacer arte, ya que los criterios de producción (Pintar, esculpir) y clasificación son más abiertos e integrados. Elementos de las Artes Visuales o Plásticas a. Línea: Es el elemento visual por excelencia del dibujo y puede optar formas muy distintas,

para expresar cualidades muy diferentes. b. Contorno: Cuando la línea describe un contorno, una forma. Existen tres contornos

básicos: El cuadrado, el círculo y el triangulo equilátero, cada uno tiene sus rasgos únicos y caracteres específicos.

c. Dirección: Todos los contornos básicos expresan 3 dimensiones visuales, significativas y básicas: el cuadrado expresa horizontales y verticales, triángulos la diagonal, el círculo expresa líneas curvas.

d. Tono: Es la intensidad de oscuridad o claridad del objeto visible, se observa gracias a la presencia o ausencia relativa de la luz.

e. Color. f. Textura: La podemos apreciar mediante la vista o el tacto, o mediante ambos (rugoso,

áspero, liso). g. Escala o Dimensiones: Alto, pequeño, más grande que, dentro de, etc.

Tendencias alternativas de las Artes Visuales Abstracción: (Arte Abstracto) Enfatiza los aspectos cromáticos, tonales y la estructura interna.Pierde la línea contorneada (Una mancha). Figuración: Copia fiel de la naturaleza (Arte clásico). Naturaleza Expresiva de las Obras Es cierto que la interpretación de una obra de arte depende de la impresión que esta causa en quien la contempla. La belleza es inherente a la obra de arte. Pero, es necesario aclarar, que la belleza como tal no existe. Es una idealización que no pertenece a los objetos reales.

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El fondo aquí consiste en darnos cuenta de que los objetos que produce el artista son bellos, gracias a la idealización que contienen. Lo bello en la obra de arte es la idea introducida en el objeto real. Esta belleza, desde luego,no se refiere a una belleza tangible, sino a los medios de los que se vale el artista para comunicar su sentir, lo que percibe como sujeto estético y desea expresar en un acto de voluntad e inteligencia, es decir, en un acto espiritual. Tipos de contenido de las obras visuales Contenido Descriptivo: En las obras visuales la actitud personal (Subjetiva) del autor muestra los sentimientos o emociones que dicho objeto (Paisajes, fotografía, escenas cinematográficas) sugieren al sujeto que describe, suele usar figuras, imágenes subjetivas (Descripción connotativa). Contenido Interpretativo: Cuando un contenido material (Pintura, grabados, cine, fotografía) ya dada e independiente del intérprete (Observador) es comprendido o traducido a una nueva forma de expresión, ósea puede transformarse en un mensaje que un emisor (Artista) transmite a un receptor (Observador), con lo que se convierte en comunicación. Eso es lo que existe cuando uno observa a una obra de arte, recibe mensajes a través de la obra artístico visual. Contenido Subliminal: Es aquella percepción que llega al subconsciente, sin pasar antes por el consciente, es decir, cuando es percibido sin que el sujeto se dé cuenta.

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TEMA Nª 03:

EL ARTE EN LA EDAD ANTIGUA

EGIPTO: Fue arte religioso, realizaban bajos relieves en las paredes de sus tumbas, palacios, fachadas, columnas, luego las pintaban.Sus esculturas eran rígidas, pequeñas o gigantescas. Arte Monumental:Es decir, inspirado en motivos de carácter religioso y en la idea de lo grande y de lo eterno, así tenemos la construcción de sus Pirámides, templos, palacios y las esculturas gigantescas llamadas colosos (Esfinge como un ejemplo). LA CULTURA FENICIA: El aporte fenicio a la Cultura Occidental, - Inventaron el alfabeto fonético, la mayoría del alfabeto moderno tiene su origen en el

alfabeto fenicio. - Trabajaron el vidrio, lo fabricaron de arena muy fina. Lo comerciaron a Europa y fue utilizado

para los vitrales. Y lo mejor, difundieron a otros pueblos los conocimientos logrados por ellos y por otras culturas.

EL ARTE DE CALDEO – ASIRIA: Sobresalen en arquitectura, esculturas, en escritura y astrología. Sus templos eran gigantescos edificios (Zigurats) de 7 pisos, especie de plataformas, sus contornos generales eran de pirámides escalonadas truncas (sin punta). Las paredes de sus palacios distinguidos, por sus bellas decoraciones, revestidas de porcelana (losetas de cerámica coloreadas, quemadas). Esculturas: Monumentos de tamaño pequeño y gigantesco, fueron esculpidas al lado de las gigantescas entradas o puertas, se trataba de los toros alados. Se creía que tales animales defendían el palacio del ingreso de los malos espíritus.Son notables los bajos relieves que adornaban las paredes y fachadas de palacios y templos. EL ARTE EN GRECIA

a) Periodo Geométrico: Fase del arte griego caracterizado en gran parte, por adornos geométricos en las pinturas del florero, que prosperó hacia final de la edad oscura griega (No existe ninguna referencia histórica sobre estos años oscuros) su centro artístico se hallaba en ATENAS y fue difundido entre las ciudades que negociaban por el mar Egeo.

b) Periodo Arcaico: Periodo que se caracteriza por dejar de imitar a culturas orientales, se caracterizó sobre todo por el tipo atlético dado en sus estatuas, que en gran parte representan a los vencedores de los juegos Olímpicos. En la escultura Arcaica, se mantiene aún los rasgos rígidos, con composiciones geométricas y cerradas, respetando las leyes de frontalidad (Brazos pegados al cuerpo en hombres y en mujeres los brazos en posición de ofrenda o de entregar algo a otros). Esculturas altamente simétricas parecidas a las esculturas egipcias. La anatomía muscular marcada sobre su cuerpo en forma esquemática (Utiliza líneas)y un cabello largo y recto, con corte rectangular que enmarca unos ojos almendrados (Forma de almendra) y unas orejas en forma de voluta (Forma de caracol, espiral). Su evolución en su escultura haría que las formas se estilizaran (mejorar) y se pulieran las más toscas.

c) Periodo Clásico: señala el apogeo de las artes y sobre todo de la escultura. Siendo Fidias el más famoso escultor griego. Antes de Fidias, forman una especie de transición los Escultores CALAMIS y MIRON los cuales vencen la rigidez del anterior periodo, dando a las figuras delicadeza y gracia el primero (Calamis) y expresión de movimiento el segundo, es decir Mirón.

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- Fidias: (490 ac – muere en Olimpia 431 ac,)Nació en Atenas además de ser muy famoso escultor, pintor, arquitecto, nadie como él en el mundo antiguo supo dar a sus creaciones artísticas, actitud, noble, serena y sello de lo divino sin que hiciera falta para ello simbolismos. Obra: Venus de Milo, Estatua de Zeus, Coloso de Rodas etc.

- Mirón: (480 ac – 440 ac) Fue uno de los más conocidos autores del arte griego, cuyos aportes escultóricos constituyeron la transición del periodo clásico. Sus obras más famosas se caracterizan por la representación fidedigna de las tensiones (posiciones) del cuerpo humano en movimiento, realismo. Obras Principales: Discóbolo de Mirón, Hecho de bronce.

d) Periodo Helénico: En este periodo las escuelas salen de Grecia a otras ciudades, se distinguen por su realismo, algunas exageraciones en las actitudes, predilección por las escenas trágicas o dolorosas. Se cultivóel Retrato. Obras importantes: “El grupo de Laooconte y sus hijos” (De la escuela de Rodas), hoy se halla en el museo del Vaticano.

La Concepción de simetría y perfección en el Arte Greco (Griego). Los griegos fueron Antropocentristas, ósea que se centraron en la belleza física y moral del ser humano. “La perfección” era la principal característica. Resaltando la belleza interior y exterior del hombre, representaban como debería ser el hombre perfecto. Representaron por principios de proporción y simetría, pues el secreto de la belleza de sus obras se hallaba en la armonía (Relación del todo con sus partes) La concepción de simetría y perfección en la cultura griega “Buscar la belleza en su máxima expresión exagerando lo natural.” Simetría: Es la exacta correspondencia de todas las partes de una figura, respecto de un centro, un eje, un plano.

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TEMA Nª 04:

EL ARTE EN LA ANTIGUA ROMA. LA HERENCIA HELÉNICA

ROMA: SIGLO DE AUGUSTO Se conoce con este nombre a la época de florecimiento cultural que tuvo Roma durante el gobierno de este soberano. Dicho florecimiento se manifestó en el campo de las letras, las artes, la ciencia y la historia. Los romanos fueron fieles imitadores y discípulos de los griegos. Como ejemplo de su arte tenemos: Tumbas adornadas con esculturas alusivas a la vida del difunto y alto relieve cruzados en las cornisas o fachadas de sus tumbas: con ellos representaban hechos de su historia y de sus triunfos. La escultura Romana además de ser copia, con inspiración griega, agregó lo suyo.Esculpieron estatuas con enorme maestría demostrando al esculpir el mármol admirable parecido al modelo (personajes como: gobernantes, señores ricos, filósofos, atletas, artistas, soldados, etc.) a esto se le conoce como Retrato. El Arte de la Edad Media.

a. Arte Paleo Cristiano: (Año 1 Dc. – 500 Dc.) Se llama así al estilo artístico que se desarrolló durante los 5 primeros siglos de nuestra era, desde la aparición del cristianismo. Características:

- La variedad de colores es limitada. - Las figuras se dirigen al espectador (están de frente). - La esencia de la divinidad (Dios) es imposible de representar (resulta difícil encontrar

representaciones divina de Dios). A partir del siglo IV podremos encontrar algunas representaciones.

- Representaron perspectiva inversa (Las figuras que están detrás son mas grandes). - Desproporción de las figuras. - No representaban desnudos. b. Arte Pre Románico: Es una expresión genérica que designa cualquier manifestación artística

que precede temporalmente al Arte Románico. c. Arte Románico. (En escultura y arquitectura)

Fue un estilo artístico predominante en Europa en los siglos XI y XII y parte del siglo XIII. Estilo influenciado por la fe cristiana. En la pintura. Esta pintura pretendía ante todo, generar emociones en el espectador. Sus figuras no eran realistas sino rígidas de forma desproporcionada, pero tenían una carga emotiva. La mayor parte de las pinturas fueron frescos pintados en Bóvedas, los techos, en las paredes, alrededor del altar de la iglesia, las pinturas carecían de perspectiva; por lo que se utilizaban una gran gama de colores brillantes, lo que daba vivacidad a la escena, a pesar de carecer de plasticidad y movimiento.

d. Arte Gótico: Estilo que se desarrolló en Europa durante los últimos siglos de la Edad Media desde mediados del Siglo XII hasta la implantación del Renacimiento (Siglo XV para Italia y bien entrado el siglo XVI en lugares donde el gótico permaneció más tiempo). En Pintura.- Abandonó los lugares que ocupaba en el Románico, porque los ventanales sustituyeron a los muros (Los vitrales, los cuales eran grandes ventanales elaboradas con pedazos de vidrios de color que al paso de la luz resaltaban su diseño y nitidez), los retablos también sustituyeron a los muros, eran pinturas sobre madera. El arte gótico propiamente dicho coincide en el tiempo, con la plenitud y la crisis de la Edad Media, además este arte es la transición del Feudalismo al Capitalismo(Feudalismo: sociedad rural de guerreros y campesinos.Capitalismo: coincide con el máximo desarrollo de la cultura urbana donde aparece la burguesía,las universidades, el florecimiento de órdenes religiosas).

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No obstante hay muchos elementos de continuidad con los estilos anteriores, como el predominio de la inspiración religiosa en el arte. Características de la Arquitectura Gótica: - Frente a las pequeñas y oscuras iglesias rurales del Románico, el gótico eleva prodigiosas catedrales llenas de luz (Vitrales) desarrollándose una importante arquitectura civil e independizó a las otras artes plásticas (Pintura y escultura)de la subordinación al soporte arquitectónico. Escultura Gótica: continúan usándose las tallas en piedra para la decoración de la arquitectura.Esta cumplió al principio función evangelizadora (El catecismo de los analfabetos) para después emanciparse (ya se puede utilizar temas no religiosos), la escultura evolucionó desde un estilo alargado y rígido hacia un sentimiento espacial y naturalista hacia finales del siglo XII y al principio del siglo XIII la influencia de las esculturas griegas y romanas que aún se conservan se incorporan al tratamiento de las telas, a las expresiones faciales y a la pose en sus pinturas y esculturas. Las esculturas góticas nacieron en los muros de la iglesia, pasando del relieve al bulto redondo. Pintura Gótica: Tiende a aumentar el realismo y naturalismo a diferencia del románico que representaban figuras simplificadas e idealizadas. Los góticos tienden a aproximarse a la imitación de la naturaleza que será el ideal del renacimiento, los temas son religiosos pero también pintan la naturaleza (paisaje), se hace notar las representaciones de personajes religiosos (Santos, vírgenes, Cristo, ángeles) en un plano más humano (dejándoles notar emociones).

e. Arte Bizantino: Se denomina arte Bizantino a aquel que tuvo desenvolvimiento dentro de los límites del Imperio Romano de Oriente. Constantinopla, fue su centro principal y allí se registraron sus manifestaciones más características. Su arquitectura fue junto al Mosaico la máxima expresión. La iglesia católica, a diferencia de los griegos queera la casa de los dioses; en cambio esta iglesia(católica) era la casa de la comunidad, por eso la decoración dentro y fuera fue para ejercer la evangelización. Los mosaicos: La técnica consistía en ensamblar pequeños cubos coloreados y esmaltados, pegados usando cemento en los muros siguiendo un orden de acuerdo a un dibujo previo, como ejemplo actual tenemos la fachada de la Universidad Nacional de Trujillo. Los Bizantinos distinguieron bien al mosaico de la pintura. La decoración tuvo un fuerte carácter didáctico y místico. La técnica del fresco: Es una pintura (Tierras de color) realizada sobre una superficie de cemento fresco, al principio no se utilizó mucho, pero después sustituyó al mosaico el cual era más costoso. Presentaban como temas constantes la imagen de Cristo, no utilizaban el volumen ni perspectiva. Las formas son alargadas verticalmente, lo cual daba un aspecto de cierta inmortalidad y delicadeza. El artista buscó en la pintura una interpretación personal que se refleja al expresar con más fervor los sentimientos de dolor y ternura. Sus figuras muestran frontalidad, achatamiento y deformación. El simbolismo; la concepción geométrica de los cuerpos se ven presentes en sus obras. En su arquitectura:Se observó las iglesias con bases o planta en forma de cruz griega, se observa la utilización de elementos como la cúpula y los revestimientos de mármol y la decoración de capiteles, la influencia cristiana es dominante. Los edificios principales son destinados al culto. Tanto los mosaicos, las pinturas del arte Bizantino estaban dominadas por la Cristiandad (Cristo, la Virgen, Los apóstoles), con el propósito de enseñar gráficamente los episodios bíblicos.

f. Arte Islámico: Por arte Islámico se conoce el estilo artístico desarrollado en la cultura generada por la religión islámica. La arquitectura adopta muchas formas diferentes en el mundo islámico; la mezquita es una de ellas (Lugar de adoración) y la madraza (escuelas). Las artes figurativas en el Islam nunca tuvieron un gran desarrollo, más por prejuicios sociales que por una prohibición expresa del Corán.

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En la pintura hay que destacar la miniatura, los motivos son religiosos,y de la vida Palaciega (vida en palacios, lujo) y sus placeres. En la decoración predominan los motivos geométricos, los colores planos, vivos y las líneas negras. Uno de los motivos más característicos es la caligrafía con frases del Corán (es como la biblia para los cristianos). La Escultura: Es aún más escasa. El Arte se reduce en: cerámica, vidrio, marfil, etc. Arquitectura: Se usaron columnas de otras culturas. Sus capiteles: con forma de vegetales que tienden a la geometrización se les llama ATAURIQUES. La arquitectura varía de acuerdo al lugar, pero, destaca la mezquita y los palacios sobre las demás construcciones; pero, predominan los volúmenes cúbicos y geométricos. Entre los que destacan las bóvedas y cúpulas; como soporte estas utilizan el “Pilar” como columna, son delgados, bajos y de poco peso. Usa todo tipo de arcos: De herradura (Cuya curva es más amplia que un semi círculo) y acampanados. Todos ellos adornados con diversos detalles. También existen arcos entrelazados superpuestos, en su decoración se empleaban elementos vegetales, solo en arquitectura civil se utilizaban figuras humanas.

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TEMA Nª 05:

CRITERIOS DE COMPOSICIÓN APLICADOS EN LAS OBRAS VISUALES. ARTISTICO – PLÁSTICAS O VISUALES

Unidad y Variedad: Variedad en el color, variedad en la forma, variedad en el tamaño y en la disposición de los elementos que constituyen el cuadro. Cuando existe variedad el espectador se siente atraído por el cuadro, esa variedad intensifica su interés. Unidad dentro de la variedad. Es preciso que la variedad este organizada, respondiendo a un orden y a una unidad de conjunto. Principio de organización de la figura y el espacio Organizar significa ordenar, ubicar de manera más armoniosa las figuras y colores que conforman la obra creando planos sucesivos en el espacio (1ª Plano, 2ª Plano y 3ª Tercer Plano). Vitruvio y la Ley de la Sección Dorada Vitruvio, Arquitecto Romano de los tiempos de Augusto, estudio y razonó el problema estético. Sus estudios alcanzaron a encontrar la sección dorada (Mejor ubicación del elemento principal) mediante la cual cada objeto tiene su lugar apropiado. Centro de Interés: Es el lugar donde estará ubicado el punto de interés o la porción principal. Simetría y Asimetría: Simetría.- Correspondencia entre unas partes y otras, respecto a un eje central. Asimetría.- Es lo contrario de simetría. En la composición asimétrica no existe correspondencia entre unas partes y otras, respecto a un eje central (Composición: Conjunto de elementos distribuidos dentro de una pintura o debajo de ella). Creación de Similitudes y contrastes - Cuando en una obra pictórica o dibujo existen elementos similares, en sus formas, direcciones, colores, líneas, esto envuelve al observador en una monotonía, (cansancio visual), para esto recurrimos a la creación de contrastes creándose opuestos o contrastes (Uno de los ejemplos, sería un color oscuro frente a un color claro, un elemento delgado frente a un elemento grueso, líneas curvas frente a líneas en Zigzag, etc.). Principio de Armonización Cromática Es lograr que cualquier color, pueda identificarse objetivamente e indicar cuales colores armonizan entre sí, la armonía es esencial, todos los colores deben ajustarse a un todo unificado. Este principio concibe una composición de colores como un conjunto donde todo se ajusta a un todo. Armonía de color.- Se dice que varios colores armonizan entre sí, es porque el efecto visual es grato. Los colores armonizan siempre que haya entre ellos algo en común, es decir, si tienen un origen en un solo color relacionados con ellos Ejm. azul, rojo, violeta. Existen 4 tipos de armonías, la que vamos a estudiar, es: La armonía de contrastes.- La reunión de los colores complementarios (rojo y verde, amarillo y violeta, naranja azul) crean una impresión muy rica, activa y variada, aunque parece que este contraste puede ser violento, es muy equilibrado, aquí hay que tener en cuenta que siempre en estas armonías hay un color que debe ser predominante, y los demás o el otro sumisos. Ejemplos: Una pequeña porción de color rojo en un fondo verde. La pintura: "La danza" de Matisse 1910 No se aconseja que en esta armonía los dos colores tengan la misma intensidad, para neutralizarlos a ambos se puede añadir una pizca de verde al rojo y viceversa. Nota: Los colores elegidos en esta clase son puramente orientativos , ya que las armonías se pueden hacer con cualquier otro color.

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Movimiento, ritmo y plasticidad El movimiento está asociado al ritmo que se genera durante la percepción, esta viaja sobre el campo visual de tal forma que la vista se mueve siguiendo su trayectoria rítmica y se detenga en una fijación prolongada allí donde algo retiene su atención e interés. Un movimiento con ritmo nos indica si la línea tiende a elevarse o a descender, vemos que una forma se acerca o se aleja de otra, pero el movimiento perceptual dependería por entero de nuestras asociaciones. El movimiento puede ser el de nuestros ojos, al seguir los elementos recurrentes de la composición, el ritmo implica la noción fundamental de repetición que como artificio es posible emplear para organizar en el diseño gráfico las formas y los espacios. Ritmo.- Como elemento de la Composición es una herramienta fundamental de todo diseño, ya que permiten a nuestra composición gráfica, posibilidad de movimiento y plasticidad. Existen variedades de ritmo entre los cuales tenemos: - Ritmo Uniforme.- Cuando una misma forma se repite regularmente. - Ritmo Variable.- Es cuando cambia la forma y el color. Originalidad.- Cuando el artista logra un estilo propio. RECORRIDO VISUAL.- La vista realiza un viaje inquieto y rápido sobre las cosas y ello hace preciso que esta facultad fisiológica, sea estudiada para poder llevarlo convenientemente, orientándolo en su recorrido o camino y haciendo que se detenga ante nuestro mensaje en el dibujo o la pintura y lo capte íntegramente. Todo esto es, teniendo en cuenta que el ojo humano se mueve naturalmente de izquierda a derecha, como cuando leemos un libro, la finalidad de este control es mantener la atención del observador, dentro de los límites del cuadro, “obligándolo”, así a que aprecie todo el conjunto de la obra. ESQUEMA COMPOSITIVO: Es un conjunto de líneas maestras que organizan los espacios donde van a estar situados los elementos visuales, este esquema suele estar formado por figuras geométricas (Polígonos, círculos, óvalos), líneas rectas y curvas relacionadas entre sí. Los esquemas compositivos compuestos, combinan en un mismo tema dos o más esquemas compositivos simples, por lo que da a la composición mayor sensación de complejidad. Tipos de Esquemas Compositivos. Simple: Simetría, triangular, diagonal, en aspa, en T, en L. Compuesta: Combinación de dos o más esquemas simples.

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TEMA N° 06:

HUMANISMO Y RENACER DE LAS ARTES CLÁSICAS

ARQUITECTURA DEL RENACIMIENTO Es aquella que durante los periodos artísticos del Renacimiento Italiano, abarca los siglos XV y XVI, ello busca su inspiración en una interpretación propia del arte clásico, que se considera modelo perfecto de las Bellas Artes. (Palacio Medici Florencia 1444). Esta arquitectura produjo innovaciones en diferentes esferas: tanto en los medios de producción (técnicas y materiales de construcción), como en el lenguaje arquitectónico que plasmaron una adecuada y completa teorización. El arquitecto renacentista marcó un estilo personal saliendo del anonimato y consideración social como artista interdisciplinario y Humanista. ESCULTURA RENACENTISTA Tomó como base y modelo las obras perfectas de la antigüedad clásica (Griegos y Romanos) y su mitología, con una nueva visión del pensamiento Humanista y de la función de la escultura en el arte. En la escultura renacentista, el cuerpo humano representó la belleza absoluta. En Italia convivieron por igual los temas religiosos y los no religiosos; no así en otros países europeos los cuales fueron temas religiosos por excelencia – España, Alemania. En esta época es cuando se dio prácticamente la liberación de la escultura del marco arquitectónico (es otra de las características más resaltantes). LA PINTURA RENACENTISTA Cada artista busca su propio estilo, en donde el retrato y la representación del paisaje tienen importancia. Durante el renacimiento surgen diversas escuelas, estas adquieren el nombre de la ciudad donde se desarrollan, entre estas se citan: La de Verona, la de Milán entre otras. Características más resaltantes. - Es narrativa.- Expone historias reales y ficticias (Sacados de la mitología, religiosos, históricos). - Es realista.- Copia fiel de la naturaleza (Humanos, animales, vegetales) copió todos sus detalles anatómicos. - El cuadro se presenta como un escenario, usa la perspectiva que da la ilusión de profundidad. - Se da interés al cuerpo humano en particular al desnudo, cuya anatomía se estudia y se copia cuidadosamente. - Se utilizó la técnica del Oleo. En general es una pintura dibujista que se fundamenta en el poder expositivo de la línea.

ETAPAS HISTÓRICAS DEL RENACIMIENTO

La primera etapa tiene como espacio cronológico todo el siglo XV, es el denominado Quattrocento y comprende el Renacimiento Temprano que se desarrolló en Italia. La Segunda afecta el Siglo XVI, se denomina Cinquecento y su dominio artístico queda referido al alto Renacimiento. QUATTROCIENTO.- (Cuatrocientos) Siglo XV – 1401 – 1500 Características:

- En esta época aparece la figura del artista creador. - Surge el Taller del maestro. - Se pinta y se esculpe la figura humana. - En la pintura evoluciona técnicas de la perspectiva. - En la escultura, se vuelve a la imitación de lo clásico (Griego y Romano).

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- En la arquitectura hay un retorno a las líneas del arte griego y romano. CINQUECENTO (Quinientos) Siglo XVI – 1500 – 1530// Manierismo (1530 – 1600) Es un periodo dentro del arte Europeo (Italiano) correspondiente al siglo XVI. Se caracterizó intelectualmente por el paso del Teocentrismo Medieval al Antropocentrismo humanista de la Edad Moderna y estilísticamente por la búsqueda de las formas artísticas de la antigüedad clásica y la imitación de la naturaleza, lo que se denomina Renacentista. Comprende 2 fases: Comienza con el denominado Alto Renacimiento (Últimos años del siglo XV y primeras décadas del siglo XVI) y termina con el denominado Bajo Renacimiento o Manierismo (1530 - 1600) se trata de una reacción anti clásica que cuestiona la validez del ideal de belleza defendido en el Alto Renacimiento.

TEMA N° 07:

LOS GRANDES DEL QUATTROCENTO Y CINQUECENTO

LOS MAESTROS DEL QUATTROCENTO

- Sandro Botticelli (Verdadero nombre: AessandroFilipepi) nació en Florencia en 1445 y mueren en Florencia en 1510. Se convirtió en uno de los pintores más relevantes del Quattrocento Florentino (Florencia).Obra: Nacimiento de Venus o la Alegoría de la Primavera. Es uno de los primeros artistas que rompen con la tradición del arte gótico, abandonó los anteriores caracteres para dar inicio a la sensación de realidad tridimensional.

- Filippo Brunelleschi: Nació en Florencia – Italia 1377 y murió el 15 de Abril de 1446.Fue arquitecto, escultor, orfebre renacentista Italiano. Formuló las leyes de la perspectiva que fue un elemento clave para la pintura renacentista. Este artista se dedicó a la arquitectura como principal ocupación, fue uno de los primeros que rompió con la Arquitectura gótica, buscaba su inspiración en una interpretación del arte clásico. Obra: “La Cúpula de la Catedral de Florencia” (Basílica de Santa María del Fiore) notable por su cúpula de 100 metros de altura y 41 metros de diámetro exterior. LOS MAESTROS DE CINQUECENTO Florencia había sido la ciudad del Quattrocento Italiano y Roma será la del Cinquecento. Miguel Ángel: (Nace en Florencia Italia, 06 de marzo 1474 – muere en Roma 18 de febrero 1564). Escultor – Arquitecto – Pintor. No es posible hablar de escultura renacentista italiano sin nombrar a uno de los más grandes e importantes artistas de esa disciplina (Hasta nuestros días), como es Miguel Ángel. La calidad de su trabajo y su capacidad para obtener “vida” del mármol. En él es posible encontrar los distintos registros que se sucederán a lo largo de este siglo XVI, desde aquellas obras iniciales donde se acatan todas las reglas clásicas hasta el manierismo. Obras: Piedad, David, Moisés, pinturas en la capilla Sixtina (concebida para el sepulcro del Papa Julio II). LEONARDO DA VINCI: (Nació en Florencia, Italia 15 de abril de 1452 – muere en Francia 1519) Es el prototipo absoluto de hombre del renacimiento (pintor, escultor, inventor, etc.). Las obras de Leonardo poseen un cierto misterio que los hace especialmente sugestivo, además de que su maestría, técnica y el enorme conocimiento que posee del cuerpo humano le posibilitaron abarcar aquel registro de emociones que desee representar. Leonardo empleó la técnica del esfumado (jugaba sobre el lienzo con pincel seco). Gran observador de la naturaleza humana, el estudio psicológico realizado de sus personajes queda patente en retratos, como el de la universalmente famosa Gioconda.

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RAFAEL SANZIO: (Nace en Urbino, Italia el 06 de abril de 1483 – muere en Roma 06 de Abril de 1520, a los 37 años). Gustoso de modelos de una ingenuidad y belleza equilibrada en sus inicios, perfectos ejemplos del más puro clasicismo. Terminó como Manierista. TINTORETTO (1518 - 1594) Apodo que ha hecho famoso a Jacopo Robusti, el nació en Venecia en el año 1518 fue hijo de un Tintorero de seda de allí el Apodo. DONATELO: Nace en Florencia, Italia 1386 y muere el 13 de diciembre de 1466 (Donatelo de NiccolodiBetto Bardi) Fue un famoso artista y escultor Italiano de principios del renacimiento. Fue uno de los padres del Renacimiento. Donatelo destacó en una fuerza innovadora en el campo de la escultura monumental y en el tratamiento de los relieves, donde logró representar una gran profundidad dentro de un mínimo plano denominándose “Relieve aplanado o aplastado”. Realizó numerosas obras en mármol, Terracota (Arcilla endurecida al horno) bronce, madera; para diversos mecenas y ciudadanos. Obras: David en bronce, estatua ecuestre de Gattamelata (en honor al guerrero triunfante Gattamelata). Situada en la plaza del Santo en Padua. Es una de las primeras y más importantes estatuas ecuestres de todo el renacimiento.

EUROPA EN LA ETAPA DEL RENACIMIENTO

El renacimiento no fue un fenómeno unitario desde el Punto de vista cronológico y geográfico. Mientras en Italia se estaba desarrollando el renacimiento, en el resto de Europa se mantenía el Gótico en su forma tardía, situación que se va a mantener, exceptuando casos concretos hasta comienzos del siglo XVI.

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TEMA N° 08

IMPRESIONISMO Y EL INICIO DEL ARTE MODERNO

A mediados del siglo XIX (1850), nace el impresionismo. Después de seis siglos de arte clásico. Este movimiento surge como la expresión más exacerbada (intensa) del realismo y marca el comienzo en sí del arte moderno, hacia una forma de expresión cada vez más subjetiva. Los primeros impresionistas pintaban al aire libre, en sitios abiertos, donde podían observar, por ejemplo los reflejos del agua o los rayos del sol, en distintas horas del día. Esta observación de la naturaleza, les permitió comprobar las teorías sobre el comportamiento de la luz y su descomposición de los siete colores del espectro; del estudio de tales fenómenos surge un conjunto de leyes ópticas de exaltación o neutralización de los tonos que fueron aplicados por los impresionistas en su cuadros. CLAUDE MONET: Nace en Francia en el año 1840 (Paris) – muere en 1926. Es el pintor más representativo de este movimiento. En sus obras podemos observar las siguientes características:

- El objeto representado es alterado por el ambiente que le invade, la atmosfera que lo rodea, le hace perder el color y la precisión de sus contornos.

- El artista se abstuvo de realizar mezclas en su paleta, pues consideró que solo sirven para hacer perder la intensidad del tono.

RENOIR (1841 – 1919) Pintor Francés.- Siempre se ha considerado el representante del impresionismo más sensual Renoir, es uno de los impresionistas más reconocidos por los temas que cultiva: Escenas dulces de niños, mujeres y flores. El desnudo femenino es un tema que le obsesionó, “desnudo bajo el sol” (1875 – 1876) es un ejemplo de sus temas. Sus formas gruesas y sus pinceladas sueltas y de gran cromatismo. Renoir mantiene una vibrante y luminosa paleta que hace de él un Impresionista muy personal. Obra: “El Palco” 1847 Óleo sobre lienzo (Courtauld Institute Universidad – Londres) “El Columpio” 1876 Óleo sobre lienzo (Museo Orsay - Paris). PIZARRO. (1830 – 1903) Pintor impresionista francés. Pizarro, nació en Santo Tomás, Islas Vírgenes, en el año 1830 y muere en París en el año 1903. Pizarro se une a los impresionistas y tuvo representación en todas sus exposiciones. En la década de 1880, desanimado con su trabajo, experimentó con el puntillismo; el nuevo estilo; sin embargo, no “cuajó” entre los coleccionistas y galeristas, y tuvo que volver a su estilo impresionista más libre. Las figuras de las campesinas serán protagonistas de numerosos cuadros de Pizarro en la década de 1880, sin preocuparse por su trabajo, sino por la atmósfera y la iluminación. ALFRED SISLEY. Nace en Paris (1839 - 1899) Francia. Fue un pintor impresionista Franco Británico. En 1874 expuso en la Primera exposición de los impresionistas. Fue eminentemente Pintor Paisajista que se distinguió de sus colegas impresionistas por la decisiva intervención en sus cuadros de los elementos más imponderables: el agua, la nieve, el cielo, la niebla, de tal forma que ha sido considerado junto a Monet, como los impresionistas más puros. EDGAR DEGAS. (1834 – 1917) Artista francés, originario de París, nace el 19 de julio de 1834 conocido como un maestro en el dibujo de la figura humana en movimiento, Quizá su interés en la Fotografía haya influenciado en su visión, de cámara ultra-rápida, obsesionado con el movimiento. Se destacó especialmente por sus pinturas, dibujos y bronces de bailarinas y caballos. En la década de 1880, cuando, comenzó a perder la visión, Degas empezó a trabajar con dos medios nuevos, que no requerían gran agudeza visual: la escultura y el pastel.

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En su escultura, al igual que en su pintura, intentó atrapar la acción del momento, y sus bailarinas de ballet y desnudos femeninos están representados, en poses que evidencian los esfuerzos físicos de las modelos. Sus pasteles (óleo pastel) suelen ser composiciones simples con muy pocas figuras. Se vió forzado a re recurrir a los colores brillantes y a los gestos de gran expresividad, prescindiendo de la línea precisa y el cuidado del detalle, pero a pesar de esa limitación, sus últimas obras son de una elocuencia, expresividad y grandiosidad no alcanzadas por ninguna de sus obras anteriores, como puede verse en la excelente selección de su obra presente en el Museo de Orsay de París. Degas no gozó de gran forma en su época y su auténtica dimensión artística no habría de valorarse hasta después de su muerte acaecida el 27 de septiembre de 1917 en París. TOULOUSE LAUTREC. Nació en Abril el 24 de noviembre 1864 – y muere en 1901. Nace en el seno de una familia aristocrática más importante de Francia, fue un artista muy prolífico de finales del siglo XIX, realizó un gran número de oleos, dibujos, litografías, poster y carteles, así como también ilustraciones para varios periódicos de entonces. Los contornos de sus elementos fuertemente marcados, su composición asimétrica y la utilización de manchas de colores planos, fueron o son sus características más resaltantes. Sus obras Inspiraron a Vincent Van Gogh.

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TEMA N° 10:

LOS ISMOS DEL SIGLO XX

Primeras Vanguardias: Fauvismo.- El nombre de este movimiento surge de las palabras Fauces (fieras), nombre que un crítico de arte, dió a los artistas de este grupo. Las obras se caracterizan por una exaltación del color expresada en el uso de tonos (colores) puros, irritantes. El fauvismo fue un desborde de color. En los pocos años que tuvo vigencia este movimiento produjo hermosas obras que aún hoy nos impactan por la vivacidad de sus colores. Henri Matisse.- (Francés 1869 - 1954) Fue uno de los pintores más destacados de esta época. Así tenemos también al pintor André Derain. Expresionismo.- El término expresionismo se utilizó a principios del siglo XX en Alemania, para designar una tendencia del arte, caracterizada por su subjetividad, su carga de angustia y un sentimiento trágico. Las primeras manifestaciones tuvieron influencia simbolista y aparecieron a fines del siglo XIX con las obras de Toulouse Lautrec (1864 – 1901), Vincent Van Gogh, francés (1853 – 1890) y Edvard Munch (noruego 1863 – 1944). En sus obras el color, la textura y el trazo dramático, enérgico y expresivo, representaban el mundo interior de sus personajes. Vincent Van Gogh. Nació en Zundert, países bajos el 30 de marzo de 1853, fue el mayor de 6 hermanos, fue hijo de un austero (pobre) y humilde pastor protestante, era un pintor que se caracterizó por un uso expresivo del color y una mayor libertad formal. Se aproximó a la naturaleza con vigorosas pinceladas, coloristas, evocadoras de las emociones internas del artista. Su experimentación subjetiva ejemplificada en su pintura en la “Noche estrellada” (Museo Arte Moderno de Nueva York es el preludio del expresionismo). Edvard Munch.- (Nace el 12 de diciembre de 1863 –y muere 1944) fue un pintor y grabador noruego de la corriente expresionista, sus evocativas obras sobre la angustia, influyeron profundamente en el expresionismo alemán de comienzos del siglo XX. Obra más representativa: “El Grito” (cuadro pintado en 1893) y se encuentra dentro de su obra Capital: “El friso de la vida” (grupo de pinturas). Lo que quiso reflejar en su cuadro a través del rostro angustioso de la persona que grita, fue esta angustia personal del pintor o también puede esconder una crítica a la nueva forma de organización socio económica de la época. En definitiva Munch grita también contra las injusticias sociales y desigualdades económicas que acompañaron a la Revolución Industrial. Ensoir y Nolde: Son dos pintores que destacaron en esta disciplina al igual que Munch. El Cubismo: Aunque tiene antecedentes en la pintura de Paul Cézanne (1839 – 1906). Pintor Francés representante del Post Impresionismo. Surge como movimiento en 1907. El Cubismo propone la reproducción en el Plano del cuadro de objetos que en la realidad tiene volumen, sin recurrir a soluciones ilusorias de volumen y profundidad. En el Cubismo se distinguen tradicionalmente 3 etapas o estilos: Cezaniano, Analítico y sintético.

- El Cubismo Cezaniano.- Definición de los objetos por medio de formas geométricas, sin perspectiva ni efecto de luz.

- El Cubismo Analítico.- Se busca la visión simultánea de varias caras del mismo objeto. - El Cubismo Sintético.- Es la última etapa, todo el espacio se cubre de formas planas. En este

momento comienza a pegarse diversos materiales en la superficie del cuadro como papel, arena, cartón. Picasso, Juan Gris y Braque son los principales representantes de este ismo (Disciplina o escuela).

Pablo Picasso.- (1881 - 1973) Español, gran figura central del Cubismo y uno de los grandes genios del arte Universal.

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Su obra artística es muy extensa (Escultor, dibujante, pintor), pero su nombre estaría ligado al Cubismo, como su creador y su máximo representante. Obras más importantes: 1907 Pinta las “Señoritas de Aviñon” cuadro que marca el inicio del Cubismo. “Las Meninas”, “El Guernica”, son entre muchos sus cuadros más famosos. Georges Braque (1882 - 1963) Pintor Francés. Es otro gran creador del Cubismo, más intelectual que Picasso.Se mantiene siempre fiel a la estética Cubista. Entre sus principales obras están: “La mesa del músico”, entre otros. Juan Gris.- (Nació en Madrid en 1887 – y muere en 1927). Su nombre real era José Gonzales Pérez. Es el tercer gran Cubista, sus composiciones tienen una firme estructura y un ritmo armonioso. Su Cubismo es fundamentalmente sintético y coloreado. Comienza a poner en sus obras títulos intrascendentes: “El Fumador”, “La Taza de té”, entre otros. Dadaísmo.- Es un movimiento cuyo nombre proviene de la onomatopeya dada, expresión sin sentido, asociada a los primeros balbuceos infantiles surgido en Suiza en 1918, su máximo representante fue el francés Francis Picabia, nació en París (1879-1953). Criticó las convenciones aceptadas y ridiculizó los valores artísticos reconocidos. Fue una manifestación que no pretendía generar propuestas; fue ante todo una actitud. El Movimiento Dada, en su contenido o temática se caracterizó por:

- El movimiento continúa en contra las convenciones de su época. - Actitud de burla total y humor. Se basan en lo absurdo y en lo carente de valor. - Medios de expresión irónico – satírico, a través del gesto, el escándalo, la provocación. - Inclinación hacia lo dudoso, rebeldía, destrucción. - Manifestaciones contra la belleza. - Quieren volver a la infancia.

El Surrealismo es heredero directo de este movimiento. Futurismo.- Es un movimiento artístico que surge en los primeros decenios del siglo XX en Italia. Mientras que el Cubismo nace en Francia. Se llamó futurista por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado, especialmente en Italia, donde la tradición artística lo impregna todo. El manifiesto futurista proclama, el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades. En 1910 ya se puede hablar de un grupo liderado por MARINETTI, sus ideas revolucionarias de cambios y rechazos no deseaban limitarse al arte, sino que como otros muchos movimientos pretendían transformar la vida entera del hombre. Características:

- Buscaban por todos los medios reflejar el movimiento, la fuerza interna de las cosas ya que el objeto no es estático.

- Los pintores extraen sus temas de la cultura urbana, maquinas, deportes, guerras, círculos en movimiento.

Surrealismo.- Planteó un nuevo tipo de relación entre los objetos, que no está basado en la reflexión o la observación, sino en lo inconsciente e involuntario. En las obras surrealistas, hay encuentros insólitos de objetos, conceptos, lugares y seres imaginarios surgidos de los sueños. Dalí: Fue uno de los más importantes representantes del surrealismo; sus obras, de un realismo minucioso, casi fotográfico, llegan hasta una representación ilusionista. Pintura Abstracta: Es el estilo artístico que enfatizan los aspectos cromáticos formales y estructurales resaltando su valor y fuerza expresiva sin imitar las formas normales. Surgió alrededor de 1910 como reacción al realismo e influido por la aparición de la fotografía que provocó la crisis del arte figurativo, siendo una de las manifestaciones más significativas del arte del siglo XX.

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El arte abstracto deja de considerar la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. Wassily Kandinsky.- Nació en Moscú en 1866 y muere en Francia en 1944. Llegó a una abstracción impregnada de sentimiento, su pintura está destinada a despertar la emoción en el espectador. Para él, el arte debía expresar el espíritu, la realidad interior, los estados de ánimo, los sentimientos. Esto es lo que le llevará a suprimir el título en muchas de sus obras. En 1910 ejecutó la primera acuarela sin tema, conocida como primer abstracto, sobre un espacio imaginario flotan y se “mueven” formas abstractas coloridas en ella. A partir de este momento comienza a pintar lienzos llenos de manchas cromáticas y formas simplificadas. Desde el alejamiento del natural y su tendencia hacia lo abstracto se efectuó una serie de obras que el mismo denominó impresiones, improvisaciones y composiciones como por ejemplo “Improvisación 26”.

TEMA N° 11

LOS ISMOS DEL SIGLO XX SEGUNDAS VANGUARDIAS OP - ART. (Arte Óptico) Principal representante Víctor Vasarely nació en Hungría 1908 y murió en Francia 1997. Se consideró el padre del OP- ART. Este movimiento pictórico nació en los Estados Unidos en el año 1958, es una corriente abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas. Se trató de un arte impersonal, técnico, en el que queda abierto, la posibilidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece. Surge como una derivación de la abstracción geométrica. En 1965, el MoMA (Museo de Arte Moderno de Nueva York) organizó una exposición llamada “El Ojo Sensible” (The Responsive Eye) en el cual varios artistas representantes y con ellos el padre de este movimiento Víctor Vasarely, mostraron sus obras quedando completamente definido este nuevo estilo y la revista Time publicó un artículo sobre este grupo de artistas que pretendían crear ilusiones ópticas en sus obras desde allí adoptó el nombre oficial OP-ART. Características: - La ausencia total de movimiento real, todas sus obras son físicamente estáticas. - Se pretende crear efectos visuales tales como movimientos aparentes. - Usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas; contrastes cromáticos, cambios de forma y tamaño, combinación y repetición de formas y figuras, entre otros Recursos ópticos. - En muchos casos el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente. - Se usa el acrílico (pintura) para obtener superficies lisas, limpias y muy bien definidas. Algunos teóricos han interpretado el nacimiento del OP - ART como una reacción contra el expresionismo abstracto (Aparece en 1950 por Jackson Pollock.) EXPRESIONISMO ABSTRACTO (Jackson Pollock) Realizó la técnica del goteo, dejaba caer la pintura sobre formatos muy grandes, donde las gotas de color tomaban formas al combinarse aleatoriamente (Casualidad). POP – ART. Se originó en Londres (Inglaterra) como movimiento que incorpora a la obra de arte, elementos tomados de la Cultura Urbana, en imágenes publicitarias. El POP- ART mantiene una postura crítica con respecto a los valores de la sociedad del consumo, en donde las comidas, las revistas, la música, están preparadas para ser consumidas con rapidez, sin tiempo

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para la reflexión y el gusto personal. El norteamericano Andy Warhol fue su representante más conocido. EL INFORMALISMO Antoni Tápies. Máximo representante del Informalismo del siglo XX, nace en Barcelona (España), el 13 de diciembre de 1923, es pintor, escritor y teórico del arte español. Es un movimiento pictórico que abarca todas las tendencias abstractas (enfatiza los aspectos cromáticos, tonales y la estructura interna) y gestuales. Gestuales: Es una técnica que intenta expresar mediante el color y la materia del cuadro, sensaciones tales como el movimiento, la velocidad o energía. Son muy importantes el color y los materiales no específicamente pictóricos con que se trabaja (Arena, alambre) para conseguir una superficie peculiar en la superficie del cuadro. Desde el punto de vista técnico, consiste en salpicar con pintura la superficie de un lienzo, de manera espontánea y enérgica, es decir sin ningún esquema pre fijado de forma que este se convierta en un “Espacio de acción” y no en la mera reproducción de la realidad. En esta técnica como mencionamos, el principal elemento es la acción o movimiento por parte del pintor. La pintura es derramada de forma sistemática, ingenua o espontánea por el pintor, cuando va creando su obra y de esta forma plasma sus ideas y conceptos abstractos. A veces se utiliza incorrectamente como sinónimo del propio Expresionismo Abstracto (Pollock) que se desarrollaron en Francia y el resto de Europa después de la Segunda Guerra Mundial, en paralelo con el Expresionismo Abstracto Estadounidense (Pollock). En Paris (Francia), aparecieron una serie de artistas que no representaban la realidad de manera explícita (Abstracción). La Postguerra creó un ambiente de duda, absurdo, falta total de grandes proyectos, por lo que los artistas no tenían causa por las que luchar. Es el auge de la experimentación. Desarrollaron una estética abstracta o “Informal” para traducir su expresividad, sentimientos e impresiones. EL HIPERREALISMO Es una tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX, que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. El término Hiperrealismo es también aplicable a la escultura y a la historieta. En el caso español algunas de las figuras relevantes del hiperrealismo serían los pintores: Antonio López y Eduardo Naranjo.

TEMA N° 12

PANORAMA DEL ARTE PICTÓRICO NACIONAL

INTRODUCCIÓN AL TEMA El indigenismo en el Perú va de la mano con la literatura del mismo nombre, Arguedas y demás. Esta corriente o movimiento importante surgió a mediados del siglo XX en Latinoamérica, e involucra la literatura, pintura, escultura, etc. El indigenismo quiso revalorar y rescatar la cultura indígena marginada y discriminada durante tres siglos con los españoles y hasta nuestros días, por nosotros la gente de la ciudad, llamando "serranos" (antes indios, hoy serranos campesinos), hay quienes creen que son seres inferiores, incluso que no tienen inteligencia; por lo cual se hacen detestables y más aún si "el serrano" tiene características físicas del mal llamado indio, esto es más alarmante si tienen apellido indígena. Bien "Esta cultura indígena", ha sobrevivido hace mucho tiempo por su solidez, aunque de forma muchas veces disfrazada, especialmente en las costumbres, tradiciones religiosas, los cuales son tomados por los artistas como fuente de inspiración para sus obras.

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PINTURA INDIGENISTA: Sus temas reflejan las características étnicas o raciales de los indios (hoy campesinos) y su entorno (paisaje, costumbres, vestimentas, etc.). Los pintores indigenistas utilizaron los colores y sus gamas fríos y cálidos de los campesinos, para sus trabajos pictóricos, los colores más utilizados son: Ocre (mostaza), rojo indio, violeta, azul verdoso, naranja, rojo naranja, crema, marrón (colores tierra), etc. PINTORES CONTEMPORÁNEOS INDIGENISTAS: JOSÉ SABOGAL (1888 - 1956), pintor y grabador peruano, nacido en Cajabamba (Cajamarca). Se formó en Italia, España y Argentina. Tiene como protagonista de sus obras al indio contemporáneo. Está considerado como uno de los grandes intérpretes e impulsores del indigenismo peruano. Al final de su vida se dedicó al rescate y difusión de las artes populares. PEDRO NOLASCO AZABACHE GUSTAMANTE. (Nació en Moche el 31 de enero de 1918). Desde que don Pedro Azabache, irrumpe en el panorama realizando una categórica muestra (exposición pictórica), en la institución cultural ínsula de Miraflores - Lima en 1944 a invitación de su maestro y amigo José Sabogal, apareció brillando con luz propia, y retribuyendo con creces todos los elogios, convirtiéndose según su maestro "por las características de su estilo colorido y fuerza" en el seguidor del indigenismo. En este contexto la obra del maestro Azabache se ha desarrollado fiel a sus ideales, sin ser tentados por las corrientes modernas de la pintura. Él continúa luchando contra todo obstáculo por lograr un auténtico acto de independencia cultural demostrando al mundo no solo la riqueza de su cultura natal, sino también su orgullo nacionalista. PINTORES DE NUESTROS DÍAS: Víctor Delfín (1929), Gerardo Chávez (l937). VÍCTOR DELFÍN: Uno de los artistas plásticos peruanos más conocidos a nivel Internacional. Es un renombrado pintor, escultor y artista gráfico que encuentra su fuente de inspiración en la antigua Cultura Paracas, mostrando las raíces prehispánicas del arte peruano. Se formó en la Escuela Nacional de Bellas Artes (Lima), dirigió la Escuela Regional de Bellas Artes de Puno (1960) y la Escuela Regional de Bellas Artes de Ayacucho (1961). Ha sido Docente en los Institutos Culturales de Providencia y las Condes en Chile. Obras importantes:“El Beso” (Lima), “Los peces de metal” (Huanchaco, Trujillo) entre otros. PINTORES LOCALES: Pió Muñoz; nace en Huaraz Perú 1945 y estudio en la escuela regional de bellas artes de Trujillo y fue alumno de Pedro Azabache. Actualmente sigue pintando con características indigenistas, y sigue exponiendo sus pinturas en el Perú y en el extranjero. Vocabulario: Gama: Conjunto de colores que tienen alguna relación entre sí, ejemplo: Gama de verdes, que incluyen los verdes "claros" (cálidos) hasta los más "fríos".

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TEMA N° 13

NUEVOS MEDIOS DE EXPRESIÓN DE LAS ARTES VISUALES EL GRAFITI. – Se llama grafiti, grafito o pintada (del italiano Graffiti o del inglésgraff) o varias formas de inscripción o pintura generalmente, sobre propiedades públicas o privadas ajenas (Como paredes, vehículos, puertas y mobiliario urbano, especialmente pistas). En el lenguaje común, el grafitti incluye lo que también se llama pintadas. Pintadas: El resultado de pintar en las paredes, frecuentemente con ideas con contenidos políticos o sociales,es sin o con el permiso del dueño del inmueble, también se le llama grafito, por extensión a los slogans que se han popularizado con estas técnicas y que son producto de una disconformidad de un grupo de jóvenes. Pero, es importante resaltar que la expresión grafiti se usa también para referirse al movimiento artístico del mismo nombre. Diferenciado de la pintura o como sub categoría de la misma, que tuvo su origen en el siglo XX. Este movimiento se inició en los años 60 en Nueva York (Según algunas fuentes bibliográficas). Existen diversos tipos de graffitis: Los Iconos (Cargados imágenes sugestivas y rebeldes), los textuales y los mixtos. PERFORMANCE.- Es una muestra escénica, creando actos teatrales efímeros, en donde involucra cuatro elementos básicos: tiempo, espacio, el cuerpo del artista y una relación entre este (Actor) y el público. El performance se opone a la pintura o a la escultura, ya que no es el objeto sino el sujeto el elemento constitutivo de la obra artística. Este se ayuda para su mejor representación de los avances tecnológicos como pantallas gigantes, televisión, luces computarizadas, proyección de figuras en el espacio o en edificios. LA EXPRESIÓN DRAMÁTICA EN LOS ESPACIOS PÚBLICOS Las diversas intervenciones urbanas (expresión dramática), instalaciones o acciones performativas, que desde hace algunos años se desarrollan en las calles, plazas, galerías y otros espacios públicos, van dando cuenta de los cambios que han estado ocurriendo en las prácticas escénicas latinoamericanas. En la actualidad el artista dramático, plástico, músico, desarrollan lo que dominan, para dar mensajes al público sobre diferentes temas, muchos son mensajes políticos, mensajes de protesta social, etc. Donde los asistentes casuales son atraídos por curiosidad y sin querer recogen mensajes que harán cambiar la forma de pensar. PINTURA CORPORAL O BODY PAINTING. Es una pintura artística aplicada a la piel. Se considera una de las primeras formas de expresión plástica, utilizados por nuestros antepasados. La Técnica aparece en Occidente a finales del siglo XX. Se trata de un arte Transitorio en el que el pintor crea un dibujo y luego pinta sobre su modelo (Hombre o mujer desnudo Completamente), para exhibirlos: en desfiles, en concursos, etc., para la satisfacción de los asistentes. La forma anatómica, pierde el interés, porque los temas pictográficos, reemplazan a la superficie humana (piel). FOTOGRAFÍA ARTISTICA Es la ciencia y el arte de obtener imágenes duraderas por la acción de la luz. Es el proceso de capturar imágenes y fijarlas en un medio material sensible a la luz. El naturalismo. Imitar la realidad y la naturaleza con un alto grado de perfección. (Apareció a mediados del siglo XIX) fue la puerta que se abrió para dar a la fotografía una verdadera importancia en el arte. La fotografía artística busca unos fines expresivos. Esta tiende más a la subjetividad, a diferencia de la fotografía de “prensa”.

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COMICS: Ilustraciones yuxtapuestas, a otras imágenes en secuencia, deliberadas con el propósito de transmitir información u obtener una respuesta estética del lector. Durante buena parte de su historia, fue considerado, incluso un sub producto cultural, apenas digno de otro análisis que no fuera el sociológico, hasta que en los años 60 del pasado siglo XX, se asiente a su reivindicación artística y se han propuesto considerar como el noveno arte (Séptimo arte, Cine. Octavo Arte, La Fotografía). Seguramente, sea este último medio y la literatura los que más hayan influido en el lector. Las Historietas suelen realizarse sobre papel o en forma digital, pudiendo constituir una simple tira en la prensa, una página completa, una revista o un libro. Se han cultivado en casi todos los países. ESCULTURA MONUMENTAL: Se llama así a las esculturas de gran tamaño, pudiendo utilizar para su fabricación la cantera metal o madera etc. y son colocados en grandes espacios, como plazas o pueden quedar en su lugar de origen.

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TEMA Nº 14:

EL CINE COMO ARTE VISUAL

El Arte visual propone una vasta integración; en principio esto se llevó a cabo integrando a la pintura o escultura, otros recursos y lenguajes diversos, tales como sonido, escritura, imágenes en movimiento (películas). Esto naturalmente genera una amplia cantidad de formas posibles de hacer arte. El cine (si hablamos de imágenes en movimiento) como forma de narrar historias o acontecimientos. Es arte y es considerado como sétimo arte. Las creaciones cinematográficas que se ocupa de la narrativa, montaje, guionismo, y en la mayoría de los casos consideran al director, como el verdadero autor, son considerados manifestaciones artísticas.

ANÁLISIS Y APRECIACIÓN DE LA OBRA CINEMATOGRÁFICA Erwin Panofsky.- Fue un estudioso importante en el desarrollo de la metodología de la historia del arte que postuló 3 niveles en el acercamiento a la imagen: Primer nivel preiconográfico, el segundo iconográfico y el tercer nivel el iconológico. ICONOGRAFÍA: Es la ciencia que estudia el origen y formación de las imágenes, su relación con lo alegórico y lo simbólico. En otras palabras, es la descripción de la temática de las imágenes.

ANÁLISIS CINEMATOGRÁFICO O ANÁLISIS PANOSFKIANO

El cine es un capítulo fundamental de la comunicación humana, son un modelo de expresión capaz de trasmitir tanto sentimiento como contenido de tipo intelectual. NIVELES PARA EL ANÁLISIS

Primer Nivel o preiconográfico: Es meramente descriptivo y contesta a la pregunta ¿Qué veo?. Es una descripción basada en la experiencia práctica y por lo tanto, es una interpretación primaria de lo que se ve.

El Segundo nivel iconográfico: Abarca el significado convencional de la obra. Se trata de averiguar los contenidos temáticos y para ello, hay que recurrir a la tradición cultural y al dominio iconográfico, o las fuentes literarias. Es un análisis a través de las fuentes literarias. Es un análisis a través de los llamados símbolos ordinarios.

El tercer nivel o iconológico: A través del cual se llega a la interpretación del significado intrínseco o contenido de la obra, se busca el significado que el creador le ha dado a esa imagen.

ASPECTOS GENÉRICOS: Los géneros cinematográficos se clasifican según los elementos comunes de las películas, así tenemos:

- Cine, género independiente.- no lo realiza una productora comercial. - Cine de Animación.- Cine de los Dibujos Animados. - Cine documental.- Imágenes tomadas de la realidad. - Cine experimental.- Es el más artístico. - Cine de autor.- se refiere al cine donde el director toma todas las decisiones. -

CLASIFICACIÓN POR SU ESTILO:

Drama: Cine que se centra principalmente en el desarrollo de un conflicto entre los protagonistas, o del protagonista con su entorno o consigo mismo.

Comedia: Con la intención de provocar humor y entretenimiento.

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Acción: Cuyo argumento implica una interacción moral entre el “bien” y el “mal” llevada a su fin por la violencia o la fuerza física.

Aventura: Contiene situaciones de peligro y riesgo.

Terror: Realizado con la intención de provocar tensión, miedo, y sobresalto de la audiencia.

Cine-miedo: Punto intermedio entre suspenso y terror.

Cine de ciencia ficción.

Cine romántico.

Cine musical.

Cine melograma: tiene una carga emocional o moral muy fuerte o emotiva atendiendo al gusto de cada persona.

Cine catástrofe: El tema principal es una gran catástrofe.

Suspenso (thriller); realizados con la intención de provocar tensión en el espectador.

Fantasía. DIRECCIÓN: Está a cargo del director de cine, es la persona que dirige la filmación de una película, dando instrucciones a los actores, decidiendo la puesta en cámara, supervisando el decorado y el vestuario y todas las demás funciones necesarias para llevar a buen término el rodaje de la película. PRODUCCIÓN CINEMATOGRÁFICA: Es el encargado de los aspectos organizativos, y técnicos de la elaboración de una película. Está a cargo de la contratación del personal, del financiamiento de los trabajos y del contacto con los distribuidores para la difusión y distribución de la obra. ACTOR: Es una persona que interpreta a un personaje en cine (teatro, televisión), la mujer dedicada a esta actividad se le llama actriz. GUIONISTA: Es la persona encargad de escribir el guión, ya sea una historia original, una adaptada de otro guión antiguo, o de una obra literaria.

ANÁLISIS ESTRUCTURAL AMBIENTE ESCENOGRÁFICO: Es un espacio donde trascurre el “tiempo del film”. El ambiente no es una “caja” en la que se mueven los actores, sino que incluye los decorados, escenarios, vestuario, maquillaje, la peluquería, son de hecho la manera de representar la realidad interna del guión. PERSONAJES: Es cada uno de los seres humanos que aparecen en una obra cinematográfica, más estrictamente es la persona o seres conscientes que existen dentro de una película además pueden ser, alienígenas, animales, dioses u objetos inanimados. CLASIFICACIÓN DEL PERSONAJE:

Protagónico.- Personaje principal de la obra, tiene un objetivo en la trama.

Personaje antagónico.- Personaje que se opone a que el protagónico logre su objetivo.

Personaje secundario.- Son todos aquellos, cómplices del protagonista o del Antagonista.

Extras.- Son personajes del ambiente, la gente en un bar, en las calles, soldados, en un ejército, muchedumbre. ARGUMENTO.- en el cine consiste, en la historia a grandes rasgos, completamente de principio a fin. IDEA CENTRAL.- Como su nombre lo indicó es la idea que en su entorno giran todas las acciones del drama.