Comentario 2ºBcs1ªEva

13
Historia del Arte 2º ESTATUA ECUESTRE DE MARCO AURELIO (Marta López) Es una estatua en la cual aparece Marco Aurelio montado a lomos de su caballo. Se trata de una escultura exenta, de tipo ecuestre. Durante la Edad Media estaba situada en el Palacio de Letrán en Roma, pero actualmente se encuentra dentro del Museo Capitolino y se exhibe una copia de ella en la plaza Campidoglio. Según el material utilizado (metal), se ha empleado la técnica del bronce. Presenta el aspecto del material que la compone, y gracias al tratamiento que tiene, la superficie es fácilmente visible, sin fuertes rupturas. No es una obra con muchos detalles, es decir, sencilla ya que solo se quería representar la presencia misma de Marco Aurelio. La escultura manifiesta claramente el espacio que ocupa, sin dar una percepción de pesadez. Composición: a diferencia de la mayoría de estatuas de este tipo, el caballo está representado fielmente a la realidad ya que se puede ver que las piernas de Marco Aurelio sobresalen por debajo del vientre, aunque él está plasmado más grande de lo que es. El caballo está apoyado con las dos patas traseras mientras que la cuarta la tiene levantada, pisoteando a un bárbaro y según algunos documentos era una la figura de un rey con las manos atadas a la espalda, la cual no nos ha llegado. También se destaca que no lleva ningún tipo de arma en la mano, sino que levanta la mano derecha con un airoso braceo, para perdonarle la vida al bárbaro. Tiene un aspecto de majestuosidad, con la mirada directa, y con un movimiento pausado. El tema principal es el poder y la grandeza divina y su significado es mostrar a Marco Aurelio como un señor de la tierra siempre victorioso y conquistador. IES Segundo de Chomón. Teruel 1

Transcript of Comentario 2ºBcs1ªEva

Page 1: Comentario 2ºBcs1ªEva

Historia del Arte 2º

ESTATUA ECUESTRE DE MARCO AURELIO (Marta López)

Es una estatua en la cual aparece Marco Aurelio montado a lomos de su caballo. Se trata de una escultura exenta, de tipo ecuestre. Durante la Edad Media estaba situada en el Palacio de Letrán en Roma, pero actualmente se encuentra dentro del Museo Capitolino y se exhibe una copia de ella en la plaza Campidoglio. Según el material utilizado (metal), se ha empleado la técnica del bronce. Presenta el aspecto del material que la compone, y gracias al tratamiento que tiene, la superficie es fácilmente visible, sin fuertes rupturas. No es una obra con muchos detalles, es decir, sencilla ya que solo se quería representar la presencia misma de Marco Aurelio.La escultura manifiesta claramente el espacio que ocupa, sin dar una percepción de pesadez. Composición: a diferencia de la mayoría de estatuas de este tipo, el caballo está representado fielmente a la realidad ya que se puede ver que las piernas de Marco Aurelio sobresalen por debajo del vientre, aunque él está plasmado más grande de lo que es. El caballo está apoyado con las dos patas traseras mientras que la cuarta la tiene levantada, pisoteando a un bárbaro y según algunos documentos era una la figura de un rey con las manos atadas a la espalda, la cual no nos ha llegado. También se destaca que no lleva ningún tipo de arma en la mano, sino que levanta la mano derecha con un airoso braceo, para perdonarle la vida al bárbaro. Tiene un aspecto de majestuosidad, con la mirada directa, y con un movimiento pausado.

El tema principal es el poder y la grandeza divina y su significado es mostrar a Marco Aurelio como un señor de la tierra siempre victorioso y conquistador.

Pertenece al estilo romano, de la época precristiana, y su autor es anónimo. Es la única estatua de bronce que podemos ver de aquella época gracias a una equivocación. Tras la conversión de Roma al cristianismo todas las estatuas eran fundidas para crear nuevos objetos en el ámbito de la Iglesia, pero como ésta se confundió con una estatua de Constantino I el Grande, el cual cristianizó Roma, no se destruyó. En la actualidad la estatua aparece plasmada en las monedas italianas de cincuenta céntimos de euro.Fue muy influyente en las estatuas ecuestres de la Edad Media, y fue un modelo para el primer Renacimiento.

EL PARTENÓN (Mapi Hernández)

IES Segundo de Chomón. Teruel 1

Gattamelata, Donatello

Page 2: Comentario 2ºBcs1ªEva

Historia del Arte 2º

ANÁLISIS DE LA OBRA:

El Partenón es el templo más característico de Grecia. Actualmente es patrimonio mundial y se llevan a cabo labores de conservación ya que se encuentra en ruinas. Pero a lo largo de la historia ha sufrido diversos cambios en su uso hasta llegar a su estado actual: se creó más que como un lugar de veneración, como un joyero que guardaba en su interior la estatua de Atenea y le daba abrigo. En 1208 albergó una iglesia bizantina, en 1458 se convirtió en una mezquita, en 1687 un polvorín turco estalló y destruyó gran parte del edificio, en 1801 los ingleses trasladaron con el permiso del gobierno los frisos y esculturas más ricas en detalles (hoy en día muchas de estas piezas se encuentran en museos como National Gallery de Londres) y por último en 1894 se produjo uno de los terremotos más importantes de la historia del país.

Elementos arquitectónicos:- La planta es de estructura rectangular, ajustándose a la concepción de los templos

griegos anteriores al siglo VI a.C. Se divide en tres espacios, pronaos, naos y opistódomos, a los que se le añade como novedad el Partenón o sala de las Vestales. Es períptero, es decir, rodeado de columnas. La medida del estilóbato es de 69,50m x 30,86m y está elevado sobre tres escalones a lo largo de todo el perímetro

- Los bloques de los muros se ponían sin argamasa mediante poleas, cabestrantes y grúas. Las superficies horizontales estaban tan cuidadosamente alisadas que se ajustaban perfectamente, por lo que las uniones son prácticamente invisibles aunque se mire desde cerca. Las caras verticales de los bloques contiguos se ahuecaban ligeramente por el centro y la parte inferior, dejando un borde suave por el centro y en la parte superior para hacer el ajuste. Este tratamiento de los extremos se llama anatirosis y significa “como el marco de la puerta.” La parte hundida se dejaba sin alisar. La función de los muros era sustentante y de cierre.

- Los materiales utilizados, excepto la madera de las techumbres, es exclusivamente mármol blanco que provenía de las canteras del monte Pentélico. Estos bloques eran tallados cuando ya estaban colocados en la obra hasta encajar perfectamente sin utilizar ningún tipo de argamasa, sino mediante grapas de plomo fundido.

- El templo es dórico, períptero y octastilo. Tiene gran cantidad de columnas, todas ellas de mármol, al igual que el resto del templo. La función de las columnas es decorativa dada su cantidad. Las columnas de los laterales es igual al número de columnas del frente por dos y más uno. Tiene 8 columnas dóricas de mármol en el frente y 17 en los laterales. En total son 46. Estas están divididas en 11 tambores, con una altitud de 10,43m. No tienen basa por lo que están apoyadas directamente sobre el estilobato. Los capiteles, como dóricos que son están formados por equino y ábaco. El entablamento está dividido en 3 partes: arquitrabe liso, friso con triglifos y metopas. En el interior también hay una gran cantidad de ellas. Intentaron reducir el espacio a cubrir dentro del templo y lo consiguieron por medio de dos filas de columnas que iban desde la parte delantera a la trasera de la naos y paralelas a los muros. Las columnas interiores estaban hechas en dos pisos; las columnas dóricas más cortas y más estrechas que las del peristilo para así no ocupar tanto espacio y las columnas de arriba, todavía más cortas y más estrechas. El Partenón tenía 8 columnas por la parte delantera y trasera para así conseguir una naos excepcionalmente ancha para poder mostrar la enorme estatua de Atenea en todo su esplendor

IES Segundo de Chomón. Teruel 2

Page 3: Comentario 2ºBcs1ªEva

Historia del Arte 2º

- El techo del Partenón está construido en madera, hay enormes vigas y pares que lo sujetan. Las tejas descansaban sobre una superficie colocada en los pares. Hay dos tipos de tejas: planas con los bordes elevados colocadas una al lado de la otra sucesivamente y tejas de cresta, que trazaban un punte entre las uniones de las tejas planas y así conseguían un tejado impermeable.

Elementos decorativos: En su origen el Partenón presentaba un aspecto muy diferente al actual; estaba policromado con colores muy vivos como el rojo, el azul, el verde y algunos tonos dorados.En el tejado había seis acroteras. En las cuatro esquinas del techo y en la parte superior del aguilón. Estas acroteras eran dibujos florares de formas bastante libres, pensados para disminuir la severidad de los extremos triangulares de los tejados del templo, del mismo modo que las antefijas suavizaban las líneas duras de los costados.

Su frontón poseía un espacio extraordinariamente amplio para las esculturas por tener ocho columnas en sus extremos. Las columnas estaban talladas en bulto redondo y todo tenía un significado.

- Friso: se rellenaron casi 160 metros de largo con esculturas de menos de 1metro, todas ellas en bajo relieve. Se pusieron metopas que representaban batallas míticas; una diferente por cada lado. Las del lado sur mostraban el conflicto de los lapitas con los centauros. También había algunas que mostraban alegorías míticas de las guerras médicas o de la guerra de Troya.

Había un gran número de jinetes, algunos hombres en carros y jóvenes llevando bandejas o tinajas de agua o llevando animales hacia el sacrificio. Por el este muchachas con los cuencos de las ofrendas llegaban a una asamblea de dioses y héroes. En el centro, un funcionario y su ayudante sostienen un gran paño plegadoEsta procesión debía recordar a los atenienses la gran procesión panathenaica en honor de Atenea, que regularmente se realizaba junto al friso esculpido

- Frontones: fueron tallados en el suelo y levantados posteriormente mediante poleas. El frontón del oeste muestra el enfrentamiento de Atenea y Poseidón por el patronazgo de Atenas y el frontón del este en la parte delantera muestra el nacimiento de Atenea. Pero apenas quedan restos de esas dos composicionesLos cuerpos de las figuras están vestidos con paños sueltos de mucha curvatura que captarían la luz y darían claridad a las formas aunque se estuviera viendo de lejos

Dimensiones y proporciones, espacio y función:

El Partenón tiene unas dimensiones y proporciones muy exactas. Es una gran obra de ingeniería. Los arquitectos se esforzaron en diseñar el templo de manera que fuera perfecto a la vista del ojo humano y no sufriera deformaciones como ocurre cuando nos encontramos delante de grandes edificios. Esto lo consiguieron mediante los llamados refinamientos arquitectónicos.El primero está relacionado con la superficie. En los cuatro lados del templo había una ligera curvatura en dirección hacia el centro para animar el edificio, de manera que no parezca tan regular o para impedir que la parte central pareciera combarse.En segundo lugar hay un estrechamiento en las columnas, pero no lo hacen siguiendo una línea recta, sino que tienen una éntasis a los 2/3 de su altura.El tercer refinamiento está relacionado con el ángulo en el que se colocaban las columnas ya que ninguna de ellas esta completamente recta, sino que se inclinan ligeramente hacia el interior y las de la esquina tienen una doble pendiente.El templo está dedicado exclusivamente a Atenea, era muy valioso para los atenienses y significaba el progreso del pueblo. En el interior del templo se encontraba el principal elemento, la monumental estatua de Atenea de 10 metros de altura que costó más del doble de lo que costaba el resto del templo. Fue creada por Fidias. Los materiales son oro y marfil sobre madera

IES Segundo de Chomón. Teruel 3

Page 4: Comentario 2ºBcs1ªEva

Historia del Arte 2º

y en los ojos tenía incrustadas unas piedras preciosas, que aportaban a su mirada mucha serenidad y transmitía miedo.La única luz que entraba al templo procedía de la puerta y daba directamente a la estatua de la diosa, dejando el resto del templo oscurecido. Debido a los materiales su ropa brillaba y sus ojos destellaban.

CLASIFICACIÓN Y CONTEXTO HISTÓRICO-SOCIAL - Pertenece al arte clásico de Grecia, casi todo el templo es de orden dórico, menos el

friso de la naos que es de orden jónico- El templo fue mandado construir por Pericles hacia el año 447 a.C. y fue terminado

hacia el año 432 a.C.- Los responsables de la obra fueron Ictino y Calicrates que estuvieron bajo las

órdenes del arquitecto y gran escultor Fidias, que fue el autor de la monumental estatua de Atenea que este templo albergaba.

- El templo fue construido en el lugar donde se había iniciado la batalla de Maratón, sustituyendo a otro templo que había antes y que fue destruido con las guerras Médicas. Pericles sugirió que fuera financiado con fondos estatales. Este trató de que la belleza del templo estuviera a la altura cultural de Atenea, ya que fue dedicado a esta por la victoria que consiguió en su disputa con Poseidón.

- El Partenón es considerado como la obra más importante del arte griego clásico que se conserva hoy en día y el edificio más importante del orden dórico. Es el edificio más hermoso y representativo de Atenas. Aunque mucha gente lo pueda considerar como cualquier otro templo dórico períptero, era inusual, no solo por el cuidado exquisito de las tallas y el acabado, sino también por las sutilezas que se incluyeron en el diseño y por la abundancia de figuras con que se decoró. Ha influido mucho posteriormente como arte clásico. En Nashville, EE.UU. encontramos “The American Parthenon” que es una reconstrucción del auténtico Partenón de Atenas.El arte clásico se encuentra muy presente todavía en nuestros días.

EL LAOCONTE Y SUS HIJOS (Blanca Aguilar) El Laoconte y sus hijos, es un grupo escultórico de la época helenística, aproximadamente en el s.II a.C. Fue realizada por Agessandro, Polidoro y Ateneodoro de Rodas, pertenecientes a la Escuela rodia. Su estilo es similar al de la época helenística pero con un dramatismo más extremado. Es una imagen mitológica que escenifica el momento en que durante el asedio de Troya dos serpientes fueron enviadas por Apolo, Poseidón o Atenea y atacaron al Laocoonte sacerdote troyano de Apolo y a sus dos hijos. Hay diferente versiones sobre este hecho.

IES Segundo de Chomón. Teruel 4

Page 5: Comentario 2ºBcs1ªEva

Historia del Arte 2º

Es un bulto redondo ya que es una escultura exenta y representa la tercera dimensión en sus proporciones reales (aunque muestra una perspectiva jerárquica), y desaparece la serenidad y equilibrio clásicos. Está realizada en mármol rosado y blanco, es una escultura de cuerpo entero en bulto redondo, pero tiene un punto de vista frontal.Es una figura claramente en movimiento ya que representa un instante de desesperación y sufrimiento intentando luchar contra las serpientes. Tiene una disposición frontal, pues se puede apreciar al completo desde delante.Los personajes aparecen desnudos claramente idealizados, los hijos son de tamaño normal pero el Laoconte es mucho más grande representando su superioridad (o a la inversa).Esta escultura fue descubierta en 1506 en una viña cercana a Sta. María la Mayor terreno propiedad de Felice de Fredis que se encontraba en el Esuilino romano, y que en tiempos antiguos había sido parte del Domus Aurea de Nerón y luego del palacio del emperador Tito. En la actualidad pertenece a los Museos Vaticanos de Roma. La compró el Papa Julio II pero también estuvo en Francia.La expresión de los rostros de los personajes es de terror y desesperación, ya que las serpientes les cubren totalmente, la figura de la izquierda que es el hijo menor es con el Laoconte las más expresivas, el Laoconte representa el dolor por la serpiente que le está mordiendo, mientras que el hijo mayor el que aun tendría posibilidad de huir mira a su padre pidiéndole ayuda. La expresión del rostro de Laocoonte es muy similar al del gigante que Atenea coge por el pelo en el Altar de Zeus de Pérgamo.

LA AFRODITA DE CNIDO (Mar López Clérigues)

Esta obra escultórica pertenece al año 360 a.C., a la época posclásica. Su autor fue Praxíteles, escultor ateniense de la belleza sensual y juvenil cuyo legado escultórico es extenso y que se caracterizó en muchas de sus obras por la representación del cuerpo humano en la pose denominada curva praxiteliana, según vemos en esta obra con la que inicia su exaltación del desnudo femenino.La Afrodita original desapareció en un incendio durante la rebelión de Nika (Constantinopla), estuvo destinada a permanecer en un templo de la ciudad helénica de Cnido, por la que toma su nombre.Se trata de la diosa griega del amor erótico, la belleza y la fertilidad. Representada en una pose un tanto sorprendida por la posible presencia de un extraño, en el momento que se dispone a tomar su baño. Esa es la causa de que con una de

IES Segundo de Chomón. Teruel 5

Page 6: Comentario 2ºBcs1ªEva

Historia del Arte 2º

las manos se esté tapando el pubis, mientras que con la otra está dejando caer sus vestiduras sobre una hydria (gran ánfora para el agua).Esta actitud ha sido llamada “reglamiento intimista”, usado para representar divinidades en pose despreocupada.

Dicha obra se labró en mármol, lo que le proporciona una fina textura que le aporta sensualidad al conjunto, el cual se sostiene en la hydria y las vestiduras que actúan como soporte estructural.Es una escultura que representa una figura humana exenta, de bulto redondo y de cuerpo entero.Su ejecución tiene como finalidad la plasmación de la belleza femenina buscando la expresividad de la gracia juvenil mediante la naturalidad y un aspecto personalista que fomentan el realismo de la obra.

DISCÓBOLO (Irene Colomer)

Realizado en el año 406 a.C por el escultor Mirón.Mirón nació en 480 a.C, fue un escultor de bronce y uno de los más conocidos autores del arte griego. Cuyas aportaciones en la escultura supusieron una transición al arte clásico.La escultura original fue realizada en bronce y hoy en día se encuentra en el museo Nazionale romano en la capital de Italia. Aunque han aparecido muchas imitaciones esculpidas en mármol con la técnica del mármol blanco, una de las más importantes de ellas es conocida como Lancelotti (1781). Discóbolo quiere decir “lanzador de discos”, función que está apunto de realizar el deportista plasmado en la escultura. En ella está esculpido el personaje entero con lo cual es una escultura completa.Mirón representó el cuerpo justo en el momento de su máxima tensión, pero ese esfuerzo no se refleja en su rostro, que solo permanece concentrado. Su cuerpo retorcido representa el vigor, pero también la armonía y la delicadeza. Y está puesto hacia delante para luego poder lanzar el disco.

IES Segundo de Chomón. Teruel 6

Page 7: Comentario 2ºBcs1ªEva

Historia del Arte 2º

Su cuerpo aparece en un equilibrio sin estabilidad, formando dos arcos. Uno formado por los brazos y los hombros, hasta su pie elevado y el segundo, cortante al primero, lo forman la cabeza, la espalda y el pie que sostiene al cuerpo. Y a partir de estos arcos la figura se

desarrolla siguiendo una línea desde el disco hasta el pie levantado.Hay que tener en cuenta su contexto histórico en el cual se realizó la obra. Fue una época de gran auge en Grecia y en pleno dominio sobre los persas que intentaban invadirles sin poder conseguirlo.El discóbolo iba a estar situado en una calle de Atenas. Expuesto a muchos factores diversos.La escultura tiene un significado iconológico, ya que vemos cómo está plasmado un deporte, con una figura humana ideal.

FRISO DE LAS PANATENEAS (Esther Peiró) ANÁLISIS DE LA OBRA: El friso es una decoración arquitectónica en el Partenón de Atenas, mide 160 metros de largo por 1 de ancho y unos 5 centímetros de fondo. Recorre la parte que hay entre el arquitrabe y la cornisa del templo. En cuanto a aspectos técnicos hay que destacar la importante frontalidad de los cuerpos, que transmite un gran realismo, a diferencia de las caras. Se utilizó un bajo y medio relieve, hecho a mármol blanco para tallar todas las figuras que lo componen.Estaba pintado aunque actualmente no se conserva pintado, en concreto, el fondo es liso y estaba pintado de un color oscuro para que resaltasen las figuras.

En el Friso se narra la Procesión de las Panateneas, (fiesta religiosa en honor a Atenea, protectora política de la ciudad de Atenas, donde se le ofrecía el peplo). En él, la procesión ciudadana es la protagonista, mientras que la escena religiosa principal está en el lugar más sagrado, el lado oriental, que corresponde con el lado frontal del templo, aunque aún así ocupa un espacio muy limitado respecto al resto del friso. A lo largo del friso quedaba reflejada toda la sociedad

ateniense que estaba representada ordenadamente por niveles de importancia. CLASIFICACIÓN Y CONTEXTO HISTORICO-SOCIAL:

IES Segundo de Chomón. Teruel 7

Page 8: Comentario 2ºBcs1ªEva

Historia del Arte 2º

Este friso formaba parte del Partenón de Atenas, pero actualmente se encuentra en el British Museum. Fue escupido entre los años 447-438 a.C. por el arquitecto y pintor Fidias. Se trata de una escultura clásica griega, una de las más importantes que el autor hizo en su vida.

ARA PACIS (Sergio Herranz)

Altar hecho en el año 13 a.C que se hizo para simbolizar las victorias del emperador romano Octavio.

El Ara Pacis se sitúa en lo alto de un pedestal escalonado y bordeado por unos muros. Tiene dos puertas de acceso, una para la entrada de las diferentes personas y otra para la entrada del sacerdote.

Está decorado en su interior por relieves de guirnaldas y flores simbolizando la prosperidad y en su exterior, podemos ver a Augusto y a toda su familia, amigos y colaboradores andando con gesto de seriedad. Estos relieves están enmarcados en un espacio rectangular. Los relieves destacan por sus

diferentes planos, generando una sensación de profundidad para así poner en planos más cercanos a personajes más importantes dejando atrás a los menos importantes. La sensación que transmiten los relieves es de movimiento ya que están representados como si estuvieran hablando.

IES Segundo de Chomón. Teruel 8