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CINQUECENTO

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Donato Bramante 1444-1514•Nace en un lugar cercano a Urbino, ciudad donde se formó. A finales del s. XV está en Milán al servicio de Ludovico Sforza para el que construyó Santa María della Grazie donde queda patente ya su interés por el espacio y la perspectiva. •En 1500, Bramante se traslada a Roma, dedicándose al estudio de las ruinas, las composiciones estructurales y técnicas constructivas. •En 1500-1510 construye el templete de San Pietro in Montorio. El papa Julio II le encarga la construcción de la basílica de San Pedro. Sin embargo, y debido a la temprana muerte de Bramante tan sólo quedó el proyecto.

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San Pietro in Montorio

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San Pietro in Montorio•Financiado por los RRCC. Comenzado en 1500 y terminado en 1510. Encajonado en el patio del convento, sus formas tienen un profundo sentido simbólico:• Es circular símbolo de la esfera del universo. El orden dórico se utilizó en la antigüedad para los templos de dioses y ahora se recupera para las iglesias dedicadas a santos viriles y fuertes. También se utiliza el cuadrado símbolo de los cuatro puntos cardinales: casi todo es múltiplo de 4:16 columnas y 48 metopas del entablamento. El nº tres es el nº de la Trinidad: tres escalones de acceso y la proporción entre el diámetro y la altura es ¾.•La cripta recordaría las catacumbas, el cuerpo circular rodeado por columnas la iglesia militante y la cúpula el cielo. En las metopas se representan objetos litúrgicos y en la metopa del eje se representa el cáliz, como exaltación de la Eucaristía.•Bramante se permitió algunas licencias: la puerta de entrada es recta y no curva, porque está hecha para verse de frente, la balaustrada no tiene función ni podría tenerla por sus proporciones, pero sí la tiene visualmente dado que enlaza el cuerpo inferior, elevándolo, con el de la cúpula.

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Bramante. Claustro Santa María de la Paz

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Bramante. Planta de San Pedro de RomaLa construcción del edificio se inicia en 1506. Julio II le encarga el proyecto a Bramante que diseña una planta de cruz griega inscrita en un cuadrado y cubierta por cinco cúpulas. Bramante murió en 1514 y sus sucesores Rafael, Fra Gioconda da Verona y Giuliano de Sangallo cambiaron el plano. A su muerte solo se había edificado solo los cuatro grandes pilares que debían sostener a la gran cúpula central. Posteriormente, el Papa Pablo III encomendó la dirección de las obras a Miguel Ángel.

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Miguel Ángel. Cúpula de San Pedro.• A partir de 1546 se encarga del edificio Miguel Ángel, que levantó la enorme cúpula de 46 metros de diámetro que corona el edificio, sostenida sobre cuatro pechinas. •Para descargar su enorme peso diseñó otras cuatro cúpulas de menor tamaño, aunque finalmente sólo fueron construidas dos de ellas, cuando ya las obras eran dirigidas por Vignola. •Finalmente, la cúpula (con algunas modificaciones) se concluyó en 1591, más de veinte años después de la muerte de Miguel Ángel. La gran cúpula se encuentra justo sobre el altar mayor y la tumba del Apóstol Pedro.Se inspira en la cúpula de la catedral de Florencia.

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Miguel Ángel. Biblioteca Laurenciana.

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Biblioteca Laurenciana• Encargada en 1524 por el papa Medici

Clemente VII para la conservación de la colección de códices de la familia. Fue terminada por Ammannati y Vasari.

• La triple escalinata que se resume en una sola rampa, planeada por Miguel Ángel es el ejemplo del Manierismo por la utilización de elementos clásicos de un modo anticlásico: ruptura del espacio, alternancia de diversos tipos de escalones, balaustres y podios como barandilla.

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Miguel Ángel. Plaza del Capitolio. Roma.

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Palacio Farnesio. Sangallo, M. Ángel

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Palacio Farnesio

• Proyecto de Sangallo por encargo del cardenal Alejandro Farnesio (futuro Pablo III)

• Los trabajos, iniciados en el 1514, fueron retomados por Miguel Ángel, a la muerte de Sangallo en 1546, que realiza la cornisa que delimita superiormente la fachada, el balcón sobre el portal central y el acabado de gran parte del patio interior.

• La muerte del Papa interrumpe nuevamente los trabajos. La fachada de ladrillo con aristas en travertino, se articula en tres pisos. Las 13 ventanas de cada piso presentan diferentes decoraciones y las del piso noble están coronadas de frontones alternativamente curvilíneos y triangulares.

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Andrea Palladio 1508- 1580•En 1540 es reconocido como maestro arquitecto. Es autor de “los Cuatro libros de arquitectura” y de más de 50 obras arquitectónicas. •Realiza villas señoriales en el Véneto como Villa Capra, iglesias en Venecia como el Redentor o San Giorgio el mayor, y es arquitecto mayor en Vicenza donde realiza la Basílica y el Teatro Olímpico. • Se caracteriza por un clasicismo manierista, que reitera elementos estructurales y la casi ausencia decorativa. Influye en la arquitectura inglesa y americana (El Capitolio)

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Basílica de Vicenza

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Basílica de Vicenza 1549

Realizada sobre un edificio del s. XV, Palladio diseñó el muro exterior de mármol y la logia. Es manierista por la reiteración de los elementos constructivos y su ausencia de decoración.

•El módulo que reitera tiene su modelo en el arco de triunfo.

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Palladio. Villa Rotonda.

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Villa Rotonda 1566

•Edificio cuadrado inscrito en un círculo, Cada una de las cuatro fachadas presenta un pórtico clásico. Cada pórtico remata en un frontón decorado con esculturas que representan divinidades clásicas. Cada acceso conduce a la sala central, cubierta por una cúpula. La villa resulta así en una arquitectura abierta, relacionada con el campo circundante.•Para lograr en cada habitación una exposición similar al sol, la planta fue rotada 45 grados respecto de los puntos cardinales. Con el uso de la cúpula, aplicada por primera vez a un edificio residencial, Palladio enfrenta el tema de la planta central, reservada hasta aquel momento a la arquitectura religiosa.

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Palladio. Teatro olímpico. Vicenza.

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Teatro Olímpico de Vicenza

•Reinterpreta la estructura y monumentalidad de los teatros del mundo grecorromano.

•Cávea coronada por una tribuna con columnas y estatuas.

•Escenario decorado con un grandioso arco triunfal poblado de estatuas por cuyos tres vanos es visible la perspectiva de cinco calles igualmente flanqueadas de nobles mansiones.

•Por todo ello es manierista.

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San Giorgio el mayor. Venecia

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Vignola 1507-1573•Manierista.•Influido por Alberti y Sangallo.• Se estableció en Roma en 1530, siendo discípulo de Miguel Ángel a quien sucede en la basílica de San Pedro, añadiendo las pequeñas cúpulas laterales.•IL GESÚ sede de los jesuitas, que fue adoptado por todas las iglesias de la Compañía.•Es de planta de cruz latina cuyo transepto no sobresale en planta, de una sola nave con capillas laterales comunicadas entre sí, cubierta por bóveda de cañón con lunetos que la iluminan. Cúpula sobre pechinas sobre el crucero. En el exterior, dos cuerpos unidos por medio de volutas fue realizado por Giacomo della Porta.

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Il Gesú 1568. Ideales de la Contrarreforma: No hay nartex: Una nave central acoge a los fieles, de manera que la congregación esté junta y concentrada en el altar mayor. En lugar de naves laterales hay una serie de capillas interconectadas que sirven a la confesión en un ambiente de recogimiento.

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Portada de Il Gesú. Giacomo della Porta

• Está compuesta por dos cuerpos y sus calles se delimitan con pilastras de orden compuesto.

• La portada es adintelada, sobre ella un frontón semicircular, enmarcada en columnas adosadas compuestas que terminan en entablamento y dos frontones: triangular y semicircular. A ambos lados de la puerta otras dos portadas más pequeñas a las que se superponen hornacinas. Todo ello se remata en frontón.

• Ambos cuerpos de unen mediante volutas.

• Esta fachada servirá de modelo a las del barroco.

12/04/23 Pilar Morollón IES San Isidro 24Escultura

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Miguel Ángel Buonorroti: Características• Influencia de Donatello. •  Busca representar IDEAS en el sentido neoplatónico y su

ideal de belleza. • Crea un mundo de GIGANTES, de actitudes grandiosas,

facciones perfectas y gestos terribles TERRIBILITÁ. Esas figuras son arquetipos humanos, fruto de la unión de alma y cuerpo. Sus rostros que carecen de expresiones superficiales.

•  Cuerpos de anatomía perfecta con una musculatura muy acusada y en gran tensión, representando un movimiento contenido y crispante. Esto es fruto de los largos años dedicados al estudio de la anatomía y a la gran impresión que le produjo el grupo del Laoconte, descubierto en 1506.

• Los cuerpos en tensión describen posiciones ricas en movimiento.

•  Además de escultor y pintor, es arquitecto que intervendrá en el diseño de la basílica de San Pedro.

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Etapas: 1475-1505. Aprendizaje•Nace en Caprese, cercano a Arezzo porque su padre era Podestá del lugar y cuando termina su mandato, vuelve con su familia a Florencia. •Estudia escultura en el taller de Betoldo di Giovanni seguidor de Donatello, y pintura en el taller de Ghirlandaio a la edad de 13 años. Deja ambos talleres para entrar en el jardín de Lorenzo el Magnífico de Medici, academia libre de artistas, humanistas y poetas que intentan recrear el arte antiguo basándose en textos, esculturas arquitecturas de la antigüedad clásica. En ese círculo predominaba la filosofía neoplatónica de Pico della Mirandola. Esta es una etapa en la que Miguel Ángel comienza a esculpir en busca de la belleza ideal. Virgen de la Escalera. Piedad. David

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Virgen de la escalera.•Relieve aplastado al modo de Donatello.• La perspectiva de la escalera sugiere profundidad.• Las figuras son ya colosales y las anatomías rotundas y muy bien estudiadas, con movimiento contenido.• Estudios de los paños a la manera clásica que se pegan al cuerpo de la Virgen que es una figura de corpulencia casi masculina de alto contenido espiritual.

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Piedad 1497•Grupo escultórico de composición cerrada de forma piramidal, tallado en mármol de Carrara.• Armonía al contraponer dos movimientos: el eje vertical del cuerpo de la Virgen y el horizontal de Cristo.• La Virgen es una adolescente de gran espiritualidad, símbolo de su eterna pureza .•El cuerpo de la Virgen es enorme en comparación con el de Cristo que es más ligero y de anatomía perfecta. •Gran estudio de los paños y pliegues, de gran plasticidad.

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David. 1501•Símbolo de la República al representar al personaje bíblico que se enfrentó con un gigante Goliat, del mismo modo que Florencia se enfrentaba a sus grandes enemigos.• Es una figura gigantesca compuesta como las figuras de la antigüedad en contraposto.• La anatomía es perfecta y proporcionada según su propio canon. •La musculatura está en tensión, modelando cada parte anatómica, con un violento movimiento contenido, y su mirada ya tiene ese gesto duro y violento de terribilitá.• El artista no representa la acción, sino su impulso moral, la tensión interior que precede al desencadenamiento del acto.

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Etapa de madurez 1505-1533: En 1505 el Papa Julio II le llama a Roma para que realice su mausoleo, que le mantendrá ocupado 40 años y nunca lo terminará. De él quedan EL MOISÉS y DOS ESCLAVOS. Se encarga de la cúpula del Vaticano y de la Capilla Sixtina. Julio II muere en 1515, Miguel Ángel vuelve a Florencia donde el nuevo Papa León X le encarga la construcción de la nueva sacristía con las tumbas de sus antepasados los Medici (1520-1534) y la Biblioteca Laurenciana.

ETAPA MANIERISTA 1534-1548: En 1534 Miguel Ángel vuelve a Roma para realizar los frescos del Juicio Final. Son los años en los que frecuenta los círculos "reformados" de Vittoria Colonna, lo que supone una incertidumbre religiosa y artística.

ETAPA DE VEJEZ 1548-1564 Cuando termina el Juicio Final, Paulo III le encomienda otros frescos, los de la Capilla Paulina. Realizó su última obra escultórica La Piedad Rondanini

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Miguel Ángel. Moisés.•Figura exenta de mármol. •Es la escultura central de la tumba de Julio II. En él abandona el ideal de la figura humana autónoma, pues pertenecía a un grupo escultórico más amplio y su significado estaba completado con el resto de las figuras.• Le dota de una aumento de la expresividad: indignación de violencia contenida y representación de la ira por la contracción extrema de sus rasgos faciales y la tensión anatómica• monumentalidad gigantesca. Tensión corporal, movimiento contenido y crispado. Terribilitá

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Esclavo encadenado.

Escultura de bulto redondo en mármol de 2,25 m. es una alegoría del imperio de la naturaleza sobre el hombre, según la filosofía neoplatónica. Formaba pareja con el ESCLAVO REBELDE que significaría la rebeldía del alma humana frente a esa esclavitud de la naturaleza. Está inacabada.

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Miguel Ángel. Tumba de Lorenzo Il pensieroso.

•Concibe un espacio arquitectónico vacío, símbolo del espacio de la otra vida, del alma liberada de la materia, a este espacio se asoman las figuras de los príncipes, llegados de la vida. •La idea de que los muros son el umbral entre el mundo y la vida ultraterrena viene acentuada por las cuatro esculturas colocadas sobre los sarcófagos: el día, la noche, la aurora y el crepúsculo. •Son imágenes del Tiempo y la torsión en espiral de sus cuerpos significa el transcurso del tiempo.

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Miguel Ángel. Tumba de Giuliano de Medici.

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Piedad Rondanini 1564.• En esta obra consuma su ruptura con el clasicismo. Su arte se desliga de la concepción de armonía y belleza y se hace cada vez más expresión de una idea, llegando al manierismo. •En esa escultura refleja la crisis religiosa de sus últimos años. Es un símbolo en el que las formas están reducidas a una mera estructura formal, llegando al antinaturalismo extremo•Es un grupo escultórico inacabado, está desprovista de cualquier detalle realista, hay una despreocupación por la belleza plástica, eliminación del esquema compositivo anterior: no hay nada que contraste la verticalidad de las figuras y es un conjunto atormentado en el que nada distrae al espectador de la sensación de desolación que transmiten estas dos figuras abrazadas formando un bloque.

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Benvenuto Cellini 1500-1571•Comenzó siendo aprendiz de orfebre. •Su apasionado temperamento le hizo involucrarse en continuas peleas y llegó a matar a un hombre. Llegó a Roma en 1519 y fue discípulo de Miguel Ángel.• Trabajó para las principales familias de la aristocracia romana. Fue encarcelado por dos asesinatos pero fue perdonado y marchó a Francia invitado por Francisco I, donde realizó el salero de oro y esmalte. El monarca le concedió una pensión anual pero regresó a Florencia donde trabajó bajo el mecenazgo de Cosme I de Medici realizando el Perseo en la que se muestran influencias de la Miguel Ángel.

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Perseo.

Tema elegido por Cosme I, como símbolo de victoria sobre sus enemigos: Perseo es un joven héroe victorioso y sereno cuya tranquilidad se convierte en distanciamiento del horror de la sangre que brota a chorros y de las serpientes que se retuercen alrededor del rostro de la Medusa. Sólo se aprecia un imperceptible fruncimiento de las cejas y de las ventanas de la nariz que expresa la emoción contenida del héroe, dueño de sus sentimientos.

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Cellini. Salero de Francisco I. Neptuno y Venus.

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Giambologna 1529-1608

• Juan de Bolonia nació en Flandes. Tras unos estudios de artes en Amberes, se trasladó a Roma donde estudió la obra de Miguel Ángel que le influirá en la tensión y el dinamismo de sus figuras. Pío IV le encargó la estatua de Neptuno. En 1553 se asentó en Florencia donde se convirtió en escultor de los Medici, realizando numerosas esculturas hasta su muerte a la edad de 79 en la misma ciudad.

• Manierista, estudioso de la antigüedad e influido por Miguel Ángel. Sus estatuas están cuidadosamente equilibradas, dándole una ligereza y gracia.

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Fuente de Neptuno.

Emplazada en el centro de la ciudad de Bolonia. Fundida en bronce. Torsión manierista en el musculoso dios marino, sobre un pedestal de mármol con putti, delfines y arpías que convierten en surtidores sus pechos.Preferencia por las formas redondeadas, que debió aprender a su paso por Francia cerca de los manieristas de la escuela de Fontainebleau

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Rapto de las Sabinas 1582

Grupo escultórico de tres cuerpos enlazados en el espacio: el vencido en el suelo con los miembros encogidos, el romano que dibuja un arco, y la Sabina que intenta zafarse con un gesto de su espalda. Rasgos manieristas: alargamiento de las figuras, gesto desmedido y teatral, espacio angosto, figura serpentinata: el grupo gira como una espiral en movimiento extremo.

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Mercurio. Museo Louvre

•Canon alargado y figura serpentinata. •Trabaja con precisión músculos y facciones. •Mercurio volador, es un agilísimo estudio del cuerpo juvenil en diagonal anticipadora del barroco, plena de virtuosismo técnico y ligereza de ballet.

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Giambologna. Estatua de Felipe III.

Madrid 1616

Terminada por Pietro Tacca. Fue un regalo de Cosme de Medici al rey. Realizada basándose en un retrato de Pantoja de la Cruz

12/04/23 Pilar Morollón IES San Isidro 44Pintura

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Leonardo Da Vinci 1452-1519•Se conservan de él muchos dibujos: anatómicos (internos y externos), de movimiento, tanto de personas como de animales, y de lugares reproducción de paisajes. Pero sólo se conservan 15 pinturas y un fresco.• Gran conocedor de las cualidades de la materia y de sus texturas.  •Estudioso y gran conocedor de los sentimientos, de los gestos, del dibujo, de la luz y del volumen.• Le influyen las experiencias artísticas del s. XV a través del taller de Verrocchio.• Crea la PERSPECTIVA AÉREA utilizando el SFUMATO: efecto vaporoso que se obtiene por la superposición de varias capas de pintura extremadamente delicadas, proporcionando a la composición unos contornos imprecisos, así como un aspecto de lejanía. •Su pintura es una gradación de luces y sombras a las que se subordina el color. Sus figuras están inmersas en el paisaje al que están unidas por obra de la luz.•Sus anatomías están tan bien estudiadas que tiene en cuenta todos los aspectos orgánicos para realizar sus figuras. •Sentido del misterio.

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Etapas artísticas•1452-1482: Nació en Andriano, aldea cerca de Vinci, creció observando la naturaleza. Se trasladó a vivir a Florencia con su padre en 1469 y hasta 1476 trabajó en el taller de Verrochio, y de él le influyó los tipos faciales (sonrisa). Retrato de Ginevra Venci.

• 1482-1499: Se traslada a Milán a la corte de Ludovico Sforza “el Moro” donde recibe encargos técnicos: fundición de cañones, instalación de calefacción, proyectos de urbanismo. Allí realizó apuntes sobre anatomía humana, y continuó con sus estudios de mecánica, de hidráulica, de óptica, de botánica y de geometría y física. Realiza la Virgen de las Rocas, retratos y la Última Cena. Milán fue tomada por los franceses en 1499. Leonardo abandona la ciudad. de allí va a Venecia, donde influirá en los pintores venecianos.

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Andrea Verrocchio y Leonardo

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Leonardo. Medidas humanas

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Leonardo. Dibujos anatómicos.

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Leonardo. Dibujos

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Retrato de Ginevra Venci.•Hermana de un cosmógrafo amigo de Leonardo. Retrato de matrimonio.• Óleo sobre tela.Composición triangular y cerrada.• Nuevo tipo de retrato: cuerpo ligeramente de perfil y mirada hacia el espectador. •Estudio de la luz. Claridad viva en el rostro SFUMATO rodeada de una sombra casi transparente que une la figura con el paisaje. Claroscuro que proporciona a la figura efecto de volumen y profundidad. •Los tonos que utiliza son cálidos que van desde el marrón oscuro del enebro del fondo, al naranja de los bucles y al rojo del vestido, resaltando la palidez del rostro, y contrastando con el azul de las montañas que se degrada en la lejanía. PERSPECTIVA AÉREA

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Virgen de las Rocas. Louvre 1483

•Óleo sobre tabla trasferido a tela.• Encargada por la confraternidad de la Inmaculada de Milán.• Composición cerrada y triangular. Virgen arrodillada con gesto protector hacia Jesús y San Juan Bautista. Hay "un aura de manos" alrededor de Jesús que lo aísla del resto. El ángel es la figura enigmática y misteriosa que mira al espectador y señala hacia algún lugar fuera del espacio pictórico. •El tema se enmarca en un fondo de rocas naturalistas pero de luz misteriosa. •Figuras naturalistas idealizadas. El color está muy deteriorado por el paso del tiempo.

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Leonardo. Santa Cena. 1498.

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Santa Cena•No fue ejecutada al fresco. Utilizó una sustancia que contenía aceite y barniz y la pintura se deterioró y en 1642 ya casi no se veía. Repintada varias veces. •Leonardo escogió el momento justo de " uno de vosotros me va a traicionar". •Está tratada con perspectiva lineal, cuyo punto de fuga se convierte en figura central. •Cristo es un triángulo equilátero y la composición es simétrica. Los personajes se distribuyen en grupos de tres a ambos lados de Cristo. En el primer grupo a la izquierda: Bartolomé, Santiago el Menor y Andrés hablan entre ellos, incrédulos‚ de lo que oyen (importancia de los gestos de rostros y manos), en el segundo, Pedro se inclina hacia Cristo, detrás de la figura de Judas, que se retrasa aferrando la bolsa de las monedas, a su lado Juan, pensativo. Sitúa la mano de San Pedro entre ambos, diferenciando la inocencia y la traición. En la parte derecha, Tomás levanta un dedo, al lado de Santiago Mayor y Felipe, y el ultimo grupo Mateo y Simón se dirigen gesticulando a Tadeo que está en un extremo de la mesa.

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Dama del Armiño 1485

•La representa con el rostro girado sobre el hombro izquierdo, con un armiño blanco (símbolo del duque de Milán y de la pureza) en los brazos. •Los colores resaltan sobre el fondo oscuro. Juego sutil de luces y sombras del rostro, intentando evitar los contrastes de la luz natural. Los dedos ahuesados de la mujer, repetirán postura en la Gioconda.

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Gioconda. 1505. Museo de Louvre

•Pintura de mirada y sonrisa enigmáticas y misteriosas. •Paisaje extraño y fascinante Aire "espeso" donde se ennegrecen las recortadas rocas y horizonte incierto. •Sfumato, estudio de texturas, perspectiva aérea.• Representa a la segunda esposa - Mona Lisa- de Francesco del Giocondo, un comerciante de Florencia.

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Gioconda de el museo de El Prado

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Última etapa 1507-1519•Vuelve a Milán llamado por Charles D'Amboise para ser pintor de corte, ingeniero, arquitecto y supervisor artístico. En esta época viajó mucho y se interesó por los paisajes y la geología. Allí pintó Santa Ana, la Virgen, y el niño. A la muerte de Charles, viaja a Roma, llamado por Giulianno de Medici -Leon X-. Se instaló en unas habitaciones de el Vaticano y siguió con sus investigaciones, pero al morir el Papa en 1516, fue llamado por el rey de Francia y se estableció en el castillo de Cloux cerca de Ambois (Francisco I), donde murió el 2 de mayo de 1519.

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Santa Ana, la Virgen y el niño.

•Tema inacabado, donde se aprecia la aplicación del color por veladuras, vistiendo el cuerpo desnudo. •Composición piramidal. Ana expresa a través de su sonrisa la alegría al contemplar a su descendencia terrenal asociada a la gloria celeste. La expresión de María es a la vez de ternura y profunda tristeza por ver el futuro de su hijo, que está resaltado por el cordero. Todo ello enmarcado en un paisaje naturalista pero misterioso e irreal.SFUMATTO, PERSPECTIVA AÉREA

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Miguel Ángel. Características y primera etapa•Predominio de la línea, el dibujo como todo racional y como individualización de sus formas escultóricas. •Colores son casi estridentes. •Desnudos. Anatomías rotundas, escultóricas y masculinas en tensión máxima. TERRIBILITÁ.TONDO DONI 1503. Cuadro de boda para Agnolo Doni y Maddalena Strozzi. Gran medallón de figuras escultóricas, de varios significados (neoplatonismo): la Sagrada Familia, sucesión de las generaciones y relación del cristianismo con el mundo pagano. La Virgen y San José‚ representan el Antiguo Testamento, el Niño el Nuevo testamento: los desnudos el muro pagano, separados por un muro San Juan niño es el lazo de unión de los dos mundos. Las imágenes tienen contornos delimitados, colores alternantes para buscar la armonía y son brillantes. Relieve escultórico, Movimientos en espiral. Los brazos musculosos de la Virgen revelan el ideal de belleza masculina del artista.

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Tondo Doni 1503. Ufizzi

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Capilla Sixtina 1508-1512

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Capilla Sixtina•Representación neoplatónica: el alma liberada del cuerpo vuelve a la esencia a Dios. Concibe una estructura en la que arquitectura no busca el efecto ilusionista, ni la proporción entre las figuras sino que busca distintos niveles de profundidad para insertar las figuras, y sirve para unir las paredes con la bóveda mediante una sucesión de arcos y de lunetos.•En los lunetos: antepasados de Cristo. En las bovedillas, familias de judíos que esperan al Mesías. Entre las bovedillas, los profetas y sibilas. En el centro, escenas del Génesis (Embriaguez de Noe, Creación de Eva, Separación de las Aguas, separación de la luz y las tinieblas, que se hallan entre dos parejas de desnudos y el Diluvio, el Pecado Original, la Creación de Adán y la Creación de los astros), entre ellas se sitúan desnudos masculinos posiblemente símbolos de la Antigüedad •Falta de unidad del espacio: la composición se divide en una serie de episodios que corresponden a unos grupos destacados en los que el color de los cuerpos desnudos y los mantos resaltan sobre los tonos grises y fríos de las aguas y del cielo. Los colores son vivos y muy contratados (verde, naranja, azul, violeta, rojo).

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Miguel Ángel. Creación de Adán.

Las escenas de la creación son las últimas que realiza. En ellas la intensidad del tono de los colores es mayor, intenta una búsqueda casi de bulto redondo y el espacio en el que se desenvuelven es más amplio.

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Pecado y expulsión del paraíso

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Miguel Ángel. Sibila de Delfos.

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Miguel Ángel. Isaías

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Miguel Ángel. Sibila de Libia.

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Ignudos

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Capilla Sixtina SIBILAS Y PROFETAS•Los 7 profetas son los de la tradición hebrea: Zacarías, Joel, Isaías, Ezequiel, Daniel, Jeremías y Jonás. Las 5 Sibilas de Delfos, de Eritrea, Cunas, Persia y Libia. •Trabaja estos personajes primeramente en dibujo a lápiz con la figura desnuda (incluso las sibilas son masculinos), y cada detalle por separado, después las cubre de ropa. De ese modo logra la presencia y el movimiento del cuerpo bajo las ropas. •Armonía de colores entre el amarillo, el violeta, el verde agua de los vestidos y el rosado de la carne. Las sibilas son de proporciones gigantescas que van aumentando a medida que se avanza desde la entrada hasta el altar.

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Juicio Final.

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Juicio Final•Concibe la escena con multitud de cuerpos desnudos que son arrastrados por un poderoso torbellino en un drama lleno de pasión, interpretado por una muchedumbre de seres en estado de desnudez esencial, con enormes musculaturas. •Un Cristo imberbe y juvenil realizado a partir de representaciones antiguas de Apolo, se vuelve hacia los malditos, esbozando el gesto terrible de su condena. Recogida a su lado, la Virgen desvía su mirada hacia los benditos. •Debajo de Cristo, unos ángeles llaman a los muertos con sus trompetas y éstos resucitan. En frente de los malditos, que caen, los benditos ascienden. Estas masas en movimiento se recortan sobre un cielo plano.• La composición se basa en una complicada estructura que se articula en registros horizontales y verticales, y se desarrolla un movimiento giratorio que une las ascensiones y las caídas alrededor del espacio central donde se encuentra Cristo juez. A los pies de Cristo se representa a San Bartolomé‚ (y en su piel un autorretrato) y a los pies de la Virgen, San Lorenzo. A ellos estaba dedicada la Capilla Sixtina.

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Rafael Sanzio 1483-1520. Características

•Pintor muy naturalista, copia del natural.•Composiciones equilibradas y claras.• Influencias: Perugino, del que aprende las técnicas del s. XV, Leonardo el lenguaje clásico, la expresión y el sentimiento, Miguel Ángel, sentido monumental de las figuras..•Sus personajes tienen un sentido humano y elevado a la vez. En sus retratos representa los trajes como signo de estatus social, e intenta indagar en su psicología. Seres de gran intensidad expresiva, dignidad y fuerza humana. •Identifica belleza y bondad.•En sus cuadros de vírgenes estudia la relación de ésta con el Niño por medio de gran variedad de expresiones. •Última etapa manierista

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Etapas•1483- 1504. Nace en Urbino era hijo de un modesto pintor. Se traslada a Perugia al taller de Perugino donde asimila la tradición clasicista del s. XV, con un naturalismo idealizado y dulce. A los 17 años Rafael ya es maestro y le encargan LOS ESPONSALES DE LA VIRGEN. •1504-1508 se traslada a Florencia donde aprendió de Leonardo y Miguel Ángel. Las familias burguesas florentinas le encargaron retratos y cuadros de Madonas. •1508-1514 llamado a Roma por Julio II. Trabajó en la basílica de San Pedro y se le encargo realizar los frescos de las ESTANCIAS DE LA SEGNATURA. •1514-1520 Muchos encargos y amplió su taller. En 1515 fue nombrado supervisor de los monumentos antiguos de Roma, con un status similar al de los ministros de la corte del nuevo Papa León X. Frescos en el Vaticano, cuadros de altar, retratos.

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Desposorios de la Virgen. •En el amplio arco del cuadro, sobre el horizonte destaca la arquitectura del templete, totalmente clasicista al modo de Bramante. •El punto de fuga lo determina el infinito de luz que entra por la puerta del templo. •Cabeza y cuello de María curvado (influencia de Peruginoi). •Rompe la simetría con el muchacho que rompe el palo.• Los personajes destacan su silueta sobre el fondo simétrica‚ de un suelo enlosado.

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Perugino Desposorios de la Virgen

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Retrato de Magdalena Doni. 1506

•La posición de la figura es una repetición de la Gioconda. •El paisaje se abre hacia el horizonte dibujado. •El volumen de la figura está precisado en los grandes pliegues de las mangas, en primer plano, y en la rotundidad del busto y la cabeza. •Utiliza el módulo oval en el escote, cara y ojos. •Su luz es clara y transparente y el contorno se recorta del fondo•.Detallismo en la representación de telas y joyas

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Madonna de Gran Duque. Palacio Pitti

•Es la primera Virgen de las pintadas en Florencia (aún lleva el velo azul sobre la cabeza como las representaba en Umbría). •Como novedad, un fondo oscuro que no se sabe si es original (el análisis de rayos X pondría de relieve un paisaje de fondo al modo de Leonardo).

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Rafael. Sagrada

Familia del Cordero.

Museo del Prado. 1507

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Escuela de Atenas•El fresco representa el empeño de los hombres de todos los tiempos por hallar la Verdad racional. •El marco es un gran templo monumental con dos dioses tutelares (esculturas de Apolo y Minerva). Arquitectura de estilo de Bramante, con altas bóvedas que dejan ver un trozo de cielo, representando los problemas sucesivos y todavía abiertos en la arquitectura de la ciencia. •La arquitectura encuadra a las dos figuras centrales: Platón con su Timeo y Aristóteles con su Ética, simbolizando que la búsqueda de la causa primera y la moral son complementarias en la existencia humana. Cerca de ellos los filósofos especulativos en la parte superior y los empíricos en la inferior de la escalinata. Uniendo ambos, Diógenes. Una vez acabado el fresco, se añadió sobre una nueva capa el monolítico Heráclito que podía representar a Miguel Ángel, apoyado sobre un bloque de piedra, fue añadido en 1511. •Composición geométrica. Perspectiva lineal. Predominio de la línea. Retratos de personajes contemporáneos. Armonía cromática.

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Platón y Aristóteles/ Leonardo y Bramante.

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Escuela de Atenas.Autorretrato.

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Madona Sixtina. 1513•Cuadro de altar para la iglesia de San Sixto en Piacenza. Representa a la Virgen con S. Sixto y Santa Bárbara. El tema es novedoso, representa una teofanía, una visión divina que se nos descubre al descubrirse unas cortinas. De este modo se anticipa al Barroco. La Virgen (es La Fornarina modelo de Rafael). Está tratada con un contraposto y avanza hacia el espectador, por indicación de los Santos, viene en nuestro auxilio, en dirección a nuestro mundo. La Virgen y el robusto Niño, de cabellos desordenado, atraen nuestra mirada con las suyas, preocupadas, intensas, fijas en las nuestras.

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Retrato de Baltasar de Castiglione. 1515•Pintado sobre un lienzo finísimo pegado a una tabla.• Era gran amigo del pintor. •Lleva un sombrero a la moda para ocultar su calvicie. Una blanca camisa plisada ilumina el conjunto, atrayendo nuestra atención al rostro, suavemente sonrosado, y difuminado, de mirada penetrante y amistosa, muy afable. •Los colores son tonos grises, negros, blancos y rosas endifuminados. Vibrante luz del fondo. Retrato vivo y refinado. La composición sigue la de la Gioconda con un pequeño giro de la figura y el ropaje dispuesto con gran amplitud.

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Retrato de León X. 1518

•Virtuosismo en la representación de calidades, texturas y reflejos. •El rotundo volumen de la figura papal, ha sido ennoblecido por las delicadas manos de erudito. •El rostro, aparentemente pacifico y bonachón, queda marcado por la mirada torcida y dura, como corresponde a un Papa que había mandado ajusticiar al cardenal Petrucci, conjurado contra él. •Las otras dos figuras fueron pintadas después. •Se abandona el fondo brillante para dar fuerza a los colores del primer plano, donde destaca a púrpura papal.

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Transfiguración. 1520•Rompe la unidad.•Composición en diagonal•Intenso estudio de la luz y efectos muy dramáticos.• Dos escenas: la transfiguración compuesta en círculo, Cristo suspendido en el aire con Moisés y Elías. Los apóstoles en el suelo, cierran el círculo. Rafael los pintó con proporciones menores, para poder unirlos más íntimamente al suelo.• Separada de esta escena por una zona oscura, está la parte terrenal, en la que se representa la la curación del Poseso. Se articula en una diagonal oscura y existe un violento contrastes entre luces y sombras. •Con un dibujo preciso refuerza su gran realismo y su sentido dramático. Las dos zonas sólo están conectadas con las líneas de los brazos que claman a lo alto. •Gran expresividad anticlásica.

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ESCUELA VENECIANA

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Tiziano Vezellio 1489-1576•Fue educado por los Bellini y por Giorgione. En 1510 estuvo en Padua trabajando en los frescos de la Scuola del Santo, regresó a Venecia en 1512 y en 1516 se convirtió en pintor de la República como sucesor de Giovanni Bellini.•En 1532 encontró a Carlos V en Bolonia y pintó su retrato, más tarde ocupó el cargo palatino de pintor de la corte del Imperio, y se le nombró conde con una renta anual, convirtiéndose‚ en amigo personal del emperador. •Visitó Roma una sola vez en su vida en 1545 y allí pintó al Papa Paulo III. Visitó la corte imperial de los Augsburgo en 1548 y 1550, donde pintó retratos oficiales de la corte. Trabajó para Felipe II. •Fue uno de los hombres más famoso de su tiempo. Murió en Venecia en 1576.

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Tiziano: características•Gran estudio de la luz, que es muy brillante. Predominio del color sobre la línea. Colores dorados en paisajes y anatomías.•Importancia de los temas secundarios y anecdóticos.•Contemplación poética del paisaje.•Sensualidad de las anatomías y vitalidad.• Exaltación del lujo mediante la textura y calidades de ricas telas.•Contrastes de luces y sombras. Sombreados de contornos difuminados y perspectiva aérea.•INFLUENCIAS: Clasicismo de los hermanos Bellini. Giorgione, influenciado a su vez por Leonardo: libertad subjetiva en la representación, frente a la objetividad cuatrocentista, representación de la naturaleza y el desnudo sensualidad.• Pintor de temas religiosos, mitológicos, históricos, alegóricos, retratos.

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Retrato de caballero. 1510

•Lo pintó cuando contaba 20 años. Es uno de los primeros retratos venecianos •La silueta es piramidal. Se extiende a través de casi todo el lienzo. •Fuerte contraste de la luz de la cara y el escote, con el negro de la barba y el cabello. •Lo más destacado es el color de la manga (azul tornasolado, blancos, grises, púrpuras, con trazos rosas, rojos y malvas), reflejo de la luz en los canales venecianos.

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Amor Sacro, Amor Profano 1515

Contrastes:– Es un tema hermético: dos figuras de mujer personifican el amor divino

vestido y reservado, y el amor profano desnudo y vitalista. – Entre el sarcófago como fuente de vida– En la composición entre las verticales de las figuras y las horizontales

del paisaje y el sarcófago– En los colores: el gris casi metálico y el rojo, los verdes oscuros del

paisaje y el cielo rojizo del crepúsculo. Fusión de figuras y paisaje. Luminoso colorido. Sensualidad naturalista. Idealismo festivo.

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Asunción de la Virgen 1518

•Monumentalidad de las figuras.• Vigoroso modelado por efectos de claroscuro y el atrevido color rojo.• Perspectiva y escorzos.• Los apóstoles en posturas diversas crean una base rectangular que conecta la composición con el espectador. •Una media luna de nubes proporciona un espacio al dorado que reluce detrás de la Virgen. La Virgen, con su túnica roja arremolinada por su movimiento ascendente, sugiere la idea de levitación. La figura de Dios es tan escorzada que solo muestra la cabeza, y está enmarcada por una corte de querubines pintados en distintas intensidades de luz y sombras doradas.

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Bacanal 1525. Museo del Prado

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Bacanal•Sobre un fondo azul y nubes doradas nos muestra la alegría que el vino produce, siguiendo una cita clásica. •La musa dormida es Ariadna y es de gran sensualidad (aquí sigue en composición y sensualidad a Giorgione, creador de las primeras Venus recostadas y desnudas). •Anatomías musculosas (las masculinas), basadas en Miguel Ángel. •Composición de las figuras con movimientos naturales. •Contexto veneciano con un paisaje que desempeña en la pintura un papel igual al de los personajes y está fundido a ellos. •Estudio de la luz, sensaciones ópticas de luz y atmósfera coloreadas. Representación perfeccionista de las texturas y calidades de carnaciones, telas, vidrios. Colores brillantes.

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Tiziano. Venus de Urbino. 1538

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Venus de Urbino•Encargada por el hijo del duque de Urbino.• Representa a una joven desnuda tendida sobre un lujoso lecho en el interior de un palacio veneciano. En el fondo se observa una gran ventana por donde entran reflejos de la laguna. Al lado de la ventana dos criadas de espaldas acomodando ropas en un arcón de bodas, que puede evocar la caja de Pandora. El perro es signo de fidelidad.

•Se inspira en la Venus Dormida de Giorgione. Las flores en la mano derecha resaltan el erotismo, reforzado por la luz i dorada que ilumina al cuerpo. Contrasta con el oscuro del fondo y el colchón.

•La fuga de la perspectiva se dirige hacia la derecha y está acentuada por las criadas totalmente vestidas y con tonos fríos que aportan realismo, la presencia de la columna y el árbol en el punto de fuga, y los sucesivos planos iluminados y sombreados que se resaltan en las baldosas.

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Carlos V en Mülhberg 1548.

Museo del PradoRetrato ecuestre del emperador como «soldado de Cristo». Conmemora la victoria de Carlos V en la batalla de Mühlberg acaecida el año anterior. Muestra al emperador a caballo, detenido frente al río Elba. Tanto la luz como los colores son cálidos, rojos, ocres. El rostro del emperador está serio e impasible. Tiziano fue muy hábil, al suavizar los rasgos menos agraciados del monarca. En el paisaje no se representa a los enemigos derrotados

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Danae 1553. Museo del Prado

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Retrato de Paolo III. 1543

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Ecce Homo 1570

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Autorretrato.Tiziano con 72 años mira más allá. Figura monumental. La intensidad de sus ojos, el rojo encendido de sus labios y la cadena contrastan con el negro. Las manos y la cara no están pintadas en colores naturales, sino con tonos que armonizan con el brillo anaranjado que domina en mangas y camisa. Las pinceladas sueltas, pueden distinguirse una a una. El color blanco puro, añaden un toque brillante a una composición sombría.

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Tintoretto 1518-1594Tintoretto es el apodo. Inició su aprendizaje con el Tiziano manierista del que aprendió el color y las sombras. En 1539 ya se establece como maestro y atrae a una importante clientela lo que le obligó a abrir un importante taller donde trabajaban sus hijos. El Palacio Ducal y las grandes Scuolas son sus principales clientes, destacando la decoración realizada para la Scuola Grande di San Rocco. Se convierte en el pintor de los escorzos y de las diagonales. Sentía pasión por los efectos de las luces. Hacía figuras de cera de sus modelos y experimentaba con ellas colocándolas en distintos ángulos para ver el efecto de la luz antes de pintarlos. Como resultado de estas pruebas, algunas figuras aparecen en más de una de sus obras, siempre pintadas con diferente iluminación. A veces tomaba como modelos a muertos estudiados en escuelas de anatomía.

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Descubrimiento del cuerpo de San Marcos. 1562

Lienzos de gran tamaño con la escena de san Marcos. Perspectiva lineal. Violentos escorzos y contrastes de luces y sombras. Espacio imaginario e irreal.

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Lavatorio de los pies 1547. Museo del Prado

Obra de la Scuola de San Marcos. Tras trazar el escenario, Tintoretto introdujo los personajes pensando en el punto de vista del espectador. El cuadro se ordena a lo largo de una diagonal que, partiendo de Cristo, prosigue por la mesa en la que aguardan turno los apóstoles para acabar en el arco al fondo del canal. El lavatorio ilustra la nueva concepción espacial manierista perceptible en el uso de un punto elevado en las composiciones, lo que unido a la inclusión de elementos arquitectónicos, les otorgó mayor dinamismo y profundidad.

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Veronés 1528-1588Se le conoce por su localidad de nacimiento, Verona. Se formó con artistas de segunda categoría, asimilando rápidamente el manierismo. A partir de 1553 se documenta su participación como decorador de techos en el Palacio de los Dux de Venecia, con una atrevida perspectiva y desnudos en complicadas poses que ocupan todo el espacio. Su gran especialidad fueron los cuadros bíblicos, que sirven como pretexto para introducir multitud de figuras vestidas a la moda veneciana del siglo XVI, perros, monos, loros, etc., que llenan las escenas de luz y color. La libertad con que interpretó los temas sagrados le provocó problemas con la Inquisición, que le obligó a modificar algunas partes de la Última Cena por considerarlas irreverentes. Veronés decidió cambiar el título por Cena en casa de Leví. Nadie como el maestro supo representar la riqueza y magnificencia de la Venecia del siglo XVI. En su última etapa prefiere los tonos crepusculares y nocturnos a las luces del mediodía, como se observa en el Moisés rescatado de las aguas.

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Cena en casa del rico Leví.

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Bodas de Canáa 1563. Louvre

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Veronés. Moisés salvado de las

aguas.