Cinéfagos - Número 14
58
No. 14 mar.-abr. 2015 Edición Bimestral Alimentándonos del séptimo arte Además: Whiplash - Los Amantes del Círculo Polar No Todo es Cine: Damon Albarn Reseñas: Amor, Dolor y Viceversa El Lenguaje de los Machetes Elisa antes del fin del mundo Los insólitos peces gato Biografías: Alejandro González Iñárritu Emmanuel Lubezki Carlos Enrique Taboada Eventos: Cortos Duranguenses Noche CAI Entrevistas: Omar Deneb Humberto Busto Galería: Durango Tierra del Cine EDICIÓN ESPECIAL MÉXICO
description
Marzo-Abril 2015
Transcript of Cinéfagos - Número 14
No. 14 mar.-abr. 2015 Edición Bimestral
Alimentándonos del séptimo arte
Además: Whiplash - Los Amantes del Círculo Polar No Todo es Cine: Damon Albarn
Reseñas: Amor, Dolor y ViceversaEl Lenguaje de los MachetesElisa antes del fin del mundoLos insólitos peces gatoBiografías:Alejandro González IñárrituEmmanuel Lubezki Carlos Enrique Taboada
Eventos: Cortos DuranguensesNoche CAIEntrevistas:Omar DenebHumberto BustoGalería:Durango Tierra del Cine
EDICIÓN ESPECIAL
MÉXICO
Editorial
DIRECTORIO
Director GeneralAndrei Maldonado
Coordinador EditorialEric Eduarte Villa
ColaboradoresSeth ÁlvarezAna Carolina RuelasItzel Maldonado
Fotografía Andrei MaldonadoEric Eduarte VillaDiana ReyesAli Sandoval
Fotografía externaAlfredo OchoaOmar DenebOsiris OcampoJesica Rangel
DiseñoAndrei Maldonado
www.revistacinefagos.blogspot.mx
¿Quieres colaborarcon nosotros?Contáctanos vía [email protected]
/revistacinefagos
@revistacinefagos
Andrei Maldonado
Alimentándonos del séptimo arteCine mexicano ¿Apoyar por apoyar?
El año pasado me propuse –como
objetivo personal- ver la mayor
cantidad de películas mexicanas
posibles tanto en salas comerciales
como en cineclub e incluso desde la
comodidad de mi sillón. Es así que
ante mis ojos desfilaron títulos como
Obediencia Perfecta, I Hate Love,
Cásese quien pueda, El crimen del
Cácaro Gumaro, Guten tag Ramón,
Paraíso, Más negro que la noche,
Los visitantes y La dictadura
perfecta, entre otras, las cuales miré
en el cine comercial.
Gracias a mi buen amigo Christian
Sida-Valenzuela, el cual tuvo a bien
proyectar una cinta mexicana por
mes en la Cineteca Municipal
Silvestre Revueltas, pude conocer
películas como Fecha de Caducidad,
El lenguaje de los Machetes y
Workers, además que en ese mismo
recinto aprecié Los insólitos peces
gato y Club Sándwich dentro de la 57
Muestra Internacional de Cine.
Durante el Festival de Cine Mexicano
–cuya selección corre a cargo del
mismo Christian- todos los asistentes
nos deleitamos con las mejores
producciones contemporáneas como
Somos Mari Pepa, Navajazo,
González, El Cuarto desnudo, Los
Hámsters y Las Búsquedas, sin
mencionar las clásicas cintas El
Apando y La mujer del puerto, al
igual que diversos cortos nacionales
y locales.
En la comodidad de mi hogar me di
tiempo de ponerme al corriente con
tantas películas de nuestra
cinematografía como El castillo de la
pureza, Profundo Carmesí, Elisa
antes del fin del mundo y Te
presento a Laura, por referir algunas,
por lo que, sin ser algo demasiado
meritorio, hice de mi 2014 el año en
que más le he dedicado tiempo a la
filmografía nacional.
Fue de ahí que desde hace varios
números atrás tenía la inquietud de
poder dedicarle un espacio aún más
fuerte del que cada edición le damos
al cine mexicano. Y es que no se
trata de apoyar solo por ser
nacionalistas o, como diría el propio
Juan Antonio de la Riva, chovinistas.
Se trata de que si existen cosas
positivas en nuestro cine éstas
deben ser promovidas, pues es la
única manera de que compitan en un
mercado dominado por el cine de
Hollywood.
Este año me he topado con apuestas
no tan sólidas como las del 2014.
Francamente no se puede ser
solidario con productos débiles que
no están a la altura de cintas muy
bien pensadas y logradas en los
últimos años. Sin embargo confío, en
base a la experiencia, que este 2015
el cine mexicano nos sorprenda, y
por ello le dedicamos muy especial
mención en este número.
Contenido
Iñárritu... 3ADEMÁS
Alimentándonos del séptimo arte
Lubezki... 7
El lenguaje de losmachetes... 11Los insólitos peces gato... 13Noche CAI... 15Noche de cortosduranguenses...16Elisa antes del findel mundo... 17Amor, dolor yviceversa... 19Galería DurangoTierra del Cine... 23Entrevista a Humberto Busto... 37Entrevista a OmarDeneb Juárez... 41Carlos EnriqueTaboada... 45Los amantes delcírculo polar... 47Whiplash... 49Damon Albarn... 53
3
Entraba el nuevo milenio, la industria
del cine mexicano buscaba dejar una
década pobre para regresar a la
añorada época de oro, pero en lugar
de ello emprendería nuevos
horizontes, entre ellos el surgimiento
de jóvenes realizadores que sin duda
dejarían huella en la historia del
séptimo arte nacional. Uno de ellos
fue Alejandro González Iñárritu, quien
comenzaría su andar por la travesía
cinematográfica estrenando en el
2000 su ópera prima: Amores Perros.
Alejandro González Iñárritu
MAESTRÍADEL
CIN
E
MEXICANOpor ERIC EDUARTE VILLA
Hasta muchos años después se logró
apreciar la obra de arte que el
director capitalino había plasmado
para el llamado ‘Nuevo cine
mexicano’, la forma narrativa se
convirtió en un gran atino para la
industria nacional y aunque se
pretenda ver al relato como un cliché
de lo que es la sociedad mexicana,
en aquel tiempo fue, y sigue siendo,
una de las mejores películas del cine
nacional de este nuevo siglo.
4 4
por ANDREI MALDONADOfotografía CORTESÍA
La fama tiene un precio, siempre lo
ha tenido. Y no, no solo son las
apuestas, el alcohol o las drogas. No
es solo los sacrificios personales o
emocionales. El mayor precio que se
tiene que pagar por la fama es que
esta es efímera, conlleva al olvido y,
para el imaginario colectivo, nada o
poco tiene que ver con el arte.
5
6
Iñárritu daba el primer y gran paso en
su faceta como director. De inmediato
llamó la atención de los reflectores de
la meca del cine al ser su cinta
nominada a mejor película extranjera
en los premios de la Academia.
Pocos años después se empezaba
consolidar con su segundo
largometraje: 21 Gramos.
Comenzaba a abrirse paso en la
industria fílmica, no sólo como uno de
los directores más importantes de
nuestro país, sino de toda
Latinoamérica.
Su tercer largometraje, Babel, rodado
en cuatro países (México, EUA,
Marruecos y Japón) y que relata la
separación del mundo a través de sus
idiomas y lenguajes, dejaba en claro
algunos temas básicos para
Alejandro como la discriminación por
no formar parte del mismo
entendimiento. Historias que de algún
modo se relacionan, habiendo tenido
en el cast a Brad Pitt, Cate Blanchet,
Gael García Bernal y Adriana
Barraza.
Cuatro años después emigró a la
madre patria para filmar Biutiful. El
desfile de grandes actores no podía
faltar y en esta ocasión le cedió el
papel principal a uno de los mejores
actores del cine español, Javier
Bardem, quien tomó este reto del
“Negro” con una historia dramática y
sensible que por cuarta ocasión
consecutiva se volvía a meter a la
pelea por una estatuilla dorada. Al
igual que su primer film y que Babel
competía por el galardón a mejor
cinta de habla no inglesa.
El año pasado estrenó su más
reciente producción, Birdman, donde
conjuntó diversas técnicas que lo
acompañaron en sus primeras
películas, logrando uno de los
mejores montajes. Acompañando a la
excelente historia estuvieron las
actuaciones de Michael Keaton,
Edward Norton, Emma Stone y
Noami Watts. Y fue esta producción
que lo consagró como uno de los
mejores directores llevándose tres
Oscares en la pasada entrega (guión,
director y película).
Pero su éxito no sólo está en sus
largometrajes. Su aportación al cine
incluye cortometrajes como Power
Keg, film convocado por la empresa
automotriz BMW, teniendo como
protagonista a Clive Owen. Iñárritu no
dejó de lado su visión sobre el dolor
de la humanidad, de la sociedad
misma que ha plasmado en cada una
de sus cintas, misma que reflejó en la
serie “11'09"01 - September 11”
formada por mini relatos de lo
sucedido en los ataques al World
Trade Center en 2001.
Pero hablar del cine de Iñárritu no es
posible sin mencionar a dos artífices
que lo han acompañado desde su
primera película, el guionista y
director Guillermo Arriaga y el músico
argentino Gustavo Santaolalla,
quienes ayudaron a darle forma a
cada una de sus cintas..
7
por ERIC EDUARTE VILLA
EMMANUEL LUBEZKI
LA MIRADA MEXICANAQUE CONQUISTA EL MUNDO
Detrás de los reflectores de Cuarón e
Iñárritu Emmanuel Lubezki demuestra
que es el mexicano más ganador en
estos dos años dentro del cine
mundial.
8
9
El mejor ojo de pájaro de la
cinematografía actual pertenece a un
hombre nacido en la ciudad de
México de apodo “El Chivo” y de
apellido Lubezki, y no es de
sorprenderse que lleve un par de
Oscares en las dos más recientes
ediciones de los premios de la
Academia. Por su amplia filmografía
como fotógrafo, productor, director y
sus siete nominaciones para la
estatuilla dorada, su trabajo ha sido
reconocido por los críticos del país
con el mercado más difícil: Estados
Unidos.
Con estudios de historia en la UNAM
y de cinematografía en el Centro
Universitario de Estudios
Cinematográficos (CUEC), Emmanuel
inició su aventura en el séptimo arte
con el cortometraje “Será por eso que
la quiero tanto” de Carlos Marcovich
en 1985. Tras haber saltado al
largometraje en 1992 con la película
Como agua para chocolate, comenzó
el extenso camino del éxito al
conseguir su primer galardón como
director de fotografía llevándose el
Ariel, repitiendo mismo premio en sus
dos siguientes trabajos para las
cintas Miroslava y Ámbar.
Tras haber conquistado el cine
nacional emigró hacia Estados
Unidos, donde comenzaría una nueva
etapa de su carrera artística haciendo
notar la calidad de su visión con la
cámara. En su primer filme en el
extranjero recibió su primera
nominación al Oscar por la película
La princesita, dirigida por Alfonso
Cuáron. A pesar de que no consiguió
la estatuilla dorada el mejor premio
estaba por venir.
Le siguieron años gloriosos
trabajando con directores de
renombre mundial como Tim
Burton, Michael Mann y Terrence
Malick en cintas como Sleepy
Hollow, The new world, To the
Wonder, Niños del Hombre, El árbol
de la vida, Grandes esperanzas,
¿Conoces a Joe Black?, El asesinato
de Richard Nixon, Lemony Snickets:
Una serie de eventos desafortunados,
entre otras.
Su visión en la imagen ha sido
diversa con cada película donde ha
estado presente pero en sus dos
últimas intervenciones, tanto en
Gravity como en Birdman, le dio el
aspecto dramático a los
emplazamientos con movimientos
sutiles de cámara en mano, siempre
manteniendo una limpieza visual en
cuanto los encuadres y planos
secuencias de larga duración.
Con esto Emmanuel Lubezki se une
al gran Gabriel Figueroa como uno de
los máximos cinefotógrafos de la
filmografía mexicana. Destacar
también su tarea hecha con el
director Terrence Malick en los filmes
“The tree of life” y “To the Wonder” al
usar tonalidades cálidas, haciéndolas
acompañar por una cámara que
asemeja tomas caseras sin serlo,
manteniendo ese estilo sutil que lo
caracteriza.
10
por ANDREI MALDONADO
11
Los amorespostmodernos
El lenguaje de los machetes
Si algo caracteriza a la
postmodernidad es su hartazgo sobre
todo lo que le rodea: la sociedad, la
cultura, la política. Un hartazgo en
gran medida inmóvil, porque el hecho
de desear cambiarlo ya es bastante
molesto. Bajo esa condición el amor
de Ray (Andrés Almeida) y Ramona
(Jessy Bulbo) está presidido ante
todo por la desgracia, aderezado por
el enfado y perpetuado por el deseo
fallido de la perduración.
12
Ramona –que toma bastante de la
propia Jessy- es una cantante
underground emparejada con un
anarquista de familia acomodada
llamado Ray. Ambos –cada cual a su
manera- se manifiestan en base a lo
que tienen, pero todavía más de lo
que carecen. Ella, hija de guerrillero,
desea la estabilidad de una familia,
pero no cualquier familia, sino una
con Ray. Él, por su parte, odiando
provenir de una vida cómoda desea
encabezar revueltas sociales, lejos
del hogar.
Kyzza Terrazas consigue en esta
obra ensamblar a la perfección la
ficción de una realidad latente, de la
cual todos somos no solo testigo sino
también protagonistas ¿Qué hay
detrás del que marcha, del que se
inconforma? ¿Una rockera cuyo único
futuro ideal es poder engendrar un
hijo? ¿Un paria que quiere hacer
estallar la Basílica de Guadalupe?
¿Una pareja que se consume a sí
misma como una vela cuya flama
inicia con intensidad pero que se
apaga al momento?
La clave en El lenguaje de los
machetes parece resumirse en una
palabra: desencanto. Desde sus
carencias personales son incapaces
de completarse con lo que le ofrece el
otro, pero tampoco existe la
posibilidad de alejarse. Se entrelazan
en un destino caótico impulsado por
una pasión desenfrenada, un amor
entregado de manera furtiva ante el
inminente riesgo de desaparecer, de
inmolarse ante los ojos de todos.
Lejos de la primera impresión –la cual
puede invitar a pensar de que se trata
de otra historia de pornomiseria- El
lenguaje de los machetes resulta una
agridulce tragedia bien realizada
gracias al trabajo no actoral de Jessy,
que sorprende al no ser utilizada de
manera oportunista como gancho del
morbo. Todo lo contrario, su falta de
malicia frente a la cámara termina
siendo su mejor arma, mientras la
vemos perder el maquillaje cuando
canta “Muñequita sintética”.
13
¿Cuándo es el momento en que
apreciamos la vida? Siempre es
cuando surge algo, la mayoría de los
casos viene acompañado de la
tragedia, entonces nos damos cuenta
de lo que dejamos ir, de cuando fue
posible convivir con ello y que no
quisimos porque creíamos que podría
haber más tiempo, sin ver que se
estaba yendo poco a poco.
Un mensaje conmovedor el que nos
entrega la cinta de la mexicana
Claudia Sainte-Luce “Los insólitos
Peces Gato”, mostrándonos el lado
frágil de las personas y el amor hacia
quienes nos rodean de manera
cercana. Un viaje para despedirse y
disfrutar lo que se añoró por años,
sufrir por dentro pero sin preocupar a
los seres queridos con tal de entregar
esa felicidad de estar nuevamente a
lado de ellos, disfrutando en familia
los últimos días antes de partir
La labor destacable dentro del film no
sólo es esta historia que nos desnuda
y deja a flote la sensibilidad del ser
humano hacia nuestros compañeros
de esta vida, amigos, familiares,
parejas, etc. También las excelentes
actuaciones le dan el dramatismo y
realismo necesario para la trama de
la película, sorprendiendo en gran
medida la actuación de Ximena Ayala
y la experiencia de la ya reconocida
Lisa Owen, junto a un elenco en
plena juventud pero que demuestran
que están creando una muy buena
generación dentro de la actuación del
cine nacional.
Galardonada con el premio Ariel de la
Academia Mexicana de Artes y
Ciencias Cinematográficas (AMACC)
como mejor ópera prima, mejor
dirección y mejor guión original, la
cinta trata la soledad también como
un tema trascendental, al igual que la
forma de cómo afrontarla estando y
conviviendo por un largo tiempo o
quizá para siempre con extraños que
se convierten en familia.
Claudia supo como impactar al
espectador y lo hizo a través de los
sentimientos de nosotros mismos
hacia los demás, una cinta que viene
a caer en el mejor momento donde
más se necesita buscar esa
estabilidad que necesitamos como
sociedad misma, como humanos para
estar cerca de una de las cosas que
nos salvan como especie, el amor.
cine recomienda LOS INSÓLITOS PECES GATO
por ERIC EDUARTE VILLA
14
Alimentándonos del séptimo arte
revistacinefagos.blogspot.com [email protected]/revistacinefagos @revistacinefagos
¿Te interesaría colaborar con nosotros?¡No esperes más, contáctanos!
15
Se presentó en Durango la noche CAI
con la proyección de los
cortometrajes que se realizaron en el
Campamento Audiovisual Itinerante
en su edición 2014, donde se tuvo la
participación del talento duranguense.
El verano pasado se logró la
selección de los participantes de
Durango que se acompañarían en
esta aventura cinematográfica de tres
semanas en la comunidad zapoteca
de Calpulalpan de Méndez, en la
Sierra Norte del Estado de Oaxaca.
La reunión cinéfila se dio en el Museo
Regional de la UJED donde se dieron
cita los tres jóvenes que acudieron al
campamento del año pasado. La
proyección incluyó los cortometrajes
La flor amarilla, Jarabe, Miradas y La
semilla que sembramos. Cada uno de
los trabajos mostrados reflejó la
cultura y la naturaleza de ese estado
sureño, que se conjuntaron con la
visión y las ideas de los participantes.
Pero no sólo fue una hora para
admirar los nuevos materiales
fílmicos de los realizadores
durangueños, también se tuvo al final
de la exhibición una charla con los
participantes de nuestro estado.
Oscar Fernández, María de Jesús
Ávila y Rafael Salvador Aguirre
expresaron sus experiencias y
anécdotas de la experiencia vivida,
así como sus planes a futuro dentro
del quehacer cinematográfico.
Al tiempo los asistentes e invitados
no perdieron la oportunidad para
aclarar sus dudas y saber más sobre
este campamento que se realiza año
con año. De igual manera los jóvenes
realizadores hicieron la invitación a
fomentar y hacer cine y sobre todo a
entrar a la convocatoria del
campamento de este año que se
realizará del 11 de julio al 2 de agosto
en el poblado de Santa Catarina
Lachatao, en el estado de Oaxaca.
NO
CH
E
EN DURANGOpor ERIC EDUARTE VILLA
16
El conglomerado cultural “The English
Villains”, perteneciente a la Escuela
de Lenguas de la Universidad Juárez
del Estado de Durango, a través del
Cineclub Universitario UJED, llevó a
cabo una noche de proyección de
cortometrajes de autores locales
subtitulados al inglés para la práctica
del idioma y de paso conocer más del
séptimo arte.
Los trabajos exhibidos en el Museo
del Aguacate fueron “Sin retorno”, de
Roberto Cárdenas, y “Alicia”, de
Andrei Maldonado, así como “Para el
amor de mi vida” y “Abigail” de
jóvenes estudiantes pertenecientes a
la Universidad José Vasconcelos, los
cuales compartieron con los
asistentes la experiencia de
adentrarse al mundo del arte
audiovisual.
Benito González, fundador de “The
English Villains”, compartió que el
grupo cultural que encabeza
continuará realizando acciones en
favor de la cultura y el arte, con el
objetivo de dar a conocer lo que se
genera en Durango y de paso
contribuir a que más personas
aprendan directa e indirectamente un
idioma tan básico hoy en día como lo
es el inglés.
NOCHEDE
CORTOSLOCALES
17
18
por ANDREI MALDONADO
En su momento Freud acuñó el
término de “perversidad poliforma” a
la etapa que viven los niños hasta los
cinco años, en la cual el centro del
placer no se limita al área genital,
sino que está presente en todo su
ser. Para el padre del psicoanálisis el
no desarrollar adecuadamente las
etapas siguientes –oral, anal y fálica-
conlleva a crear un adulto neurótico.
Esta teoría dejaría en claro que más
que vivir una “experiencia traumática”
lo que afirma al infante es no perder
el camino hacia las reglas sociales.
En ese sentido la inocencia también
sería una perversión.
En Elisa antes del fin del mundo
(1996), dirigida por el duranguense
Juan Antonio de la Riva, esta
condición lleva a Elisa a estar segura
de que el fin del mundo se acerca.
Basada en la crisis económica que
atraviesa su familia y los argumentos
apocalípticos de su padre, la niña
llegará a la conclusión de que para
sobrevivir la humanidad terminará
comiendo cucarachas, por lo que
debe asegurarse de que estas no
desaparezcan.
Al mismo tiempo tendrá que
asegurarse que su familia sobreviva
el tiempo suficiente, por lo que habrá
de hacerse de cualquier medio para
proveer dinero. Cualquiera. De esta
manera una polimorfa tardía –pues
Elisa ronda los 9 años- derivará en
una niña cuya línea entre inocencia y
perversión se encuentra sumamente
delgada. Junto a ella Paco –un chico
de 15 hermano de una vándalo
fallecido- y Miguel –vecino de 6 años
enamorado de Elisa- emprenderán un
viaje a lo que parece literalmente el
fin del mundo.
Con la actuación de unos
jovencísimos Sherlyn e Imanol, bajo
la guía de la experimentada Susana
Zabaleta, este guión de Paula
Marcovich nos asoma a un mundo
donde por igual vemos a un niño
extremadamente inocente hasta el
que piensa salirse con la suya
robando una juguetería. No es de
extrañar que el mismísimo Roberto
Gómez Bolaños haya producido esta
cinta, pues por momentos parece que
estamos viendo una versión cruda de
su adorable El Chavo, donde las
tortas de jamón son sustituidas por
cucarachas y pistolas.
Hay que entender a la perversidad no
como una condición sobrenatural
tendiente a la maldad, sino más bien
como la propia naturaleza del
hombre, puesto que el infante es un
lienzo en blanco al nacer, susceptible
a cualquier tinta que se impregne en
él. Eso, adicionalmente al retrato de
la inocenciaes una perversión
19
¿EL DESTINO
20
O LAS DESICIONES?
por ANDREI MALDONADO
21
¿Crees en el destino? ¿Qué te llevó a
conocer a esa mujer ideal o a tu
príncipe azul? ¿Fue que los dos
estaban predestinados a conocerse?
Si es así y los sueños se vuelven
realidad ten cuidado, pues las
pesadillas también son un tipo de
sueño.
En Amor, dolor y Viceversa (2008) de
Alfonso Pineda Ulloa y basada en el
cuento “Violonchelo” de Blas Valdez,
el mundo onírico y la realidad se
entrelazan en un drama-thriller
relatado de manera no lineal sino
fragmentado, en el cual Consuelo
(Bárbara Mori) vive enamorada del
hombre de sus sueños, mientras que
Ricardo (Leonardo Sbaraglia) lleva
noches enteras en vela porque en
sus pesadillas siempre es asesinado
por la misma mujer.
Ambos comienzan un peligroso juego
en el cual el único desenlace posible
es la tragedia. Este es un relato que
nos deja claro que en vez de drama
la clasificación para muchas cintas
debería ser “tragedia”, pues nos
remonta a Edipo, quien tratando de
huir del destino profetizado por lo
oráculos termina como la serpiente
que se muerde la cola, siendo víctima
de un futuro trazado quizá no por los
dioses omnipresentes, sino más bien
por obra de un demonio loco.
Es cuando nos asaltan las
inquietudes ¿Es verdad que nada
podemos hacer ante el plan infinito
del universo? ¿Será que son nuestras
decisiones las que conforman el
destino y no éste quien confabula
para que tomemos ciertas
determinaciones? Consuelo –que es
todo menos eso en Ricardo- se
volverá una pesadilla viviente para el
hombre que la soñó, al que soñó, y
con el que por diversas situaciones
terminará compartiendo el mismo
camino.
Todo esto nos lleva a un
cuestionamiento todavía mayor: y si
supieras lo que te depara el destino
¿aun así elegirías tomar ese camino?
22
23
DURANGO, TIERRA DEL CINE
En Cinéfagos estamos convencidos de que Durango enverdad es la “Tierra del cine”, y para ello hemos montado
una galería especial con los sitios más emblemáticos de laciudad con referencia al séptimo arte.
24
sets cinematográficos y paseos turísticos Villa del Oeste y Chupaderos
///fotografía ANDREI MALDONADO
25
fotografía por ANDREI MALDONADO
Paseo de las luminarias
La historia fílmica del estado de manera industrializada posee unaantigüedad de más de 60 años en los cuales personajes como
Anthony Quinn, John Wayne, Bulls Reynolds, Audrey Hepburn yPenélope Cruz, por mencionar algunos, han visitado tierras
alacraneras para filmar grandes cintas.
26
27
CINEANTIGÜO
fotografía por ANDREI MALDONADO
28
¿Sabías qué...?El Multifamiliar Francisco Zarco fue utilizado como set de la película “Suave Patria” por su similitud con el Multifamiliar Benito Juárez de la Ciudad de México.
fotografía por ANDREI MALDONADO
29
LA CASA DEDOLORES DEL RÍO
fotografía por ANDREI MALDONADO
30
Fue en Durango donde nació la más grande actrizdel cine nacional y fue en la casona de Hidalgo y
20 de Noviembre donde la diva vivió.
DGOY SUCINE
31
En Durango el cine y el deporteno están conflictuados, prueba deeso son estas pinturas afuera delestadio de fútbol Francisco Zarco
fotografía por ANDREI MALDONADO
32
Monumento que conmemora los60 años del Cine en Durango//fotografía por ANDREI MALDONADO33
Sala dedicada al cineen el Museo de la Ciudad//fotografía cortesía IMAC
34
¿Dónde ven cine los duranguenses?
Por supuesto que además de las salas comercialesDurango cuenta con salas de cine de arte y cineclubs
en su bello Centro Histórico, pues para ser la Tierra delCine no solo hay que saber hacerlo, sino también saber verlo.
Cineteca MunicipalSilvestre Revueltas//foto: Diana Reyes
35
36
Centro Revueltas CORE//fotografía: Diana Reyes
Teatro Victoria//fotografía: Ali Sandoval
Museo Palacio de los Gurza//fotografía: Andrei Maldonado
Cineclub Korova//fotografía: Eric Eduarte Villa
Cineclub Universitario//fotografía: Andrei Maldonado
Teatro Durango-IMSS//fotografía: Andrei Maldonado
Con motivo de la reciente
presentación del corto La Teta de
Botero tuve una pequeña entrevista
con Humberto Busto, reconocido
actor y director mexicano.
entrevista a
HUMBERTO BUSTOpor SETH ÁLVAREZfotografía JESICA RANGEL
37
38
Platícame un poco cómo llegaste al
medio cinematográfico.
La primera película que realicé fue
Amores Perros. Desde siempre he
querido dedicarme al cine en distintas
áreas. Comencé como actor en ese
proyecto gracias a un casting y el
trabajo realizado en el CUT de la
UNAM.
¿Cómo es tu proceso creativo
como actor?
Me gusta explorar las distintas aristas
de un personaje, como si fueran
vectores de un análisis personal,
sobre los temas que le conciernen.
Que todo se relacione con la creación
del personaje: lecturas, exposiciones,
películas, referencias. Y luego
trabajando el guión, y entendiendo los
fundamentos de carácter y
necesidades vitales, para darle el
motor a explorar dentro del set, en
combinación con las especificaciones
del director.
¿Quiénes son tus actores
mexicanos favoritos?
Roberto Sosa, Damián Alcázar, Juan
Manuel Bernal, Damián Bichir.
¿Y directores?
Natalia Beristain, Marcelo Tobar,
Alonso Ruizpalacios, Sebastián del
Amo, Alejandro Andrade, muchos…
El Incidente es una peli que está
causando sensación en todo el
mundo ¿podrías hablar un poco de
ella?
Es ciencia ficción existencial. Gente
atrapada en el tiempo como metáfora
de los propios obstáculos que nos
ponemos los individuos para avanzar
cuando nos quedamos estancados en
algo que ocurrió en el pasado y no lo
queremos soltar.
¿Cómo fue trabajar con el director
Issac Ezban?
Se ha convertido en un gran amigo
con el que me gusta disfrutar de
buenas pláticas sobre el cine. Es un
apasionado de la construcción
narrativa y tiene un mundo
desorbitadamente genial de ideas
frescas.
39
¿Cómo fue tu transición de actor a
director?
Estudiando cine lo surtimos años,
mientras trabajaba como actor. Ahora
al combinarlo me parece un proceso
integral, porque nunca he pensado
las películas exclusivamente desde el
punto de vista actoral. Amo la
maquinaria que la conforma y las
dificultades de tantas coordenadas en
una sola dirección.
¿Qué es lo que más te gusta de la
dirección?
Trabajar con la gente y los actores en
particular. Contar lo que realmente
deseo comunicar. Tener posibilidad
de creer en mi visión del mundo.
Aprender nuevos roles. Saber
escuchar mejor.
¿Y qué onda con los guiones?
¿También le pegas a la escritura?
Algunos sí. Dependiendo de lo que
tenga necesidad de contar. Ahora
también estoy trabajando con varios
guionistas jóvenes, para no acabar
repitiéndome sin darme cuenta.
¿Cómo nació la idea de tu primer
corto Hasta la Ciruela Pasa?
A partir de los principios de Alzheimer
de mi abuela y la muerte de mi mejor
amiga, que estuvo en coma una
semana antes de partir.
Platícame sobre La Teta de Botero
Nació de la posibilidad de transformar
sucesos clínicos reales, que me
habían ocurrido a mí y a Patricia
Reyes Spíndola, principalmente con
el cáncer de mama del que es
sobreviviente. Quería contar una
historia donde la gente que ha tenido
alguna pérdida o enfermedad pueda
tener un espejo y transmutar sus
vivencias sintiéndose menos solos.
Muy interesante, hay que verla. Tus
próximos planes.
Postproducir mi siguiente corto
llamado HULKITA, estrenar El
Incidente, filmar una película
española sobre el asesinato de
Trotsky, dirigir un unipersonal en
teatro, estrenar una obra llamada
DESTINY en la Gruta a finales de
mayo.
40
me gusta que mis historias tengan un sustento en la realidad
OMAR DENEB JUÁREZ
Omar Deneb Juárez, originario de
Colima, es un joven director
cinematográfico con el que hace unos
meses escribí un cortometraje.
Tuvimos una pequeña charla donde
me comentó, entre otras cosas, sus
próximos proyectos.
por SETH ÁLVAREZfotografía ALFREDO OCHOA
41
42
43
Platícame un poco como fue tu
acercamiento al medio
cinematográfico.
Mi gusto por el cine empezó desde
muy temprana edad. Desde niño me
gusta ver películas, tanto
independientes como comerciales.
Pero fue hasta que tuve 12 años que
descubrí que se podía estudiar para
ser cineasta. Fue entonces que decidí
que quería ser director, desde
entonces me preparo todos los días.
Veo muchas películas, leo libros y
practico constantemente con mi
cámara. No hubo nada en especial
que me haya influenciado a querer
ser cineasta. En mi familia nadie se
dedica a eso. Simplemente fue algo
que fue creciendo poco a poco en mí.
¿Y cómo reaccionó tu familia
cuando te decidiste
completamente por esta carrera?
Para mi sorpresa todos lo recibieron
muy bien; en especial mi papá que
siempre me apoya. En ocasiones he
tenido dudas sobre si este es el
camino correcto, pero él siempre me
anima para que continúe buscando
mi sueño.
¿Dónde estudiaste cine?
En la Universidad de Medios
Audiovisuales (CAAV) en
Guadalajara.
¿Cuál es tu proceso creativo?
Todos los proyectos en los que he
estado he sido guionista y director.
En realidad nunca me siento en mi
escritorio a pensar “¿Qué voy a
escribir?” Por lo general las historias
llegan solas a mi cabeza, ya sea por
una noticia que leí en el periódico o
por una historia que me contaron. Me
gusta mucho que mis historias tengan
un sustento en la realidad. A la hora
de dirigir soy mucho más ordenado.
Siempre trato de seguir al pie de la
letra el guion técnico y el shot list que
realizo en pre-producción, aunque
también en ocasiones me gusta
improvisar.
Tienes dos cortos realizados,
Jonás, que ganó el Festival de
Colima de Cine 2013, y Tv Boy, que
quedó seleccionado en el mismo
festival en 2014 ¿Cómo fue la
experiencia en estos proyectos?
Ambos fueron un proceso de
aprendizaje constante. En Jonás, mi
primer cortometraje, todo fue mucho
más sencillo. Solamente teníamos
dos actores y en el equipo de
producción habíamos solo cinco
personas. Todo fluyó a la perfección.
En Tv Boy fue muy diferente, tuvimos
que trabajar con más de 50 extras y
más de 10 locaciones. Por momentos
fue un caos, pero nunca perdimos la
fe en el proyecto y las ganas de
trascender. Afortunadamente los dos
fueron muy bien recibidos por la
gente y eso es lo que hace que valga
la pena todo.
44
¿Qué directores mexicanos son
tus favoritos?
Hay muchos que me gustan, me
parece que estamos en una época de
buen cine mexicano. Creo que entre
mis favoritos están Alejandro
González Iñárritu, Alfonso Cuarón,
Carlos Reygadas y últimamente me
gusta mucho el cine de Fernando
Eimbcke.
Pronto trabajarás con dos actores
muy importantes, Krystian Ferrer y
Alberto Trujillo ¿Con quién más te
gustaría trabajar?
Me gustaría mucho trabajar con
Tenoch Huerta, creo que actualmente
es el mejor actor mexicano. Me gusta
todo lo que ha hecho. Otro actor al
que admiro es Damián Alcázar.
Excelentes actores. Bueno, no sé
si puedas hablar un poco de tu
próximo proyecto.
Actualmente trabajo en un corto que
llevará por nombre El Ocaso de Juan,
el cuál escribí contigo. Será
protagonizado por Kristyan Ferrer y
Alberto Trujillo. El cortometraje es
producido por Sauce Negro Films, mi
productora. En él está trabajando
mucha gente talentosa del estado
como Erivan Marx, Camilo Galván,
Estibaliz Valdivia, Leobardo Juárez,
Alfredo Ochoa y Carlos Virgilio
Mendoza. Además, en la dirección de
fotografía tendremos a Octavio Arauz,
el cual hizo la fotografía de Somos
Mari Pepa, película de Samuel Kishi
Leopo. Vamos a grabar en El Terrero
y en Cuauhtémoc, Colima.
Y ¿Hay algún otro proyecto?
Éste año voy a realizar un
cortometraje documental sobre la
vida de Mitchell Ventura Fishgold,
ciudadano inglés que al tratar de
evitar un robo fue asesinado a las
afueras de un centro comercial en
Colima. También, junto con mi
productora, estamos preparando un
festival de cine independiente;
tenemos pensado realizar la primera
edición a principios de 2016.
Genial. Y ¿Para cuándo te animas
por un largometraje?
Espero poder tenerlo en un par de
años. De hecho después de éste
corto que tengo en puerta he
pensado en dedicarme a escribir una
idea que tengo para un largometraje.
Luego buscar financiamiento y
producirlo. En 2 o 3 años espero
poder tenerlo listo, es mi sueño.
¿Como ves el panorama
cinematográfico en Colima?
Me parece que hay buenos intentos y
que cada vez hay más gente que se
interesa por hacer cine, pero aún nos
falta mucho. La mayoría de nuestros
trabajos se quedan en el estado.
Creo que es momento de que
empecemos a producir trabajos con
la suficiente calidad para entrar a
cualquier festival nacional, y eso solo
se logra estudiando, practicando y
viendo mucho cine.
Carlos Enrique Taboada
LA FORMA ARTÍSTICADEL HORROR MEXICANOpor ERIC EDUARTE VILLA
45
Taboada supo quitarles el sueño a
nuestros padres y abuelos cuando
finalizaban de ver sus películas.
Cuando se salía tarde del cine,
cuando el ocaso aparecía por encima
de las calles desoladas y los faros
iluminaban apenas algunos rincones
de esa oscuridad que se avecinaba,
cualquiera podía imaginar mil cosas
aterradoras que pudiesen ocurrir en
el camino a casa, después de salir de
la sala, de haber presenciado la
historia del niño Hugo o de aquel
internado con aquella chica de mirada
diabólica. Lo que menos se quería
era toparse con un gato negro al
pasar de noche por esas enormes
casas del siglo pasado.
El terror no ha sido el fuerte para el
cine nacional. Contadas son las
películas que sobresalen en este
género, pero cuando hablamos sobre
el tema es difícil no mencionar a
Carlos Enrique Taboada, quien marcó
una buena época para el cine de
horror de nuestro país. Su atmósfera
sombría y alejada de la urbanización
le daba ese aspecto tétrico necesario
para sentirse poseído por rincones
oscuros de bosques o casas
alejadas. La arquitectura de sus
locaciones jugaba con el encanto
espeluznante de sus historias.
El personaje de Hugo, por ejemplo,
aterró a miles de espectadores
durante un largo tiempo. La mayoría
de los cinéfilos de aquellos años no
pueden dejar de pensar en El Libro
de Piedra cada vez que se
encuentran con alguna estatua de
niño o escuchar en silencio el sonido
del viento en alguna calle gris
ausente de luz de sol un domingo por
la tarde cuando nadie habita esas
arboladas y desérticas veredas.
Aunque su trilogía Más negro que la
noche-El libro de piedra-Hasta el
viento tiene miedo son sus trabajos
más reconocidos, no hay que olvidar
Rapiña, La guerra santa y Veneno
para las hadas, su última cinta de
horror que lo regresó al éxito que
había tenido en sus primeras
películas, valiéndole 4 premios Ariel
en 1984, destacando en las
categorías a mejor película y mejor
director, pero fue además la cinta que
le dio el adiós al cine, dedicando sus
últimos años de vida a la televisión,
escribiendo, produciendo y dirigiendo
capítulos de la serie Telaraña.
Carlos dejó un gran legado
cinematográfico al grado en que
directores como Guillermo del
Toro, Quentin Tarantino y Daniel
Gruener entre otros han mencionado
tener una fuerte influencia de
Taboada para sus películas. El cine
de Taboada se volvió de culto para
nuestra industria nacional. Hoy han
existido intentos de crear y retomar lo
que se prometía décadas atrás con
este género, películas que buscan
evocar a estos grandes clásicos, pero
que no han logrado trascender como
lo hicieron directores como Carlos.
46
Coincidir en espacio y tiempo. Pensar
qué habría pasado si uno decide ir a
la derecha y no a la izquierda. Si un
compañero no hubiese volado el
balón al otro lado de la barda tal vez
nunca habríamos conocido a esa
persona que nos cambiaría la vida,
de la que nos enamoraremos.
Seguiríamos nuestro camino que
hemos trazado sin darnos cuenta que
ahí se encontraba a lado o detrás de
nosotros ese ser que alteraría
nuestros sentidos y el curso de
nuestro andar.
los amantes del círculo polar
¿LA CASUALIDAD O LA CAUSALIDAD?
por ERIC EDUARTE VILLA
47
Pero cuando surge ese encuentro
queda ahora ir en su camino, ya no
podemos desprendernos de él o de
ella. Aunque no quisiéramos sentimos
que esa persona es nuestro destino.
Entonces el amor se vuelve hermoso
y peligroso. Pero si de verdad existe
un lazo entre uno y esa persona se
dice que en algún punto, en algún
momento de nuestras vidas,
tendremos que conocer y quedarnos
a lado de ella para siempre, sin
importar qué distancias lleguen a
cruzarse entre los dos, podemos
perseguirla hasta el círculo polar
porque realmente ese destino nos
dice, a ambos, que nos debemos
volver a encontrar.
Pero nada es para siempre y sí,
existen cosas que nos separarán un
día de esa persona y hará lo posible
por mantenernos separados por la
“eternidad”. La muerte incluso no
descansará para intervenir. Ser
amantes no significa que se tenga
que serle fiel a otra persona para
serlo, ser amantes son dos personas
que buscan estar juntos y que no
pueden estarlo por algún capricho del
destino, de mantenerlos sólo
enamorados, bailando en ese ritual
de unión sin poderse tocar sabiendo
que son el uno para el otro.
No es una película de amor, es una
tragedia de amor de la mente del
cineasta español Julio Medem (Lucia
y el sexo, Habitación en Roma). No
es para enamorarse, es para
comprender el amor y sentir más
nostalgia por esa persona especial
que vive en nosotros sin nosotros.
Una apasionada y secreta historia de
amor contada por sus protagonistas,
Ana y Otto, desde los ocho años
hasta los veinticinco. Desde el
momento en que a la salida del
colegio sus vidas se entrelazan para
iniciar una historia que volverá una y
otra vez a encontrase en el círculo
polar, donde el sol de media noche
ilumina el amor de una pareja.
FICHA TÉCNICA:
Director: Julio Medem
Año de producción: 1998
País: España
Género: Drama
Clasificación: B15
Cast: Najwa Nimri (Ana)
y Fele Martínez (Otto)
48
W H I P L A S Hde música y obsesión
por ANNA CAROLINA RUELAS
49
50
Birdman; Esa película que si bien
para algunos (y me incluyo) dejó la
satisfacción de que el dinero en
taquilla había valido la pena, para
otros cuantos haters fue “La
inesperada pretensión de la
ignorancia”, cosa que ya no
sorprende hoy en día en las redes,
aunque lo que sí me atrapó fue un
comentario bastante simplón en el
cual, cito: “Parece que pusieron a un
baterista a improvisar por dos horas,
y solamente le subían al volumen en
la película cada que algo ‘interesante’
estaba por suceder…Cosa que nunca
pasó”.
No duele leer que para varios no les
haya parecido interesante la película,
pero lo que sí me dejó cavilando fue:
¿realmente Iñárritu hizo un buen
trabajo en el área de sonido original?
Aunque etimológicamente “Jam” e
“improvisación” no necesariamente se
refieren a lo mismo (y casi-casi es
solo porque el jam session está
directamente influenciado por jazz)
¿Cómo reconocer la diferencia entre
improvisación y perfectos tiempos
marcados en un baterista de orquesta
de jazz? Bueno pues con todo y mis
obligatorios redobles de tambores
(nótese mi intento de chiste) llega a
mi vida Whiplash.
Película dirigida por Damien
Chazelle, joven de 30 años quien en
2005 presentó su opera prima Guy
and Madeline on a Park Bench, la
cual también lleva una trama
relacionada con el jazz, Whiplash se
estrenó en Estados Unidos en 2014,
pero en México nos tocó verla en
cines hasta enero de este 2015.
Durante un año Chazelle reveló este
épico homenaje a la efusión que
algunos músicos pueden llegar a
experimentar e incluso tener que
sobrevivir cuando se trata de ser el
mejor en su categoría e instrumento.
Diríamos que justo es donde se
encuentra el meollo del asunto en
este filme: supervivencia del más
fuerte. Cuando conocemos al
personaje principal, Andrew Neyman
(Miles Teller), estudiante de batería
en el mejor colegio de música en el
país, es imposible no percibir la
calidad y el prestigio de tal
conservatorio desde el minuto 2:00,
cuando conoces a su antagónico el
director de música Terrence Fletcher
(J. K. Simmons).
Fletcher es el talentoso director de
una de las mejores orquestas de jazz,
el cual no se tentará el corazón con
Neyman ni con algún otro estudiante
que pudiera estropear su tempo,
mucho menos su conjunto,
sobrepasando los límites entre
estudiante y profesor. J.K. Simmons
muestra el verdadero coraje y
disciplina que se requiere para ser el
mejor.
Es aquí donde digo que la palabra
sobrevivir es parte vital de esta
película, la cual nos habla de la
pasión en personas que logran
transmutar el sentimiento de
supervivencia, pasando de lo que
podría ser para algunos un “hobbie”,
para otros pocos, pero mucho más
clavados, el ‘todo o nada’ en su
carrera.
En un mundo de ridículos excesos y
grandes carencias, la pasión podría
ser el único escape coherente a las
necesidades emocionales y
materiales de un joven ermitaño que
tiene en sus manos una oportunidad
de demostrar su talento y cambiar la
historia.
Es así como Chazelle nos deja con
este tipo de reflexiones al terminar los
160 minutos de este largometraje que
inicialmente nació como corto de 18
minutos y antes de eso concebido
como 85 páginas que entraron en el
2012 a “The Black List” (una
selección de lo mejor en guiones que
aún no hemos visto, o sabremos si
veremos).
Merecidas casi 90 nominaciones al
redor de 40 organizaciones entre
festivales y crítica estadounidense y
extranjera, destacando como ganador
a mejor actor de reparto, mejor
película, mejor guión original y mejor
director. Aclamada por la audiencia y
ganando el gran premio del jurado,
Damien sale de Sundance con
excelente aceptación. Y en la entrega
de los Oscars se llevó el galardón a
mejor mezcla de sonido, mejor
edición de sonido y mejor actor de
reparto.
Con o sin galardones, esta película
se quedará para el recuerdo como
uno de los mejores largometrajes
dedicados al Jazz en lo que sería
esta última década, pero sobre todo
a los estudiantes que dedican horas
de estudio, practica y hasta lágrimas
en su carrera por la tan excitante y
valorada vida de un músico de primer
nivel. Simplemente apasionante.
J.K. Simmons; Mejor Actor de
Reparto.
Desde el editor del periódico
neoyorquino que contrata y despide
siempre a Peter Parker en cualquiera
de las películas de Spiderman, hasta
el papá de la adolescente
embarazada en Juno; J.K. ha
participado en diferentes tipos de
proyectos en su carrera, ahora
consolidándose como uno de esos
actores “camaleónicos”.
Aunque bastante establecido en su
zona de confort al momento de tomar
nuevos roles, logra en Whiplash
sacarse el estigma de actor de
televisión, logrando ganar el
reconocimiento de sus colegas en los
Screen Actors Guild Awards,
llevándose la estatuilla por Mejor
Actor de Reparto.
52
Damon Albarn
�����������������
por ITZEL MALDONADO
53
54
Primeramente es debido decir que es
uno de mis álbumes favoritos. Este es
un trabajo solista creado por el
compositor y músico Damon Albarn,
vocalista de la popular banda
británica Blur.
Si bien este proyecto creado en 2014
fue hecho con un solo fin, me permito
y me doy la oportunidad para hablar
de una manera más profunda acerca
de la vida que llevó a Damon a ser el
gran músico que es ahora.
Como se sabe este británico ha
tenido un sinfín de proyectos.
Ejemplo de esto son nada más y
nada menos que la banda britpop
Blur, en la que trabajó por dos
décadas junto con el guitarrista
Graham Coxon, el bajista Alex James
y el baterista Dave Rowntree.
Otro gran trabajo que sin duda alguna
consiguió gran éxito en cuanto salió a
la venta el primer álbum fue Gorillaz,
la primer y más exitosa banda virtual
que el mundo jamás haya conocido.
Este grupo está conformado por las
animaciones de 2-D (vocalista)
Murdoc Niccals (bajista y líder de la
banda), Russel Hobbs (baterista) y
Noodle (guitarrista). Y claro, Damon
no pudo haberlo hecho solo, contó
con el apoyo en diseño y animación
de personajes de Jaime Hewlett.
Otro proyecto más de Damon surge
con el nombre de ''The Good, The
Bad And The Queen'', que sin duda
alguna podemos notar que este
trabajo tiene bastante parecido a su
álbum solista. Ahora, como bien dice
el titulo de esta nota, hablemos más
acerca de este disco.
''Everyday Robots'' sin duda alguna
es y seguirá siendo un gran éxito
musical y no solo por quien es su
creador, sino porque este disco va de
la mano con 12 tracks que se pueden
apreciar de una forma tranquila. Si te
das la oportunidad de escucharlas tu
cuerpo sentirá en un solo momento lo
que quieren expresar las canciones.
Las melodías te harán vibrar, soñar
despierto y tranquilizarte por un
momento. Este disco es, sin duda
alguna, una verdadera representación
de toda una vida de esfuerzo.
Personalmente considero que las
mejores canciones del disco son
''Everyday Robots'' -tema que nos
habla de cómo el ser humano se deja
llevar por las cosas electrónicas que
nos rodean-, ''Hostiles'' y “The Selfish
Giant'' -las canciones más
melancólicas en las cuales Damon
demostró msyor esfuerzo- y no podía
faltar ''Heavy Seas Of Love'', la cual
da cierre y nos presenta una pequeña
lección que deja ese sabor de boca
de ''quiero más''.
Este álbum da a entender que Damon
no parará de hacer arte, de expresar
a través de canciones su amor por la
música. No me queda más que decir
¡Gracias Damon! esperaremos con
ansias el siguiente álbum solista.
La carta
Mr. Albarn:
Primero que nada déjeme decirle que
es alguien a quien admiro mucho ¿Y
por qué? Por su forma de pensar, la
forma en cómo expresa a través
de canciones su amor por la música.
Cada uno de sus proyectos son muy
buenos y todos han tenido mucho
éxito. Tanto Blur, Gorillaz, The Good
The Bad and The Queen y otros
tantos proyectos que ha hecho son
dignos de admirar.
En estos momentos lo que en verdad
me dejó sin palabras fue su álbum
solo ''Everyday Robots''. Cada una de
las canciones tiene algo que impacta,
que hace que cada una de las
emociones emitidas llegue
rápidamente a nosotros y gocemos
de ello, o al menos a mi parecer es lo
que produce en cada uno de sus
fans.
Otra cosa que admiro mucho es su
talento musical, que no para, siempre
inquieto, jamás deja de crear música
¿Cómo es posible que todo lo que se
proponga le salga bien? ¿Cómo? De
verdad es algo increíble. No me
queda más que decir, siga así, siga
con esas ganas, y yo, como tantos
fans que lo admiramos, esperamos
más creaciones de una mente tan
brillante como la suya.
Le deseo felicidad y espero algún día
lograr todo lo que me he propuesto
así como usted lo ha hecho. 55
56
