Ciclo TECLA ESPA - recursos.march.es · Sonata 112 en Do menor Sonata en Sol mayor (inédita)...

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CICLO

ENERO 2007

TECLA ESPAÑOLA DEL XVIII

Fundación Juan March

Ciclo TECLA ESPAÑOLA 18/12/06 10:49 Página 100


Enero 2007

CICLO



ÍNDICEPág.

Presentación .................................................................. 3

Programa general ......................................................... 5

Introducción generalpor Paulino Capdepón ........................................... 11

Notas al programa

Primer concierto ..................................................... 23

Segundo concierto .................................................. 33

Tercer concierto ...................................................... 41

Cuarto concierto ..................................................... 51

Participantes ................................................................. 55


Son varias las ocasiones en las que hemos programadomúsicas españolas del siglo XVIII, una centuria en laque, bajo la nueva dinastía real y las luces de laIlustración, España evolucionó desde los postuladosestéticos del Barroco tardío hasta los del clasicismo delfin de siglo.

En esta ocasión nos hemos ceñido a la música parainstrumentos de tecla, es decir, las compuestas para elórgano (generalmente en funciones de instrumentoeclesiástico), para el clave (generalmente en funcionesde entretenimiento para la casa real, las aristocráticaso para la incipiente burguesía, y en muchísimasocasiones con objetivos didácticos) o para el pianoforte(o fortepiano, que de las dos maneras se le llamó), uninstrumento un tanto rudo que no podía competir endelicadezas con el también de cuerdas percutidas querespondía al nombre de clavicordio, pero quetriunfaría plenamente en el siglo XIX: el piano.

Como muchas de estas músicas han sido objeto de laatención de los pianistas, hemos reservado la cuartasesión para oír las de un único compositor, ManuelBlasco de Nebra, en el piano moderno; ya sabemos queesto va en contra de los postulados de la escuelahistoricista, pero también estamos convencidos de que labuena música sale airosa en este tipo de traslados. Porotra parte, las obras que escucharemos en el piano estánya en la frontera entre el clave y el pianoforte, como lamayor parte de las obras de Haydn o de Mozart y suscontemporáneos que todos los días oímos al piano conplacer y sin que nos parezca excesiva la herejía.

Diecinueve compositores (dos de ellos anónimos) nostrazan un panorama rico, muy variado y de indudableinterés. De ellos, el primero que sonará en nuestro cicloes napolitano, tierra por cierto con muchísimasvinculaciones hispanas, pero es que además DomenicoScarlatti vivió en España las últimas décadas de suvida, aquí fue enterrado y aquí dejó herederos. Aunquehoy sabemos que no toda la música para teclacompuesta en España estuvo bajo su tutela, como sepretendió durante demasiado tiempo, también es ciertoque puso el listón muy alto y que influyó fuertemente enlos compositores más ligados a la corte que tuvieron laoportunidad de conocer sus maravillosos “ejercicios”,las sonatas destinadas a las manos de la reinaportuguesa Doña Bárbara de Braganza.

Estos conciertos serán transmitidos en directo por Radio Clásica, de RNE.


P R O G R A M A G E N E R A L


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PRIMER CONCIERTO

Música para clave

I

Domenico Scarlatti (1685-1757)

Sonata en Fa mayor, Allegro, K. 107Sonata en Mi menor, (Sin indicación de tempo), K. 147Sonata en Do menor, Allegro, K. 11Sonata en Fa menor, Andante e cantabile, K. 481Sonata en Mi mayor, Andante cómodo, K. 380Sonata en Fa menor, Allegro, K. 183Sonata en Re menor, Andante, K. 213Sonata en Mi bemol mayor, Allegro, K. 193

II

P. Antonio Soler (1729-1783)

Sonata en Do menor, Allegro, R. 48Sonata en Do menor, Adagio largo, R. 100Sonata en Do menor, Allegro non tanto, R. 36Sonata en Re menor, Andantino cantabile, R. 24Sonata en Sol mayor, Allegro, R. 40Sonata en Do menor, Allegro presto, R. 103Sonata en Mi menor, Adagio, R. 113Sonata en Do mayor “De clarines”, Allegro, R. 54

Intérprete: PABLO CANO, clave(Von Nagel, 2003, según Blanchet 1730)

Miércoles, 3 de Enero de 2007. 19,30 horas.


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SEGUNDO CONCIERTO

Música para fortepiano

I

Felipe Rodríguez (1760-1815)Sonata en Fa MayorRondó en Re menor

Sebastián de Albero (1722-1756)Sonata en Fa menor

Adagio-VivoDos Sonatas en Fa Mayor

AndanteAllegro

José Antonio Martí (1719-1763)Fandango con variaciones para el fortepiano

II

José Ferrer (c. 1745-1815)Sonata por gesolreutAllegro (A Teruel)

José Palomino (1755-1810)Cuatro Minuettes para Forte Piano

Joaquín Beltrán (1736-1802)Sonata de octavo tono

Félix Máximo López (1742-1821)Minuet afandangado con 6 variaciones

Intérprete: TONY MILLÁN, fortepiano



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TERCER CONCIERTO

Música para órgano

I

Anónimo (s. XVIII)Xácara y Pasacalles de 1º tono

Josep Elies (1678-1755)Pequeña Suite

AllemandaZarabandaGiga

P. Antonio Soler (1729-1783)Sonata 102

Antón Mestres (2ª mitad del s. XVIII)Toccata de 6º tono

Anselm Viola (1738-1798)Sonata

Fernando Eguiguren (1743-?)Concierto Airoso

Joaquín Oxinagas (1719-1789)Intento en Sol menor

José de Larrañaga (1728-1806)Sonata de 5º tono


II

Joaquín Laseca (1758-1820)Sonata de 5º tono

Anónimo (s. XVIII)Partido de mano derecha

Joaquín Beltrán (1736-1802)Obra llena de 1º tono

Narcís Casanoves (1747-1799)Sonata de 2º tono

Carlos Baguer (1769-1808)Sinfonia nº 1

AllegroAndante con variacionesRondó

Intérprete: ANSELMO SERNA, órgano


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CUARTO CONCIERTO

Manuel Blasco de Nebra (1750-1784)

I

Sonata 112 en Do menor

Sonata en Sol mayor (inédita)

Sonata nº 5 en Re menor AdagioAllegro

Sonata 109 en La menor

Sonata nº 6 en Mi menor

II

Sonata 108 en Mi menor

Sonata nº 9 en La menor

Sonata en Re menor (inédita)

Sonata 107 en Sol mayor.

Sonata I en Do menorAdagioAllegro

Intérprete: PEDRO CASALS, piano



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INTRODUCCIÓN GENERAL

Ambiente cultural e intelectual en la España del siglo XVIII

El cambio de la dinastía austriaca por la borbónica in-fluyó notablemente en la vida española del siglo XVIII,propiciando los anhelos de renovación y reforma en loscírculos más significativos de la cultura española. En laEspaña de aquella época también está presente el movi-miento de modernidad denominado “Ilustración”, deter-minado por las nuevas orientaciones científicas yfilosóficas, que van a establecer entre los intelectuales dela época dos bandos de características bien definidas yopuestas: los defensores de los principios tradicionales ylos defensores del progreso. Los primeros, convencidosde que toda novedad, por el mero hecho de serlo, erapeligrosa y nociva, denominaban a sus adversarios conel término de “novadores”. Los conservadores veían enel progreso una amenaza a la fe, a las costumbres y a lastradiciones seculares del pueblo español.

Según el gran historiador Hazard, la revolución de lasideas ilustradas supone una crisis de la conciencia euro-pea, cuya expresión más típica serán las constantes po-lémicas habidas en todas las ramas del conocimientoentre los conservadores y los renovadores, que condu-cirán a la eliminación de prejuicios y a la adopción deposturas más científicas. Dichas polémicas van a llenartodo el siglo XVIII y a ellas no será ajena la música, es-tableciéndose los dos bandos que eran habituales en lasrestantes disciplinas. La preocupación por superar el ba-che que había supuesto el legado del hechizado reyCarlos II a la dinastía borbónica, con una nación casi enquiebra y en la que todo estaba prácticamente por ha-cer, es común a los renovadores españoles del siglo XVIIIy explica esa presencia de la crítica y de la razón de uti-lidad.

Como consecuencia del nuevo ambiente intelectualque es instaurado por la nueva casa reinante en nuestropaís, se produce una extraordinaria actividad en el cam-po de la crítica, con la aparición de toda una serie de es-critos, folletos y papeles en los que todo se cuestiona ynada se acepta por el mero hecho de aparecer impreso.


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Sin embargo, la imprenta en la España del siglo XVIII nose caracterizaba precisamente por su actividad, ni tam-poco era alto en general el número de lectores, aunqueno hay estudios precisos al respecto. El arte tipográficocarecía en España de buenas materias primas, de buenpapel y, especialmente, de un mercado amplio de lecto-res. Antonio Domínguez Ortiz recoge la observación delpadre Sarmiento, el fiel discípulo y amigo de Feijoo, cuan-do describe la situación en sus Reflexiones Literarias, es-critas en 1743: las principales obras seguían importándosede París, Lyon, Venecia, Roma y otras ciudades extranje-ras, debido a la penuria del arte tipográfico español.Según Sarmiento, en España se leía muy poco aunque seimprime y se lee más que hacía treinta años. Existe es-casez de obras importantes, mientras que proliferan losvillancicos, sermones, panegíricos, novenas, etc. Si la si-tuación de la imprenta es tan desastrosa en el terreno li-terario, nos podemos imaginar cuál sería en el campomusical, en el que después de un serio intento a co-mienzos del siglo a cargo de José de Torres, no se pro-duce prácticamente ninguna edición musical, aunque síbastantes libros teóricos. No obstante todo lo anterior, lasinvestigaciones de los últimos años sobre nuestro sigloXVIII no permiten ya definir el reinado de Felipe V co-mo un desierto intelectual del que sólo sobresale la fi-gura de Feijoo, sino que, por el contrario, se hanreivindicado ideologías y autores hasta no hace muchoolvidados.

El sacerdote benedictino Benito Feijoo y Montenegro(Casdemiro, Orense, 1676-Oviedo 1764), junto a otros au-tores como José Finestres y de Monsalvo (1688-1777), seva a preocupar especialmente por la crítica de la heren-cia y de los valores recibidos del siglo XVII, proponien-do la renovación, la reforma, la ordenación nacional y laalternativa de las ciencias útiles frente a las discursivasque habían sido propias del siglo anterior, al mismo tiem-po que trata de implantar una pedagogía social para laeducación del pueblo. En este sentido es significativo eltítulo de la principal obra de Feijoo: Teatro CríticoUniversal o Discursos varios en todo género de materiaspara desengaño de errores comunes, publicado en ochovolúmenes entre 1726 y 1739. A estos ocho volúmenessiguieron otros cinco con el título de Cartas Eruditas yCuriosas, en que por la mayor parte se continúa el de-signio del Teatro Crítico Universal, impugnando o redu-ciendo a dudosas varias opiniones comunes. Fueron


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publicadas entre 1742 y 1759, con la finalidad de res-ponder a la gran cantidad de críticas, consultas y cartasque recibió a causa de la publicación del Teatro Crítico.

En estas obras de Feijoo encontramos la descripciónde la sociedad española del primer cuarto de siglo, ig-norante, crédula de las más necias fantasías, sin centroseficaces de enseñanza, hostil a toda luz que turbase lavanidad con que se defendía de su propia miseria. Y alcomparar esta situación con la del resto de Europa, ob-servaba que mientras en el extranjero progresa la Física,la Anatomía, la Botánica, la Geografía, la Historia Natural,nosotros nos quebramos la cabeza y hundimos con gri-tos las aulas sobre si el ente es unívoco o análogo; so-bre si trascienden las diferencias; sobre si la relación sedistingue del fundamento (Cartas, II, XVI, 14). El polí-grafo gallego encuentra las razones de esta pobreza in-telectual del primer cuarto del siglo XVIII en el cortoalcance de algunos de nuestros profesores, la preocupa-ción que reina en España contra toda novedad, el erra-do concepto de que cuanto nos presentan los nuevosfilósofos se reduce a curiosidades inútiles, al mismo tiem-po que a “un celo pío, sí, pero indiscreto y mal funda-do, de que las doctrinas nuevas traigan algún perjuicio ala religión” y, por último, la envidia nacional o personal,a la que califica de ignorancia abrigada de poesía.

La influencia de los escritos de Feijoo fue extraordi-naria, pues en ellos abordaba cuestiones teológicas, mé-dicas, históricas, musicales y de otras muchas materiascon un lenguaje sencillo y ameno que despertó el inte-rés del público por temas que anteriormente sólo se de-batían por especialistas. Los volúmenes del Teatro Críticoy de las Cartas Eruditas se agotaban nada más salir y sesucedían las reimpresiones, calculándose en unos cua-trocientos mil volúmenes el total de las ediciones y ree-diciones de la obra de Feijoo durante el siglo XVIII, unhecho sin precedentes en aquel siglo.

Asimismo destacan dentro de la corriente renovado-ra el aragonés Andrés Piquer, el deán Martí, el PadreMiñana y especialmente Gregorio Mayans y Siscar (1699-1781), junto con el agustino Enrique Flórez (1702-1773),autor de la España sagrada que comenzó a publicar en1747. A diferencia de Feijoo, más preocupado por la crí-tica y por purificar la herencia recibida mediante crite-rios de utilidad, estos autores se van a centrar en la


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recopilación de materiales, la erudición y la objetividadhistórica. Mayans, profundo conocedor de nuestra histo-ria, autor de la primera Vida de Cervantes, marcó el ca-mino para conseguir la renovación cultural pero en elmarco de la tradición hispana. A esta generación de eru-ditos pertenecen también el botánico José Quer yMartínez (1695-1764), el gran crítico P. Isla (1703-1781),el preceptista Luzán (1702-1754), el paleógrafo Terreros,el orientalista Casiri, el bibliotecario Iriarte y el historia-dor y académico Montiano y Luyando.

En cuanto a las instituciones culturales, pocas fueronlas iniciativas de Felipe V para fomentar el moderado cre-cimiento intelectual que se advierte en la primera mitaddel siglo. Una de esas iniciativas fue la apertura al pú-blico de la Biblioteca Real en 1712, que con el tiempo setransformó en la Biblioteca Nacional. En 1713 se fundóla Real Academia Española, debida en su origen a tertu-lias privadas. Pronto obtuvo el reconocimiento oficial conlas consiguientes ventajas y abordó una obra de gran im-portancia como el Diccionario de Autoridades, publica-do en 1726. En 1729 tiene lugar la fundación de la RealAcademia de Bellas Artes de Barcelona, y en 1738 laAcademia Real de la Historia, que siguiendo la línea eru-dita propia del siglo se preocupó por la recopilación dedocumentos, medallas, monedas, etc.

Por otra parte, las revistas y el periodismo comienzana hacer su aparición contribuyendo al interés pedagógi-co del siglo. El Diario histórico, político, canónico y mo-ral se publica en Madrid en 1732 y sigue en antigüedada la Gaceta, aparecida en 1661. Fundado y redactado porFray J. Alvarez de la Fuente, sólo duró un año en el queaparecieron doce volúmenes. Más importancia tuvo elDiario de los Literatos de España, revista trimestral inspi-rada en el Journal de Trevoux, cuyo primer tomo apare-ció en 1737 y el séptimo y último en 1742. Tuvo laprotección del ministro Campillo, y por redactores aFrancisco Manuel Huerta y Vega, Juan Martínez Salafrancay Leopoldo Jerónimo Puig, y por colaboradores a Iriarte,Mayans y Gerardo de Hervás. Se preocupaba especial-mente por las recensiones de las obras que aparecían enEspaña y en menor grado las del extranjero, centrándo-se con preferencia en las obras de erudición y literatura.En 1738 apareció el Mercurio histórico y político, tradu-cido del francés por Salvador Joseph Mañer y publicadodespués con el título de Mercurio de España o El Diario


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Noticioso, Curioso, Erudito y Comercial, a partir de 1758en Madrid y por Francisco Mariano Nipho (1719-1803).

Fernando VI, por su parte, se encuentra con una si-tuación lamentable en lo que a la enseñanza universita-ria se refiere, y en lugar de acometer su reforma prefirióapoyar las instituciones no universitarias, como lasAcademias, que no eran centros docentes sino de inves-tigación. Los seminarios de nobles están regentados porlos jesuitas, y en esta época conocen su máximo perio-do de esplendor. Su aspecto elitista, como observa AguilarPiñal, se encuentra en sus enseñanzas de adorno, entrelas que figura la danza, además de la heráldica, la esgri-ma, la equitación y los idiomas, y sin duda, la música. Elapoyo a las Academias se vio ampliado con la creaciónde la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando(1752), La Real Academia Latina Matritense (1755), y laHistórico-Geográfica de Valladolid (1752). A ellas hay quesumar el Observatorio Astronómico de Cádiz (1753) y elJardín Botánico (1757). Todo ello, como afirma AguilarPiñal, fue más bien aristocrático y elitista y en absolutosuficiente, pero difícilmente se hubiese dado el brillanteperiodo de Carlos III sin la aportación de su hermanoFernando VI, con la que España comienza a insertarseen la cultura europea.

La música española del siglo XVIII

Si existe alguna etapa en la historia musical que demuestrenítidamente la relación entre ésta y el pensamiento, jun-to a sus circunstancias sociales, esa etapa corresponde alsiglo XVIII en nuestro país. Efectivamente, de igual ma-nera que hay una enconada lucha, que a veces llega has-ta el insulto, entre tradicionales y reformistas, habrá enel campo musical una no menos encolerizada lucha en-tre quienes defienden la práctica antigua frente a la mo-derna: así pues, al igual que ocurriera en el siglo XVII,este siglo contempla dos tendencias estilísticas: por unaparte aquellos músicos que permanecen fieles a los pos-tulados conservadores del contrapunto imitativo que tiene sus raíces en el Renacimiento y por otra, los com-positores que se adscriben al nuevo estilo moderno oarmónico, empleando en su producción artística las for-mas provenientes del teatro dramático-musical italianoasí como una serie de recursos armónicos prohibidos enla técnica contrapuntística.


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Por primera vez en la estética musical se plantea laconcepción de la música. La primera tesis, propiciada porel espíritu cartesiano de los franceses, opta por conside-rar la música como producto de la razón, en cuyo casoes una ciencia con reglas inamovibles porque la razón esla verdad. Por lo tanto, el deleite en la apreciación delarte de los sonidos consistirá en la comprobación de quela música es una ciencia sujeta a principios universales,cuyas reglas hay que respetar en todo momento. La se-gunda tesis, apoyada en la libertad que propugnan lositalianos, sustenta que el origen de la música es el arte,el sentimiento, donde tiene cabida el placer, la imitaciónde la naturaleza entendida como espontaneidad y ex-presividad, y la emoción, cuyo juez supremo será el oí-do como definidor de lo que es bueno o malo en música,dejando al margen las reglas científicas.

Prueba del antagonismo de ambas concepciones enla España dieciochesca es la polémica entre FranciscoValls, maestro de capilla de la catedral de Barcelona, yJoaquín Martínez de la Roca, organista de la catedral dePalencia, a causa de la composición de la Misa Scala are-tina de Valls, en cuyo Gloria hizo entrar el tiple segun-do sin preparación, produciéndose una disonanciadirecta. No menos de cincuenta y cinco compositores yteóricos intervinieron en la polémica, entre ellos el céle-bre Alessandro Scarlatti, a quien se consultó para que re-solviera con su autorizada opinión una polémica que yaduraba muchos años y que había gastado ríos de tinta.Muy diplomáticamente, Alessandro Scarlatti no se incli-nó por ninguna de las partes. Es muy interesante el es-tudio de esta polémica, como el de otras muchas quehubo con el mismo talante, porque nos muestran clara-mente las dos tendencias y los autores de la España mu-sical del siglo XVIII.

El mismo Francisco Valls resume la diversidad de es-tilos imperantes en la música española del siglo XVIII: elestilo eclesiástico, canónico o motético, característico dela música vocal latina; el estilo madrigalesco, propio de“nuestros villancicos a pocas o muchas voces, consistesu práctica en vestir aquella poesía según los afectos quela acompañan”; el estilo melismático se basa en “cantarlas voces unidas, sin paso ni intención para que no seconfunda la letra”; el estilo fantástico corresponde al ins-trumental: “sirve su uso para música de órgano, clavi-cémbalo, arpa, guitarra...”; el estilo dramático o recitativo


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es “el propio para Comedias y Tragedias, precisado nosólo a seguir las leyes del metro, sino a expresar los mis-mos afectos en la música y que debe exprimir el can-tante...”; por último, el estilo coraico es “el que sirve paradanzas y bailes”.

Podríamos resumir el panorama musical español delsiglo XVIII hablando de tres ámbitos: la música eclesiás-tica, la música de cámara y la música teatral, que siguensiendo los mismos del siglo anterior. De los tres ámbitosantes mencionados, el eclesiástico es el que ejerce unamayor influencia debido a la implantación de la Iglesiaen todo el país: en las catedrales, parroquias, monaste-rios, abadías, colegiatas, etc. se mantiene la tradición dela música eclesiástica, para la que trabajaron y siguen tra-bajando un buen número de compositores españoles, encalidad de maestros de capilla fundamentalmente. Entrelas obligaciones de un maestro de capilla en la Españadel siglo XVIII se cuentan la composición de música pa-ra el culto religioso, dirigir la capilla musical, instruir ycuidar de los niños cantorcicos así como contratar nue-vos cantores y ministriles para la capilla. Asimismo, elmaestro tiene la obligación de componer obras nuevaspara determinadas festividades –Semana Santa (época enla que se componía sobre todo Lamentaciones), Corpus,festividades del lugar o de la iglesia y Navidad–, mien-tras que para otras fiestas se podía recurrir a las obras dearchivo.

En la música vocal religiosa predomina una gran di-versidad de estilos y procedimientos, incluidos los pro-cedentes del teatro musical italiano, lo que ocasionará lareacción de los compositores y teóricos más apegados ala tradición así como de los cabildos catedralicios. Loscompositores españoles escribirán sus obras vocales re-ligiosas de manera muy diferente según la obra esté enlatín o en español: para las obras latinas se recurre a unestilo solemne y grave, la ya citada prima prattica, quedebe conducir al oyente hacia la devoción y meditación;en esta faceta el compositor debe demostrar el dominiode los procedimientos contrapuntísticos por encima dela inteligibilidad del texto, prevaleciendo la intencionali-dad de lo solemne y grandioso. No puede tampoco olvidarse que las obras en latín de los grandes maes-tros españoles de la época de oro de la música espa-ñola –Morales, Guerrero, Victoria, Vivanco, Torrentes,Ceballos o Lobo– en ningún momento dejaron de can-


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tarse y copiarse. Por lo que se refiere a las obras en cas-tellano, nos enfrentamos ante la concepción de la se-conda prattica, o estilo moderno, que es el mismo queimpera en la música vocal profana: además del uso dela técnica nota contra nota, se busca una mayor adapta-bilidad de la música al contenido textual.

La mayor parte de los compositores españoles del si-glo XVIII es bilingüe, es decir, abordan tanto el estilo con-trapuntístico como el armónico y emplearán uno u otrosegún la finalidad de la obra. Esta práctica está tan asu-mida que en las oposiciones a las plazas vacantes de maestro de capilla se exige poner música a un texto enlatín y a un texto en español.

Por lo que respecta a la música de cámara, es fo-mentada en círculos relacionados con la corte o la no-bleza. Así, el teórico alemán J. G. Walther define la músicade cámara en su obra Musicalisches Lexicon (1732) co-mo “aquella que se suele interpretar en las moradas delos grandes señores”. En la corte es necesario diferenciara los músicos de la Real Capilla, cuya función se dirigeexclusivamente al culto religioso, de los músicos de laCámara o los maestros de los reyes y otros miembros dela familia real. Los músicos de cámara tienen como fun-ción amenizar las sesiones de los monarcas y su corte,toman parte en las principales festividades de carácterprofano, etc. Hay que destacar el hecho de que los gus-tos personales de los monarcas o del noble para los quetrabaja el músico son determinantes a la hora de enten-der este repertorio. Ya en la época de los Austrias, la mú-sica de cámara había desempeñado un papel de primerorden. Con la llegada de los Borbones, las primeras in-fluencias son francesas, influencias que pronto van a sersustituidas por las italianas, sobre todo desde el momentoen que Felipe V se case con la princesa italiana Isabel deFarnesio. En el ámbito de la música cortesana de cáma-ra ejercerán su actividad creativa autores como DoménicoScarlatti, Sebastián Albero, el padre Antonio Soler, LuigiBoccherini o Gaetano Brunetti. Respecto a la segunda fa-ceta de la música de cámara, la música nobiliaria, son va-rias las casas nobiliarias que cultivan el mecenazgo y laprotección musical en España. La más destacada es sinduda la Casa de Alba, a la que Subirá dedicó un amplioy exhaustivo estudio Para la Casa de Alba compusieronobras de cámara Gaetano Brunetti, Francesco Montali,José Herrando, Luis Misón y Manuel Canales, autor este


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último de los primeros cuartetos compuestos por un es-pañol.

Por último, el tercer ámbito al que anteriormente hacíamos referencia está protagonizado por la música teatral, en la que podemos observar dos tipos de mani-festaciones: en primer lugar una música teatral de carác-ter popular, a la que tiene acceso el pueblo llano, ejemplode lo cual sería la tonadilla escénica, género típicamen-te español que nace como reacción a la ópera italiani-zante. En segundo lugar, la música teatral cortesana ynobiliaria, ambas compitiendo entre sí en cuanto a la fas-tuosidad y grandiosidad en las representaciones escéni-cas. Antonio Martín Moreno afirma que “desde fines delsiglo XVI, con la aparición de la ópera, la música teatralestá siempre presente en la vida social y en las discu-siones estéticas de la época. En España el teatro es lagran pasión de los siglos XVII y XVIII y a él tiene acceso todo el mundo mediante el pago de la entradacorrespondiente. Un elemento espectacular de suma im-portancia es la música en el teatro, esto cuando no todoél es en música como ocurre con la ópera”. La ópera ita-liana recibirá su mejor acogida en la corte y prueba deello es el elevado número de compositores italianos quevienen a España llamados por los Borbones o atraídospor el ambiente propicio para todo lo que proceda deItalia. La presencia de los compositores italianos y la pro-tección que gozaron por parte de la corte no significaque los españoles no abordaran la música teatral. Entrelos principales operistas destacan Sebastián Durón,Antonio Literes y José de Nebra. La evolución de la zar-zuela se plasma en la introducción de temas popularesy en el abandono de temas histórico-mitológicos. La re-novación de la música escénica española tiene en el es-critor Ramón de la Cruz a uno de los principales artífices,quien colaboró con compositores como AntonioRodríguez de Hita, Antonio Palomino, Pablo Esteve,Antonio Rosales y Ventura Galván. La tonadilla escénica,forma lírico-dramática que emplea motivos de carácterpopular, llega a desplazar a la zarzuela en las preferen-cias del público a lo largo del siglo XVIII. La tonadillaque se independiza y adquiere entidad propia se deno-mina tonadilla escénica y fue el compositor Luis Misónquien otorgó la nueva forma de la tonadilla a partir de1757. Entre esta fecha y 1790 se desarrolla la época deoro de este género. Además de Misón sobresalen comocompositores de tonadillas Antonio Guerrero, Blas de


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Laserna, Pablo Esteve, Pablo del Moral, Antonio Rosales,Jacinto Valledor, Ventura Galván, Antonio Palomino,Guillermo Ferrer y Manuel García.

La música española de tecla en el siglo XVIII

¿Se puede hablar de una escuela española de tecla du-rante el siglo XVIII? Se trata de una cuestión que ha sus-citado controversias pues tradicionalmente se hamagnificado la importancia de Domenico Scarlatti en laconsolidación del estilo español en la música de tecladieciochesca y su correspondiente influencia en los com-positores ibéricos. Sin embargo, si tenemos en cuenta lasdiferencias estilísticas con otros compositores españolesde su época como Sebastián de Albero, Vicente RodríguezMonllor, José de Nebra o José Herrando así como la es-casez de manuscritos, no parece que las sonatas deScarlatti se hayan difundido más allá del círculo cortesa-no.

En mi opinión, puede afirmarse que ha existido unestilo propio español en la música de tecla del XVIII.Santiago Kastner fue uno de los primeros musicólogosen resaltar este hecho cuando afirmó que los composi-tores ibéricos para tecla evolucionan independiente-mente de la influencia de Domenico Scarlatti. La sonatabipartita se derivaría de la tocata en unos compositores,de la fuga en otros, e incluso de otros elementos de lasuite, con su característico esquema bipartito, pero sobretodo del tiento: el desarrollo natural de los tientos llenosy los tientos partidos conduce hacia la sonata bipartitaque se practica en la península con anterioridad a la lle-gada de Domenico Scarlatti a Lisboa en 1721, de dondepasó posteriormente a España (véase el comentario delConcierto nº 1).

Incluso los elementos que caracterizan la música pa-ra clavecinística de Scarlatti tienen un origen hispano obien su práctica se había consolidado en España yPortugal antes de la llegada del compositor napolitano.Buena prueba de la independencia y originalidad de laescuela española de tecla nos la ofrecen Sebastián deAlbero y José de Nebra en la primera mitad del sigloXVIII. En cuanto al primero de los compositores men-cionados, a pesar de ser contemporáneo de Scarlatti yprestar sus servicios en la Corte al mismo tiempo que él,


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escribe una música que se inserta en la tradición espa-ñola de la recercata y el tiento, contribuyendo tambiénal desarrollo de la naciente sonata, a la que aporta la tra-dición ibérica derivada de la escritura armónica y verti-cal de los organistas españoles en los ya citados tientospartidos. Por su parte, las sonatas para tecla de José deNebra muestran asimismo un estilo compositivo muy per-sonal; acerca de dichas sonatas escribe el musicólogoRomán Escalas que “afirman la existencia y desarrollo deun estilo español de música de tecla a partir de la pri-mera mitad del siglo XVIII, en que la forma, el tratamientode la disonancia, la vivacidad rítmica, el cromatismo y surelación con la tonalidad, no difieren en nada de lo quehasta ahora se habían considerado atributo del estilo per-sonal de Scarlatti y que debemos rescatar como elemen-tos propios de nuestra música, a fin de centrar y definirel concepto de Sonata española para tecla”.

El hecho de no haberse impuesto en España la for-ma de sonata del clasicismo vienés con su esquema ter-nario no debe interpretarse como un defecto, en opiniónde Kastner. Por el contrario, es necesario comprenderque los esquemas constructivos centroeuropeos son muydistintos de los países del sur de Europa y no hay quepreferir uno a otro. Por otra parte, la forma clásica de lasonata vienesa la vamos a encontrar en los composito-res españoles de fines de siglo, como Joaquín Prieto,Joaquín Montero, José Lidón o Felipe Rodríguez (sobreeste último véase el comentario del concierto nº 2), aun-que siempre dentro de la influencia establecida porDoménico Scarlatti y Antonio Soler. Concluye diciendoKastner que no es fácil aceptar los modelos de la sinfo-nía y sonata de corte y factura vienesa, que responden ala peculiar manera de ser y entender el arte y la vida deestos pueblos, pero cuyas formas son extrañas y ajenasal espíritu conciso y diferente de los latinos.

Paulino Capdepón


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NOTAS AL PROGRAMA

PRIMER CONCIERTO

Las sonatas de Domenico Scarlatti

Domenico Scarlatti fue hijo de uno de los compositoresmás sobresalientes de la escuela napolitana, AlessandroScarlatti, que a la sazón ocupaba el cargo de maestro decapilla del virrey español de Nápoles y maestro del tea-tro del palacio real. Nacido el 26 de octubre de 1685 enla citada ciudad italiana, su primera fase como músicoestá determinada por la figura y la actividad de su padre,con quien se formó en primer lugar; sólo a raíz de suabandono de Italia (1719) y de la muerte de su padre(1725), comenzará a escribir una de las páginas más bri-llantes de la literatura musical para clave. En 1701 obtie-ne su primer puesto musical al ser nombrado organistay compositor de la Capilla Real donde su padre ejercíael magisterio. Posteriormente los Scarlatti se asientan enFlorencia; de esta época datan sus primeras obras cono-cidas: tres cantatas. A su regreso a la corte de Nápoles,Doménico estrena sus dos primeras óperas en 1703:Ottavia restituita al trono e Il Giustino, ambas pertene-cientes al tipo convencional de ópera seria tardobarroca.Abandona Nápoles en 1705 para fijar su residencia enVenecia, uno de los grandes centros musicales de la Italiadel siglo XVIII, donde reina la música de Vivaldi y la pin-tura de Canaletto; en Venecia perfeccionará sus estudiosde composición con el célebre maestro FrancescoGasparini, cuyas libertades armónicas tendrán una graninfluencia en la estilo posterior de Scarlatti. Cuatro añosdespués, en 1709 entra en Roma al servicio de la ex-rei-na de Polonia, María Casimira, para cuyo teatro escribióun buen número de obras escénicas; asimismo desem-peñó a partir de 1713 el puesto de maestro de capilla deSan Pedro, para la cual compondrá ante todo obras reli-giosas destinadas al culto. Tras una breve estancia enLondres, acepta el puesto de maestro de capilla del reyportugués Joao V y maestro de música de la princesaMaría Bárbara de Braganza: en Lisboa permanecerá porespacio de ocho años (1720-1728), durante los cualescompondrá un elevado número de sonatas para clave,dedicadas a su regia alumna, que al parecer poseía bue-nas dotes para este instrumento.


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La última etapa de la vida de Doménico Scarlatti trans-curre en España ya que, con motivo de los esponsalesde la princesa María Bárbara de Braganza con el prínci-pe heredero español Fernando en 1729, acepta el pues-to de maestro de música de ambos príncipes y se trasladaa España, donde residirá hasta su muerte, acaecida en1757. Si durante los primeros años de su estancia espa-ñola Scarlatti disfruta de una posición preeminente en elmundo musical cortesano, pero la llegada en 1737 de sucompatriota Farinelli eclipsa la figura del napolitano, quese limitará a componer únicamente para clave.

La primera colección de sus sonatas para clave apa-rece en 1738 en Londres bajo el título de Essercizi perGravicembalo y están dedicadas al rey de Portugal.Creemos que merece la pena citar un fragmento del pró-logo escrito por el propio Scarlatti pues deja entrever cuálera su objetivo: “Lector, no esperes encontrar en estascomposiciones una intención profunda, sino más bienuna ingeniosa broma artística para ejercitarte en el duroejercicio de tocar el clave... Por tanto, muéstrate más com-prensivo que crítico y, de esta manera, verás aumentadoconsiderablemente tu propio placer. Hasta siempre. ¡Vivefeliz!”

Según el gran estudioso y editor de la obra de Scarlatti,Ralph Kirkpatrick, entre 1752 y 1757 fueron transcritostrece volúmenes de sonatas para el uso de la reina MaríaBárbara de Braganza, a los que se unieron dos más, com-pilados en 1742 y 1749. Estos quince volúmenes, adqui-ridos en 1835 por la Biblioteca Marciana de Venecia,contienen un total de 496 sonatas. Otra colección de quin-ce volúmenes, en parte réplica de la anterior, se conser-va en la actualidad en el departamento de música de laBiblioteca Palatina del Conservatorio Arrigo Boito deParma. A estas fuentes principales hay que añadir tressonatas descubiertas por Antonio Baciero en un manus-crito del Archivo de la Catedral de Valladolid y la sona-ta y el Fandango que rescató la musicóloga RosarioAlvarez en un archivo tinerfeño en 1985. Otras fuentessecundarias se encuentran en Munich, Viena, MuseoBritánico de Londres, Museo Fitzwilliam de Cambridge,Biblioteca nacional universitaria de Turín y las edicionesde Roseingrave y Boivin (siglo XVIII).

La mayor parte de estas sonatas muestran una estructura formal bipartita en un sólo movimiento y


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monotemática, cuyo esquema básico, siguiendo aKirkpatrick, sería el siguiente:

Primera mitada) Inicio b) Sección central (Continuación, transición, prenúcleo)c) Núcleod) Sección tonal (postnúcleo, conclusión, continuación

de la conclusión, sección final de la conclusión)

Segunda mitada) Inicio (opcional)b) Digresiónc) Reenunciado opcional del prenúcleo o del material

precedented) Núcleoe) Reenunciado de la sección tonal (postnúcleo, con-

clusión, continuación de la conclusión, sección finalde la conclusión)

Sin embargo, se dan excepciones a este esquema bá-sico propuesto por Kirkpatrick. Así por ejemplo, en unade las sonatas que escucharemos hoy (K 213), las alte-raciones y anticipaciones del material diluyen el núcleohasta tal punto que la aplicación rígida de este sistemapuede complicar el análisis de la obra.

Mientras que la sonata clásica tiende a ser una formaen tres partes, la sonata scarlattiana mantiene una rela-ción de equilibrio o complementaria entre sus mitades,aún cuando no tengan la misma longitud. La verdaderaesencia de esta se encuentra en la sección central de laprimera mitad, y en la que es paralela a ésta en la se-gunda; en estas dos secciones se divide la energía quelate en la sonata clásica. Normalmente, la sección centralde la 2ª mitad nunca rebasa en extensión, a su paralela.Los polos de la sonata scarlattiana residen en esta sec-ción central, en la que culminan las tensiones en la do-minante que se resuelven en la tonalidad de conclusión.Todas las fuerzas armónicas y de invención melódica es-tán orientadas a preparar la resolución final en la tonali-dad de conclusión. El núcleo es el punto de encuentrodel material temático en cada mitad, que aparece enun-ciado de manera paralela en los finales de ambas mita-des, al quedar establecida la tónica de conclusión. Elnúcleo no tiene importancia para el oyente o el intér-prete, pero permite establecer un sistema de análisis pa-


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ra esta sonata scarlattiana. En cada mitad de la sonata, elnúcleo surge en el momento en que se hace diáfana latonalidad de conclusión, bien por el establecimiento desu dominante, o de manera más rara, por una cadenciapreliminar a la tónica de conclusión; en general, la to-nalidad de conclusión sigue impertérrita tras el núcleo.El núcleo puede aparecer realzado por una interrupciónbrusca o estar oculto por un movimiento rítmico conti-nuo. Usando este concepto como punto de partida, esposible identificar las diversas partes o secciones de lasonata scarlattiana; son divisiones anatómicas creadas porKirkpatrick para facilitar y dar precisión al análisis de lassonatas.

Kirkpatrick ha demostrado que buena parte de estassonatas estaban ordenadas por parejas y compuestas enla misma tonalidad, parejas que se contrastan o se com-plementan. El contraste se basa en el tempo (a un movi-miento de carácter rápido le sucedía uno lento), mientrasque en las sonatas complementarias la uniformidad resi-día en el estilo o en el mismo colorido armónico (así porejemplo, la sonata K 107, aunque compuesta en fa ma-yor, se mueve alrededor de fa menor y sus tonalidadesrelativas). Si bien las sonatas de Scarlatti se atienen en unesquema tonal preciso y predeterminado (tónica-domi-nante-tónica), traspasa las limitaciones de este rígido sis-tema y en el inicio de la segunda parte de muchas de sussonatas, ofrece una idea nueva o bien modifica el temainicial, logrando así propiciar un clima diferente: todavíano puede hablarse de un desarrollo, a la manera del es-tilo clásico vienés, sino que se relaciona más bien con latécnica de la progresión, de la expansión o de la se-cuencia. Aún así, supone un salto cualitativo trascen-dental que antecede y anuncia el esquema de la sonatamoderna.

Además de la forma bipartita de un solo tiempo y mo-notemática, las sonatas de Scarlatti también presentanotras formas: variaciones, fugas, rondós, y un capriccio,mientras que otras aportan la peculiaridad de tener dos,tres o cuatro movimientos.

Gracias a Scarlatti se toma de conciencia de las posi-bilidades tímbricas y expresivas del instrumento, anun-ciando buena parte de los elementos de la técnicapianística: cruzamientos de manos, técnica de la veloci-dad, acordes autónomos, marcha de las voces nacida del


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movimiento natural de los dedos, notas repetidas rápi-das, trinos interiores, etc. Por otra parte, el empleo de laacciaccatura (largas series de apoyaturas suspendidasque se resuelven unas en otras), introduce disonanciasque preludian asimismo la armonía moderna.

Muchas de sus sonatas evocan la música popular desu Italia natal, con ecos de mandolina o laúd y, además,la abundancia de adornos no es sino reflejo del gusto delos napolitanos por lo decorativo. Asimismo, son fre-cuentes los préstamos del folklore español: imita los tim-bres característicos de los instrumentos populares, comoel rasgueo de la guitarra, el repiqueteo de las castañue-las o la reverberación de los tambores, la alegría conta-giosa de las bandas de pueblo, la flexibilidad de la danzaespañola, además del empleo de intervalos modales ensus melodías (buen ejemplo de ello es la sonata K 481).

Doménico Scarlatti realizó en sus sonatas una extraor-dinaria síntesis estilística: si en algunas obras se percibeel peso de la tradición por la relación con la tocata o latextura puramente organística, otras acusan la deuda conel estilo del concierto instrumental y la técnica del violínasí como con el estilo preclásico (como se observa en lasonata K 11 en do menor, la cual muestra la melancóli-ca cantabilidad del estilo sensible o Empfindsamkeit)

Las sonatas de Scarlatti están impregnadas de frescor,gracia, jovialidad y brillantez: su vigor rítmico les con-fiere una vitalidad extraordinaria que aún hoy día son lacausa de su atractivo entre el público moderno.

Las sonatas del padre Antonio Soler

Antonio Soler nació en 1729 en Olot (Gerona). Su padrepertenecía a la banda de música del Regimiento deNumancia y es muy probable que recibiera de él las pri-meras lecciones musicales. Antes de haber cumplido lossiete años de edad, ingresó en la escolanía de Montserrat,en la que permaneció entre ocho y diez años; antes decumplir los diecisiete, la abandonó: esta era la edad lí-mite de permanencia en la escolanía. Por entonces esmaestro en Montserrat el padre Benito Esteve, mientrasque la función de organista la desempeña Benito Valls.Bajo la tutela de ambos se inició Soler en el estudio delsolfeo en primer lugar, y del órgano y la composición


posteriormente. Las obras de órgano de Juan Cabanilles,fray Miguel López y José Elías constituían la base del re-pertorio organístico que los alumnos de la escolanía es-tudiaban. Aunque se ha venido afirmando que ejerció elmagisterio en la Catedral de Lérida, sin embargo hastahoy día no se ha encontrado documento alguno ni en elarchivo de música ni en las actas capitulares de dicha ca-tedral que corrobore tal noticia. El padre Samuel Rubiodefiende la tesis de que Soler obtuviera la maestría decapilla no en Lérida sino en Seo de Urgel, catedral en laque tomó posesión como obispo en 1744 fray Sebastiánde Victoria, por lo que las oposiciones no debieron ce-lebrarse antes de la citada fecha. En 1752 ingresa en elmonasterio del Escorial y tras el año preceptivo de no-viciado, tomó el hábito como monje jerónimo. Su nom-bramiento como maestro de capilla escurialense debiótener lugar después de 1757, último año del magisteriodel padre Moratilla. En los primeros años de su estanciaen el mencionado monasterio, Soler recibió clases de doscélebres compositores: Domenico Scarlatti y José deNebra. Al menos en 1766 había recibido el encargo deresponsabilizarse de la formación musical de los infan-tes Don Antonio y Don Gabriel, hijos de Carlos III: paraeste último compuso gran parte de su música instru-mental: las sonatas para clave y, especialmente, los cin-co conciertos para dos órganos. Antonio Soler falleció el20 de diciembre de 1783 a los cincuenta y cuatro añosen el monasterio de San Lorenzo de El Escorial.

Es en las sonatas donde Soler alcanza un puesto deprimer orden en la música española. ¿Para qué instru-mento estaban escritas? Soler compuso sus sonatas sindistinguir con claridad el instrumento para el que esta-ban destinadas. Rubio soslayó este problema titulandosu edición “Sonatas para instrumentos de tecla”; por suparte Kastner las tituló “Sonatas para instrumentos de te-clado (piano, órgano, clave o clavicordio”. La mayor par-te están concebidas para el clave, unas pocas para elórgano y en algunas del último periodo parece que elcompositor tuvo en cuenta las posibilidades del piano.La falta de diferencias estilísticas entre la música orga-nística y la música para clave era algo habitual en el si-glo anterior a Soler, mientras que Carl Philip EmanuelBach ya distinguía entre música de clave y de piano.

El padre Antonio Soler se forma en la doble vía de latradición española y con el genial Domenico Scarlatti.

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Numerosas obras de Soler acusan su origen en la músi-ca de danza, y en ellas la influencia de su maestro Scarlattino oscurece la de sus otros mentores españoles,Cabanilles y José Elías. Además, Soler conoció la van-guardia de la música europea de Boccherini y Haydn através de su relación con la Corte en El Escorial.

Es necesario aclarar que el término “sonata” emplea-do por Soler no tiene relación con el significado que ad-quirirá durante el clasicismo. En la época de Scarlatti ySoler, el término “sonata” servía fundamentalmente paradiferenciar la música instrumental de la puramente vo-cal, uso que mantuvo durante el barroco. La sonata se-gún esta concepción tenía como fin la explotación de losrecursos del instrumento respectivo, sobre todo los ins-trumentos de tecla, con una finalidad educativa. Por en-cima del carácter formal es más destacable el carácterpedagógico de la sonata tal como se concebía en aque-lla época: de hecho, en Gran Bretaña “sonata” equivalíaa “lección” y Schulz llamó la atención sobre la utilidadpedagógica y el gran valor de entretenimiento que po-dían proporcionar estas obras. Ya hemos visto anterior-mente cómo Scarlatti había denominado sus treintaprimeras sonatas no con este nombre sino con el de“Essercizi”. Los valores educativos y de entretenimientohasta ahora analizados son perfectamente aplicables a lassonatas del padre Soler ya que buena parte de ellas lascompuso, al igual que otras obras instrumentales, paralas clases con su discípulo regio, el infante Don Gabriel,y para su “diversión”.

Los aspectos pedagógicos antes aludidos aparecenconstantemente en las sonatas del padre Soler. Algunosejemplos sirven para ilustrarlo: ejercicios de escalas tan-to para la mano derecha como la izquierda (perceptibleen la sonata R 36), escalas ornamentadas, escalas inte-rrumpidas o escalas en intervalos (R 48); acordes repeti-dos (R 100) o desplegados (R 36); ejercicios de tercerasy de sextas (una buena muestra de ambas aparece en lasonata R 24); octavas que son expuestas simultáneamente(R 48) o desglosadas (R 113), trémolos, etc.

Por otra parte, los bajos de Alberti fueron conocidospor Soler, al contrario de lo que ocurrió con Scarlatti: es-te tipo de acompañamiento indica un cambio del estilogalante al clásico y es visible sobre todo en las sonatasde varios movimientos, lo cual no quiere decir que des-

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conociera este recurso anteriormente (R 40). Encon-tramos asimismo ejercicios a base de saltos interválicos,algunos de los cuales requieren un gran virtuosismo delintérprete.

Sobre la influencia de Scarlatti en Soler como com-positor de sonatas se ha discutido mucho. En el pasadola mayor parte de los musicólogos proclamaban la de-pendencia del padre Soler con respecto a Scarlatti: asípor ejemplo, W. Georgii afirmaba por ejemplo que lassonatas de compositores españoles del XVIII parecían uncalco de las de Scarlatti. Gilbert Chase por su parte es-cribe que “por su espíritu y su estructura, cada página desus sonatas proclama a Soler discípulo de Scarlatti. El mú-sico español no hace innovaciones en la construcción,satisfaciéndose con aceptar la forma simple de un solomovimiento tal como la cultivó Scarlatti”. Uno de los pri-meros musicólogos que difiere de estas apreciacionesque presentan a Soler como una figura secundaria esRafael Mitjana, quien, al referirse a las 27 sonatas publi-cadas en Londres, escribió lo siguiente: “Esta colecciónes suficiente para demostrar la abundancia y la origina-lidad del compositor, y digna de especial estudio por sunovedad absoluta. Ellas nos descubren una poderosa per-sonalidad artística digna de la mayor admiración. La va-lentía de espíritu del padre Soler y su profunda cienciase revelan, sobre todo, en el empleo de las modulacio-nes, porque comprendiendo todos los recursos que pres-ta el sistema temperado de los instrumentos de teclado,se adelanta a su época y anuncia una nueva esfera deacción en la música. Las sonatas del padre Soler prelu-dian ya el romanticismo por su color y por su senti-miento”.

Samuel Rubio insiste en esta tesis al afirmar sobre lacalidad musical de sus sonatas que “en este aspecto sehalla en línea paralela con su colega contemporáneo –ytal vez su maestro– Domenico Scarlatti, tanto en su fe-cundidad como en su inspiración”. Posteriormente, Rubioescribió en 1979 lo siguiente: “Pudo ser, en consecuen-cia, Soler discípulo de Scarlatti, simultáneamente, en eldoble arte de teclear y de componer, o pudo serlo di-rectamente en el primer aspecto y sólo de modo indi-recto en el segundo, en el sentido de que el estudio delas obras del maestro como ejercicio para el aprendizajedel teclado le proporcionara el conocimiento puramen-te teórico de la forma musical de tales piezas, es decir,

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de la sonata. Esta hipótesis, que alguien puede juzgardescabellada, explicaría la para nosotros relativamentetardía producción sonatística o instrumental, por un la-do; por otro, puede prestar un magnífico apoyo aclara-tivo a los que niegan o negamos la tan decantadainfluencia scarlattiana sobre Soler.”

Partiendo de la sonata bipartita monotemática, el pa-dre Soler llega a crear un lenguaje instrumental propioque incluye la adaptación de temas y motivos populares.Las principales características de sus sonatas las resumeSantiago Kastner al afirmar que el monje escurialense cul-tiva una traza muy personal en la estructura de periodossumamente cortos y ensarta en fila grupos de motivoscon sus respectivas repeticiones, lo que da lugar a unaforma y aspecto melódico mucho más desmembrado, dealiento más corto, amén de urdidura menos orgánica yconstante que los moldes y perfiles melódicos deDomenico Scarlatti. En lugar de la expansión lírica de lamelodía italiana, Soler da prioridad a los motivos conci-sos y graciosos de elementos de las danzas españolas, loque otorga a su música un cuño muy nacional y castizo.Concluye Kastner diciendo que pesar de los italianismos,el lenguaje musical de Soler es esencialmente español.

El fraseo de las sonatas de un tiempo está construidoa base de la repetición de breves motivos de uno o doscompases: Las repeticiones triples de los motivos de unoo dos compases son típicas del estilo de Soler: la breve-dad de los motivos y su constante repetición dan lugara la inclusión de frecuentes cadencias, lo cual otorga unaespecificidad propia a las sonatas del padre Antonio Soler.Sin embargo, en las sonatas ternarias la repetición delmotivo no es tan evidente, pues éste ofrece una mayoramplitud en las repeticiones. Dichas sonatas incorporanya varios tiempos, uno de los cuales es el denominado“Intento”, en el que un tema se desarrolla en forma fu-gada, recurriendo el padre Soler a las imitaciones nor-males y por movimiento contrario, cánones, etc. Es en elintento donde se manifiesta con mayor claridad la in-fluencia en Soler de los organistas del siglo XVII y XVIII,cuyo repertorio había estudiado en su etapa de estudianteen el monasterio de Montserrat. En algunas de las sona-tas de la última etapa pueden observarse asimismo ras-gos de lo que será la sonata del clasicismo vienés,concretamente la aparición de un segundo tema que con-trasta con el principal. Por otra parte es perceptible el

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uso de una amplia gama de recursos como el empleo dela mano izquierda al mismo nivel y con las mismas exi-gencias virtuosísticas que la mano derecha, cruce de ma-nos de gran dificultad técnica, saltos interválicos, notasrepetidas, trinos, fragmentos en terceras y sextas, aspec-tos todos ellos que otorgan a la música de tecla soleria-na una gran riqueza y variedad estilísticas.

Un problema que plantean algunas de las sonatas deSoler es la falta de simetría entre la primera y segundaparte. Se ha planteado la posibilidad de descuidos delcompositor o errores por parte del copista. SantiagoKastner, con su maestría habitual, sostiene la tesis de quela exactitud no constituía el fin último en la construcciónde dichas sonatas ni era “regla invulnerable”. Con la asi-metría Soler intentó huir de un rígido plan constructivocon su consiguiente encasillamiento preestablecido.

Un aspecto peculiar en las sonatas del padre AntonioSoler viene dado por el uso que hace del folklore espa-ñol. Rafael Mitjana fue uno de los primeros en señalareste hecho al destacar el empleo del ritmo de bolero enla sonata R 4. El ritmo de la sonata R 21 en do sostenidomenor recuerda a un polo, una forma de la seguidilla gi-tana de Andalucía. El ritmo de la seguidilla es asimismoperceptible en la sonata R 90 en fa sostenido menor:

Las sonatas del padre Antonio Soler preludian por suscualidades a Haydn y Mozart, autores que debió ignorar,tesis en la que insiste Kastner cuando afirma que la mú-sica de Soler “roza cuerdas cuyas vibraciones parecenanunciar la venida de Mozart”. En opinión del musicó-logo norteamericano William S. Newman, los rasgos delestilo galante en las sonatas de Soler son más patentesque en las de Scarlatti. Por último, Kastner escribe que“la variedad tonal, las modulaciones y toda la construc-ción armónica y hasta la construcción de los periodosmusicales con su intensidad y función tanto armónica co-mo tonal y rítmica, alcanzan bajo las manos del padreSoler una perfección que verdaderamente lo colocan en-tre los primeros maestros de su tiempo. Ofrece su arteun aspecto de completa maestría, de absoluto dominiomusical”.

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SEGUNDO CONCIERTO

La figura de Felipe Rodríguez (1760-1815) sigue siendohoy día desconocida: en la última edición del prestigio-so Diccionario musical New Grove no aparece citado sunombre pese al indudable valor de su obra para teclado.Rodríguez nació el 1 de mayo de 1760 en Madrid de pa-dres navarros, aunque sus estudios los realizó en la es-colanía de Montserrat de Barcelona –donde tomó elhábito de monje en 1778– con Anselm Viola y NarcísCasanoves. No puede olvidarse la importancia e in-fluencia del monasterio de Montserrat en el panoramamusical español del siglo XVIII pues dicho monasteriohabía sido la cuna de extraordinarios compositores demúsica para tecla: desde Miquel López (1669-1723) a sumaestro Narcís Casanoves (1747-1799), pasando porJosep Martí (1719-1763), Benet Julià (1727-1787), AntonioSoler (1729-1783) o el propio Anselm Viola (1738-1798).Posteriormente amplió sus conocimientos musicales altrasladarse a Madrid, donde fue organista en el monas-terio de San Martín. En vida gozó de gran prestigio y fa-ma como organista y falleció en Madrid el 5 de mayo de1815. Por lo que se refiere a su obra compositiva,Rodríguez compuso quince sonatas para tecla así comosiete rondós tres minuetos y un allegretto: el manuscritoque contiene todas estas obras se conserva en el archi-vo de música del monasterio de Montserrat. En las so-natas demuestra conocer el estilo de Haydn, por entoncesmuy admirado en Madrid, y por extensión del clasicismovienés: de hecho, en algunas de estas obras (como es elcaso de la Sonata en Fa mayor que escucharemos en elconcierto de hoy), se percibe con claridad la “forma so-nata” con su esquema tripartito propio del clasicismo vie-nés mientras que el Rondó en re menor posee una raravitalidad y alegría.

Sebastián de Albero nació el 10 de junio de 1722 enRoncal (Navarra). A los doce años fue admitido el 8 denoviembre de 1734 como infante en la catedral dePamplona. Aunque existe certeza de ello, es posible quetuviera conocimientos musicales previos, lo que expli-caría su admisión a una edad tan tardía, próxima al cam-bio de voz. En calidad de infante de coro permanecióhasta los 17 años. Es posible que interviniera como tiplesegundo, ya que su firma aparece varias veces en los pa-


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peles de esa voz correspondientes a unas Vísperas de loscompositores Escaregui, Grassi y Zubieta. Durante loscinco años de su estancia en Pamplona se formó musi-calmente con el maestro de capilla, Miguel Valls, que ejer-cía el magisterio desde 1704, con Francisco de Alba,bajonista y oboísta de la capilla de música y con el su-cesor de Valls, Andrés de Escaregui. Durante aquellosaños debió recibir Albero su formación básica, tanto enla interpretación organística como en la composición. Nose conocen las actividades de Albero entre 1739 y 1746,es decir, desde que abandona la catedral pamplonesahasta su llegada a la Capilla Real de Madrid. En 1746 sealzó con la plaza de organista principal en la Capilla Realde Madrid, sucediendo a Ignacio Pérez. En la corte con-vivió con músicos de gran talla, como José de Nebra,Joaquín de Oxinaga y Domenico Scarlatti. Tres años des-pués aprobó junto a Nebra y Oxinaga la obra de JoséElías Doce piezas para órgano. En la corte debió gozarde una vinculación estrecha con Fernando VI, a quiendedicó sus Obras para clavicordio y pianoforte, sin men-cionar en absoluto a la reina María Bárbara de Braganza(que tenía a Domenico Scarlatti por profesor y músicode cámara): según Linton Powell, ello revelaría cierta ri-validad con Scarlatti, aunque también podría indicar sim-plemente una mayor deferencia hacia el monarca enagradecimiento por el apoyo recibido. Sebastián deAlbero murió el 30 de marzo de 1756 en Madrid antes decumplir los 34 años de edad, siendo otro caso más de la-mentable muerte prematura. Respecto a su obra para te-clado, en opinión de Santiago Kastner es perceptiblecierta influencia francesa, especialmente en susRecercatas, de gran parecido con el estilo del Préludenon mesuré de J. H. D’Anglebert, Gaspard le Roux y otroscompositores franceses (no puede soslayarse el hechode que la catedral pamplonesa, en la que Albero fue in-fante, llegó a tener importantes contactos musicales conla vecina Francia); otras veces su estilo musical nos re-cuerda a Louis Couperin o a Jacob Froberger. Además dela influencia francesa fácilmente detectable, Kastner ob-serva en sus sonatas la tradición ibérica del tiento parti-do con su textura vertical. Son dos las principales fuentesen la obra de Albero: en la Biblioteca Marciana de Veneciase conservan las Treinta sonatas para clavicordio. El otromanuscrito lleva como título Obras para clavicordio opianoforte y se conserva en la biblioteca delConservatorio de Madrid: el término “o pianoforte” pre-senta una caligrafía diferente, por lo que Antonio Baciero


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cree que dichas palabras pudieron haber sido escritas porel propio autor. Si ello respondiera a la verdad, Alberosería el primer compositor español del que hubiera em-pleado la palabra “piano” en una obra para teclado. Lasseis obras contenidas en el manuscrito de Madrid pre-sentan una extraña estructura, ya que cada una de ellasconsta de “recercata, fuga y sonata”. Martín Moreno plan-tea la hipótesis más que plausible de que las obras ibandestinadas al examen real, intentando Albero demostrarel dominio de las formas tanto tradicionales como mo-dernas. Por lo que se refiere a las sonatas, ofrecen uncontinuo alarde armónico y expresivo, muy próximo alestilo sentimental de Carl Philip Emanuel Bach. Las con-tinuas oscilaciones entre los modos mayor y menor, conla consiguiente inestabilidad tonal y auditiva, así comoel reiterado empleo de segundas aumentadas y los cam-bios bruscos de tonalidad, tan típicos de la música es-pañola de la época, nos dan idea de los melancólicosgustos del rey Fernando VI. Las sonatas de la colecciónveneciana son monotemáticas y bipartitas, se agrupanpor parejas que guardan una relación tonal, de tiempo ycarácter. Cada par de sonatas está en el mismo tono, cam-biando a veces el modo entre una y la siguiente.Normalmente a un tiempo pausado sigue un allegro, obien se suceden dos allegros pero con carácter diferen-te. El binomio Adagio-vivo (en el caso de la Sonata enFa menor) o Andante-Allegro (en el caso de las dos so-natas en Fa mayor) son un antecedente claro de unaSonata en dos movimientos. Las tonalidades empleadasoscilan entre los cuatro sostenidos y tres bemoles en laarmadura. Algunas de las sonatas de esta serie se atie-nen a los principios del barroco, pero en otras Albero seadentra ya en el estilo galante, con gran riqueza armó-nica y sorpresas expresivas. Para Genoveva Gálvez, lassonatas de Albero rezuman “melancolía prechopiniana”y le sitúan como uno de los pioneros del EmpfindsamerStil o estilo sentimental, especie de prerromanticismo dela segunda mitad del s. XVIII, paralelo al Sturm undDrang literario; sigue diciendo esta autora que la in-fluencia de Scarlatti es ante todo externa (forma binaria,asimétrica), pero que Albero muestra una riquísima per-sonalidad, superior incluso a la de Scarlatti en algunosmomentos, así como un pensamiento novedoso y un len-guaje armónico avanzado.

José Antonio Martí nació en Tortosa (Tarragona) en1719, sin que conozcamos con quién y dónde se formó


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en su niñez. Se hizo cargo del magisterio de capilla dela Escolanía de Montserrat en 1753, procedente de laSoledad Real de Madrid, donde era organista. EnMontserrat introducirá los nuevos procedimientos italia-nos que había aprendido en la Corte madrileña. Se tratade un prolífico compositor que dedicó sus obras a la ca-pilla, a la Escolanía y a la orquesta de Montserrat. En ellasintrodujo los modernos procedimientos italianos deriva-dos de la monodía acompañada al mismo tiempo quemantenía la severa tradición polifónica. La influencia deMartí fue perdurable debido por su magisterio y a sus en-señanzas. A partir de él se comienza a escribir para cua-tro voces, alternando el ripieno con el concertante, y seaprovechan todas las oportunidades que ofrece el textolitúrgico para introducir en él los solos virtuosísticos pro-pios del estilo italiano. Falleció en Montserrat el 3 de ene-ro de 1763, habiendo dejado una buena producciónmusical que se conserva en su mayor parte en el archi-vo del monasterio. De él dice Antonio Rafols que estaba“dotado de un talento músico el más vivo, y de un gus-to varonilmente delicado, versado en todos los vastos ra-mos que presenta la facultad, imbuido en la latinidad yla poesía”; además le ensalza, al decir “que su sufragiovale por mil”. El fandango es una danza y una cancióndanzada andaluza cuyos orígenes se remontan al sigloXVIII y que puede emparentar con un tipo de canciónbailable que se practicaba en las colonias americanas: da-da su popularidad fueron numerosos los compositoresque intentaron incorporar el tema popular del fandangoa la música culta. Citemos, entre otros, el fandango deScarlatti, el de José Blasco de Nebra o el del padre Soler.Diversos elementos diseminados en danzas del siglo XVIIcomo la folía, el canario, la chacona o la zarabanda con-fluyen en el fandango del siglo XVIII, dando como re-sultado la métrica (3/4 o 6/8), la alternancia regulartónica-dominante sosteniendo una parte superior de ca-rácter improvisatorio que va desplegándose de manerauniforme, y el ostinato bimodal.

José Ferrer nació en Mequinenza (Zaragoza), en tor-no a 1745, y se ordenó de sacerdote en 1770. Prestó susservicios como organista en Tremp, Lérida, Pamplona y,finalmente, en Oviedo a partir de 1786. De su época dePamplona (1777-1786) datan al menos sus Seis sonataspara fortepiano que pueden servir para clavicordio, obraprimera, y Tres sonatas para clave y fortepiano con acom-pañamiento de un violín, anunciadas ambas en la Gaceta


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de Madrid en 1780 y 1781. Durante su estancia en Oviedose relacionó con Gaspar Melchor de Jovellanos, al quele unió una gran amistad. Con motivo de haber sido nom-brado éste ministro de Gracia y Justicia, José Ferrer com-puso el drama musical Premio a la sabiduría, encolaboración con el maestro de capilla Juan Páez, estre-nándose esta obra el 13 de mayo de 1798 y sin que sehaya localizado en la actualidad. José Ferrer permanecióen Oviedo hasta su fallecimiento, acaecido el 16 de ene-ro de 1815. En la mayor parte de sus sonatas Ferrer asu-me el tradicional esquema de la sonata de un tiempobipartito y monotemático que ya hemos visto anunciadoen Scarlatti, Albero y Soler. Alguna de ellas están expre-sadas a base de los modos o tonos gregorianos: es el ca-so de a Sonata por gesolreut, la cual hay que entenderlacomo una obra escrita en el segundo modo gregoriano(protus plagal, final en re) pero transportada a una cuar-ta superior, es decir, sol (“gesolreut” en denominaciónantigua); a pesar de la nomenclatura gregoriana, suenaen el moderno tono de sol menor. Pese a que predomi-na el monotematismo, como dijimos anteriormente, laSonata por gesolreut presenta un esquema bitemático, se-gún Dionisio Preciado: la segunda parte se inicia con untema que contrasta con el primero, lleno de expresivi-dad y belleza melódica, dentro de un ambiente armóni-co rico y sorprendente en ocasiones. La segunda sonatade Ferrer que escucharemos, la Sonata a Teruel, es unapieza de carácter más sencillo y amable que la anterior,cuyo tema popular aparece en las dos partes variado mo-dalmente.

El violinista y compositor madrileño José Palominonació en 1755 en el seno de una familia de músicos de-dicados en la corte a los géneros teatrales. Fue un niñoprodigio como violinista y discípulo de composición deAntonio Rodríguez de Hita. Pronto compuso algunas to-nadillas escénicas estrenadas con éxito y fue admitido co-mo violín primero de la Real Capilla en febrero de 1770.Se ausentó de Madrid en 1774 y fue nombrado inmedia-tamente violinista de cámara del rey de Portugal, mientrasque su hermano Pedro y su padre, Francisco MarianoPalomino, ambos buenos violinistas, se vincularon a la ca-tedral canaria tras varias tentativas. José compuso en Lisboaobras que le granjearon prestigio en la península Ibéricacomo destacado compositor. A instancias de Pedro y a re-querimientos de la catedral de Canarias, y también debi-do a la invasión de Portugal por los franceses, llegó en


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1808 a España en calidad de Maestro de capilla de la ca-tedral de Las Palmas, donde, en los dos años que le res-taban de vida, dejó numerosas obras de música de grancalidad y organizó con criterios modernos la orquesta ca-tedralicia. Falleció en Las Palmas de Gran Canaria en abrilde 1810. El minué o minueto es una elegante danza entiempo ternario de origen francés que gozó de una grandifusión y popularidad entre 1650 y 1800. Jean JacquesRousseau lo define de la siguiente manera en suDictionnaire de Musique: “(...) le caractère du menuet estune élégante & noble simplicité; le mouvement est plusmodéré que vîte, & l´on peut dire que le moins gai de tousles Genres de Danse usités dans nos bals est le menuet”.(“La característica del minueto es una elegante y noble sim-plicidad; el movimiento es más moderado que rápido, ypuede decirse que el menos alegre de todos los génerosde danza utilizados en nuestros bailes es el minueto”). Enla España del siglo XVIII el padre Feijoo fue uno de losmás acérrimos detractores del empleo del minué en la mú-sica española, preguntándose si el que oye en el órganoel mismo “menuet” que oyó en una fiesta, no se acorda-rá más bien de la dama con quien danzó la noche ante-rior. A pesar de la oposición de autores y teóricos comoFeijoo, el empleo del minué se impuso en la música reli-giosa y profana. Los primeros ejemplos los encontramosen el teatro musical –el maestro de la Real Capilla deMadrid, Sebastián Durón (1660-1716), fue uno de los pri-meros compositores españoles que introdujo minués (mi-nuetes) en su ópera La Guerra de los Gigantes–, desdedonde se extendió a la música religiosa y a la música pa-ra tecla, buen ejemplo de lo cual son los cuatro minuet-tes para fortepiano de Palomino. Los minués suelen estarescritos en forma binaria, a base de frases regulares for-madas por unidades de cuatro compases, que comienzansin anacrusa y cadencian en la parte fuerte. Su claro dise-ño melódico no favorecía la ornamentación elaborada ola textura contrapuntística. Los pequeños y rápidos pasosde danza mantienen con respecto al compás una relaciónde hemiolia; de ahí que las segundas partes acentuadas ylas figuras de hemiolia sean habituales en los minuetos.

Joaquín Beltrán nació el 15 de febrero de 1736 enZaragoza, ciudad en la que estudió música en su ciudadnatal y la que se ordenó de presbítero. Su primer pues-to de organista lo ejerció en 1755 en el santuario deNuestra Señora de El Portillo, hoy parroquia zaragozanade El Portillo. Asimismo fue organista de la colegiata del


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Santo Sepulcro en Calatayud. Desde la ciudad bilbilita-na, y con fecha 14 de junio de 1764, Beltrán opositó a laorganistía de la catedral de El Burgo de Osma a la muer-te de su titular José Manso: examinado por el maestro decapilla de la Catedral de Burgos, Francisco Antonio deFuentes, fue elegido organista primero de la catedral deOsma el 9 de julio de 1764 con la obligación de suplir almaestro, dar lecciones a los “infantejos” y “enseñar a losministros de la iglesia que quisieran aprender este oficio[de organista]”. Sin embargo poco tiempo permanecióBeltrán en la organistía de El Burgo de Osma ya que alos nueve meses de haber tomado posesión, solicitó li-cencia para concurrir a las oposiciones de órgano de lacatedral metropolitana de Toledo. Siete fueron los can-didatos en esta ocasión; entre ellos, Juan Andrés deLombide y Mezquía y Félix Máximo López. En el tribu-nal estaban el maestro de capilla Juan Rosell, el organis-ta Joaquín Oxinaga y dos racioneros músicos. Beltrán fueelegido organista principal de la catedral de Toledo el 24de mayo de 1765. Esta elección llenaba la vacante deja-da por Joaquín Oxinaga. En Toledo coincidió con los ma-gisterios de Juan Rosell, Francisco Juncá y Cándido JoséRuano. Félix de Latassa dice, refiriéndose al organistaJoaquín Beltrán, que “este sabio profesor de música... esautor de muchas obras de órgano”. Sin embargo, sólocuatro son conocidas, y proceden del manuscrito musi-cal de Valderrobres n° l. De ellas, una sonata (la Sonatade octavo tono) y un lleno han sido publicadas; otros dosllenos para órgano están aún inéditos. La Sonata de oc-tavo tono es del tipo scarlattiano bipartito y monotemá-tico, habitual, como hemos visto anteriormente, en lamúsica de tecla española del siglo XVIII.

El organista, compositor y teórico Félix MáximoLópez nació en noviembre de 1742 en Madrid. En 1775fue nombrado cuarto organista de la Capilla Real, ascen-diendo sucesivamente hasta llegar, en 1805, al cargo deprimer organista. Sucedió en este cargo a José Lidón, queese año ocupó el cargo de Maestro de capilla. Un ma-nuscrito de Ambrosio Pérez, copiado por Saldoni, expli-ca las funciones de los diversos organistas de la CapillaReal: “El primero y segundo [organistas], para las funcio-nes de música, o sea, con orquesta, y el tercero y cuartopara las de diario, o sea, a canto llano”. Ocupó dicha fun-ción hasta su muerte, acaecida el nueve de abril de 1821.Sobre su inspiración y técnica, continúa diciendo el ma-nuscrito de Ambrosio Pérez que “era hombre de inven-


ción pronta y feliz, conocedor del instrumento y de laciencia de registrar, produciendo siempre una música ver-daderamente orgánica... Fue asimismo muy buen com-positor, y como estaba dotado de un genio picante y algúntanto sarcástico, componía en este género poemas queluego ponía en música, y que gozaron de mucha boga”.Según Saldoni un número importante de obras suyas pa-ra tecla, guitarra, música de cámara y villancicos fueronpublicadas en vida suya, pero no se han conservado. Enmanuscrito se conservan algunas piezas para órgano, queson, en su mayoría, de carácter litúrgico e incluyen des-de versos y fabordones cortos hasta largas sonatas, ca-prichos y fugas destinadas al ofertorio. Su estilo consisteen una mezcla un tanto curiosa del lenguaje pianísticoclásico vienés y el contrapunto en prima prattica o stileantico. Entre sus obras para clave hay sonatas de variosmovimientos en estilo clásico (algunas a cuatro manos) yvariaciones de melodías españolas de gran color, comoel Minuet afandangado con seis variaciones. Sus obras seconservan principalmente en la Biblioteca Nacional deMadrid y la mayor parte de ellas están escritas para tecla.Escribió asimismo un tratado titulado Reglas generales oEscuela de acompañar al órgano o clave que se conser-va manuscrito en la Biblioteca Nacional de Madrid.También abordó el género teatral componiendo variasobras que se conservan en la Biblioteca Municipal deMadrid: Las abejas, 1761; El abogado y la resalada; Losandaluces, 1761; La conversación; El escondite, y La me-sonera y el arriero. Con respecto al Minuet afandangadocon seis variaciones, Alberto Cobo ha propuesto la suge-rente tesis de que la música popular aragonesa haya cau-tivado la fértil imaginación de López pues ha constatadola semejanza de uno de los Dances de la ciudad turolen-se de Jorcas –el Tan-tin-tun– con el Minué, en el que elcompositor emplea un mayor número de adornos o “afan-danga” (entiéndase que busca darle algún ingrediente re-lacionado con el fandango). Sigue diciendo Cobo que nodeja de sorprender cómo se pueden encontrar similitu-des entre una danza de paloteo turolense muy cercanaa la jota y una obra de recreación en el teclado buscan-do la galantería y finura centroeuropea y desarrollada enla forma de variaciones. El título de la danza intenta re-crear el sonido de golpeo de palos, campanas o algo querefleje tres sonidos distintos, como ocurre en las tres pri-meras notas de la melodía, y aunque comparándola conel Minué de López carece de la cadencia final, ciertamentese trata de la misma melodía.

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TERCER CONCIERTO

Introducción

Como consecuencia del rico legado heredado de la mú-sica española para órgano del siglo XVII, la literatura es-crita para este instrumento en el siglo siguiente alcanzauno de sus momentos de mayor brillantez. Ni el órganodel área catalano-valenciana ni el del área castellana pre-senta teclado de pies sino un pedalero de escasos tacoso “contras” en algunos modelos. El teclado de pies ob-tuvo una gran autonomía y perfección en países comoAlemania pero en la España del siglo XVIII apenas tuvodesarrollo salvo la presencia del citado pedalero, que loúnico que permite al organista es destacar algunas ca-dencias finales pero no reproducir las mismas melodíasque se ejecutan en los teclados manuales. Esta diferen-cia técnica con el órgano alemán condiciona la músicaespañola para órgano a lo largo del siglo XVIII, si bienquedará compensada por la existencia en un primer mo-mento del órgano “partido” o de “medio partido”, estoes, la posibilidad de distribuir la sonoridad del órgano enlas dos mitades del teclado al repartir los tubos de los di-ferentes juegos, de tal manera que el sonido obtenido enuna de las mitades es diferente al de la otra mitad: conello se origina un contraste tímbrico sumamente intere-sante. Esta novedad comienza a hacer acto de apariciónen torno a los años 1560-70 y se seguirá aplicando du-rante el siglo que nos ocupa. Ahora bien, la denomina-ción “Tiento partido” o “Tiento de medio registro” pasaráa denominarse “Obra de mano derecha” o “Partido demano derecha” durante el siglo XVIII, como podemosobservar en la obra anónima que se interpretará en la se-gunda parte de este concierto.

A la innovación de la registración partida se añadióen el siglo XVII el órgano de ecos y la trompetería exte-rior horizontal. En el primer caso, se seleccionan uno ovarios registros y se los encierra en una caja de celosíasque pueden ser abiertas o cerradas a voluntad del intér-prete mediante un mecanismo que se activa con el pie ola rodilla, creándose de esta manera un efecto de eco.Por su parte la trompetería exterior consiste en la colo-cación de tubos en sentido horizontal, situados en la fa-chada posterior o anterior, con lo que el oyente recibe


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un sonido marcial y penetrante, y en ocasiones estridente,de forma directa; esta segunda innovación define y de-termina asimismo la música española para órgano delXVIII aunque comenzaron a alzarse voces en contra desu uso por su carácter bélico.

Las formas

Por lo que se refiere a las formas organísticas, hemos detener presente que están condicionadas por la finalidadúltima de la música, hecho que es perceptible en la mú-sica para teclado según esté destinada al órgano o al cla-ve, razón por la que los compositores se inclinandecididamente por un lenguaje idiomático. Existe unapreferencia por las antiguas formas imitativas, como sonla fuga y el ricercare, permanece el gusto por la varia-ción, pero al mismo tiempo surge toda una serie de for-mas nuevas, como lo atestigua Fray Antonio Martín y Coll,organista de San Diego de Alcalá, quien dio a conocerentre 1706 y 1709 cuatro volúmenes manuscritos bajo eltítulo de Flores de Música, Pensil deleitoso de suaves flo-res de Música, y Huerto ameno de varias flores de Música,obra que nos ofrece una buena muestra de las formasorganísticas en boga durante la primera mitad del sigloXVIII: “Versos”, “Fabordones”, “Tiento”, “Pasacalles”,“Canción italiana”, “Tocata italiana”, “Minué francés”, “Za-rabanda francesa”, “Diferencias sobre la gaita”, “Cancióncatalana”, “Obra de timbales”, “Pavana”, “Marizápalos”,“Españoletas”, “Fallas”, “Vacas”, “Baile del Gran Duque”,“Danza del hacha”, “Villano”, “Canarios”, “Giga”,“Canción Veneciana”, “Canción de clarín con eco”, etc.Se trata de una variopinta mezcla de formas que segúnJosé Subirá oscilan entre lo autóctono y lo foráneo, loerudito y lo popular, o lo religioso y lo profano. Por otraparte, es necesario resaltar que el tiento, forma por an-tonomasia de la música de teclado española, comienzaa ser sustituido en el transcurso del siglo XVIII por la de-nominación de canción.

Autores y obras

La jácara tiene un doble acepción: por una parte se tra-ta de un romance, a menudo cantado, que narra las aven-turas de un personaje humilde y cuya función principalera la de servir de entretenimiento en los entreactos de


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las representaciones teatrales, siendo uno de los antece-dentes de la tonadilla escénica; también encontramos já-caras en el siglo XVIII como un tipo de villancico. Ensegundo lugar, la jácara es una danza en ritmo ternariocon melodías semejantes a la zarabanda que se inter-pretaba desde el siglo XVI tanto a la guitarra como eninstrumentos de teclado. El Pasacalle es una danza cor-tesana que se remonta a mediados del siglo XVII y com-parte con la jácara el compás ternario, la procedenciapopular y el aire vivo así como el hecho de servir de en-treacto en una obra dramática. El origen de su denomi-nación se debe a las marchas (de cuatro a seis compases)que se ejecutaban en las calles españolas de fines del si-glo XVI y comienzos del XVII con acompañamiento detamboril y flauta. Sin embargo, en opinión de AntonioEzquerro, la melodía del pasacalle se transformó en untema con variaciones, cuyo bajo repetido hizo las vecesde bajo obstinado y el pasacalle acabó convirtiéndose enuna danza cortesana instrumental con cierto sentido pro-cesional, lo que le diferenció definitivamente de la jáca-ra.

José Elías ilustra la música organística de transicióndel siglo XVII al XVIII pues está a medio camino entrela severidad de Cabanilles y Bruna y la soltura de VicenteRodríguez, Carlos Seixas, Domenico Scarlatti y AntonioSoler. No se conoce con exactitud la fecha de su naci-miento (Llorens apunta el año de 1687). Se formó conJuan Bautista Cabanilles, del cual llegó a interpretar du-rante su juventud más de trescientas obras, según él mis-mo confesó. El 13 de diciembre de 1712 obtuvo laorganistía del Real Monasterio de Sant Pere de les Puel.les,cargo en el que se mantuvo hasta el 5 de abril de 1715,año en que pasó a ocupar igual plaza en la parroquia delos Santos Justo y Pastor. El 8 de junio de 1725 dejó va-cante el cargo al ser nombrado capellán de Su Majestady organista principal de las señoras Descalzas Reales. Dejómanuscrito y listo para la imprenta su importante obra ti-tulada Obras de órgano entre el Antiguo y Moderno esti-lo, doce piezas compuestas “a fin de que los profesoresprincipiantes de esta Facultad tengan luz y guía para ha-cer aprender a tocar suelto y seguir un paso por los tér-minos conducentes del tono con la más perfecta y naturalmodulación”, fechada en el año 1749; la aprobación dela obra de Elías fue firmada por José Nebra, SebastiánAlbero y Joaquín de Oxinaga. Años después, el propioAntonio Soler justifica sus procedimientos armónicos


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apoyándose no en Scarlatti sino en Elías y sus obras, mu-chas de las cuales interpretó Soler cuando estudiaba enMontserrat. Su fallecimiento debió tener lugar despuésde 1755. Sus obras conservadas se elevan en la actuali-dad a 527, de los cuales 466 son versos: se trata de ma-nuscritos, pues son escasas las obras musicales editadasen España durante el siglo XVIII y era una costumbre quelos organistas escribieran sus composiciones con un finpedagógico para complacer el deseo de sus discípulosinteresados por aquellas piezas que reunían para el cul-tivo de su profesión. Los títulos que consignan la músi-ca de Elías se reducen a piezas, tientos, obras, pasos,entradas, juego de contras, versos, falsas, tocatas y pasa-calles. La disposición tradicional de danzas en la suite pa-ra teclado (Allemande, Courante, Zarabanda y Giga) esreducida en una de las raras incursiones de Elías en es-te género, lo cual justifica el título de Pequeña Suite. Elíassiente el anhelo de ennoblecer el antiguo estilo de la sui-te con procedimientos novedosos. La temática que em-plea se mantiene fiel a la peculiaridad de la escuelaespañola, al margen de la manera italiana divulgada enEspaña por Domenico Scarlatti pues la utilización de ador-nos es bastante comedida si la comparamos con la suitedel siglo XVII y primera mitad del siglo XVIII. Pero es enla armonía donde observamos las tendencias progresis-tas de José Elías: además de los acordes disonantes sinpreparación, emplea con frecuencia los acordes dismi-nuidos, aumentados y alterados así como el acorde desexta napolitana. Otra notoria aportación de Elías a lamúsica de teclado radica en el arte de modular, poco cul-tivado, que lo desarrolla hasta límites insospechados enla música de su época.

Por lo que hace referencia a la obra propiamente or-ganística de Antonio Soler, mientras que el empleo delórgano en los Seis Conciertos se inscribe dentro de unambiente galante, los intentos, pasos y versos que com-puso para dicho instrumento, están concebidos para unmarco litúrgico y su función es eminentemente religiosa.En estas obras organísticas el padre Soler se nos ofrececomo un consumado contrapuntista, si bien Samuel Ru-bio observa algunos defectos tales como el excesivo usode la progresión armónica y de las secuencias. La mayorparte de las sonatas del padre Soler están pensadas te-niendo en cuenta las posibilidades del clave y unas po-cas están destinadas al órgano. La sonata 102 se atiene ala forma tradicional bipartita y monotemática en un so-


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lo tiempo que ya analizamos en los comentarios perte-necientes al primer concierto de este ciclo.

Antón Mestres fue organista del Palacio Real Menorde Barcelona entre 1771 y 1784. Según Francesc Civil par-ticipó en 1758 en las oposiciones para cubrir la plaza deorganista de la catedral de Girona, y en 1763 opositó sinéxito al magisterio de la iglesia de Santa Maria del Pi, enBarcelona. Sus obras para tecla –principalmente tocatasen forma de sonata y versos– son muy numerosas, yaque se trata de un autor muy representado en numero-sos archivos eclesiásticos catalanes y en la mayoría deantologías del siglo XVIII. En la Tocata de 6º tono, per-teneciente a un volumen manuscrito de tocatas fechadoen 1780 (actualmente conservado en la Biblioteca deCatalunya y publicado por Civil) se muestra, en opiniónde Gregori Estrada, como un conocedor del contrapun-to tradicional, sensible al estilo melódico de su tiempo,ágil en la pulsación del teclado, experto en el coloridotímbrico, delicado y cuidadoso en el fraseo, minuciosoen el dibujo de la curva musical, y profundo y vigorosoen la expresión. Por otra parte resulta innegable el inte-rés que ofrece su producción organística por la técnicay la gracia que disimula la difícil sencillez de su estilo.

Anselm Viola nació en Torroella de Montgrí en juliode 1738 e ingresó como escolano de Montserrat en 1747,teniendo por maestros a los padres Esteve y Martí. En1756 tomó el hábito de monje y al año siguiente fue des-tinado al monasterio de Montserrat de Madrid, ciudad enla que se dio a conocer como compositor pues algunasde sus obras llegaron a ser interpretadas en la CapillaReal, gracias a lo cual tomó contacto con la vida musicalde la corte (posiblemente conoció a los entonces maes-tro y vicemaestro de la Real Capilla, Francisco Corselli yJosé de Nebra, respectivamente) y los nuevos estilos mu-sicales europeos. Después de quedar vacante la plaza demaestro de capilla de Montserrat tras el fallecimiento desu antiguo maestro el padre Martí, en 1768 fue nombra-do maestro de la Escolanía de Montserrat, permanecien-do al frente de la misma hasta 1794: allí tuvo la posibilidadde formar a excelentes músicos como Fernando Sor yMartín Sunyer. Su muerte acaeció el 25 de enero de 1798.Sus obras son bastante numerosas aunque lamentable-mente muchas de ellas desaparecieron a causa del in-cendio que asoló la capilla del Palau de Barcelona en1936. Se conservan obras litúrgicas para coro “a capella”


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y con acompañamiento de instrumentos en Montserrat,Biblioteca de Catalunya y en el Orfeó Catalá de Barcelona.En ellas se nos revela con una gran preparación técnicaasí como con un gran dominio de la orquestación, delcontrapunto y de las modulaciones. En la Sonata de Violaes perceptible uno de sus principios compositivos: la bús-queda de la originalidad de ideas; además el uso de unamelodía y armonía sencillas son tratadas con gran habi-lidad, lo que confiere a la obra una estructura seria y só-lida, a lo cual contribuye la frescura y espontaneidad desu fluidez melódica y tonal, que sitúan a Viola en un es-tilo preclásico avanzado.

Fernando Eguiguren nació en torno a marzo de1743. Ocho años después aparece como cantor en el mo-nasterio franciscano de Aránzazu, donde tomó el hábitoen 1750. En 1781 figura como organista del convento deSan Francisco en Bilbao. Llegó a adquirir un gran pres-tigio, como lo demuestra la mención incluida en LaGaceta de Madrid en 1815, donde se le define como “or-ganista de muy buena reputación”. La mayor parte de susobras conservadas en numerosas archivos parroquialesdel País Vasco son religiosas, lo que denota el prestigioy favor que gozó en vida. Su única obra instrumental esel Concierto airoso para tecla, obra que fue elogiada porel padre Donostia: de las veinte partituras de esteConcierto conservadas en el santuario de Aránzazu, so-lamente once están completas.

Joaquín Oxinaga nació en Bilbao y fue bautizado el26 de octubre de 1719, preparándose en su ciudad natalpara convertirse en organista. Con el fin de perfeccionarsus estudios se trasladó a Madrid, donde tuvo como maestro a José de Nebra. En 1740 se alza con el puestode organista de la catedral de Burgos, de donde pasó aBilbao en 1742. Cuatro años después consigue en la RealCapilla la plaza de organista segundo, y en 1749 firmó suaprobación a las Doce piezas de órgano, de José Elías, jun-to con los otros organistas de la Real Capilla, José de Nebray Sebastián de Albero. En 1752 renunció a su cargo en lacorte de Madrid para ejercer la organistía primera en lacatedral primada de Toledo, donde falleció en octubre de1789. Las obras de tecla que han llegado hasta nosotroshan sido publicadas por José López-Calo. La producciónorganística de Oxinaga determina la ruptura con el estilomusical que venía reinando en España desde hacía másde dos siglos, cuando el tiento constituía la base de la


composición para órgano, que llega a su culminación conJuan Cabanilles. Sus obras ya no se encuadran dentro delgénero tradicional del tiento, con su correspondiente re-exposición contrapuntística de varios temas, sino que es-tán basadas más bien en el desarrollo temático, si bien elIntento en sol conserva algunas reminiscencias del estilotradicional español por el uso del estilo fugado. El térmi-no “intento” aludía en el siglo XVIII español a la técnicaimitativa que emplea todos los recursos y artificios con-trapuntísticos de la forma fuga; por otra parte, el intentoestá relacionado siempre con su ejecución en instrumen-tos de teclado, y de manera más concreta, en el órgano.En opinión de Louis Jambou, la doble vertiente técnico-organológica, es decir, un tema con exposición en formafugada y su interpretación organística, define la voluntadde enraizar la escritura compositiva en la historia de unestilo rigurosamente contrapuntístico, frente a las nuevasorientaciones de la segunda mitad del siglo XVIII.

José de Larrañaga nació en Azcoitia (Guipúzcoa) el27 de mayo de 1728. Recibió su primera formación mu-sical en Aránzazu. En 1747 aparece ya como maestro decapilla de Aránzazu, siendo su autoridad decisiva en losperitajes, informes y aprobaciones de órganos, así comoen las oposiciones a las organistías de diversas parroquiase iglesias del País Vasco. Se relaciona asimismo con XabierM. de Munibe, conde de Peñaflorida, con quien com-partió amistad y aficiones musicales: por tal razón no re-sulta extraño que Larrañaga aparezca vinculado desdefechas tempranas al proyecto de la Real SociedadBascongada de los Amigos del País, primera de las so-ciedades económicas peninsulares. Creada en 1764, eracostumbre que cada nuevo socio aportase en el ingresoa la sociedad un trabajo sobre la disciplina de su com-petencia y Larrañaga presentó un resumen sobre Códigode música sacado del que escribió en francés Mr. Rameau,prueba del conocimiento que se tenía en Aránzazu delos más recientes adelantos teóricos de la Europa del mo-mento. José de Larrañaga falleció en Aránzazu en sep-tiembre de 1806. Desde el punto de vista musical esconocido por su obra para tecla, dada conocer por el pa-dre Donostia, quien señala que la sonata de 1770 “reve-la ya una mano experta, cualidad que se hace notar entodas estas sonatas para clave”.

Joaquín Laseca nació en Zaragoza, siendo bautiza-do el 31 de julio de 1758. A sus nueve años ingresó co-

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mo infante en la Seo de Zaragoza, donde permanecióhasta 1774. En 1775 fue nombrado organista de El Portillo,y en 1780 fue propuesto por Francisco Javier García co-mo sustituto de Joaquín Nebra con la promesa de ocu-par la plaza a la muerte del citado Joaquín. Esto ocurrióen 1782, y desde este año fue organista primero de laSeo hasta su muerte, acaecida el 11 de junio de 1820.Hasta ahora se han localizado dos sonatas, Adagios devarios tonos, Lleno en sol y el dúo de tiples DivinoRedentor. La Sonata de 5º tono de Laseca revela cierto ta-lento y habilidad, y en opinión de José Vicente GonzálezValle está elaborada siguiendo el estilo melódico-expre-sivo de finales del siglo XVIII, con una clara concepciónarmónico-tonal, ritmos cambiantes, fluidez melódica –aveces quebrada- y simetrías de compases con tendenciaa la arquitectura periódica.

De Joaquín Beltrán se trató en los comentarios alsegundo concierto.

Narcís Casanoves nació en Sabadell (Barcelona) el17 de febrero de 1747 y entró en la Escolanía deMontserrat en 1757, estudiando con José Martí y BenetJulia. Tomó el hábito de monje en el mismo monasterioen 1763 y falleció el 1 de abril de 1799, a los cincuentay dos años de edad. Junto con el ya citado Anselm Violaes el mayor representante del esplendor de la escuelamontserratina del siglo XVIII, y aunque hoy se le cono-ce especialmente por su producción organística, sus obrasvocales litúrgicas son de una categoría excepcional, so-bre todo por la peculiar manera de conjugar la severapolifonía renacentista con la ingenuidad del estilo meló-dico italiano. Según la crónica escrita por sus compañe-ros de religión con motivo de su muerte, reproducida porPedrell, se dice, entre otras cosas, que “lo que más le dis-tinguió fue su manejo y destreza admirable en tocar elórgano: era tal que con dificultad se hubiese encontradootro igual en su tiempo… Fue mayordomo segundo ydos veces maestro de escolanes y sacó buenos discípu-los”. Pedrell enumeró las obras que se conservan en elarchivo de la abadía: motetes, salmos, letanías, salves, la-mentaciones, responsorios, etc., además de “varias obrasorgánicas, algunas muy notables”. En la música instru-mental cabe distinguir la compuesta exclusivamente pa-ra órgano (partidos, sonatas para clarines, versos) y laque podía interpretarse indistintamente con el órgano ocon el clave (sonatas y pasos). La escuela de música de

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Montserrat disponía, además de órganos positivos parael estudio y el acompañamiento del coro, de varios bue-nos clavicordios. Cultivó diferentes géneros, como sona-tas (bipartitas y monotemáticas de un solo tiempo, comoes el caso de la Sonata de 2º tono), pasos, partidos, fu-gas y rondós, dando siempre a su música un tono ele-gante y agradable, con variedad de modulaciones.

Por último, el compositor y organista Carlos Baguernació en Barcelona en marzo de 1769. Su formación mu-sical fue asumida por su tío Francesc Mariner, organistade la catedral de Barcelona, y cabe suponer que la de-sarrolló en el marco del mencionado centro. Con moti-vo de su fallecimiento (7-XII-1789), su sobrino, que porentonces contaba 20 años, le sucedió en el cargo sin ha-cer oposiciones: entre 1790 y 1808 fue el organista de lacatedral de Barcelona hasta su muerte en 1808. Ademásde la organistía, desempeñó una amplia labor pedagógi-ca y de formación de futuros músicos catalanes. Dos im-portantes discípulos de Baguer fueron Mateu Ferrer, susucesor en la catedral, y Ramón Carnicer. Su importan-cia como compositor adquiere peso específico por la ex-tensa labor como compositor de música sinfónica y parainstrumentos de tecla. La música para instrumentos detecla (órgano, pianoforte o clave) comprende allegros,contradanzas, fugas, intentos, minuetos, obras, paspiés,rondós, sinfonías, sonatas, variaciones y versos. Los ma-nuscritos no suelen señalar el instrumento concreto detecla para el que se escribió cada pieza. Las sonatas, delas que hay contabilizadas alrededor de cuarenta con unbuen número de copias, son obras escritas en un solomovimiento y están compuestas dentro del esquema dela sonata bipartita al estilo de Scarlatti y Soler o tambiénsiguiendo el modelo de la sonata clásica de Haydn. Lassinfonías para teclado constituyen otro apartado impor-tante en el corpus de obras instrumentales de Baguer: setrata de reducciones al teclado de obras orquestales yconstan de uno o varios movimientos, dependiendo deque la reducción sea de la obra sinfónica completa o deun solo movimiento. De un buen número de ellas se haconservado el original para orquesta y la reducción, enotros casos solamente se conoce la transcripción para al-gún instrumento de tecla. El modelo compositivo de lassinfonías de tecla es el que tiene como punto de partidala obertura operística formada por un largo-allegro o lasque se rigen por el esquema de la sinfonía para orques-ta compuesta por un allegro típico de la sonata clásica.

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En líneas generales, su obra sobresale por su asimilacióndel estilo de Haydn en cuanto a la idea formal y meló-dica, identificándose con la forma de componer en elnorte de Europa, de modo que introdujo en nuestro país un nuevo modelo estético alternativo al omnipre-sente estilo italiano.

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CUARTO CONCIERTO

Manuel Blasco de Nebra: Biografía

Manuel Blasco de Nebra proviene de una importante di-nastía de músicos. Su padre, José Blasco de Nebra, ha-bía sido nombrado organista segundo de la catedral deSevilla el 3 de diciembre de 1735, en sustitución del fla-menco Arnaldo Asper. Con motivo de su petición de ju-bilación el 6 de julio de 1778, solicitó para su hijo Manuella plaza una vez que él hubiese fallecido, pero Manuelmurió antes que su padre, que todavía vivió hasta el 4de febrero de 1785.

Por su parte, Manuel Blasco de Nebra nació el 2 demayo de 1750 en Sevilla, recibiendo una sólida educa-ción musical por parte de su padre, al tiempo que se for-maba en el Colegio de San Isidoro de la misma ciudad,en el que entró en 1737 con una beca del cabildo soli-citada por su padre. Dada la extraordinaria capacidadmusical de su hijo tanto para la interpretación al clave yal órgano como para la composición, José Blasco se es-forzó en introducir e instruir a su único hijo varón. En1768 el Cabildo catedralicio de Sevilla nombró al jovenBlasco de Nebra organista suplente (cargo que no lle-vaba aparejada ninguna remuneración) con el fin de reemplazar a su padre durante sus “ausencias y enfer-medades” y con derecho a sucederle en la plaza, unavez que ésta quedara vacante. Después de tratar enCabildo una solicitud de Blasco de Nebra, fechada el 15de noviembre de 1773, la Catedral decidió concederleuna asignación que le permitió acceder al estado sacer-dotal. Cuando en 1778 pidió su padre la jubilación, suhijo Manuel Blasco de Nebra pasó a ocupar la plaza deorganista segundo, a pesar de que la propiedad seguíadisfrutándola José Blasco. A pesar de que este nombra-miento suponía cobrar un salario mayor, hasta 1782 norecibió la cantidad con que estaba dotada su plaza en lacatedral sevillana. Llevó a cabo una intensa actividad in-terpretativa en Sevilla que causó la admiración de suscontemporáneos debido a su habilidad y dotes en el ór-gano, pero al mismo tiempo desplegó una labor com-positiva que lo emplaza como uno de los creadores másdestacados del siglo XVIII, aunque Manuel Blasco deNebra falleció a los 34 años de edad, concretamente el


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12 de septiembre de 1784, truncándose de esta manerauna prometedora carrera.

Sobre las obras que interpretaba y que él mismo com-puso, merece la pena citar la reseña aparecida en el año1785 en el Memorial Literario, instructivo y curioso de lacorte de Madrid, en el que se ofrecían las obras de ManuelBlasco de Nebra en los siguientes términos: “Colecciónde 1.833 piezas de clave, fortepiano y órgano en que hi-zo su estudio D. Manuel Blasco de Nebra, organista quefue de la Iglesia Catedral de Sevilla. Este profesor falle-ció en 12 de septiembre de 1784, de edad de 34 años,habiendo llegado a tocar de repente con finura, valentíay expresión cuanto le presentaban: de su música, queconsiste en 172 piezas, se franquean copias a 20 realesde vellón cada pieza, y de la de los demás autores segúnsu mérito, desde dos reales hasta diez. Se venden enSevilla, calle de Enciso, casa de los Nebras”

Se tiene la duda sobre si este número de composi-ciones de Blasco de Nebra (de las que sólo se conservan30), responde al conjunto total de su obra. Las 30 obrasconservadas son composiciones destinadas al teclado: 24sonatas y 6 pastorelas. Al igual que Doménico Scarlatti,Manuel Blasco de Nebra encauzó su talento creador ha-cia la composición de obras para tecla cuando la mayorparte de los compositores de la España del siglo XVIII(entre ellos su tío, el célebre vicemaestro de la Real Capillade Madrid, José de Nebra) dedicaban mayor atención alas grandes géneros vocal-instrumentales .

Las fuentes

La producción musical de Manuel Blasco de Nebra gozóde una notable difusión no sólo en Sevilla sino tambiénen la corte de Madrid ya que en la capital de España sepublicaron seis sonatas: el único ejemplar que actual-mente se conserva de esta edición se encuentra en laBiblioteca del Congreso de Washington. Tales sonatasfueron dadas a conocer en 1963 por el musicólogo RobertParris, el cual enmendó abundantes errores. Poste-riormente se han localizado dos nuevas fuentes: el ma-nuscrito número 2998, perteneciente al archivo musicaldel monasterio de Montserrat, contenía doce sonatas yseis pastorelas, que fueron transcritas y analizadas por elmusicólogo danés Bengt Johnsson en 1984, incluyendo


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asimismo las seis sonatas del opus 1 que había dado aconocer Parris con anterioridad. Por su parte, InmaculadaCárdenas editó en 1987 seis nuevas sonatas que se con-servaban en el monasterio de la Encarnación de Osuna(Sevilla), obras que estaban incluidas a su vez en un vo-lumen mayor junto a otros autores; a esta colección per-tenecen las Sonatas 107, 108, 109 y 112 que escucharemosen el concierto de hoy.

Las sonatas

Se trata de composiciones breves en uno, dos o tres mo-vimientos. Las seis sonatas publicadas por Parris y nue-ve de las editadas por Johnsson presentan dos mo-vimientos: un primer movimiento en Adagio y un se-gundo en Allegro o Presto (Sonata nº 5 en re menor ySonata I en do menor). Sin embargo, las sonatas revisa-das por Inmaculada Cárdenas y las tres que completanel corpus de doce del manuscrito del monasterio deMontserrat ofrecen un único movimiento rápido. Las so-natas se atienen bien a una estructura bipartita o bien auna forma embrionaria de sonata con recapitulación: laprimera parte se inicia en la tonalidad principal y se des-plaza mediante un breve proceso modulatorio a la do-minante o al relativo mayor; en la segunda parte seinvierte este proceso. Por lo que se refiere a las sonatasen dos o tres movimientos, éstos están emparentados porpertenecer a la misma tonalidad.

Se trata de obras que se caracterizan por su variedady por el encanto que desprenden. No renuncian sin em-bargo al virtuosismo, el cual es visible en la Sonata op. Ien Do menor.

Nos ofrecen un rico panorama de estados anímicos,empleo de material popular e incluso ritmos de danzacomo el zapateado. Pero si en un aspecto brillan las so-natas de Blasco de Nebra con luz propia es en los mo-vimientos lentos, dotados de gran expresividad, queconstituyen el equivalente español del estilo sensible oEmpfindsamkeit de Carl Philip Emmnanuel Bach. W. S.Newman sustenta esta tesis cuando afirma que el con-junto de sonatas de Blasco de Nebra se identifica con elespíritu de Scarlatti y Soler por su originalidad, fuerza yprofundidad expresiva mientras que su lenguaje no estámás cercano que el de Soler a los maestros del clasicis-


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mo; por el contrario sus penetrantes (en ocasiones afli-gidas) disonancias, sugieren más bien el temprano sigloXVIII.

En cuanto a la textura de estas obras es en lo funda-mental homófona a base de dos voces libres, en las quelas notas de adorno desempeñan un papel esencial, so-bre todo las acciaccaturas, un uso que muestra la in-fluencia que Scarlatti ejerció en la música española detecla a lo largo del siglo XVIII, como ocurre en el Allegrode la Sonata nº 5. Por otra parte es muy notable el usoque hace Blasco de Nebra de los efectos de guitarra co-mo el rasgueado, procedimiento muy frecuente por otraparte en las sonatas de Scarlatti.

Blasco de Nebra elabora los temas de sus sonatas abase de la yuxtaposición de células de uno, dos o cua-tro compases, repetidos separadamente o en su integri-dad. Inmaculada Cárdenas ha destacado la profusión deideas no sólo en la elaboración de los temas sino tam-bién en el desarrollo o la utilización de gamas y acordearpegiados como paso de una idea a otra.

¿Para qué instrumentos estaban destinadas las sona-tas de Blasco de Nebra? Es probable que escribiera estasobras pensando en las posibilidades tímbricas y expresi-vas del clave, si bien, tanto en la portada de la ediciónde sus Sonatas op. 1 como en la del manuscrito descu-bierto por Johnsson se expresa “para clave y fuerte pia-no”: ambos instrumentos llegaron a coexistir durante lasegunda mitad del siglo XVIII pero la tesitura de las so-natas (cinco octavas) se adecúa más al clave que al pia-noforte aunque la renuncia al cruzamiento de manos olas dificultades que presenta la mano derecha las acercaal moderno pianoforte.


P A R T I C I P A N T E S


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PRIMER CONCIERTO

Pablo Cano

Nace en Barcelona en 1950. Realizó cursillos conRosalyn Tureck, Rafael Puyana y Alan Curtis. Perfeccionósus estudios clavecinísticos en Holanda con Bob vanAsperen.

Ha actuado en E.E.U.U., Canadá, y diversos países eu-ropeos. Igualmente ha participado en los principales fes-tivales y ciclos de conciertos que se celebran en España,colaborando con diversos solistas y agrupaciones, y condirectores como Hans Staldmair, Antonio Janigro, EnriqueGarcía Asensio, Antoni Ros-Marbá, Víctor Pablo Pérez,Alberto Zedda, Helmut Rilling, Miguel Angel GómezMartínez y Jesús López Cobos, entre otros.

En 1988, dentro del Festival de Otoño de laComunidad de Madrid, actuó como solista en el estre-no mundial de Variaciones y desavenencias sobre temasde Boccherini, concierto para clave y orquesta de JoséLuis Turina, con la Orquesta Sinfónica de Madrid bajola dirección de José Ramón Encinar en el Teatro Real.Durante varias temporadas trabajó como clavecinista enel Teatro de la Zarzuela, antes de la reapertura del TeatroReal, colaborando en numerosas producciones operís-ticas.

Ha grabado diversos discos dedicados a la música es-pañola para tecla de los siglos XVI al XIX, y a obras deMozart, Haydn, Boccherini, J. S. Bach, D. Scarlatti, etc.Uno de esos discos, dedicado a sonatas de SebastiánAlbero, recibió en 1980 el Premio Nacional del Disco.Fue el primer intérprete español en grabar un disco uti-lizando un fortepiano. Es autor de series de guiones co-mo “El clave y su historia”, “El Fortepiano” etc., que dirigióy presentó en Radio 2, de RNE.

Es profesor de clave, por oposición, en el centro in-tegrado de estudios musicales Federico Moreno Torrobade Madrid, tras haberlo sido en el Ángel Arias, de la mis-ma ciudad. Anteriormente desempeñó la labor de clave-cinista acompañante en el conservatorio Arturo Soria, deMadrid, y en el Real Conservatorio Superior de la misma


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ciudad, donde durante dos cursos ejerció como encar-gado de cátedra.

El 26 de marzo del año 2000 representó a RadioNacional de España en el día mundial dedicado por laUER a conmemorar el doscientos cincuenta aniversariodel fallecimiento de J. S. Bach.

Es licenciado en Derecho por la UniversidadComplutense de Madrid.


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SEGUNDO CONCIERTO

Tony Millán

Nacido en Madrid, inicia estudios de piano con C. R.Capote, y más tarde con R. Coll. Posteriormente, co-mienza estudios de clave con José Luis González Uriol(Premio de Honor Fin de Carrera). Entre 1984 y 1998, be-cado por el Ministerio de Cultura, estudia en el RealConservatorio de La Haya (Holanda) con Jaques Ogg yBob van Asperen (clave) y S. Hoogland (fortepiano). Mástarde, realiza estudios de especialización en bajo conti-nuo y música de cámara en la Schola Cantorum de Basilea(Suiza) con J. B. Christensen.

Como solista o en diversas formaciones de cámara,ha dado conciertos en los festivales de Música Antiguade Barcelona, de Música y Danza de Granada,Internacional de Santander, Verano Musical de Segovia,Quincena musica de San Sebastián, Semana de MúsicaReligiosa de Cuenca, Musikaste de Rentería y losFestivales de Sajazarra, Aracena y Ubeda, entre otros.Asimismo, ha actuado en el de Música Antigua de Utrecht(Holanda), Música Antigua de Stuttgart (Alemania),Roma-Europa 2003 y en diversos escenarios de Holanda,Bélgica, Reino Unido, Alemania, Francia, Italia, Portugaly Marruecos.

Ha realizado los estrenos absolutos de obras deGabriel Fernández-Alvez, J.Mª Sánchez Verdú y H. Cox,así como estrenos en España de H. Cox, L. Andriessen,R. Kelterborn, F. Luque, M. Flothuis y J. Lesage. Ha to-cado los conciertos para clave de M. de Falla, F. Poulency G. Petrassi (Sonata da Camera) y ha actuado en elFestival de Música Contemporánea de Alicante, en elMuseo Reina Sofía (CDMC), el Festival de MúsicaContemporánea de Madrid (Coma 2001), y los EncuentrosManuel de Falla de Granada, etc. Tiene obras dedicadasde E. Rincón, J. M. Sánchez Verdú y H. Cox.

Tiene grabado el “Concerto per il Cembalo” de M. deFalla con solistas de la JONDE (Auvidis-Valois), “Sonataspara Fortepiano” de Manuel Blasco de Nebra(“Documentos Sonoros del Patrimonio Musical deAndalucía”) y “Tercer libro de piezas de clavecín de


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J. Duphly” (Verso). También tiene grabaciones discográ-ficas en colaboración con diversos grupos de música an-tigua, así como grabaciones para RNE, RTVE, y KRO(Holanda).

Ha sido profesor de clave en el Real Conservatorio deMadrid, en el Conservatorio Superior de Música de lasPalmas de Gran Canaria, en cursos de especialización dediversos conservatorios españoles, encuentros de la JONDE y diversos cursos de verano. Actualmente es pro-fesor de clave en el conservatorio de Arturo Soria deMadrid.


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TERCER CONCIERTO

Anselmo Serna Bustamante

Natural de Villamayor de Treviño (Burgos), realizósus estudios musicales en el Real Conservatorio Superiorde Música de Madrid: Musicología con el P. Samuel Rubio,Clave con Genoveva Gálvez y Órgano con José Mª Mancha y Miguel del Barco. Asimismo se diplomó enCanto Gregoriano en la Escuela Superior de MúsicaSagrada con el P. Tomás de Manzárraga.

En 1974 obtuvo el Premio de Honor en la especialidadde Órgano y posteriormente se trasladó a Roma a estudiarcon el maestro Fernando Germani, profesor de SantaCecilia y organista de la Basílica de San Pedro. Ha per-feccionado sus estudios con los maestros S. Kastener, M. Radulescu, H. Meister, G. Bovet y M. Torrent entre otros.

Desde hace veinticinco años colabora regularmentecon las Orquestas Sinfónica de RTVE, Sinfónica deMadrid, Orquesta de la Comunidad de Madrid y Nacionalde España. Asimismo ha colaborado con la orquesta dela Comunidad de Madrid, Orquesta de Cámara españo-la, Grupo LIM, Banda Municipal de Madrid, Sinfónica deIsrael, Orquesta Sinfónica de Málaga, Sinfónica deAsturias, Cámara XXI, Sinfónica de los Países Bajos yotras. Como solista ha intervenido en los principales fes-tivales de música de nuestro país. En 1993 actuó en elAuditorio Nacional de Música de Madrid, dentro del Ciclode Cámara, y en 1998 en el Gran Órgano de la SalaSinfónica dentro del VII Ciclo de Órgano.

Ha grabado veinticinco CDs con la Orquesta Sinfónicade la RTVE como solista y con otros grupos de cámara.En julio de 2005 grabó un DVD con Jafet Ortega a dosórganos, en los históricos instrumentos de la CatedralVieja de Salamanca, de Salinas y de la la Capilla Dorada.

Ha presidido tribunales para oposiciones de ingresoen el Conservatorio y para el acceso a organista de di-versas catedrales.

Desde 1978 imparte clases de Órgano en elConservatorio de Música de Madrid.


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CUARTO CONCIERTO

Pedro Casals

Nace en Madrid en 1982. Inició sus estudios musica-les a la edad de cinco años. Debe su formación a la pia-nista Carmen Deleito, con quien estudió hasta 1998, y aJoaquín Soriano, con quien ha realizado sus estudios superiores, obteniendo las máximas calificaciones.Actualmente realiza estudios de perfeccionamiento conAndreij Pikul en Cracovia (Polonia).

Ha actuado en Hamburgo, Londres, Paris, SaintTrópez, Madrid, Cracovia, Roma, Florencia, Shanghai,Sydney, Libreville, o Accra, entre otras. Y en festivalescomo los de Santander o Granada, y en salas como elAuditorio Nacional de Música de Madrid.

Ha obtenido primeros premios en los concursos“Infanta Cristina” de Madrid (es el único español que halogrado ganar las tres categorías), “José Roca” en Valencia,“Marisa Montiel” en Linares, “Blüthner” en Madrid, y unlargo etcétera que se remonta a 1994, cuando a la edadde 11 años ganó su primer premio en un concurso depiano. Ha obtenido también cuantiosas becas de perfec-cionamiento por parte de instituciones como JuventudesMusicales de Madrid y Yamaha Corporation.

Actualmente es Doctorando de la UniversidadAutónoma de Madrid, donde ha realizado un trabajo deinvestigación, que aporta luz y nuevos datos a la figurade Manuel Blasco de Nebra, siendo la investigación másexhaustiva y más amplia hecha hasta la fecha sobre es-te compositor, lo que le ha granjeado la máxima califi-cación en un trabajo de esta índole. En el presente cursotambién será licenciado por la Universidad Autónoma deMadrid en “Historia y Ciencias de la Música”.


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INTRODUCCIÓN GENERAL YNOTAS AL PROGRAMA

Paulino Capdepón Verdú

Nació en Miranda de Ebro (Burgos). Se licenció enHistoria, Historia del Arte, Musicología y Piano. En 1991se doctoró en la Universidad de Hamburgo con una te-sis sobre los villancicos del padre Antonio Soler. Desde1988 ha ejercido la docencia musical en diferentes centros docentes como el Conservatorio de la Comu- nidad de Madrid, Universidad de Salamanca o RealConservatorio Superior de Música de Madrid. EsCatedrático de Musicología en la Escuela Superior deCanto de Madrid desde 1998, así como profesor deHistoria de la Música en la Facultad de Letras de CiudadReal.

Entre sus publicaciones destacan varios libros sobreel padre Antonio Soler, sobre la música en diferentes cen-tros musicales (Real Capilla de Madrid, Monasterio de las Descalzas Reales de Madrid, Monasterio de laEncarnación de Madrid o Catedral de Segorbe) o sobreel compositor José de Pradas.

Ha obtenido diversos galardones, como el “Premio aproyectos de investigación musical” del Centro deDocumentación Musical de Andalucía (en dos ocasio-nes); y en 2006 se alzó con el VI Premio de investigaciónmusical convocado por la Universidad del País Vasco yel Orfeón Donostiarra por su trabajo sobre el composi-tor del siglo XVII, Juan García de Salazar.


Creada en 1955 por el financiero español Juan March Ordinas, la Fundación Juan March es una institución familiar, patrimonial y operativa, que desarrolla sus actividades en el campo de la cultura humanística y científica. Organiza exposiciones de arte, conciertos musicales y ciclos de conferencias y seminarios. En su sede en Madrid, tiene abierta una biblioteca de música y teatro. Es titular del Museo de Arte Abstracto Español, de Cuenca,y del Museu d´Art Espanyol Contemporani, de Palma de Mallorca.A través del Instituto Juan March de Estudios e Investigaciones,promueve la docencia y la investigación especializada y la cooperación entre científicos españoles y extranjeros.

Depósito Legal: M. 1.701-2006Imprime: Gráficas Jomagar. MOSTOLES (Madrid)


Salón de actos. Entrada libreCastelló, 77. 28006 MadridT. 91 435 42 40. Fax 91 576 34 20www.march.ese-mail:[email protected]

CICLO

ENERO 2007




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