CANON DE LA FIGURA HUMANA

PRESENTACION

En el programa nacional de formación y capacitación permanente PRONAFCAP se ha visto como se ha ido deteriorando en estos últimos años la enseñanza del Arte, debido a que los docentes no renuevan los conocimientos sobre determinadas áreas que debido a su naturaleza, se han venido innovando para mejorar en lo referente a su desarrollo.

El dibujo es un instrumento de comunicación de primer orden en todos los tiempos, en todas las culturas. Como todo lenguaje desempeña diferentes funciones, desde aquella cuyo objetivo es identificar un objeto o una imagen mental hasta la que, permite transmitir intenciones, estados de ánimo y sentimientos. Las diversas técnicas utilizadas por el dibujante, unas intuidas y otras aprendidas posibilitan esta variedad de funciones. El dibujante logra plasma aplicando el canon de la figura humana y el rostro tal como es, tal como la ve o tal como la siente. En este tema trataremos de las técnicas del dibujo de la figura humana buscando sobre todo la capacidad expresiva de cada una de ellas asi como la correcta aplicación del canon para realizar sus dibujos.

Por estas razones entregamos el presente modulo que ofrece contenidos disciplinarios del área de Arte, que se pueden transferir o aplicar a otros aprendizajes y situaciones de la vida escolar a fin de promover el fortalecimiento de la capacidad creadora de los alumnos, el reconocimiento y valoración de las diferencias, buscando el desarrollo de la sensibilidad y la estética.

Esperando que el presente material sea de tú agrado, lo ponemos a tu disposición para su utilización y de ser posible agradeceremos que nos hagas llegar tus sugerencias para que mejoremos los materiales que elaboramos para ti.

EL DIBUJO ARTISTICO APLICADO AL DIBUJO DE LA FIGRUA HUMANA

1. INTRODUCCION AL DIBUJO DELA FIGURA HUMANA

Desde las cuevas del paleolítico, hasta los abrigos rupestres, el dibujo aparece como lenguaje de comunicación de acontecimientos mágicos, como motivo ornamental, o inclusive con carácter no figurativo, en forma de pictografía aún por descifrar; estos dibujos denotan un alto grado de complejidad y demuestran que el arte del dibujo estaba ya desarrollado en la época prehistórica.

Durante el renacimiento, el redescubrimiento humanista del clasicismo grecorromano, la invención de la imprenta y la gran variedad de papeles y de utensilios disponibles, impulsaron el desarrollo del arte del dibujo. Ya sea Como estudios preparatorios para pinturas o esculturas o, por primera vez en Occidente, como obras de arte independientes, las obras maestras del dibujo de los artistas renacentistas revelan comprensión de las formas naturales y su idealización.

Los dibujos del siglo XVII tienden a expresar un dramatismo y una energía de corte barrocos, en contraste con el apacible orden arquitectónico de la época. Los dibujos del siglo XVIII, típicos del estilo rococó, con un enfoque neoclásico muestran figuras realizadas con gran fuerza que contrastan con los dibujos discretos y realistas de temas cotidianos que satirizaban la guerra y la injusticia.

El creciente ritmo de cambio político y económico de la época moderna quedó reflejado en la gran variedad de estilos artísticos tales como el neoclasicismo resurgente de las tensas figuras lineales y de los retratos, el

LOGROS DE APRENDIZAJE:Maneja el sustento teórico práctico del dibujo artístico – canon de la figura humana

romanticismo representado en las tonalidades de los dibujos y el realismo un tanto agresivo de numerosas caricaturas satíricas.

En el siglo XX el dibujo tiende a ser constructivista aunque más abstracto. El surrealismo francés y el expresionismo estadounidense inspiraron dibujos más abiertos y espontáneos. También se empezaron a explorar la textura, las escalas, al tiempo que continuaba el interés por los dibujos de contorno tradicionales.

Ahora en la actualidad, comenzando el siglo XXI y ante la supremacía de los medios electrónicos de comunicación, el dibujo tiende a ser reemplazado por una gran diversidad de formas y expresiones gráficas, que desde la óptica contemporánea se describen como “disciplinadoras” de la población, en la medida en que van transformando la definición de los espacios urbanos y transforman la división tradicional entre espacio público y espacio privado.

2. CANON DEL CUERPO Y LAS PROPORCIONES

La figura humana, al igual que todos los demás objetos, está sometida a las leyes de la perspectiva y como tal deberemos tratarla según unas normas establecidas, con el fin de guardar las proporciones, en relación a su posición relativa.

No debemos olvidar que la figura humana compuesta por el cuerpo, los brazos, piernas, cabeza, … no es más que un conjunto de cilindros a los que necesariamente afectará la perspectiva más o menos, siempre dependiendo de la distancia a la que esté de la denominada "Línea del horizonte".

Para el estudio y representación de la figura humana, podemos dividir el cuerpo en ocho partes iguales siendo la cabeza la unidad. Dicho de otra forma el canon de cuerpo humano ideal es de ocho cabezas de alto. Observad los siguientes gráficos que nos servirán de ejemplo.

En los dibujos anteriores podemos comparar y situar todas las partes del cuerpo, aunque estas posiciones son relativas tanto en el hombre como en la mujer. Hemos de partir de la base que esto es un canon establecido, pero evidentemente cada persona es distinta a las demás y tiene sus particularidades.

El canon nos sirve para el estudio de las proporciones y así situaremos el pubis en el centro de la figura, el pecho coincidiendo con la segunda línea, algo más bajo en la mujer al igual que sucede con el ombligo, las manos se sitúan a la misma altura, al igual que las rodillas, en fin que estos bocetos nos sirven de guía, aunque a la hora de dibujar una persona tenemos que fijarnos en sus particularidades.

Los niños guardan otras proporciones. Observar

Como el niño es una persona en constante y rápida evolución es difícil concretar un canon, aunque podemos establecer uno aproximado: cinco cabezas para niños de dos años, de seis cabezas entre seis y doce y siete entre los doce y los quince, aproximadamente

Existen tres cánones para determinar las proporciones de la figura humana:

Un canon de siete cabezas y media = figura común

Un canon de ocho cabezas = figura ideal

Un canon de ocho cabezas y media = figura heroica

Yo utilizo el canon de proporciones de Policleto.

En un intento de conseguir la figura ideal, Policleto buscó establecer un canon que sirviera como un complejo modelo matemático entre las proporciones de las distintas partes del cuerpo.

1 Cabeza = 1 Módulo

El Cuerpo = 8 cabezas de alto y 2 cabezas de ancho

Hombros = un tercio hacia abajo del Módulo 2

Tetillas = Módulo 2

Espacio entre las tetillas = 1 Módulo

Ombligo = justo por debajo del Módulo 3

Codos, cintura = justo arriba del Módulo 3

Pubis, muñecas = Módulo 4, en el centro exacto del cuerpo

Mano = altura de la cara

Longitud del brazo = 3 Módulos y medio

Rodilla = justo arriba del Módulo 6

Parado de perfil las pantorrillas se proyectan más allá de los omoplatos y los glúteos

Dominar el canon de proporciones es fundamental tanto para dibujar como para modelar en 3D la figura humana

La figura ideal

La mayoría de los artistas calculan las proporciones del cuerpo humano tomando el tamaño de la cabeza como unidad de medida. La figura ideal, tal como fue tipificada por el arte renacentista, tiene una altura de ocho cabezas; las distintas partes del cuerpo se proporcionan de acuerdo con este canon.

Sin embargo no se trata de una regla fija. Los pintores manieristas como el Greco, alargaron la altura de sus figuras hasta diez cabezas, confiriéndoles una elegancia muy estilizada.

Los seres humanos miden cerca de siete cabezas; la adopción de este canon da como resultado figuras más realistas.

Es esencial recordar que las proporciones de un cuerpo adulto se mantienen básicamente constantes, con independencia del modelo y del estilo de dibujo.

Por muy libre que sea el tratamiento el cuerpo debe estar correctamente proporcionado parea que el dibujo sea convincente.

Las proporciones del cuerpo

Para iniciarse en el dibujo de la figura es conveniente limitarse a bocetos completos de la figura humana, de frente, de perfil, de espaldas y de tres cuartos. Es preciso dibujar con una separación de no menos de tres metros, ya que a menor distancia la perspectiva de la figura resulta más compleja, dificultando enormemente la percepción de las proporciones.

LAS PROPORCIONES EN LA FIGURA HUMANA

La figura humana es el tema más comprometido, ya que es la imagen con la que se identifican tanto espectador como artista. Pero en la mayoría de los casos esta identificación es más intuitiva que real, y por ello la búsqueda de un conocimiento más profundo del hombre ha sido una inquietud constante a lo largo de

la historia del arte. Sin embargo, el sometimiento de la figura a esquemas, cifras, relaciones y búsquedas de proporciones ideales, en principio útiles para conocer los rasgos básicos del hombre, pueden llegar a constituir más un concepto cabalístico que un sistema realmente útil y práctico para dibujar. Por ello, es muy conveniente el estudio de anatomía y la práctica de dibujo con modelo vivo para acabar conociendo realmente la figura humana en su verdadera dimensión

EL CANON MÁS UNIVERSAL

El canon es una proporción fija, que se establece al comparar en elemento del cuerpo (la mano, el antebrazo, o generalmente la cabeza) con el resto de la figura. Dado que el módulo más extendido es el de la cabeza, hemos optado por él, considerando como estatura más frecuente en la figura las siete medidas y media. Observemos estos dibujos en que se representa a la figura de frente y de perfil, analizando la localización ideal de cada una de las partes del cuerpo.

ALGUNOS EJEMPLOS DE TIPOS HUMANOS.

El canon ideal de la figura humana debe modificarse en múltiples ocasiones para llevar a cabo la representación de las figuras en la vida real. En la ejecución de una figura pequeña, dentro del canon normal. Observamos el ancho de los hombros que no llegan a las dimensiones normales, así como el canon de altura no llega más que a siete cabezas.

En este segundo caso hemos representado la figura del hombre de complexión media, que encaja perfectamente dentro del módulo que hemos visto anteriormente. Comparémoslo con el que halla a su izquierda y con el que se encuentra a su derecha, teniendo en cuenta siempre la localización ideal de las distintas partes, pero advirtiendo que para cualquier pequeña alteración puede ser normal.

Observemos finalmente el dibujo que representa una figura atlética, el desarrollo de la musculatura, parte de las proporciones innatas concluyen en esta figura de ocho cabezas, que no resulta frecuente en la práctica. Veamos como en este caso la figura sobresale por su anchura de las mismas líneas en que hemos inscripto a las anteriores, especialmente en la zona de los brazos.

DIFERENCIAS EN EL DIBUJO DE LA MUJER

En la representación de la figura humana femenina es preciso tener en cuenta ciertas diferencias anatómicas, que se ponen de manifiesto en el perfil y también en la estructura ósea propia. El hecho de que la cabeza de la mujer sea más pequeña hace que el desarrollo de su figura sea más baja. Además, los hombros son más estrechos, la cintura algo más ceñida, las caderas son más anchas, el ombligo está situado algo más abajo, etc. Todos estos aspectos se deben tener en cuenta cuando se trata de plasmar un cuerpo de mujer, fiel a las diferencias anatómicas entre el hombre y la mujer.

Además de conocer el canon de la figura humana, es imprescindible ejercitarse abundantemente en el tema sin olvidar en ningún momento que la referencia del modelo vivo debe ser su verdadero motivo de dibujo. En la ilustración vemos un dibujo de gran precisión que representa la imagen de Milón de Crotona , obra de Seurat. Realizado probablemente con un canon de ocho cabezas y media, frecuente en la época helenística. Georges Seurat (1859-1891), lleva a cabo un dibujo no muy en consonancia con su estilo pictórico impresionista en el que se revela como un profundo conocedor de la figura humana, sus proporciones y su anatomía.

ANATOMÍA: HUESOS EN LA FIGURA HUMANA

Por debajo de la realidad que se ve, cuando se contempla una figura humana, existe un soporte, un armazón sin el cual el cuerpo no sería como es ni tendría el aspecto anatómico que lo caracteriza.

Las partes del esqueleto que más influyen en el dibujo de la figura humana son la columna, la pelvis y los hombros (clavículas, omóplatos, etc.) los hombros y la cabeza dependen, en su movimiento, de los hombros, al igual que las piernas dependen de la pelvis. Por ello, cualquier movimiento acusado que se produzca en una zona determinada del cuerpo repercutirá en la demás inevitablemente.

Los grandes maestros del dibujo conocieron a fondo la anatomía y la aplicaron como soporte del movimiento de la figura humana. En el presente estudio de un hombre desnudo Miguel Ángel se muestra tan científico como artista. Observemos que la inclinación de la figura responde perfectamente a la de los hombros y la pelvis, y su curvatura, a la de la columna, como se puede apreciar en el esquema de su esqueleto.

EL MOVIMIENTO DEL CUERPO HUMANO

En estas dos ilustraciones, el esquema de sus respectivos esqueletos nos hará identificar en cada caso la posición de la estructura interna de cada individuo. En el caso de la mujer observamos una actitud estática dentro de una representación frontal. Sin embargo, en la figura del hombre observamos con claridad como el movimiento de toda la figura depende del movimiento de la columna, pelvis y hombros; pero existe una armonía, ya que la inclinación de la pelvis hacia un lado obliga a una desviación opuesta de los hombros y a la curvatura de la columna entre ambas zonas.

PERSPECTIVA DE LA FIGURA HUMANA

Para comprender la perspectiva de la figura humana, de forma aislada debemos pensar que encuentra conformada por cuerpos geométricos, bloques de estructura cilíndrica, (los cuales a su vez pueden ser contenidos por formas cúbicas), cuyo trazado depende de la proximidad de la línea de horizonte. La utilización de la perspectiva ayuda a la representación de la figura aislada pero no resuelve completamente su dibujo, ya también intervienen la anatomía, la estructura propia de la forma humana.

La perspectiva utilizada en la figura humana, nos sirve para ubicarla en su entorno de manera armónica y coherente con lo que rodea a la misma, manteniendo la relación correcta de proporciones y distancias con los demás elementos que se encuentran en el dibujo.

Concibiendo a la figura humana como un conjunto de bloques, comprobamos en esta ilustración, que parte de la misma se encuentra sobre la línea de horizonte y parte bajo la misma, las distintas secciones de la figura humana se verán regidas por el mismo efecto que se produce en el dibujo de los cilindros.

Para poder acercarse al dibujo de la figura humana, el primer paso consistirá en la representación, a partir del natural, de estudios que contemplen estas deformaciones de tamaño, producidas por la perspectiva.

En aquellos dibujos en que haya varias figuras que no se encuentren todas situadas en el mismo plano, sino que haya que subirlas o bajarlas de nivel, en primer lugar se elevará la figura que nos sirve de referencia sobre su misma situación, y una vez elevada esta altura la trasladaremos (usando punto de fuga) hasta la posición que deseamos. Así, la diferencia de tamaño estará determinada por la diferencia de altura del nuevo nivel. Finalmente las distintas partes del cuerpo (hombros, piernas, rodillas, etc.) serán señaladas por nuevos puntos de fuga.

El escorzo es uno de los temas más difíciles de solucionar, en la ilustración podemos ver una obra clásica: “Busto de muchacho desnudo visto de espaldas” de Annibale Carraci (1560-1609), el está resuelto magistralmente.

A pesar de que en el dibujo la experiencia es el mejor maestro, no obstante debemos destacar algunas normas básicas, para tener en cuenta: las formas más cercanas aparecerán en el dibujo algo más grandes que las alejadas, más iluminadas, más nítidas y más contrastadas. Y para ajustar las medidas y las proporciones, antes de dar comienzo al dibujo, con un simple lápiz, y con el brazo extendido, compararemos las distintas zonas que nos muestra el modelo y mantendremos luego las mismas distancias cuando realicemos el dibujo.

Las proporciones en el rostro:

Cuando uno se decida a dibujar (o pintar posteriormente) el retrato de una persona, lógicamente una de las cosas fundamentales será el conseguir el parecido de esa persona pero no menos importante será el partir de una buena base en cuanto a las proporciones en el rostro que se vá a dibujar.

Yo voy a dar unas fórmulas para llevar a cabo en el “encaje”, que son inherentes a todas las personas (excepción hecha del rostro de un niño, como veremos), y que deberán tenerse en cuenta siempre, ya que de lo contrario ese rostro tendrá necesariamente imperfecciones en su resultado final (dibujo o pintura) puesto que el realizar esos encajes “a ojo” es sumamente difícil, salvo que se sea un artista consumado en este tipo de trabajos y salga todo a la primera.

Empezaré diciendo que se puede afirmar que el rostro puede encajarse en un rectángulo que tendrá una proporción de 3,5:2,5 partes, siendo la medida base de la que partiremos la de la frente que corresponde exactamente desde el nacimiento del pelo en la cabeza, hasta la altura de las cejas.Nada mejor para comenzar que un dibujo hecho por mí, al que llamo “figura 1”:

Donde se supone que he calculado la altura del rostro de la persona por alguno de los medios que deben conocerse (bien con una regla y midiendo si es de una fotografía, bien con la ayuda del propio lápiz extendiendo el brazo y marcando con el dedo pulgar la altura para trasladar al papel).

Bien, yo en el ejemplo que os muestro, he supuesto que la altura del rostro de la persona a pintar es de 10,5 centímetros así que como ya hemos visto, en la proporción del rostro a lo alto, como son 3,5 partes, divido 10,5 : 3,5 = 3 cm . (que será la “medida base” que recordareis era la medida de la frente); así que marco a lo ancho y como habíamos visto que eran 2,5 veces la medida de la frente: 2,5 x 3 = 7,5 cm . que me dará las referencias suficientes para dibujar el rectángulo que tendrá 10,5 cm de altura y 7,5 cm . de anchura.

Ahora procedo a dividirlo tanto a lo alto como a lo ancho por la mitad, lo que me dará unas líneas que serán importantes pues la vertical me dará justo el eje de simetría del rostro, y la horizontal me marcará justamente el lugar donde acabará la altura de los ojos veis por tanto que comenzamos a tener referencias importantes.

Pero hay mucho más, veréis a continuación más puntos de referencia pero lo mejor es adjuntar la “figura 2”:

Ves que al rectángulo original le añado ahora un montón de referencias más en el momento en que procedo a dividir tanto el alto como el ancho en sus 3,5 y 2,5 partes respectivamente, por lo que salen una serie de líneas o “puntos de referencia” que explico: primero de arriba abajo la primera línea verde que encontramos nos va a indicar EL NACIMIENTO DEL CABELLO, la segunda que encontramos será la que nos marque la PARTE SUPERIOR DE LOS OJOS, además en su prolongación nos indicará la PARTE SUPERIOR DE LAS OREJAS, y seguimos hacia abajo con la línea del eje que ya vimos por lo que pasamos a la siguiente que nos dará la situación de la BASE DE LA NARIZ.

En cuanto a las verticales y de derecha a izquierda, tendremos la primera de ellas que nos va a decir donde empieza EL OJO de la derecha según lo miramos (su arranque cerca de la nariz) y asimismo nos da la anchura por su derecha de LA NARIZ ; luego viene el eje de simetría vertical que ya vimos, por lo que la siguiente vertical nos dará justamente el final del ojo de la izquierda.

Como ves, esto sería suficiente ya para abordar las proporciones, pero es que aún podemos obtener más referencias, verás: si las dos divisiones verticales más anchas las dividís ahora por la mitad según veis en la “figura 3” que adjunto:

Apreciamos que la primera línea roja de la derecha nos va a dar la ANCHURA DEL OJO de la derecha y la siguiente línea roja sería para el NACIMIENTO DEL OJO de la izquierda y además para referenciarnos el ANCHO DE LA NARIZ.

Pues solo nos faltaría ahora dividir por la mitad (a lo ancho) la última parte inferior para que tuviésemos la BASE DEL LABIO INFERIOR.

Así que como veis tenemos un encaje perfecto, con un número de referencias que parece abrumador en principio, pero que cuando te acostumbres a efectuar encajes para dibujo del rostro, los obtendrás enseguida porque la mecánica es siempre la misma.

Ni que decir tiene que esto sería un encaje para “la persona ideal” pero la práctica os hará ver que es muy difícil hallar el rostro ideal, ya que alguno presentará una ligera desviación del tabique nasal, otro una diferencia en la altura de los ojos o cejas…., en fín, pero no me direis que no es mucho más sencillo desviar a derecha o izquierda un poquito el tabique nasal pero cuando se dispone una referencia clara te permitirá ver donde va ese tabique ¿verdad?

Bien, pues una vez visto lo anterior sería sumamente fácil dibujar esto que adjunto en la “figura 4”:

Ya que las referencias que he obtenido son importantísimas y el dibujar el rostro es un “juego de niños”.-Ahora bien, el conseguir el parecido con el modelo ya es otro cantar y es ahí donde interviene la habilidad del artista en conseguir plasmar ese gesto, esa mirada…

ACTIVIDAD

1. Responden un cuestionario en línea sobre el canon de la figura humana

2. Responden un cuestionario en línea sobre el canon del rostro

RESUMEN

El módulo titulado “El dibujo de la figura humana” tiene contenidos como la importancia del canon tanto para el hombre la mujer y los niños, para aprender a dibujar, aprender a ver lo que queremos dibujar y para poder dibujarlos con las proporciones y medidas.

BIBLIOGRAFÍA

PARRAMÓN. “Curso completo de Dibujo y Pintura Parramón Ediciones S.A. España 2000 “El Mundo del Arte”. Editorial Océano. Perú 2002

LOWENFELD, Víctor. “Desarrollo de la Capacidad Creadora”. Biblioteca de Cultura Pedagógica. Buenos Aires 1980.

MORAGA GUTIERREZ, Heradio. “Dibujo en nuestras Escuelas y Liceos” Editorial Zing- Zag. Chile 2000 CAMBIER, Anne, “Lo que significa dibujar” Siglo XXI, México.