Bruce Nauman nació el 6 de diciembre de 1941 en Fort Wayne,

Indiana. Su padre trabajaba como vendedor para la General Electric y

su familia cambiaba de residencia cada tres o cuatro años. Durante

su juventud ya empezó a interesarse por la música, estudiando piano

y guitarra clásica. En 1960 se matriculó en la Universidad de

Wisconsin, Madison, donde siguió cursos de teoría musical,

composición y contrapunto, y por un tiempo fue bajista de jazz, y

donde estudió matemáticas, física y arte, iniciándose en terreno

artístico a través de la pintura abstracta. Continuó su interés por la

música, estudiando de manera informal la obra de Beethoven,

Webern, Berg y Schonberg. La filosofía también fascinó a Nauman, en

especial el Tractatus Logico-Philosophicus (1922) y las

Investigaciones filosóficas (1953) de Wittgenstein. En 1964 se graduó

en la Universidad de Wisconsin con una licenciatura en ciencias,

especialidad en pintura. Buscando un rumbo independiente, primero

como pintor, Nauman estudió las trayectorias de numerosos

maestros contemporáneos, se concentró en la obra y en el ejemplo

de Willem de Kooning y Frank Stella, con este último se dio cuenta

que aquello que verdaderamente le importaba era lo que podía

representar el arte, no sólo la pintura. Decidió estudiar arte hasta el

nivel de “master”, en la Universidad de California, Davis. Los

profesores más importantes de Nauman en este periodo fueron

Robert Arneson y William T. Wiley quienes le enseñaron a ser más

críticos con el arte formalista. Este entorno hizo que 1965 fuese una

fecha clave para Nauman, ya que abandonó la pintura abstracta por

que consideró que se hallaba estancada en problemas formales, de

estilo y sin contenido, así que decidió explorar por otros caminos, ya

no intentando crear objetos, sino investigando procesos de la

actividad artística. Comenzó a trabajar en escultura, performance y

cine. Su fascinación por el video le llevó a ser uno de los pioneros en

la creación y experimentación con este medio, realizando ocho

películas y dos acciones, en las que hizo huso de su cuerpo como

materia escultórica. Publicó su primer libro de artista, Pictures of

Sculptures in a Room (1965-66). Aunque no sólo el video acaparó

toda su atención, en este periodo realizo esculturas en fibra de vidrio,

resina de poliéster, plomo, madera contrachapada, neones,

experimento con materiales innovadores de la época, materiales

industriales, que pasaron a ser la base de su obra. Con el uso de

estos elementos pretendía de ir más allá de la estricta geometría

Minimalista, permitiendo que la mano del artista se viera en el

acabado del producto. En estas obras se inclinó por abordar temas de

carácter más social e investigó aspectos relacionados con los

procesos de trabajo y con la gravedad como principio escultórico.

También fue muy importante el querer relacionar el lenguaje con sus

obras, fue por esta época en la que Nauman se interesó

especialmente por las Investigaciones filosóficas de Ludwig

Wittgenstein. Desarrollando un nuevo trabajo en torno a la silla,

apareciendo como la víctima de la tortura, animales retorcidos,

cabezas humanas que también se refieren a la tortura y a la violación

de los derechos humanos. Diseña esculturas que no sólo exigen la

atención del espectador sino también su participación.

Nauman se movió según una trayectoria diferente a la mayoría

de los artistas de la época, una trayectoria que estaba más

involucrada con los procesos literales de cómo está el arte hecho,

con el problema de concepto en relación al material, con la mente en

relación al cuerpo, y con el arte en relación al lenguaje. Él demuestra

que es un artista muy singular preocupado completamente tanto por

las cuestiones de estética y por las cuestiones ontológicas políticas,

económicas, antropológicas y sociales.

Las influencias que recibe Bruce Nauman son muy diversas:

Marcel Duchamp, Man Ray, Jasper Johns, Samuel Beckett, Alain

Robbe-Grillet y son los más destacados.

Desde décadas, la escritora nacida en Holanda (y la esposa y

colaboradora del artista Claes Oldenburg) Coosje van Bruggen ha

sentido que Nauman: “fue realmente un artista genial, quién, como

una gran cantidad de otros artistas conceptuales de su generación,

había sido pasado por alto e ignorado en su país, sin embargo había

sido admirado en Europa”1. “Él es alguien que está negociando con

los asuntos de ego en la sociedad que usa texto, que usa el video, y

aún no ha sido nunca didáctico”2 dijo el artista y el crítico Robert

Storr. Para muchos críticos Nauman fue un artista único, que realizó

un magnífico trabajo.

Nauman se había sentido próximo al neón, en parte debido a

los letreros publicitarios que había visto en los sesenta; en 1984 hizo

neones tamaño cartelera. Más de veinte esculturas de Bruce

Nauman aluden directamente al proceso de morir e incluyen en sus

títulos las palabras muerte o muerto, como Cien viven y mueren

(One Hundred Live and Die) (1984), se compone de cuatro columnas

de casi tres metros de alto de secuencias cambiantes de frases

imperativas y afirmativas, referidas a la vida y a la muerte. Un

apabullante letrero de neón que encendía distintos textos por gru-

pos de color y, al final de la secuencia, daba un fogonazo con todos

ellos al tiempo antes de oscurecerse. Las palabras, delimitan una

cortina de luz y color, son por turno poéticas y vulgares, reflejando

una omnicomprensiva enciclopedia de actividades y expresiones

humanas. Sus contenidos eran breves y amargos: "Vive y muere /

Muere y muere / Caga y muere / Mea y muere / Come y muere /

Duerme y muere / Ama y muere / Odia y muere / Folla y muere /

Habla y muere / Miente y muere / Oye y muere/ Llora y muere / Besa

y muere / Encolerízate y muere / Ríe y muere / Palpa y muere /

Siente y muere / Teme y muere / Enferma y muere / Bueno y

muere / Negro y muere / Blanco y muere / Rojo y muere / Amarillo y

muere", aparecen sobre la primera columna vertical. En la siguiente

columna todas estas frases terminaban con "Vive", mientras que las

dos columnas restantes se alternaban de igual modo, pero en torno

1CITAS

? Coosje van Bruggen, Art + Performance, pág 36.2 Robert Storr, Art + Performance, pág 36.

a un nuevo conjunto de palabras: Canta, Grita, Joven, Viejo, Corta,

Corre, Permanece, juega, Mata, Chupa, Ven, Vete, Conoce, Di, Huele,

Cae, Levanta, En Pie, Siéntate, Escupe, Trata, Fracasa, Sonríe,

Piensa, Paga.

Entre la reconcentrada aridez de la instalación y la desolada

brillantez del chispeante neón, La pieza está programada para que a

veces las frases brillen intermitentemente en orden, por columnas,

dando un efecto de continuidad, mientras en otras veces las frases

aparecen el azar, una secuencia aleatoria, como si los saltos fueran

desorganizados, como si estuvieran hechos de pensamientos.

Bruce Nauman, One Hundred Live and Die (1984)

Importantes críticos de arte contemporáneo se han sentido

atraídos por esta inmensa obra que nos ofrece Bruce Nauman. Los

contenidos amargos y directos han sido fuente de crítica, ya que es

lo que más llama la atención. Es un artista que le gusta forzar el

modelo del arte, trabajando en ese límite, presenta objetos de la

realidad como si fueran arte. El comentario que ofrece Coosje Van

Bruggen nos menciona este hecho: “En el impresionante neón

interior One Hundred Live and Die, 1984, Nauman representa la

corriente de flujo de vida humana a través de una mezcla de dichos

encontrados, frases arbitrarias, y declaraciones personales, cada uno

del cual es general idiosincrásico y aún lo suficiente como para

convertirse en arte: CHUPA Y MUERE/ CHUPA Y VIVE; TEME Y MUERE /

TEME Y VIVE; ROJO Y MUERE / ROJO Y VIVE”3 Kathryn Hixson dijo al

respecto: “Lo que parecerían verbos blandos están tirado

violentamente del glorioso optimismo- RIE Y VIVE- a la depresión

fatal- RIE Y MUERE-. Al fin, las dicotomías se establecen en medio

“vive y muere” es quizá arbitrariamente absurdo y lógicamente

inquietante”4

El autor nos expone su obra, con la intención de sorprendernos,

nos expone esta serie de frases provocativas, que actúan sobre

nosotros. Robert Storr comentó: “Este trabajo inicialmente parece

más ilustrar nuestras confusiones coetáneas, que ofrecer una cura

para ellas, entonces esto es porque estamos tan poco preparados

para la misma cosa que nosotros lo ansiamos: Un arte que se

comunica en el idioma de nuestro día, pregunta las preguntas duras,

y rehúsa respuestas facilonas. Nauman ha roto el molde artístico

para concentrarse hacia el más perdurable de los temas.”5 Kathy

Halbreich, Directora del Walker Art Center de Minneapolis manifiesta

su opinión, nos ofrece su interpretación de la obra: “Tal y como

aclara el destellar entrecortado de las vivaces frases de neón del

mórbido y magistral Cien viven y mueren (One Hundred Live and Die)

(1984), hacemos muchas cosas que, al fin, pueden ser todas

resumidas con la claridad del sí o el no, del blanco o negro de un

niño: vivir y morir.”6 Arthur C. Danto dijo al respecto del contenido de

3 Coosje Van Bruggen , Bruce Nauman ed. Rizzoli pág 113.4 Kathryn Hixson, Art+ Performance, pág 112.5 Robert Storr, Art+ Performance, pág 161.6 Kathy Halbreich, Bruce Nauman: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, pág 65.

las frases: “Un trabajo grande cien Viven y Mueren, que está

compuesto de un número de dichos pareados fatalistas, escrito en

tubo de neón, el cual brilla intermitentemente de vez en cuando en

intervalos diferentes. Nosotros vivimos o morimos, y la regularidad

con la cual movemos nuestros intestinos es inapreciable en la

diferencia entre la vida y la muerte, como la regularidad con la cual

comemos o bebemos o dormimos o hacemos el amor.”7

Nauman siempre ha estado muy implicado en los asuntos de

interés social, algo que podemos apreciar en diversas obras y que

Coosje Van Bruggen destacó: “Aquí, como en todos sus trabajos

basados en palabras, Nauman no intenta tanto hacer una

declaración grandiosa acerca de la vida y la muerte, o lo

trascendente de la existencia humana, es como echar abajo los

clichés. Por colocación de otra manera o descomposición de estas

frases, y presentando esto en colores brillantes, parpadeando, él

trata de recapturar algunas de sus verdades y misterios originales.”8

El modo en que Nauman dispone las palabras influye en el

mensaje dotándolo de una mayor eficacia frente el público. Usa una

táctica por la cual nos presenta el mensaje en dos estados distintos.

Jean-Charles Masséra comentó este distintivo: “Los mensajes ganan

en efectividad cuando se combinan con un simple ritmo binario,

fáciles de comprender y agarrar. Nosotros estamos segmentados en

una moda binaria, siguiendo las grandes principales oposiciones

dualistas: clases sociales, sino que también hombre-mujer, adulto-

niño etc. Es una particularidad de las sociedades modernas, o más

bien las sociedades Estatales, traer a su propia dualidad máquinas

que funcionen y procedan simultáneamente por las relaciones

biunívocas y sucesivamente por las elecciones binarias. Como si

todas las posibilidades de puntuar la existencia tuviesen su contrario

(el bien y el mal, la integración y la exclamación, la derecha y la

7 Arthur C. Danto Art+ Performance, pág 151.8 Coosje Van Bruggen , Bruce Nauman ed. Rizzoli pág 113.

izquierda, etc.). Como si acceden conjuntamente a una cadena

lógica necesariamente asociando causa y efecto: ("FOLLA Y

MUERE"). Como si cada situación insinuó una elección entre dos

posibilidades contradictorias (la negativa o la aceptación, el éxito o

el fracaso). Nuestros reflejos y nuestras decisiones responden a una

lógica binaria: si o no – bebe o conduce. Pero cada elección tiene su

consecuencia (la elección correcta, la elección equivocada) y su

sanción ("MATA Y MUERE"). Castigo o recompensa.”9

Algo que caracteriza a Nauman es su interés por el lenguaje y

las palabras y en Cien Viven y mueren, el lenguaje una de las piezas

fundamentales de la obra. El autor huye de la fijación de ideas para

buscar la mayor riqueza de la palabra. Jugando con el lenguaje y el

neón obtiene esta gran obra.

Robert Storr, artista, crítico y Conservador en el

Departamento de Pintura y Escultura en el Museum of Modern Art de

Nueva York, opina: “¿cómo nos sentimos al sabernos solos? es lo

que Nauman, en esencia, quiere entender. Llegar a saberlo es el

objeto de todo este ejercicio, y tal y como han sido por él diseñadas,

estas prácticas son completamente coherentes con la indagación

existencial wittgensteniana del sentido de la palabra: el significado

de un vocablo no es intrínseco ni proviene del diccionario sino que

es algo manifiesto en el uso. Esto se aplica en especial al vo-

cabulario humano del sufrir y del desear que, por su abstracta, pero

en cualquier caso probativa naturaleza, nunca puede ser verificado

mediante hechos lógicos o físicos, sino sólo en el efecto aparente so-

bre la conducta. Bajo estos parámetros, la programación de

conducta es una disciplina lingüística exploratoria.”10 Robert Storr

también por el modo en que emplea el lenguaje para conseguir un

significado más activo: “Nauman cuestiona palabras con el objeto de

devolverles uso y las utiliza en contextos y formas inesperadas para

sondear un significado potencial. Para ello, se aferra a un idioma

familiar que mediante simples recolocaciones convierte en algo 9 Jean-Charles Masséra Art+ Performance pág 180.10 Robert Storr, Bruce Nauman: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, pág 49.

desconocido, obligándonos de este modo a enfrentamos al mundo

como si nuestros medios habituales de contacto tuvieran que ser re-

aprendidos.”11

Con respecto al lenguaje Nauman utiliza contradicciones, a

través del lenguaje vemos las consecuencias. Kathy Halbreich,

Directora del Walker Art Center de Minneapolis dijo a cerca del

oximorón: “la obra de Nauman, que a menudo refleja un severo

11 Robert Storr, Bruce Nauman: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, pág 52.12 Kathy Halbreich, Bruce Nauman: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, pág 65.13 Bruno Eble, Le Mirror Sans Reflet, pág 108.14 Neal Benezra, Bruce Nauman: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, pág 37.15 Robert C. Morgan, Art+ Performance, pág 4.16 Robert Storr, Bruce Nauman: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, pág 52.17 Jean-Charles Masséra, Art+ Performance, pág 179.18 Arthur C. Danto, Art+ Performance, pág 154.19 Kathy Halbreich, Bruce Nauman: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, pág 74.20 Kathryn Hixson, Art+ Performance, pág 111.21 Robert Storr Art+ Performance, pág 161.22Bruno Eble, Le Mirror Sans Reflet, pág 108-109.

BIBLIOGRAFÍA

estudio de las intrincadas propiedades del lenguaje, se comporta

como un oximorón, elevando de grado la antinomia: como el frío que

hiere la piel quemada por el sol.”12 Bruno Eble también destacó esta

característica: “Estas ordenes parecen sin posibilidad de efectos,

apareciendo luego con más fuerza, la gratuidad es siempre lo que

más ofende. Esto se sucede permanente, y a veces la sucesión toma

de despliegue oximorónico, un momento aparece muere y vive, y

justo después besa y muere.”13

- Bruce Nauman: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía,

1993.

- Coosje van Bruggen, Bruce Nauman,Ed: New York: Rizzoli, 1988.

- Robert C. Morgan:Art+ Performance,Bruce Nauman. PAJ

Books,2002.

- Bruno Eble: Le Mirror Sans Reflet, Considerations autour de

l’oeurvre de Bruce Nauman. Collection L’ouvertore

philosophique, 2001.

- Bruce Nauman, image/texte 1966-1996: Centre Georges

Pompidou. Edición del Centro Pompidou, París 1997.

- Arnaldo Mondadori: QUARTETTO. Joseph Beuys, Enzo Cucchi,

Luciano Fabra, Bruce Nauman. Milano 1984.

- Bruce Nauman: Please pay attention: Bruce Nauman’s words

Ed. Cambridge, Massachusetts, London: The MIT Press, 2003.

- Neon Stücke. Sprengel Museum Hannover.

- Entre la Geometría y el Gesto: escultura Norteamérica, 1965-

1975. Edición a cargo de Richard Armstrong y Richard Marshall.

- Anna Maria Guash: El arte último del siglo XX. Del

postminimalismo a lo multicultural, Alianza Forma, Madrid,

2000.

- Periódico El Mundo, a fecha 1 de diciembre de 1993, pág 74.

- Periódico La Vanguardia,a fecha 30 de noviembre de 1993

pág,34.

Pero en esta obra el color deslumbrante también nos atrae, y

cuando estamos allí nos detenemos y leemos, y es entonces cuando

no podemos parar de leer y asombrarnos. Neal Benezra, escritor,

crítico y Director del San Francisco Museum of Art, apunta: “Dado el

carácter directo de la escultura de no es sorprendente que su uso del

lenguaje evolucionara. Nauman utiliza patrones idiomáticos mucho

más complejos y provocativos, junto a un cegador surtido de efectos

programados y de color.”14 Robert C. Morgan, escritor y crítico citó:

“Uno no puede ignorar las referencias al lenguaje que están

implícitas dentro de su fenomenología. Ni uno puede evitar los

recovecos del lenguaje absurdo en el trabajo de Nauman que alteran

la comprensión convencional del cuerpo con referencia al lenguaje.”15

El lenguaje es una manera de revelar cosas al público, pero Nauman

no sólo muestra, si no que también quiere llamar la atención con su

lenguaje provocador, al respecto Robert Storr dijo: “Desafiando a la

lógica, a las vergonzantes sofisticaciones del mundo del arte

contemporáneo, a sus propias y notorias incertidumbres y sobre

todo, a las sobrecogedoras ramificaciones y al exigente asidero

emocional de esta simple combinación de letras, Nauman ha que-

brado el silencio. Al hacer esto, ha ayudado al mundo participándole

verdades del espíritu.”16

Una de las consecuencias del uso de este lenguaje por parte de

Nauman es que la información actúa sobre nosotros sin que podamos

darnos cuenta, sobre esto habló el escritor y crítico Jean-Charles

Masséra: “El contenido de la orden puede ser leído inmediatamente.

La estructura de cien Viven y Mueren es generativa. Propone

formaciones de frases posibles (las acciones) - las formaciones en el

cuál pudieron insertarse otros verbos, otras calidades. Una vez que la

información ha sido asimilada, una vez que la melodía está en su

mente, no sólo es difícil quitársela de encima (para visón de

cualquier otra cosa), sino lo que más importante, lo más absurdo,

ciertamente, los contenidos más peligrosos pueden ser amortiguados

y emitidos por esta información pequeña y obsesiva, sin que el sujeto

pestañee: “AMARILLO Y MUERE... MATA Y VIVE” La pausa en la cual

el conocimiento -pensamiento crítico- podría reaccionar se reduce a

cero; no hay tiempo a decir "no" o no seguir ordenes (rehúsese a

unirse al baile). ¿Cuántos oyentes o espectadores de televisión

tienen que el tiempo (la conciencia) darse cuenta de la incoherencia

de ciertos trozos de información atadas con una cuerda

conjuntamente en una sola fase?.”17

La obra de Nauman actúa sobre nosotros queramos o no,

Arthur C. Danto es consciente de esto: “La situación del invitado

hacia la función de Nauman es de aprender un tipo de impotencia, en

la que nosotros somos súbditos de una cierta serie de sacudidas

sobre las cuales no tenemos control. Nuestra impotencia aprendida

puede ser una metáfora para la condición humana, tan sugerida por

cien Viven y Mueren.”18

El uso del neón facilita esa llamada de atención que tanto

gusta a Nauman, un material que ya ha empleado en bastantes

obras y desenvolviéndose con gran facilidad con este material. Kathy

Halbreich destacó la utilización de este material en la obra: “Al

utilizar el neón, una fuente de iluminación, para hacer visible una

potencial e iluminadora idea acerca de la inspiración, Nauman

enhebró contenido y forma con tan ágil costura como la de aquellos

que hicieron las vidrieras de las catedrales góticas.”19

Kathryn Hixson también se interesó, en este sentido por la obra

de Bruce Nauman:“A través de su uso del material - neón, discurso

vernáculo, y los más bien vagos modelos arquitectónicos - él cruzó el

territorio de lo personal a lo social. Él efectuó esta transición a través

del empleo de combinaciones de palabras aparentemente lógicas y

los juegos de los niños, los cuáles son quizá las dos caras de la misma

moneda.”20

Robert Storr ofrece su valoración personal sobre este gran

artista: “Sin sentimiento y nada predicador, Nauman habla a cada

uno acerca de los anhelos, los sufrimientos, y las locuras de todos.

Sus temas son los temas grandes del arte y la vida. Su manera

diversa y frecuentemente desorientadora de expresión es, sin

embargo, tan inusual que fuera de los reinos de la literatura y el

teatro, es fácil para esos desacostumbrados de tal discurso visual

faltar a la magnitud de su propósito y la franqueza fundamental para

la que él lucha. Él ha adquirido la categoría internacional que él

actualmente domina precisamente por el extraordinario alcance de

su trabajo.”21

Finalmente Bruno Eble nos ofrece su opinión personal: “Parece

dirigirse más personalmente a mí, me toca brutalmente, a la vez

violencia y bellaza.” 22