Biografias Compositores Variados 12 08 2015
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San gregorio el magno Gregorio nació en Roma en el año 540, en el seno de una rica familiapatricia romana, la gens Anicia, que se había convertido al cristianismohacía mucho tiempo: su bisabuelo era el papa Félix III (†492), 1 su abuelo el papa Félix IV (fl. 530) 2 y dos de sus tías paternas eran monjas. Gregorio estaba destinado a una carrera secular, y recibió una sólida formación intelectual. 1 De joven, se dedicó a la política, y en 573 alcanzó el puesto de prefecto de Roma (præfectus urbis), la dignidad civil más grande a la que podía aspirarse. Pero, inquieto sobre cómo compatibilizar las dificultades de la vida pública con su vocación religiosa, renunció pronto a este cargo y se hizo monje. 1 2 Tras la muerte de su padre, 1 en 575 3 transformó su residencia familiar en el Monte Celio en un monasterio bajo la advocación de san Andrés 1 2 (en el lugar se alza hoy la iglesia de San Gregorio Magno). 3 Trabajó con constancia por propagar la regla benedictina y llegó a fundar seis monasterios aprovechando para ello las posesiones de su familia tanto en Roma como en Sicilia. 4 En el año 579 el papa Pelagio II lo ordenó diácono y lo envió como apocrisiario (una suerte de embajador) aConstantinopla, donde permaneció unos seis años 1 y estableció muy buenas relaciones con la familia del emperadorMauricio y con miembros de las familias senatoriales italianas que se habían establecido en la capital oriental. 5 En Constantinopla conoció a Leandro de Sevilla, el hermano del también doctor de la Iglesia Isidoro de Sevilla. Con Leandro mantuvo una constante correspondencia epistolar que se ha conservado. Durante esta estancia disputó con el patriarcaEutiquio de Constantinopla acerca de la corporeidad de la resurrección. 6 Gregorio regresó a Roma en 585 o 586 y se retiró nuevamente al monasterio. 1 Luego solicitó permiso de ir a evangelizar en la isla de los anglosajones. Pero al saber el pueblo de Roma de sus intenciones, se pidió al Papa que no lo dejara ir. Ocupó desde entonces el cargo de secretario de Pelagio II hasta la muerte de éste de peste en febrero de 590, 7 tras lo cual fue elegido por el clero y el pueblo para sucederle como pontífice. San pedro de roma
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Biografias Compositores Variados 12 08 2015
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San gregorio el magno
Gregorio nació en Roma en el año 540, en el seno de
una rica familiapatricia romana, la gens Anicia, que se
había convertido al cristianismohacía mucho tiempo:
su bisabuelo era el papa Félix III (†492),1 su abuelo el
papa Félix IV (fl. 530)2 y dos de sus tías paternas
eran monjas. Gregorio estaba destinado a una
carrera secular, y recibió una sólida formación
intelectual.1
De joven, se dedicó a la política, y en 573 alcanzó el
puesto de prefecto de Roma (præfectus urbis), la
dignidad civil más grande a la que podía aspirarse.
Pero, inquieto sobre cómo compatibilizar las
dificultades de la vida pública con su vocación
religiosa, renunció pronto a este cargo y se hizo
monje.1 2
Tras la muerte de su padre,1 en 5753 transformó su
residencia familiar en el Monte Celio en
un monasterio bajo la advocación de san
Andrés1 2 (en el lugar se alza hoy la iglesia de San
Gregorio Magno).3 Trabajó con constancia por
propagar la regla benedictina y llegó a fundar seis
monasterios aprovechando para ello las posesiones
de su familia tanto en Roma como en Sicilia.4
En el año 579 el papa Pelagio II lo ordenó diácono y
lo envió como apocrisiario (una suerte de embajador)
aConstantinopla, donde permaneció unos seis
años1 y estableció muy buenas relaciones con la
familia del emperadorMauricio y con miembros de las
familias senatoriales italianas que se habían
establecido en la capital oriental.5 En Constantinopla
conoció a Leandro de Sevilla, el hermano del también
doctor de la Iglesia Isidoro de Sevilla. Con Leandro
mantuvo una constante correspondencia epistolar
que se ha conservado. Durante esta estancia disputó
con el patriarcaEutiquio de Constantinopla acerca de
la corporeidad de la resurrección.6
Gregorio regresó a Roma en 585 o 586 y se retiró
nuevamente al monasterio.1 Luego solicitó permiso de
ir a evangelizar en la isla de los anglosajones. Pero al
saber el pueblo de Roma de sus intenciones, se pidió
al Papa que no lo dejara ir. Ocupó desde entonces el
cargo de secretario de Pelagio II hasta la muerte de
éste de peste en febrero de 590,7 tras lo cual fue
elegido por el clero y el pueblo para sucederle como
pontífice.
San pedro de roma
De acuerdo con la epístola a los Gálatas, Pedro se
trasladó a Antioquía, donde Pablo lo encontró más
tarde (Gálatas 2:11 ). Según los escritos
de Orígenes 30 y de Eusebio de Cesarea en
su Historia Eclesiástica (III, 36) Pedro habría sido el
fundador de la Iglesia de Antioquía 31 , "después de
haber fundado la iglesia de Antioquía, fue a Roma a
predicar el Evangelio, y él también, después de
[presidir] la iglesia en Antioquía, presidió la de Roma
hasta su muerte."32
Después de presidir la iglesia de Antioquía por un
tiempo, Pedro habría sido sucedido por Evodio de
Antioquía,33 y después por Ignacio de Antioquía.34
La primera epístola a los Corintios deja entrever que
Pedro quizá visitó la ciudad de Corinto, ubicada
en Grecia, durante sus misiones. (1Corintios 1:12)
Pedro se habría trasladado a Roma mientras Pablo
se quedaba en Jerusalén. Allí habría participado en
grupos de cristianos ya establecidos en Roma, sin
embargo no hay evidencia en los relatos evangélicos.
Roma[editar]
Según la Tradición, Pedro y Pablo habrían sido los
fundadores de la Iglesia en Roma y habrían elegido
a Lino como sucesor, de acuerdo con Ireneo de
Lyon en su libro Contra las Herejías (III,3:2-3).35
Eusebio de Cesárea relata que cuando Pedro le hace
frente a Simón el Mago (mencionado en Hechos 8) en
Judea, Simón huye a Roma donde los romanos le
consideraron como un dios. De acuerdo con Eusebio,
su suerte no duró mucho, ya que Dios envió a Roma
a San Pedro y Simón quedó apagado y destruido.
(Historia Eclesiástica II,14-15)36
El texto de 1Pedro 5:13, que envía saludos desde «la
Iglesia que está en Babilonia» ha sido entendido por
algunos en sentido figurativo, como señal de que
Pedro escribía desde Roma por el hecho que la
antigua Babilonia sobre el Éufratesestaba en ruinas y
el término «Babilonia» habría sido usado por la
antigua comunidad cristiana para referirse a la Roma
de los emperadores (Apocalipsis 17:5).
Muchos estudiosos de la Biblia37 38 creen que
"Babilonia" es una metáfora del imperio romano
pagano en el momento en que persiguía a los
cristianos, antes del Edicto de Milán en el año 313:
quizá específicamente referenciando algún aspecto
de la dominación de Roma (la brutalidad, la codicia, el
paganismo).
En 4 Esdras,39 2 Baruch 40 y en los Oráculos
sibilinos 41 , "Babilonia" es un nombre críptico para
Roma. Reinhard Feldmeier especula que "Babilonia"
se utiliza para referirse a Roma en 1 Pedro 5:13.42 En
Apocalipsis 17:9 se dice que ella se sienta en "siete
montes", normalmente entendido como las siete
colinas de Roma.43 44 45 46 47 Una moneda romana
acuñada bajo el emperador Vespasiano (70 dC)
representa a Roma como una mujer sentada sobre
siete colinas.48
Por otra parte, Eusebio de Cesarea declara que:
Clemente de Alejandría en el sexto libro del Hypotyposeis cita la historia, y el obispo de Hierápolis llamado Papíasse le une a él en testificar que Pedro menciona a Marcos en la primera epístola, que dicen ellos compuso en Roma, y él mismo lo indica, cuando él llama a la ciudad, figurativamente, Babilonia, como él lo hace en las siguientes palabras: "La iglesia que está en Babilonia, elegida juntamente con vosotros, y Marcos mi hijo, os saludan." (1 Pedro 5:13)49
No obstante, otros estudiosos alegan que no había
razón alguna para utilizar términos crípticos para
referirse a Roma en un simple saludo y suponen que
«Babilonia» se refería efectivamente a una
comunidad cristiana asentada en las ruinas de la
antigua Babilonia sobre el Éufrates, por lo demás,
densamente habitada
Música beocio
Provenía de una importante y antigua familia romana,
la gens Anicia, que dio dos emperadores y
tres Papas. Fue hijo de Flavio Manlio Boecio. Empezó
estudios de retórica y filosofía, conocimientos que
amplió enAtenas. Se casó con Rusticiana, hija del
senador Símaco (senador y cónsul en el año 485).
En 510 fue consul ordinarius (el cónsul que da
nombre al año) en solitario. En 522 ó 523 él mismo
fue nombrado magister officiorum, cargo equivalente
a lo que podría llamarse un primer ministro, del
rey ostrogodo Teodorico el Grande. En 522 nombró
cónsules a sus dos hijos, Flavio Símaco y Flavio
Boecio.
La acumulación de tanto poder despertó los celos del
partido filogótico, por lo que fue acusado de conspirar
a favor delImperio bizantino por
el referendarius Cipriano, miembro de ese partido.
Fue encarcelado, torturado y decapitado en Ager
Calventienus, al norte de Pavía, «injustamente»,
según él mismo, por haber intentado proteger al
Senado. La ciudad de Pavía le reconoce y celebra en
la liturgia como mártir en la fe.
León XIII aprobó su culto para diócesis de Pavía el 25
de diciembre de 1883. Se festeja el 27 de mayo.
Con el propósito de unificar ambas escuelas
filosóficas, se propuso traducir al latín las obras
de Aristóteles y de Platón, pero no concluyó su
proyecto: sólo se conservan su traducción de
las Categorías y del Peri hermeneias de Aristóteles y
de la Isagoge de Porfirio. Étienne Gilson afirma que
Boecio fue, para la escolástica medieval, por sus
traducciones, comentarios y escritos, la principal
autoridad en lógica de la Edad Media hasta que en el
siglo XIII fue traducido al latín y comentado
directamente el Organon completo de Aristóteles. En
su obra principal realiza la distinción, que luego sería
central para la Escolástica, entre id quod est (todo el
ente) y quo est o esse (aquello que hace que el ente
sea).
Su obra más famosa es, sin embargo, Consolatio
philosophiae, mencionada en la Edad Media como De
consolatione philosophiae. Se trata de
un diálogoentre el propio Boecio y Filosofía,
personaje alegórico femenino que se le aparece a
Boecio para aclararle el problema del destino, de por
qué los malvados logran recompensa y los justos no.
Filosofía intenta suavizar su aflicción demostrándole
que la verdadera felicidad consiste en el desprecio de
los bienes de este mundo y en la posesión de un bien
imperecedero, que coincide con
la Providencia universal que gobierna todas las
cosas, concepto éste que toma del Estoicismo. El
tema se relaciona directamente con la caída en
desgracia del propio Boecio, por lo cual se piensa que
esta obra fue compuesta en la cárcel durante el largo
año que pasó antes de ser ejecutado.
Este trabajo tuvo una gran importancia para la
ulterior teología del Cristianismo medieval, pese a
que tanto la metodología como la terminología que
utiliza Boecio son meramente filosóficas y en ningún
momento plantea la cuestión en términos
defe cristiana. Debido a que en su obra maestra, en
prosa y verso, la Consolación, no cita en ningún
momento a Jesucristo ni la Sagrada Escritura, ni
explícitamente la fe cristiana, algunos historiadores
en los siglos XVIII y XIX pusieron en duda el
cristianismo de Boecio y la autenticidad de sus obras
teológicas; demostrada ésta, la cuestión está
definitivamente resuelta:
San Ambrosio de milan
Ambrosio procedía de una noble familia cristiana,
pero no estaba bautizado. Su padre Aurelio Ambrosio
era prefecto de la Galia Narbonense. A la temprana
muerte de su padre, su madre lo llevó a Roma,
siendo todavía un muchacho, y lo preparó para la
carrera civil, proporcionándole una sólida instrucción
retórica y jurídica.1
También estaba previsto que Ambrosio se convirtiera
en funcionario imperial. En el lugar de Roma en que,
según la tradición, vivía con su hermana Marcelina,
hoy en día se alza la iglesia de Sant’Ambrogio della
Massima. Finalmente acabó trabajando
en Sirmio bajo el prefecto Sexto Petronio Probo, una
de las personalidades más relevantes del momento,
que hacia 372/73 le encomendó la provincia Aemilia-
Liguria (Emilia yLiguria). La sede de la provincia
estaba en Milán, que por aquel entonces también era
residencia imperial.
Episcopado[editar]
La diócesis de Milán, como toda la Iglesia, estaba
profundamente dividida entre católicos y arrianos. En
el año 374, tras la muerte de Auxentius, un arriano, el
prefecto, muy respetado por todos, acudió
personalmente a la basílica, donde se iba a celebrar
la elección, para impedir cualquier conato de rebelión.
Según la tradición, su discurso fue interrumpido por el
grito de un niño: Ambrosius episcopus!
Aunque era un candidato aceptado por todos, él
mismo se opuso enérgicamente a su elección, pues
no se consideraba preparado para ello: era
todavía catecúmeno, es decir, se estaba preparando
para el bautismo. Solo por intervención del
emperador se mostró finalmente dispuesto. En el
plazo de una semana recibió los sacramentos del
bautismo y del orden, siendo
ordenado diácono y sacerdote, con lo que ya no
había impedimentos canónicos para su consagración
episcopal.
Siendo obispo fue adquiriendo sólidos conocimientos
teológicos, estudiando la Biblia y autores griegos,
como Filón,Orígenes, Atanasio y Basilio de Cesarea,
con quien mantuvo correspondencia. El estudio, junto
con la meditación de laEscritura, será la fuente que
nutrirá su actividad: la predicación, en la que también
aprovechaba sus conocimientos anteriores
de retórica y de griego; acción pastoral y social...
En la liturgia introdujo el canto ambrosiano, al que da
nombre. Su carácter, sus homilías y su interpretación
de la Biblia impresionaron a Agustín; en la Pascua del
387 fue bautizado por Ambrosio. Dice la tradición que
en fue en ese momento cuando surgió el Te Deum.
Después de san Hilario, Ambrosio será el primero de
los Padres de la Iglesia occidental, de la época
dorada de la Patrística, junto a los otros dos,
contemporáneos, con los que mantendrá relación: los
santos Jerónimo y Agustín.2
Lucha contra el arrianismo[editar]
Aunque los arrianos tenían ciertas esperanzas con su
nombramiento, Ambrosio muy pronto empezó a
luchar en favor de la ortodoxia nicena. Los arrianos
dominaban la corte del Emperador Valentiniano II en
Milán y Ambrosio se opuso a ellos con pasos
teológicos y políticos. Utilizó su influencia para que
los arrianos fueran perdiendo presencia en el
gobierno de laIglesia: en 381 consiguió que el Sínodo
regional de Aquilea depusiera al obispo Paladio y a
su presbítero Secundino. Cuando los arrianos se
presentaron en la corte imperial para pedir que se les
concediera en Milán al menos una iglesia fuera de la
ciudad, Ambrosio movilizó a sus fieles en la ciudad,
justificando esta movilización, poco usual en aquellos
tiempos, con el argumento de que en cuestiones
religiosas no decidía el emperador, sino las
autoridades eclesiásticas. En382 (o 383) incluso
consiguió que Graciano dejara de utilizar el
título Pontifex Maximus y se cancelaran las
subvenciones estatales a los templos paganos.
En 390, Ambrosio convocó el sínodo de obispos del
norte de Italia, que —como lo había hecho
https://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Sant%E2%80%99Ambrogio_della_Massima&action=edit&redlink=1
anteriormente el papaSiricio— condenó las doctrinas
de Joviniano.
Boecio
Boecio, filósofo del último periodo romano, representante del neoplatonismo, se caracteriza por un gran eclecticismo. Tradujo y comentó las obras de Aristóteles sobre lógica, y la “Introducción a las categorías de Aristóteles”, de Porfirio. Tambien tradujo a Euclides y los “Fundamentos de la aritmética” de Nicómaco. Su obra principal es la «Consolación por la filosofía».
Boecio compuso un tratado de Música «de institutione música», que contiene una descripción detallada de la armonía griega. Este tratado influye a gran parte del pensamiento medieval. Divide a la música en tres géneros distintos:
La música mundana.
La música humana.
La música instrumental.
La música mundana: (Lo que Pitágoras llamaba la armonía de las esferas), es la música que no podemos
percibir porque somos imperfectos. La música mundana es la verdadera, y las demás solo son reflejo de ella.
La música humana: Es la unión armoniosa del alma con el cuerpo. Se comprende a través de acto de la introspección, todo aquel que se sumerge en sí mismo la entiende, ya que es una armonía psicofísica.
La música instrumental: El hecho de producir manualmente, a través de los instrumentos. No tiene valor alguno, es solo soplar un tubo o rasguear una cuerda.
Boecio plantea nuevamente la idea expuesta tanto por Platón, como por Aristóteles: La superioridad de lo teórico sobre lo práctico. Del trabajo intelectual sobre el manual.
San juan damasceno
Nació de familia acomodada: su abuelo había sido
funcionario al servicio del Imperio Bizantino, y tras la
conquista musulmana de Siria pasó a servir a los
nuevos dominadores; el padre de Juan siguió la
tradición familiar al servicio de los Omeyas, como él
mismo también. Sin embargo renunció a esa vida,
repartió sus posesiones entre los pobres y entró en
el monasterio de San Sabas, cerca de Jerusalén,
donde pasó la mayor parte de su vida. Se dedicó al
estudio y a escribir. Pretendió exponer
sistemáticamente todo el dogma cristiano y no
abordar unos pocos temas como hicieran sus
antecesores. Por eso su pensamiento y su obra se
convirtieron en las expresiones más perfectas del
espíritu escolástico. Cuando el emperador
de Constantinopla prohibió el culto a las imágenes
haciéndose eco de los iconoclastas que acusaban a
los cristianos occidentales y orientales -
fundamentalmente los monjes- de adorar imágenes,
San Juan Damasceno defendió la práctica de la
veneración, no adoración, de las imágenes religiosas
contra los iconoclastas:
Lo que es un libro para los que saben leer, es una imagen para los que no leen. Lo que se enseña con palabras al oído, lo enseña una imagen a los ojos. Las imágenes son el catecismo de los que no leen.
Refiere la leyenda que en medio de la querella de los
iconoclastas perdió una mano, y la Virgen se la
restituyó. El ícono de la Trijerusa (que tiene tres
manos) es sumamente popular y venerado en
la Iglesia Oriental.
Fue llamado "Orador de Oro" por su elocuencia y es
considerado un gran profeta de la Iglesia del Este.
Guido d arezzo
Guido nació en Arezzo (Toscana) el año 991 o 992.
Pasó sus primeros años de estudio en la abadía de
Pomposa, en la costa adriática, cerca deFerrara.
Ingresó como maestro en la escuela catedralicia de
Arezzo, donde sobresalió en la enseñanza del arte
vocal y escribió su tratado principal, elMicrologus de
disciplina artis musicae. Durante su estancia se
percató de la dificultad de los cantantes para recordar
los cantos gregorianos e inventó un método para
enseñar a los cantantes a aprender los cantos en
poco tiempo. Este método pronto se hizo famoso en
todo el norte de Italia. Sin embargo, la hostilidad de
los monjes del monasterio le obligaron a marcharse a
Arezzo, ciudad que no contaba con abadía, pero que
tenía un numeroso grupo de cantantes con falta de
aprendizaje.
Falleció en Avellano después de 1050.
En su estancia en Arezzo, desarrolló nuevas técnicas
de enseñanza, incluyendo eltetragrama (pauta
musical de cuatro líneas), precursor del pentagrama,
y la escala diatónica. Perfeccionó la escritura
musical con la implementación definitiva de líneas
horizontales que fijaron alturas de sonido, cercano a
nuestro sistema actual y acabando con la notación
neumática. Finalmente, después de ensayar varios
sistemas de líneas horizontales se impuso
el pentagrama griego: cinco líneas.
Guido de Arezzo es también el responsable de los
nombres de las notas musicales. En la Edad Media,
las notas se denominaban por medio de las primeras
letras del alfabeto: A, B, C, D, E, F, G (comenzando
por la actual nota la). En aquella época solía cantarse
un himno a san Juan el Bautista —conocido como Ut
queant laxis— atribuido a Pablo el Diácono, que tenía
la particularidad de que cada frase musical empezaba
con una nota superior a la que antecedía. Guido tuvo
la idea de emplear la primera sílaba de cada frase
para identificar las notas que con ellas se entonaban.
El texto enlatín de este himno rezaba así:
Felipe pedrel
Sus primeros contactos con la música los hace como
cantor infantil del coro de lacatedral de Tortosa en su
villa natal. A la edad de 15 años, ya compone
un Stabat Mater a tres voces. En el año 1863 Pedrell
va a Barcelona para seguir sus estudios musicales,
pero pronto viaja a Roma (1876) y París (1877)
pensionado por las Diputaciones
de Tarragona y Gerona para desarrollar sus
conocimientos musicales. Más tarde, en el año 1894
se traslada a Madrid donde en el año 1915 se le
nombra profesor del Conservatorio.
Gracias a sus viajes a Italia y Francia, Pedrell fue el
primer músico modernistacatalán en contactar con la
música extranjera.[cita requerida] Este contacto fue esencial
para definir sus futuras tendencias musicales como
compositor de música culta y popular. Uno de los
introductores en España de la música de Richard
Wagner, llegó a ser conocido como «el Wagner
español».7 Por otra parte, en su faceta de teórico
musical, e impulsor de la inspiración en las canciones
populares como punto de partida para la creación, fue
maestro de músicos como Isaac Albéniz, Enrique
Granados, Manuel de Falla, Robert Gerhard, entre
otros.8
Como musicólogo, se interesó por la terminología y
llevó a cabo un compendio de voces técnicas, entre la
que recoge de modo minucioso las de origen
popular.9 Fue también el fundador de escuelas de
musicología en toda España. Editó la obra de
numerosos compositories, como Joan
Brudieu o Tomás Luis de Victoria.
Fue un un compositor muy activo, desarrollando
todos los estilos musicales. Así, además de sus
óperas, compuso también una gran cantidad de obras
líricas, poemas sinfónicos y música religiosa y de
cámara.
Doni
Bonocini
Giovanni Battista Bononcini (Módena, 18 de
julio de 1670 – Viena, 8 de
julio de1747). Compositor y violonchelista italiano del
Barroco.
Recibió sus primeras lecciones musicales de su
padre Giovanni Maria Bononcini, violinista y
compositor. También fue discípulo de G. Buoni y G.
P. Colonna.
En 1685 publicó sus primeros trabajos
para violonchelo, y dos años más tarde era
violonchelista en San Petronio de Bolonia. Ingresó en
la Academia Filarmónica y en1688 era maestro de
capilla de San Giovanni in Monte. Más tarde
abandonóBolonia y se trasladó a Roma, donde
residió durante cuatro años. En 1700 fue nombrado
compositor de la Corte Imperial de Viena y fue
invitado a Berlín por la reina Sofía Carlota de
Hannover. Después de permanecer durante varios
años enItalia, partió hacia Londres, donde sus óperas
ya eran famosas. Fue protegido por el duque de
Marlborough y rivalizó con Händel. Un escándalo, en
el que se le acusaba de plagio, le obligó a
abandonar Inglaterra en 1727 y, después de algunas
giras de conciertos en París y Lisboa, se retiró
a Viena donde murió en la pobreza.
Giovanni Battista Bononcini se interesó sobre todo
por la ópera. Dio a conocer en Europa el estilo
napolitano, del que, junto con Vinci y Leo, y después
de Scarlatti, es el mayor representante a pesar de su
origen bolonés. Su estilo está influenciado por su
colaboración con el libretista Zeno. Su carrera estuvo
plena de éxitos, pero en ocasiones perjudicó al genio,
más auténtico, de Alessandro Scarlatti. Su
hermano Antonio Maria Bononcini también fue
compositor.
Pedrod e la cruz
Nació el 29 de abril de 1906, en San Miguel
Allende, Guanajuato. Hijo de José Cruz Vargas y Rita
Mata, una pareja de humildes campesinos, fue el
segundo de doce hermanos, a los siete años cantaba
en el coro de laiglesia de su ciudad, el maestro del
coro fue el primero en reconocer su talento y en darle
lecciones de canto.3
En 1920, a la edad de 14 años, llegó a la Ciudad de
México y de inmediato empezó a cantar en los coros
de varias iglesias y ofreciendo serenatas. Fue en el
Colegio Francés de La Salle, donde después de
escucharlo, le ofrecieron una beca para realizar la
escuela secundaria, clases de piano ysolfeo; ahí
permaneció hasta terminar el bachillerato. Más
adelante el maestro José Pierson también le daría
alojamiento y lecciones de técnica vocal de forma
gratuita.1 Mientras permanecía allí conoció a Jorge
Negrete, Alfonso Ortiz Tirado y Juan Arvizu. José
Mojica lo recomendó más adelante con Alejandro
Cuevas, el maestro al escucharlo se ofreció también
a darle lecciones sin costo.1
Carrera[editar]
Recibió la oportunidad de participar en la ópera
«Caballería rusticana», el 22 de enero de 1928, por
recomendación del maestro Jose Pierson en el Teatro
Esperanza Iris. Recibió la oferta de viajar en una gira
con la Orquesta Típica de Miguel Lerdo de Tejada, a
los Estados Unidos, como cantante de música
popular, lo que aceptó.1 En su primera visita
a Buenos Aires grabó para el sello RCA Víctor dos
temas de su autoría: "Porteñita mía" y "Me fui", con el
respaldo musical del piano de José Agüeros y el
violín del legendario Elvino Vardaro. Fue uno de los
mejores y más exitosos intérpretes del
compositor Agustín Lara, así como de muchos otros
compositores de toda Hispanoamérica, lo que le
permitió recorrer diversos países de este continente,
principalmente Argentina, Colombia , Perú y Venezuel
a. Con un extenso repertorio que incluyó temas líricos
como "Jinetes en el Cielo", canciones rancheras
como "Allá en el Rancho Grande", boleros como
"Obsesión", cantado a dos voces junto a Beny Moré;
y temas nostálgicos como "Alfonsina y el mar", Pedro
Vargas recibió de parte del público el muy merecido
calificativo de "Ruiseñor de las Américas".
Francon de colonia
Franco de Colonia, también conocido como Franco Teutonicus, (c.1215? – c. 1270?) fue un teórico de la música del siglo XIII. Su obra más conocida es el tratado Ars cantus mensurabilis (c. 1260) sobre
la notación mensural de la música o notación franconiana, mediante la cual la duración de un sonido es determinable por la grafía utilizada para anotarlo, independientemente del contexto musical en que se encuentre.
Franco se refiere a sí mismo, en el mencionado
tratado, como capellán papal y preceptor de
los Caballeros Hospitalarios de San Juan en Colonia.
En algunas fuentes es mencionado como Franco de
París, ciudad que probablemente visitó con
frecuencia debido a la estrecha relación de su obra
con la escuela de Notre Dame.1
Según escribió Jacobo de Lieja en su Speculum
musicæ, Franco habría sido también compositor,
aunque no se conservan hoy obras que le puedan ser
atribuidas con certeza. El motete Homo miserabilis,
brumans est mors sería una de sus composiciones.
Su Ars cantus mensurabilis (Tratado de canto
mensural) es un tratado práctico que contiene
numerosos ejemplos musicales sobre los diferentes
géneros como el organum, el discanto, la polifonía,
el conductus, así como los modos rítmicos. Su idea
fundamental es que las notas, por su apariencia
visual, pueden connotar su duración o valor rítmico,
además de su valor melódico o altura.1
La denominación motete franconiano hace referencia
a Franco de Colonia. En este tipo de motete y a
diferencia de los motetes típicos de la escuela de
Notre Dame, no se usa la notación por medio de
modos rítmicos.
Juan de garlande
Según Edmond Faral habría nacido hacia 1180. Se le
llama deGarlandia por la calle Garlande de París
donde habitó cuando enseñaba allí por la década de
1220. Estudió en Oxford y fue discípulo de Alain de
Lille; a causa de la huelga de profesores de
la Universidad de París, fue invitado en 1229 a
enseñar en la recién creadaUniversidad de Toulouse,
pero las revueltas de los cátaros (1229-1231) que
describe en su De Triumphis le hicieron volver pronto
a París y a su fértil vida de escritor (compuso 17
obras que son suyas con certeza y otras 12 que se le
atribuyen con menos solidez); era un escritor
interesado por todo: gramática, retórica, ascética y
teología. Se consideraba a sí mismo, frente a sus
colegas Alejandro de Villadei yEvrardo de Béthune,
un innovador en cuestiones gramaticales; es cierto
que como Roger Bacon en su mismo siglo defendía la
cultura clásica y la lectura de los auctores clásicos
latinos y griegos y tomó partido contra los lógico-
gramáticos escolásticos.
Escribió un diccionario (Dictionarius) en latín (1218-
1220) y a parejos intereses lexicográficos responden
sus Synonima y su Multorum vocabulorum
equivicorum interpretatio. En su Poetria (de arte
prosayca, metrica et rhytmica) (hacia 1230) trata
cuestiones de Retórica y Poética en siete partes,
distingue numerosos tipos de prosa y establece una
influyente división de los géneros
literarios: tragedia y comedia quedarán diferenciadas
en cuanto al estilo (grave en aquélla y simple en ésta)
y en cuanto a la forma narrativa (tragoedia, scilicet
carmen quod incipit a gaudio et terminal in luctu;
comoedia, scilicet carmen iocosum incipiens a tristitia
et terminans in gaudium), lo que influyó la
denominación que Dante Alighieri dio a su gran
poema. También distingue claramente entre res
gesta o historia y res ficta o fábula, así como res ficta
quae tamen fieri potuit. La épica o narrativa puede
escribirse en prosa o verso (narratio communis est
prose et metro). Añade a los tres estilos tradicionales
otros que se cultivaban en su época.
Como poeta compuso un Epithalamium beatae
Virginis Maria que fue entregado al legado papal
Romano de Santángelo, uno de los fundadores de la
universidad de Toulouse, en 1230; unas Georgica
Spiritualia y un Floretus sancti Bernardi in se
continens sacre theologie et canonum flores y
comentó al latino Ovidio en sus
populares Integumenta Ovidii. Otras obras suyas son
el Compendium totius grammatices, Summa
mysteriorum, metrice, cum comento y el De triumphis
Ecclesiae; se le atribuye el poema
humorístico Facetus in latino.
Phillippe de vitry
Philippe de Vitry (Vitry-en-Artois, 31 de octubre de 1291 – 9 de junio de1361) fue un compositor, teórico musical y poeta francés nacido en París. Se considera que es uno de los principales teóricos del ars nova, así como un compositor de gran talento, innovador e influyente
Los detalles biográficos de su vida son en gran medida desconocidos. Se cree que pudo haber estudiado en la Universidad de París ya que en algunos documentos se le nombra como "Magister". Más tarde, ostentó cargos de secretario y consejero en las cortes de Carlos IV, Felipe VI yJuan II. Quizás ayudado por éstas conexiones, obtuvo varias canonjías, incluyendo las de Clermont, Beauvais, y París y sirvió durante un tiempo en el séquito del antipapa en Aviñón. También fue diplomático y soldado y se sabe que estuvo en el sitio de Aiguillon.
En 1351 llegó a ser obispo deMeaux, al este de París. Como se movía en los círculos políticos y artísticos más importantes, conoció a muchas figuras destacadas de su época, como Petrarca, y al famoso matemático y teórico musical Nicole Oresme. Finalmente murió en Meaux
Se le conoce principalmente en la historia de la música, por haber escrito el tratado musical Ars nova, el cuál dio nombre al periodo de la música medievalhomónimo, el ars nova. Sus obras muestran innovaciones en notación, principalmente mensural y ritmo, que hicieron posible la creación de obras musicales complejas en las décadas sucesivas y que culminaría en el ars subtilior. Frecuentemente también se le atribuye el desarrollo del concepto deisorritmia.
Jacobo de leija
Jacobo de Lieja, también conocido como Jacques de Liège o Jacobus Leodiensis, (Lieja, c. 1260 – Lieja, después de 1330) fue un teórico de la música y compositor flamenco de música medieval, que se considera el principal representante del estilo compositivo denominado Ars antiqua
Las noticias sobre su vida son casi inexistentes. Se cree que nació en ladiócesis de Lieja alrededor de 1260
En su obra se opuso a los nuevos métodos
compositivos empleados por los músicos del Ars
nova, defendiendo las técnicas de las composiciones
de los antiguos músicos medievales. Argumenta
contra estos compositores modernos que se limitan a
cultivar determinadas formas en exclusiva como
el motete y la cantilena, dejando de lado otras formas
tradicionales como el organum y el conductus.
Asimismo, utilizan un tipo de notación musical que
son imperfectos y confusos, mientras que los
tradicionales se esmeraban en reflejar con gran
precisión sus composiciones a través de un sistema
de notación menos sofisticado pero más estable.
Arremete contra las novedades relativas al ritmo
introducidas por el Ars nova, consistentes en ritmos
rotos y movimientos melódicos muy complicados. Ello
origina, según Jacobo de Lieja, una música lasciva y
contraria al comedimiento de la música del Ars
antiqua.1
Otros teóricos de la música de su tiempo fueron por
ejemplo Johannes de Garlandia, Franco de
Colonia, Petrus de Cruce,Johannes de Grocheo
Juand e muris
De Muris nació en la diócesis de Lisieux que se
encuentra en la región de Normandía hacia 1290. Su
familia posiblemente perteneció a la baja nobleza ya
que está relacionado con Julien de Murs, que fue
secretario de Carlos V. En 1317 propuso una reforma
del calendario. Estudió en Evreux donde estaba en
1318. En marzo de 1319 realizó una serie de
observaciones astronómicas. Más tarde, enseñó en la
Universidad de Sorbona en París con el título
de Magister atrium en 1323 y 1324, fechas que
coinciden con la redacción de su obra Musica
speculativa secundum Boecium. En 1326 y 1327 los
registros lo sitúan en Fontevrault y de nuevo en
Evreux en 1332 y 1333, tal vez como rector
scholarum. El 14 de mayo de 1333, en presencia de
la reina Juana II de Navarra, observó un eclipse y
señaló que el fenómeno había comenzado diecisiete
minutos antes de lo indicado en las Tablas alfonsíes.1
Durante el invierno de 1336-37 llevó a cabo nuevas
observaciones astronómicas en París y escribió un
opúsculo en el que propone para compensar el error
debido al uso del calendario juliano: eliminar todos los
años bisiestos durante cuarenta años. Esta obra hizo
que fuese convocado por el Papa Clemente VI en
Avignon en 1344 para llevar a cabo la reforma del
calendario. Pero el trabajo sería compartido con otro
parisino Firmin de Belleval, en su Epistola ad
dominum papam Clementem VI super reformatione
antiqui Kalendarii - no es una fuente de la reforma. Al
parecer las Tablas alfonsíes, que servían como base
para la obra de Muris habían creado desconfianza
entre los astrónomos contemporáneos. Por tanto,
Muris y Firmin corrigieron solamente el calendario
lunar, que era utilizado para la determinación de
Pascua. En 1342 es uno de los canónigos
de Mézières-en-Brenne localidad situada en Indre,
donde probablemente escribió su obra
principalQuadripartitum numerorum.
San Felipe Neri
Felipe fue hijo de Francesco y Lucrecia Neri, quien
falleció cuando Felipe aún era un niño. Felipe tuvo
dos hermanas menores, Caterina y Elisabetta Neri y
un hermano que murió siendo aún muy niño.
Su padre, quien alternaba su profesión liberal con la
de notario, mantenía gran amistad con los dominicos.
Felipe Neri recibió muchas de sus primeras
enseñanzas religiosas de los frailes dominicos
del Monasterio de San Marcos de Florencia.
Felipe estudió humanidades y a la edad de dieciséis
años fue enviado a ayudar en los negocios a un primo
de su padre en San Germano, cerca deMonte
Cassino. Felipe a menudo se retiraba a una pequeña
capilla de la montaña que pertenecía a
los benedictinos de Monte Cassino. Fue aquí donde
se definió su vocación y en 1533 decidió marchar
a Roma.
Vida laica en Roma[editar]
Felipe Neri.
En Roma trabó amistad con Galiotto Caccia, un
aduanero florentino, que le dio una habitación en su
casa y la manutención a cambio de que emprendiera
la educación de sus dos hijos. Mientras era tutor de
los niños estudiófilosofía en la Sapienza,
y teología en la escuela de los agustinos y escribió la
mayor parte de la poesía que compuso tanto
en latín como en italiano de la que solamente
algunos sonetos han perdurado.
Felipe se encontró en Roma con una Iglesia en donde
el colegio cardenalicio era gobernado por los Médici,
de suerte que muchos cardenales se comportaban
más bien como príncipes seculares que como
eclesiásticos. Parte del clero había caído en la
indiferencia, cuando no en la corrupción y muchos
sacerdotes no celebraban la Misa sino rara vez,
dejaban arruinarse las iglesias y se desentendían del
cuidado espiritual de los fieles. Al mismo tiempo, el
pueblo romano parecía haberse alejado de la fe
cristiana. La tarea de Felipe habría de consistir en
reevangelizar la ciudad de Roma, por lo que un día se
le llamaría el Apóstol de Roma. Felipe, aún laico,
comenzó dirigiéndose a las gentes en mercados y
plazas, e inició visitas a hospitales, induciendo a otros
a acompañarlo.
Hacia 1544 estableció amistad con San Ignacio de
Loyola, a quien quiso seguir como misionero en Asia,
aunque finalmente desistió porque deseaba continuar
con la labor iniciada en Roma, constituyendo el
núcleo de lo que después se convirtió en
la Hermandad del Pequeño Oratorio.
Aunque Felipe rezaba principalmente en la iglesia de
San Eustachio, muy cerca de la casa de Caccia, fue
en las catacumbas de San Sebastiano donde tuvo
lugar, en 1544, el que se conoce en la tradición
cristiana como milagro de su corazón (su corazón
creció de tal manera que algunas costillas se
quebraron).
Durante sus últimos años de laico Felipe extendió su
apostolado. En 1548, junto con su confesor, Persiano
Rosa, fundó laConfraternidad de la Santísima
Trinidad, conocida como la cofradía de los pobres,
para ocuparse de los peregrinos y convalecientes.
Sus miembros se reunían para la comunión, la
oración y otros ejercicios espirituales en la iglesia de
San Salvatore in Campo, y el propio Felipe introdujo
la exposición del Santísimo Sacramento una vez al
mes y difundir así ladevoción de las cuarenta
horas (adoración Eucarística).
Juan pedro
Juan Pedro Esnaola (Buenos Aires, 17 de
septiembre de 1808 — 8 de julio de 1878), fue
un pianista, compositor y funcionario
público argentinodel siglo XIX.
== Biografía ==En 1860 Esnaola realizó
modificaciones a la música del Himno Nacional
Argentino, otorgándole una versión con más
orquesta, que le dio mayor riqueza en su armonía
Juan Pedro Esnaola inició sus estudios musicales de
junto al presbítero José Antonio Picasarri , director
musical de la Catedral de Buenos Aires y además tío
de Esnaola. Las ideas férreamente monárquicas del
tío, llevaron a ambos a emigrar
a Europa entre 1818 y 1822.
Durante esos años, y todavía muy joven, Esnaola
asistió al conservatorio de París, visitando
también Madrid, Viena y Nápoles. Adquirió un
destacado reconocimiento como "niño prodigio" en la
interpretación delPiano, y también como compositor,
ya que en 1822, a los 14 años, compuso una
colección de piezas para piano.
Gracias a la Ley de Amnistía impartida a los
opositores de la Revolución de Mayo por
el gobernador de la Provincia de Buenos Aires,
general Martín Rodríguez, la familia Esnaola -
Picasarri pudo regresar a la Argentina el 29 de junio
de 1822.
En el transcurso de ese mismo año el presbítero tomó
la iniciativa de fundar junto a su sobrino la Escuela de
Música y Canto. Desde allí, Esnaola no dejó de estar
ligado a la enseñanza, ya sea a través de clases
particulares (entre sus alumnas figuraba Manuelita
Rosas) o de instituciones públicas.
Salvo esta emigración inicial, Juan Pedro Esnaola
transitó durante sus casi setenta años de vida sin que
los embates políticos le hicieran mella. Fue amigo
personal de Juan Manuel de Rosas y de la hija de
éste, Manuelita, pero con la caída de Rosas luego de
la batalla de Caseros, continuó siendo reconocido
socialmente.
En 1858 fue nombrado Jefe del Departamento de
Escuelas por Sarmiento.
En 1860 Esnaola realizó modificaciones a la música
del Himno Nacional Argentino, otorgándole una
versión con másorquesta, que le dio mayor riqueza
en su armonía.
También actuó como Presidente de la Escuela de
Música de la Provincia, fundada en 1875.
Desempeñó también cargos públicos no relacionados
con la música. Fue Director del Batallón de Serenos
de Buenos Aires (1842), Juez de Paz (1852) y
presidente del Club de la Prosperidad (1858).
Sus dotes de instrumentista unidas a su formación
europea le permitieron destacarse con facilidad,
interviniendo en memorables conciertos junto a
celebridades de la época. Sin embargo, Esnaola fue
un intérprete de salón que se negaba rotundamente a
subir a los escenarios de los teatros de Buenos Aires.
Luis de pelestrina
De joven, formó parte del coro de la basílica romana
de Santa María la Mayor. Posteriormente, fue
organista en la catedral de su ciudad natal. Cuando el
obispo de Palestrina accedió al trono papal con el
nombre deJulio III , le nombró maestro del coro de
la Cappella Giulia del Vaticano. Al año siguiente
publicó su primer libro de misas. Un papa
posterior, Paulo IV, lo destituyó de su cargo, según
algunos por juzgar inapropiada su condición de
casado, según otros por haber escrito madrigales,
piezas de carácter profano.
En 1547 contrajo matrimonio con Lucrecia Gori.
En 1555 fue nombrado sucesor de Orlando di
Lasso como maestro de capilla de San Juan de
Letrán, donde en 1560 escribió sus Lamentaciones.
Pasó con el mismo cargo a Santa María la Mayor
en 1561, y en 1563 publicó su primer libro demotetes.
Con el fallecimiento de su esposa en 1580 contemplo
la posibilidad de tomar los hábitos. Contrajo
matrimonio en segundas nupcias con Virginia Dormoli
en 1581; una acaudalada viuda, lo que le permitió
publicar gran parte de su obra.
Palestrina se mostró siempre insatisfecho con las
reformas de la liturgia sacra dictadas por el concilio
de Trento, las cuales convirtieron en no canónicas a
algunas de sus misas y otras obras tempranas,
salpicadas de interposiciones profanas ajenas al texto
oficial. Por este motivo dimitió de su cargo para pasar
al servicio del cardenal Hipólito II de Este, que
mantenía su propia capilla. Finalmente volvió a la
dirección de la Cappella Giulia, donde terminó sus
días en el cargo creado para él de «Compositor de la
Capilla Papal».
Por otra parte, Palestrina es visto como el autor más
representativo de obras polifónicas ajustadas a las
nuevas exigencias de la Contrarreforma. Sus obras
de esos años destacan por la claridad lograda,
dejando la melodía en manos de la voz superior y
ajustando con precisión el ritmo del discurso. Con
razón, se considera con admiración la belleza lograda
por Palestrina.
De sus 104 Misas, más de 70 están compuestas
sobre el cantus firmus de melodías gregorianas.
Quizás la mejor de ellas sea la Missa Papae
Marcelli en la cual realiza una síntesis del estilo de
sus predecesores y contemporáneos. De sus motetes
son célebres, además de los Improperia, los 29
motetes sobre el texto del Cantar de los
Cantares de Salomón. Está considerado como uno de
los más eminentes autores de música
religiosa católica.
Orlando di lossus
Nació en Mons, provincia de Henao, en lo que
actualmente es parte de Bélgica. La información
sobre su juventud es escasa, aunque existen varias
historias mal documentadas. La más famosa de ellas
cuenta que fue raptado tres veces a causa de la
singular belleza de su voz. A la edad de 12 años deja
los Países Bajos junto a Ferrante I Gonzaga, y se
dirige a Mantua, en Sicilia y posteriormente a Milán,
donde reside entre 1547 y 1549. Estando en Milán se
hospeda en Hoste da Reggio, cuna de madrigalistas,
una influencia que fue definitoria en su estilo musical
inicial. En los primeros años de la década de 1550
trabaja como cantante y compositor
en Nápoles para Constantino Castriota, época de la
que se presume datan su primeras composiciones.
Luego se muda a Roma, donde trabaja para el
Archiduque de Florencia, quien mantenía un
hospedaje allí. En 1553 es nombrado maestro de
capilla de la Basílica de San Juan de Letrán en
Roma, un puesto muy prestigioso para un músico de
sólo 21 años de edad, pero permanece allí sólo por
un año (Palestrina toma su lugar un año después, en
1555).
No hay certeza de sus actividades durante 1554, pero
existen indicios de que viajó a Francia e Inglaterra. En
1555 vuelve a los Países Bajos, donde publica sus
primeros trabajos en Amberes. En 1556 se une a la
corte del Duque Albrecht de Baviera, quien intentaba
crear un centro musical comparable a los principales
de Italia. Lasso fue uno de los holandeses que
trabajaron allí. En 1558 se casa con Regina
Wäckinger, la hija de una dama de honor de la
Duquesa, con quien tiene dos hijos. Ambos se
convertirían de adultos en compositores, siguiendo la
herencia de su padre. En 1563 es nombrado maestro
de capilla, como sucesor de Ludwig Daser. Lasso
permaneció al servicio de Albrecht V y de su sucesor,
Wilhelm V de Baviera, por el resto de su vida.
En la década de 1560, Lasso ganó fama en Europa, y
los compositores iban a Múnich a estudiar con él.
Ejemplos fueronGregor Aichinger, también Andrea
Gabrieli estuvo allí en 1562, y posiblemente
permaneció en la capilla por un año.Giovanni
Gabrieli posiblemente estudió también con Lasso
alrededor de 1570. Su renombre se extendió incluso
fuera de los círculos musicales, al punto que en 1570
el emperador Maximiliano II le confirió un título
nobiliario, circunstancia poco común en la época para
un músico. El papa Gregorio XIII lo nombró caballero,
y en 1571 y nuevamente en 1573, el rey de
Francia, Carlos IX le invitó a su corte. Algunos de
estos reyes y aristócratas intentaron tentarlo a dejar
Múnich con ofertas más atractivas, pero Lasso estaba
evidentemente más interesado en la estabilidad de su
posición, y en las espléndidas oportunidades de
interpretación musical disponibles en la corte de
Albrecht que en las ganancias económicas. "No
deseo dejar mi casa, mi jardín y otras cosas buenas
en Múnich", escribió al Duque de Sajonia en 1580,
después de recibir una oferta para un puesto
en Dresde.
A fines de la década de 1570 y principios de 1580,
Lasso hizo varias visitas a Italia, donde encontró los
géneros y tendencias más modernas. En Ferrara, la
vanguardia musical de la época, pudo escuchar
indudablemente los madrigales compuestos para la
corte de los Este. Sin embargo su propio estilo
permaneció conservador, incluso volviéndose más
simple y refinado que antes. En 1590 su salud
empezó a declinar, y visitó a un médico llamado
Thomas Mermann para el tratamiento de lo que se
llamó "Melancolía hipocondríaca". Igualmente se
mantuvo capaz de componer así como viajar
ocasionalmente. Su trabajo final fue la exquisita
colección de 21 madrigales espirituales, las
"Lágrimas de san Pedro", dedicadas al papa
Clemente VIII, publicación póstuma de 1595. Lasso
muere en Múnich el 14 de junio de 1594, el mismo
día que su empleador decidió renunciar a sus
servicios por razones económicas. Lasso nunca llegó
a leer la nota de despido.
Juan bach
Johann Sebastian Bach perteneció a una de las más destacadas familias musicales de todos los tiempos. Durante más de 200 años, la familia Bach produjo docenas de buenos intérpretes y compositores (durante siete generaciones dio 52 músicos de importancia). En aquella época, la iglesia luterana, el gobierno local y la aristocracia daban una significativa aportación para la formación de músicos profesionales, particularmente en los electorados orientales de Turingia y Sajonia. El padre de Johann Sebastian, Johann Ambrosius Bach, era un talentoso violinistay trompetista en Eisenach, una ciudad con cerca de 6000 habitantes en Turingia. El puesto involucraba la organización de la música profana y la participación en lamúsica eclesiástica. Los tíos de Johann Sebastian eran todos músicos profesionales, desde organistas y músicos de cámara de la corte hasta compositores. Bach era consciente de los logros musicales de su familia, y hacia1735 esbozó una genealogía, Ursprung der musicalisch-Bachischen Familie(Origen de la familia
musical Bach), buscando la historia de las generaciones de los exitosos músicos de su familia.
Johann Sebastian Bach nació el 21 de
marzo de 1685, el mismo año que Georg Friedrich
Händel y Domenico Scarlatti. La fecha de su
nacimiento corresponde alcalendario juliano, pues los
alemanes aún no habían adoptado el calendario
gregoriano, por el cual la fecha corresponde al 31 de
marzo. Fue el octavo hijo (el hijo mayor tenía 14 años
cuando Johann Sebastian nació)3 del matrimonio
formado entre Maria Elisabetha Lämmerhirt y Johann
Ambrosius Bach,4 que fue quien probablemente le
enseñó a tocar el violín y los fundamentos de la teoría
musical.5Sus tíos eran todos músicos profesionales,
cuyos cargos incluyen organistas de iglesia, músicos
de cámara de la corte y compositores. Su tío Johann
Christoph Bach lo introdujo en la práctica del órgano.
Su madre falleció en 1694, cuando Johann Sebastian
tenía nueve años de edad, y su padre —que ya le
había dado las primeras lecciones de música—
falleció ocho meses después.6 Johann Sebastian,
huérfano con 10 años, se fue a vivir y estudiar con su
hermano mayor, Johann Christoph Bach, organista en
la iglesia de San Miguel (Michaeliskirche) de Ohrdruf,
una ciudad cercana.7 Allí copiaba, estudiaba e
interpretaba música, incluyendo la de su propio
hermano, a pesar de estar prohibido hacerlo porque
las partituras eran muy valiosas y privadas y el papel
de ese tipo era costoso.8 9 Aprendió teoría
musical y composición, además de tocar el órgano, y
recibió enseñanzas de su hermano, que le adiestró
en la interpretación del clavicordio. Johann Christoph
le dio a conocer las obras de los grandes
compositores del Sur de Alemania de la época,
como Johann Pachelbel (que había sido maestro de
Johann Christoph)10 yJohann Jakob Froberger; de
compositores del Norte de Alemania;11 de
los franceses, como Jean-Baptiste Lully, Louis
Marchand y Marin Marais, así como del clavecinista
italiano Girolamo Frescobaldi. También en esa época
estudió teología,latín, griego, francés e italiano en
el gymnasium de la localidad
Jorge haendel
Nació en la ciudad de Halle, ubicada en el centro este
de la actual Alemania. Su padre era barbero y
cirujano de prestigio y había decidido que su hijo
sería abogado, pero cuando observó el interés de
Händel por la música, la cual estudiaba y practicaba
en secreto, cambió de idea y se mostró dispuesto a
pagarle los estudios de música. De esta forma,
Händel se convirtió en alumno del principal organista
de Halle, Friedrich Wilhelm Zachau, quien le enseñó a
tocar el órgano, el clave y el oboe. A la edad de 17
años lo nombraron organista de la
Al cabo de un año, Händel viajó a Hamburgo, donde
fue admitido como intérprete del violín y del clave en
la orquesta de la ópera. Al poco tiempo, en 1705, se
estrenó en ese mismo lugar su obra Almira y poco
después Nero.
Italia (1706-1710)[editar]
Poco más tarde, insistiendo en su deseo de conseguir
prestigio como compositor de ópera, marchó a Italia.
Su primera parada fue en Florencia y en la primavera
de 1707 viajó a Roma, donde disfrutó del mecenazgo
tanto de la nobleza como del clero. En Italia compuso
óperas, oratorios y pequeñas cantatas profanas. Su
estancia allí finalizó con el éxito de su quinta
ópera, Agrippina (1709), estrenada enVenecia.
Hanover y primeros años en Inglaterra (1710-1719)[editar]
En 1710, Händel regresa de Italia y se convierte en el
director de orquesta de la corte de Hanóver. Un año
más tarde se estrena su obra Rinaldo en Londres con
un considerable éxito. En vista de ello,
en1712 Händel decide establecerse en Inglaterra.
Director en Royal Academy of Music (1720-1728)[editar]
Allí recibe el encargo de crear un teatro real de la
ópera, que sería conocido también como Royal
Academy of Music. Händel escribió 14 óperas para
esa institución entre 1720 y 1728, que lo hicieron
famoso en toda Europa. En esta empresa tuvo el
privilegio de contar con los servicios de varios de los
principales virtuosos vocales de primera línea de la
ópera italiana: el castrado contraalto Senesino, las
soprano Francesca Cuzzoni y Faustina Bordoni y el
bajo Montagnana, entre otros. La estabilidad
económica de la empresa, la disposición de los
prestigiosos solistas y de una excelente orquesta, así
como el gran entusiasmo del público, permitieron a
Händel llevar a la época de gloria de la Royal
Academy, que incluyó varias de las piezas cumbre de
la ópera seria: Ottone y sobre todo Giulio
Cesare, Tamerlano y Rodelinda, entre muchas otras.
El 11 de junio de 1727 moría Jorge I, pero antes de
morir había firmado el "Acta de Naturalización" de
Händel. El compositor era ya súbdito británico. Fue el
momento de cambiar su nombre a «George Frideric
Handel». A Jorge I le sucedió Jorge II y para su
coronación se encargó la música a Händel. Así
nacieron los himnos «Zadok the Priest», «My Heart is
Inditing», «Let Thy Hand be Strengthened» y «The
King shall Rejoice». Las dimensiones de la orquesta y
músicos requeridos eran extraordinarias (se pudo leer
en un periódico «hay 40 voces, y unos 160 violines,
trompetas, oboes, timbales y bajos,
proporcionalmente, además un órgano, que fue
instalado detrás del altar»).
Covent Garden y la guerra operística (1729-1737)[editar]
Georg Friedrich Händel en 1733
En 1734 Händel se mudó de teatro. Por una parte, en
el King’s Theatre las cosas ya no eran buenas para
él, pues ya no se tenía interés en seguir acogiéndolo
como compositor. Se instaló allí una compañía
llamada “Opera of the Nobility” (Opera de la Nobleza),
la cual prefería probar suerte con el compositor
italiano Nicola Porpora. Por otra parte, a Händel se le
ofreció trabajar en el recién construido Teatro
delCovent Garden.
Con John Rich, empresario de este nuevo teatro,
Händel acordó producir cinco óperas para la
temporada 1734-1735. Dos de ellas serían
reposiciones: “Il pastor fido” y “Arianna”. Tres serían
estrenos: “Oreste” (más que ópera un pasticcio),
“Alcina” y “Ariodante”.
Dublín y la consagración definitiva con los oratorios (1738-1751)[editar]
A partir de 1740, Händel se dedicó a la composición
de oratorios, entre ellos El Mesías, que en
el siglo XIX se convertiría en la obra coral por
excelencia.
Los últimos años (1752-1759)[editar]
En 1751, Händel perdió la vista mientras componía el
oratorio Jephta. A comienzos de abril de 1759 se
sintió mal mientras dirigía su oratorio El Mesías.
Terminado el concierto, se desmayó. Händel murió
siendo venerado por todos; fue sepultado con los
honores debidos en la Abadía de Westminster,
panteón de los hombres más célebres de Inglaterra.
Su último deseo fue morir el Viernes Santo y a punto
estuvo de cumplirse: falleció el 14 de abril (Sábado
Santo) de 1759.
Giovanni gabrielli
Giovanni Gabrieli (1563 - †12 de agosto de 1612)
fue un compositor y organista italiano , nacido y muerto
en Venecia. Uno de los más influyentes músicos de
su época, representa la culminación de la escuela
veneciana, enmarcándose en la transición de
la música renacentista a la música barroca.
Vida[editar]
Se desconoce la fecha exacta de su nacimiento,
aunque de acuerdo con unobituario de la época, al
momento de su muerte tenía 56 años (o 58 años, la
letra no es muy clara). Habría estudiado con su
tío, Andrea Gabrieli. Siguiendo su ejemplo, durante
varios años trabajó en Múnich, en la corte del
duque Alberto V de Baviera, posiblemente hasta la
muerte del duque en 1579. Allí habría estudiado
conOrlando de Lassus, amigo de Andrea.
Hacia 1584 habría sido organista suplente en San
Marcos, en ausencia de Claudio Merulo, para
en 1585 concursar y ganar el cargo en forma
permanente. También ese año comenzó a trabajar de
organista en la Scuola Grande di San Rocco.
Mantendría ambos puestos hasta su muerte. A partir
de la muerte de su tío le sucedió como compositor
principal de San Marcos.
Su fama, incrementada por ediciones de su obra
en Alemania, en gran parte hechas por Caspar
Hassler, le atrajo gran cantidad de alumnos,
fundamentalmente de ese país, entre los que se
destacó Heinrich Schütz.
Desde 1606 sufrió de cálculos renales, que le
obligaron a dejar parte de sus responsabilidades, y
murió en 1612 a causa de complicaciones de dicha
enfermedad.
Obra[editar]
Se encargó de recopilar y editar la obra de su tío.
Fruto de esos esfuerzos es la publicación de la
colección Concerti en1587 que se transformó en
fuente fundamental de la música veneciana.
Por su parte compuso diversas obras siguiendo el
estilo de su tío pero acentuando aún más los
contrastes, con un mayor dramatismo y color. Al igual
que otros compositores de la escuela veneciana, su
estilo se vio notablemente influenciado por las
particulares características de la iglesia de San
Marcos, con sus galerías separadas, por lo que
los órganos y los corosse ubicaban en lados
opuestos, además de la excelente acústica del lugar.
Hacia 1597 publica su propia colección Sacrae
symphoniae que le otorga rápida fama a nivel
internacional. Destaca laSonata pian e forte en la
que, posiblemente por primera vez, se dan
indicaciones de dinámica (piano, forte) según
lasorquestas tocaran solas o juntas.
Arcangelo corelli
Nació en Fusignano (provincia de Rávena, Italia) el
17 de febrero de 1653. Era hijo de una de las familias
más importantes de esta ciudad. Desde la infancia
estudiaba violín en su ciudad natal. En 1666 viaja
a Bolonia, donde estudia con Giovanni Benvenuti y
Leonardo Brugnoli. En 1670 pasa a ser miembro de la
Academia Filarmónica de Bolonia. Cinco años más
tarde se establece en Roma, donde fue adoptado y
alojado por el cardenal Pietro Ottoboni, sobrino del
papa Alejandro VIII. En Roma alcanzaría una
extraordinaria fama como violinista, a la vez que
perfeccionaba su técnica compositiva. Fue protegido
por la reina Cristina de Suecia.
En 1682 se convirtió en primer violinista de la
orquesta de capilla de laiglesia de San Luis de los
Franceses, la iglesia nacional de la comunidad
francesa en Roma. En 1684 ingresó en la
Congregazione dei Virtuosi di Santa Cecilia, el mismo
año que adoptó el nombre de Arcomelo Erimanteo.
Para 1700, Corelli era ya primer violinista y director
de conciertos delPalacio de la Cancillería. Su fama
era tal, que en 1706 ingresó en laAcademia de la
Arcadia, una altísima distinción en esa época, donde
conoció a Domenico Scarlatti. Dos años después
conocerá a Händel. Falleció en Roma el 8 de enero
de 1713, siendo enterrado en el panteón de la iglesia
de Santa María ad martires (el Panteón de Roma).
Corelli es considerado como uno de los más grandes
precursores de la sonata preclásica y el
representante por excelencia del concerto grosso. La
música de Corelli ejerció una gran influencia en los
compositores alemanes, especialmente
enBach y Händel. Después de las de Franz Joseph
Haydn, las obras de Corelli fueron las más publicadas
y reeditadas de su tiempo.
Corelli fue tremendamente famoso en vida, tanto como compositor como, sobre todo, intérprete de sus propias obras. Realizó numerosas giras por Francia e Inglaterra, donde era recibido por la más alta aristocracia. Solían llamarlo elPríncipe de los músicos. Famoso por la terrible dulzura de su carácter, se cuenta que, en una ocasión, mientras se hallaba tocando el violín en un concierto ante una concurrida multitud, Corelli advirtió que todo el mundo se ponía a hablar. Interrumpió suavemente su interpretación, dejó el violín en medio del salón, y se levantó para marcharse, diciendo que temía interrumpir la conversación
Beethoven
La familia de Beethoven vivía bajo condiciones
modestas. Su abuelo paterno, llamado también
Ludwig,4 (Malinas, 1712-1773), era descendiente de
una familia de campesinos y granjeros originarios
deBrabante, en la región de Flandes (Bélgica), que se
trasladaron a Bonn en el siglo XVIII. La
partícula van de su nombre,5 contrario a lo que
pudiera creerse, no posee orígenes nobles, mientras
que Beethovenprobablemente pudo haberse derivado
de Betuwe, una localidad deLieja, aunque otra
hipótesis apunta a que el apellido proviene deBeeth,
que quiere decir remolacha y Hoven, que es el plural
de Hof, que significa granja. De esta forma,
«Beethoven» vendría a significar «granjas de
remolachas».6
En marzo de 1733, su abuelo emigró a Bonn, en
donde trabajó como director y maestro de capilla de
la orquesta del príncipe elector de Colonia. El 17 de
septiembre de ese mismo año, contrajo matrimonio
con María Josepha Poll, cuyos testigos fueron el
organista Gilles van den Aeden y Johann Riechler.
Tuvieron tres hijos: María Bernarda Ludovica
(bautizada el 28 de agosto de 1734, muerta el 17 de
octubre de 1735), Marcus Josephus (bautizado el 25
de abril de 1736, muerto poco después en una fecha
indeterminada) y Johann, de cuyo nacimiento o
bautismo no se conserva registro; se supone que
nació a finales de 1739 o comienzos de 1740. El
tercero fue el único que sobrevivió a la infancia y fue
el padre de Beethoven. Johann fue músico y tenor de
la corte electoral.
La casa de Beethoven, ubicada en el 515 de la
Bonngasse, Bonn.
El 12 de noviembre de 1767 se casó en la iglesia de
San Remigio en Bonn con María Magdalena Keverich
(19 de diciembre de 1746 -17 de julio de 1787), una
joven viuda e hija de un cocinero de Tréveris. Por ese
motivo, el matrimonio de sus padres contó con la
oposición de su abuelo, que por aquel entonces ya
era el prestigioso maestro de capilla de la corte y
consideraba a la joven de una clase social inferior a la
de su hijo, lo cual no era cierto ya que en su familia
había concejales e incluso senadores.6
El matrimonio se trasladó al n.º 515 de la Bonngasse
y dos años después, en 1769, nació su primer hijo,
bautizado como Ludwig María van Beethoven. Sin
embargo, apenas seis días después de su bautizo, el
niño falleció. El 17 de diciembre de 1770 fue
bautizado su segundo hijo, en la iglesia de San
Remigio de Bonn, con el nombre de «Ludovicus van
Beethoven» (Ludwig van Beethoven) según se
describe en el acta de bautismo. Su fecha de
nacimiento, generalmente aceptada como el 16 de
diciembre de 1770, no cuenta con documentación
histórica que pueda respaldarla. María Magdalena
tuvo aún cinco hijos más, de los que solo
sobrevivieron dos: Kaspar Anton Karl van Beethoven,
bautizado el 8 de abril de 1774, y Nikolaus Johann
van Beethoven, bautizado el 2 de octubre de 1776.
Los biógrafos no tienen claras las fechas de
nacimiento exactas de ninguno de los hijos de María
Magdalena Keverich.
El padre de Beethoven estaba muy impresionado por
el hecho de que Wolfgang Amadeus Mozart diese
conciertos a los siete años y quería que su hijo
siguiera sus pasos. Con la intención de hacer de
Ludwig un nuevo niño prodigio, comenzó a
enseñarle piano, órgano y clarinete a temprana
edad.8 Sin embargo, el estudio musical coartó el
desarrollo afectivo del joven, que apenas se
relacionaba con otros niños. En mitad de la noche,
Ludwig era sacado de la cama y era obligado a tocar
el piano para los conocidos de Johann, a quienes
quería impresionar; esto causaba que estuviera
cansado en la escuela. Ya era usual que dejara de
asistir a clases y se quedara en casa para practicar
música.
El padre era alcohólico, lo que supuso que perdiera el
puesto de director de la orquesta de Bonn —puesto
heredado del abuelo Ludwig—, y la madre estaba
frecuentemente enferma. Aunque la relación con
Johann era distante, Ludwig amaba mucho a su
madre, a la que denominaba su «mejor amiga».8
El 26 de marzo de 1778, cuando tenía siete años,
Beethoven realizó su primera actuación en público
en Colonia. Su padre afirmó que la edad de Ludwig
era de seis años, para destacar, de esta manera, la
precocidad de su hijo; por ello, siempre se creyó que
Beethoven era más joven de lo que era en realidad.
Debido a que el talento musical y pedagógico de su
padre era limitado, Ludwig comenzó a recibir clases
de otros profesores. Sus avances fueron
significativos, sobre todo en la interpretación del
órgano y la composición, guiado por músicos
experimentados como Christian Gottlob Neefe. Neefe
fue un profesor muy importante e influyente en su
instrucción y supo valorar inmediatamente el nivel
excepcional de Ludwig. Además de transmitirle
conocimientos musicales, Neefe dio a conocer a
Beethoven las obras de los pensadores más
importantes, tanto antiguos como contemporáneos.8
Brahms
Era hijo del contrabajista Johann Jakob Brahms
(quien le dio sus primeras lecciones de música) y de
Hersika Cristina Nissen. Su familia era pobre, y su
infancia transcurrió en los suburbios de Hamburgo.
Comenzó a estudiar piano a la edad de siete años
con el profesor Otto Cossel, y pronto se reveló como
pianista aventajado, por lo que, siendo aún
adolescente, contribuyó a los ingresos familiares con
el dinero que ganaba impartiendo clases, tocando el
piano en cafés, bares e incluso burdeles.
Brahms dio recitales de piano en público a partir de
los diez años, interpretando sobre todo música de
cámara. Sus dotes para el piano desde niño fueron
tales que un empresario le ofreció la oportunidad de
ganar dinero haciendo giras por América, lo que fue
rechazado por sus padres. También a esta edad
empezó a estudiar con un prestigioso profesor de
Hamburgo, Eduard Marxsen,3 y comenzó a
componer, aunque durante un tiempo tampoco
consiguió que el público mostrase interés por sus
obras. En 1853 realizó una gira de conciertos como
acompañante del violinista húngaro Eduard Reményi.
Durante el viaje tuvo ocasión de conocer aJoseph
Joachim, que sería amigo suyo durante toda su vida,
y que le presentó aRobert Schumann. Este último,
además de compositor era editor de una revista
prestigiosa de música,4 y atrajo la atención de los
críticos y empresarios de música sobre el joven
Brahms, lo que contribuyó notablemente a que
Brahms se convirtiese en un compositor conocido y
apreciado.
Aunque la relación entre Robert Schumann y Brahms
duró hasta el fin de los días de Schumann, y
Schumann le elogió y llegó a llamarle "El elegido",
augurándole un brillante futuro en la música, el
vínculo más destacable fue el que tuvo con la esposa
de éste, Clara Schumann, una pianista reconocida en
aquellos momentos, compositora también y con la
que estableció una larga y profunda amistad que tuvo
rasgos de amor platónico. Brahms solía presentarle a
Clara sus obras antes de estrenarlas; muchas
veces Clara Schumann fue la encargada de estrenar
algunas de las obras pianísticas de Johannes.
Brahms se integró en el círculo familiar de los
Schumann, por lo que sufrió junto con Clara el intento
de suicidio de Schumann y su posterior muerte en
1856. Durante esta época viajó frecuentemente por
ciudades alemanas, trabajando como músico en la
corte de Detmold. También mantuvo un breve
romance con la cantante Agathe von Siebold.
Jhosep haynd
Franz Joseph Haydn nació el 31 de marzo de 1732
en Rohrau, una pequeña población cercana
a Viena (Austria), en aquella época capital del Sacro
Imperio Romano Germánico, y muy próxima a la
frontera con Hungría. Fue el segundo de los doce
hijos de Mathias Haydn y Anna Maria Koller. Su padre
era fabricante y reparador de carros al servicio
del conde de Harrach, el aristócrata de la población, y
también sirvió como Marktrichter, un cargo similar al
de alcalde de pueblo. Su madre había trabajado
previamente como cocinera en el palacio del conde
Harrach. Ninguno de sus progenitores sabía leer
música;6 sin embargo, Mathias fue un
entusiasta músico folclórico y había aprendido a tocar
el arpa de formaautodidacta durante la época que
trabajó como oficial. Según los últimos recuerdos de
Haydn, su infancia con su familia fue
extremadamente musical y frecuentemente cantaban
juntos y con sus vecinos.7
Los padres de Haydn se dieron cuenta de que su hijo
tenía talento para la música y sabían que en Rohrau
no tendría oportunidad de tener una educación
musical adecuada. Por esta razón aceptaron la
proposición de su pariente Johann Matthias Frankh,
director de la escuela y maestro del coro en Hainburg,
para que Joseph aprendiera en su casa y practicara
como músico. Por tanto, con tan sólo seis años,
Haydn se marchó con Frankh a Hainburg (a once
kilómetros de distancia de su pueblo natal) y nunca
más vivió con sus padres.
Haydn formó parte del coro de laCatedral de San Esteban
de Vienadurante nueve años, de 1740 a 1749.
La vida en casa de Frankh no fue fácil para Haydn,
quien después recordaría que pasaba hambre
frecuentemente8 y era humillado constantemente por
el estado asqueroso de su ropa.9 Sin embargo,
comenzó sus estudios musicales allí y pronto pudo
tocar el clavecín y el violín, así como cantar las partes
de tiple en el coro de la iglesia de Hainburg.
Existen razones para pensar que el canto de Haydn
impresionó a quienes lo escucharon porque pronto
atrajo la atención de Georg von Reutter,10 el maestro
de capilla de la Catedral de San Esteban de Viena,
que estaba realizando un viaje por las provincias
buscando nuevos talentos para el coro de niños.
Haydn pasó con éxito una prueba de audición ante
Reutter y en 1740 se trasladó a Viena, donde
permaneció como corista durante los siguientes
nueve años. A partir de 1745 su hermano menor,
Michael, también se incorporó como miembro del
coro.
Haydn vivió en la casa de Reutter junto a otros cinco
chicos del coro. Recibió lecciones de latín y otras
asignaturas, así como clases de canto, violín
y teclado.11Reutter fue de poca ayuda para Haydn en
las áreas de teoría musical ycomposición musical, ya
que sólo le dio dos lecciones durante el tiempo que
permaneció como corista.12 Sin embargo, dado que
San Esteban era uno de los principales centros de la
música de Europa, Haydn fue capaz de aprender
sirviendo a los músicos profesionales que había allí.13
Como Frankh anteriormente, Reutter no siempre se
aseguraba de que Haydn estuviera alimentado de
forma correcta. Según afirmó más tarde el biógrafo
Albert Christoph Dies, Haydn se sentía motivado para
cantar muy bien, con la esperanza de obtener más
invitaciones a las representaciones que se realizaban
ante la aristocracia, donde normalmente se servían
refrigerios a los cantantes
Amadeus Mozart
Wolfgang Amadeus Mozart nació el 27 de
enero de 1756 en Salzburgo, en la actualAustria, que
en esa época era un arzobispado independiente
del Sacro Imperio Romano Germánico. Fue el último
hijo de Leopold Mozart, músico al servicio del príncipe
arzobispo de Salzburgo. Leopold era el
segundo maestro de capilla en la corte del arzobispo
de Salzburgo y un compositor con poca relevancia,
aunque fue un experimentado profesor. Su madre se
llamaba Anna Maria Pertl. Debido a la altísima
mortalidad infantil en la Europa de la época, de los
siete hijos que tuvo el matrimonio sólo
sobrevivieron Maria Anna, apodada
cariñosamente Nannerl, y Wolfgang Amadeus.
Fue bautizado en la catedral de San Ruperto el día
después de su nacimiento con los nombres de
Joannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus
Mozart; a lo largo de su vida firmaría con diversas
variaciones sobre su nombre original, siendo una de
las más recurrentes «Wolfgang Amadè Mozart».3
La casa natal de Mozart se encuentra en la
Getreidegasse de la ciudad de Salzburgo. Se trata de
una casa que actualmente cuenta con una gran
cantidad de objetos de la época e instrumentos que
pertenecieron a Mozart durante su niñez. Es uno de
los lugares más visitados de Salzburgo y una especie
de santuario para músicos y aficionados a la música
de todo el mundo.4
Leopold componía y daba clases de música. El año
del nacimiento de Wolfgang publicó un exitoso tratado
para la interpretación del violín titulado Versuch einer
gründlichen Violinschule. Después del nacimiento de
Wolfgang abandonó todo, salvo las tareas propias de
su cargo, para dedicarse de manera exclusiva a la
formación de su hijo. Fue exigente como padre y
como profesor y en todo momento estuvo al tanto de
la formación de Wolfgang, para guiarlo como hombre
y como artista.
Nannerl y Wolfgang Amadeus mostraron desde muy
pequeños facultades para la música. Nannerl
comenzó a recibir clases de teclado con su padre
cuando tenía siete años y su hermano, cuatro años y
medio menor que ella, la miraba evidentemente
fascinado. Años después de la muerte de su hermano
ella rememoró:
A menudo pasaba mucho tiempo en el teclado, eligiendo terceras, que a él siempre le sorprendían y mostraba con placer que el sonido le gustaba. [...] En su cuarto año de edad, su padre comenzó a enseñarlo, como un juego, a interpretar unos minuetos y otras piezas en el teclado. [...] Podría tocarlo impecablemente y con la mayor delicadeza y manteniendo exactamente el tempo. [...] a la edad de cinco años ya componía pequeñas piezas, que interpretaba para su padre, al que estaban dedicadas.3
Retrato de Wolfgang Amadeus Mozart pintado por encargo
de Leopold Mozart en 1763. El autor es desconocido
aunque posiblemente fuera Pietro Antonio Lorenzoni.
Entre esas pequeñas piezas se encuentran
el Andante para teclado en do mayor,Köchel
Verzeichnis (KV) 1a, y el Allegro para teclado en do
mayor, KV 1b.
Cuando Wolfgang Amadeus tenía cuatro años tocaba
el clavicordio y componía pequeñas obras de
considerable dificultad; a los seis, tocaba con
destreza elclavecín y el violín. Podía leer música a
primera vista, tenía una memoria prodigiosa y una
inagotable capacidad para improvisar frases
musicales.
Definitivamente no era un niño común. Su progenitor
era un hombre inteligente, orgulloso y religioso. Creía
que los dones musicales de su hijo eran un milagro
divino que él, como padre, tenía la obligación de
cultivar.5 Cuando el niño iba a cumplir seis años de
edad, Leopold decidió exhibir las dotes musicales de
sus hijos ante las principales cortes de Europa.
Según los primeros biógrafos de Wolfgang, su padre
«quiso compartir con el mundo el milagroso talento de
su hijo...». Leopold creyó que proclamar este milagro
al mundo era un deber hacia su país, su príncipe y su
Dios, por lo que tenía que mostrarlo a la alta
sociedad europea, ya que de otra manera él sería la
criatura más ingrata.6
El biógrafo Maynard Solomon afirma que mientras
Leopold era un profesor fiel a sus hijos, existen
evidencias de que Wolfgang trabajaba duramente
para avanzar más allá de lo que le enseñaban.7 Su
primera composición impresa y sus esfuerzos
precoces con el violín fueron por iniciativa propia y
Leopold se vio fuertemente sorprendido. Padre e hijo
tenían una relación muy estrecha y estos logros de
niñez hicieron llorar de alegría a Leopold más de una
vez.3
Finalmente Leopold dejó de componer cuando el
excepcional talento musical de su hijo se hizo
evidente.8 Él era el único profesor de Wolfgang en
sus primeros años y le enseñó música, así como el
resto de asignaturas académicas.
Franz Schubert
Schubert fue uno de los principales músicos austríacos que vivió a comienzos del siglo XIX; fue el único nacido en la que fue capital musical europea a finales del siglo XVIII y principios del XIX: Viena. Vivió, treinta y un años, tiempo durante el cual consiguió componer una obra musical excelente, de gran belleza e inspiración. Su talento creció a la sombra deBeethoven, a quien admiraba; murió un año después que su ídolo. No fue reconocido en vida: después de su muerte, su arte comenzó a conquistar admiradores. Escribió más de seiscientos lieder, de los cuales gran parte, después de su fallecimiento, quedaron inéditos
Hijo de una familia humilde, fue el duodécimo de
trece hermanos. Residían en el barrio de Liechtental.
Su padre era un profesor de escasos ingresos
económicos.3
Su profesor de música se percató pronto de su
talento y llegó a decirle: «No tengo nada más que
enseñarle, el conocimiento lo ha recibido del buen
hombre». A los once años entró como cantor en
la Capilla Imperial, y consiguió una beca que le
sufragó los estudios en la escuela municipal de
Stadkonvikt. Allí fue alumno de Antonio Salieri y,
gracias a la orquesta de la escuela, para la que
escribió sus primeras sinfonías, se familiarizó con la
obra de Franz Joseph Haydn y de Beethoven.4
Juventud[editar]
A los catorce años comenzó a crear sus
primeros lieder, poemas musicalizados para voz y
piano, y antes de los dieciocho ya había creado
algunas obras maestras, como Gretchen am
Spinnrade, el primero de los muchos lieder inspirados
en poemas de Goethe. A los diecinueve años había
escrito ya más de doscientos cincuenta lieder.
Pese a sus talentos, su padre pretendía que heredara
su profesión, lo que motivó el enfrentamiento entre
ambos y el abandono de la casa paterna.
Fuera del hogar y habiendo decidido ganarse la vida
con la música, Schubert se refugió en la casa
de Franz von Schober.5 Así comenzó el peregrinaje.
Nunca logró mantenerse sólo con sus composiciones
y necesitó de la generosidad de amigos, que lo
acogían en sus respectivas casas. Schubert tampoco
mantuvo una relación duradera ni tuvo hijos, pero se
adscribió a un círculo íntimo de amigos que le brindó
muchas satisfacciones personales, además de
constituir un público fiel y sensible a su arte.
Schubert no consiguió estrenar ni publicar ninguna de
sus obras operísticas u orquestales. A lo sumo se
interpretaron algunas composiciones vocales o
pianísticas en las célebres schubertiadas.
En estos años Schubert
contrajo sífilis.6 Habitualmente pasó estrechez
económica. Se volvió inseparable de sus gafas, que
conformaron parte indisoluble de su apariencia y
acentuaron su fisonomía tímida.
Las schubertiadas[editar]
En Viena Schubert llevó una vida bohemia rodeado
de intelectuales, amante de las tabernas y de los
ambientes populares, alejado de los salones y de la
etiqueta nobiliaria. De este entorno procede el famoso
término de schubertiadas: reuniones de artistas de
todos los ámbitos que formaban un círculo brillante y
animado dedicado a la música y a la lectura.7 8
Últimos años[editar]
Durante sus últimos años escribió piezas magistrales,
fruto y reflejo de sus experiencias personales y
siempre con el sello inconfundible de una inagotable
inspiración melódica. Por ejemplo, una tensa
profundidad marca la Wanderer-Fantasie, D. 760,
para piano solo (1822) o el ciclo de lieder La bella
molinera (Die schöne Müllerin) (1823), estos últimos
inspirados en poemas de Wilhelm Müller.
En 1824 escribiría La muerte y la doncella, uno de
sus cuartetos más conocidos, y ya hacia el final de su
vida el intenso dolor y el aislamiento dejaron su
impronta en el Winterreise, D. 911, Op. 89 (1827),
también con textos de W. Müller.
Por aquel entonces, Schubert tenía solamente treinta
y un años y acababa de matricularse para
estudiar fuga. Pero unagonorrea,9 complicada
finalmente con una fiebre tifoidea, lo condujo a la
muerte el 19 de noviembre de 1828. Se decía de
Schubert que hacía tiempo ya «andaba por el mal
camino», se hablaba de su afición al alcohol y la
«sensualidad» -que lo llevó a tener relaciones
esporádicas. Pero esa debilidad no ensombrece de
ningún modo la figura de un hombre que en sus años
de madurez padecía, según muchos biógrafos, de lo
que actualmente llamaríamos trastorno bipolar.10 Esto
explicaría que grandes obras quedaran incompletas
sin una razón explícita.
El treinta de octubre de 1822 comenzó su Sinfonía en
si menor pero, tras dos movimientos en una partitura
de orquesta cuidadosamente pasada a limpio, y de
comenzar el tercero, la abandonó. El manuscrito con
ambos movimientos completos pasó a manos de su
amigo, An. Hüttenbrenner, quien los conservó en un
cajón durante más de cuarenta años. En 1865 se los
entregó al director de orquesta Johann von Herbeck,
quien en diciembre de ese mismo año dirigió en
Viena el estreno de la obra incompleta.
No hay una conclusión a la cuestión sobre los
motivos que condujeron a Schubert a dejarla
inconclusa; una posibilidad sugiere que parte del
manuscrito se perdiera. También se ha sugerido que
el poderoso Entreacto en si menor de la música de
escena para Rosamunda, de 1823, fuera en realidad
el último movimiento sinfónico. A favor de esta tesis:
las coincidencias en orquestación con ambos
movimientos existentes, incluido el añadido de los
tres trombones incorporados a la orquesta clásica
convencional, así como la tonalidad. A pesar de todo,
la explicación más verosímil para la crítica es la que
cuestiona la madurez autorial para completar dos
movimientos más con la misma altura y calidad
expresiva de los previos. Así, la obra queda tal como
la conocemos hoy: un díptico asimétrico, pero
equilibrado: primero un Allegro moderato, en el que
se contraponen la tensión dramática inicial y la
naturalidad lírica, seguido de un Andante con moto en
mi mayor, pleno de un agitado y tumultuoso
vagabundeo, que alcanza al final el descanso en
una coda, cuya serenidad parece trascender el
mundo.
Nicolas paganini
Nació en Génova, donde estudió con músicos
locales. Sus padres fueron Antonio Paganini y Teresa
Bocciardo. Empezó a estudiar la mandolina con su
padre a los cinco años. A los siete años comenzó a
tocar el violín. Hizo su primera aparición pública a los
nueve años y realizó una gira por varias ciudades
de Lombardía a los trece. No obstante, hasta 1813 no
se le consideró un virtuoso del violín. Tuvo como
maestros a Giovanni Servetto y Alessandro Rolla.
Con 16 años era ya conocido, pero no digirió bien el
éxito y se emborrachaba continuamente. Una dama
desconocida lo salvó de esa vida licenciosa para
llevarlo a su villa donde aprendió a tocar la guitarra y
el piano. En1801 compuso más de veinte obras en
las que combina la guitarra con otros instrumentos.
De 1805 a 1813 fue director musical en la corte
deMaria Anna Elisa Bacciocchi, princesa de Lucca y
Piombino y hermana de Napoleón. En 1813
abandonó Lucca y comenzó a hacer giras porItalia,
donde su forma de interpretar atrajo la atención de
quienes le escuchaban. En 1828 fue a Viena, más
tarde a París y en 1831 aLondres. En París conoció al
pianista y compositor húngaro Franz Liszt, quien
fascinado por su técnica, desarrolló un correlato
pianístico inspirado en lo que Paganini había hecho
con el violín. En 1833 en la ciudad de París le
encargó a Héctor Berlioz un concierto para viola y
orquesta; el compositor francés realizó Harold en
Italia, pero Paganini nunca la interpretó. Renunció a
las giras en 1834.
Fue además tutor del violinista italiano Antonio
Bazzini, a quien motivó para que iniciara su carrera
como concertista. Su técnica asombraba tanto al
público de la época que llegaron a pensar que existía
algún influjo diabólico sobre él, porque a su vez su
apariencia se notaba algo extraña y sus adelantos
musicales eran una verdadera obra de arte. Se decía
que en la mayoría de sus apuntes aparecía una nota
extraña la cual decía "nota 13". Podía interpretar
obras de gran dificultad únicamente con una de las
cuatro cuerdas del violín (retirando primero las otras
tres, de manera que éstas no se rompieran durante
su actuación), y continuar tocando a dos o tres voces,
de forma que parecían varios los violines que
sonaban. Además en la mayoría de sus espectáculos
usaba la improvisación. Esto indica lo cercano que
estaba su arte al mundo del espectáculo. Sus obras
incluyen veinticuatro caprichos para violín solo (1801-
1807), seis conciertos y varias sonatas. Además creó
numerosas obras en las que involucraba de alguna
manera a la guitarra, exactamente 200 piezas.
Llegó a poseer cinco violines Stradivarius,
dos Amati y un Guarnerius (su violín favorito)
llamado Il Cannone.
Su salud se fue deteriorando a causa de
una tuberculosis diagnosticada en 1819. En los años
1834 y 1840 padeció dos fuertes episodios
de hemoptisis, siendo el segundo el que precipitó su
muerte. Durante el avance de la enfermedad, que
pasó de sus pulmones a la laringe, padeció afonía
crónica los dos últimos años de su vida. El músico
además se medicaba con mercurio para tratar
la sífilis que también padecía. Falleció en Niza el 27
de mayo de 1840.
Su imaginativa técnica influyó notablemente en
compositores posteriores como Franz Liszt, Johannes
Brahms, Sergei Rachmaninoff, Boris Blacher, Andrew
Lloyd Webber, George Rochberg y Witold
Lutosławski, entre otros.
Joaquin rossini}
Rossini nació en Pésaro, hijo de Giuseppe, apodado
"El vivaz", cornista de oficio, y de Anna Guidarini,
cantante en los teatros locales. Tocando en la banda
municipal a los seis años, Rossini mostró un
extraordinario genio musical desde la más temprana
edad y estudió música con su padre. Aprendió a tocar
la espineta con el vinatero Giuseppe Prinetti;
posteriormente estudió con el canónigo Giuseppe
Malerbi, en cuya biblioteca leyó las partituras de
grandes compositores del pasado. EnBolonia tuvo por
primer profesor a Angelo Tesei e ingresó en el
prestigiosoLiceo Musical, bajo la tutela del
sacerdote Stanislao Mattei, y ganó un premio por
una cantata que compuso a los dieciséis años de
edad.
Como clavecinista acompañante en teatros, Rossini
fue llamado para componer una ópera breve en 1810
y, dado el éxito que logró, siguió componiendo,
particularmente en Venecia y en Milán, con éxitos
sonados en la mayor parte de los casos (su séptima
ópera conquistó La Scala con cincuenta y tres
funciones iniciales) y repentinos fracasos, pero
afianzándose como el primer compositor de su
tiempo, a pesar de no contar siquiera veinticinco años
de edad. En esos momentos, Rossini llevó a la
perfección musical el género bufo. Tuvo la ventaja de
contar, ya en esta primera etapa, con grandes
cantantes, en quienes pensaba al momento de
desarrollar la melodía de los personajes,
considerando las posibilidades de sus voces. Algunos
de ellos eran Marietta Marcolini, Filipo Galli y Paolo
Rosich.
En 1815 fue contratado por el sagaz
empresario Domenico Barbaia para componer
en Nápoles los teatros que administraba él con
subvención gubernamental, el Teatro de San Carlos y
el Teatro Del Fondo, en donde produjo óperas serias
de inmenso valor para las voces más imponentes
puesto que en la compañía de Barbaia se
encontraban las más grandes luminarias del tiempo
como Manuel García, Isabella Colbran (quien sería
luego esposa de Rossini), Giovanni Rubini y otros.
Mientras tanto, Rossini también recorre Italia, y creó
óperas de todos los géneros (serio, semiserio, bufo),
cuya influencia fue absoluta para todos los
compositores posteriores y aun contemporáneos, y
representó las ya creadas, que contenían melodías
que se convertían en hitos inmediatos y permanentes.
En 1816 estrenó, en el Teatro Argentina de Roma y
con argumento de Cesare Sterbini, una de las más
famosas obras del repertorio operístico: El barbero de
Sevilla. Basada en la trilogía literaria del barón
francés Pierre-Augustin de Beaumarchais, cuya
segunda parte, Las bodas de Fígaro, fue
musicalizada por W. A. Mozart, fue durante sus
primeras representaciones un fracaso.
Posteriormente, Giuseppe Verdi y otros compositores
la alabarían efusivamente, y alcanzaría una inmensa
fama. Previamente puesta en música por el respetado
compositor tarantino Giovanni Paisiello, el Barbero,
como muchas otras óperas de Rossini, borró del
cartel permanentemente las obras de grandes
compositores como Nicola Antonio Zingarelli, Saverio
Mercadante, Simon Mayr, Ferdinando Paër,
Mosca, Carlo Coccia y el propio Paisiello.
Jesus castillo
Jesús Castillo se formó en Quetzaltenango con los maestros pianistas Miguel Espinoza y Rafael Guzmán. Desde temprano mostró un interés especial en la música indígena de Guatemala, algunas de cuyas características incorporó a sus propias piezas. Su Obertura indígena No.1" (1897) es la primera obra de su época de estudiante que basó en motivos musicales autóctonos. Mientras estudiaba con Rafael Guzmán, Castillo compuso una segunda obertura de esa naturaleza, beneficiándose de la asesoría de su maestro. Concluida su formación, se dedicó al magisterio musical en Quezaltenango, actividad que mantendría hasta 1929. A la vez, recopiló música de los indígenas en varias regiones de Guatemala. Entre sus obras originales basadas en la música autóctona sobresale la ópera Quiché Vinak (1917-1925), que fue estrenada en 1924 en el Teatro Abril de la Ciudad de Guatemala.1 Fruto de sus investigaciones etnofonísticas es también el libro tituladoLa música Maya-Quiché, Región de Guatemala. Como compositor, Jesús Castillo inició la postura de la valoración de la música autóctona, mostrando el camino a varias generaciones de compositores en su país. Algunas de sus obras fueron publicadas por la Unión Panamericana de Washington, D.C. Muchas de sus piezas para piano fueron adoptadas por las grandes marimbas de Quetzaltenango, y se escuchan a menudo hasta entrado el nuevo milenio.
Mariano Valverde
Nació en Quetzaltenango el 20 de noviembre de 1884
y murió el 27 de diciembre de 1956. Mariano Valverde
se formó en su nativa Quetzaltenango, donde fue
integrante de la Marimba Hurtado Hermanos. Con
esta agrupación fue de gira porGuatemala y a
los Estados Unidos, donde grabó varias de sus
propias composiciones. En 1917 acompañó a los
jóvenes hermanos Benedicto, Higinio y Eustorgio
Ovalle Bethancourt, junto a Jesús Castillo, a una de
las primeras presentaciones de marimba ofrecidas en
la Ciudad de Guatemala para el presidente Manuel
Estrada Cabrera, quien también era originario de
Quetzaltenango.
En su pueblo natal, Quetzaltenango, enseñó marimba
a numerosos alumnos, a quienes exigía que la
tocaran por solfa. Su catálogo consta de más de un
centenar de piezas; gran parte de éstas aún
pertenece al repertorio de la mayoría de marimbas
guatemaltecas. Mariano Valverde fue director de la
Marimba Maderas de mi Tierra, considerada la mejor
agrupación de su tipo en el mundo. Su obra Noche de
luna entre ruinas, escrita luego del Terremoto en la
Ciudad de Quetzaltenango de 1902, evento en el cual
falleció su progenitora,1 es una de las composiciones
más expresivas del repertorio de valses
en Guatemala.
German alcantara
Nació en 1863, se formó en la Ciudad de
Guatemala bajo la tutela de Vicente Andrino, Emilio
Dressner y Lorenzo Morales. Se destacó como
notable intérprete del cornetín, siendo por muchos
años integrante de la Banda Marcial de Guatemala.
Esta agrupación, fundada por Pedro Visoni y llevada
a su primer apogeo por el director alemán Emilio
Dressner, se desarrolló muy bien bajo la batuta de
Alcántara. Sirvió en esa misma capacidad al frente de
la Banda de Antigua Guatemala, y se desempeñó
también como director del Conservatorio Nacional.
Como director, Alcántara era dueño de una autoridad
nata y una recia personalidad. Como compositor,
cultivó las instrumentaciones para banda y las piezas
pertenecientes a la música de salón, las cuales se
caracerizan por su encanto melódico de gran
romanticismo. Varias de sus composiciones forman
parte del patrimonio musical popular guatemalteco,
formando parte del repertorio de las más
destacadas marimbas y orquestas de Guatemala
durante el siglo XX.
El Conservatorio Nacional de Música de
Guatemala lleva actualmente su nombre.
Julian Paniagua martinez
Julián Paniagua Martínez obtuvo su formación
musical básica de su padre, el violinista Francisco
Paniagua, quien dirigía bandas
en Chimaltenango y San Marcos, con quien estudió
violín y composición. Los guatemaltecos, Julián
Paniagua Martíne y Sebastián Hurtado inventaron y
desarrollaron la marimba cromática en
Quetzaltenango en 1894. La marimba moderna es la
conocida marimba cromática, específicamente en el
municipio, Quetzaltenango, departamento de
Quetzaltenango, República de Guatemala. En otros
países como es México, imitaron la Marimba
Cromática, sin cuerpo de hormigo, que es la forma
correcta de realizarla a partir de la marimba diatónica
local que tuvo su origen en el balafón que los
africanos construyeron en América. La primera
composición de Julián Paniagua, escrita a los 12
años de edad, fue el vals "Tos Ferina", que le trajo la
reputación de niño prodigio. Inició su carrera como
director a los 15 años frente a la banda de Tejutla. En
1894, cuando era director de la Banda
de Quetzaltenango, fue autor de un invento que
cambiaría la historia de la música en Guatemala,
cuando desarrolló la marimba cromática junto con el
constructor de marimbas Sebastián Hurtado. En
la Ciudad de Guatemala fue director de la Banda
Minerva y fundó la Banda de la Guardia de Honor.
También estableció una casa editorial y distribuidora
de música impresa, la cual estuvo activa hasta 2006.
En la capital también se destacó como violinista,
desempeñándose como violín concertino de la
Orquesta Sinfónica de la Unión Musical.
Como compositor, Paniagua fue sumamente fecundo,
y varias de sus composiciones fueron premiadas en
certámenes internacionales, como el vals Ojitos
Negros, que ganó medalla de bronce en la Exposición
Internacional de Chicago en1877;
la marcha Democracia, premiada con medalla de
plata en la Exposición Internacional de París en 1900,
y el valsMurmullo de Besos, premiado en la
Exposición Internacional de St. Louis, Estados
Unidos, en 1904. Su zarzuela Mujeres al por
mayor tuvo éxito considerable en la Ciudad de
Guatemala y en Quetzaltenango, donde fue premiada
con medalla de oro por la Sociedad Artística de
Quetzaltenango.
Florencio herve
Felipe IV
Felipe IV de España, llamado «el Grande» o «el
Rey Planeta»(Valladolid, 8 de abril de 1605-Madrid,
17 de septiembre de 1665), fue rey de España 2 desde
el 31 de marzo de 1621 hasta su muerte, y
de Portugaldesde la misma fecha
hasta diciembre de 1640. Su reinado de 44 años y
170 días fue el más largo de la casa de Austria y el
tercero de la historia española, siendo superado sólo
por Felipe V y Alfonso XIII, aunque los primeros
dieciséis años del reinado de este último fueron bajo
regencia.
Durante la primera etapa de su reinado compartió la
responsabilidad de los asuntos de Estado con
don Gaspar de Guzmán, Conde-Duque de Olivares,
quien realizó una enérgica política exterior que
buscaba mantener la hegemonía española
en Europa. Tras la caída de Olivares, se encargó
personalmente de los asuntos de gobierno, ayudado
por cortesanos muy influyentes, como Luis Méndez
de Haro, sobrino de Olivares, y el duque de Medina
de las Torres.
Los exitosos primeros años de su reinado auguraron
la restauración de la preeminencia universal de los
Habsburgo, pero la guerra constante de la Europa
protestante y la católica Francia contra España
condujeron al declive y ruina de la Monarquía
Hispánica, que hubo de ceder la hegemonía en
Europa a la pujante Francia de Luis XIV, así como
reconocer la independencia de Portugal y
las Provincias Unidas.
Enrique mora
el conjunto de Enrique Mora es un arquetipo de los cuartetos de tango surgidos a partir de los años 30, en la misma dirección estilística y en el marco evocativo y tradicional que inauguró el maestro Roberto Firpo.
Por esa razón, podríamos ubicarlo en la segunda horneada de músicos que eligieron desarrollar su tarea con ese formato orquestal como ejemplo el Cuarteto Los Ases y más tarde, los deJuan Cambareri, Aníbal Troilo con Roberto Grela y el Cuarteto del Centenario, de Eduardo Valle.
La anterior camada corresponde ubicarla a principios de la segunda década del siglo veinte, con el Cuarteto Pacho de Juan Maglio al que continuarán el de Eduardo Arolas, Celestino Ferrer,José Arturo Severino, Vicente Loduca para nombrar algunas formaciones con esas características.
El respeto a la melodía, el ritmo marcado, los tiempos precisos y, sobre todo esto, un piano diáfano de sonido cristalino y secuencia cadenera son la marca registrada
de su conjunto, ideal para bailarines bien milongueros.
Nació en Buenos Aires, en el barrio de Mataderos y siendo un adolescente, actuó en la radio integrando la orquesta del bandoneonista Julián Divasto, autor del vals “Para las chicas”, que grabara el cuarteto de Firpo en 1942.
Entre finales de 1932 y 1933, actuó en muchos lugares y con varias agrupaciones como las de Florindo Sassone, Anselmo Aieta, Juan Canaro, Vicente Fiorentino y también, integró la Orquesta Típica Columbia que estaba dirigida por Alberto Castellanos.
En 1935, formó su primer cuarteto, conduciendo al mismo en el popular ciclo radial Las Matinés de Juan Manuel. Más adelante y por un breve lapso formó una orquesta para cumplir con sendos contratos con Radio Belgrano y Radio El Mundo.
Amenizó locales de barrio y los mejores cafés y escenarios porteños, destacándose sus actuaciones en el Tango Bar de la calle Corrientes y en la Munich de Boedo y San Juan.
Su formación contó siempre con grandes instrumentistas, sirvan de ejemplo los fuelles de Osvaldo Ruggiero, Máximo Mori, Daniel Lomuto, Luciano Leocata, Alfredo Calabró.
A los estudios de grabación llegó en abril de 1950, en el sello Pampa, haciendo dos registros: “La canción del linyera” en tiempo de vals, de Antonio Lozzi e Ivo Pelay, con el cantor Alberto Legrán y el instrumental “La sonámbula”, de Pascual Cardarópoli.
Entre 1950 y 1959, fueron setenta sus grabaciones en Pampa, entre ellas se destacan su tango “El catedrático” (1951) y su vals, “Paisaje azul”, este último, en colaboración con Osvaldo Lombardero yRogelio Araya (1954), ambas piezas instrumentales. También: “Andate con la otra” con la voz de Amanda Vidal; “Almagro” con el cantor Pedro De Luca; “Tango argentino” con Diana Durán; “Romántica” con Roberto Campos; “Fumando espero” y “La muchacha del circo” con Elsa Moreno y “Mascotita de marfil” conRoberto
Taibo.
Hizo incontables giras por nuestro país y continuó su carrera en la ciudad de Mar del Plata donde estableció su residencia. En 1976, acompañó al cantor Alberto Arenas en dos registros para el sello TK, “La última copa” y “Sentimiento gaucho”. Las dos únicas grabaciones de este cantor fuera de la orquesta de Francisco Canaro.
Aparte de los ya nombrados, cantaron en su cuarteto: Carlos Reyes, Elena Maida, Hugo Roca, Eduardo Márquez, Alberto Tagle, Roberto Videla, Martín Podestá, Horacio Deval, y muy probablemente me olvide de alguno.
De sus tangos, el más conocido es “No fue batidor”, que grabara conRoberto Campos, también le pertenecen: “Así era mi barrio”, “Crucificado” y “Testamento de un curda”, todos con letras de Rodolfo Palacios (seudónimo de Walter Chiodini) y “Este es tu tango”, con versos de Reinaldo Yiso, que registraron en 1945,Ricardo Tanturi con Roberto Videla y Enrique Rodríguez conArmando Moreno.
Fue sin lugar a dudas un gran músico que, como tantos artistas, hoy está absolutamente ignorado por los comunicadores y difusores del género. A pesar de todo, podemos seguir escuchándolo a través de sus discos que, por suerte, son muchos y están muy bien grabados.
Ricardo castro
Ricardo Castro nació en 1864, hijo del matrimonio
formado por Vicente Castro (diputado federal en la
VIII Legislatura del Congreso de la Unión) y María de
Jesús Herrera. Los estudios básicos los cursó en la
ciudad deDurango, en donde está registrado su
nacimiento y a la edad de seis años tomó clases de
música con el maestro Pedro H. Ceniceros.
En 1879 se trasladó con su familia a la Ciudad de
México con el propósito de que estudiara el
bachillerato pero a la edad de 13 años lo inscribieron
en elConservatorio Nacional de Música en donde
estudió piano con Juan Salvatierra y Julio Ituarte,
además de Armonía y Composición con Melesio
Morales. Era evidente su vocación musical y el joven
Ricardo concluyó en sólo cinco años un programa de
estudios que por lo común tomaba diez. Se graduó
en 1883.
Inició su carrera como concertista de piano y
compositor antes de terminar sus estudios y
en 1882 ganó dos premios, uno como pianista en la
Exposición de Querétaro y otro como compositor en
la Exposición de Veracruz. A los 19 años, en1883,
concluyó su Primera Sinfonía en Do menor titulada
"Sagrada" que fue estrenada apenas en 1988 a 81
años de su muerte.
Compositor y concertista[editar]
En 1884 representó a México en la Exposición
Algodonera Internacional de Nueva Orléans y en ese
año y el siguiente realizó una gira de conciertos por
varias ciudades de Estados
Unidos: Chicago, Filadelfia, Washington D.C. y Nueva
York. Para 1883 el Gobierno de México seleccionó
varias de sus obras para enviarlas a Venezuela,
como parte de la conmemoración del primer
centenario del nacimiento del libertador Simón
Bolívar.
Junto con Gustavo C. Campa, Juan Hernández
A. y Pablo Castellanos, fundó el Instituto Musical
Campa Hernández Acevedo, donde impartía clases
teóricas y prácticas de piano. Para entonces, Ricardo
Castro era ya muy famoso tanto en México como en
el extranjero por sus composiciones y por su
virtuosismo al piano. En 1892, junto con otros
compositores, Ricardo Castro fundó la Sociedad
Anónima de Conciertos, en cuyas funciones estrenó
varias obras para piano y orquesta. También fue
fundador de la Sociedad Filarmónica Mexicana
en 1895, creada para la difusión de la música de
cámara.
En 1896, al inaugurarse la Sala de Conciertos de la
Casa Wagner, hoy “Sala Sahieffer", se encomendó a
Castro el concierto de apertura y en ese mismo año
se estrenó en el Teatro Renacimiento su ópera
"Atzimba". Por cierto, sobre esta ópera que trata de la
conquista de Michoacán, se sabe que el segundo
acto está perdido pero en estos momentos, a
propósito del primer centenario de su fallecimiento
(28 de noviembre de 2007), con base en partituras
originales del compositor, se trabaja en la
reconstrucción de la pieza. En 1900 publicó crónicas
musicales en varios periódicos de laCiudad de
México y en 1902 hizo una gira por 17 ciudades
de México en donde ofreció 30 conciertos. En la
ciudad deGuadalajara, capital del estado de Jalisco,
se presentó en el Teatro Degollado en el mes de
septiembre.
Felipe Villanueva
A los diez años de edad escribió su Cantata
patriótica, para piano y cuatro voces; un año más
tarde compuso su mazurca para piano El último
adiós. En 1873 ingresó al Conservatorio Nacional de
Música bajo la protección del director del
plantel, Alfredo Bablot. Sin embargo fue rechazado
más tarde por el plantel, de manera que debió costear
sus estudios de piano y armonía en clases privadas
con el maestro Antonio Valle.
En 1876, a los catorce años de edad, ingresó como
violinista a la orquesta del Teatro Hidalgo dirigida
por José C. Camacho, de quien recibió lecciones de
composición. En 1879 la empresa internacional
Wagner y Levien Sucs. publicó sus piezas para
piano La erupción del Peñol y La llegada del ciclón,
que lo dieron a conocer entre el público mexicano.
En 1887 fundó, junto con Ricardo Castro, Gustavo E.
Campa y otros músicos mexicanos, el Instituto
Musical, academia oficial del Grupo de los Seis, que
transformó la enseñanza musical de México con una
contribución fundamental de Villanueva, quien
difundió obras de Johann Sebastian Bach, Frédéric
Chopin, Franz Liszt y Antón Rubinstein.
El prof. José Ovando Ramírez en su libro “Felipe
Villanueva Gutiérrez, su época, su vida, su obra”,
hace referencia al hecho de que éste ilustre músico y
compositor desarrolló su obra en aquella época en la
que la música italiana predominaba en las
preferencias musicales en Europa y América, incluido
México, aunado a ciertas reminiscencias del vals
vienés que introdujo una orquesta austriaca a nuestro
país en la época del emperador Maximiliano. Sumado
a la originalidad de las composiciones musicales
mexicanas, dieron lugar a considerar a Felipe
Villanueva Gutiérrez como uno de los destacados
precursores del nacionalismo musical mexicano del
siglo XIX. Época en la que el vals mexicano se
distinguió por sus tiempos pausados, con carácter
íntimo, añoranzas en su rítmica y de notable calidad
musical, como el vals “Dios nunca muere”
de Macedonio Alcalá, “Sobre las olas” de Juventino
Rosas y “Vals poético”, primer vals de un grupo de
tres valses lentos “Causerie”, “Amor” las mazurcas:
“Ebelia”, “En el baile”, “Sueño dorado” y las danzas
“Ana” y “Luz” de Felipe Villanueva Gutiérrez.
Aunque falleció prematuramente en 1893 a la edad
de 31 años, dejó numerosas obras para piano, para
canto y piano, y la ópera cómica Keofar (1892), que
se estrenó en el Teatro Principal de la Ciudad de
México, con mucho éxito. Su Vals poético se conoce
tanto en su versión para piano solo como en el
arreglo sinfónico que de él hizo Gustavo E. Campa.
Su obra para piano ha sido grabada por varios
concertistas mexicanos. Sus restos mortales fueron
trasladados en 1945 a laRotonda de las Personas
Ilustres de la Ciudad de México.1
Macedonio alcala
Macedonio Alcalá (12 de
septiembre de 1831, Oaxaca, México - † 24 de
agosto de 1869, Oaxaca, México) fue un violinista,
pianista y compositormexicano recordado hoy en día
especialmente por su composición del himno "Dios
nunca muere".
Macedonio Alcalá nació en la Ciudad de Oaxaca en
1831. Desde temprana edad mostró interés hacia
la música y comenzó a asistir a la escuela fundada
por el profesor José Domingo Martínez. Su talento
musical pronto fue evidente, y enseguida aprendió a
tocar el piano, chelo, viola, flauta yoficleido. Fue un
músico consumado con todos estos instrumentos,
pero su principal instrumento fue el violín. Como
violinista, fue ampliamente solicitado no sólo en
iglesias, sino también en bailes populares y reuniones
sociales.
Su persistencia y dedicación fueron recompensadas
con una beca provista por el Estado de Oaxaca,
permitiéndole continuar sus estudios en la Ciudad de
México. Cuando concluyó sus estudios regresó a
Oaxaca, donde se convirtió en miembro de la
Orquesta Filarmónica de Santa Cecilia, una orquesta
especializada en la interpretación del trabajo de
compositores locales. Poco tiempo después se
convirtió en director de la Banda de Música de
Oaxaca.
Algunos años después se mudó a Yanhuitlán. El 30
de julio de 1854, a la edad de 23 años, Alcalá
contrajo nupcias con Petronila Palacios de 21 años,
originaria del mismo lugar. Ellos tuvieron tres hijos,
dos varones y una mujer. Aunque él era reconocido
como un músico consumado, no era capaz de ganar
suficiente dinero en su profesión para mantener a su
familia. Esto lo llevó a la depresión y al alcoholismo.
Intentó regresar a Oaxaca, pero contrajo una
enfermedad. Sus hermanos se negaron a ayudarlo,
pero los miembros de la Orquesta Filarmónica de
Santa Cecilia acudieron en su auxilio, proveyéndole
un médico, medicinas y otros tipos de ayuda.
Durante su convalecencia, una delegación de
indígenas de un poblado cercano, Tlacolula, llegaron
para solicitarle que compusiera un vals en honor a la
Virgen María, patrona de la población. Aunque seguía
lejos de estar bien, Alcalá trabajó arduamente en el
vals, "Dios nunca muere". Este fue un gran éxito
desde la primera vez que fue interpretado en público
y la gente de la población quedó muy complacida.
Hacia el año 1867 se convirtió en profesor de música
en la Hacienda de la Concepción.
Murió en Oaxaca en 1869, a la edad de 37 años.
Después de su muerte, su hermano Bernabé publicó
el vals "Dios nunca muere" bajo su nombre, pero los
nativos de Tlacolula protestaron y demostraron que el
trabajo era obra de Macedonio. El vals es hoy,
aunque no de manera oficial, el himno de Oaxaca.
Los oaxaqueños se ponen de pie al escucharlo.
Un teatro y una calle de la Ciudad de Oaxaca, llevan
su nombre en su honor.
Ricardo Wagner
Wilhelm Richard Wagner nació el 22 de mayo de 1813 en el número 3 de la calle Brühl, en la judería de Leipzig (Confederación del Rin, actual Alemania). Fue el noveno de los hijos de Carl Friedrich Wagner (1770-1813), un modesto funcionario de policía que murió de tifus seis meses después del nacimiento de Richard,3 y de Johanna Rosine (de soltera Pätz, 1774-1848), hija de un panadero.4 Tras el trágico fallecimiento de su padre el 23 de noviembre de 1813, su madre comenzó a vivir con el actor y dramaturgo Ludwig Geyer, que había sido amigo de su difunto marido.5 En agosto de 1814, Johanna Rosine se casó con Geyer y se trasladó con su familia a su residencia en Dresde. Durante los primeros catorce años de su vida, Wagner fue conocido como Wilhelm Richard Geyer.nota 1 Wagner, más tarde, sospechó que Geyer era en realidad su
padre biológico, y además especuló equivocadamente con que podría ser judío.
La pasión de Geyer hacia el teatro fue compartida por
su hijastro, que empezó a tomar parte en las
actuaciones. En su autobiografía, Wagner recordó
haber desempeñado en una ocasión el papel de un
ángel.7 Asimismo, el muchacho quedó fuertemente
impresionado por los elementos góticos de El cazador
furtivo de Carl Maria von Weber. A finales de 1820,
Wagner fue inscrito en la escuela Wetzel
de Possendorf, cerca de Dresde, donde recibió
algunas lecciones de piano de su profesor
de latín.8 No era capaz de realizar
una escala correcta, pero prefería
interpretar oberturas teatrales de oído. Geyer murió
en 1821, cuando Richard tenía ocho años. En
consecuencia, Wagner fue enviado a la Escuela de
Gramática Kreuz en Dresde, cubriendo los gastos el
hermano de Geyer.9 El joven Wagner alimentaba sus
ambiciones como dramaturgo, constituyendo su
primer esfuerzo creativo una tragedia, Leubald(listada
como WWV 1), que comenzó en la escuela y que
estaba fuertemente influida
por Shakespeare y Goethe. Wagner, decidido a
musicarla, persuadió a su familia para que le
permitiese tomar lecciones de música.10
En 1827, la familia regresó a Leipzig. Wagner recibió
sus primeras lecciones de armonía entre 1828 y 1831
con Christian Gottlieb Müller.11 En enero de 1828
escuchó por primera vez la Séptima
sinfonía de Beethoven y, a continuación, en marzo,
la Novena sinfonía interpretada por la Gewandhaus.
Beethoven se convirtió en su inspiración y Wagner
escribió una transcripción para piano de
la Novena.12 También estuvo muy impresionado por
la representación del Réquiem deMozart.13 De este
periodo datan las primeras sonatas para piano de
Wagner y sus primeros intentos
con oberturas orquestales .14
En 1829 vio a la soprano dramática Wilhelmine
Schröder-Devrient en escena y se convirtió en su
ideal de fusión de música y drama en la ópera. En su
autobiografía, Wagner escribió: «Si contemplo mi vida
en retrospectiva como un todo, no puedo encontrar
ningún acontecimiento que produjera una impresión
tan profunda en mí». Afirmó haber visto a Schröder-
Devrient en el papel de Fidelio; sin embargo, parece
más probable que viera su representación como
Romeo en I Capuleti e i Montecchi de Bellini.1
Joaquin sabina
Joaquín Sabina nació el 12 de febrero de 1949 en la
localidad de Úbeda (Jaén, España), segundo hijo de
Adela Sabina del Campo, ama de casa y de Jerónimo
Martínez Gallego, inspector de policía.3 Cursó sus
estudios primarios con las monjasCarmelitas y con
catorce años comenzó a escribir poemas y a
componer música en una banda formada con sus
amigos llamada Merry Youngs,4 que se dedicaban
sobre todo a versionar a cantantes
de rock como Elvis Presley, Chuck Berry oLittle
Richard.
Por esa época, tuvo a su primera novia, Chispa, que
le sirvió como inspiración para crear algunos poemas
de amor. Esta relación era un poco accidentada ya
que el padre de Chispa, un notario de Úbeda, se
opuso a aquella desde un principio y algunos años
después, siendo Joaquín universitario, se llevó la hija
consigo a Granollers con el fin de apartarla
definitivamente de él. Pero Joaquín emprendió, en
compañía de un amigo, un viaje en su busca,
instalándose en una tienda de campaña junto a la
casa familiar de Chispa. Los dos jóvenes se
escaparon juntos recalando finalmente en elValle de
Arán (Lérida), donde vivieron juntos unos días.4
Posteriormente cursó el bachillerato en
los Salesianos. En esa época siguió escribiendo
versos y leyó a Fray Luis de León,Jorge
Manrique y José Hierro pero también a Marcel
Proust, James Joyce y Herbert Marcuse. El día en
que aprobó cuarto y reválida su padre quiso
recompensar a Joaquín con un reloj de pulsera, a lo
que él se negó manifestando que prefería
una guitarra; petición que fue satisfecha. En cambio,
su hermano mayor sí que aceptó el reloj y, según
Joaquín, ese pequeño detalle sería el que los
empezaría a distanciar: su hermano se acabaría
convirtiendo, como el padre de ambos, en policía y él
en cantante.4
Exilio en Londres
En 1968 se trasladó a Granada para matricularse en
la Facultad de Filosofía y Letras e iniciar los estudios
de Filología Románica en dicha universidad, donde
descubrió la poesía de César Vallejo y Pablo Neruda.
Joaquín vivío por primera vez con una mujer, llamada
Lesley, y preparó su tesis de español en Granada.5
Su ideología izquierdista le llevó a relacionarse con
movimientos contrarios al régimen franquista. Este
mismo año, cuando se proclamó el estado de
excepción, su padre, que era comisario en Úbeda,
recibió la orden de detenerle por pertenecer al Partido
Comunista.6 En 1970 comenzó a colaborar con la
revista Poesía 70, compartiendo páginas con Luis
Eduardo Aute o Carlos Cano. En ese mismo año
lanzó un cóctel molotov contra una sucursal
del Banco de Bilbao en Granada en protesta por
el Proceso de Burgos, por lo que se vió obligado a
exiliarse. Al carecer de pasaporte, no pudo salir
inmediatamente del país, pero conoció a un hombre,
Mariano Zugasti, que, tras unas horas de
conversación, le cedió el suyo.3 Con nombre falso y
acompañado de Lesley, Joaquín puso rumbo a París,
donde pasó unos meses, y posteriormente a Londres,
donde vivió como squatter (okupa) durante su primer
año de estancia en la ciudad.
Joaquín necesitó sensibilizar a la opinión pública a su
favor, ya que de otro modo sería repatriado a España,
y gracias a Lesley consiguió que le hicieran una
entrevista y presentara su caso. El Daily
Mirror publicó que a su vuelta a España le esperaría
la pena de muerte, [cita requerida] pero consiguió que las
autoridades británicas le concedieran el asilo
político por un año. Se marchó a Edimburgo con
Lesley a vivir. Permanecieron allí cuatro meses, tras
los cuales Joaquín se marchó a Londres
abandonando a Lesley.5
Durante esta época su casa en Londres sirvió de
refugio para miembros de ETA. Años más tarde
afirmó que «la izquierda de este país, a la que
orgullosamente he pertenecido y creo pertenecer,
debiera pedir perdón por su complacencia con ETA
durante muchos años. Yo tuve en mi casa de Londres
a etarras y era una gente encantadora que pegaban
tiros en la nuca, algo que nos parecía una cosa muy
graciosa en ese momento. Y hacíamos mal. Porque
de aquellos polvos vinieron estos lodos. Así que creo
que la gente como yo está muy obligada a estar muy
en contra y a decirlo muy alto por cobardes que sean.
Y yo lo soy como el que más».7
Colaboró en Londres con el Club Antonio Machado,
uno de los centros frecuentados por emigrantes y
exiliados. En la capital inglesa escribió sus primeras
canciones y organizó un cineclub donde se exhibían
películas de Luis Buñuel, prohibido entonces en la
España franquista. Reconstruyó el grupo de
teatro Juan Panadero y montó polémicas obras
teatrales como La excepción de la regla, de Bertolt
Brecht, y El cepillo de dientes, de Jorge Díaz. Se
ganó la vida cantando en el metro, restaurantes y
cafés. En 1974, según una de las anécdotas más
divulgadas sobre su vida, actuó ante George
Harrison, quien celebraba su cumpleaños en un bar
local llamado Mexicano-Taverna. El ex-beatle le dio
una propina de cinco libras.6 En algunas entrevistas,
Sabina ha relatado que conserva el billete que recibió
como un tesoro, pero en otras ocasiones ha
desmentido su propia leyenda («En realidad, me los
bebí aquella misma noche»). Durante ese tiempo
mantuvo una relación con una chica llamada Sonia.
En 1976 publicó el libreto de canciones Memorias del
exilio y comenzó a organizar conciertos para la
colonia de exiliados españoles en Inglaterra, en los
que actuaron entre otros Paco Ibáñez, Lluís
Llach, Francesc Pi de la Serra y Elisa Serna. Estos
versos constituirían el grueso principal dos años más
tarde de su primer disco, Inventario. El libro fue
editado por la Editorial Nueva Voz, con una tirada de
1.000 ejemplares que el propio Joaquín se encargó
de distribuir por el área dePortobello Road, vendiendo
hasta el último de ellos gracias a su don de gentes y
a las muchas amistades trabadas en el más de medio
lustro transcurrido en la capital británica.4 Más tarde
compuso la banda sonora de la serie The Last
Crusade, de la BBC.
Joan manuel Serrat
Niñez
Joan Manuel Serrat Teresa2 nace el 27 de
diciembre de 1943 en el barrio barcelonés de El
Pueblo Seco, miembro de una familia obrera. Su
padre, Josep Serrat, fue
un anarquista español afiliado a CNT y su madre,
Ángeles Teresa, ama de casa y portera de un edificio
originaria de Belchite (Zaragoza). Su niñez y el
ambiente de la calle lo marcan profundamente, hasta
tal punto que un gran número de sus canciones
narran la cotidianidad de Cataluña tras la Guerra
Civil (ejemplos son "La Carmeta", "La tieta" y "El
drapaire" como personajes estereotipo de su barrio).
A los 12 años, Serrat se matricula como alumno
interno en la Universidad Laboral Francisco Franco
de Tarragona, donde acabará el Bachiller Laboral
Superior con la especialidad Industrial Minera en la
modalidad de tornero fresador.
Inicios musicales
Serrat realiza estudios de perito industrial a la vez
que tocaba la guitarra como aficionado. En 1965 se
gradúa como perito agrícola y se presenta en el
programa Radioscope de Salvador
Escamilla en Radio Barcelona para interpretar sus
primeras canciones. Él le ofrece la primera
oportunidad de presentarse en público. Poco tiempo
después le llaman para ofrecerle un contrato y grabar
su primer disco. Su primer concierto lo realiza en el
teatro L'Avenç de Esplugas de Llobregat.
Es uno de los pioneros de lo que se dio en llamar
la Nova Cançó catalana y miembro del grupo Els
Setze Jutges (al que ingresa como el decimotercer
miembro), grupo de cantantes en lengua catalana que
tienen como referente a la chansonfrancesa (con
exponentes como Jacques Brel, Georges
Brassens o Léo Ferré, entre otros) y que defienden la
lengua catalana durante la dictadura franquista.
En 1965 se edita la primera grabación con cuatros
canciones, el EP Una guitarra con las canciones Una
guitarra, Ella em deixa, La mort de l'avi y El mocador.
En 1966 aparece su segundo EP Ara que tinc vint
anys con las canciones Ara que tinc vint anys, Quan
arriba el fred, El drapaire y Sota un cirerer florit.
El músico Francesc Burrull colabora con Joan Manuel
Serrat desde 1967 firmando los arreglos del
EP Cançó de matinada, donde además del tema
homónimo figuran Me'n vaig a peu, Paraules
d'amor y Les sabates. En 1972 volverá a
reencontrase con Serrat para firmar los arreglos del
álbum Miguel Hernández, uno de los trabajos más
destacados del cantautor catalán, del que será
director musical y pianista a principios de los años
70 hasta que retorne Ricard Miralles en1974. Fiel a
ese compromiso con las canciones de Serrat es su
recital con la cantante Laura Simó que lleva
presentando desde 2002, un paseo antológico por la
obra del cantautor barcelonés, finalmente editada en
formato CD en 2007. En1967 aparece también
el sencillo con los populares temas La tieta y Cançó
de bressol, así como su primer disco de larga
duración, el LP en catalán Ara que tinc vint anys que
incluye algunas de las canciones editadas en
sencillos o EP anteriormente, además de Balada per
a un trobador, Els vells amants y Els titelles.
En 1968 publica sus primeras canciones en español,
con varios sencillos que serían recogidos en el LP La
paloma al año siguiente. Al mismo tiempo, iba
componiendo nuevas canciones en catalán que se
editaban también en formato sencillo. En 1969 se
edita el LP Com ho fa el vent.
Cuando, a finales de los sesenta Serrat comienza a
cantar en español, a aparecer en portadas de revistas
de fanes y a hacer películas, algunos de sus
"seguidores de siempre" pasan a considerarlo un
traidor de la causa catalanista. Él se defiende
diciendo que el castellano también es su lengua
materna, pues su madre era aragonesa.
El conflicto de Eurovisión
En 1968 se anuncia que Serrat sería el representante
de España en el Festival de Eurovisión. En cuanto a
la canción que debía interpretar, se barajaban dos: El
titiritero, del propio Serrat, y La, la, la. Al final se
decidió que la representante de España fuese esta
última, al considerarse más apta para el festival. El
tema no fue compuesto por Serrat, sino por Manuel
de la Calva y Ramón Arcusa (integrantes del Dúo
Dinámico), quienes, sin embargo, se basaron en el
estilo poético presente en las letras de Serrat, así
como en sus misma temática: el canto a las cosas
sencillas de la vida (la madre, la tierra, el despertar de
un nuevo día, la naturaleza...).3
Serrat comienza a recibir muchas presiones de
algunos miembros de la Nova Cançó y de otros
sectores catalanistas por cantar en español. Ante
este clima de quejas, su discográfica en
catalán, Edigsa, decide posponer el lanzamiento del
segundo disco del cantautor barcelonés, Cançons
tradicionals.4
El 8 de marzo se emite un programa especial
en Televisión Española titulado Así es... Así canta...
Así compone... Joan Manuel Serrat, para
promocionar en televisión al recién nombrado
representante en Eurovisión. Canta cuatro temas en
catalán, Cançó de matinada, Paraules d'amor, Me'n
vaig a peu y Ara que tinc vint anys, y los tres temas
que hasta el momento había grabado en español: El
titiritero, Mis gaviotas y Poema de amor.
Tras grabar la canción en estudio en varios idiomas (y
hacer el equivalente de entonces a
los videoclips actuales) destinadas a distintas
cadenas de televisión europeas, el 25 de marzo se
anuncia que Serrat no irá a Eurovisión si no es
cantando el La, la, la en catalán. La versión más
extendida —y que Serrat nunca ha negado— sobre a
qué se debió este insólito hecho es que Serrat había
decidido no cantarla si no podía hacerlo en catalán, a
modo de plante que pretendía llamar la atención
sobre la situación marginal en la que se mantenía a la
lengua catalana. Para otras personas, sin embargo,
fue una maniobra publicitaria. Así, según indica Àngel
Casas en su libro 45 revoluciones en España, lo que
realmente pasó es que su representante, José María
Lasso de la jVega, decidió hacer un intento para que
el cantante recuperara su público más catalanista,
que estaba perdiendo poco a poco. Se trataba de que
Serrat cantara un verso de la canción en catalán
durante el festival. El representante pensó que la
mejor manera de conseguir eso sería decir que el
cantante exigía cantar toda la letra en catalán para,
más tarde y tras una supuesta negociación con las
autoridades, llegar a un acuerdo que le permitiera al
menos cantar el ansiado verso y contentar así a la
audiencia "de casa". Sin embargo, este plan falló.5
Su puesto en el festival fue cubierto por la
cantante Massiel, que sólo tuvo unos pocos días para
ensayar y promocionar la canción y que además se
llevó el premio con el mismo tema.
Ricardo Strauss
Strauss nació el 11 de junio de 1864 en Múnich, en
una familia de la alta Sociedad de Baviera dedicada a
la industria cervecera.Su padre Franz Strauss,
intérprete solista de trompa en la Ópera de la Corte
de Múnich, parte de su familia eran músicos, por lo
que recibió una excelente educación musical en su
juventud. Empieza a estudiar piano a los 4 años con
su madre, y violín a los 7 con su tío. Apenas con 6
años de edad realiza su primera composición desde
ese momento no dejo de escribir hasta su muerte .
Durante su adolescencia Strauss asistió a ensayos
con la Orquesta de la Corte de Múnich, recibiendo
clases particulares de teoría musical y orquestación
del director Wilhelm Friedrich Meyer. A los 17 años,
estrenó su Sinfonía en re menor(1881), una obra de
la que renegaría más tarde por considerarla inmadura
En 1882 ingresó en la Universidad de Múnich, donde
estudió cursos de Estética, Filosofía e Historia del
Arte. Un año después marchó a Berlín, donde obtuvo
un puesto como director asistente de Hans von
Bülow, que quedó muy fuertemente impresionado por
la Serenata para instrumentos de viento, compuesta
por Strauss a los 16 años. Strauss aprendió el arte de
la dirección de orquesta observando a Bülow en los
ensayos. Éste estaba muy encariñado con el joven, y
decidió que fuera su sucesor como director de la
orquesta de Meiningen tras su dimisión en 1885.
En 1886 hizo un viaje por Italia, país por el que
siempre sintió una gran fascinación.
El éxito de su poema sinfónico Don Juan en 1888,
consagró a Strauss como uno de los compositores
más importantes del momento, con gran prestigio a
nivel internacional, y que habría de acompañarle
hasta su muerte.
En 1894 se casó con la soprano Pauline de Ahna.
Pauline al parecer tuvo un carácter irascible y
excéntrico, pero su matrimonio fue esencialmente
feliz y tranquilo, y su mujer una gran fuente de
inspiración para él. A lo largo de su vida, desde sus
primeras canciones hasta las Cuatro últimas
canciones de 1948, muchas de ellas compuestas
para su mujer, Strauss muestra gran preferencia por
la voz de soprano, y todas sus óperas contienen un
importante papel de soprano. El matrimonio Strauss
tuvo un hijo, Franz, en 1897, quien se casó con Alice
von Grab. El matrimonio dio dos nietos al compositor,
Richard y Christian. Strauss estuvo entrañablemente
unido a su familia durante toda su vida.
En 1889 fue nombrado asistente del Festival de
Bayreuth, así como director del Teatro de la Ópera
de Weimar, dirigiendo con frecuencia obras
de Wagner, Gluck y Mozart. En 1894 se estableció en
la ópera de Múnich, y en 1897 fue contratado por el
kaiser Guillermo II de Alemania con director de la
Orquesta Real de Prusia, en Berlín.
Strauss conoce en esta época al compositor
austriaco Gustav Mahler, con el que mantiene
amistad hasta la muerte de éste en 1911, en una
relación a veces problemática y no exenta de
rivalidades, a pesar de la influencia mutua entre
ambos compositores.
Gustavo maler
Antecedentes familiares[editar]
La familia Mahler provenía del este de Bohemia y era
de origen humilde (la abuela del compositor había
sido una vendedora ambulante).1 Bohemia pertenecía
en aquella época al Imperio
austríaco (actual República Checa) y los Mahler
figuraban en la minoría germanoparlante bohemia
y judía. Con estos antecedentes, el futuro compositor
desarrolló un permanente sentimiento de exilio y
desubicación, sintiéndose «siempre un intruso, nunca
bien recibido».2 El hijo de la vendedora ambulante,
Bernhard Mahler, padre del compositor, se situó entre
la pequeña burguesía al convertirse en cochero y
más tarde en posadero.3 Compró una modesta casa
en el pueblo de Kaliště (en alemán Kalischt) y se casó
en1857 con Marie Hermann, de diecinueve años e
hija de un fabricante de jabón. Al año siguiente, Marie
dio a luz al primero de los catorce hijos del
matrimonio: Isidor, que murió en su infancia. Dos
años después, el 7 de julio de 1860, nació su
segundo hijo, Gustav.4
Infancia
En diciembre de 1860, Bernhard Mahler se trasladó
con su mujer e hijo a la ciudad de Jihlava,4 donde
construyó una exitosa destilería y una taberna.5 La
familia creció rápidamente, aunque de los doce hijos
que nacieron después de Gustav sólo seis
sobrevivieron.4 Jihlava era entonces una próspera
ciudad comercial de 20.000 habitantes, en la que
Gustav se introdujo en la música a través de las
canciones callejeras, la música del baile, las melodías
populares y los toques de trompeta ymarchas de las
bandas militares locales.6 Todos estos elementos
contribuirían posteriormente a su maduro vocabulario
musical.3
Uno de los acontecimientos que más determinaron su
futuro fue el descubrimiento de un piano en la casa
de sus abuelos en Bohemia cuando tenía cuatro
años, instrumento que comenzó a tocar
inmediatamente.7 Desarrolló su habilidad en la
interpretación del instrumento suficientemente como
para ser considerado unWunderkind (niño prodigio) y
dio su primer recital público en el teatro municipal
cuando tenía diez años.3 5 Bernhard Mahler tenía
gustos artísticos e incentivó el aún incipiente talento
musical de su hijo. Permitió que el futuro compositor
comenzara a recibir las primeras lecciones de piano y
de teoría musical cuando contaba cinco años de
edad. Su hijo no tardó en dar muestras de que estaba
naturalmente dotado para este arte: un año después
compuso un lied y una polka con una marcha
fúnebre introductoria. Sus primeros profesores
fueron Franz Viktorin, primer maestro de capilla del
teatro de Jihlava; el violinista Johannes Brosch;
el contrabajista Jakob Sladky y, finalmente, Heinrich
Fischer, director de un coro masculino local.
Aunque Gustav quería hacer música, sus informes
escolares en el gymnasium local lo retrataban como
de mente distraída y poco fiable en el trabajo
académico.7 En 1871, con la esperanza de mejorar
los resultados del chico, su padre lo envió al New
Town Gymnasium en Praga, pero Gustav no era feliz
allí y pronto regresó a Jihlava.5 En 1874, sufrió la
amarga pérdida de su hermano menor, Ernst,
fallecido tras una larga enfermedad. Mahler trató de
expresar sus sentimientos en la música. Con la ayuda
de su amigo Josef Steiner comenzó a trabajar en
una ópera, Herzog Ernst von Schwaben (Duque Ernst
de Suabia) en homenaje a su difunto hermano. No se
conserva ni la música ni el libreto de esta obra.7
Etapa como estudiante[
Bernhard Mahler manifestó su apoyo a las
ambiciones de su hijo para tener una carrera musical
y accedió a que el chico fuera enviado
al Conservatorio de Viena.8El renombrado
pianista Julius Epstein escuchó al joven Mahler y lo
aceptó para el curso de 1875–1876.5 Hizo buenos
progresos en sus estudios de piano con Epstein y
ganó premios al final de cada uno de sus dos
primeros años allí. Durante su último año, 1877–
1878, se concentró en el estudio de la composición
y armoníacon Robert Fuchs y Franz Krenn.9 10 Se
conservan pocas de sus composiciones de esta
época, salvo la que se considera uno de sus primeros
intentos serios de composición, el Cuarteto para
piano. Muchas de esas composiciones fueron
abandonadas cuando se sintió insatisfecho con ellas.
Destruyó un movimientosinfónico que había
preparado para una competición, después de su
desdeñoso rechazo por parte del director Joseph
Hellmesberger debido a unos errores de
copia.11 Mahler pudo tener su primera experiencia
como director con los estudiantes de la orquesta del
Conservatorio, en ensayos y representaciones,
aunque su principal papel en dicha orquesta fue
como percusionista.12
Entre los compañeros de Mahler en el Conservatorio
se encontraba el futuro compositor Hugo Wolf, con
quien mantuvo una estrecha amistad. Wolf no estaba
capacitado para soportar la estricta disciplina de la
institución y fue expulsado. Mahler, aunque a veces
fue rebelde, evitó el mismo destino únicamente
escribiendo una carta de disculpas a
Hellmesberger.11 Asistió a conferencias ocasionales
de Anton Bruckner y, aunque formalmente nunca fue
su alumno, estuvo influido por él. El 16 de diciembre
de 1877, asistió al desastroso estreno de la Tercera
Sinfonía de Bruckner, en el que el compositor dio
gritos y la mayor parte del público se marchó. Mahler
y otros estudiantes afines prepararon una versión
para piano de la sinfonía, que fue presentada a
Bruckner.12 Junto con muchos estudiantes de su
generación, Mahler estuvo influido por Richard
Wagner, aunque su principal interés fue el sonido de
la música en lugar de la escenificación. Se desconoce
si vio alguna de las óperas de Wagner durante sus
años de estudiante.13
Mauricio ravel
1875. La Tercera República Francesa de Patrice de
Mac-Mahon curaba sus heridas de la derrota de
la Guerra Franco-prusiana. Sin embargo, también se
respiraba un resurgimiento espiritual; Francia sería
testigo de un periodo muy fecundo para las artes.
Ravel nació el 7 de marzo, cuatro días después del
frío estreno de Carmen de Bizet, en el 12 del Quai de
la Nivelle en Ciboure, departamento de los Pirineos
Atlánticos, parte del País Vasco francés. Su padre,
Joseph Ravel (1832-1908), era un renombrado
ingeniero civil, de
ascendencia suiza y saboyarda (Ravex). Su madre,
Marie Delouart-Ravel (1840-1917), era de
origen vasco, descendiente de una vieja
familia española (Deluarte o Eluarte). Tuvo un
hermano, Édouard Ravel (1878-1960) con quien
mantuvo durante toda su vida una fuerte relación
afectiva.1
Pocos meses después, en junio de 1875, la familia
Ravel se trasladó a París. La influencia sobre el
imaginario musical de Maurice Ravel de sus orígenes
vascos es discutida, puesto que el músico no regresó
al País Vasco antes de los 25 años. No obstante, en
la biografía escrita por Arbie Orenstein se menciona
que Ravel se sentía muy unido a su madre y que ésta
le transmitió su patrimonio cultural vasco (el cual,
según Orenstein, habría tenido una gran influencia en
la vida y la producción musical de Ravel); según
dicha biografía, uno de los primeros recuerdos del
compositor labortano eran las canciones folclóricas
vascas que su madre le cantaba.2 Más tarde
regresaría regularmente a San Juan de Luz para
pasar las vacaciones o para trabajar.
Sus padres frecuentaban los medios artísticos,
fomentando los primeros pasos de su hijo que muy
pronto reveló un talento musical excepcional.
Comenzó el estudio del piano a los seis años bajo la
guía de Henry Ghys. Niño juicioso, aunque también
caprichoso y terco, pronto demostró su natural talento
musical, aunque, para desesperación de sus padres y
profesores, reconoció más tarde haber sumado a sus
numerosos talentos «la más extrema pereza.»3 De
hecho, en un principio su padre, para obligarlo a
practicar el piano, tenía que prometerle pequeñas
propinas.4 En 1887 recibió precozmente clases de
Charles René (armonía, contrapunto y composición).
El clima artístico y musical prodigiosamente fértil de
París de fines del siglo XIX no podía sino estimular el
desarrollo del joven.
«Desde muy niño fui sensible a la música -a
todo tipo de música. Mi padre, mucho más
cultivado en este arte que la mayoría de
aficionados, supo desarrollar mis gustos y
estimular tempranamente mi
pasión.» (Ravel, Esquisse
autobiographique, 1928)
Claudio Debussy
Su padre, Manuel-Achille Debussy era dueño de una
tienda de porcelana y trabajaba en la imprenta de
Paul Dupont. Llegó a capitán de la guardia nacional al
servicio de la Comuna. Fue condenado por ello a
cuatro años de prisión, de los que cumplió el primero.
Éste y otros episodios contribuyen quizá a explicar el
mutismo de Debussy sobre su infancia. Su madre era
Victorine Manoury. Aunque en ocasiones se ha
calificado a sus padres de modestos empleados sin
ambiciones culturales o impulsos artísticos, esta idea
no parece del todo cierta. De hecho, Manuel Achille
llevaba con frecuencia a su hijo a las
representaciones del Teatro Lírico, en donde el niño
veía las óperas de moda y donde una representación
de El trovador, de Verdi le trastornó, según su propia
confesión. En algunas estancias en Cannes, en casa
de su querida tía y madrina Clementina Debussy,
recibió sus primeras lecciones de piano en 1870 y
1871. Fue su tía quien le condujo hasta su primer
profesor, un modesto violinista italiano llamado Jean
Cerutti, quien le enseñó los rudimentos de la técnica
pianística. Un compañero de los tiempos de la
guardia de su padre, Charles de Sivry, director de
orquesta y compositor de operetas, era hijo de la
señora Mauté de Fleurville, quien pretendía haber
sido discípula de Chopin. Madame Mauté de
Fleurville lo preparó durante un año para afrontar los
exámenes de acceso al conservatorio de París, que
Debussy aprobó con brillantez y al que se incorporó
el 22 de octubre de 1872.
Formación
Inicialmente, Claude Debussy fue destinado a la clase
de piano de Marmontel y a la de solfeo de Lavignac.
Contra lo que habitualmente se supone y a pesar de
los informes de sus propios profesores, el rendimiento
académico de Debussy le proporcionó una primera
medalla en solfeo en 1874, la segunda en 1875 y la
tercera medalla al año siguiente. Sus resultados en la
asignatura de piano fueron muy inferiores y sólo en
1877 obtiene un segundo premio. Mucho peores
fueron sus experiencias en la clase de armonía de
Emile Durand, en la que había ingresado en 1877. Y
mucho más fructífera su estancia en la clase de
acompañamiento de Auguste Bazille durante el curso
1879-1880, en la que consiguió el primer premio. El
28 de diciembre de 1880, Debussy se matriculó en la
clase de composición de Ernest Guiraud. En 1883 y
1884, su actitud desafiante se acentuó y son
numerosas las anécdotas sobre su heterodoxia,
especialmente en el plano armónico. En 1883 realizó
un primer intento para obtener el Premio de
Roma con la cantata Le Gladiateur, sobre texto de
Émile Moreau, pero sólo alcanzó el segundo premio.
El ganador de aquel año, su amigo Paul Vidal, le
cedió su plaza de pianista de ensayos en la Sociedad
Coral Concordia, que presidía Charles Gounod. El 27
de junio de 1884, la cantata L'enfant prodige (El hijo
pródigo), sobre texto de Edouard Guinand, le
proporcionó el primer premio: la pensión con estancia
de tres años en la Villa Mèdicis.
Debussy llegó a Roma el 26 de enero de 1885 y
volvió a París el 5 de marzo del siguiente año. Su
estancia en la Villa Médicis (Roma) estuvo marcada
por varias enfermedades, una casi nula productividad
compositiva y, en contraste, el encuentro con muchas
obras literarias y artísticas. Descubrió la música
de Palestrina y Lasso. Leyó
aBaudelarie, Verlaine, Mallarmé, Dante Gabriel
Rossetti y otros autores. Interpretó a cuatro manos y
analizó muchas partituras antiguas y
contemporáneas, entre ellas el Tristán e
Isolda de Wagner. Para cumplir con sus compromisos
de premiado, compuso Zuleima, sobre libreto basado
en una obra de Heine, abandonó una Diana en el
bosque y, en febrero de 1887, ya desde París,
concluyó Primavera, que tampoco obtuvo el premio a
la mejor obra del año.
Su descubrimiento de Wagner data de 1880. En el
verano de aquel año, contratado como profesor de
música de los hijos de la aristócrata rusa Nadezhda
von Meck, tuvo la ocasión de asistir a una
representación vienesa de Tristán e Isolda. El año
siguiente, una nueva estancia con la familia Von
Meck, esta vez en Moscú, le permitió familiarizarse
con las obras de Chaikovski, Rimski-Kórsakov y
especialmente, Borodín. Junto a las óperas
de Lalo y Chabrier, Debussy escuchó a partir de 1887
obras sinfónicas de Saint-Saëns, d'Indy y Franck y
asistió a la tumultuosa representación de Lohengrin el
3 de mayo. Al año siguiente acudió por primera vez
al Festival de Bayreuth.
Perez
Prado
Miguel failde
Nació el 23 de diciembre de 1852 en la ciudad
de Matanzas, Cuba. Sus padres fueron Cándido
Faílde quien era procedente de Galicia y Justa Pérez,
mulata matancera.
Vida artística
Tuvo como primer maestro a su padre, descubridor
de sus aptitudes para la música. Dominó el cornetín a
la temprana edad de doce años y al morir su padre
estudió, gracias a su hermano mayor con Federico
Peclier, un profesor del Conservatorio de París.
Dirigió la Banda de Bomberos de su natal Matanzas.
Años más tarde formó sus propia banda musical
en 1871 llamada "La Orquesta de Miguel Faílde" que
tocó por 50 años y con la que gozó de gran
popularidad entre la población. Miguel tocaba además
el contrabajo y la viola y a pesar de no ser pianista
interpretaba piezas complejas en el piano. También
daba clases de música en su casa y participó, junto a
un amigo en la edición de un semanario literario que
llevaba por nombre Ideas Nuevas, proveniente de
encuentros que sostenía con intelectuales en una
imprenta.
El creador del danzón[
Fue el creador, para gloria de la música cubana,
del danzón, baile nacional de Cuba y derivado de
la contradanza. La primera pieza de este género llevó
por nombre "Las alturas de Simpson", el cual fue
estrenado por Miguel el 1.º de enero de 1879 en
el Liceo Matancero, obteniendo gran aceptación y
éxitos en muy poco tiempo. Entre su repertorio de
composiciones, que no eran solo danzones
encontramos: "Las alturas de Simpson", "La diosa
japonesa", "Cuba libre", "Yo me voy para el otro
mundo", "Los mascavidrios", "El mondonguito",
"Antón Pirulero", "La serenata de Schubert", "Figurín,
se acabó el merengue", la "Jota aragonesa", "Piña",
"Mamey y zapote", entre muchos otros. Su
sobrino, Osvaldo Castillo Faílde colectó al menos 144
danzones compuestos por él.
Mozart
Wolfgang Amadeus Mozart nació el 27 de
enero de 1756 en Salzburgo, en la actualAustria, que
en esa época era un arzobispado independiente
del Sacro Imperio Romano Germánico. Fue el último
hijo de Leopold Mozart, músico al servicio del príncipe
arzobispo de Salzburgo. Leopold era el
segundo maestro de capilla en la corte del arzobispo
de Salzburgo y un compositor con poca relevancia,
aunque fue un experimentado profesor. Su madre se
llamaba Anna Maria Pertl. Debido a la altísima
mortalidad infantil en la Europa de la época, de los
siete hijos que tuvo el matrimonio sólo
sobrevivieron Maria Anna, apodada
cariñosamente Nannerl, y Wolfgang Amadeus.
Fue bautizado en la catedral de San Ruperto el día
después de su nacimiento con los nombres de
Joannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus
Mozart; a lo largo de su vida firmaría con diversas
variaciones sobre su nombre original, siendo una de
las más recurrentes «Wolfgang Amadè Mozart».3
La casa natal de Mozart se encuentra en la
Getreidegasse de la ciudad de Salzburgo. Se trata de
una casa que actualmente cuenta con una gran
cantidad de objetos de la época e instrumentos que
pertenecieron a Mozart durante su niñez. Es uno de
los lugares más visitados de Salzburgo y una especie
de santuario para músicos y aficionados a la música
de todo el mundo.4
Leopold componía y daba clases de música. El año
del nacimiento de Wolfgang publicó un exitoso tratado
para la interpretación del violín titulado Versuch einer
gründlichen Violinschule. Después del nacimiento de
Wolfgang abandonó todo, salvo las tareas propias de
su cargo, para dedicarse de manera exclusiva a la
formación de su hijo. Fue exigente como padre y
como profesor y en todo momento estuvo al tanto de
la formación de Wolfgang, para guiarlo como hombre
y como artista.
Nannerl y Wolfgang Amadeus mostraron desde muy
pequeños facultades para la música. Nannerl
comenzó a recibir clases de teclado con su padre
cuando tenía siete años y su hermano, cuatro años y
medio menor que ella, la miraba evidentemente
fascinado. Años después de la muerte de su hermano
ella rememoró:
A menudo pasaba mucho tiempo en el teclado, eligiendo terceras, que a él siempre le sorprendían y mostraba con placer que el sonido le gustaba. [...] En su cuarto año de edad, su padre comenzó a enseñarlo, como un juego, a interpretar unos minuetos y otras piezas en el teclado. [...] Podría tocarlo impecablemente y con la mayor delicadeza y manteniendo exactamente el tempo. [...] a la edad de cinco años ya componía pequeñas piezas, que interpretaba para su padre, al que estaban dedicadas.3
Entre esas pequeñas piezas se encuentran
el Andante para teclado en do mayor,Köchel
Verzeichnis (KV) 1a, y el Allegro para teclado en do
mayor, KV 1b.
Cuando Wolfgang Amadeus tenía cuatro años tocaba
el clavicordio y componía pequeñas obras de
considerable dificultad; a los seis, tocaba con
destreza elclavecín y el violín. Podía leer música a
primera vista, tenía una memoria prodigiosa y una
inagotable capacidad para improvisar frases
musicales.
Definitivamente no era un niño común. Su progenitor
era un hombre inteligente, orgulloso y religioso. Creía
que los dones musicales de su hijo eran un milagro
divino que él, como padre, tenía la obligación de
cultivar.5 Cuando el niño iba a cumplir seis años de
edad, Leopold decidió exhibir las dotes musicales de
sus hijos ante las principales cortes de Europa.
Según los primeros biógrafos de Wolfgang, su padre
«quiso compartir con el mundo el milagroso talento de
su hijo...». Leopold creyó que proclamar este milagro
al mundo era un deber hacia su país, su príncipe y su
Dios, por lo que tenía que mostrarlo a la alta
sociedad europea, ya que de otra manera él sería la
criatura más ingrata.6
El biógrafo Maynard Solomon afirma que mientras
Leopold era un profesor fiel a sus hijos, existen
evidencias de que Wolfgang trabajaba duramente
para avanzar más allá de lo que le enseñaban.7 Su
primera composición impresa y sus esfuerzos
precoces con el violín fueron por iniciativa propia y
Leopold se vio fuertemente sorprendido. Padre e hijo
tenían una relación muy estrecha y estos logros de
niñez hicieron llorar de alegría a Leopold más de una
vez.3
Finalmente Leopold dejó de componer cuando el
excepcional talento musical de su hijo se hizo
evidente.8 Él era el único profesor de Wolfgang en
sus primeros años y le enseñó música, así como el
resto de asignaturas académicas.
Jorge sarmiento
Sarmientos nació en el municipio de San Antonio
Suchitepéquez, departamento de Suchitepéquez, en
19311 y desde muy temprana edad participó con la
Marimba Ideal, del maestro Domingo Bethancourt.2 El
artista inició sus estudios de música en el
Conservatorio Nacional deGuatemala.Nota 1 Tras
perfeccionar el saxófono y el clarinete, se graduó
como pianista. Su educación musical en Guatemala
fue completa pero visitó otros países para enriquecer
sus conocimientos no sólo como pianista sino
también como director de orquesta.1
Ganó varios premios en composición y fue becado
para estudiar en la Escuela Normal Superior de
Música, en París, Francia, y posteriormente, en
el Instituto Torcuato di Tella, en Buenos
Aires, Argentina. Más adelante en su vida tomó
cursos de perfeccionamiento con Pierre
Boulez y Sergiu Celibidache.3
Después, fue nombrado Director Artístico de la
Orquesta Sinfónica Nacional de Guatemala de 1972 a
1991. Actuó también como director huésped en
numerosos países de América Latina, así como en
Estados Unidos, Francia, Israel y Japón. Como
director, ejerció un amplio repertorio, que además de
incluir las grandes obras europeas y la obra propia,
ha ofrecido al público valiosas obras de compositores
latinoamericanos.3
Japón fue uno de los países donde siempre se le
recibió con los brazos abiertos desde que compuso
una pieza por el 50 aniversario de la explosión de
la bomba atómica en Hiroshima. En ese país sus
composiciones son interpretadas por varios músicos,
entre ellos la famosa pianista Kumi Miyagawa, e
incluso grabó un disco compacto con obras del
guatemalteco.2
Enrique anleu
Enrique Anleu Díaz es un artista plástico, escritor,
maestro y músico guatemalteco, es un destacado
compositor musical, fue investigador etnomusicólogo
en el Centro de Estudios Folclóricos de laUniversidad
de San Carlos de Guatemala (Móbil. 2002).
Anleu estudió Pintura, Dibujo, Grabado, Historia del
Arte, Composición, Pintura al desnudo y Paisaje en
la Escuela Nacional de Artes Plásticas. Se graduó de
Maestro en Arte (Móbil, 2002).
Estudió en la ENAP a mediados de los años 50.
Maestro en Arte especializado en artes plásticas. Ha
sido un destacado exponente de la generación del 60,
perteneció al círculo Valenti (Móbil, 2002).
Su obra puede apreciarse en galerías de Bancos del
Sistema nacional, en museos de Arte y de la
Universidad de San Carlos de Guatemala, en
colecciones particulares de Guatemala, América,
Europa y Asia. Ha realizado exposiciones personales
a nivel nacional e internacional (Galería de Arte
dieAugen, s.f.).
Ha recibido varias distinciones entre la que se
encuentran la de Emeritissimum de la Universidad de
San Carlos de Guatemala, el Gran Premio Festival
Internacional de Cagnes Sur Mer, Francia 1974,Glifo
de Oro, Premio Único de Grabado y la Bienal de Arte
Paiz 1983 (Galería de Arte dieAugen, s.f.).
Anleu es un destacado compositor musical, estudió
en el Conservatorio Nacional de Guatemala y
Dirección Orquestal con Hanz Swarowsky, en Buenos
Aires, Argentina. Ha sido miembro de la Orquesta
Sinfónica Nacional, la cual ha dirigido innumerables
veces y también ha dirigido la Orquesta de Cámara
del Conservatorio. Ha escrito música de Cámara,
solística y orquestal. Escribió el libro La Historia de la
Música en Guatemala (Móbil. 2002).
Entre la obra musical más reconocida del maestro
Anleu Díaz destacan: Divertimento para orquesta de
cuerdas, Soliloquio para orquesta, Primera Sinfonía,
Convergencias para Viola y Orquesta, La Atlántida -
Sinfonía-, Meditación Judía y otras (Móbil, 2002).
Joaquin Orellana
Joaquín Orellana (Guatemala, 1937) es un
compositor y músico guatemalteco que nació
enGuatemala en el año 1937. Para su formación
musical realizó estudios en el Conservatorio Nacional
de Música de Guatemala y en el Instituto Torcuato di
Tella en Buenos Aires, Argentina. Además de sus
estudios musicales, Orellana también cursó estudios
de lingüística estructural, técnicas audiovisuales y
filosofía del arte.
Para el año 1972, Orellana forma el Grupo de
Experimentación Musical y el cuarteto Remembranza,
e inicia con el diseño y construcción del primer útil
sonoro (Cofiño, 1998).
Joaquín Orellana ha compuesto música de cámara,
obras para piano, canto y piano, orquesta, música
coral, para coro y orquesta y música incidental para
teatro. Según Cofiño (1998), dentro de la obra de
música electroacústica de Joaquín Orellana se
encuentran: Metéora -1968-, Humanofonía -
1971-,Primitiva -1973-, Asediado asediante -
1975-, Imposible a la X -1980- y La rueda sin fin de
los Katunes-1984-. Dentro de la obra experimental de
Orellana, para instrumentos creados por el
autor útiles sonoros, se encuentran: Cantata
dialéctica -1974- Primitiva
grande (1975), Tzulumanachí -1978-,Santanadasatan
-1981-, Híbrido a presión -1982- y Evocación
profunda y traslaciones de una marimba -1984-.
Alcance de su obra
En 1965, su obra musical fue presentada en el II
Festival Interamericano de música en Washington,
Estados Unidos. En 1967 su obra Imposible a la X fue
incluída en el disco de la colección Música Nueva
Latinoamericana, publicado en Uruguay. Dicha obra
se ha vuelto a publicar desde 1980 en Francia,
Holanda y Alemania. En 1979 fue premieda su obra
“Rupestre en el futuro” con una mención honorífica en
el VI Congreso Internacional de Música
Electroacústica en Bourges, Francia. También ha
realizado importantes aportaciones a nivel
internacional en países como Uruguay y Brasil, en
distintos festivales y seminarios (Cofiño, 1998).
Igor de gandarias
Nació en ciudad de Guatemala en 1953. Es doctor en
Artes Musicales por la
Universidad Católica de América, en Washington, con
especialización en música
electroacústica y música latinoamericana. En la
actualidad se desempeña como
docente e investigador en la Universidad de San
Carlos de Guatemala. Su producción
compositiva muestra interés por proyectar esencias
culturales de raíz indígena y
mestiza de la sociedad guatemalteca. Ha creado una
serie de instrumentos derivados
de instrumentos musicales de la tradición oral.
Desde 1980 sus composiciones han sido presentadas
en festivales internacionales y
encuentros de compositores en diversas ciudades de
Latinoamérica, Europa y Estados
Unidos, obteniendo premios en el Certamen
Centroamericano “15 de Septiembre”
(1979, 1984) y el Concurso Internacional de música
Electroacústica de Bourges (2006).
Desde 1982 trabaja junto al cineasta Guillermo
Escalón en la propuesta estética Música
para Ver, integrando sonido e imagen a partir de
producciones multimediales sobre
aspectos de la cultura latinoamericana.
Ha publicado seis libros que contienen más de un
centenar de piezas inéditas de
música vocal, de cámara y orquestal de compositores
guatemaltecos de los dos últimos
siglos. Es artífice de la reimpresión y estudio de
valiosos documentos de la historia de la
música centroamericana creados por José
Escolástico Andrino (1847), José Sáenz
Poggio (1877) y Rafael Vásquez (1925). El primero
de estos trabajos obtuvo un
reconocimiento en el Concurso internacional de
Musicología de Casa de las Américas
en 2008.
