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ÍNDICE UNA NOCHE EN EL CANAL PÁG. 2

LA CENA PÁG. 3

XVII FESTIVAL FLAMENCO CAJA MADRID PÁG. 6

TEATRALIA PÁG. 8

LOFT PÁG. 9

MICHI NU SURA PÁG. 11

IL BRUTTO ANATROCCOLO PÁG. 13

EL CIRC DE SARA PÁG. 15

CALLEJÓN SIN SALIDA PÁG. 17

ÜBERRASCHUNG PÁG. 19

86 CM PÁG. 21

TAC TAC PÁG. 23

ORCAM + CELIA ALCEDO PÁG. 25

CICLO DE MÚSICA DE CÁMARA 2009 PÁG. 29

FESTIVAL INTERNACIONAL MADRID EN DANZA PÁG. 32

COMPAÑÍA PROVISIONAL DANZA PÁG. 33

BALLETS DE MONTE-CARLO PÁG. 35

COMPAÑÍA LARUMBE DANZA PÁG. 36

WAYNE MCGREGOR / RANDOM DANCE PÁG. 38

MERCE CUNNINGHAM DANCE COMPANY PÁG. 39

ARRIERITOS PÁG. 41

FUENTEOVEJUNA PÁG. 43

TRASMÚSICA PÁG. 46

SUMA FLAMENCA PÁG. 48

ORCAM XXI PÁG. 49

OPERADHOY PÁG. 51

MASSACRE PÁG. 52

SOL DE INVIERNO PÁG. 54

NIEBLA PÁG. 56

VIVA MADRID PÁG. 58

CERTAMEN DE COREOGRAFÍA DE DANZA ESPAÑOLA Y FLAMENCO PÁG. 60

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UNA NOCHE EN EL CANAL GALA INAUGURAL

SALA A Y SALA B – 20, 21 Y 22 DE FEBRERO

"Música, canto, danza y drama, mezclados en un acto en el que, a

través de una breve acción coordinada en las dos salas, se mostrarán los distintos géneros que abarcará la programación de los teatros"

(Albert Boadella) FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Intérpretes: Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid Coro de la Comunidad de Madrid Compañía Losdedae Yllana Teatro Meridional Impromadrid Teatro Mezzosoprano Tenor Diseño de escenografía Juan Sanz

Miguel Ángel Coso Diseño de vestuario Elisa Sanz Dirección musical Manuel Coves Ayudante de dirección Marina Bollaín Dirección artística Albert Boadella

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LA CENA COMPAÑÍA ELS JOGLARS

DIRECCIÓN: ALBERT BOADELLA

SALA A - DEL 26 DE FEBRERO AL 12 DE ABRIL

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Dirección, dramaturgia y escenografía Albert Boadella Actores y personajes: Ayudante de cocina A. Balaguer Jesús Agelet Ayudante de cocina P. Mányez Xavier Boada Chef Jordi Blas Jordi Costa Maestro Rada Ramón Fontserè Pastelera Aneth Spiess Minnie Marx Slym Lluís Olivé Ministra de Medioambiente Pilar Sáenz Juez Xavi Sais Directora general de Paradores Dolors Tuneu Ayudante de dirección Xavier Vilà Asistente a la dirección Martina Cabanas Asesoría artística Dolors Caminal Vestuario Elisa Echegaray Colaboración coreográfica Anna Briansó Coordinación escenográfica Jordi Costa Sonido Carlos Nàger Iluminación Fer Lázaro

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Regiduría Jesús Díaz-Pavón Coordinación técnica Francesc Picola Atrezo Jesús Agelet Diseño gráfico Jaume Bach Fotografía David Ruano Prensa y comunicación Cristina Ferrández Coordinación giras Alba Espinasa Producción ejecutiva Josep M. Fontserè Producción Els Joglars Otros personajes interpretados por los mismos actores: Matilde, mujer de la limpieza, subdelegado, Ceballos, bedel, Directores/as generales, operarios, Secretario general de Medioambiente, traductor, arquitecta, funcionaria del Parador, estatuas humanas, Ileana, camareros/as, Dalai Lama, niña, esquimal, ángel de Fra Angélico, equipo de investigación medioambiental, Sparafucile, Galileo, cardenales, Papa y monjes dominicos. SOBRE EL ESPECTÁCULO La cena es una sátira que se desarrolla en distintos ámbitos centrados en el tema del medio ambiente y el cambio climático. La obra se inicia a través de la preparación de una cumbre internacional sobre cuestiones climáticas celebrada en un Parador Nacional, y en la que, el Gobierno español, se responsabiliza de la cena de clausura.

En dicho ágape, se pretende deslumbrar a los mandatarios extranjeros ofreciendo un menú encomendado a un genio gastronómico, como demostración de alta cocina vanguardista respetuosa con la ecología y el medioambiente. Éste es el motivo bajo el que se inicia la obra y a través del cual, nos va introduciendo en algunos de los aspectos esenciales del tema:

- La impostura y la frivolidad con que las administraciones políticas tratan las cuestiones que tienen que ver con la naturaleza y el medioambiente.

- El fomento de los temas ecológicos y del cambio climático, promovidos en versión catastrofista, lo cual engendra una nueva moda que inspira su tratamiento como forma contemporánea de religión.

- La disposición de la gente a seguir a cualquier quimérico o astuto majadero publicitado por los medios y decidido a subyugarles invocando una razón de orden superior. En este caso, el pretexto es la supuesta destrucción del planeta.

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En definitiva, siempre nos quedará la sátira como respuesta civilizada a la impostura. Confiamos en que la ola de puritanismo no pretenda ahora legislar contra el humor sobre los nuevos tartufos, disfrazados hoy de paladines del altruismo y el progreso sostenible.

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XVII FESTIVAL FLAMENCO CAJA MADRID 2009

SALA B – 26, 27 Y 28 DE FEBRERO SALA A – 2 DE MARZO

FESTIVAL FLAMENCO CAJA MADRID

El Festival Flamenco Caja Madrid, que es un proyecto de su Obra Social, arranca en el año 1993, en el antiguo Teatro Alcalá. A partir del año 1996, se establece la colaboración con la Consejería de Cultura de la Comunidad de Madrid.

Las líneas de programación han resultado del gusto de todos los aficionados y su éxito radica quizás en que la principal característica sea que su temática radique en el flamenco tradicional, con las aportaciones actuales de los artistas participantes y la presencia de las tres facetas del arte flamenco: cante, guitarra y baile. Igualmente se ha tenido en cuenta la inclusión en el programa de algún artista flamenco nacido o que vive en Madrid, sin olvidar contar con jóvenes flamencos. Sobre todo, lo que se ha buscado siempre es la calidad artística del programa, que se mantiene año tras año, como prueba el importante elenco de artistas y compañías que han pasado por el festival, con actuaciones y espectáculos memorables y la gran entrega de los mismos en todas sus interpretaciones.

Por el cartel presentado, el éxito de público y por intentar siempre una esmerada producción con un sonido de calidad, el festival se ha ganado, a lo largo de los años, un hueco de importancia en el panorama cultural nacional, al que se desplazan muchos aficionados de todas las localidades e incluso del extranjero y goza de un reconocido prestigio a nivel internacional.

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Una de las características del festival es la concesión del Galardón Flamenco Calle de Alcalá por un reconocido jurado que concede este premio de carácter honorífico a artistas que han desarrollado su trabajo mayoritariamente en Madrid, turnándose el cante, la guitarra y el baile, y que este año ha recaído en el afamado cantaor José Mercé. Los anteriores galardonados fueron: en el cante, Manuel Soto "Sordera de Jerez", José Menese, Enrique Morente, Carmen Linares y Chano Lobato; los guitarristas Juan Carmona "Habichuela", Paco de Lucía, Manolo Sanlucar, Paco Cepero y Víctor Monge “Serranito”; y en el baile Eduardo Serrano "El Güito", Blanca del Rey, Antonio Gades, Mario Maya, Pilar López y Merche Esmeralda. El Festival de este año se traslada al nuevo emplazamiento de los Teatros del Canal, donde habrá una nueva cita con el mejor arte flamenco en su decimoséptima edición, con el cante flamenco como referencia importante de todo el festival, en el que participarán nombres de absoluto nivel, con voces de hombre y mujer, magníficas guitarras de acompañamiento y la muchas veces ignorada guitarra en concierto. A lo largo de estos 16 años han participado numerosos artistas de gran calidad como Fosforito, La Paquera de Jerez, Pedro Bacán, Javier Barón, Tomatito, Fernanda de Utrera, Chocolate, Agujetas, Antonio Canales, Miguel Poveda, Enrique de Melchor, Manolete, María Pagés o Estrella Morente, entre otros muchos.

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TEATRALIA XIII FESTIVAL DE ARTES ESCÉNICAS PARA NIÑOS Y JÓVENES

SALA B – DEL 6 AL 29 DE MARZO

CENTRO COREOGRÁFICO – 6, 7, 8, 13, 14, 15, 18,19 y 20 DE MARZO Sala B Días 6, 7 y 8 de marzo: Loft Días 9, 10 y 11 de marzo: Michi nu Sura (El viaje) Días 12, 13, 14 y 15 de marzo: Il brutto anatroccolo (El patito feo) Días 17, 18, 19, 20 y 21 de marzo: El circ de Sara Días 25, 26, 27 y 28 de marzo: Callejón sin salida Centro Coreográfico Días 6, 7 y 8 de marzo: Überraschung (Sorpresa) Días 13, 14 y 15 de marzo: 86 cm Días 18, 19 y 20 de marzo: Tac-tac

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TEATRALIA

LOFT CIE LES 7 DOIGTS DE LA MAIN

SALA B – 6, 7 y 8 DE MARZO

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Interpretación, creación y dirección Emilie Bonnavaud

Isabelle Chassé Patrick Léonard Faon Shane Sébastien Soldevila Samuel Tétreault Meaghan Wegg

Escenografía André Labbé

Les 7 doigts de la main Creación de vestuario Manon Desmarais

Judy Jonker Hélène Tessier Les 7 doigts de la main

Creación musical DJ Pocket

Erich Kory Creación de luces Jean Laurin

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Dirección técnica Yves Touchette Dirección de imagen y realización Olivier Tétreault Dirección ejecutiva Nassib El Husseini Desarrollo de gira Tina Diab Eventos especiales Sophie Picard Comunicación Marion Bellin Relaciones públicas Lynne ter Metz Coordinación de operaciones Fanny Perret Recursos humanos Marc Arsenault País: Canadá Género: circo Idioma: español Edad mínima recomendada: 5 años Franja de edad recomendada: a partir de 5 años Duración aproximada: 1 hora y 30 minutos SOBRE EL ESPECTÁCULO Un loft ocupado por siete amigos íntimos que, para no distraerse, se han aislado voluntariamente del aplastante mundo exterior. Se entretienen con objetos tan diversos como manzanas y cuchillos, bañeras y zapatos, mientras expresan sus esperanzas y deseos a través de la acrobacia, el malabarismo, el clown, la danza aérea, la poesía y la música. Como en la vida, su estado de ánimo pasa rápidamente de ser sumamente romántico a ser caóticamente anárquico. Después de atravesar una serie de escenas improbables, el espectáculo termina como comenzó, con un grupo de amigos sentados en un loft, ahora en distintos lugares que al comienzo de la obra. Han entrelazado aún más sus vidas, al tiempo que da comienzo un nuevo ciclo.

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TEATRALIA

MICHI NU SURA (EL VIAJE) KIJIMUNA DANCE AND MUSIC TROUPE

SALA B – 9, 10 y 11 DE MARZO

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Autor y dirección Megumi Tomita Bailarines Kaname Goya

Wakako Komine Ayano Nishimura Haruka Oshiro Akino Tamashiro Natsuki Yamashiro Wakana Nagayama

Músicos Hideki Hanashiro Taisuke Yonaguni Kumiko Higa

Coreografía Kaname Goya Dirección musical Hideki Hanashiro Diseño de iluminación Yoshimi Sakamoto Dirección de escena Takayuki Inomata Creación de escena Tomoyuki Ikeda Realización de escenografía Tidamoon

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País: Japón Género: danza y música Idioma: sin palabras excepto canciones, en dialecto de Okinawa y algunas frases en español Edad mínima recomendada: 5 años Franja de edad recomendada: a partir de 5 años Duración aproximada: 40 minutos SOBRE EL ESPECTÁCULO El tema de Michi nu Sura es el de "pasear juntos", "trabajar juntos" o en otras palabras, “vivir juntos". Cada persona va por su propio camino, a su propia velocidad. Todos deberíamos poder hacerlo así, y en el pasado solíamos hacerlo. En los últimos años, sin embargo, algunas personas se han visto forzadas a cambiar su forma de caminar. Está interpretado por siete bailarines y tres músicos que expresan la vida de la gente de Okinawa, empleando movimientos de baile clásico de la región. Todas las canciones están escritas en el dialecto propio y los instrumentos empleados son el sanshin (el instrumento de cuerda de Okinawa), el violín chino, la flauta, el tambor y las palmas. En cada escena, los artistas se cambian de traje para interpretar a pescadores, a agricultores, a miembros de la realeza, etc.

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TEATRALIA

IL BRUTTO ANATROCCOLO (EL PATITO FEO) TEATRO DELLE BRICIOLE SOLARES FONDAZIONE DELLE ARTI

SALA B – DEL 12 AL 15 DE MARZO

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Intérpretes Elena Gaffuri

Claudio Guain Piergiorgio Gallicani

Autor Marina Allegri Escenografía Maurizio Bercini Vestuario Patrizia Caggiati Luces Christian Peuckert Sonido e iluminación Jan Olieslagers Dirección Maurizio Bercini País: Italia Género: teatro Idioma: español Edad mínima recomendada: 3 años Franja de edad recomendada: de 3 a 7 años Duración aproximada: 1 hora

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SOBRE EL ESPECTÁCULO Con más de 30 años de historia, el Teatro de Briciole es "patrimonio" del teatro italiano. Una compañía que lleva de gira por Italia y Europa espectáculos y artistas que han conformado la historia del teatro para niños. En esta ocasión el espacio provoca una profunda fractura en nuestros sentimientos. La decisión entre quedarnos en el nido blando, seguro y sin tropiezos, y la voluntad de emprender nuestro propio camino corresponde al duro momento de crecer. En un país de hielo, una casa de madera esconde en su interior el corazón mecánico de un péndulo de cuco que mide el tiempo de la historia con golpes muy marcados. La casa da vida y calor a tres personajes: un hombre viejo y flaco, el Señor Hans, y sus dos asistentes, el Señor Tric y la Señora Trac.

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TEATRALIA

EL CIRC DE SARA ATENEU POPULAR 9 BARRIS

SALA B – DEL 17 AL 21 DE MARZO

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Autores Piero Steiner

Ricard Panadès Intérpretes Sarina Röhr

Ondine awen Korn Lorenzo Mastropietro Salvatore Adrià Cordoncillo Philine Dahlmann Elske Van Gelder Frédéric Filiatre

Diseño de escenografía Aina Cordoncillo Creación musical Frédéric Filiatre Diseño de iluminación Francis Baena Diseño gráfico Aina Cordoncillo Producción Ateneu Popular 9 Barris Dirección Piero Steiner Técnico de sonido Pau Josa Técnico de iluminación Manuel Martinez Realización de escenografía Marulo

Luisillo

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País: España Género: circo Idioma: español Edad mínima recomendada: todos los públicos Franja de edad recomendada: todos los públicos Duración aproximada: 1 hora y 15 minutos SOBRE EL ESPECTÁCULO El Ateneu Popular 9 Barris (1977) es hoy en día una verdadera factoría de circo, cubriendo casi todos sus ámbitos: desde la formación hasta la creación, producción y programación de espectáculos de circo. El circo ¿un espectáculo o una manera de vivir? Sara, desde pequeñita, quería ver el mar, y el circo era un vehículo ideal. Y Antonio... era tan guapo... Aquella noche en la periferia de la gran ciudad todo cambió, bruscamente, sin previo aviso. ¡Antonio y el león desaparecieron! Ahora, pasados los años, se vuelven a encontrar en el mismo lugar y los fantasmas de las preguntas emergen con fuerza. También Luca y Rico, los hijos de Sara, que han crecido con el circo, buscan respuestas. Pero, ¿de qué sirve romperse la cabeza, cuando lo que cuenta es hacer la función para poder vivir? ¿Qué espacio puede ocupar el material incomprensible del pasado cuando el presente se impone con tanta rotundidad?

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TEATRALIA

CALLEJÓN SIN SALIDA AMORES GRUP DE PERCUSSIÓ + SUPREMOS

SALA B – DEL 25 AL 28 DE MARZO

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Autor Amores Grup de Percussió Intérpretes J. S. Chapi

Ángel García Pau Ballester María Muñoz Manuel Corner Raúl Fernández

Diseño de escenografía Alejandro Jornet Paula Miralles

Diseño de atrezo Pepe Brumós Alba Ghilardi

Diseño de vestuario Paula Miralles Creación musical Jesús Salvador “Chapi” (Obra encargo Del I.V.M.) Dirección musical Jesús Salvador “Chapi” Diseño de iluminación Víctor Antón Diseño de sonido David Alarcón / Audio Net Diseño gráfico Assad Kassab Producción Inma Soler-Turiarte Servicios S.L. Dirección Alejandro Jornet

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Técnico de sonido Audio-Net Técnico de iluminación Víctor Antón Realización de escenografía Pepe Brumós Realización de vestuario Paula Miralles Realización de atrezo Alba Ghilardi País: España Género: música y break-dance Idioma: español Edad mínima recomendada: 13 años Franja de edad recomendada: de 13 a 17 años Duración aproximada: 1 hora y 10 minutos SOBRE EL ESPECTÁCULO Ciudad, respiración de la ciudad, coches, sirenas, aeropuertos, supermercados, ambulancias, ruido, metro, sirenas, hormigón, hip hop, baile, grafiti, rap, el llanto de un bebé, grúas, polución, estrés, despertadores, prisa, hospitales de paso, jardines sin flores, lágrimas, no hay salida, no hay salida... Suena la metrópoli con ecos prófugos y se producen densas y rimadas coreografías, la gente se aglutina y transita sin rumbo ni destino manipulada por la vorágine que nos conduce… La música, la danza callejera y la especulación con las singularidades del ruido son los protagonistas del espectáculo.

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TEATRALIA

ÜBERRASCHUNG (SORPRESA) DSCHUNGEL WIEN

CENTRO COREOGRÁFICO – 6, 7 Y 8 DE MARZO

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Intérpretes Adrianna Cubides

Raul Maia Matthias Jakisic

Vestuario Meike Sasse Música Matthias Jakisic Creación de iluminación, sonido y diseño gráfico Stefan Enderle Producción Julia M. Tauber Técnico de iluminación y sonido Stefan Enderle Dirección Stephan Rabl País: Austria Género: danza-teatro con música en vivo Idioma: sin palabras Edad mínima recomendada: 2 años Franja de edad recomendada: a partir de 2 años Duración aproximada: 50 minutos

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SOBRE EL ESPECTÁCULO Las sorpresas son lo mejor del día. La mayor parte de las sorpresas ocurren como por arte de magia, sin planificación previa. Las sorpresas más hermosas no son intencionadas, ni siquiera deseadas. Las sorpresas más pequeñas nos dan el mayor placer y las más grandes nos asombran. También hay sorpresas extrañas que no son tan agradables. Hay sorpresas que no deseamos y por las que no nos preocupamos. ¿Pero cómo suenan las sorpresas en realidad? ¿Hacen ruidos las sorpresas? ¿Pueden varias sorpresas formar una melodía? La pieza Überraschung conduce a los espectadores por un mundo extraordinario lleno de sorpresas. Desde su creación en 2004 Dschungel Wien se ha convertido en una formación referente en el teatro para niños y jóvenes en Austria y en el extranjero, por su trabajo innovador de alta calidad.

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TEATRALIA

86 CM COMPAGNIE S’APPELLE REVIENS

CENTRO COREOGRÁFICO – 13, 14 Y 15 DE MARZO

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Intérpretes Yann Nédelec (actor)

Eric Recordier (músico) Boualem Bengueddach (paseante)

Escenografía Jane Joyel Vestuario Mariane Delayr Fotografía Elisabeth Carecchio Iluminación Gabriel Burnod Música Eric Recordier Administración Laure Felix Dirección de gira Boualem Bengueddach Dirección Alice Laloy País: Francia Género: teatro/ manipulación de objetos Idioma: español Edad mínima recomendada: 18 meses Franja de edad recomendada: de 18 meses a 5 años Duración aproximada: 30 minutos

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SOBRE EL ESPECTÁCULO ¿Puede causar el batir de alas de una mariposa un cataclismo a kilómetros de distancia como dice la teoría? La compañía experimenta, se divierte, enfrentando las pequeñas y las grandes cosas, desmontando la mecánica del mundo. Sobre una pista de circo en miniatura: un enorme globo, burbujas, una pelota, una gran regadera, cientos de dominós, y... una regadera, más pequeña en este caso, máquinas, un alambre, una mariposa, globos que dan vueltas... y de nuevo una regadera: tan pequeña... Estos pequeños objetos manipulados a distancia por el paseante, el que tira de las cuerdas, sorprenden al cándido que reacciona y que hace que cambien los acontecimientos.

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TEATRALIA

TAC TAC ARACALADANZA

CENTRO COREOGRÁFICO – 18, 19 Y 20 DE MARZO

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA

Autor y dirección Enrique Cabrera Bailarinas Carolina Arija Gallardo

Jimena Trueba Toca Noelia Pérez Gil Raquel de La Plaza Húmera Pili Abaurrea Zardoya

Diseño de vestuario y escenografía Elisa Sanz Música original Mariano Lozano P. Ramos Diseño de iluminación Pedro Yagüe Diseño gráfico Marco Landwehr Producción Aracaladanza, S.L. Técnico de iluminación Lalo Gallego Realización de escenografía Proescen Realización de vestuario Petra Porter Realización de atrezo Proescen

País: España Género: danza contemporánea para bebés Idioma: sin palabras Edad mínima recomendada: 0 años Franja de edad recomendada: de 0 a 3 años Duración aproximada: 25 minutos

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SOBRE EL ESPECTÁCULO Fantasía, imaginación y magia. Estos son los ingredientes esenciales del trabajo de Aracaladanza, compañía de danza contemporánea madrileña, conocida por sus propuestas serias y rigurosas que resumen las palabras de su director: “Nos complace observar en cada función los rostros admirados de los niños, su contagio por el movimiento de las bailarinas, sus enormes ojos abiertos, sus sonrisas y sus ganas incluso de entrar en escena”. El trabajo pionero realizado en España por la compañía dirigida por Enrique Cabrera se ha convertido en referente nacional e internacional. El Reino Unido ha mostrado un especial interés por el compromiso desarrollado por Aracaladanza en los últimos 12 años de su existencia (apoyo a la nueva creación; formación profesional y artística; fomento de nuevos públicos; creación independiente, artesanal y precisa; desarrollo de equipos artísticos…). De hecho, Aracaladanza colabora de manera estrecha con DanceEast, DancexChange y con Lakeside Arts Centre de la Universidad de Nottingham.

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ORQUESTA DE LA COMUNIDAD DE MADRID CELIA ALCEDO, SOPRANO

DIRECCIÓN: JOSÉ RAMÓN ENCINAR

SALA A – 23 DE MARZO

PROGRAMA I. * Estrambote, de J. Bautista (1901-1961) * El sombrero de tres picos, de M. de Falla (1876-1946) II. * Sinfonía nº 5 en Do menor Op. 67, de L. van Beethoven (1770-1827) ORQUESTA DE LA COMUNIDAD DE MADRID Desde su creación en 1987, la Orquesta de la Comunidad de Madrid se ha distinguido por sus programaciones innovadoras, que siempre han combinado lo más destacado de la creación contemporánea con el repertorio tradicional. Sus conciertos semanales en el Auditorio Nacional de Música se han convertido en referencia y punto de encuentro de un público variado y dinámico, interesado en conocer todas las corrientes musicales y los constantes estrenos absolutos que incluyen sus diferentes ciclos de conciertos.

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El creciente número de abonados y el respaldo de los más exigentes medios especializados expresan el relieve social y artístico de sus actividades, que no se han limitado a su temporada de abono madrileña. Su presencia es requerida por festivales y eventos musicales de muy diversa índole. Las repetidas actuaciones en salas como el Palau de la Música de Valencia, Palacio de Festivales de Santander, Teatro Arriaga de Bilbao, Gran Teatro de Córdoba, Auditorio Manuel de Falla de Granada, Auditorio de Galicia, Palacio de la Ópera de La Coruña, Euskalduna, Kursaal y Auditori de Barcelona, han sido acogidas siempre con el máximo entusiasmo.

Su participación ha sido también requerida en diversas giras internacionales por países como Alemania, Francia, Italia, China o Estados Unidos. Entre ellas, hay que destacar actuaciones en lugares tan emblemáticos como el Carnegie Hall de Nueva York, el Teatro Bellas Artes de México D. F., Teatro La Fenice de Venecia, Konzerthaus de Berlín o Théatre du Châtelet de París. Especial resonancia tuvo la versión que ofreció de El martirio de San Sebastián de Debussy, en enero de 2002, bajo la dirección de Lorin Maazel.

La actividad discográfica y lírica tampoco resulta ajena a su diversificada labor. Además de ser la orquesta titular del Teatro Lírico de la Zarzuela (desde enero de 1998), se ha presentado en los fosos y escenarios de los más importantes certámenes españoles. Festivales como el de Otoño de la Comunidad de Madrid, Andrés Segovia, Santander, Música Contemporánea de Alicante, son algunas de las citas musicales en las que ha participado. En cuanto a su actividad discográfica, centrada en la música española, caben destacar las grabaciones junto a artistas de la talla de Plácido Domingo o Rolando Villazón.

El prestigio creciente aunque ya consolidado de la orquesta ha posibilitado la presencia en su podio de importantes figuras de la dirección de orquesta. El trabajo del director titular, José Ramón Encinar, se complementa con la colaboración regular de maestros invitados como Harry Christophers, Jean Jacques Kantorow, Isaac Karabtchevsky, Robert King, Jan-Latham Koening, Peter Maag, Lorin Maazel, Paul McCreesh, Shlomo Mintz, Andrew Parrot, Krysztof Penderecki, Barshai, Rilling, Libor Pesek o Alberto Zedda. En la nómina de directores españoles figuran, entre otros, Edmon Colomer, Rafael Frühbeck de Burgos, García Navarro, Miguel Ángel Gómez Martínez, Cristóbal Halffter, Jesús López Cobos, Ernest Martínez Izquierdo, Antoni Ros Marbà, Víctor Pablo Pérez y Josep Pons. No menos extensa resulta la relación de solistas, en la que cabe señalar a Aldo Ciccolini, Plácido Domingo, Shlomo Mintz, Joaquín Achúcarro, Pascal Rogé, Rolando Villazón o Hansjörg Schellenberger.

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La Orquesta desarrolla su labor gracias al generoso patrocinio de la Consejería de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid. Su fundador y primer director titular fue el maestro Miguel Groba, quien desempeñó este puesto hasta junio de 2000. Desde septiembre de 2000, el director madrileño José Ramón Encinar es responsable artístico y musical de la orquesta. La Orquesta de la Comunidad de Madrid es miembro de la Asociación Española de Orquestas Sinfónicas (A.E.O.S.). CELIA ALCEDO Nacida en Santurce (Vizcaya), lugar donde comenzó sus estudios de Canto y Piano. Posteriormente se traslada a Madrid, obteniendo Premio Extraordinario Fin de Carrera en el Conservatorio Provincial de Guadalajara y título de grado superior de Canto en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, siendo sus profesoras Á. Chamorro y M. del Pozo. Ha completado sus conocimientos en diversos cursos y clases magistrales en España, Italia y Alemania. Ha sido premiada por Juventudes Musicales de Barcelona dentro de los Cursos de Lied para dúos realizado en julio de 2001 por el profesor Wolfram Rieger en Altea (Alicante). En enero de 2002 obtuvo el segundo premio del I Concurso Internacional Joaquín Rodrigo, así como el premio al Mejor Participante de Nacionalidad Española y el premio al Intérprete Más Popular. Recientemente ha realizado una gira de recitales en los Institutos Cervantes de Marruecos difundiendo la música española del siglo XX. En diciembre de 1998 cantó en privado para los Reyes de Noruega en el Palacio Real de Oslo. JOSÉ RAMÓN ENCINAR

En 1954 nació en Madrid, en cuyo Conservatorio Superior de Música realizó parte de sus estudios, completando su formación en Milán y Siena con Franco Donatoni de quien fue asistente en la Academia Chigiana desde 1976 hasta 1982. En 1973 tomó la dirección del Grupo KOAN, dedicado a la interpretación de música del siglo XX con la que ha mantenido más de veinte años de actividad. Como director sinfónico ha estado al frente de la práctica totalidad de las orquestas españolas, con algunas de las cuales mantiene constante relación, como la Sinfónica de Madrid y la Sinfónica de Galicia.

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Fuera de España, su actividad se ha desarrollado en varias capitales europeas y americanas, al frente de orquestas como la Filarmónica de México, Nacional de Puerto Rico, Nacional Argentina, Radio de Cracovia, Nacional y de la Radio de Yugoslavia, English Bach Festival, Sinfónica de Londres, Santa Cecilia y RAI de Roma, Arturo Toscanini de Parma, RAI de Turín, Nápoles y Milán. En ópera se ha distinguido por su dedicación a la música contemporánea, con los estrenos de Kiu, El viajero indiscreto, La madre invita a comer y La señorita Cristina, de Luis de Pablo; Francesca, de Alfredo Aracil; El bosque de Diana, de García Román; Luz de oscura llama, de Pérez Maseda; El secreto enamorado, de Manuel Balboa; su propio Fígaro o el estreno del ballet de Carmelo Bernaola La Celestina. Asimismo ha dirigido recuperaciones de óperas poco habituales, como La Clementina, de Boccherini; La zapatera prodigiosa, de Juan José Castro; o Los amantes de Teruel, de Bretón, dirigiendo nuevas producciones de partituras líricas de Mozart, Salieri, Hindemith, Menotti, Strawinsky, Henze y Maderna, tanto en escenarios españoles como extranjeros. Ha merecido numerosos galardones como el Premio Ícaro (Diario 16), el de Composición Polifónica (Instituto de la Juventud), el de Composición de Música de Cámara (Confederación Española de Cajas de Ahorro), el Nacional de Música (Ministerio de Cultura) y el Premio Larios de Interpretación Musical (CEOE). Es miembro de la Real Academia de Bellas Artes de Granada. Desde enero de 2003 es Académico Electo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Entre 1982 y 1984 fue director titular de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria. Desde 1999 hasta 2001 ha sido director titular de la Orquesta Sinfónica Portuguesa y desde septiembre de 2000 lo es de la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid. En su catálogo de compositor pueden destacarse las siguientes obras: Cum plenus forem enthousiasmo, El aire de saber cerrar los ojos, Almost on stage, Io la mangio con le mani, Proyecto y Mise-en-scène.

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CICLO DE MÚSICA DE CÁMARA 2009 – JÓVENES INTÉRPRETES JOVEN ORQUESTA DE LA COMUNIDAD DE MADRID

SALA B – 22 DE MARZO, 5 DE ABRIL Y

10 DE MAYO JOVEN ORQUESTA DE LA COMUNIDAD DE MADRID La Joven Orquesta fue creada con el propósito de contribuir a la formación de los jóvenes instrumentistas madrileños en un marco de aprendizaje profesional de alta calidad técnica y artística. Su objetivo principal es ampliar y desarrollar los conocimientos musicales, a fin de facilitar a sus miembros un futuro acceso a las orquestas profesionales a través del conocimiento y la práctica del repertorio orquestal en todas sus facetas. La Joven Orquesta lleva funcionando desde el año 1991 y posee una extensa trayectoria en la formación de los jóvenes músicos madrileños. Ha ofrecido anualmente conciertos en el Auditorio Nacional de Música, en el Teatro Monumental, en la Red de Teatros de la Comunidad de Madrid y en salas del resto de España y Europa. La Joven Orquesta ha realizado conciertos en Berlín (Alemania), Belfort, Aix-en-Provence, Pennes Mirabeau y Aubais (Francia), y dentro de la programación del 7º Encuentro Internacional de Orquestas Jóvenes en Florencia, Arezzo y Montecattini (Italia). Además ha sido incluida en prestigiosos ciclos de conciertos: temporadas anuales de la ORCAM en el Auditorio Nacional de Música, temporada 2005 de

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Juventudes Musicales de Zaragoza, temporada 2006/2007 y 2007/2008 de la Universidad de Aragón dentro del Ciclo Internacional de Orquestas Jóvenes y Universitarias, etc. En septiembre de 2006 ha realizado un encuentro común con la Joven Orquesta del Principado de Asturias para la realización de dos conciertos, uno en el Auditorio Nacional de Música de Madrid y otro en el Auditorio Príncipe Felipe de Oviedo, en cuyo programa se incluía la 5ª Sinfonía, de G. Mahler. Durante las temporadas 2006/2007 y 2007/2008 ha realizado dos conciertos en Homenaje al Maestro colaborando con la Fundación de Ayuda contra la Drogadicción. Además, durante tres cursos ha desarrollado un proyecto pionero en España, junto a la Fundación Autor de la SGAE, para la grabación de música para cortometrajes del curso de música para cine que organiza dicha fundación. Este trabajo en conjunto fue presentado en las ediciones de 2006 y 2007 del Festival Internacional de Música para Cine. En la formación que ofrece la orquesta a sus integrantes, debe destacarse el trabajo que realizan los profesores especialistas, miembros de prestigiosas orquestas profesionales o solistas de renombre que imparten clases en los encuentros que periódicamente se convocan. Así también, se realiza anualmente un concurso entre los miembros de la orquesta; los ganadores interpretan un concierto con la orquesta como solistas a lo largo del siguiente curso. La Joven Orquesta ha contado con prestigiosos directores artísticos como Giuseppe Manccini, Vicente Sempere Gomis, Lorenzo Ramos y Yuri Nasushkin, siendo directores asistentes Santiago Serrate, Miguel Romea y Javier Castro Villamor. La orquesta, además, contó con la colaboración de destacados directores invitados: Enrique García Asensio, José Luis Temes, Pedro Halffter, José Ramón Encinar, José Nieto, Óscar Gershensohn, Miguel Groba, Manuel Guillén y José Mansergas. A partir de la temporada de conciertos 2007/2008 la orquesta ha contado con directores invitados para cada encuentro sinfónico, trabajando con ellos los maestros Lütz Koehler, Carlos Cuesta y Xavier Puig.

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En este momento la bolsa de instrumentistas que ha superado las pruebas de admisión y pertenece a la orquesta es de 138 alumnos, todos residentes en Madrid, con edades comprendidas entre los 15 y los 25 años, estudiantes de los últimos cursos de Grado Profesional y Grado Superior de las enseñanzas musicales. Las especialidades instrumentales son las de una plantilla de Orquesta Sinfónica (incluyendo el piano y el arpa) lo que permite una gran flexibilidad para elaborar programas diversos.

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XXIV FESTIVAL INTERNACIONAL MADRID EN DANZA

SALA A – DEL 17 AL 3 DE MAYO SALA B – DEL 14 AL 2 DE MAYO

Sala A Días 17, 18 y 19 de abril: Ballets de Monte-Carlo Días 24, 25 y 26 de abril: Wayne McGregor / Random Dance Días 30 de abril y 1, 2 y 3 de mayo: Merce Cunningham Dance Company Sala B Días 14 y 15 de abril: Compañía Provisional Danza Días 20 y 21 de abril: Compañía Larumbe Danza Días 1 y 2 de mayo: Compañía Arrieritos Actividades paralelas: Ensayos abiertos Jueves 16 de abril: Ballet de Monte-Crlo Miércoles 29 de abril: Merce Cunningham Dance Company Clases abiertas y clases magistrales 28 y 29 de abril: clases abiertas y clases magistrales de Merce Cunningham Dance Company

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MADRID EN DANZA

COMPAÑÍA PROVISIONAL DANZA SIN DIOS

COREOGRAFÍA: CARMEN WERNER

SALA B – 14 Y 15 DE ABRIL

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA

Coreografía Carmen Werner Intérpretes Lucio Baglivo

Tatiana Chorot Javier Ferrer Laura Marrero Javier Sangros Carmen Werner

Música original Masahiro Hiramoto Otras músicas Paul Anka: Put your head on my shoulder

The Puppini sisters: Mr. Sandman y Jeepers creepers Mozart: Sinfonía número 40

Dirección artística Carmen Werner Diseño de iluminación Pedro Fresneda Video promoción Diego Ortiz Ayudante de dirección Laura Marrero Dirección escénica Daniel Abreu Fotografía Elida Dorta

Piti Prieto

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SOBRE EL ESPECTÁCULO

Se dice de Dios en los salmos: (si no recuerdo mal)

“Él cuenta el número de las estrellas y a todas ellas llama por su nombre”

Y dice el Evangelio: “Hasta los pelos de vuestra cabeza

están contados” Si lo de la muerte de Dios es verdad

habría entonces muerto por accidente o eso nos harían creer.

(Daniel Franco)

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BALLETS DE MONTE-CARLO FAUSTO

COREOGRAFÍA: JEAN-CRISTOPHE MAILLOT

SALA A – 17, 18 Y 19 DE ABRIL

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA

Coreografía y puesta en escena Jean-Christophe Maillot Música Fran Listz Escenografía Rolf Sachs Vestuario Philippe Guillotel Iluminación Dominique Drillot

Con la participación de la Orquesta Filarmónica de Monte-Carlo y el Coro de la Ópera de Monte-Carlo. Dirección musical: Nicolas Brochot.

SOBRE LA COMPAÑÍA

En 1992, Jean-Christophe Maillot entró a formar parte de la compañía Ballets de Monte-Carlo como asesor artístico. En septiembre de 1993 fue oficialmente nombrado director-coreógrafo. Cuatro años más tarde, gracias a su visión y energía, los Ballets de Monte-Carlo dejaron su sede histórica, que para entonces se les había quedado pequeña, y se trasladaron a su propio centro de danza: L’Atelier. Más adelante, en diciembre de 2000, inauguran su primera temporada de ballet en el enorme escenario de la Salle des Princes en el Forum Grimaldi, el nuevo centro de congresos de Mónaco. Dos momentos claves en la historia reciente de los Ballets de Monte-Carlo, y el principio de una nueva era para la danza en Mónaco.

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COMPAÑÍA LARUMBE DANZA CON PERMISO

COREOGRAFÍA: DANIELA MERLO

SALA B – 20 Y 21 DE ABRIL

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Coreografía Daniela Merlo Bailarines Alejandro G. Iraguen

Julio C. Quintanilla María Arcos Javier San Martín Sara Mogarra Verónica Garzón Daniela Merlo

Música original Mauricio Corretje Otras músicas Vinicio Caposella

Claudio Arrau Joaquim & Saraste Popurrí de boleros Jeff Beck Jimmy Page & Eric Clapton

Vestuario Nikita Nipone Diseño de escenografía e iluminación Lía Alves

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Realización de escenografía Kike Rodríguez Sanz Audiovisual y multimedia Martín H. Kočka Coordinación técnica Lía Alves Técnicos Pablo Hernández

Martín H. Kočka Kike Rodríguez Sanz David Amandi

Administración Mamen Cáceres Asistente de producción Martín H. Kočka Promoción y distribución Lizbeth Pérez Dirección artística Daniela Merlo Dirección escénica, diseño de escenografía y producción Juan de Torres SOBRE EL ESPECTÁCULO Con permiso es un espectáculo planteado como un ejercicio sobre el absurdo. Porque, envueltos en las formas, formalidades, fórmulas, recetas y reglas de la vida y de la sociedad, a través de lo absurdo, al igual que en los sueños, rescatamos nuestra más profunda y personal realidad y la resolvemos a través de lo más intuitivo que hay en nosotros. El guión del espectáculo se inspira en la realidad vista a través de la imagen. De inspiración felliniana, se hilan y se tejen situaciones paradoxales sin otro fin que el de existir como tales, sin consecuencia argumental aparente o inmediata. Esa consecuencia se refleja en cambio en el movimiento, la coreografía, la música y la iluminación, que se dejan atrapar por ese principio de la absurdidad y la paradoja induciendo a que los cuerpos respondan a los impulsos involuntarios del gesto así como de los movimientos o las manifestaciones de la voz, más que a ciertos códigos técnicos y estilísticos.

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MADRID EN DANZA

WAYNE MCGREGOR / RANDOM DANCE ENTITY

COREOGRAFÍA: WAYNE MCGREGOR

SALA A – 24, 25 Y 26 DE ABRIL

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Coreografía Wayne McGregor, en colaboración

con los bailarines SOBRE EL ESPECTÁCULO Un díptico de obras opuestas interpretadas por diez bailarines y acompañadas por música en directo. Entity sigue las representaciones espléndidas de Chroma, la obra ganadora de un Premio Olivier que McGregor creó mientras fue coreógrafo residente del Royal Ballet. Wayne McGregor / Random Dance es compañía residente del Teatro Sandler’s Wells de Londres y es compañía asociada de DanceEast, Suffolk (Gran Bretaña). Wayne McGregor es el coreógrafo residente del Royal Ballet de Covent Garden, Londres.

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MADRID EN DANZA

MERCE CUNNINGHAM DANCE COMPANY COREOGRAFÍA: MERCE CUNNINGHAM

Foto: Rita Antonioli

SALA A – 24, 25 Y 26 DE ABRIL SOBRE EL ESPECTÁCULO Con más de 200 obras creadas, Merce Cunningham es uno de los coreógrafos vivos más prolíficos de nuestros días, y de los más reconocidos e innovadores de cualquier generación. Este legado de invención creativa continúa en la temporada 2008/2009, en la que Merce creará su obra más reciente. Todavía sin título y con una duración estimada de 90 minutos, esta obra se estrenará en una gala en el Brooklyn Academy of Music en abril 2009 para celebrar el 90 aniversario de Merce. La obra tendrá un significado muy importante, debido en parte a que su creación tendrá lugar coincidiendo con el 90 aniversario de uno de los coreógrafos más prolíferos y seguidos de nuestros días. Sin duda será una obra que llamará la atención tanto de los seguidores fieles de Cunningham como de los nuevos aficionados al mundo de la danza moderna, convirtiéndose en una conmemoración merecida de los 90 años de este gran artista.

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A lo largo de sus más de 60 años como coreógrafo, Cunningham ha sido puntero en la integración de otras artes gracias a sus colaboraciones con una gran variedad de artistas visuales. Para su próxima obra, CDF ha encargado la escenografía a Benedetta Tagliabue, la prestigiosa arquitecta afincada en Barcelona. Sus éxitos incluyen varios proyectos de alto perfil en toda Europa, como el Mercado y el barrio de Santa Caterina de Barcelona, la Escuela de Música de Hamburgo y el Ayuntamiento de Utrecht. Sus trabajos en las artes escénicas incluyen el diseño de la escenografía del estreno mundial de la ópera Don Quijote en Barcelona, en el Gran Teatro del Liceu de Barcelona. Es una coproducción de los Teatros del Canal, Barbican Center, Joyce Theatre, Brooklyn Academy of Music y Merce Cunningham Foundation.

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MADRID EN DANZA

ARRIERITOS EUROPA

COREOGRAFÍA: ELENA SANTONJA, FLORENCIO CAMPO, TERESA NIETO, PATRICIA TORRERO,

KELIAN JIMÉNEZ Y POL VAQUERO

SALA B – 1 Y 2 DE MAYO

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA

Bailarines y coreógrafos Elena Santonja Florencio Campo Teresa Nieto Patricia Torrero Kelian Jiménez Pol Vaquero

Música original Héctor González Bettina Flater Alfredo Valero Kelian Jiménez

Dirección musical Héctor González Diseño espacio escénico Sergio Spinelli Realización escenografía Mambo Decorados Diseño de iluminación Sergio Spinelli Asesor de vestuario Álvaro Pascual Ingeniero de sonido Patrick Gishlain

Héctor González Fotografía Marcosgpunto Video David Picazo

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SOBRE EL ESPECTÁCULO Esta nueva aventura basa sus intenciones en un mito: “El rapto de Europa”. Zeus, representación máxima del poder en la mitología griega se sirvió del engaño para raptar. A través del disfraz consiguió su objetivo: poseer a Europa seduciéndola Situaremos a Europa en un momento actual. La pieza comenzará recreando este mito y nos servirá de pretexto para hablar de Europa como continente. La palabra continente cobra aquí un sentido más concreto: continente frente a un contenido diverso, plural, contradictorio en el que, encontrar puntos en común, nos coloca en difícil y delicada labor de síntesis. El mito de “El rapto de Europa” nos conduce a una reflexión sobre la relación perversa que se establece entre el raptor y el raptado, el depredador y su presa. Frente a la gran agresión a la dignidad que supone el secuestro de la libertad, la víctima puede desarrollar un mecanismo de defensa con el que justificar a su raptor. El que da el alimento es el único contacto, la única mano, la única voz. El hombre necesita no estar solo completa y eternamente. El coro, históricamente el elemento más antiguo de la tragedia, nos sirve como narrador de la historia: lo mismo nos cuenta aquello que está sucediendo y que no vemos, que presagia hechos futuros o nos acerca los pasados con el simbolismo total del baile, de la música y de la palabra. Son los mitos en general, o mejor, la reinterpretación a la que están sujetos, lo que nos interesa. Nos conmueve hacer un viaje a través de antiguos mitos y extraer de ellos aquello que nos lleve a poder hablar de esta Europa actual. La relación que existe entre ellos, lo que nos aportan y hacia donde nos llevan sus enseñanzas. Una excusa, un ardid, un nuevo reto para que, de nuevo, el núcleo formado por Florencio Campo, Kelian Jiménez, Pol Vaquero, Teresa Nieto, Elena Santonja y Patricia Torrero se reúnan decididos a poner en pie este nuevo proyecto en el que estarán presentes los modos y maneras de nuestra compañía: el Flamenco como lenguaje prioritario, la danza contemporánea, las luces, el espacio escénico y la música. Una propuesta escénica contemporánea con un sentido flamenco.

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FUENTEOVEJUNA COMPAÑÍA RAKATÁ

DIRECCIÓN: LAURENCE BOSWELL

SALA A – DEL 7 DE MAYO AL 7 DE JUNIO

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Intérpretes Alberto Jiménez Gerardo Malla Roberto Mori Cristóbal Suárez Mario Vedoya Lidia Otón Óscar Zafra Rodrigo Arribas Inge San Juan Paco Luque Luis Moreno Bruno Ciordia Alejandra Sáenz Jesús Fuente Vicente Camacho Jesús Teyssiere Elia Muñoz Alicia Garau Begoña Navarro Belén Ponce Lucía Camon

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Celia Pérez Nacho Mateos Juanma Casero Juanma Rodríguez Luis Briones Magdalena Tomas Lorena Toré Daniel Acebes Pedro Casado Chema Coloma Noelia Rosa Carmen Pardo Ana María Montero Juan Pedro Schwartz Andrés Rus Manuel Sánchez Diseño de vestuario Catriona Macphee Diseño de escenografía Jeremy Herbert Diseño de iluminación Adam Silverman Diseñador de maquillaje y peluquería Leticia Rojas Composición musical Pascal Gaigne Asistencia de escenografía Almudena López Villalba Coordinación de vestuario Susana Moreno Asistencia de vestuario Ana Llena Asistencia de iluminación Fernando Martínez Asesoría de verso Ernesto Arias Asistencia de dirección Joaquín Yver Simon Breden Maestro de armas Yanqui Arana Fotografía Alejandra Duarte Diseño gráfico Ángel Triguero Dirección Laurence Boswell SOBRE LA OBRA Fuenteovejuna, obra cumbre de la literatura universal, fue escrita por Lope de Vega en 1612. En referencia a la misma el director del montaje, Laurence Boswell, comenta que “es el mejor vehículo que la compañía Rakatá puede elegir para llevar a cabo su voluntad de transformar la representación del teatro clásico en la escena contemporánea española.

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En esta obra, Lope de Vega nos muestra una verdad vital de la existencia humana: si actuamos de modo egoísta e independiente, nos hacemos a nosotros mismos, y a nuestro mundo, más pequeños. Si actuamos con y para los demás, nos engrandecemos y mejoramos a nosotros mismos y a nuestro mundo. Esta historia conecta con las preocupaciones del público actual y entusiasmará a la gente joven y a aquella que nunca ha ido al teatro. Con ella tenemos la oportunidad de ofrecer al público una experiencia que nunca olvidará”.

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TRASMÚSICA ORQUESTA DE LA COMUNIDAD DE MADRID

DIRECCIÓN: MIGUEL ROMEA PROYECTO PEDAGÓGICO: FERNANDO PALACIOS

ASESORÍA PEDAGÓGICA: ANA HERNÁNDEZ

SALA B – DEL 5 AL 9 DE MAYO

PROGRAMA * Suite de Pulcinella, de I. Stravinsky (cuento musical para orquesta clásica y narrador)

Presentación - Sinfonía (Obertura) El ambiente - Tarantela Los personajes La historia - Sinfonía (Obertura). Serenata. Scherzino. Allegro. Andantino. Tarantela. Tocata. Gavota. Variación I, Allegretto. Variación II, Allegro piu Tosto. Vivo (Dueto). Minueto. Finale

SOBRE TRASMÚSICA Trasmúsica son una serie de conciertos didácticos que tienen como base el cuento musical Pulcinella. En ellos se interpretará la obra con una pequeña participación de todos los niños asistentes desde sus butacas. Durante el trimestre anterior a los conciertos, los profesores de música de los centros escolares que se impliquen en este proyecto,

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prepararán en sus clases la participación de los niños en el concierto. Para ello contaremos con el compromiso de los centros y de su profesorado, con las visitas de los propios componentes de la orquesta, y de un pedagogo musical experto en montajes de espectáculos didácticos. El proyecto culminará con una serie de representaciones para niños de primaria y otra serie de conciertos familiares.

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SUMA FLAMENCA IV FESTIVAL FLAMENCO DE LA COMUNIDAD DE MADRID

SALA A – 11, 18 Y 25 DE MAYO Y 1 DE JUNIO

SALA B – DEL 18 AL 24 DE MAYO SUMA FLAMENCA Suma Flamenca es un festival que, desde su primera edición, se ha convertido en una de las propuestas artísticas más seguidas por el público de la Comunidad de Madrid. Por sus mejores escenarios han actuado desde las figuras más consagradas hasta las más jóvenes, con una representación equilibrada de las tres manifestaciones del género, cante, toque y baile. Es la primavera flamenca de la Comunidad de Madrid. Suma Flamenca es un acontecimiento artístico de proyección y alcance universal, no sólo por la categoría y calidad de sus participantes y programas, sino por la singularidad de muchos de sus espacios de exhibición que se contemplan, un escaparate fabuloso y unos contenidos de excepción. Durante el tiempo que se celebra el festival, la Comunidad de Madrid se convierte en espacio flamenco de atención preferente. Es una convocatoria abierta a la hondura y a la creación, así como a toda la afición de los países que en cada edición se homenajean, como Francia y Japón. En próxima edición la homenajeada será Cataluña Flamenca.

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ORCAM XXI GESUALDO CONSIDERED AS A MURDERER

de Luca Francesconi (1956) Texto de Vittorio Sermonti

SALA B – 29 Y 31 DE MAYO

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Intérpretes: Solistas de la Orquesta y Coro de

la Comunidad de Madrid Dirección Sandro Gorli Escenografía Matteo Martín Figurinismo Lubna Balazova Iluminación Marcello Jazzetti Dirección de escena Fancesco Micheli ORCAM XXI En la temporada 2007-08, la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid puso en marcha un nuevo proyecto que, con el nombre de ORCAM XXI, tiene como propósito traer a nuestros escenarios

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algunas muestras de la creación contemporánea en el campo de la música escénica. En la pasada temporada, las representaciones de la La Cuzzoni, de Agustín Charles, tuvieron lugar en el Teatro Albéniz, y en la temporada 2008-09 este ciclo se consolidará con las funciones de Gesualdo considerado como un asesino, de Luca Francesconi, que se ofrecerán en la sala configurable de los nuevos Teatros del Canal. Con este ciclo, la ORCAM adquiere una presencia llamada a ser habitual en estos espacios, aportando sus proyectos y su realidad, ya consolidada en la vida cultural madrileña.

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OPERADHOY DIRECCIÓN: XAVIER GÜELL

SALA B – 12, 13, 16, 20 Y 21 DE JUNIO

Sala B Días 12 y 13 de junio: Massacre Día 16 de junio: Sol de invierno Días 20 y 21 de junio: Niebla

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OPERADHOY

MASSACRE de Wolfgang Mitterer y Christopher Marlowe

DIRECCIÓN MUSICAL: PETER RUNDEL DIRECCIÓN ESCÉNICA: LUDOVIC LAGARDE

Foto: M.Lemelle

SALA B – 12 Y 13 DE JUNIO FICHA ARTÍSTICA Intérpretes: Remix Ensemble de Oporto Sopranos Elizabeth Calleo

Valérie Philippin Mezzosoprano Nora Petročenco Contratenor Jean-Paul Bonnevalle Barítono Lionel Peintre Dirección musical Peter Rundel Dirección escénica Ludovic Lagarde SOBRE EL ESPECTÁCULO “Con libreto del compositor y Stephan Müller, Massacre está basada en la pieza teatral La masacre de París (1592), del genial dramaturgo británico Christopher Marlowe (Canterbury, 1564 - Deptford, 1593). Su trama argumental se centra en las luchas de poder y guerras de religión que asolaron Europa –sobre todo Francia- durante el siglo

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XVI, y toma como núcleo la conocida “masacre de San Bartolomé”, acontecida el 24 de agosto de 1572, y que costó la vida a unos 10.000 hugonotes franceses, en París y alrededores1”. Dispuesta en 17 cuadros escénico-musicales, la ópera está escrita para cinco cantantes, un ensemble de nueve instrumentistas y electrónica. Está cantada en el original inglés, excepto en algunos pasajes en los que se canta en alemán. La que aquí se presenta es una nueva producción de T&M-París, Casa da Musica (Oporto), Festival Musica (Estrasburgo) y Schauspielfrankfurt, realizada al amparo de la Red Europea para la Música Contemporánea Réseau Varèse, de la que operadhoy forma parte, y que fue estrenada en Oporto en septiembre de 2008. “Musicalmente hablando, Massacre es Mitterer en estado puro; un entramado complejo de técnicas instrumentales diversas, esculturas de espacios electrónicos, eclecticismo musical que va de citas de Bach y Tallis a los sonidos pop de la música comercial, samplers y música jazz, acumulaciones de sonidos animales, sirenas y demás presencias del paisaje sonoro contemporáneo, incursiones de órgano distorsionado grabadas por el propio Mitterer, etc. La puesta en escena de Ludovic Lagarde ha puesto el énfasis en la vigencia histórica del drama marlowiano2”.

1 Extracto de la crítica de Paco Yánez publicada en Mundoclásico el 6 de septiembre de 2008 con ocasión del estreno de la producción en Oporto 2 Íd.

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OPERADHOY

SOL DE INVIERNO de David del Puerto y Henrik Ibsen

DIRECCIÓN MUSICAL: MIQUEL BERNAT DIRECCIÓN ESCÉNICA: ANTÓNIO PIRES

Foto: Renata Lima

SALA B – 16 DE JUNIO FICHA ARTÍSTICA Intérpretes: Drumming Grupo de Percussão de

Oporto Mezzosoprano Susana Teixeira Barítono Luís Rodrigues Dirección musical Miquel Bernat Dirección escénica António Pires SOBRE EL ESPECTÁCULO La ópera se presenta en programa triple con Les guetteurs de Sons, de Georges Aperghis, y ADKOM – A Different Kind of Measure, de Edmund Campion, a cargo del Drumming Grupo de Percussão de Oporto, dirigido por Miquel Bernat, en una producción del Teatro Nacional São João de Oporto y operadhoy.

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Sol de invierno fue un encargo del Drumming a David del Puerto y fue estrenada en el ciclo musicadhoy 2002. Es una ópera para dos cantantes y grupo de percusión. “Con Sol de invierno –nos dice David del Puerto– pretendo contar algo a través de la música y las palabras. Narrar la historia de un drama humano bien definido, lejos de la fragmentación y la pérdida de sentido de las cosas que caracteriza básicamente a nuestra sociedad, y lejos de la claudicación ante la posibilidad de comunicar algo. Centré el tema en un único aspecto del drama de Ibsen, concretamente en lo que hoy hemos venido a llamar ‘derecho a una muerte digna’ (¡pensemos en qué época plantea Ibsen semejante idea!). A la hora de abordar este tema francamente terrible, me sedujo enormemente la idea de establecer un fuerte contraste de color entre la tragedia humana que ocurre en la escena y los instrumentos que la sirven: dos vibráfonos, dos marimbas bajas y dos juegos de steel drums”.

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OPERADHOY

NIEBLA de Elena Mendoza y Miguel de Unamuno

DIRECCIÓN MUSICAL: TITUS ENGEL DIRECCIÓN ESCÉNICA: MATTHIAS REBSTOCK

Foto: Matthias Creutziger

SALA B – 20 Y 21 DE JUNIO FICHA ARTÍSTICA Intérpretes: Ensemble Courage Actor Oliver Nitsche Soprano Katia Guedes Mezzosoprano Uta Buchheister Barítono Guillermo Anzorena Dirección musical Titus Engel Dirección escénica Matthias Rebstock SOBRE EL ESPECTÁCULO

Niebla es una obra de teatro musical para un actor, tres cantantes y ensemble. Estrenada en septiembre de 2007 en Festspielhaus de Hellerau (Dresde), se presenta revisada y en una nueva producción de operadhoy y Konzerthaus de Berlín, con el elenco original. El libreto, en alemán, y la dirección escénica, corren a cargo de Matthias Rebstock, y la dirección musical es de Titus Engel. La obra se gestó actuando conjuntamente todos los creadores implicados, en lugar de por separado y escalonadamente.

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“Niebla –nos dice Elena Mendoza– es una novela filosófica, en la que Unamuno cuestiona la realidad mediante una narración literaria, la historia de Augusto Pérez. Ésta está estructurada en forma de un sencillo y clásico triángulo amoroso. Sin embargo, subyaciendo a la narración hay una reflexión sobre la existencia humana que poco a poco nos va conduciendo a ese asombroso final. Unamuno hace filosofía mediante la literatura, y literatura mediante la filosofía. Para él, el arte, en toda su complejidad, es el canal idóneo para la especulación metafísica. Es ésta una concepción del arte que compartimos: el arte como medio de indagar en el otro lado de las cosas, de cuestionar la realidad visible. Nuestra Niebla, en la forma narrativa músicoteatral que hemos desarrollado, es totalmente distinta de la de Unamuno, y sin embargo, comparte las mismas figuras, el mismo lenguaje, la misma trama y el mismo trasfondo filosófico.”

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VIVA MADRID DIRECCIÓN MUSICAL: MIGUEL ROA

DIRECCIÓN ESCÉNICA: JAIME MARTORELL

SALA A – DEL 17 AL 28 DE JUNIO

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Intérpretes: Sopranos Leticia Rodríguez

Amparo Navarro Tenor Enrique Ferrer Barítono Manuel Lanza Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid Ballet Rondalla Dirección musical Miguel Roa Dirección de escena Jaime Martorell Escenografía Ricardo Sánchez Cuerda Vestuario Pedro Moreno Iluminación Juan Gómez-Cornejo Coreografía Nuria Castejón Dirección técnica José Luis Tamayo Una coproducción de los Teatros del Canal y la ORCAM.

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SOBRE EL ESPECTÁCULO Viva Madrid es una antología que recoge algunas de las más populares piezas de zarzuela relacionadas con Madrid, a través de las escenas más populares de obras como: La verbena de la Paloma, La chulapona, La Gran Vía, Las Leandras, Luisa Fernanda, El último romántico, Don Manolito, La calesera, El tambor de granaderos, El barberillo de Lavapiés, Los claveles, El año pasado por agua, María Manuela, La del manojo de rosas, Doña Mariquita de mi corazón o Doña Francisquita, repasando así, desde el estilo más puramente castizo, al goyesco, pasando por la época post-romántica o el Madrid de los años 30, de la historia de la zarzuela. Se unen por tanto, en esta antología, la espectacularidad y el más alto nivel de calidad artística.

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XVIII CERTAMEN DE COREOGRAFÍA DE DANZA ESPAÑOLA Y FLAMENCO 2009

CREACIÓN Y ORGANIZACIÓN: MARGARET JOVA

SALA B – 25, 26 Y 27 DE JUNIO

XVIII CERTAMEN DE COREOGRAFÍA DE DANZA ESPAÑOLA Y FLAMENCO

2009 El Certamen es una plataforma de exhibición y concurso de obras coreográficas nuevas, de Danza Española, que se ha celebrado anualmente desde 1992. El Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco se estableció con la intención de ofrecer incentivos a un emergente movimiento de nueva creación, en el género de la Danza Española. Promueve también la colaboración entre compositores y coreógrafos, y el alto nivel técnico y artístico de bailarines e interpretes. El Certamen ha contribuido a afianzar el movimiento del nuevo ballet flamenco, otorgando el reconocimiento y prestigio a jóvenes coreógrafos que han arriesgado en líneas de enriquecimiento y fusión de la Danza Española. Se valoran, igualmente, las iniciativas de recuperación e investigación de formas tradicionales, como el nuevo folclore y la Escuela Bolera. El Certamen apuesta por la renovación y la preservación de un arte vivo que evoluciona constantemente y con sana vitalidad. Numerosos creadores y bailarines jóvenes que representan el movimiento de la nueva danza española y ballet flamenco de las

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últimas generaciones han vivido un lanzamiento a partir de un éxito en el Certamen. Ha servido como un motor impulsor y catalizador de este movimiento. Algunos premiados en él han sido Ángel Rojas, Carlos Rodríguez, Elvira Andrés, Fernando Romero, Florencio Campos, Adrián Galia, Montse Sánchez, Mariano Cruceta, Miguel Ángel Berna, Mayte Bajo, Rafaela Carrasco, Rocío Molina, Antonio Najarro, Carlos Chamorro, Manuel Segovia, Daniel Doña, Gemma Morado, Rubén Olmo, Olga Pericet, Manuel Liñán y muchos más. Todos estos jóvenes coreógrafos se presentaron al certamen en un momento ascendente de sus carreras y ahora son nombres conocidos dentro y fuera de España.