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Pintura

Origen

Movimiento artístico que se manifestó sobre todo en pintura, cuyo objetivo principal era el de alejarse de la representación naturalista y conseguir plasmar de modo simultáneo sobre la superficie del cuadro un objeto visto desde múltiples ángulos. Desarrollado principalmente por Georges Braque y Pablo Picasso hacia 1907, alcanzó su apogeo alrededor de 1914 y continuó evolucionando durante la década de 1920. Al rechazar la representación realista seguida desde el renacimiento, el cubismo significó un cambio crucial en la historia del arte, convirtiéndose en el precursor de la abstracción y de la subjetividad artística. Fue una revolución contra el sentimentalismo y el realismo de la pintura tradicional, contra la importancia que se daba al efecto de la luz y el color y contra la ausencia de formas, características del impresionismo. Los cubistas rechazan la perspectiva y el movimiento y le dan primacía a la línea y la forma. Se inspiró fundamentalmente en el arte de las tribus de África y Oceanía

CUBISMO

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Principal

Uno de los primeros movimientos artísticos del siglo xx surgió de la revolución cubista, la mayor revolución pictórica de nuestro siglo.El descubrimiento del arte negro, la exposición re-trospectiva de Cézanne en 1907 y la poesía de Apo-llinaire y Max Jacob se convierten en las principales influencias del nuevo estilo. Las formas que constru-yen los pintores del cubismo siguen unos esquemas rí-gidamente geométricos, muy propios de la pintura in-telectualista. A este respecto, son muy significativas dos frases de los máximos representantes de este es-tilo: Picasso, «Yo pinto los objetos como los pienso, no como los veo», y Braque, «Los sentidos deforman, el espíritu forma».

El CubismoEl Cubismo

CubismoMenú

Principal

Obras

En su primera fase (cubismo analítico), los pintores cubistas descomponen la realidad, pintándola desde varias perspectivas simultáneas y tratando de encajar las irregulares formas de la geometría del espacio. En su segunda fase (cubismo sintético) y con el desarrollo paralelo de la técnica fotográfica, el pintor cubista se siente liberado de su obligación de representar la na-turaleza y puede dedicarse libremente a la erección de formas geométricas-abstractas.El iniciador del Cubismo es el español Pablo Picasso (1881-1973). Después de atravesar su «período azul», caracterizado por la preponderancia de ese color y por la descripción de seres marginados, y su «período rosa», en el que su temática es algo menos trágica y se basa fundamentalmente en la reproducción de acró-batas y saltimbanquis, Picasso realiza Les demoiselles d'Avignon, su primera tela cubista (1906).

PINTURAPINTURA

Cubismo

El movimiento cubista, con su afán por descomponer la

realidad, supuso una verdadera revolución dentro del mundo

artístico del siglo xx.

Guitarra y copaEn Guitarra y copa (1921, óleo s/lienzo, 43 × 73 cm, Museo Nacional de Arte Moderno, Centro GeorgesPompidou, París) se aprecian las características del cubismo sintético de Georges Braque: formas planas y fragmentadas, predominio de la composición y del color e incorporación del collage.

Guernica, óleo en blanco y negro de Pablo Picasso

Movimiento artístico de comienzos del siglo XX que rechazó la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento. El poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti recopiló y publicó los principios del futurismo en el manifiesto de 1909. Al año siguiente los artistas italianos GiacomoBalla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo y Gino Severinifirmaron el Manifiesto del futurismo.

El futurismo se caracterizó por el intento de captar la sensación de movimiento. Para ello superpuso acciones consecutivas, una especie de fotografía estroboscópica o una serie de fotografías tomadas a gran velocidad e impresas en un solo plano. Ejemplos destacados son el Jeroglífico dinámico de Bal Tabarin (1912, Museo de Arte Moderno, Nueva York) y el Tren suburbano (1915, Colección Richard S. Zeisler, Nueva York), ambos de Gino Severini. Aunque el futurismo tuvo una corta existencia, aproximadamente hasta 1914, su influencia se aprecia en las obras de Marcel Duchamp, Fernand Léger y Robert Delaunay en París, así como en el constructivismo ruso.

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Pintura

Origen

Escultura

FUTURISMO

FuturismoMenú

Principal

De una secesión del cubismo y en contacto con la vanguardia literaria italiana de Marinetti, surgió el movimiento del Futurismo, que proclamó un nuevo canon de belleza plástica reflejado en la frase: «Un coche de carreras es más hermoso que la Victoria de Samotracia.»

Los pintores más representativos del movimiento futurista fueron: Gino Severini (El bulevar, La Torre Eiffel), Giacomo Baila (Las manos del violinista, Au-tomóvil y ruido), Carlo Carrá (Lo que me dijo el tran-vía), Luiggi Russolo (Recuerdos de una noche) y Um-berto Boccioni (La ciudad ascendente).

El Futurismo

Futurismo

Tren suburbanoLa composición dinámica y

las pinceladas expresivas caracterizan la pintura

futurista, como muestra este Tren suburbano de Gino

Severini. Las formas geométricas y la ausencia de perspectiva clásica reflejan la

influencia cubista.

Guglielmo Sansoni (Tato): In volo su Latina.Bracciano, Museo dell'Aeronautica. Treccani.

Esempio di futurismo: (Aeropittura).Treccani.

Tullio Crali. In tuffo sulla città.Milano, proprietà dell'Artista.

Esempio di futurismo: (Aeropittura).Treccani.

Futurismo

Escultura futuristaCon este bronce de 1913 de título Formas únicas de continuidad en el espacio, el artista futurista italiano Umberto Boccioni intentómostrar el modo en que el cuerpo humano interactúa con su entorno a medida que se mueve. Esta escultura se encuentra en la Tate Gallery de Londres.

CaballoSímbolo de la potencia y el poder de la máquina, el tema del caballo es una constante en la obra de Raymond Duchamp-

Villon. Esta pieza en bronce, titulada Caballo (1914, TateGallery, Londres), es sin lugar a dudas la primera obra

francesa de inspiración futurista.

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Pintura

Origen

La abstracción de los rayonistas (Larionov y Gontcharova) desembocóen un tipo más de abstracción, el movimiento suprematista. Suprematismo significaba una pintura que permitía captar formas y color, pero que no evocaba asociaciones ni sentimientos. Pretendía, de una manera mística, expresar estados "puros" de conciencia o de inconsciencia no alterados por pensamientos reales. Elegía formas geométricas porque era lo más simple. Se llegó a prescindir del color porque excitaba la emoción.

SUPREMATISMOSUPREMATISMO

Suprematismo

Kazimir Maliévich o Kazimir Malévich Nació en Kíev. Formado a finales del siglo XIX en la Academia de su ciudad natal, sus primeras obras están influidas por el neoimpresionismo (1903-1906), el fauvismo (1907-1908) y el cubismo (1909-1910). Para Malevich "la pintura se compone de forma y color [...] dichas formas no serán la repetición de los objetos que viven en la vida, sino serán en sí mismas un objeto vivo. La superficie coloreada es la forma viva real".. Su postura era esencialmente un idealismo filosófico, en el que esas formas primarias descubiertas por la intervención de lo que él llamaba "razón intuitiva" -en especial el cuadrado- no eran secundarias respecto a las formas reales del mundo sino que constituían un equivalente armonioso de las mismas.En contraste con el deficiente "realismo de la pintura figurativa", que para Malevich es una mera copia de la realidad existente, cuya profundidad y riqueza nunca puede igualar, las formas del suprematismo existen al lado de las formas de la naturaleza: "el nuevo realismo pictórico, concretamente pictórico, ya que en él no existe el realismo de las montañas, del cielo, del agua".El proyecto vanguardista de Malevich que había empezado como un antinaturalismo e irracionalismo futurista continuó, por tanto, con una campaña ambiciosa por la autonomía de la creación y de la forma artística. De hecho, parece que Malevich creía que la universalidad potencial y la autonomía formal absoluta del arte suprematista capacitaban este arte no sólo como el más moderno de los estilos vanguardistas, sino más bien como la base estética potencial de un completo, nuevo orden mundial. Por lo tanto, Malevich fue uno de los primeros y más potentes generadores de ese sueño utópico de la década de 1920 que empezó a tener el movimiento europeo moderno más extenso: la idea de que los problemas insolubles de la existencia social moderna podían ser resueltos solamente si eran planificados con una base estética, con el artista abstracto autorizado como el planificador ideal.

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Kazimir Maliévich o Kazimir Malévich (1878–1935), pintor ruso. Junto con Piet Mondrian, fue la figura más importante de la abstracción geométrica.Nació en Kíev. Formado a finales del siglo XIX en la Academia de su ciudad natal, sus primeras obras están influidas por el neoimpresionismo (1903-1906), el fauvismo (1907-1908) y el cubismo (1909-1910). A partir de 1910 participó activamente en diversas manifestaciones de la vanguardia rusa, como las exposiciones de la Jota de diamantes (1910) y la Cola de burro (1912). Fue por entonces cuando empezó a desarrollar su propio estilo, que le llevó a fundar el suprematismo con su famoso Cuadro negro sobre fondo blanco (1913). Este movimiento buscaba la reducción de la pintura a elementos geométricos (rectángulo, cuadrado, círculo, triángulo), y son estos principios los que rigen la producción de Maliévich, quien aplica a los elementos geométricos el mismo color o el blanco y el negro. En su obra abstracta le preocupará sobre todo las relaciones entre la forma y el espacio que la rodea, con la intención de llegar a la esencia de ésta elevando a la pintura a una expresión perfecta que denomina “suprema”. Su abstracción geométrica alcanzó su punto culminante con la composición suprematistaCuadro blanco sobre fondo blanco (1918, Museo de Arte Moderno, Nueva York), perteneciente a la serie de pinturas de blanco sobre blanco. En ellas la forma ha dejado de ser un signo del espacio para convertirse en una alusión al espacio y al cuadro en sí mismo.

Sus teorías del suprematismo, elaboradas junto al poeta ruso Vladímir Maiakovski, empezaron a aparecer en revistas en 1915. En 1916 publicó el Manifiesto suprematista, en el que condenaba el arte representativo, considerándolo un robo a la naturaleza, afirmando que el artista debe construir sobre la base del peso, la velocidad y la dirección del movimiento. Al final de la década de 1920 se publicaron sus ideas en Alemania editadas por la Bauhaus con el título Die gegenstandslose Welt (El mundo sin objeto). Durante esa década Maliévich participó en varias exposiciones, viajó por Alemania y Polonia y al final de la misma regresó a la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas (URSS), donde cayó rápidamente en desgracia y comenzó a pintar retratos y paisajes claramente tradicionalistas, evocadores del realismo socialista imperante entonces en su país. Fallecióen 1935, en Leningrado (actual San Petersburgo).

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Obras

PINTURA

Suprematismo

Kazimir Malevich: Suprematismo.

1915. 102 x 62 cm. Oleo sobre lienzo.

Stedelijk Museum, Amsterdam.

SuprematismoEn su intento de reducir el arte a su más pura esencia, el artista ruso Kazimir Maliévich eliminó de sus pinturas toda referencia externa, creando así obras totalmente subjetivas. Su abstracción radical, conocida como suprematismo, influyóconsiderablemente en el arte del siglo XX. Este cuadro, denominado Suprematismo, fue realizado hacia 1919 y forma parte de la colección del Stedelijk Museum, Amsterdam.

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Pintura

Origen

Corriente artística promulgada por Piet Mondrian en 1917 que proponía despojar al arte de todo elemento accesorio en un intento de llegar a la esencia a través de un lenguaje plástico objetivo y, como consecuencia, universal. Junto con Theo van Doesburg fundó la revista De Stijl, principal órgano de difusión del movimiento, en cuyo primer número apareció publicado el manifiesto neoplasticista.

NEOPLASTICISMONEOPLASTICISMO

NeoplasticismoMenú

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Las teorías de Mondrian, que tienen su origen en las obras cubistas de GeorgesBraque y Picasso y en la teosofía, reivindican un proceso de abstracción progresiva en virtud del cual las formas se irían reduciendo a líneas rectas horizontales y verticales, y los colores al negro, el blanco, el gris y los tres primarios.Entre sus principales representantes se encontraban, además de Van Doesburg, el pintor Wilmos Huszár, el escultor Georges Vantongerloo y los arquitectos JacobusJohannes Pieter Oud y Gerrit Thomas Rietvel, entre otros. El excesivo rigor de las propuestas de Mondrian provocó violentas críticas tanto dentro como fuera de su círculo de adeptos. No obstante, el neoplasticismo está considerado, junto con el suprematismo de Maliévich, el origen de la abstracción geométrica.

Las teorLas teoríías de as de MondrianMondrian

Composición en rojo, azul y amarilloEn el desarrollo de su teor¡a universal de la armon¡a, Piet Mondrian

rechazó las posibilidades sensuales de la pintura y se limitó a utilizar espacios planos, colores primarios y l¡neas rectas. Composición en

rojo, azul y amarillo es un ejemplo de su estilo abstracto geométrico.

Composición en amarillo, rojo, azul y negro, de Piet Mondrian, iniciador del Neoplasticismo, una nueva concepción artística que persigue el orden y la pureza a base de líneas rectas y formas geométricas desprovistas de emotividad.

Neoplasticismo

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Pintura

Origen

Movimiento que abarca todos los géneros artísticos y es la expresión de una protesta nihilista contra la totalidad de los aspectos de la cultura occidental, en especial contra el militarismo existente durante la I Guerra Mundial e inmediatamente después. Se dice que el término dada (palabra francesa que significa caballito de juguete) fue elegido por el editor, ensayista y poeta rumano Tristan Tzara, al abrir al azar un diccionario en una de las reuniones que el grupo celebraba en el cabaret Voltaire de Zurich. El movimiento Dadá fue fundado en 1916 por Tzara, el escritor alemán Hugo Ball, el artista alsaciano Jean Arp y otros intelectuales que vivían en Zurich (Suiza), al mismo tiempo que se producía en Nueva York una revolución contra el arte convencional liderada por Man Ray, Marcel Duchamp y Francis Picabia. En París inspiraría más tarde el surrealismo. Tras la I Guerra Mundial el movimiento se extendió hacia Alemania y muchos de los integrantes del grupo de Zurich se unieron a los dadaístas franceses de París. En 1922 el grupo de París se desintegró.Con el fin de expresar el rechazo de todos los valores sociales y estéticos del momento, y todo tipo de codificación, los dadaístas recurrían con frecuencia a la utilización de métodos artísticos y literarios deliberadamente incomprensibles, que se apoyaban en lo absurdo e irracional. Sus representaciones teatrales y sus manifiestos buscaban impactar o dejar perplejo al público con el objetivo de que éste reconsiderara los valores estéticos establecidos. Para ello utilizaban nuevos materiales, como los de desecho encontrados en la calle, y nuevos métodos, como la inclusión del azar para determinar los elementos de las obras. El pintor y escritor alemán KurtSchwitters destacó por sus collages realizados con papel usado y otros materiales similares. El artista francés Marcel Duchamp expuso como obras de arte productos comerciales corrientes —un secador de botellas y un urinario— a los que denominó ready-mades. Aunque los dadaístas utilizaron técnicas revolucionarias, sus ideas contra las normas se basaban en una profunda creencia, derivada de la tradición romántica, en la bondad intrínseca de la humanidad cuando no ha sido corrompida por la sociedad.

Escultura

Dadá o Dadaísmo

El DadaísmoMenúPrincipal

El Dadá decayó en la década de 1920 y algunos de sus miembros se convirtieron en figuras destacadas de otros movimientos artísticos modernos, especialmente del surrealismo. A mitad de la década de 1950 volvióa surgir en Nueva York cierto interés por el Dadá entre los compositores, escritores y artistas, que produjeron obras de características similares.Hacia finales de la primera guerra mundial surgió un revolucionario y subversivo movimiento artístico, imaginativo, anarquizante, irrespetuoso y. antidog-mático, que se dio en llamar Dadá, palabra que no significa nada preciso. Los dadaístas (a cuya cabeza se situó el poeta Tristán Tzara) se interesaron por el arte como un medio provocador que les permitía enfren-tarse al sentido común, a la religión, a la ley, a la mo-ral, a cualquier ortodoxia. Con ello trataron de fundir arte y vida, de crear una nueva forma de vivir en la que el arte no fuera lo excepcional, sino lo cotidiano.El Dadaísmo inició sus actividades subversivas en el Café VoItaire de Zurich, refugio de bohemios, emi-grados y burgueses en crisis de valores. Allí se mon-taron los primeros «happenings» de la historia del arte y se inició una feroz crítica del orden social burgués que llevó a la policía a cerrar el local. En 1916 se reu-nían en la galería Dadá, pero fue cerrada por idénticas razones. Tres años después, durante la Feria Internacional Dadá celebrada en Berlín y ante los conti-nuos problemas políticos que les planteaban, «Dadádecidió matar a Dadá», en palabras de los promotores del grupo. La antorcha del dadaísmo sería recogida por el surrealismo.El Dadaísmo se extendió por toda Europa, sobre todo por Alemania (Max Ernst, Georg Grosz, KurtShwitters). A América lo llevaron Marcel Duchamp (con su Desnudo bajando la escalera y sus «readyma-des», objetos fabricados con desperdicios, estropajos, hierros viejos, etcétera, colocados sobre un pedestal y elevados a la categoría de obra de arte), Francis Pi-cabia y Man Ray

Paisaje dadá,obra del artista Giulio Evola,

una de las primeras figuras del dadaísmo italiano.

L'eléphant célèbesMax Ernst incorporaba el absurdo en sus obras atribuyendo

características humanas a las máquinas, como se puede apreciar en L'eléphant célèbes (1921, Tate Gallery, Londres). En 1920

montó junto al artista alemán Baargeld una controvertida exposición dadaísta en la cervecería Winter de Colonia, a la que al

público se le hacía entrar a través de una serie de urinarios. A pesar de que ofrecían gratis sus obras, no consiguieron que los

asistentes se interesaran por ninguna de ellas.

El DadaísmoMenúPrincipal

Coquille baillanteCoquille baillante (1964-1965), es una escultura

biomórfica del dadaísta francés Jean Arp. Realizada en mármol blanco, esta escultura es un claro ejemplo de las

formas que él denominaba concreciones.

Rueda de bicicletaÉsta es una copia de la célebre Rueda de bicicleta de Marcel Duchamp. El original, actualmente desaparecido, fue realizado en 1913. Esta obra es un ejemplo de ready-made, es decir, de objeto cotidiano elevado a la categoría de arte, concepto acuñado por Duchamp y estrechamente vinculado al movimiento dadaísta.

El DadaísmoMenúPrincipal

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Pintura

Escultura

Continuador en Cierto modo del Dadaísmo, el Su-rrealismo surgió como movimiento a la vez literario y pictórico. En su pintura, onírica y subjetiva, los su-rrealistas trataron de ir más allá de la realidad visible y consciente, explorando desde diversos lados las hon-duras del inconsciente.El antecedente más inmediato de 1os surrealistas fue Giorgio de Chirico, creador de un tipo de pintura al que llamó pintura metafísica y en el que triunfa un mundo misterioso, extrañamente inmóvil, lleno de maniquíes.La palabra «surrealismo» la empleó por vez primera el poeta Apollinaire en 1917. En 1924, André Breton publicó el «Manifiesto surrealista» y un año más tarde se celebró la primera exposición en la Galería Pierre de París. En ella participaron Chirico, Arp, Ernst, Klee, Man Ray, André Masson, Miró, Picasso y Pie-rre Roy.

El SurrealismoEl Surrealismo

SurrealismoMenúPrincipal

El pintor más representativo de estos primeros mo-mentos es Max Ernst, cuya pintura es el equivalente del automatismo psíquico de los poetas surrealistas. En su obra aparecen animales extraños y paisajes mis-teriosos, que configuran un universo fantástico.La obra de André Masson se caracteriza por el tra-tamiento poético que da al mundo de los sueños y por su fino erotismo. La guerra civil española, la guerra de. Argelia y el racismo americano (que conoció en 1940 durante una estancia en los Estados Unidos) de-cantaron su pintura hacia una preocupación social y le alejaron del onírico universo de los surrealistas.Entre los muchos pintores vinculados con el surrea-lismo, destacan Paul Delvaux, Ives Tanguy y René Magritte.En Joan Miró el Surrealismo ha sido una etapa, in-tegrada en el conjunto de su obra, a la que ha dado excelentes lienzos (Mujeres y estrellas, Mujeres y pá-jaros ante la luna). En Dalí, empezósiendo una forma de pintar con un método propio (el método «para-noico-crítico»), lo que le permitió realizar obras muy personales en las que combina elementos onírico s e insólitos con formas reales dibujadas con una preci-sión casi hiperrealista: La persistencia de la memoria,El espectro del sex-appeal, El sortilegio de Lenin y al-gunas excelentes obras religiosas, quizá lo más autén-tico de su labor: Madonna de Port Lligat, Cristo de Port Lligat, Última Cena.

PINTURA

Obras

Cadáver exquisitoTanto en las artes plásticas como en la poesía, los surrealistas

experimentaron técnicas en las que el juego y el azar favorecían el surgimiento de la imagen mediante la libre asociación de elementos no

premeditados. El cadáver exquisito, creación colectiva en la que un individuo participa sin conocer la frase o el dibujo que ha hecho otro, constituye,

especialmente en los años 1927-1928, una de las innovaciones del grupo. Esta técnica, junto con otras creadas por las vanguardias del siglo XX, se ha

utilizado con frecuencia entre los recursos de las nuevas tendencias de la enseñanza de la lengua y la literatura.

La persistencia de la memoria, obra de Salvador Dalí. Este pintor llega al Surrealismo mezclando elementos

oníricos con otros que rozan el Hiperrealismo, utilizando su propia forma

de pintar: el método paranoico-crítico.

Surrealismo

La incertidumbre del poetaLa incertidumbre del poeta (1913) de Giorgiode Chirico tiene un fuerte carácter onírico. Aunque su obra es fundamentalmente metafísica suele asociársele con el surrealismo.

Surrealismo

Hombre cruzando la calleLas estilizadas figuras de bronce del artista suizo Alberto Giacometti

transmiten una cierta sensación de soledad. Esta escultura titulada Hombre cruzando la calle (1949) se encuentra en la Kunsthaus de

Zurich (Suiza).

MARIA MARTINSN'oublié Pas que Je Viens des TropiquesEscultura em bronze, s/data.95 cm x 120 x 70 cmColeção Sérgio Fadel - Brasil

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Pintura

Escultura

Movimiento pictórico de mediados del siglo XX cuya principal característica consiste en la afirmación espontánea del individuo a través de la acción de pintar. Existe una gran variedad de estilos dentro de este movimiento que se caracteriza más por los conceptos que subyacen en él que por la homogeneidad de estilos. Como su propio nombre indica, el expresionismo abstracto es un arte no figurativo y, por lo general, no se ajusta a los límites de la representación convencional.El movimiento del expresionismo abstracto tuvo su centro en Nueva York formando la llamada Escuela de Nueva York. Aunque los estilos que abarca son tan diversos como los de lospropios pintores integrantes, se desarrollaron dos tendencias principales, la de la ActionPainting (pintura de acción) y la de los planos cromáticos. El interés de los representantes de la primera tendencia se centraba en la textura y consistencia de la pintura y en la gestualidaddel artista en el momento de su aplicación sobre el lienzo, mientras que los pintores que realizaban obras con planos cromáticos ponían el acento en la unificación de color y forma. Jackson Pollock representa la quintaesencia de la Action Painting. Su único modo de abordar la pintura consiste en dejar chorrear los colores desde un recipiente o salpicarlos sobre el lienzo, para hacer líneas entrelazadas que parecen prolongarse en arabescos sin fin. Willemde Kooning y Franz Josef Kline, también integrantes de la Action Painting, utilizaban amplias pinceladas muy empastadas para crear abstracciones rítmicas en un espacio virtualmente infinito. Mark Rothko creó rectángulos colmados de colores vibrantes en sus obras, muchas de las cuales son ejemplos de primer orden de la pintura de planos cromáticos. Bradley WalkerTomlin, Philip Guston, Robert Motherwell, Adolph Gottlieb y Clyfford Still combinaron en sus obras elementos de las dos tendencias.

EXPRESIONISMO ABSTRACTOEXPRESIONISMO ABSTRACTO

Expresionismo abstracto

El expresionismo abstracto también floreció en Europa y su influencia se observa en pintores franceses como Nicolas de Stael, Pierre Soulages y Jean Dubuffet. Las manifestaciones del expresionismo abstracto en Europa son el tachismo (del francés tache, 'mancha'), en el que priman las manchas de color, y el arte informal, que niega la estructura formal. Ambas tendencias tienen grandes afinidades con la Action Painting de Nueva York. Entre los pintores tachistas se encuentran los franceses Georges Mathieu y Camille Bryen, el español Antoni Tàpies, el italiano Alberto Burri, el alemán Wols (seudónimo de Alfred Otto Wolfgang Schülze) y el canadiense Jean-Paul Riopelle. Las raíces del expresionismo abstracto se hallan en la obra no figurativa del pintor ruso Wassily Kandinsky, y en la de los surrealistas, que de forma deliberada utilizaban el subconsciente y la espontaneidad en su actividad creativa. La llegada a la ciudad de Nueva Yorkdurante la II Guerra Mundial (1939-1945) de pintores europeos de vanguardia como Max Ernst, Marcel Duchamp, Marc Chagall e Yves Tanguy difundió el espíritu del expresionismo abstracto entre los pintores estadounidenses de las décadas de 1940 y 1950, que también recibieron la influencia de la abstracción subjetiva de Arshile Gorky, pintor que nació en Armenia y emigró a Estados Unidos en 1920, y de Hans Hofmann, pintor y profesor alemán nacionalizado estadounidense, que hacía hincapié en la interacción dinámica de planos de color

Obras

PINTURAPINTURA

Expresionismo Abstracto

HofmannEste cuadro del pintor germano-estadounidense

Hans Hofmann, titulado Flight (Vuelo), es una muestra del estilo expresionista abstracto.

Hofmann recoge las influencias de las vanguardias europeas, especialmente del

cubismo y el fauvismo.

Pequeño ensueño en rojo,de Kandinsky, figura muy significativa en la abstracción. Esta obra pertenece al primer período de su Abstractismo, aunque ya aparecen en ella algunos elementos que anuncian el arte

que Kandinsky desarrollaría posteriormente, mucho más geométrico.

Willem de KooningEsta pintura titulada MarilynMonroe (1954), de Willem de Kooning, es una muestra del expresionismo abstracto. Este artista holandés nacionalizado estadounidense fue el único miembro del grupo que incluyó en sus obras la figura humana.

Expresionismo abstracto

La escultura estadounidense empezó a desarrollar líneas más abstractas de expresión durante la década de 1930, cuando los artistas entraron en contacto con obras europeas contemporáneas, bien de forma directa o a través de fotografías. Alexander Calder, por ejemplo, recibió una gran influencia del pintor holandés Piet Mondrian que se reflejaría luego en sus esculturas y pinturas abstractas realizadas con colores puros. Calder alcanzó fama internacional con su escultura móvil, y sus stábiles o esculturas inmóviles. Inspirado en las esculturas hechas con piezas soldadas de Picassoy Julio González, David Smith realizó obras en acero soldado como Paisaje del río Hudson (1951, Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York). Su serie titulada Cubi, a la que pertenece Cubi I (1963, Instituto de Arte de Detroit), consiste en varias obras de grandes dimensiones inspiradas en el cubismo. En dicha serie se puede apreciar cómo pule y corroe las superficies de acero inoxidable con un diseño caligráfico repetitivo para reflejar la luz.En la década de 1930 Joseph Cornell, muy influenciado por el surrealismo, realizó esculturas tridimensionales de cajas pintadas y assemblage de objetos heterogéneos, con los que lograba una atmósfera de misterio. De inspiración contraria son los de Louise Nevelson, grandes construcciones abstractas y monocromáticas, diseñadas como instalaciones. Están compuestas de objetos utilitarios, por lo general trozos de muebles contenidos dentro de marcos de madera como si fuesen cajas. Isamu Noguchi realizó obras de una elegante sencillez en las que combina la abstracción europea con las formas tradicionales japonesas.Reuben Nakian, que en la década de 1940 pasó del estilo figurativo a una semi-abstracción, trabajó tanto en metal como en terracota y realizó esculturas inspiradas en la mitología. Otros escultores abstractos son Richard Lippold, conocido por sus construcciones colgantes en metal y alambre y Harry Bertoia, que utilizó varillas de acero muy finas ensambladas de forma que pudieran vibrar. Theodore Roszak realizó construcciones de formas muy libres en las que utilizaba el acero soldado con otros metales, como en Flor de espiga (1948, Museo Whitney de Arte Americano). Herbert Ferber, influenciado por el expresionismo abstracto, creó una construcción de metal de grandes dimensiones, Y el arbusto no se consumió (1951), para la fachada de la sinagoga B’nai Israel, en Millburn, Nueva Jersey. La obra de Ferber fue uno de los primeros ejemplos del nuevo renacimiento que combinaba escultura y arquitectura en las iglesias. Seymour Liptonhizo escultura biomórfica compuesta de planchas de metal soldadas, como en Floración selvática (1954, Galería de Arte de la Universidad de Yale, New Haven, Connecticut), y Mark di Suvero es conocido por sus enormes construcciones al aire libre, en las que a veces utiliza vigas de acero, como en Ik Ook (1971-1972, colección privada) y elementos móviles.

ESCULTURA

Obras

Expresionismo Abstracto

Amarillo horizontalAmarillo horizontal (1972) es una de las muchas esculturas abstractas móviles que Alexander

Calder construyó con metal, varillas metálicas y alambre. Calder describió su obra como "dibujos de cuatro dimensiones", reflejando de esta manera su interés por las formas cinéticas.

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Pintura

Corriente artística que surgió a finales de la década de 1950 cuya finalidad es producir la ilusión de vibración o relieve sobre la superficie plana del cuadro en virtud de las leyes de la óptica. Su principal diferencia con el arte cinético es la total ausencia de movimiento real. El término, que procede de la expresión inglesa Optical Art (‘arte óptico’), hace referencia en tono irónico al Pop Art. Entre sus iniciadores se encuentran Josef Albers, Victor Vasarely y ciertas obras incluidas dentro de la llamada abstracción geométrica.

El movimiento quedó definido a partir de una exposición celebrada en 1965 en el Museo de Arte Moderno de Nueva Yorktitulada The Responsive Eye que agrupaba a una serie de artistas de distintas nacionalidades seguidores de esta tendencia. Entre susprincipales representantes estaban la británica Bridget Riley y los estadounidenses Ellsworth Kelly y Kenneth Noland. También se inscriben dentro de esta corriente el español Eusebio Sempere y el colombiano Omar Rayo. Las cuidadas formas del Op Art gozaron de una rápida y entusiasta aceptación por parte de la crítica y del público en general convirtiéndose en fuente de inspiración para sectores como la publicidad, la moda y el grafismo.

OpOp ArtArt

Op Art

Vonal-StriEntre las obras más representativas del Op Art están los

cuadros que pintó Victor Vasarely durante las décadas de 1960 y 1970. En Vonal-Stri (1975) la mirada se precipita hacia el

cuadrado negro situado en el centro del lienzo. La sensación de movimiento se incrementa por la ilusión de curvatura del plano

de la izquierda.

Op Art

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Pintura

Movimiento artístico iniciado en la década de 1950 en Estados Unidos y Gran Bretaña. Las imágenes del Pop Art(abreviatura de Popular Art, ‘arte popular’) se inspiraron en la cultura de masas. Algunos artistas reprodujeron latas decerveza o sopa, tiras de cómic, señales de tráfico y otros objetos similares en sus pinturas, collages y esculturas. Otros incorporaron estos objetos cotidianos a sus pinturas o esculturas, a veces completamente modificados. Los materiales fruto de la tecnología moderna, como el poliéster, la gomaespuma o la pintura acrílica, ocuparon un lugar destacado. El Pop Art no sólo influyó en la obra de los artistas posteriores, sino que también ejerció un fuerte impacto en el grafismo y el diseño de moda.

POP ARTPOP ART

Pop Art

Lata de sopa CampbellLata de sopa Campbell (1962, Leo CastelliGallery, Nueva York), de Andy Warhol, es uno de los ejemplos más conocidos del Pop Art

Andy Warhol, uno de los principales representantes del Pop Art, corriente que reproduce objetos e imágenes de consumo.

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Arte Cinético Fotografía

ULTIMAS TENDENCIAS

Cinematografía

Diseño Indistrial Muralismo

Tendencia de la pintura y escultura contemporáneas que hace referencia a aquellas obras creadas para producir la impresión o ilusión de movimiento. El término tiene su origen en la rama de la mecánica que investiga la relación entre el movimiento de los cuerpos y las fuerzas que actúan sobre ellos.

Aunque el concepto apareció por primera vez en el Manifiesto realista firmado en 1920 por Antón Pevsner y Naum Gabo, su uso no se generalizó hasta la década de 1950. En la actualidad se conoce como arte cinético todas aquellas obras que producen en el espectador sensación de inestabilidad y movimiento a través de ilusiones ópticas, las que cambian de aspecto en virtud de la posición desde donde se contemplen y las que crean una aparente sensación de movimiento por la iluminación sucesiva de alguna de sus partes (los anuncios de neón). También se incluyen dentro del arte cinético las construcciones tridimensionales con movimiento mecánico y los móviles sin motor, como los de Alexander Calder.

Entre los artistas más destacados que han cultivado este estilo artístico se encuentran Victor Vasarely, Jesús Rafael Soto, Carlos Cruz-Díez, Marcel Duchamp, Julio LeParc, Alejandro Otero y Yaacov Agam.

Arte cinArte cinééticotico

A comienzos de este siglo la fotografía comercial creció con rapidez y las mejoras del blanco y negro abrieron camino a todos aquellos que carecían del tiempo y la habilidad para los tan complicados procedimientos del siglo anterior. En 1907 se pusieron a disposición del público en general los primeros materiales comerciales de película en color, unas placas de cristal llamadas Autochromes Lumière en honor a sus creadores, los franceses Auguste y Louis Lumière. En esta época las fotografías en color se tomaban con cámaras de tres exposiciones.En la década siguiente, el perfeccionamiento de los sistemas fotomecánicos utilizados en la imprenta generó una gran demanda de fotógrafos para ilustrar textos en periódicos y revistas. Esta demanda creó un nuevo campo comercial para la fotografía, el publicitario. Los avances tecnológicos, que simplificaban materiales y aparatos fotográficos, contribuyeron a la proliferación de la fotografía como un entretenimiento o dedicación profesional para un gran número de personas.La cámara de 35 mm, que requería película pequeña y que estaba, en un principio, diseñada para el cine, se introdujo en Alemania en 1925. Gracias a su pequeño tamaño y a su bajo coste se hizo popular entre los fotógrafos profesionales y los aficionados. Durante este periodo, los primeros utilizaban polvos finos de magnesio como fuente de luz artificial. Pulverizados sobre un soporte que se prendía con un detonador, producían un destello de luz brillante y una nube de humo cáustico. A partir de 1930, la lámpara de flash sustituyó al polvo de magnesio como fuente de luz.Con la aparición de la película de color Kodachrome en 1935 y la de Agfacolor en 1936, con las que se conseguían trasparencias o diapositivas en color, se generalizó el uso de la película en color. La película Kodacolor, introducida en 1941, contribuyó a dar impulso a su popularización.Muchas innovaciones fotográficas, que aparecieron para su empleo en el campo militar durante la II Guerra Mundial, fueron puestas a disposición del público en general al final de la guerra. Entre éstas figuran nuevos productos químicos para el revelado y fijado de la película. El perfeccionamiento de los ordenadores facilitó, en gran medida, la resolución de problemas matemáticos en el diseño de las lentes. Aparecieron en el mercado muchas nuevas lentes que incluían las de tipo intercambiable para las cámaras de aquella época. En 1947, la cámara Polaroid Land, basada en el sistema fotográfico descubierto por el físico estadounidense Edwin HerbertLand, añadió a la fotografía de aficionados el atractivo de conseguir fotos totalmente reveladas pocos minutos después de haberlas tomado.En el decenio siguiente los nuevos procedimientos industriales permitieron incrementar enormemente la velocidad y la sensibilidad a la luz de las películas en color y en blanco y negro. La velocidad de estas últimas se elevó desde un máximo de 100 ISO hasta otro teórico de 5.000 ISO, mientras que en las de color se multiplicó por diez. Esta década quedó también marcada por la introducción de dispositivos electrónicos, llamados amplificadores de luz, que intensificaban la luz débil y hacían posible registrar incluso la tenue luz procedente de estrellas muy lejanas. Dichos avances en los dispositivos mecánicos consiguieron elevar sistemáticamente el nivel técnico de la fotografía para aficionados y profesionales.

FOTOGRAFÍA

Ejemplos

Outside BarbershopEsta imagen, tomada en el exterior de un barbería de

Estados Unidos en 1936, es un ejemplo del estilo humano y realista del fotógrafo americano Walker

Evans.

“My treasure”La técnica del fotomontaje se ha utilizado desde sus comienzos con fines artísticos y publicitarios. Un ejemplo del primer caso es esta composición en blanco y negro fechada en 1929, en la que el artista denuncia con un lenguaje cercano al surrealismo la relación de dominación entre un hombre y una mujer.

Primer plano fotográficoPara crear imágenes sorprendentes, los fotógrafos eligen ángulos y perspectivas poco comunes. Una de las técnicas es mostrar sólo un fragmento del motivo en un primer plano ampliado. Aunque ya el espectador no pueda distinguir el motivo original, la imagen resultante adquiere un nuevo aspecto y es arte por sí mismo. En esta imagen resalta la simetría de los diminutos astiles de una pluma.

Arte y oficio de hacer películas. Aunque Thomas Edison hubiera patentado el kinetoscopio en 1891, el cine propiamente dicho no se conoció hasta el lanzamiento en 1895 por los hermanos Louis y Auguste Lumière en París, del cinematógrafo, capaz de proyectar películas sobre una pantalla para una gran audiencia. Así apareció un nuevo espectáculo de masas, bautizado como el séptimo arte. Sólo hacía falta añadir el sonido a las imágenes. Esto se consiguió con la invención de los sistemas de sincronización sonido-imagen por la Vitaphone (1926) y la Movietone (1931) para que fuese tal y como hoy lo conocemos.

Ejemplos

CinematografCinematografííaa

“Tres acróbatas”El inventor estadounidense Thomas Edison construyó en 1893 el primer

estudio cinematográfico y lo utilizó para rodar todo tipo de películas, desde cortometrajes del Oeste hasta obras de vodevil. Esta cinta, en la que intervienen tres acróbatas, fue rodada en 1899. Más tarde, Edison

sincronizó las películas con el fonógrafo inventado por él mismo para producir los primeros filmes sonoros del cine.

KinetoscopioEl kinetoscopio, inventado por Thomas Edison y William K. L. Dickson, estáconsiderado como la primera máquina de cine. Era ya utilizada a principios de la década de 1890 y pronto se hizo popular en fiestas de carnavales y en atracciones. Las salas de kinetoscopio, que funcionaban con una moneda, surgieron en Nueva York a finales de 1890.

Disciplina que trata de la concepción formal de los productos manufacturados. En consecuencia, debe ocuparse del aspecto estético, de su eficiencia funcional y de la adecuación productiva y comercial.

Ejemplos

DiseDiseñño industrialo industrial

Silla BreuerMarcel Breuer, arquitecto, diseñador y profesor estadounidense de origen

húngaro, diseñó esta silla de aluminio y madera pintada. Las técnicas de moldeo de metales desarrolladas por la escuela de diseño alemana de la Bauhaus

hicieron posible este diseño, inspirado en la famosa silla en voladizo de 1926.

Tren de alta velocidadEl tren francés de alta velocidad (TGV) alcanza los 260 km/h.

Movimiento artístico de carácter indigenista, que surge tras la Revolución Mexicana de 1910 de acuerdo con un programa destinado a socializar el arte, y que rechaza la pintura tradicional de caballete, así como cualquier otra obra procedente de los círculos intelectuales. Propone la producción de obras monumentales para el pueblo en las que se retrata la realidad mexicana, las luchas sociales y otros aspectos de su historia. El muralismo mexicano fue uno de los fenómenos más decisivos de la plástica contemporánea iberoamericana y sus principales protagonistas fueron Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros. A partir de 1930 el movimiento se internacionalizó y se extendió a otros países de América.

Ejemplos

Muralismo

Diego RiveraLa pintura mural moderna

alcanza su cénit con la obra de Diego Rivera, el más

prolífico y conocido de los muralistas mexicanos. Este

fresco, La civilización tarasca, muestra algunas de

las costumbres de este pueblo indígena de México,

en este caso el teñido y dibujado de tejidos.

Rufino TamayoEl estilo de Rufino Tamayo,

influenciado por el arte cubista y por la obra de Joan

Miró y Paul Klee, se diferencia mucho de la obra

de otros pintores latinoamericanos ya que es

más abstracto que figurativo. Este mural decora el Palacio de Bellas Artes de la ciudad

de México.

José Clemente OrozcoLa obra de José Clemente Orozco, junto

a la de Diego Rivera, refleja la cultura prehispánica de México. En este mural,

la Edad dorada precolombina, los colores sombríos crean un efecto oscuro

y misterioso.

BIBLIOGRAFÍAAutodidáctica Océano Color

Enciclopedia, Tomo VI

Diccionario Enciclopédico

Océano Uno

Biblioteca de Consulta Microsoft ® Encarta ® 2005

www.Google.com

www.bcn.com

www.cultural7pintura.com

www.gvsu.edu

www.galartes.com

www.artenaif.com

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