Arte Renacentista

I.E.S. “FRANCISCO DE GOYA” MOLINA DE SEGURA

1.-LA ARQUITECTURA DEL QUINQUECENTO EN ITALIA

a) La obra arquitectónica de Bramante

Bramante (1444-1514) es uno de los arquitectos más representativos de la

transición al Cinquecento y representa el enlace entre las formas cuatrocentistas y

las nuevas formas arquitectónicas del Barroco. Antes de llegar a Roma procedente

de Urbino trabajó en Milán al servicio de Ludovico Sforzza (El Moro) para quien

proyectó un Mausoleo situado en la Iglesia de santa María de las Gracias. Llegó a

Roma en el año 1500 donde realizó el Patio de Santa María de la Paz por encargo

del Cardenal Caffara para iniciar a partir del año 1502 la construcción del

1.-Templo de San Pedro In Montorio (Selectividad)

Identificación:

Nombre: San Pietro in Montorio

Arquitecto: Bramante, Donato(1444-1514)

Cronología: 1502

Localización: Roma

Estilo: Renacimiento (Quinquecento)

Materiales:piedra, mármol(en la base y capitel de las columnas),y granito (en el fuste de las mismas)

Dimensiones: diámetro de la cúpula: 4,50 ms

Tipo de edificio: Arquitectura religiosa y conmemorativa.Análisis:

Exterior:

Se trata de uno de los edificios más bellos del arte romano a pesar de sus

reducidas proporciones y que fue construido para conmemorar el lugar de la

crucifixión de San Pedro. Es templo conmemorativo. Los Reyes Católicos

sufragaron los gastos del templete y del convento franciscano en donde se halla. El

edificio consta de una pequeña cella circular que rodea el agujero abierto en la

roca donde la tradición cristiana sitúa la crucifixión del primer Papa. La cella está

rodeada de una columnata períptera formada por 16 columnas dóricas que

sostienen el correspondiente entablamento con friso de triglifos y metopas,

coronado por una balaustrada.

Bramante recreó un tholos, un templo circular antiguo, como el de Vesta,

conservado en Roma. La referencia al templo antiguo es evidente también en la

función: las pequeñas dimensiones interiores (poco más de 4 metros de diámetro) 2º de Bachillerato. Curso 2008-2009-Historia del arte. La arquitectura del Quinquecento: Miguel Ángel y Bramante.

Renacimiento en España. © Departamento de Geografía e Historia.1


permiten alojar un altar, pero no congregar fieles para las ceremonias. El muro

circular de la cella se articula a base de pilastras que se corresponden con las

columnas del pórtico, así como con la alternancia de las oberturas: hornacinas

cubiertas por semicúpulas alternando con ventanas rectangulares. El muro tiene

una altura mayor que la columnata, de forma que el segundo piso se convierte en

tambor de la cúpula que remata el edificio. La superposición de la cúpula con

linterna sobre la cella circular es la innovación más destacable que introduce

Bramante respecto de los modelos antiguos. El conjunto se eleva sobre tres

peldaños.. Por su estructura, por el uso coherente del orden dórico y por el diseño

a modo de capilla conmemorativa, el Templete se acerca más a la esencia de la

arquitectura antigua que ningún otro edificio del Renacimiento. A pesar de su

aparente simplicidad y las pequeñas dimensiones, la influencia del templete se

puede observar en muchas obras posteriores.

Análisis simbólico:

Bramante concibe su arquitectura en términos humanísticos paganos y

cristianos, fundidos en una temática esencialmente religiosa y política. El edificio

no tenía un objeto práctico, sino sencillamente conmemorativo. Quería exaltar la

figura de San Pedro como Pontífice romano cuando, al fijar su sede en Roma, había

confirmado la categoría universal de la ciudad. Para el Renacimiento, el edificio

circular era la figura del mundo, que evocaba la realidad divina del Cosmos (la

Creación) y la expresión conceptual del “sagrado” y representaba la ciudad ideal

de Platón. Por primera vez un entablamento utiliza en sus metopas una iconografía

litúrgica cristiana: el cáliz y la patena (el platillo que contiene el pan).

Los tres cuerpos del templete podrían significar: el primero, la cripta (los

subterráneos): la primitiva iglesia romana de las catacumbas el segundo, la capilla:

la Iglesia militante (participante) y el tercero, la parte superior con la cúpula sería

la Iglesia triunfante, la Gloria del Cielo

2.-Planta de San Pedro del Vaticano:

Julio II le encomendó a Bramante la obra del nuevo templo de San Pedro que

habría de sustituir a la antigua basílica paleocristiana. A Bramante la obsesiona

construir una gran cúpula y se decide por un templo de planta de cruz griega, más

en consonancia con las proporciones cuadradas de la cúpula.

Proyecta cada uno de los brazos terminados en ábside semicircular y con

pórtico al exterior. En los ángulos formados por las naves, e inmediatas a la cúpula

2º de Bachillerato. Curso 2008-2009-Historia del arte. La arquitectura del Quinquecento: Miguel Ángel y Bramante. Renacimiento en España. © Departamento de Geografía e Historia.

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central, dispone otras cuatro menores, y más al exterior, otras tantas torres de

gran altura.

b) Miguel Ángel, arquitecto

El gran artista del Cinquecento es Miguel Ángel Buonarroti. Aunque Miguel Ángel

es principalmente escultor, también se dedicó a la arquitectura así como a la

pintura. Entre sus principales realizaciones arquitectónicas vamos a señalar:

1. Capilla Medicea. (Sacristía Nueva de San Lorenzo) en Florencia

Se inicia en 1520 y tarda cinco años realizarse. La planta continúa la tipología de

la de Brunelleschi en la Capilla Pazzi (Ver)

La Planta está compuesta por dos espacios cuadrados de distinta altura

comunicados a través de un arco y una cúpula sobre pechinas como cubierta en

cada uno de ellos.

También la bicromía de los muros enmarcados por pilastras y molduras de

piedra, mantiene el cromatismo dualista de Brunelleschi.

2. Escalera Laurenciana. (Selectividad)

Identificación:

Nombre: Biblioteca Laurenciana (Florencia). Escalera

Arquitecto: Miguel Ángel

Cronología: 1524

Localización: Florencia


Materiales: piedra

Tipo de edificio: Arquitectura urbanaAnálisis:

En 1524 el Papa Clemente VII dispuso trasladar la biblioteca familiar desde el

palacio Medici al convento de San Lorenzo y hacerla pública. Miguel Ángel la trazó

aprovechando las estructuras preexistentes, lo que le obligó a alejarse de los

modelos tradicionales italianos de librerías. La biblioteca se proyectó con dos

núcleos desnivelados: el zaguán y la sala de lectura.

La escalera, de forma caprichosa y única, ocupa la mitad del vestíbulo, con

tres rampas que se unifican en el descansillo central, para acceder en un solo

tramo a la puerta de acceso a la sala de lecturas. Destaca el dinamismo contenido

que producen los elementos constructivos en el espacio reducido. No destacan las

columnas de pared, sino que el muro se adelanta y las columnas quedan atrapadas


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pasivamente en un nicho; no sustentan nada, pero tampoco son sustentadas, pues

las ménsulas de volutas que hay debajo están carentes de función. Aunque cada

elemento guarda su independencia, la gran tensión del conjunto produce un efecto

general de grandiosa unidad. Expresa un gran manejo de las masas, de los

espacios y de la luz.

3. Plaza del Capitolio. (Campidoglio).

De sus últimos años es la ordenación de la plaza del Capitolio. En 1538 comenzó su

nueva configuración, con la colocación de la estatua ecuestre de Marco Aurelio,

que fue centro y eje de toda la planificación terminada en 1654.

Las fachadas de los palacios (Conservadores, Capitolio o Nuevo y Senado)

son de orden colosal.Estos edificios forman un trapecio, en el que Miguel Ángel

inscribió un óvalo enllosado. La decoración del enlosado imita un cielo estrellado

(Roma como centro del mundo). Esta plaza es un intento de organizar el espacio

urbano, de realizar la planificación de una ciudad que ha crecido sin orden, idea

que se mantendrá en los siglos siguientes.

De los tres edificios de la plaza el del centro es el palacio del Senado, el de la

izquierda el Capitolio y el de la derecha el palacio de los Conservadores.

4. Cúpula de San Pedro del Vaticano.(Selectividad)

Identificación:

Nombre: Cúpula de san Pedro del Vaticano

Arquitecto: Miguel Ángel

Cronología: se finalizó en 1589 por Giacomo Della Porta

Localización: Roma


Materiales: ladrillo, piedra y mármol

Tipo de edificio: Arquitectura religiosaAnálisis:

Después de muchos problemas, el Papa Paulo III, en 1546, le encomienda la

continuación de las obras a Miguel Ángel. En ese momento el escultor florentino

contaba más de 70 años y era considerado el genio indiscutible de occidente. Se

aceptan sus condiciones. Sigue el plan de Bramante de planta central pero

simplificándolo, desaparecen torres y torrecillas.

El proyecto queda así dispuesto para recibir el principal tema arquitectónico:

la cúpula sobre tambor, cerrando el ciclo de tanteos y experiencia comenzando


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por el Panteón de Agripa en Roma seguido de la Santa Sofía de Constantinopla y

Santa María dei Fiore de Florencia. Se había creado definitivamente el tipo de

cúpula occidental y todas las que le sigan hasta el siglo XIX serán imitación de

ésta.

Proyectó una cúpula esbelta, aunque pesada y maciza. Para ello tuvo que

reforzar los pilares. De esta manera construyó una cúpula grandiosa de 42 metros

de anchura, cuya cúspide está a 132 m del suelo. Su planta es circular, pero con

nervios robustos, que evitan la monotonía. Para darle mayor impulso la hizo

levantar sobre un robusto tambor, rematado con ático, decorándolo con columnas

y ventanas (y también guirnaldas). El perímetro del tambor aparece subrayado por

columnas gemelas embebidas en la masa que parecen contrarrestar el empuje de

las aristas visibles de la cúpula.

IMÁGENES DE ARQUITECTURA DEL QUINQUECENTO

58. San Pietro in Montorio (Bramante)

59. Cúpula de San Pedro (Miguel Ángel)


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60. Biblioteca Laurenciana (Miguel Ángel)

2.- EL RENACIMIENTO EN ESPAÑA


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2.1 ARQUITECTURA RENACENTISTA ESPAÑOLA: CUATRO OBRAS

PARADIGMÁTICAS.

1.-La Fachada de la Universidad de Salamanca

Identificación:

Nombre: Fachada de la Universidad de Salamanca

Arquitecto: En ella colaboraron probablemente artistas franceses

Cronología: Primer tercio del siglo XVI (1529-33)

Localización: Salamanca

Estilo: Plateresco (Renacimiento español)


Tipo de edificio: Arquitectura civil urbana

Análisis:

Esta fachada es un ejemplo de denominado estilo plateresco, la variedad más

“recargada” decorativamente del Renacimiento español. Se le denomina así

porque imita, en piedra, el arte de los plateros, muy minucioso, con abundante

decoración. Según el historiador F. Chueca, es una “fachada-estandarte” colocada

delante del muro. Sobre dos puertas gemelas separadas por un mainel se

desarrolla, a modo de enorme bastidor, todo el programa iconográfico, como si de

un retablo se tratara. La fachada está constituida por tres cuerpos sobrepuestos,

separados por frisos. El compartimiento inferior está dividido en cinco espacios,

apreciándose en el central el retrato de los Reyes Católicos en un medallón, con

una leyenda en griego en la que se lee: "Los Reyes a la Universidad y ésta a los

Reyes". Los cuatro espacios restantes presentan una decoración vegetal, animal y

humana. En la pilastra de la derecha, a la altura del primer cuerpo, se hallan tres

calaveras, en una de las cuales encontramos la famosa rana. El segundo

compartimiento también está dividido en cinco espacios: en el central, el blasón

con las armas de Carlos I rodeadas del collar del Toisón. A la izquierda, el águila

imperial bicéfala, y a la derecha, el águila de San Juan.. El compartimiento

superior es el que más problemas iconográficos presenta. En el centro

encontramos un sumo pontífice sentado en su cátedra, rodeado de cardenales y

otros personajes. Ha sido interpretado como Martín V, Benedicto XIII o Alejandro

IV... Parece además fuera de toda duda la inspiración libresca del conjunto: se ha


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http://www.artehistoria.jcyl.es/historia/personajes/5237.htm





demostrado que algunos elementos decorativos han sido extraídos de un libro

ilustrado impreso en el año 1490 y con unos grabados espléndidos

2.- Fachada del Palacio de Carlos V

Identificación:

Nombre: Fachada del Palacio de Carlos V

Arquitecto: Pedro Machuca.

Cronología: Primer tercio del siglo XVI

Localización: Granada

Estilo: Clasicismo (Renacimiento español)



El Palacio de Carlos V está situado en el corazón de la Alhambra. Si planta

es un cuadrado con un patio interior circular (lo que es bastante novedoso) de 30

ms de diámetro dividido en dos niveles en los que se superpones el orden toscano y

el jónico.

La fachada repite la ordenación interior: dos pisos en los que se superponen

pilastras toscanas y jónicas, separadas por un entablamento intermedio, entre las

cuales se ordenan dos pisos de huecos, rectangulares los bajos y circulares los altos.

Aparecen elementos decorativos claramente inspirados en el renacimiento italiano cono los

frontones situados sobre los vanos o el almohadillado “rustico” del muro inferior (recordemos que este

tipo de opus es frecuente en los palacios italianos). Es por esto que este palacio es un ejemplo de la

corrientes más “italianizante” del renacimiento español, con una cierta tendencia manierista (presente en

la complejidad de la fachada, frente al equilibrio interior.

3.- El Escorial

Identificación:

Nombre: San Lorenzo del Escorial

Arquitectos: Juan Bautista Toledo( colaborador de Miguel Ángel en la Basílica

de San Pedro del Vaticano y uno de los introductores del Renacimiento

arquitectónico italiano en España. A él se debe la planta del monasterio) y

Juan de Herrera (adaptó el proyecto original al gusto español y le dio una

estructura más unitaria y simétrico. Es “padre” del manierismo arquitectónico


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español llamado en su honor “estilo herreriano” caracterizado por la

austeridad decorativa y por la simetría.

Cronología: 1563-1584

Localización: El Escorial (Madrid)

Estilo: Herreriano o manierista (Renacimiento español)

Materiales: granito y pizarra

Tipo de edificio: Arquitectura religiosa (monasterio)Análisis:

Introducción:

Felipe II encargó a Juan Bautista de Toledo la construcción de este edificio,

símbolo del poder español. Comenzaron las obras en 1563 . En 1567 murió Toledo

y Herrera (su ayudante) quedó al ferente de los trabajos. El precedente más claro

de El Escorial es el Monasterio jerónimo de Yuste .En él no existe ornamentación

superflua. Es arquitectura pura. Está perfectamente integrado en el paisaje: su

masa granítica parece formar parte de la sierra de Gredos de la que han sido

obtenidos los bloques que lo forman. El Escorial es, en opinión de Chueca, el

monumento simbólico de la despersonalización, el símbolo del Estado del que por

ello su impulsor (Felipe II ) hubo de eliminar toda clase de referencias personales y

locales ya que estaba pensando en la “monarquía universal”

Planta:

Es un modelo de unidad y simetría . Tiene forma rectangular dividida por una

estructura reticular. Está atravesada por un eje central simbólico que desde la

fachada principal se prolonga a través del patio de los Reyes (1) y la Iglesia(2)

hasta las estancias privadas de Felipe II(3). Esta zona central está flanqueada por

el resto de las construcciones: el palacio público (cortesano), el seminario y el

colegio universitario, y en la zona sur, el Claustro de los Evangelistas(4) y el

monasterio.(5)

Exterior:

El exterior del edificio es austero, sólido, hermético , casi impenetrable.

Cientos de ventanas cuadradas, sin molduras ni cornisas se suceden

monótonamente por su fachada granítica que incorpora cuatro torres en sus

extremos. Esa monotonía se completa con las cubiertas de pizarra negra y se

rompe con las bolas y los chapiteles de las torres (remates piramidales).


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La monotonía vuelve a romperse en el acceso a la fachada principal donde un

cuerpo sobresale ligeramente presidido por un doble friso de columnas dóricas

gigantes y rematado por un frontón

Interior:

La Iglesia bajo cuyo altar mayor se halla el “Panteón de Reyes” es el punto

neurálgico del Escorial. Es de planta de cruz griega con una cúpula central que

sobresale por encima de todo el conjunto monumental. El ábside que remata la

planta es cuadrado y está unido a las dependencias privadas de Felipe II desde las

que veía el altar mayor de la Iglesia.

La fachada de la Iglesia tiene dos cuerpos: en el inferior un paramento

decorado por 6 semicolumnas gigantes de estrilo dórico. En el superior (separado

de inferior por un entablamento), seis pedestales con las esculturas de los Reyes

de Israel delante de un muro rematado por un frontón cuya base es interrumpida

por un vano.

4. Bóveda de la capilla de los Junterones

Identificación:

Nombre: Capilla de los Junterones (fue promovida por don Gil Rodríguez de Junterón, arcewdiano de Lorca y protonotario del Papa Julio II)

Arquitectos: ¿Jerónimo Quijano?

Cronología: siglo XVI

Localización: Catedral de Murcia

Estilo: Renacentista

Materiales:


Es una de las grandes obras del renacimiento español, con una bóveda

elíptica cuya singularidad ha hecho que en los libros de historia del arte se

catalogue como " la Bóveda de Murcia”. Es una de las mejores obras de la

Catedral, y sin duda la mejor capilla de enterramiento del Renacimiento murciano.

Fue promovida por D. Gil Rodríguez de Junterón, personaje destacado en la corte

de Julio II. Es de planta oblonga (más larga que ancha) y constituye un conjunto de

singular novedad así como de excepcional calidad donde se funden arquitectura y

escultura. Cabe destacar el magnífico altorrelieve que, representando la Gloria, se 2º de Bachillerato. Curso 2008-2009-Historia del arte. La arquitectura del Quinquecento: Miguel Ángel y Bramante.

Renacimiento en España. © Departamento de Geografía e Historia.10


alza por encima del retablo de la Adoración de los Magos, así como las figuras de

Isaías, San Juan Bautista y las doce Sibilas, en una mezcla de lo religioso y lo

pagano, tan característico del Renacimiento.

2.2 PINTURA RENACENTISTA ESPAÑOLA: EL GRECO

a) Características generales de la pintura renacentista españolaLa pintura española de este siglo (XVI) presenta un panorama complejo con rasgos peculiares:

1. La introducción del Renacimiento fue tardía, a fines del siglo XV. Hasta el siglo XVI no se asimila plenamente el nuevo lenguaje, que convive con el gótico-flamenco.

2. La lenta difusión de las formas renacentistas se realiza por distintos medios: importación de pinturas y grabados de Italia, presencia de pintores italianos en España y viaje de artistas españoles a Italia. Esto explica la heterogeneidad de planteamientos.

3. El artista español carece de la formación intelectual que demanda la nueva cultura humanística y sigue teniendo consideración de artesano. A mediados de siglo contamos ya con artistas, formados en Italia, que desarrollan un lenguaje propio incorporando los aspectos más renovadores de los grandes maestros.

4. Los clientes de los artistas, debido a la casi inexistencia de burguesía ciudadana, son la nobleza terrateniente, la Iglesia y la Monarquía. La aristocracia española, gran admiradora de las cortes italianas, adopta el nuevo arte porque su modernidad aumenta su prestigio, no por valorar los ideales renacentistas. Una minoría humanista va creando lentamente un clima más receptivo a lo largo del XVI. Los reyes Carlos V y Felipe II impulsan el desarrollo de programas artísticos clasicistas como expresión de su poder.

5. El cliente más importante es la Iglesia. De ahí el predominio de temas religiosos. Las imágenes son un instrumento de propaganda de la fe católica frente al protestantismo. Tienen como misión conmover a los fieles. La pintura mitológica y la de historias profanas son escasas, salvo las realizadas por pintores italianos como Tiziano para Carlos V, Felipe II y grandes señores, igual que los retratos.

6. En cuanto a técnicas la más empleada es el óleo sobre tabla y posteriormente sobre lienzo.El fresco apenas se desarrolla, a diferencia de Italia.

b) Etapas y evolución


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1. Primer tercio del siglo XVI: Conviven dos influencias: La flamenca del siglo XV, con su realismo y detallismo, su rico colorido, su amor por paisaje e interiores, va dejando espacio progresivamente a la influencia italiana del siglo XV (Quattrocento). Los pintores se interesan por el dibujo, la figura humana (no por el desnudo), la proporción , la luz, la composición y la profundidad espacial mediante la perspectiva lineal, aunque no lo consiguen del todo. Algo más tarde llega la influencia de Leonardo da Vinci, que se aprecia en el sfumato o sombreado y en el interés por las actitudes y el paisaje

2.El segundo tercio de siglo: La influencia de Rafael, con sus elegantes composiciones y dulces formas, sustituye a la del viejo Leonardo y acaba con los restos de la herencia flamenca. Llega el Manierismo, estilo anticlásico, intelectual y minoritario. Colores fríos, desproporción, movimiento exagerado, formas helicoidales y alargadas, confusión son sus características. Los artistas españoles se incorporan con rapidez a esta corriente debido al escaso influjo del clasicismo y a la tradición del lenguaje gótico.

c) Artistas y obras más representativas: Las tres escuelas principales son Valencia, Castilla y Andalucía.

1.- Primer tercio del siglo XVI:

A Valencia llega, a fines del siglo XV, la influencia del Quattrocento italiano, por su proximidad y la presencia de pintores italianos. Fernando Yañez (+ h. 1536) y Hernando Llanos, que trabajan juntos, importan el estilo de Leonardo (Santa Catalina)

En Castilla la obra de Pedro de Berruguete (+ 1503) refleja la doble influencia flamenca (detallismo, realismo, uso del pan de oro ) e italiana (preocupación por la luz y la perspectiva) tras su estancia en Urbino. (Retablo de Santo Tomás, de Ávila) En Toledo Juan de Borgoña (+ h. 1535) muestra el influjo italiano en sus frescos de la Sala Capitular de la catedral, pero sin desplazar aún el recuerdo flamenco.

En Andalucía vemos la misma dualidad en Alejo Fernández (+ h. 1545), autor de la conocida Virgen de los Navegantes (Sevilla, Archivo de Indias).

2.- Segundo tercio del siglo XVI:

En Valencia el estilo sentimental de Juan de Juanes (+ 1579) funde el sfumato de Leonardo con el color y dulzura de Rafael. Su Santa Cena es muy popular.

En Castilla el escultor Alonso Berruguete (h. 1489-1561), hijo de Pedro, introduce el Manierismo de Miguel Ángel muy pronto. Tras su viaje a Italia pinta alargadas figuras y escorzos en movidas composiciones (Retablo de San Benito, Valladolid)


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En Andalucía destaca Pedro Machuca (+ 1550), arquitecto, formado en Italia. Su Descendimiento ( M. del Prado), con luz nocturna, es claramente manierista.

En Extremadura sobresale Luis de Morales (1510-1586),"el Divino", divulgador de temas piadosos de hondo misticismo, muy populares (Virgen con el Niño, Piedad). Su manierismo de figuras alargadas y expresivas mezcla el sfumato leonardesco con la dulzura de los rostros de Rafael y el detallismo flamenco. -

3.- Último tercio del siglo XVI:

Felipe II, gran conocedor y admirador del arte italiano, necesita artistas para decorar el Monasterio de El Escorial. Acuden numerosos pintores manieristas italianos, como Tibaldi, Zúccaro, etc. El español Juan F. Navarrete el Mudo (1526-1579) en su Martirio de Santiago usa el color veneciano junto a detalles ya tenebristas

.En Madrid el más importante de los retratistas de corte al servicio de Felipe II es Alonso Sánchez Coello (1531- 1588), buen dibujante. Conjuga el virtuosismo flamenco de su maestro Antonio Moro con la riqueza decorativa de los venecianos y el interés psicológico por los retratados, idealizados (El príncipe Don Carlos, Isabel Clara Eugenia, en M. del Prado). Su discípulo Juan Pantoja de la Cruz (1553-1608) es muy detallista en vestidos y joyas (Margarita de Austria, Prado).

Pero sin duda el pintor más importante y original de este siglo es

Doménikos Theotokopoulos "El Greco" (1541-1614):

Nace en Creta donde inicia su aprendizaje en la tradición bizantina de los

iconos. Su acomodada posición económica le permite viajar a Venecia y

trabajar desde 1560 en el taller de Tiziano, donde asimila sus ricos colores y

la concepción espacial y juegos de luces de Tintoretto. (La Anunciación, M.

del Prado). Se instala en Roma en 1570. Entra en contacto con los círculos

humanistas y manieristas; estudia las composiciones de Rafael y el dibujo de

Miguel Ángel. Se traslada a España en 1576. En La Trinidad muestra la

influencia de Miguel Ángel. Para la catedral de Toledo pinta El Expolio, de

rico colorido veneciano. Su principal objetivo es trabajar para la decoración

de El Escorial; hace para Felipe II San Mauricio y la Legión Tebana (El

Escorial), pero la obra es rechazada por no ajustarse a los planteamientos

clasicistas que demanda el rey. Cerrado el camino a la Corte, fija su

residencia definitiva en Toledo. La élite culta de la ciudad, atraída por el


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enfoque intelectual de su pintura, le hace numerosos encargos. Goza de gran

popularidad y puede desarrollar libremente su pensamiento y estética. Pinta

su obra maestra El entierro del Conde de Orgaz.

Su estilo manierista es muy personal y muestra aportaciones de todos los

lugares por los que ha pasado (Creta, Venecia, Roma y Toledo) y se

caracteriza por:

a) Ausencia de perspectivas clásicas.(isocefalia , simbolismo e iconografía

bizantinas).

b) Rompe con el dibujo aplicando el color en pinceladas anchas y libres, con

retoques.

c) Colores brillantes y estridentes, irisados, cálidos (amarillo, carmesí,

morado) que irán evolucionando hacia una gama fría (verdes, azules,

grises), pero muy expresiva.

d) Luces artificiales y fuertes contrastes lumínicos.

e) Representa varias escenas en un mismo cuadro, con varios centros de

atención: suele haber dos sectores: el terrenal y el espiritual.

f) Sacrifica anatomía y proporciones en beneficio de expresividad. Figuras

alargadas, estilizadas, "serpentinatas", ondulantes como llamas. Escorzos

atrevidos.

g) Misticismo y expresionismo dramático.

h) Sus temas preferidos son:

Religiosos, siguiendo las ideas de la Contrarreforma, como los

citados y el Bautismo de Cristo, La Resurrección, Adoración de

los Pastores, etc. Santos místicos, como sus Apostolados, San

Andrés y San Francisco, en M. del Prado.

Retratos: Resalta las cualidades espirituales del personaje a través

de gestos, manos y mirada. Caballero de la mano en el pecho (M

del Prado).


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Paisajes: De su etapa final, muy subjetivos, con figuras deformadas

en colores gris plata y rojo llameante: Vista de Toledo, Laocoonte

y sus hijos.

El entierro del Conde de Orgaz. (Selectividad)

Identificación:

Nombre: El entierro del Conde de Orgaz

Autor:: El Greco

Cronología: 1586,

Localización: iglesia de Santo Tomé de Toledo

Estilo: Clasicismo (Renacimiento español)

Técnica: Óleo sobre lienzo

Dimensiones: 487 cms x 360 cms (gran formato)

Tema: pintura religiosa. Representa el milagro de la presencia de san Esteban y San Agustín en el entierro del Señor de Orgaz, ante los asistentes; en la parte superior, el alma del conde es recibida en el cielo, con el tema de la deesis bizantina- Cristo, la Virgen y San Juan

Análisis:Descripción:

Este gran cuadro está dividido en dos grandes zonas, por un lado en la parte alta se observa una zona celestial en donde aparecen Cristo, la Virgen, ángeles, santos y otros personajes ya fallecidos. En la parte inferior, la terrenal, se representa un entierro rodeado de personajes, unos eclesiásticos y otros civiles.

Análisis formal de la obraLa obra tiene una serie de características que la sitúan dentro del estilo ManieristaEstas características del nuevo estilo que podemos observar en la obra que estamos comentando son:

Luces de apariencia artificial: en la obra por tanto podemos observar como la parte celestial tiene una luz diáfana que no emana de una fuente en concreto, o como en la parte terrenal parecen el cuerpo del señor de Orgaz y los santos más iluminados que el resto así como las caras de los personajes representados. Esta iluminación no es natural, si hubiese sido así las antorchas que portan algunos individuos hubiesen modificado la luminosidad del cuadro creando unos contrastes entre luces y sombras. El Greco por tanto utiliza este recurso de una forma artificial que inquieta al espectador y le hace atraer la mirada hacia unas escenas determinadas

El alargamiento de las figuras: recurso ampliamente utilizado por el pintor en todos sus lienzos hasta tal punto que éste se ha tomado como característico de su obra. Este recurso lo tomará de Miguel Ángel tras su paso por Roma y en segundo lugar de Tintoretto y Parmigianino de la escuela Veneciana. Consiste en el alargamiento voluntario de las formas buscando en ello una belleza de las formas a través de la estilización de éstas, existe por


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tanto una inspiración goticista, pero también una intencionalidad de poner en cuestión unas reglas y modelos nacidos en el Alto Renacimiento y que a la altura del siglo XVI son considerados como caducos. Es por este motivo que los tratadistas se harán eco de la nueva situación argumentando que el cuerpo no se puede medir objetivamente, y ha de ser el ojo y no las reglas las que marquen la composición de una figura. El Greco conoce la obra de Miguel Ángel tras su estancia en Roma, conoce a los demás manieristas, y también sabemos que en su biblioteca se guardaban algunos tratados al respecto en donde anotó su conformidad con estos postulados. Así no es de extrañar la estilización de las figuras que aparece en la obra que comentamos.

Figuras cortadas: es otro de los recursos manieristas utilizados en esta pintura, algo impensable dentro del Renacimiento pleno que postula la armonía, el equilibrio, la composición dentro de la obra, pero que el Manierismo al romper con las normas no tiene en cuenta, buscando así unos efectos mayores en el cuadro. Ejemplo de todo ello lo podemos encontrar en las figuras recortadas que aparecen en los laterales del lienzo.

Figuras serpentinatas: consiste en la elaboración de figuras retorcidas que buscan extraños escorzos. Esta idea nace de Miguel Ángel que quiere con ello imprimir en la figura una expresión no alcanzada anteriormente, idea que pronto es aceptada y desarrollada por los manieristas. Ejemplo de ello lo podemos encontrar en la figura del ángel que conduce el alma del señor de Orgaz al cielo y en menor medida en la posición de otros ángeles de la escena celestial.

Predominio del color en la composición frente a la línea: algo que se sale de la influencia de Miguel Ángel pero que la acerca a las obras del Manierismo Veneciano y más concretamente a la órbita de Tintoretto y de Tiziano cuyas obras eran verdaderas explosiones de color. Esta circunstancia la podemos observar en los colores vistosos y llamativos que se utilizan en su obra que llaman poderosamente la atención trasmitiendo una emoción al contemplador como puede ser las casullas de los santos, las caras recortadas en fondo negro de los personajes, la utilización de los blancos y en general el colorido de la parte celestial. El predominio del color alcanzará su impronta más alta en la representación del alma del difunto, en donde ésta queda resumida en unas pinceladas de color en donde ha desaparecido totalmente la línea.

Un cierto “Horror vacui” en la composición: esta es otra de las características del Manierismo, que trata de llenar todo el espacio pictórico. Ejemplo de ello lo podemos ver sobre todo en la parte celestial en donde aparecen un sin fin de personajes que llenan por completo la escena.

El movimiento: característica manierista que es ampliamente utilizada por los pintores de este estilo, nace de la importancia que Miguel Ángel le da en la representación de las figuras ya que el movimiento será una característica de la belleza. El Greco lo utilizará en muchas de sus obras, si bien en esta no sea algo característico a excepción de las aposturas de algunos ángeles que denotan movimiento.


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Análisis iconográfico de la obra:

Tal y como se ha dicho, la intención del cuadro era pintar el milagro aludido anteriormente. Para ello el artista pintará el entierro tal y como se le ha mandado, pero también una visión divina del mundo celestial ha donde irá el alma del difunto.

En esta visión divina se representa el cielo. Un cielo dominado por la figura central de Jesucristo Resucitado (vestiduras de blanco) que sentado en un trono juzga como rey del universo a todas las almas. En este sentido hay quien observa una relación entre este Cristo y las figuras de los pantocrátor medievales.

Cristo como Señor del mundo ha de juzgar esta nueva alma del difunto que sube hacia él. Por eso con la mano derecha señala hacia San Pedro (portador de las llaves del cielo tal y como lo atestigua su atributo pictórico), indicándole que ha de abrir las puertas para esta alma que sube.

Bajo la figura central aparece la Virgen María (vestida de rojo y azul como lo demanda la tradición; rojo porque es coopartícipe de la Pasión de Cristo y azul como color de la esperanza en el cielo) María, está en disposición de acoger el alma que sube “ayudando” por medio de un gesto a que ese alma se eleve. Esta posición de la Virgen como intercesora ante su Hijo, en el papel de Madre será uno de los argumentos contrareformistas más utilizados en el Barroco unos años después, con el fin de contrarrestar las doctrinas protestantes-

A la izquierda de Cristo (derecha del cuadro) aparecen toda una serie de personajes que miran a Dios. Entre ellos y reconocibles a través de sus atributos, cabe destacar en primer lugar a San Juan el Bautista, reconocible por su vestimenta de piel de camello, que se encuentra en un primer lugar. Junto a él dos mártires: San Pablo Apostol (con la espada de su martirio) y Santiago el Mayor patrono de España, con indumentaria que asemeja la de un peregrino y con la concha. En segunda fila de este grupo aparece Santo Tomás (titular de la parroquia y reconocible por la escuadra de arquitecto) y el resto de los apóstoles al lado de Felipe II, lo cual no deja de ser un sorprendente lugar. En último lugar aparecen una serie de santos sin identificar que forman el coro celestial alrededor de la Figura de Cristo. Bajo ellos, en la esquina derecha de la parte celestial de la composición, sí se pueden identificar a María Magdalena (cabellos despeinados) y a San Sebastián con las saetas de su martirio, ambos santos con una devoción particular en el lugar.

En la parte izquierda del cuadro aparecen diversas figuras del Antiguo Testamento como el rey David con su arpa, Moisés con las Tablas de la Ley o Noé al lado de su arca. En definitiva toda una serie de personajes importantes a quienes se presupone un lugar destacado en la otra vida.

En la parte terrenal de la pintura, tal y como hemos indicado aparece el cuerpo inerte del noble difunto que es recogido por San Agustín con su vestimenta de obispo y San Esteban, diacono de la Iglesia y primer mártir. En las casullas y estolas de ambos personajes decora El Greco algunos


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personajes bíblicos y otras escenas; ropajes por demás contemporáneos al autor del cuadro, pero no así a los de la época de las dos figuras retratadas. A este entierro asisten anacrónicamente el párroco que encarga el cuadro que preside las exequias leyendo el ritual de los oficios y otros clérigos de su entorno. En la parte opuesta, un fraile franciscano, otro agustino y un fraile dominico. En la fila del centro una serie de personajes contemporáneos de El Greco, y el mismo Greco que nos mira de frente, invitando a entrar al espectador en el misterio y milagro que está ocurriendo, de la misma manera que hace el niño del primer plano hijo de El Greco señalando con su dedo al personaje central.

Entre la parte terrenal y la celestial aparece el alma del difunto que es ascendida ayudada por un ángel. De esta forma los ángeles serían los más cercanos a los personajes vivos y por tanto más parecidos a los mortales-

73. Fachada de la Universidad de Salamanca

74. Fachada del Palacio de Carlos V


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75. El Escorial

76. Bóveda de la capilla de los Junterones


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77. El entierro del conde de Orgaz


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Arte Renacentista

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